Školní encyklopedie. Hlavní směry modernismu Umělecký impresionismus
Impresionismus je hnutí v umění konce 19. a počátku 20. století. Rodištěm nového směru malby je Francie. Přirozenost, nové metody zprostředkování reality a myšlenky stylu přitahovaly umělce z Evropy a Ameriky.
Impresionismus se rozvinul v malbě, hudbě, literatuře, díky slavným mistrům – například Claudu Monetovi a Camille Pissarrovi.
Umělecké techniky používané k malování obrazů činí plátna rozpoznatelná a originální.
Dojem
Termín „impresionismus“ měl zpočátku pohrdavý význam. Kritici používali tento koncept k označení kreativity představitelů stylu. Koncept se poprvé objevil v časopise „Le Charivari“ - ve fejetonu o „Salonu odmítnutých“ „Výstava impresionistů“. Základem bylo dílo Clauda Moneta „Impression. Vycházející slunce." Postupně se tento termín mezi malíři vžil a získal jinou konotaci. Podstata pojmu sama o sobě nemá žádný konkrétní význam ani obsah. Badatelé poznamenávají, že metody používané Claudem Monetem a dalšími impresionisty se odehrály v díle Velázqueze a Tiziana.
Impresionismus Impresionismus
Impresionismus pokračuje v tom, co odstartovalo realistické umění 40.–60. osvobození od konvencí klasicismu, romantismu a akademismu, potvrzuje krásu každodenní reality, jednoduché, demokratické motivy a dosahuje živé autenticity obrazu. Autentický, moderní život činí esteticky významným ve své přirozenosti, ve vší bohatosti a třpytu jeho barev, zachycuje viditelný svět v jeho vlastní neustálé proměnlivosti, obnovuje jednotu člověka a jeho prostředí. V mnoha obrazech impresionistů (zejména v krajině a zátiších, řada vícefigurálních kompozic) je jakoby náhodně zachycena nestrannost, síla a svěžest pomíjející okamžik nepřetržitého toku života První dojem je zachován, což umožňuje zachytit jedinečné a charakteristické v tom, co je vidět. Díla impresionistů se vyznačují veselostí a nadšením pro smyslnou krásu světa, ale v řadě děl Maneta a Degase jsou hořké, sarkastické poznámky.
Impresionisté jako první vytvořili mnohostranný obraz každodenního života moderního města, zachycující originalitu jeho krajiny a vzhledu lidí, kteří je obývali, jejich života, práce i zábavy.
V krajině (zejména Sisley a Pissarro) vyvinuli plenérové questy J. Constabla, barbizonskou školu, C. Corota a další a vyvinuli kompletní plenérový systém. V impresionistických krajinách je jednoduchý, každodenní motiv často transformován všudypřítomným pohybujícím se slunečním světlem a vnáší do obrazu pocit slavnosti. Práce na obraze přímo v plenéru umožnila reprodukovat přírodu v celém jejím živém reálném životě, jemně analyzovat a zachytit její přechodové stavy, zachytit sebemenší změny barev, které se objeví pod vlivem vibrujícího a tekutého světla- vzdušné prostředí (organicky spojující člověka a přírodu), které se stává impresionismem samostatným objektem obrazu (hlavně v dílech Moneta). Aby ve svých obrazech zachovali svěžest a pestrost barev přírody, vytvořili impresionisté (s výjimkou Degase) malířský systém, který se vyznačuje rozkladem složitých tónů na čisté barvy a vzájemným pronikáním jasných samostatných tahů čistého barva, jako by se mísila v oku diváka, světlé a jasné barvy, hodnoty bohatosti a reflexy, barevné stíny. Objemové tvary se jakoby rozpouštějí ve světlovzdušné skořápce, která je obklopuje, dematerializují se a získávají nestálé obrysy: hra různých tahů štětcem, pastou a tekutinou dodává vrstvě barvy chvění a úlevu; čímž vzniká zvláštní dojem neúplnosti, utváření obrazu před očima člověka uvažujícího o plátně. Dochází tak ke sblížení mezi skicou a malbou a často i ke splynutí vícero. etapy práce do jednoho souvislého procesu. Obraz se stává samostatným rámem, fragmentem pohyblivého světa. To vysvětluje na jedné straně ekvivalenci všech částí obrazu, které se současně rodí pod umělcovým štětcem a rovnoměrně se podílejí na figurativní výstavbě děl, na druhé straně zjevnou nahodilost a nevyváženost, asymetrii kompozice, odvážné střihy postav, nečekané úhly pohledu a složité úhly, které aktivují prostorovou konstrukci.
Impresionisté se také obraceli k portrétům a každodennímu žánru (Renoir, B. Morisot, částečně Degas). Domácí žánr a akty v impresionismu se často prolínaly s krajinou (zejména u Renoira); lidské postavy osvětlené přirozeným světlem byly obvykle zobrazovány v blízkosti otevřeného okna, v altánku apod. Impresionismus se vyznačuje mísením každodenního žánru s portrétováním a tendencí k stírání jasných hranic mezi žánry. Od počátku 80. let. někteří mistři impresionismu ve Francii se snažili upravit jeho tvůrčí principy. Pozdní impresionismus (polovina 80. - 90. léta) se rozvíjel v období formování secese a různých směrů postimpresionismu. Pozdní impresionismus je charakterizován vznikem smyslu pro vnitřní hodnotu umělcova subjektivního uměleckého stylu a růstem dekorativních tendencí. Hra odstínů a dodatečných tónů v díle impresionismu je stále sofistikovanější a objevuje se tendence k větší barevné sytosti pláten či tónové jednotě; krajiny jsou spojeny do série.
Velký vliv na francouzské malířství měl malířský styl impresionismu. Určité rysy impresionismu převzala salonně-akademická malba. Pro řadu umělců se studium metody impresionismu stalo výchozím krokem na cestě k rozvoji vlastního uměleckého systému (P. Cezanne, P. Gauguin, V. van Gogh, J. Seurat).
Tvůrčí obrat k impresionismu a studium jeho principů byl důležitým krokem ve vývoji mnoha národních evropských uměleckých škol. Pod vlivem francouzského impresionismu se v USA rozvinulo dílo M. Liebermana, L. Corintha v Německu, K. A. Korovina, V. A. Serova, I. E. Grabara a raného M. F. Larionova v Rusku, M. Prendergasta a M. Cassatta, L. Wyczulkovského v Polsku, slovinští impresionisté atd. Přitom jen některé aspekty impresionismu byly podchyceny a rozvíjeny mimo Francii: apel na moderní témata, efekty plenérové malby, zesvětlení palety, skicovitý způsob malby atd. Termín „impresionismus“ se používá i pro sochařství 80.–10. let 19. století, které má některé rysy podobné impresionistické malbě – touhu zprostředkovat okamžitý pohyb, plynulost a měkkost forem, záměrnou plastickou neúplnost. Impresionismus v sochařství se nejzřetelněji projevil v dílech M. Rosso v Itálii, O. Rodina a Degase ve Francii, P. P. Trubetskoye a A. S. Golubkiny v Rusku atd. Určité techniky impresionismu byly zachovány v mnoha realistických směrech umění 20. století. Impresionismus ve výtvarném umění ovlivnil vývoj výrazových prostředků v literatuře, hudbě a divadle.
C. Pissarro. "Poštovní trenér v Louveciennes." Kolem 1870. Muzeum impresionismu. Paříž.
(Zdroj: „Encyklopedie populárního umění.“ Editoval V.M. Polevoy; M.: Publishing House „Sovětská encyklopedie“, 1986.)
impresionismus(francouzský impressionnisme, od imprese - imprese), směr v umění con. 1860 – brzy 80. léta 19. století Nejzřetelněji se projevuje v malbě. Vedoucí představitelé: K. Monet, O. Renoir, TO. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte a J. F. Basile. E. s nimi vystavoval své obrazy. Manet a E. Degas, i když styl jejich děl nelze označit za zcela impresionistický. Název „impresionisté“ byl přidělen skupině mladých umělců po jejich první společné výstavě v Paříži (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley atd.), která vyvolala zuřivé rozhořčení mezi veřejností a kritiky. Jeden z prezentovaných obrazů C. Moneta (1872) se jmenoval „Dojem. Sunrise“ („L’impression. Soleil levant“) a recenzent umělce posměšně nazval „impresionisty“ – „impresionisty“. Pod tímto názvem vystoupili malíři na třetí společné výstavě (1877). Zároveň začali vydávat impresionistický časopis, jehož každé číslo bylo věnováno dílu jednoho z členů skupiny.
Impresionisté se snažili zachytit svět kolem sebe v jeho neustálé proměnlivosti a plynulosti a nestranně vyjádřit své bezprostřední dojmy. Impresionismus vycházel z nejnovějších objevů optiky a teorie barev (spektrální rozklad slunečního paprsku na sedm barev duhy); v tom je v souladu s duchem vědecké analýzy charakteristické pro con. 19. století Sami impresionisté se však nepokoušeli definovat teoretické základy svého umění, trvali na spontánnosti a intuitivnosti umělcovy kreativity. Umělecké principy impresionistů nebyly jednotné. Monet maloval krajiny pouze v přímém kontaktu s přírodou, pod širým nebem (na plenér) a dokonce postavil dílnu na lodi. Degas pracoval v dílně ze vzpomínek nebo pomocí fotografií. Na rozdíl od představitelů pozdějších radikálních hnutí nepřekročili umělci renesanční iluzorně-prostorový systém založený na používání přímých vyhlídky. Pevně se drželi metody práce ze života, kterou povýšili na hlavní princip kreativity. Umělci se snažili „malovat to, co vidíte“ a „tak, jak vidíte“. Důsledné použití této metody znamenalo transformaci všech základů stávajícího obrazového systému: barva, kompozice, prostorová výstavba. Čisté barvy byly na plátno nanášeny malými samostatnými tahy: vícebarevné „tečky“ ležely vedle sebe a míchaly se do barevné podívané nikoli na paletě nebo na plátně, ale v oku diváka. Impresionisté dosáhli nebývalé znělosti barev a nebývalé bohatosti odstínů. Tah štětcem se stal samostatným výrazovým prostředkem, naplňujícím povrch malby živou, třpytivou vibrací barevných částic. Plátno bylo přirovnáno k mozaice třpytící se vzácnými barvami. Na předchozích obrazech převládaly černé, šedé a hnědé odstíny; Na obrazech impresionistů barvy jasně zářily. Impresionisté nepoužívali šerosvit aby zprostředkovali objemy, opustili tmavé stíny; Umělci hojně využívali doplňkové tóny (červená a zelená, žlutá a fialová), jejichž kontrast zvyšoval intenzitu barevného zvuku. V Monetových obrazech se barvy zesvětlovaly a rozpouštěly v záři slunečních paprsků, místní barvy nabývaly mnoha odstínů.
Impresionisté zobrazovali svět kolem nás v neustálém pohybu, přechod z jednoho stavu do druhého. Začali malovat sérii obrazů ve snaze ukázat, jak se stejný motiv mění v závislosti na denní době, osvětlení, povětrnostních podmínkách atd. (cykly „Boulevard Montmartre“ od C. Pissarra, 1897; „Rouenská katedrála“, 1893 - 95, a "Parlament of London", 1903-04, C. Monet). Umělci našli způsoby, jak ve svých obrazech odrážet pohyb mraků (A. Sisley. „Loing in Saint-Mamme“, 1882), hru slunečních paprsků (O. Renoir. „Swing“, 1876), poryvy větru ( C. Monet "Terrace in Sainte-Adresse", 1866), proudy deště (G. Caillebotte. "Hierarch. The Effect of Rain", 1875), padající sníh (C. Pissarro. "Opera Passage. The Effect of Snow". “, 1898), rychlý běh koní (E. Manet. „Racing at Longchamp“, 1865).
Impresionisté vyvinuli nové principy kompozice. Dříve byl prostor obrazu přirovnáván k jevišti, nyní se zachycené scény podobaly momentce, fotografickému rámu. Vynalezen v 19. století. fotografie měla výrazný vliv na kompozici impresionistických obrazů, zejména v díle E. Degase, který byl sám vášnivým fotografem a podle vlastních slov se snažil jím zobrazované baletky zaskočit, vidět je „jakoby klíčovou dírkou“, kdy jejich pózy, linie těla jsou přirozené, výrazné a autentické. Vytváření obrazů pod širým nebem, touha zachytit rychle se měnící osvětlení nutila umělce zrychlit práci, malovat „alla prima“ (na jeden zátah), bez předběžných skic. Fragmentace, „náhodnost“ kompozice a dynamický malířský styl vytvořily v obrazech impresionistů pocit zvláštní svěžesti.
Oblíbeným impresionistickým žánrem byla krajina; portrét také představoval jakousi „krajinu tváře“ (O. Renoir. „Portrét herečky J. Samary“, 1877). Umělci navíc výrazně rozšířili okruh malířských námětů, obraceli se k tématům, která byla dříve považována za nehodná pozornosti: lidové slavnosti, dostihy, pikniky umělecké bohémy, zákulisí života divadel atd. Jejich obrazy však nemají rozvinutý zápletka nebo podrobné vyprávění; lidský život je rozpuštěn v přírodě nebo v atmosféře města. Impresionisté malovali nikoli události, ale nálady, odstíny pocitů. Umělci zásadně odmítali historická a literární témata a vyhýbali se zobrazování dramatických, temných stránek života (války, katastrofy atd.). Snažili se osvobodit umění od plnění společenských, politických a mravních úkolů, od povinnosti hodnotit zobrazované jevy. Umělci opěvovali krásu světa a dokázali proměnit ten nejvšednější motiv (renovace pokoje, šedá londýnská mlha, kouř parních lokomotiv atd.) v okouzlující podívanou (G. Caillebotte. „Parquet Boys“, 1875; C. Monet „Gare Saint-Lazare“, 1877).
V roce 1886 se konala poslední výstava impresionistů (neúčastnili se jí O. Renoir a C. Monet). Do této doby se mezi členy skupiny objevily značné neshody. Možnosti impresionistické metody byly vyčerpány a každý z umělců si začal hledat svou vlastní cestu v umění.
Impresionismus jako holistická tvůrčí metoda byl fenoménem převážně francouzského umění, ale dílo impresionistů mělo dopad na celé evropské malířství. Touha po obnovení uměleckého jazyka, rozjasnění barevné palety a odhalení malířských technik nyní pevně vstoupila do arzenálu umělců. V jiných zemích měli k impresionismu blízko J. Whistler (Anglie a USA), M. Lieberman, L. Corinth (Německo), H. Sorolla (Španělsko). Mnoho ruských umělců zažilo vliv impresionismu (V.A. Serov, K.A. Korovin, I.E. Grabar atd.).
Kromě malby se impresionismus vtělil do tvorby některých sochařů (E. Degas a O. Rodin ve Francii, M. Rosso v Itálii, P.P. Trubetskoy v Rusku) v živé volné modelaci tekutých měkkých forem, která vytváří komplexní hru světla na povrchu materiálu a pocit neúplnosti díla; pózy zachycují moment pohybu a vývoje. V hudbě mají k impresionismu blízko díla C. Debussyho („Plachty“, „Mlhy“, „Odrazy ve vodě“ aj.).
(Zdroj: „Art. Modern ilustrovaná encyklopedie.“ Edited by Prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007.)
Synonyma:
Podívejte se, co je „impresionismus“ v jiných slovnících:
IMPRESIONISMUS. I. v literatuře a umění je definována jako kategorie pasivity, kontemplace a ovlivnitelnosti, která se v té či oné míře vztahuje na uměleckou tvořivost vždy nebo periodicky, v té či oné formě... ... Literární encyklopedie
impresionismus- a, m. Doktrína impresionistických malířů. Bulgakov Hood. enz. Pohyb v umění, jehož cílem je zprostředkovat přímé, subjektivní dojmy z reality. Ush. 1934. Proč např. velký... ... Historický slovník galicismů ruského jazyka
- [fr. impressionnisme Slovník cizích slov ruského jazyka
Impresionismus- IMPRESSIONISMUS. Konec 19. století je spojen s rozkvětem impresionismu ve všech oblastech umění, především v malířství a literatuře. Samotný termín impresionismus pochází z francouzského slova impression, což znamená dojem. Pod tímhle...... Slovník literárních pojmů
- (z francouzského imprese imprese), směr v umění poslední třetiny 19. a počátku 20. století. Vyvinula se ve francouzském malířství v 60. a na počátku 70. let 19. století. (E. Manet, C. Monet, E. Degas, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley). Impresionismus tvrdil...... Moderní encyklopedie
- (z francouzského imprese imprese) směr v umění poslední třetiny 19. století. 20 století, jejichž představitelé se snažili co nejpřirozeněji a nestranně zachytit skutečný svět v jeho pohyblivosti a proměnlivosti, zprostředkovat jeho pomíjivost... ... Velký encyklopedický slovník
Impresionismus je malířský směr, který vznikl ve Francii 19.-20. století a je uměleckým pokusem zachytit nějaký okamžik života v celé jeho proměnlivosti a pohyblivosti. Impresionistické obrazy jsou jako dobře umytá fotografie, která ve fantazii oživuje pokračování viděného příběhu. V tomto článku se podíváme na 10 nejznámějších impresionistů na světě. Naštěstí existuje mnohem více než deset, dvacet nebo dokonce sto talentovaných umělců, takže se zaměřme na ta jména, která rozhodně potřebujete znát.
Abychom neurazili ani umělce, ani jejich obdivovatele, je seznam uveden v ruském abecedním pořadí.
1. Alfred Sisley
Tento francouzský malíř anglického původu je považován za nejslavnějšího krajináře 2. poloviny 19. století. Jeho sbírka obsahuje více než 900 obrazů, z nichž nejznámější jsou „Rural Alley“, „Mráz v Louveciennes“, „Most v Argenteuil“, „Ranní sníh v Louveciennes“, „Trávníky na jaře“ a mnoho dalších.
2. Van Gogh
Van Gon, známý po celém světě díky smutnému příběhu o uchu (mimochodem, neuřízl si celé ucho, ale pouze lalůček), se stal populárním až po své smrti. A během svého života dokázal prodat jeden jediný obraz, 4 měsíce před svou smrtí. Říká se, že byl podnikatel i kněz, ale často končil v psychiatrických léčebnách kvůli depresím, takže veškerá rebelie jeho existence vyústila v legendární díla.
3. Camille Pissarro
Pissarro se narodil na ostrově Svatý Tomáš v rodině buržoazních Židů a byl jedním z mála impresionistů, jehož rodiče povzbudili jeho vášeň a brzy ho poslali studovat do Paříže. Umělec měl ze všeho nejraději přírodu, zobrazoval ji ve všech barvách, přesněji řečeno, Pissarro měl zvláštní talent pro výběr jemnosti barev, kompatibilitu, po které jako by se v obrazech objevil vzduch.
4. Claude Monet
Od dětství se chlapec rozhodl, že se stane umělcem, navzdory rodinným zákazům. Claude Monet se sám přestěhoval do Paříže a ponořil se do šedivého každodenního života těžkého života: dva roky služby v ozbrojených silách v Alžírsku, soudní spory s věřiteli kvůli chudobě a nemoci. Člověk má však pocit, že potíže nedeprimovaly, ale naopak inspirovaly umělce k vytvoření tak živých obrazů jako „Dojem, Východ slunce“, „Houses of Parliament in London“, „Bridge to Europe“, „Autumn v Argenteuil, „On the Shore“ Trouville“ a mnoha dalších.
5. Konstantin Korovin
Je příjemné vědět, že mezi Francouze, rodiče impresionismu, můžeme hrdě zařadit našeho krajana Konstantina Korovina. Vášnivá láska k přírodě mu pomohla intuitivně dodat statickému obrazu nepředstavitelnou živost díky kombinaci vhodných barev, šířky tahů a výběru tématu. Je nemožné projít kolem jeho obrazů „Molo v Gurzufu“, „Ryby, víno a ovoce“, „Podzimní krajina“, „Měsíční noc. Winter“ a řadu jeho děl věnovaných Paříži.
6. Paul Gauguin
Paul Gauguin do svých 26 let na malování ani nepomyslel. Byl podnikatel a měl velkou rodinu. Když jsem však poprvé uviděl obrazy Camille Pissarro, rozhodl jsem se, že rozhodně začnu malovat. Postupem času se styl umělce změnil, ale nejslavnější impresionistické obrazy jsou „Zahrada ve sněhu“, „U útesu“, „Na pláži v Dieppe“, „Akt“, „Palmy na Martiniku“ a další.
7. Paul Cezanne
Cezanne se na rozdíl od většiny svých kolegů proslavil už za svého života. Podařilo se mu uspořádat vlastní výstavu a vydělat na ní nemalé příjmy. Lidé věděli o jeho obrazech hodně - jako nikdo jiný se naučil kombinovat hru světla a stínu, kladl velký důraz na pravidelné a nepravidelné geometrické tvary, závažnost tématu jeho obrazů byla v souladu s romantikou.
8. Pierre Auguste Renoir
Až do svých 20 let pracoval Renoir jako dekoratér pro svého staršího bratra a teprve poté se přestěhoval do Paříže, kde potkal Moneta, Basila a Sisleyho. Tato známost mu v budoucnu pomohla vydat se cestou impresionismu a proslavit se na ní. Renoir je známý jako autor sentimentálních portrétů, mezi jeho nejvýraznější díla patří „Na terase“, „Procházka“, „Portrét herečky Jeanne Samary“, „Lóže“, „Alfred Sisley a jeho žena“, „ Na houpačce, „Splash Pool“ a mnoho dalších.
9. Edgar Degas
Pokud jste ještě nic neslyšeli o „Blue Dancers“, „Balet Rehearsal“, „Balet School“ a „Absint“, pospěšte si a zjistěte o práci Edgara Degase. Výběr originálních barev, jedinečná témata pro obrazy, smysl pro pohyb obrazu - to vše a mnohem více udělalo z Degase jednoho z nejslavnějších umělců na světě.
10. Edouard Manet
Nepleťte si Maneta s Monetem – jde o dva různé lidi, kteří pracovali ve stejné době a stejným uměleckým směrem. Maneta vždy přitahovaly scény každodenního života, neobvyklé zjevy a typy, jakoby náhodně „ulovené“ momenty, následně zachycené po staletí. Mezi slavné Manetovy obrazy: „Olympia“, „Luncheon on the Grass“, „Bar at the Folies Bergere“, „Flétnista“, „Nana“ a další.
Pokud máte sebemenší příležitost vidět obrazy těchto mistrů naživo, impresionismus si navždy zamilujete!
Impresionismus je umělecké hnutí, které vzniklo v 70. letech. století ve francouzském malířství a poté se projevilo v hudbě, literatuře, divadle.
Impresionismus v malbě se začal formovat dlouho před slavnou výstavou v roce 1874. Edouard Manet je tradičně považován za zakladatele impresionistů. Velmi se inspiroval klasickými díly Tiziana, Rembrandta, Rubense, Velazqueze. Manet vyjádřil svou vizi obrazů na svých plátnech a přidal „vibrující“ tahy, které vytvořily efekt neúplnosti. V roce 1863 Manet vytvořil Olympii, což způsobilo velký skandál v kulturní společnosti.
Obraz byl na první pohled vyroben v souladu s tradičními kánony, ale zároveň již nesl inovativní trendy. O Olympii bylo napsáno asi 87 recenzí v různých pařížských publikacích. Byla zasažena spoustou negativní kritiky - umělec byl obviněn z vulgárnosti. A jen málo článků by se dalo označit za příznivé.
Manet při své práci používal techniku jednovrstvé malby, která vytvářela efekt moření. Následně byla tato technika nanášení barvy přijata impresionistickými umělci jako základ pro obrazy na obrazech.
Charakteristickým rysem impresionismu byl nejjemnější záznam prchavých dojmů, zvláštním způsobem reprodukce světelného prostředí pomocí komplexní mozaiky čistých barev a zběžných dekorativních tahů.
Je zvláštní, že na začátku svého pátrání umělci použili kyanometr - nástroj pro stanovení modrosti oblohy. Černá barva byla z palety vyloučena, byla nahrazena jinými barevnými odstíny, což umožnilo nezkazit slunečnou náladu obrazů.
Impresionisté se řídili nejnovějšími vědeckými objevy své doby. Teorie barev Chevreula a Helmholtze se scvrkává na následující: paprsek slunečního světla je rozdělen na jednotlivé barvy, a proto dvě barvy umístěné na plátně zesilují obrazový efekt a při smíchání barvy ztrácejí intenzitu.
Estetika impresionismu se zčásti vyvinula jako pokus o definitivní osvobození se od konvencí klasicismu v umění, stejně jako od přetrvávající symboliky a hloubky pozdně romantické malby, která každého zvala, aby viděl zašifrované plány, které vyžadovaly pečlivou interpretaci. Impresionismus prosazoval nejen krásu každodenní reality, ale i zachycení barevné atmosféry, bez detailů a interpretací, zobrazující svět jako neustále se měnící optický fenomén.
Impresionističtí umělci vyvinuli kompletní plenérový systém. Předchůdci tohoto stylového znaku byli krajináři pocházející z barbizonské školy, jejíž hlavními představiteli byli Camille Corot a John Constable.
Práce v otevřeném prostoru poskytla více příležitostí zachytit sebemenší změny barev v různých denních dobách.
Claude Monet vytvořil několik sérií obrazů na stejné téma, například „Rouenská katedrála“ (série 50 obrazů), „Kompky sena“ (série 15 obrazů), „Jezírko s lekníny“ atd. Hlavní ukazatel těchto sérií došlo ke změně světla a barvy na obrázku stejného předmětu namalovaného v různých denních dobách.
Dalším úspěchem impresionismu je vývoj originálního malířského systému, kde se složité tóny rozkládají na čisté barvy zprostředkované jednotlivými tahy. Umělci nemíchali barvy na paletě, ale raději nanášeli tahy přímo na plátno. Tato technika dodávala obrazům zvláštní rozechvělost, variabilitu a reliéf. Díla umělců byla plná barev a světla.
Výstava 15. dubna 1874 v Paříži byla výsledkem období formování a prezentace nového hnutí široké veřejnosti. Výstava se konala v ateliéru fotografa Felixe Nadara na Boulevard des Capucines.
Název „impresionismus“ vznikl po výstavě, na které byl vystaven Monetův obraz „Imprese“. Východ slunce". Kritik L. Leroy ve své recenzi v publikaci Charivari vtipně popsal výstavu z roku 1874 a uvedl příklad Monetova díla. Další kritik, Maurice Denis, vyčítal impresionistům nedostatek individuality, citu a poezie.
Na první výstavě představilo svá díla asi 30 umělců. To byl největší počet ve srovnání s následujícími výstavami do roku 1886.
Nelze nezmínit pozitivní zpětnou vazbu od ruské společnosti. Ruští umělci a demokratičtí kritici, kteří se vždy živě zajímali o umělecký život Francie – I. V. Kramskoy, I. E. Repin a V. V. Stasov – vysoce oceňovali úspěchy impresionistů již od první výstavy.
Nová etapa v dějinách umění, která začala výstavou v roce 1874, nebyla náhlým výbuchem revolučních tendencí – byla završením pomalého a postupného vývoje.
Zatímco všichni velcí mistři minulosti přispěli k rozvoji principů impresionismu, bezprostřední kořeny tohoto hnutí lze nejsnáze objevit ve dvaceti letech předcházejících historické výstavě.
Souběžně s výstavami v Salonu nabíraly na obrátkách i impresionistické výstavy. Jejich práce demonstrovaly nové trendy v malbě. To byla výtka salonní kultuře a výstavním tradicím. Následně se impresionistickým umělcům podařilo přilákat na svou stranu obdivovatele nových trendů v umění.
Teoretické znalosti a formulace impresionismu se začaly rozvíjet poměrně pozdě. Umělci preferovali více praxe a vlastní experimenty se světlem a barvou. V impresionismu, především obrazovém, lze vysledovat odkaz realismu, který jasně vyjadřuje antiakademickou, antisalónní orientaci a instalaci zobrazování okolní reality té doby. Někteří badatelé poznamenávají, že impresionismus se stal zvláštním odvětvím realismu.
Nepochybně v impresionistickém umění, jako v každém uměleckém hnutí, které vzniká v období přelomu a krize starých tradic, se přes veškerou vnější celistvost prolínaly různé, až protichůdné trendy.
Základními rysy byly náměty děl umělců a prostředky uměleckého vyjádření. Kniha Iriny Vladimirové o impresionistech obsahuje několik kapitol: „Krajina, příroda, dojmy“, „Město, místa setkání a rozloučení“, „Koníčky jako způsob života“, „Lidé a postavy“, „Portréty a autoportréty“ , „Zátiší“. Popisuje také historii vytvoření a umístění každého díla.
V době rozkvětu impresionismu umělci nacházeli harmonickou rovnováhu mezi objektivní realitou a jejím vnímáním. Umělci se snažili zachytit každý paprsek světla, pohyb vánku i proměnlivost přírody. Pro zachování svěžesti svých obrazů vytvořili impresionisté originální malířský systém, který se později ukázal jako velmi důležitý pro další vývoj umění. Navzdory obecným trendům v malbě si každý umělec našel svou vlastní tvůrčí cestu a hlavní žánry v malbě.
Klasický impresionismus reprezentují umělci jako Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frédéric Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.
Uvažujme o přínosu některých umělců k rozvoji impresionismu.
Edouard Manet (1832-1883)
Manet dostal první lekce malby u T. Couture, díky nimž budoucí umělec získal spoustu potřebných odborných dovedností. Kvůli nedostatku náležité pozornosti ze strany učitele svým studentům Manet opouští mistrův ateliér a věnuje se sebevzdělávání. Navštěvuje výstavy v muzeích, jeho tvůrčí formaci výrazně ovlivnili staří mistři, zejména španělští.
V 60. letech 19. století Manet napsal dvě díla, ve kterých jsou patrné základní principy jeho uměleckého stylu. „Lola z Valencie“ (1862) a „Flétnista“ (1866) ukazují Maneta jako umělce, který prostřednictvím barevného podání odhaluje charakter modelu.
Jeho myšlenky na tahy štětcem a jeho přístup k barvám převzali další impresionističtí umělci. V 70. letech 19. století se Manet sblížil se svými následovníky a pracoval na plenéru bez černé na paletě. Příchod k impresionismu byl výsledkem tvůrčí evoluce samotného Maneta. Manetovy nejimpresionističtější obrazy jsou „V člunu“ (1874) a „Claude Monet ve člunu“ (1874).
Manet také namaloval mnoho portrétů různých společenských dam, hereček, modelek a krásných žen. Každý portrét zprostředkoval jedinečnost a individualitu modelu.
Krátce před svou smrtí Manet namaloval jedno ze svých mistrovských děl – „Bar Folies-Bergère“ (1881-1882). Tento obraz kombinuje několik žánrů: portrét, zátiší, každodenní scénu.
N. N. Kalitina píše: „Kouzlo Manetova umění je takové, že dívka konfrontuje své okolí, díky čemuž je její nálada tak jasně odhalena, a zároveň je součástí, pro celé pozadí, nejasně rozeznatelné, neurčité, znepokojivé, je také rozlišena v modro-černých, modrobílých, žlutých tónech."
Claude Monet (1840–1926)
Claude Monet byl nepochybným vůdcem a zakladatelem klasického impresionismu. Hlavním žánrem jeho malby byla krajina.
V mládí měl Monet rád karikaturu a karikaturu. Prvními vzory pro jeho díla byli jeho učitelé a soudruzi. Jako model používal karikatury v novinách a časopisech. Okopíroval kresby v Gaulois od E. Carge, básníka a karikaturisty a přítele Gustava Coubreta.
Na vysoké škole Monetovu malbu vyučoval Jacques-François Hauchard. Ale je spravedlivé si všimnout vlivu na Moneta z Boudina, který umělce podporoval, dával mu rady a motivoval ho, aby pokračoval ve své práci.
V listopadu 1862 Monet pokračoval ve studiu v Paříži u Gleyra. Díky tomu se Monet ve svém ateliéru setkal s Basilem, Renoirem a Sisleym. Mladí umělci se připravovali na vstup na Školu výtvarných umění s respektem ke svému učiteli, který za jeho hodiny neplatil málo a radil vlídným způsobem.
Monet nevytvářel své obrazy jako příběh, ani jako ilustrace myšlenky nebo tématu. Jeho malba, stejně jako život, neměla jasné cíle. Viděl svět, aniž by se soustředil na detaily, na některých principech směřoval k „vizi krajiny“ (termín historika umění A. A. Fedorova-Davydova). Monet se snažil o bezdějovost a prolínání žánrů na plátně. Prostředkem k realizaci jeho inovací byly skici, které se měly stát hotovými obrazy. Všechny náčrty byly nakresleny ze života.
Maloval louky, kopce, květiny, skály, zahrady, vesnické uličky, moře, pláže a mnoho dalšího, věnoval se zobrazování přírody v různých denních dobách. Často maloval stejné místo v různých časech, a tak ze svých děl vytvářel celé cykly. Principem jeho práce nebylo zobrazování předmětů na obraze, ale přesný přenos světla.
Zde je několik příkladů umělcových děl - „Poppy Field at Argenteuil“ (1873), „Splash Pool“ (1869), „Pond with Water Lilies“ (1899), „Wheat Stacks“ (1891).
Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Renoir je jedním z vynikajících mistrů světského portrétu, kromě toho pracoval v žánrech krajiny, každodenních scén a zátiší.
Zvláštností jeho tvorby je zájem o osobnost člověka, odhalení jeho charakteru a duše. Renoir se na svých plátnech snaží zdůraznit pocit plnosti existence. Umělce láká zábava a oslavy, maluje míče, chodí s jejich pohybem a rozmanitostí postav, tancuje.
Nejznámějšími díly umělce jsou „Portrét herečky Jeanne Samary“, „Deštníky“, „Koupání v Seině“ atd.
Je zajímavé, že Renoir vynikal svou muzikálností a jako dítě zpíval v chrámovém sboru pod vedením vynikajícího skladatele a učitele Charlese Gounoda v Paříži v katedrále Saint-Eustache. S. Gounod důrazně doporučil, aby chlapec studoval hudbu. Zároveň ale Renoir objevil svůj výtvarný talent – od 13 let se už naučil malovat porcelánové nádobí.
Hudební lekce ovlivnily vývoj umělcovy osobnosti. Řada jeho děl souvisí s hudební tematikou. Odrážejí hru na klavír, kytaru a mandolínu. Jedná se o obrazy „Lekce kytary“, „Mladá španělka s kytarou“, „Mladá dáma u klavíru“, „Žena hrající na kytaru“, „Lekce klavíru“ atd.
Jean Frédéric Bazille (1841-1870)
Podle jeho přátel umělců byl Basil nejslibnějším a nejvýraznějším impresionistou.
Jeho díla se vyznačují jasnými barvami a spiritualitou obrazů. Velký vliv na jeho tvůrčí cestu měli Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley a Claude Monet. Byt Jeana Frederica byl jakýmsi ateliérem a bydlením pro začínající malíře.
Bazalka malovaná především v plenéru. Hlavní myšlenkou jeho práce byl obraz člověka na pozadí přírody. Jeho prvními hrdiny v obrazech byli jeho přátelé umělci; mnozí impresionisté se ve svých dílech velmi rádi navzájem kreslili.
Frédéric Bazille ve své tvůrčí práci nastínil hnutí realistického impresionismu. Jeho nejslavnější obraz Rodinné setkání (1867) je autobiografický. Umělec na něm zobrazuje členy své rodiny. Tato práce byla prezentována na Salonu a získala souhlas veřejnosti.
V roce 1870 umělec zemřel v prusko-francouzské válce. Po umělcově smrti uspořádali jeho přátelé umělci třetí výstavu impresionistů, kde byly vystaveny i jeho obrazy.
Camille Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro je po C. Monetovi jedním z největších představitelů krajinářů. Jeho díla byla neustále vystavována na impresionistických výstavách. Pissarro ve svých dílech nejraději zobrazoval zoraná pole, rolnický život a práci. Jeho obrazy se vyznačovaly strukturními formami a jasností kompozice.
Později umělec začal malovat obrazy na městská témata. N. N. Kalitina ve své knize poznamenává: „Dívá se na ulice města z oken horních pater nebo z balkonů, aniž by je zaváděl do kompozice.“
Pod vlivem Georgese-Pierra Seurata se umělec chopil pointilismu. Tato technika zahrnuje aplikaci každého tahu samostatně, jako byste dávali tečky. Ale tvůrčí vyhlídky v této oblasti nebyly realizovány a Pissarro se vrátil k impresionismu.
Nejslavnější Pissarrovy obrazy byly „Boulevard Montmartre. Odpoledne, slunečno“, „Pasáž opery v Paříži“, „Náměstí francouzského divadla v Paříži“, „Zahrada v Pontoise“, „Sklízení“, „Senoseč“ atd.
Alfred Sisley (1839-1899)
Hlavním malířským žánrem Alfreda Sisleyho byla krajina. V jeho raných dílech je vidět především vliv K. Corota. Postupně, v procesu spolupráce s C. Monetem, J. F. Bazillem, P. O. Renoirem, se v jeho dílech začínají objevovat světlé barvy.
Umělce přitahuje hra světla, změna stavu atmosféry. Sisley se několikrát otočila ke stejné krajině a zachytila ji v různých denních dobách. Umělec dal ve svých dílech přednost obrazům vody a nebe, které se každou vteřinou měnily. Umělci se podařilo dosáhnout dokonalosti pomocí barev, každý odstín v jeho dílech nese jedinečnou symboliku.
Jeho nejslavnější díla: „Velká alej“ (1864), „Mráz v Louveciennes“ (1873), „Pohled na Montmartre z ostrova květin“ (1869), „Časný sníh v Louveciennes“ (1872), „Most u Argenteuil“ (1872).
Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas je umělec, který svou tvůrčí cestu zahájil studiem na Škole výtvarných umění. Inspirací mu byli umělci italské renesance, kteří ovlivnili jeho tvorbu jako celek. Na začátku Degas maloval historické obrazy, například „Sparťanské dívky vyzývají sparťanské kluky na soutěž. (1860). Hlavním žánrem jeho malby je portrét. Ve svých dílech se umělec opírá o klasické tradice. Vytváří díla poznamenaná bystrým smyslem pro svou dobu.
Na rozdíl od svých kolegů Degas nesdílí radostný, otevřený pohled na život a věci, které jsou impresionismu vlastní. Umělec má blíže ke kritické tradici umění: soucit s osudem obyčejného člověka, schopnost vidět duše lidí, jejich vnitřní svět, nekonzistence, tragédie.
Pro Degase hrají při vytváření portrétu velkou roli předměty a interiér kolem člověka. Jako příklad uveďme několik děl: „Désiré Dio s orchestrem“ (1868-1869), „Portrét ženy“ (1868), „Pár Morbilli“ (1867) atd.
Princip portrétování v Degasových dílech lze vysledovat během celé jeho tvůrčí kariéry. V 70. letech 19. století umělec ve svých dílech zobrazil v plné kráse francouzskou společnost, zejména Paříž. Mezi umělcovy zájmy patří městský život v pohybu. „Pohyb byl pro něj jedním z nejdůležitějších projevů života a schopnost umění jej zprostředkovat byla nejdůležitějším úspěchem moderní malby,“ píše N.N. Kalitina.
Během této doby vznikly takové filmy jako „Hvězda“ (1878), „Slečna Lola ve Fernandově cirkusu“, „Horsing at Epsom“ atd.
Novým kolem Degasovy kreativity byl jeho zájem o balet. Ukazuje zákulisí života baletek, mluví o jejich tvrdé práci a náročném tréninku. Ale i přes to se umělci daří ve ztvárnění svých obrazů najít vzdušnost a lehkost.
V baletní sérii obrazů Degase jsou vidět úspěchy v oblasti přenosu umělého světla z jeviště, které vypovídají o umělcově koloristickém talentu. Nejznámějšími obrazy jsou „Modré tanečnice“ (1897), „Taneční třída“ (1874), „Tanečnice s kyticí“ (1877), „Tanečníci v růžovém“ (1885) a další.
Degas si na sklonku života kvůli zhoršujícímu se zraku vyzkoušel sochařství. Jeho objekty jsou stejné baletky, ženy, koně. V sochařství se Degas snaží zprostředkovat pohyb, a abyste sochu ocenili, musíte se na ni dívat z různých stran.
K nejvýznamnějším směrům moderny, které ovlivnily chod a vývoj umění 20. století. zahrnout kubismus, abstraktní umění, dadaismus, surrealismus, konstruktivismus v architektuře, dodekafonie a aleatoriky v hudbě. Rozhodující vliv na vývoj literatury mělo dílo J. Joyce a M. Prousta. Významná pozornost je dále věnována impresionismu jako prvnímu stupni formování moderny. Protože kubismus a abstraktní umění jsou dobře známé, nejsou nijak zvlášť diskutovány.
I stručný popis hlavních směrů a škol modernismu nám umožňuje vizualizovat jeho vnitřní heterogenitu a zároveň cítit jeho vnitřní, hlubokou jednotu.
Je samozřejmě nutné vzít v úvahu, že uměleckou kulturu minulého století nelze redukovat pouze na modernu. Spolu s ní existovalo i umění navazující na tradice předchozí kultury, zejména na tradici realismu, a fenomény intermediálního typu, které spojovaly modernu s tradičními formami umění. Do začátku 30. let. Rozvinulo se zde také umění uzavřené společnosti, které bylo zcela odlišné od modernismu, dalo by se říci jeho přesného opaku.
Impresionismus
Impresionismus je prahem modernismu. Toto je počátek pohybu umění od zobrazování vnějších předmětů k zobrazení pocitů člověka a poté k zobrazení jeho představ.
impresionismus (z francouzštiny. dojem – imprese) je směr ve výtvarném umění, literatuře a hudbě konce 19. – počátku 20. století. Rozvinula se ve francouzském malířství 60. a 70. let. XIX století Název hnutí vznikl po první výstavě umělců v roce 1874, na které byl vystaven obraz C. Moneta „Impression“. Jádrem první skupiny impresionistů byli O. Renoir, C. Monet, C. Pissarro, Sisley, Degas a další.
Impresionismus se zformoval jako znak romantismu a nikdy se zcela neodtrhl od ideálů romantismu. Impresionisté byli přímo či nepřímo ovlivněni takovými myšlenkami romantismu, jako je odmítání pravidel a zákonů v umění, odvážné hlásání svobody jako jejího hlavního a jediného zákona, úplná emancipace citů, zavádění pojmů času a pohybu do umění, myšlenka nezávislosti a individualismu umělce, romantické představy o úplnosti uměleckého díla, představy týkající se člověka, kreativity, krásného a ošklivého atd. Impresionismus byl střízlivější než romantismus, ale za tímto vystřízlivěním se stále skrývalo romantické pozadí.
Impresionismus je nestálý a pohyblivý systém, kombinace romantismu a „naturalismu“, rozumu a citu, subjektivního a objektivního, poezie a vědy, svobody a rigidního zákona, nespoutaného impulsu a rámce, který jej omezuje.
Jedním ze zdrojů, které živily impresionismus, byla japonská barevná rytina, hojně uváděná v roce 1867 v Paříži. Není na tom nic divného: romantismus opět (po rokoku) přitáhl pozornost Evropanů na východ. Vášeň pro japonské umění byla jak módou, tak jedním ze znamení doby, která se odrážela ve vkusu éry. Baudelaire, Goncourt, Manet, Degas, Whistler byli prvními znalci a sběrateli japonských tisků, kimon, vějířů a porcelánu. Jak píše J. Tugendhold, v japonských tiscích nebyla lineární geometrická perspektiva, kterou vyučovala Evropská akademie, ale měly perspektivu leteckou, proudily v nich sluneční paprsky, vířila ranní mlha a jemné oblaky páry a kouře třepotal se. Japonci byli první, kdo svým velkým instinktem pochopil, že příroda není sbírka těl, ale nekonečný řetězec neustále se měnících jevů. Jako první zobrazili celé série téže krajiny v různém osvětlení a v různých ročních obdobích. Jednalo se o „100 pohledů na horu Fuji“ od Hokusaie, „53 pohledů na stanici Tokaido“ od Hiroshige. Akademie učila, jak postavit kompozici tak, jako by umělec promýšlel scénu, kterou zobrazuje, seděl zepředu na balkoně divadla a viděl ji v horizontálních liniích. Japonci skladbu interpretovali tak, jako by byl umělec postavou na zobrazované scéně. Proto mají převahu šikmých linií nad horizontálními; Proto mají často v popředí kvetoucí větev nebo jiný detail, zakrývající celek, byť s ním harmonicky propojený. Na příkladu Japonců francouzští umělci pochopili veškerou krásu asymetrie, veškeré kouzlo překvapení, veškeré kouzlo zdrženlivosti. Na příkladu Japonců se přesvědčili o kráse světelných skic, momentek vytvořených s několika čarami a několika skvrnami.
Vliv japonského umění na impresionismus by se však neměl přehánět. Japonci, na rozdíl od impresionistů, nikdy nemalovali přímo ze života. Dojmy impresionistů pocházely z přímého smyslového vnímání, zatímco mezi Japonci - z emocionálního prožitku v kombinaci s přísným dodržováním tradičních technik.
T. Mann nazval impresionistickou malbu „začarovanou zahradou“, čímž zdůraznil svou oddanost ideálům pozemského života. K estetickým objevům potřebovali impresionisté jen skromná zákoutí přírody, břehy Seiny a ulice Paříže. Věřili, že každodenní život je krásný a umělec nepotřebuje rafinované nebo výjimečné.
Impresionisté stavěli své umění do kontrastu se salonním a oficiálním uměním, krásu každodenní reality s pompézní a okázalou krásou salonního malířství, založeného na akademických principech. Odmítali psát mytologické náměty, vyhýbali se „literárnosti“ (tehdy se toto slovo začalo používat), což pro ně bylo spojeno s falešností salonu, kde byly podle G. de Maupassanta stěny plné sentimentálních a romantické obrazy, historické a neskromné obrazy, které vyprávějí, recitují, učí a moralizují, ba dokonce kazí. Impresionisté se vyhýbali sentimentalitě, patosu a jakékoli záměrné vznešenosti obrazu. Tím, že potvrdili novou vizi světa, demokratizovali myšlenku krásy.
Při srovnání impresionistů s ruskými kočovníky, kteří také bojovali proti salonně-akademickému umění, můžeme říci, že výsledky byly zcela odlišné. Ruští kočovníci odmítali spolu se salonní krásou i krásu malby obecně a trvali především na morálním a revolučním významu umění. Impresionisté, kteří odmítli sladkou, zahalenou krásu salonu, neopustili hledání krásy jako takové, ale v jiných formách.
Před impresionisty umělci, i ti nejmalebnější, vždy doplňovali na plátně viditelné známým. Impresionisté se snažili zachytit prchavý okamžik, přibližující se čistému vzhledu. Poznání ustoupilo dojmu. Impresionismus je především o variabilitě a pohybu. Aby impresionisté zprostředkovali okamžité proměny světa, zkrátili čas vytvoření obrazu a přiblížili jej co nejvíce reálnému času zobrazeného přírodního jevu. S pojmem rychlost vzniku díla byly spojeny i požadavky na stupeň jeho rozpracovanosti.
Impresionismus změnil představu nejen o podrobit malování, ale také o obrázek.
Impresionističtí umělci si nekladli za zvláštní cíl neúplnost, útržkovitost obrazu a nahotu malířské techniky. Přitom z hlediska požadavků na stupeň dokončení lze hovořit o dvojí neúplnosti děl impresionistů. Za prvé je to vnější ostrost povrchové úpravy, která často způsobovala nespokojenost mezi současníky. Za druhé, neúplnost jako otevřenost celého obrazového systému, neustálá rezervovanost, délka v čase, takříkajíc elipsa na konci fráze. Obrazy impresionistů je obtížné jednoznačně charakterizovat díky zvláštnímu podhodnocení, ale v tom je jejich vzrušující přitažlivost. Pokud by bylo nutné odvodit jednoduchý vzorec pro impresionismus, mohlo by to být: „variabilita, dualita, reverzibilita, podcenění“.
Po změně myšlenky malby dosáhl impresionismus zvláštního stupně aktivace prohlížeče (i tím, že ho dráždí „neúplností“). Divák se stal jakoby spolupachatelem při tvorbě obrazu a spoluautorem umělce.
V polovině 80. let. XIX století Začala krize impresionismu. Mnoha umělcům, kteří toto hnutí dříve sledovali, se jeho rámec zdál příliš úzký. Rozhovor se stočil k tomu, že principy impresionismu zbavují obraz jeho intelektuální a morální složky. A i když v 90. letech. Impresionismus se dostal do širokého povědomí a shodoval se s počátkem svého kolapsu jako holistického hnutí a se vznikem dalších směrů v něm. Někteří z nich chtěli nějak modernizovat impresionismus, jiní obecně hledali nové cesty. Poetická malba impresionistů, jejich povýšené, bystré vnímání každodennosti, schopnost dát lyrické zabarvení jeho proměnlivým, pomíjivým projevům začala ustupovat jiným trendům a náladám.
Mezi hnutí, která se snažila modernizovat impresionismus, patřila zejména neoimpresionismus (nebo pointilismus). J. Seurat vyvinul neobvyklou techniku a P. Signac se pokusil nový trend teoreticky zdůvodnit. Rozdíly mezi neoimpresionismem a impresionismem byly značné. Samostatné tahy štětcem charakteristické pro impresionisty byly zredukovány na tečky; Musel jsem opustit záznam okamžiku, protože malba, která se snaží zachytit okamžik, je stěží schopna mluvit o věčnosti; Spontánnost a přirozenost vidění a obrazu, zájem o pečlivě vystavěnou a promyšlenou, až statickou kompozici a přednost barvy před světlem ustoupily do pozadí. Pointilistický umělec, vytvářející jakýkoli tvar nebo stín pomocí obrovského množství tečkovaných tahů, nepotřebuje čáry ani kontury. Hloubka obrazu je dosažena díky tomu, že objekty vpředu jsou větší a postupně se zmenšují, jak se pohybují do perspektivy. Na dálku se barevné tečky opticky spojují a působí překvapivě přirozeným dojmem světla, stínu a přechodu z jednoho tónu do druhého. Podle Seurata to není umělec se svým štětcem, ale oko diváka, které by mělo míchat barevné tečky do živého optického rozsahu.
Neoimpresionismus neměl dlouhého trvání. Ukázalo se, že nová technologie měla i negativní stránky. Vyrovnala individualitu umělce. Neoimpresionismus navíc hlásal netečnost umělce a odmítal spontánnost charakteristickou pro impresionismus. Díla pointilistických umělců může být obtížné od sebe odlišit. C. Pissarro, který byl původně tímto systémem unesen, to cítil a poté zničil všechna svá plátna vyrobená tímto způsobem.
Období, které trvalo přibližně od roku 1886 do roku 1906, se běžně nazývá postimpresionismu. Tento poněkud konvenční termín označuje časové období, jehož hranice jsou určeny na jedné straně poslední výstavou impresionistů, na straně druhé dobou vzniku prvních vlastních modernistických hnutí, jako je fauvismus. a kubismu.
Paul Cézanne měl velmi důležitý vliv na formování umění modernismu. Jako současník impresionistů hlásal diametrálně opačný přístup k přírodě: nezachycovat její pomíjivé stavy, ale odhalovat její stabilní podstatu. Cézanne postavil do kontrastu impresionistickou křehkost, impresionistický „krásný okamžik“ se zhuštěnou věcností, trváním stavu a zdůrazněnou konstruktivitou. Cézannova malba má silnou vůli, vytváří obraz světa, jako když staví budovu. Jsou dány prvky: barva, objemový tvar, prostorová hloubka a rovina obrazu. Z těchto jednoduchých začátků Cézanne buduje své světy, ve kterých je něco působivě grandiózního, a to i přes malé rozměry jeho pláten a skrovný soubor námětů (Mount Saint-Victoire v Aix, rybník s mostem, domy, útesy, jablka a džbán na ubrusu).
Cezanne byl především umělec pro umělce. Jeho vlivu neunikl žádný z následujících umělců, i když pro většinu neprofesionálních diváků je obtížný a na první pohled ve své vnější monotónnosti nudný: nemá ani zajímavé zápletky, ani lyričnost, ani oku lahodící paletu.
Ve stabilní, tlusté oranžovo-zeleno-modré paletě vyřezává Cezanne své krajiny barvami. Není v nich „nálada“, ale vedle nich na stejné stěně může stát vzácná krajina jiného umělce. V krajinách preferuje Cezanne vysoký horizont, takže prostor země se shoduje s rovinou plátna; posouvá plány, zobecňuje masy. Dokonce dělá odrazy ve vodě masivní a architektonické. V ničem nepozná amorfismus a v přírodě vidí mocné formující síly. Pro Cezanna je malba plastickým konceptem viditelného, konceptem, nikoli imitací. Koncept vzniká řešením rozporů mezi vlastnostmi přírody a vlastnostmi obrazu. Příroda je v neustálém pohybu a proměnách, ale malba je ve své podstatě statická a úkolem umělce je uvést pohyb do stability a rovnováhy. V přírodě existuje nekonečná rozmanitost rozmarných forem, lidský duch má tendenci je redukovat na několik jednodušších. Cezanne radí: "...Interpretujte přírodu prostřednictvím válce, koule, kužele." Cézannovy svazky mají skutečně tendenci zjednodušovat, protože nechce iluzorně zničit letadlo. Jeho cílem je překládat přírodní úkazy do jazyka obrazových kategorií, přičemž dbá na zachování pocitu roviny, syntetizujícího se smyslem pro objem a hloubku. Dosahuje toho zvláštní organizací prostoru, někdy se uchyluje k deformacím a posunům a kombinuje více úhlů pohledu na zobrazované objekty v jedné kompozici.
V Cézannových zátiších se povrch stolu jakoby převrací na diváka a vytváří rovinu obrazu a ovoce ležící na stole je zobrazeno z jiného úhlu. „Přibité“ k rovině, umístěné jakoby na sobě, jsou zaoblené objemy ovoce vnímány s dvojnásobnou intenzitou a plody samotné vypadají monumentálně, nedotčeně. Umělec přitom zanedbává texturu předmětů: jeho jablka nejsou taková, jaká chcete jíst, zdá se, že jsou vyrobena z nějaké tvrdé, studené a hutné hmoty, stejně jako džbán a dokonce i ubrus.
Na rozdíl od impresionistů byl Cézanne více přitahován materiálností a vznešeností formy než měnící se hrou světla a stínu. Impresionisté upřednostňovali požadavek dokončit obraz v jednom kroku, aby měli čas zachytit „okamžitý“ pocit na plátně. Cezanne se raději několikrát vrátil na zvolené místo a vytvořil tak propracovanější a „umělejší“ obraz. Impresionisté, snažící se „zachytit okamžik“, se uchýlili k jemným, vzdušným tahům, Cézanne používal silné, sebevědomé tahy, díky nimž byla jeho plátna objemnější. Ve svém odmítnutí slepého následování zákonů lineární perspektivy zašel Cézanne ještě dále. Ve snaze zobrazit trojrozměrný svět na plochém plátně zkresloval proporce a perspektivu, pokud to vyžadoval specifický kompoziční princip.
Cezannovi se podařilo vytvořit zvláštní umělecký jazyk. Myšlenka, že obraz není okno otevřené do světa (renesance), ale dvourozměrná rovina s vlastními zákony obrazového jazyka, se stala ústředním bodem avantgardního malířství 20. století. Není náhodou, že se Picasso nazýval „vnukem Cézanna“.
V Cezanneově malbě byla tendence k divergenci mezi plastickými (obrazovými) hodnotami a přísně lidskými hodnotami: z hlediska jeho hledání se hora, jablko, harlekýn, kuřák atd. ukázaly jako rovnocenné. Cezanne nerozpoznal umělecké principy, které se lišily od jeho vlastních. O japonské umění neměl nejmenší zájem. Dekorativnost, stylizace, otevřená barevnost, konturování, které uchvátilo mnoho jeho současníků, v něm vzbudilo negativní postoj. Stejně jako „literární duch“ a žánrovost, pod jejichž vlivem, věřil Cezanne, se umělec „může vyhnout svému skutečnému povolání – konkrétnímu studiu přírody“. Neměl rád ani Gauguina, ani Van Gogha a zdálo se, že si Toulouse-Lautreca vůbec nevšímal.
Práce Toulouse-Lautreca je ironická, ale také humánní. Nestigmatizuje neřest, ale ani ji neprezentuje jako pikantní pokrm: obojí vylučuje umělcova sounáležitost, angažovanost tohoto světa – je také jako oni, „ani horší, ani lepší“. Lautrecův umělecký jazyk se vyznačuje: jasným charakteristickým obrazem, výrazem a extrémním lakonicismem. Byl ochoten kreslit plakáty. Jeho dekorativní dar a lapidární výraz pozvedl tento žánr do výšin skutečného umění. Mezi zakladateli „užité grafiky“ moderního města – plakáty, plakáty, reklamy – zaujímá Lautrec první místo.
Za pouhých pět let práce vytvořil V. Van Gogh asi 800 obrazů a nespočet kreseb; většina z nich vznikla v posledních dvou až třech letech jeho života. Něco takového historie malířství nikdy nepoznala. Van Gogh čerpal inspiraci nejen z myšlenek impresionismu, ale také z japonského rytí, což mu pomohlo odklonit se od naturalismu k výraznějšímu a jasnějšímu způsobu. Postupně se barva v jeho obrazech stává stále odvážnější a jeho styl se stává svobodnějším, energičtějším, což umělci pomáhá přenést na plátno pocity, které ho zaplavují. Na rozdíl od Symbolistů a P. Gauguina, jejichž tvorba byla ovlivněna symbolismem, Van Gogh nikdy nemaloval fiktivní svět: malování „nepravděpodobných bytostí“ ho prostě nezajímalo, jeho obrazy měly vždy pevný realistický základ. Van Gogh vždy pracoval ze života, těch pár obrazů, které namaloval podle Gauguinových rad, z paměti nebo představ, bylo slabších. „Vyjádřit se“ pro Van Gogha znamenalo vyjádřit pocity, myšlenky, asociace zrozené z toho, co viděl a pozoroval: lidé, příroda, věci.
Van Goghovo intenzivní hledání nejvyššího smyslu života, které ho nikdy neopustilo, určuje vzácnou kombinaci dramatu a slavnosti, která poznamenala jeho zralou tvorbu. Je prodchnuta trpitelským potěšením z krásy světa, plného emocionálních kontrastů. To nachází výraz v obrazovém jazyce postaveném na kontrastních barevných harmoniích a výraznějším než kdy jindy. Van Goghův obrazový styl vám umožňuje vstoupit do přímého kontaktu s umělcem, cítit jeho vášeň a vysokou intenzitu duše. Tomu napomáhá i vysoké pracovní tempo, které je jasně vyjádřeno v jeho obrazech - rány štětcem jako bičem, barevné sraženiny, disonantní kličkování, znějící jako unikající výkřik. Obrazy také naznačují dramatické změny v umělcově náladě; Jako věřící člověk si jednou všiml, že svět stvořený Bohem byl jen jeho neúspěšný náčrt.
- Cm:. Dmitrieva N. A. Stručné dějiny umění. M., 1993. Vydání. III. s. 55-56.
- Viz: Tamtéž. str. 83.
