Američtí umělci jsou nejznámější. Americká malba
Originál převzat z vanatik05 v AMERICKÉ MALOVÁNÍ – 5 (realistické tradice ve 20. století)
V roce 1913 Asociace amerických malířů a sochařů uspořádala první velkou mezinárodní výstavu moderního umění, Armory Show, ve zbrojnici Národní gardy na Lexington Avenue. Stala se důležitou událostí v dějinách amerického umění, která vyvolala různé emoce: překvapení, obdiv, rozhořčení, uctívání a naprosté odmítnutí u americké veřejnosti, zvyklé na realismus, do určité míry na impresionismus, ale ne na avantgardní evropské umění. které viděl na této výstavě. Na 1300 obrazů, soch a dekorativních děl od více než 300 současných evropských a amerických umělců navštívilo nejen New York, ale také Chicago a Washington.
Recenze výstavy obsahovaly nařčení z nemravnosti, neprofesionalismu, šílenství, šarlatánství, mnohá díla byla nazývána karikaturami a parodiemi malby a Theodore Roosevelt řekl: „To není vůbec umění!“
Civilní úřady však nezasahovaly a nesnažily se výstavu uzavřít a skandály kolem ní jen přispěly k úspěšnému prodeji mnoha děl, která jsou dnes k vidění v amerických muzeích a MoMA (The Museum of Modern Art) může obecně považován za dědice a pokračovatele těchto prvních výstav současného umění.
Nepřímo ovlivnila umělce realistického hnutí a realistické tradice v Americe nikdy nezanikly, nejenže přispěla ke změnám v kresebných technikách a tématech, ale dala vzniknout i takovým novým trendům v malbě, jako je „magický realismus“*;
A jeho odnoží je „precisionismus“**, charakteristický speciálně pro americké umělce,
A umělecké hnutí „regionalismus“*** (nebo regionalismus) zrozené v Americe.
Budeme mluvit o umělcích, představitelích různých směrů realistického umění v Americe 20. století.
Charles Burchfield(1893-1967), jeden z nejvýraznějších akvarelistů v Americe, který maloval své obrazy na stojanu technikou suchého štětce, brzy (v roce 1915) vyvinul svůj vlastní neorealistický styl, kombinující modernistické trendy, tradiční čínskou malbu a prvky fauvismu. .
Během svého tvůrčího života měnil směry a techniky, maloval krajiny a obrazy s historickými náměty, výjevy pozorované z okna svého domu a květiny, „halucinační“, v duchu magického realismu, pohledy na přírodu a její božskou sílu.
Na jeho počest bylo v Buffalu v roce 1966 vytvořeno Nature and Arts Center s názvem Birchfield Penny Art Center, které také zahrnuje největší světovou sbírku umělcových děl.
Reginald Marsh(1898-1954), narozený v Paříži v bohaté umělecké rodině, byl žákem D. Sloana, známého především jako malíře a ilustrátora městských scén, pouličního života a pláží New Yorku.
Jeho obrazy se vyznačují dokumentární péčí, prodchnuté ironickou láskou k postavám, maloval hodně pro burlesku a vaudeville, považoval je za „divadlo obyčejného člověka, vyjadřující humor a fantazie chudých, starých a ošklivých“.
Pracoval s olejem a tuší, akvarelem, vaječnou temperou a svůj tvůrčí život začal litografií. Jeho styl lze charakterizovat jako „sociální realismus“, zvláště patrný během Velké hospodářské krize, a jeho oddanost starým mistrům, jejichž dílo uctíval, vedla k vytvoření děl obsahujících náboženské metafory.
Krátce před svou smrtí na infarkt obdržel Marsh zlatou medaili grafického umění od Americké akademie umění.
Fairfield Porter(1907-1975) se narodil v rodině architekta a básníka, studoval na Harvardu a v League of American Students, celý život se držel realistického směru, maloval především krajiny a portréty rodiny a přátel, snažil se odhalit nevšednosti. v běžném životě a učinit ho krásnějším.
Jeho práce ukazuje vliv jeho otce architekta, díla Velázqueze, a později umělců Bonnarda a Vuillarda, který věřil, že „impresionismus je schopen obrazně znovu vytvořit přítomnost reality“.
Možná nedostatek dobrých učitelů olejomalby, opatrný přístup ke smyslnosti a naturalismu, který je vlastní mnoha Američanům těch let, pomáhá vysvětlit poněkud primitivní povahu Porterových děl, neohrabanost, strnulost jeho postav, jejich statickou povahu.
A teprve v pozdějších dílech začíná překračovat hranici mezi impresionismem a fauvismem, jeho kresba se stává svobodnější, barvy jsou jasnější, v jeho dílech je více světla.
Edward Hopper(1882-1967) se narodil v Nyacku, středisku pro stavbu jachet na řece Hudson, do bohaté rodiny holandského původu. Hopperův umělecký talent se projevil ve věku 5 let, jeho rodiče v něm vštípili lásku k francouzskému a ruskému umění a podpořili jeho vášeň pro malování a různé zájmy.
Hopper pracoval s perem a inkoustem, uhlem, akvarelem, olejem a litografií, maloval portréty a mořské krajiny, politické karikatury a kresby ze života. V Hopperově díle lze rozeznat vlivy Roberta Henryho, jednoho z jeho učitelů, a Maneta a Degase,
William Chase a Rembrandt, zejména jeho „Noční hlídka“, a zatímco žil v Paříži, maloval výjevy na ulicích, v kavárnách a divadlech, zůstal v tradici realistického umění, i když někteří badatelé připisují jeho práci precisionismu kvůli jasné , jasné linie charakteristické pro jeho tvorbu, strojovost, sterilita a prázdnota prostoru.
Řekl, že jeho „oblíbenou věcí v malování je sluneční světlo na stěně domu“. Během Velké hospodářské krize měl Hopper větší štěstí než mnoho jiných umělců – nadále každoročně vystavoval a dobře prodával po celý zbytek svého života.
Jeho tvorba výrazně ovlivnila nejen výtvarné umění, ale i kinematografii filmovými kompozicemi a dramatickým využitím světla a tmy.
Pavel Cadmus(1904-1999), představitel hnutí „magického realismu“, kombinoval ve svém díle prvky erotiky a sociální kritiky,
získal skandální slávu díky zjevným homosexuálním motivům v jeho obrazech a zobrazení nahých mužských postav.
Narodil se v chudé rodině umělce, jeho otec chlapce přiměl ke kreslení a ve 14 letech se zapsal do kurzů na Národní akademii designu a poté na Akademii. S přáteli hodně cestoval, maloval velká plátna odrážející jeho dojmy z Evropy, maloval mnohofigurální obrazy ze života rybářů, námořníků, výjevy městského života,
A po setkání s impresáriem a baletkou Kirsten začal Cadmus produkovat mnoho děl na baletní témata, většinou zobrazujících tanečníky.
Paul Cadmus žil dlouhý život a zemřel ve věku 95 let v náručí svého přítele a pravidelného modela, který byl po jeho boku posledních 35 let jeho života. Cadmus rád opakoval slova Ingrese: „Lidé říkají, že mé obrazy nejsou vhodné pro tuto dobu. Možná se mýlí a já jsem jediný, kdo drží krok s dobou.“
Ivan (Ivan) Albrightová(1897-1983), jeden z nejznámějších představitelů magického realismu, se narodil se svým dvojčetem v rodině umělce.
Bratři byli po většinu života nerozluční, oba studovali na Art Institute of Chicago, bratr Malvin se stal sochařem a Ivan se stal malířem, ale začínal jako architekt a během první světové války prováděl lékařské kresby pro nemocnici. v Nantes. Na svou práci byl vždy velmi náročný, pečlivě vypisoval všechny detaily a mnohá svá díla věnoval tak složitým tématům, jako je život a smrt, materiálnost a duch, vliv času na vzhled a vnitřní svět člověka.
Taková práce vyžadovala mnoho času, a proto byly prodeje vzácné, mnoho obrazů zůstalo v jeho vlastnictví. Albright si vyráběl vlastní barvy a uhlíky a byl posedlý osvětlením do té míry, že nosil černé šaty a maloval své studio na černo, aby zabránil oslnění.
Maloval realistickým, ale přehnaně detailním způsobem, rád pozoroval běh času a jen za poslední 3 roky svého života namaloval přes 20 autoportrétů, aby odrážel změny, které se v člověku odehrávají.
George Claire Tooker Jr. (1920-2011), jehož díla reprezentují směry socialistického realismu a magického realismu, se narodil do rodiny s anglicko-francouzsko-španělsko-kubánskými a americkými kořeny, na naléhání rodičů vystudoval anglickou literaturu na Harvardu, ale většinu času věnoval malbě.
Po službě u námořní pěchoty, z níž byl propuštěn kvůli špatnému zdravotnímu stavu, navštěvoval kurzy v Art Students League, hodně pracoval s vaječnou temperou a obdivoval umění italské renesance.
Tookerovy obrazy zachycují výjevy každodenního amerického života, lidské postavy v nich často nemají žádnou konkrétní rasovou či sexuální identitu, vyjadřují osamělost, izolaci a anonymitu.
Hodně dbal na dodržování geometrických proporcí a symetrie, proto maloval velmi pomalu – ne více než dva obrazy ročně. Od své první velké výstavy v roce 1951 Tooker vystavuje nepřetržitě a úspěšně a jeho práce jsou ve velkých muzeích v Americe.
Petr Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), výtvarník a sochař, jehož tvorba obsahuje prvky precisionismu, purismu, kubismu, surrealismu a lidového umění. Narodil se v Rusku do židovské rodiny, která v roce 1912 emigrovala do Ameriky a usadila se v Brooklynu.
Po studiu umění na různých vzdělávacích institucích si otevřel vlastní studio pod patronací rodiny Rockefellerů. Jako mnoho jeho realistických současníků byl fanouškem renesance, cestoval po Itálii, jeho první obraz, který získal uznání v roce 1934, byl „Věčné město“, ve kterém lze rozeznat obraz Mussoliniho jako jack- in-the-box, vynořující se z Kolosea.
Jeho díla, často zobrazující zkázu, lze nicméně interpretovat jako symboly přestavby a obnovy po druhé světové válce, o čemž svědčí kameny, nové trámy a postavy pracujícího lidu.
Blumeův umělecký styl byl zajímavým hybridem různých uměleckých směrů amerického a evropského umění a byl nazýván „umělcem z pohádky“.
Andrew Newell Wyeth(1917-2009), představitel převážně regionalistického stylu v realismu, se narodil v rodině ilustrátora, který dbal na rozvoj talentu u svých pěti dětí, navykal je na dobrou literaturu, hudbu a studium přírody. . Otec sám učil své děti doma a všechny byly talentované: výtvarníci, hudebníci, skladatelé, vynálezci.
Jejich domov byl kreativním místem, které často navštěvovaly celebrity jako Scott Fitzgerald a Mary Pickford. Sám Wyeth se kupodivu považoval za abstrakcionistu a přikládal velký význam uvědomění si hlubokého významu jednoduchých předmětů, jeho oblíbenými tématy byla země a lidé kolem něj.
Jeho nejslavnější obraz, Christinin svět, zobrazuje dívku z nedaleké farmy postiženou obrnou, která se sama plazí k domu v dálce.
Helga Testorf věnovala 247 obrazů a kreseb jedné ženě, kterou studoval v různých prostředích a emocionálních stavech, což je v americkém umění jedinečná zkušenost.
Ačkoli Wyeth produkoval mnoho technicky vynikajících děl a měl mnoho následovníků, jeho umění je považováno za kontroverzní, přičemž umělecký kritik Rosenblum ho popisuje jako „nejvíce přeceňovaného a podceňovaného“ umělce.
Grant Wood(1891-1942), jeden z nejznámějších představitelů regionalismu, se narodil v Iowě, brzy ztratil otce, pracoval v železářství, studoval na umělecké škole a poté na Art Institute of Chicago.
Mladý Grant cestoval do Evropy čtyřikrát, aby studoval malířské styly, přičemž zvláštní pozornost věnoval impresionismu a postimpresionismu, ale obdivoval díla Van Eycka a snil o tom, že ve své práci spojí moderní metody a jasnost, přesnost a hloubku středověkého umění. .
Ne nadarmo se jeho nejslavnější obraz nazývá „americká gotika“, odráží tradiční pohled na roli mužů a žen v Americe z 19. století; různými způsoby.
Později, když vyučoval umění na University of Iowa, se Wood stal klíčovou postavou univerzitní kulturní společnosti, ale kvůli fámám o jeho homosexuální aféře s jeho osobním tajemníkem byl Wood vyhozen a brzy zemřel na rakovinu slinivky.
Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) se narodil do rodiny politiků, jeho otec, plukovník, právník a filantrop, byl čtyřikrát zvolen do Kongresu. Otec chtěl, aby jeho syn šel v jeho stopách, ale chlapec se zajímal o umění, matka jeho volbu podporovala a on vstoupil do Art Institute of Chicago a poté odešel do Paříže, aby pokračoval ve studiu na Julian Academy.
Když se vrátil do Ameriky a pokračoval v malování, sloužil v americkém námořnictvu během první světové války, kde pracoval na maskovacích snímcích lodí a loděnic, které vyžadovaly realistická dokumentární zobrazení a později ovlivnily jeho styl. Počátkem 20. let se Benton prohlásil za „nepřítele modernismu“, stal se jedním z předních představitelů regionalismu a hlásil se k „levicovým“ názorům.
Zaujal ho El Greco, vliv jeho tvorby je patrný v práci na obrovských freskách zachycujících různé etapy a události ze života země.
Benton učil na Art Students League v New Yorku, mnozí z jeho studentů se stali slavnými umělci (Hopper, Pollack, Marsh), ale byli vyhozeni za odsuzující výroky o nepřiměřeném vlivu homosexuálů v uměleckém světě. Po druhé světové válce ztratil regionalismus jako hnutí svůj význam, Benton pokračoval v malování nástěnných maleb,
pracoval aktivně dalších asi 30 let, ale již neměl svou dřívější popularitu.
John Stewart Carrie(1897-1946) se narodil na farmě v Kansasu, staral se o zvířata, měl rád atletiku a od dětství byl obklopen reprodukcemi obrazů Rubense a Doré, což hrálo roli v jeho následné volbě uměleckého stylu.
John studoval na Art Institute of Chicago, pracoval jako ilustrátor časopisů a strávil rok v Paříži studiem děl Courbeta, Daumiera, Tiziana a Rubense. Po návratu do Spojených států nějakou dobu pracoval ve svém ateliéru, cestoval s cirkusem, byl jmenován prvním umělcem na University of Wisconsin-Madison a cestoval po celé zemi, aby podporoval rozvoj umění ve farmářských komunitách.
Maloval nástěnné malby pro ministerstvo spravedlnosti ve Washingtonu a pro Kapitol v Kansasu. Carrie byla jedním ze tří (Benton a Wood) pilířů amerického regionalismu, který byl zvláště důležitý během Velké hospodářské krize.
Zobrazoval scény práce, rodiny a půdy a vyrovnávání se s přírodními katastrofami, aby světu ukázal vytrvalost, tvrdou práci a víru lidí, o nichž Carrie věřila, že jsou podstatou amerického života.
Abych byl upřímný, realistickými umělci obecně se příliš neinspiruji, zajímají mě spíše jen jednotlivé představitele magického realismu (Cadmus, Blume, Hopper), ale obecně mi toto období v americkém umění není blízké; , co můžu dělat.
Další a závěrečná část bude věnována současnému americkému umění. Závěr následuje...
Jako vždy, slideshow s mnoha dalšími obrázky a dobrou hudbou:
* Magický realismus- Jako umělecké hnutí se na americké půdě rozvinul magický realismus, který se stal ekvivalentem evropského surrealismu. Díla mistrů magického realismu byla v mnoha ohledech, splňujících vkus a potřeby amerického diváka, šokující povahy, šokující svou upřímností, kombinovanou s anekdotickým charakterem situací a karikaturou postav; připomínal spíše neklidný sen nebo halucinační delirium.
**Precisionismus, neboli preciginismus (anglicky precision - přesnost, jasnost) - směr charakteristický pro americkou malbu 30. let, typ magického realismu. Hlavním námětem pro precisionisty je obraz města Hlavním tématem je mechanistická estetika, prostor obrazů je sterilní, působí jakoby z nich vypumpovaný vzduch, není v něm člověk.
***Regionalismus neboli regionalismus (z anglického regional - local) - umělecké hnutí v umění Spojených států 1920-1940, které bylo založeno na touze vytvořit skutečně americké umění na rozdíl od avantgardních hnutí přicházejících z Evropy. Regionalističtí umělci se inspirovali myšlenkami národní identity a zaměřili se na zobrazení „autentické“ Ameriky. Náměty jejich děl zahrnovaly americké krajiny, výjevy ze života farmářů, život malých měst, epizody z historie, místní legendy a folklórní příběhy.
Každá země má své hrdiny současného umění, jejichž jména jsou známá, jejichž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek.
V tomto článku vám představíme nejpopulárnější současné umělce ve Spojených státech.
Iva Morrisová
Americká umělkyně Iva Morris se narodila do velké rodiny daleko od umění a umělecké vzdělání získala po škole. V roce 1981 získala bakalářský titul v oboru umění na University of New Mexico. Dnes se Iva věnuje umění již více než 20 let, její díla jsou známá doma i v zahraničí a opakovaně jí přinášejí ceny a ocenění. Můžete je vidět v galeriích v Albuquerque, Sante Fe, Novém Mexiku a Madridu.
Warren Chang
Urren Cheng se narodil v roce 1957 v Kalifornii a získal BFA v malbě na Pasadena College of Design a dalších 20 let pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti, svou kariéru profesionálního umělce začal teprve v roce 2009. Chengův malířský styl má kořeny v díle umělce 16. století Johannese Vermeera – Warren Cheng pracuje realistickým způsobem a vytváří dvě hlavní kategorie: životopisné interiérové malby a obrazy zobrazující lidi při práci. V současné době vyučuje na Akademii umění v San Franciscu.
Christopher Traedy Ulrich
Umělec Christopher Ulrich z Los Angeles je ikonografický surrealista. Jeho tvorba byla výrazně ovlivněna starověkou mytologií. Ulrichova první samostatná výstava (společná s umělcem Billy Shire) se konala v červnu 2009.
Michael DeVore
Mladý umělec a rodák z Oklahoma City Michael DeVore pracuje v klasické realistické tradici. K umění se dostal s pomocí a podporou své rodiny a před studiem výtvarného umění na Pepperdine University v Malibu získal ve svém rodném státě řadu ocenění. Poté umělec pokračoval ve studiu v Itálii. V současné době jsou jeho díla vystavována po celém světě a jsou v soukromých sbírkách. Michael DeVore je členem Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acrylic Painters a Society of Portrait Painters of America.
Mary Carol Kenney
Mary Carol Kenny se narodila v Indianě v roce 1953. Vzděláním je velmi vágně příbuzná výtvarnému umění, ale od roku 2002, vedena touhou stát se umělkyní, začala navštěvovat kurzy sochařství a keramiky na Santa Barbara City College a poté začala studovat u Rickyho Shtrikha. Dnes je členkou The Santa Barbara Art Ass, cechu sochařů Santa Barbara a vítězkou mnoha ocenění v sochařství a malbě.
Patricia Watwoodová
Realistická umělkyně Patricia Watwood se narodila v roce 1971 v Missouri. Vystudovala s vyznamenáním Akademii výtvarných umění, studovala v dílně Jacoba Collinse a Teda Setha Jacobse. Styl umělkyně je moderní klasicismus: v jejích obrazech se prolínají mytologie, alegorie a moderní život. Posledních několik let Patricia přednášela o klasicismu po celé zemi a nyní žije se svou rodinou v Brooklynu.
Paula Rubino
Paula Rubino, současná americká umělkyně a spisovatelka, se narodila v roce 1968 v New Jersey a vyrostla na Floridě. Má doktorát z práv. V 90. letech se přestěhovala do Mexika a zaměřila se na malbu. Studovala umění kresby v Itálii, kde dokončila svůj první román. Vyšla také série jejích povídek. V současné době žije na Floridě.
Patssi Valdezová
Patssy Valdez se narodila v Los Angeles v roce 1951 a studovala výtvarné umění na Otis Art Institute, kde byla v roce 1980 jmenována význačnou absolventkou třídy. V roce 2005 obdržel Valdez cenu Latina of Excellence in the Cultural Arts a titul od amerického Kongresového hispánského fóra. Proslavila se na začátku své kariéry při spolupráci s avantgardní uměleckou skupinou ASCO. Je držitelem mnoha prestižních ocenění, včetně těch udělovaných J. Paul Getty Trust for the Visual Arts a National Endowment for the Arts. Získala Brody Fellowship in Visual Arts. Valdezovy obrazy jsou součástí několika velkých sbírek.
Cynthia Grilli
Umělkyně Cynthia Grilli získala BFA na Rhode Island School of Design v roce 1992 a MFA v malbě na New York Academy of Art v roce 1994. Její práce byly publikovány v mnoha amerických publikacích, vystavovány po celé zemi a jsou součástí soukromých i firemních sbírek v Americe a Evropě. Cynthia je dvojnásobnou držitelkou nadace Elizabeth Greenshields Foundation.
Eric Fischl
Eric Fischl se narodil v New Yorku v roce 1948. V roce 1972 promoval na California Institute of the Arts a získal bakalářský titul. Po absolutoriu nějakou dobu pracoval jako hlídač v Chicagském muzeu současného umění. Poté, co se Fischl přestěhoval do Skotska, začal učit na Nova Scotia College of Art and Design a začal přímo malovat. Jeho první osobní výstava se konala ve Skotsku. Žánry jeho děl jsou velmi rozmanité, ale především figurativní malba, epizody z moderního amerického života.
Američtí umělci jsou velmi různorodí. Někteří byli jasně kosmopolitní, jako Sargent. Původem Američan, ale téměř celý svůj dospělý život prožil v Londýně a Paříži.
Jsou mezi nimi i autentičtí Američané, kteří zobrazovali životy pouze svých krajanů, jako je Rockwell.
A jsou také umělci, kteří nejsou z tohoto světa, jako Pollock. Nebo ti, jejichž umění se stalo produktem konzumní společnosti. Řeč je samozřejmě o Warholovi.
Všichni jsou však Američané. Milující svobodu, odvážný, jasný. Přečtěte si o sedmi z nich níže.
1. James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Autoportrét. 1872 Institute of Arts v Detroitu, USA. Whistlera lze jen stěží nazvat skutečným Američanem. Když vyrůstal, žil v Evropě. A dětství prožil... v Rusku. Jeho otec postavil železnici v Petrohradě.
Právě tam se chlapec James zamiloval do umění, navštívil Ermitáž a Peterhof díky otcovým stykům (v té době to byly ještě paláce pro veřejnost uzavřené).
Čím je Whistler známý? Ať už píše jakýmkoliv stylem, od realismu po tonalismus*, lze ho téměř okamžitě rozpoznat podle dvou charakteristik. Neobvyklé barvy a hudební názvy.
Některé jeho portréty jsou napodobeninou starých mistrů. Jako například jeho slavný portrét „The Artist’s Mother“.
James Whistler. Umělcova matka. Aranžmá v šedé a černé barvě. 1871 Umělec vytvořil úžasné dílo pomocí barev od světle šedé po tmavě šedou. A trochu žluté.
To ale neznamená, že Whistler takové barvy miloval. Byl to mimořádný člověk. Klidně by se mohl objevit ve společnosti ve žlutých ponožkách a v zářivém deštníku. A to bylo, když se muži oblékali výhradně do černé a šedé.
Má také mnohem lehčí díla než „Matka“. Například „Symfonie v bílé“. Obraz tak nazval jeden z novinářů na výstavě. Whistlerovi se tento nápad líbil. Od té doby téměř všechna svá díla pojmenoval hudebně.
James Whistler. Symfonie v bílé #1 1862 Národní galerie Washington, USA Ale pak, v roce 1862, se veřejnosti Symfonie nelíbila. Opět kvůli Whistlerovým zvláštním barevným schématům. Lidé si mysleli, že je divné namalovat ženu v bílém na bílém pozadí.
Na obrázku vidíme Whistlerovu rusovlasou milenku. Zcela v duchu prerafaelitů. Ostatně v té době se umělec přátelil s jedním z hlavních zakladatelů prerafaelismu Gabrielem Rossettim. Krása, lilie, neobvyklé prvky (vlčí kůže). Vše je jak má být.
Ale Whistler se rychle vzdálil od prerafaelismu. Protože pro něj nebyla důležitá vnější krása, ale nálada a emoce. A vytvořil nový směr - tonalismus.
Jeho krajinná nokturna ve stylu tonalismu jsou skutečně jako hudba. Jednobarevné, viskózní.
Sám Whistler řekl, že hudební tituly pomáhají soustředit se na malbu samotnou, linie a barvy. Přitom bez přemýšlení o místě a lidech, kteří jsou vyobrazeni.
James Whistler. Nokturno v modré a stříbrné: Chelsea. 1871 Tate Gallery, Londýn 
Mary Cassattová. Spící dítě. Pastel, papír. 1910 Dallas Museum of Art, USA Svému stylu ale zůstala věrná až do konce. Impresionismus. Jemný pastel. Matky s dětmi.
Kvůli malování Cassatt opustil mateřství. Ale její ženská stránka se stále více projevovala v tak něžných dílech jako „Spící dítě“. Je škoda, že ji konzervativní společnost kdysi postavila před takovou volbu.
3. John Sargent (1856-1925)
John Sargent. Autoportrét. 1892 Metropolitan Museum of Art, New York John Sargent si byl jistý, že bude portrétistou celý život. Moje kariéra šla dobře. Aristokraté se u něj seřadili na objednávku.
Jednoho dne ale podle společnosti umělec překročil hranici. Nyní je pro nás obtížné pochopit, co je na filmu „Madame X“ tak nepřijatelné.
Pravda, v původní verzi měla hrdinka jeden z popruhů dole. Sargent ji „vychoval“, ale nic to nepomohlo. Objednávky vyschly.
John Sargent. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, New York Jakou obscénní věc viděla veřejnost? A to, že Sargent ztvárnila modelku v příliš sebevědomé póze. Navíc průsvitná kůže a růžové ucho jsou velmi výmluvné.
Zdá se, že obrázek říká, že tato žena se zvýšenou sexualitou není proti přijímání návrhů jiných mužů. Navíc být ženatý.
Bohužel současníci za tímto skandálem mistrovské dílo neviděli. Tmavé šaty, světlá kůže, dynamická póza - jednoduchá kombinace, kterou najdou jen ti nejtalentovanější řemeslníci.
Ale každý mrak má stříbro. Sargent na oplátku dostal svobodu. Začal jsem více experimentovat s impresionismem. Napište dětem v bezprostřední situaci. Tak se objevilo dílo „Karafiát, Lily, Lily, Růže“.
Sargent chtěl zachytit konkrétní okamžik soumraku. Proto jsem pracoval jen 2 minuty denně, když bylo vhodné osvětlení. Pracovalo se v létě a na podzim. A když květiny uschly, nahradila jsem je umělými.
John Sargent. Karafiát, lilie, lilie, růže. 1885-1886 Tate Gallery, Londýn V posledních desetiletích se u Sargenta vyvinul takový vkus pro svobodu, že začal portréty úplně opouštět. I když jeho pověst už byla obnovena. Jednu klientku dokonce sprostě propustil s tím, že by byl rád, kdyby jí namaloval bránu než obličej.
John Sargent. Bílé lodě. 1908 Brooklynské muzeum, USA Současníci se k Sargentovi chovali ironicky. Považovat to za zastaralé ve věku modernismu. Ale čas dal vše na své místo.
Nyní jeho díla nemají menší hodnotu než díla nejslavnějších modernistů. No, není co říct o lásce veřejnosti. Výstavy s jeho díly jsou vždy vyprodány.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Autoportrét. Ilustrace pro vydání The Saturday Evening Post z 13. února 1960. Je těžké si představit populárnějšího umělce za jeho života, než je Norman Rockwell. Na jeho ilustracích vyrostlo několik generací Američanů. Miluji je z celé své duše.
Rockwell totiž ztvárnil obyčejné Američany. Ale zároveň ukazují své životy z té nejpozitivnější stránky. Rockwell nechtěl ukazovat ani zlé otce, ani lhostejné matky. A žádné nešťastné děti u něj nepotkáte.
Norman Rockwell. Celá rodina na dovolené i z dovolené. Ilustrace v časopise Evening Saturday Post, 30. srpna 1947. Muzeum Normana Rockwella ve Stockbridge, Massachusetts, USA Jeho díla jsou plná humoru, sytých barev a velmi zručně zachycené mimiky ze života.
Ale je iluze, že práce byla pro Rockwella snadná. Aby vytvořil jeden obraz, mohl nejprve pořídit až sto fotografií svých předmětů, aby zachytil správná gesta.
Rockwellova díla měla obrovský vliv na mysl milionů Američanů. Ostatně svými obrazy se často vyjadřoval.
Během druhé světové války se rozhodl ukázat, za co vojáci jeho země bojovali. Vytvořil také obraz „Freedom from Want“. V podobě Díkůvzdání, kde se všichni členové rodiny, dobře najedení a spokojení, radují z rodinné dovolené.
Norman Rockwell. Svoboda od nouze. 1943 Muzeum Normana Rockwella ve Stockbridge, Massachusetts, USA Po 50 letech v Saturday Evening Post Rockwell odešel do demokratičtějšího magazínu Look, kde mohl vyjádřit své názory na sociální otázky.
Nejvýraznějším dílem těch let je „Problém, se kterým žijeme“.
Norman Rockwell. Problém, se kterým žijeme. 1964 Norman Rockwell Museum, Stockbridge, USA Toto je skutečný příběh černé dívky, která chodila do bílé školy. Vzhledem k tomu, že byl přijat zákon, že lidé (a tedy vzdělávací instituce) by již neměli být rozděleni podle ras.
Ale hněvu měšťanů se meze nekladly. Cestou do školy dívku hlídala policie. Toto je „rutinní“ moment, který Rockwell ukázal.
Pokud chcete poznat život Američanů trochu v přikrášleném světle (jak ho chtěli vidět oni sami), určitě se podívejte na Rockwellovy obrazy.
Možná ze všech malířů prezentovaných v tomto článku je Rockwell nejameričtějším umělcem.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrew Wyeth. Autoportrét. 1945 Národní akademie designu, New York Na rozdíl od Rockwella nebyl Wyeth tak pozitivní. Od přírody samotář, nesnažil se nic přikrášlovat. Naopak zobrazoval ty nejobyčejnější krajiny a nevýrazné věci. Jen pšeničné pole, jen dřevěný dům. Ale podařilo se mu v nich zahlédnout i něco magického.
Jeho nejznámějším dílem je „Christina's World“. Wyeth ukázal osud jedné ženy, jeho sousedky. Od dětství ochrnutá se plazila po svém statku.
Na tomto obrázku tedy není nic romantického, jak by se na první pohled mohlo zdát. Když se podíváte pozorně, žena je bolestně hubená. A s vědomím, že hrdinčiny nohy jsou ochrnuté, se smutkem chápete, jak daleko je ještě od domova.
Wyeth napsal na první pohled to nejobyčejnější. Zde je staré okno starého domu. Ošuntělý závěs, který se už začal měnit v cáry. V lese je za oknem tma.
Ale v tom všem je nějaké tajemství. Nějaký jiný pohled.
Andrew Wyeth. Vítr od moře. 1947 Národní galerie Washington, USA Děti tak vědí, jak se dívat na svět s otevřenou myslí. Wyatt vypadá stejně. A my jsme s ním.
Všechny Wyethovy záležitosti řešila jeho žena. Byla dobrá organizátorka. Byla to ona, kdo kontaktoval muzea a sběratele.
V jejich vztahu bylo málo romantiky. Musela se objevit múza. A stala se z ní jednoduchá, ale neobyčejného vzhledu, Helga. To je přesně to, co vidíme v mnoha zaměstnáních.
Andrew Wyeth. Copánky (ze série „Helga“). 1979 Soukromá sbírka Zdálo by se, že vidíme pouze fotografický obraz ženy. Ale z nějakého důvodu je těžké se od ní odtrhnout. Její pohled je příliš komplikovaný, ramena napjatá. Jako bychom spolu s ní byli vnitřně napjatí. Snažím se najít vysvětlení pro toto napětí.
Wyeth zobrazoval realitu v každém detailu a magicky ji obdařil emocemi, které nemohou nikoho nechat lhostejným.
Umělec nebyl dlouho uznáván. Svým realismem, byť magickým, nezapadal do modernistických trendů 20. století.
Když muzejní pracovníci kupovali jeho díla, snažili se o to potichu, aniž by vzbudili pozornost. Výstavy byly organizovány zřídka. Ale k závisti modernistů měli vždy obrovský úspěch. Lidé přicházeli v houfech. A stále přicházejí.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. 1950 Fotografie od Hanse Namutha Jacksona Pollocka nelze ignorovat. V umění překročil určitou hranici, po které už malířství nemohlo být stejné. Ukázal, že v umění se obecně lze obejít bez hranic. Když jsem plátno položil na zem a potřísnil ho barvou.
A tento americký umělec začínal s abstraktním uměním, ve kterém se ještě dalo vysledovat figurativní. V jeho díle ze 40. let „Stenographic Figure“ vidíme obrysy tváře i rukou. A dokonce i symboly, které chápeme v podobě křížků a nul.
Jackson Pollock. Těsnopisná postava. 1942 Muzeum moderního umění v New Yorku (MOMA) Jeho dílo bylo chváleno, ale lidé s jeho koupí nijak nespěchali. Byl chudý jako kostelní myš. A bezostyšně pil. Navzdory šťastnému manželství. Jeho žena obdivovala jeho talent a udělala vše pro úspěch svého manžela.
Ale Pollock byl zpočátku zlomená osobnost. Od mládí bylo z jeho činů zřejmé, že brzká smrt byla jeho osudem.
Tato zlomenost nakonec povede k jeho smrti ve věku 44 let. Ale bude mít čas udělat revoluci v umění a proslavit se.
Jackson Pollock. Podzimní rytmus (číslo 30). 1950 Metropolitan Museum of Art v New Yorku, USA A udělal to během dvou let střízlivosti. V letech 1950-1952 mohl plodně pracovat. Dlouho experimentoval, až došel k technice kapání.
Rozložil obrovské plátno na podlahu své stodoly a obešel ho, jako by byl na samotném obraze. A potřísněné nebo jednoduše nalité barvy.
Lidé od něj tyto neobvyklé obrazy začali ochotně kupovat pro jejich neuvěřitelnou originalitu a novost.
Jackson Pollock. Modré sloupy. 1952 Národní galerie Austrálie, Canberra Pollocka přemohla sláva a upadl do deprese, nechápal, kam se posunout dál. Smrtící směs alkoholu a deprese mu nenechala žádnou šanci na přežití. Jednoho dne usedl za volant značně opilý. Naposled.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhol. 1979 Foto Arthur Tress Pouze v zemi s takovým kultem konzumu jako v Americe se mohl zrodit pop-art. A jeho hlavním iniciátorem byl samozřejmě Andy Warhol.
Proslavil se tím, že vzal ty nejobyčejnější věci a proměnil je v umělecké dílo. To se stalo s plechovkou Campbellovy polévky.
Volba nebyla náhodná. Warholova matka krmila svého syna touto polévkou každý den více než 20 let. I když se přestěhoval do New Yorku a vzal s sebou i matku.
Andy Warhol. Campbellovy polévkové plechovky. Polymer, ruční tisk. 32 obrazů 50x40 každý. 1962 Muzeum moderního umění v New Yorku (MOMA) Po tomto experimentu se Warhol začal zajímat o sítotisk. Od té doby fotil popové hvězdy a maloval je různými barvami.
Tak se objevila jeho slavná malovaná Marilyn Monroe.
Takových kyselých květů Marilyn bylo vyrobeno nespočet. Warhol dal umění do proudu. Jak by to mělo být v konzumní společnosti.
Andy Warhol. Marilyn Monroe. Sítotisk, papír. 1967 Muzeum moderního umění v New Yorku (MOMA) Warhol nepřišel s pomalovanými obličeji z ničeho nic. A opět se to neobešlo bez vlivu matky. Jako dítě, během vleklé nemoci svého syna, mu nosila balíčky omalovánek.
Tento dětský koníček přerostl v to, co se stalo jeho vizitkou a udělalo z něj pohádkové bohatství.
Maloval nejen popové hvězdy, ale i mistrovská díla svých předchůdců. Taky jsem to dostal.
„Venuše“, stejně jako Marilyn, toho udělala hodně. Exkluzivitu uměleckého díla „vymazal“ do prášku Warhol. Proč to umělec udělal?
Popularizovat stará mistrovská díla? Nebo se je naopak pokusit znehodnotit? Zvěčnit popové hvězdy? Nebo okořenit smrt ironií?
Andy Warhol. Botticelliho Venuše. Sítotisk, akryl, plátno. 122x183 cm 1982. Muzeum E. Warhola v Pittsburghu, USA Jeho barevná díla Madonny, Elvise Presleyho nebo Lenina jsou někdy rozpoznatelnější než původní fotografie.
Ale mistrovská díla byla stěží zastíněna. Přesto zůstává nedotčená „Venuše“ k nezaplacení.
Warhol byl vášnivým party zvířetem a přitahoval spoustu marginalizovaných lidí. Narkomani, neúspěšní herci nebo prostě nevyrovnaní jedinci. Jeden z nich ho jednou zastřelil.
Warhol přežil. Ale o 20 let později na následky rány, kterou kdysi utrpěl, zemřel sám ve svém bytě.
Americký tavící kotlík
Navzdory krátké historii amerického umění je rozsah široký. Mezi americkými umělci jsou impresionisté (Sargent), magickí realisté (Wyeth), abstraktní expresionisté (Pollock) a průkopníci pop-artu (Warhol).
Američané milují svobodu volby ve všem. Stovky denominací. Stovky národů. Stovky uměleckých stylů. To je důvod, proč je to tavící kotlík Spojených států amerických.
