francouzští impresionističtí umělci. Stvoření
Byla to skutečná revoluce. Namísto pečlivě kreslených mytologických námětů a lhostejně krásných portrétů se na uměleckých výstavách objevil skutečný život - pestrobarevný, nepřikrášlený, produktivní silný dojem. Původ nového stylu byl francouzští umělci, jehož jména jsou dodnes uctívána po celém světě.
Zakladatelé impresionismu
Název nového hnutí, který se začal používat nejen v malířství, ale také v poezii a hudbě, měl zprvu hanlivý význam. Vytvořil jej kritik Louis Leroy, který použil název jeho obrazu „Impression. Východ slunce“ (1872) (francouzsky: Impression, soleil levan). Tito francouzští umělci, jejichž díla nebyla akad umělecká výstava v Paříži vystavovali svá díla v Salonu uprchlíků.
První výstava se konala v ateliéru fotografa Nadara na Boulevard des Capucines v dubnu až květnu 1874. Podíleli se na něm mimo jiné francouzští umělci, jejichž díla jsou považována za první příklady skutečně nové, progresivní malby. Kromě Moneta jsou to Edgar Degas (1934-1917), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Berthe Morisot (1841-1895), Frédéric Bazille (1841-1870). Zvláštní styl je uznáván pro Edouarda Maneta (1832-1883), který nikdy nevystavoval s impresionisty, ale byl s nimi v úzké interakci a vzájemný vliv. Paul Cezanne (1839-1906), účastnící se výstav, sdílel mnoho názorů svých přátel, ale pak začal hledat a našel svou vlastní cestu, kde realismus hrál mnohem menší roli. Stal se přímým předchůdcem formálních rešerší prvních avantgardních umělců 20. století.
Teoretické základy
Výstava v Salonu odmítnutí není začátkem odpočítávání v dějinách impresionismu, ale obdobím konečného formování tohoto hnutí. Francouzští impresionisté - umělci, kteří nesouhlasili s akademickými názory - vyjádřili své názory na zobrazování přírody ve prospěch dlouho před tím. Krajiny Monet, Sisley, Pissarro, Cezanne obsahovaly pokus zastavit se na okamžik, zprostředkovat letmý pocit obdivu ke světu plnému barev a světla. Díky tomu se jejich práce zdály nedokončené, nedbalé a příliš odlišné od obvyklých klasických příkladů.
Mezitím je zřejmý vliv díla takových mistrů minulosti jako Rubens, Velazquez, Goya, Delacroix na přední mistry impresionismu. Kromě preciznosti v kresbě, bohatých vztahů mezi světlem a stínem a propracovanosti barev se francouzští umělci naučili pečlivě sledovat přírodu a svobodu při výběru témat. Období studia, kdy budoucí mistr jezdí do Itálie, studuje muzejní sbírky Benátek a Florencie, kopíruje renesanční mistrovská díla, jsem v biografii každého významného impresionisty.
Uplynulo mnoho času, než bylo každému jasné, že obrazy francouzských impresionistických umělců mají povahu skutečně realistické malby, že obvinění z nedbalosti a nepřesnosti, nerespektování perspektivy a použití nepřirozené barevné palety jsou v podstatě nesprávná. . Jejich plátna obsahují výzvu k pozornějšímu pohledu na své okolí, k rozlišování bohatosti linií a odstínů.
Claude Monet
Ne nadarmo to byl obraz Clauda Moneta, který dal jméno celému stylu. Tento umělec jako jeden z prvních ocenil hodnotu práce v plenéru s použitím barev v tubách, které umožňovaly zachytit krajinu v přirozeném světle, bez úprav v ateliéru. „Boulevard des Capucines“ (1873), „Gare Saint-Lazare“ (1877), „Rouenská katedrála na slunci“ (1894), „Lekníny“ (1915) jsou příklady svobody vidění a inovativní malířské techniky, která byla na tu dobu překvapivé.
Edgar Degas
Práci v ateliéru miloval a nesmířil se s touhou impresionistů pracovat pouze pod širým nebem. Své oblíbené modely nacházel v zákulisí divadel, v kavárnách, v dílnách a prádelnách... Mezi jeho zájmy patřil pastel, grafika, sochařství. Degas nikdy nepřikládal důležitost příslušnosti k určitému hnutí, ale vždy byl řazen k francouzským impresionistům. Umělci tohoto stylu měli k Degasovi blízko výběrem námětů, svěžestí a bohatostí palety a slavní „Tanečníci“ navždy zůstanou jedním z největších mistrovských děl impresionismu.
Styl, který se objevil v konec XIX století ve Francii je úžasný fenomén. Nejprve jména francouzských umělců, kteří našli nová silnice v umění byli oceněni posměšnými přídomky, které je definovaly jako neschopné amatéry, chuligány ve vznešeném světě umění. Ale ukázalo se, že se vyhýbají jejich vlivu kreativní metoda Všechny následující generace umělců selhaly. Nejvýznamnější sbírky obrazů, muzejní i osobní, se neobejdou bez přítomnosti francouzských impresionistů a jakékoli jejich vystoupení na aukci je celosvětovou událostí.
Podrobnosti Kategorie: Výtvarné umění a architektura konce 16.-18. století Zveřejněno 27.04.2017 14:46 Zobrazení: 2559V začátek XVIII PROTI. se objevil ve Francii nový styl– rokoko.
V překladu z francouzštiny rokoko (rokaille) znamená „skořápka“. Jméno tohoto umělecký styl odhaluje jeho charakteristický rys – lásku k složité formy, efektní linie připomínající půvabnou siluetu mušle.
Rokokový styl neměl dlouhého trvání (asi do 40. let), ale jeho vliv na evropská kultura se ukázalo být velmi silné.
V druhé polovině 18. stol. nový nárůst zájmu starověké kultury. To bylo částečně způsobeno vykopávkami Pompejí, které objevily unikátní památky umění. Na druhou stranu tento zájem podporovaly myšlenky francouzského osvícenství: ideál umění a veřejný život viděli v historii a kultuře Starověké Řecko A Starověký Řím. Vznikl tak nový styl – neoklasicismus. Nebylo tomu tak ve všech zemích. Například v Itálii barokní styl existoval současně s rokokovým stylem, zatímco ve Francii se baroko příliš nerozvinulo. V Rusku se rokoko a neoklasicismus doplňovaly.
V 18. stol zákazníci ještě nehráli vedoucí role v osudu umělce: hlavním soudcem uměleckých děl se stalo veřejné mínění. Objevil se umělecká kritika: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau a další.
Důležitá událost umělecký život Francie XVIII PROTI. se staly veřejné výstavy – Salony. Od roku 1667 je každoročně pořádá Pařížská královská malířská a sochařská akademie s podporou královského dvora. Úspěchem na Salonu bylo uznání pro malíře nebo sochaře. O účast na Salonech usilovali nejen Francouzi, a tak se Paříž postupně proměnila v celoevropské umělecké centrum.
Jean Antoine Watteau (1684-1721)
Rosalba Carriera. Portrét Antoina Watteaua (1721)
Antoine Watteau je francouzský malíř první třetiny 18. století, zakladatel rokokového stylu.
V malbě objevil sféru jemných emocí, ladících s lyrikou krajiny.
A. Watteau se narodil v provinční město v rodině pokrývače. Již v raná léta Projevily se jeho umělecké schopnosti a otec ho vyučil u místního malíře menšího nadání. Velmi brzy přestal být mentor pro budoucího umělce užitečný. Antoine Watteau proti vůli svého otce tajně opouští své rodné město Valenciennes a cestuje pěšky do Paříže, kde je najat v malířské dílně na mostě Notre Dame, jejíž majitel organizoval sériovou výrobu levných kopií obrazů v “ společný vkus“ pro velkoobchodní kupující. Watteau mechanicky kopíroval stejné populární obrazy a v volný časčerpal ze života. Byl výjimečně pracovitý.
Antoine Watteau "The Capricious" (asi 1718). Státní muzeum Ermitáž(Petrohrad)
Brzy Watteau našel své první mecenáše – Pierra Mariettea a jeho syna Jeana, rytce a sběratele, majitele velké společnosti, která prodávala rytiny a obrazy. V Mariettes měl Watteau příležitost seznámit se s díly Rembrandta, Tiziana a Rubense. Prostřednictvím Marietteových se Watteau stává žákem umělce Clauda Gillota, mistra divadelní kulisy a tvůrce malé malby. „Od tohoto mistra Watteau získal pouze zálibu v grotesknosti a komiksu a také zálibu v moderních tématech, kterým se následně věnoval. A přesto musíme přiznat, že s Gillotem Watteau konečně pochopil sám sebe a že od té doby se známky talentu, který bylo třeba rozvíjet, staly jasnějšími“ (životopisec umělce Edme-François Gersin).
Antoine Watteau "Herci francouzské komedie" (asi 1712). Státní muzeum Ermitáž (Petrohrad)
Ve 33 letech se Watteau stal nejoblíbenějším malířem v Paříži, což přispělo k jeho evropské slávě.
Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Paříž)
Tak o tomto obraze mluví M.Yu. Herman, moderátor výzkumník Ruské muzeum: „V dějinách umění nemá Gilles prakticky žádné obdoby. Málokdo napsal herce vůbec. Navíc se nikdo neodvážil ukázat herce v naprosté nečinnosti. Pro Watteaua samotného to byl odvážný krok: namalovat postavu do samého středu plátna, většinu z něj vyplnit širokým hábitem, který zcela skrývá komediantovo tělo, a v hloubi ztvárnit tváře ostatních herců, s zábava a animace ostře kontrastující s téměř nehybnou tváří hrdiny... Bez gest a mimiky, symetricky a plošně vepsaný do plátna, klidně existuje v čase, jako by se pro něj navždy zastavil. Všechno, co je pomíjivé a pomíjivé, je mu cizí. Ruch za ním je v pohybech herců. Smích a radost publika je před ním. A zůstává vždy nehybný, s legrační a dojemnou výčitkou v jeho kulatých, láskyplných a inteligentních očích.“
Watteau, již docela nemocný, vzal nápis na obchod se starožitnostmi. Velký panovník„Na mostě Notre Dame. Tento obchod patřil jeho příteli Gersenovi.
Antoine Watteau. Nápis Gersenova obchodu (1720-1721). Palác Charlottenburg (Berlín)
Watteau maloval znakový obraz na dvě samostatná plátna, která pak byla vložena do jediného rámu. Děj obrazu se přenáší z krajiny do interiéru. Na plátně je vyobrazen prostorný obchod, který se podle umělcova plánu otevírá přímo na pařížskou dlažbu.
V popředí vlevo služebnictvo umístí do krabice portrét nedávno zesnulého. Ludvík XIV. V horním rohu visí podobizna jeho tchána, španělského krále Filipa IV., znalci pečlivě studují obraz v oválném rámu; krajiny a zátiší zde koexistují s mytologickými výjevy.
Hlavním rysem této práce je její programová povaha. Podle Louise Aragona Watteau pod rouškou znamení představil dějiny malířství tak, jak je znal. Tento obraz se stal jakoby uměleckým testamentem autora. Antoine Watteau zemřel ve věku 36 let na tuberkulózu.
Památník Antoine Watteau v jeho rodné město Valenciennes (1884)
S vývojem rokokového stylu je spojeno i dílo Francoise Bouchera.
Francois Boucher (1703-1770)
F. Boucher - francouzský malíř, rytec, dekoratér. Jeho díla se vyznačují vytříbenými formami, lyricky něžnou barevností, graciézností, koketností, někdy až afektovaností.
Gustaf Lundberg. Portrét Francoise Bouchera
Boucher byl mistrem rytí, ilustroval knihy Ovidia, Boccaccia a Moliera. Vytvářel kulisy pro opery a představení, obrazy pro královské tapisérie; prováděl ornamentální malby sevreského porcelánu, maloval vějíře, vyráběl miniatury atd.
V malbě přešel k alegorickému a mytologické předměty, psal žánrové scény, pastorály (poetizace mírumilovného a prostého venkovský život), krajiny, portréty.
F. Boucher. Portrét Madame de Pompadour
Boucher získal titul dvorního umělce. Vyzdobil rezidence krále a paní de Pompadour, soukromá sídla v Paříži. V posledních letech byl ředitelem Královské akademie malířství a sochařství a „prvním královým malířem“.
F. Boucher. Portrét Marie Buzo, umělcovy manželky (1733)
Další obraz F. Bouchera ilustruje epizodu La Fontaineovy povídky „Poustevník“. Nedaleko se pod rouškou poustevníka usadí mladý muž, který se chystá svést krásnou, ale bázlivou vesnickou dívku. Podaří se mu přesvědčit dívčinu matku o své svatosti a ona sama vezme svou dceru k sobě, aby naslouchala jeho dobrému učení. Boucher předvádí originální interpretaci La Fontainova díla, ale hlavní místo v jeho kompozici zaujímá krajina.
F. Boucher „Krajina s poustevníkem. Bratr Luce“ (1742). Muzeum výtvarné umění jim. A. S. Pushkina (Moskva)
Demokratické názory na francouzské umění
Byly ztělesněny v díle „malíře třetího stavu“ Jean Baptiste Simeon Chardin a v portrétech Maurice Quentina de Latour.
Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779)
Chardin. Autoportrét
Chardin se záměrně vyhýbal tématům charakteristickým pro umění své doby. Maloval především zátiší a každodenní výjevy, ale vyjadřoval v nich vlastní postřehy. Zajímal se o život lidí „třetího stavu“ (všech skupin obyvatelstva s výjimkou privilegovaných: duchovenstva a šlechty).
Činnost umělce Chardina navázala na tradice nizozemské a vlámští mistři a představoval rozkvět realismu v 18. století. I jeho zátiší mělo aspekt pro zobrazení reality. Nejobyčejnější předměty se pro něj staly zdrojem kompozice pro zobrazení harmonické existence: džbány, staré hrnce, zelenina atd.
Chardin "Scat" (1728). Louvre (Paříž)
Umělec uměl dokonale zprostředkovat barevnou rozmanitost a cítil vnitřní provázanost objektů. Malými tahy přenášel odstíny barev a měl schopnost zahrnout do obrazu vliv slunečního světla.
Obracím se k žánrová malba, k běžným domácím scénám, Chardin znovu vytvořil na plátně klidný, odměřený způsob života každodenní život, blízký každému člověku. Právě obrazy jako tyto mu zajistily jedno z předních míst v historii. Francouzská malba. V roce 1728 se stal členem Pařížské akademie umění a v roce 1743 jejím poradcem; později se stal členem Rouenské akademie věd, literatury a výtvarných umění.
Zduchovnil nejobyčejnější předměty a činnosti: „Pradelna“ (1737), „Džbán oliv“ (1760), „Atributy umění“ (1766).
Chardin „Zátiší s uměleckými atributy“ (1766, Státní Ermitážní muzeum (Petrohrad). Obraz objednala Kateřina II. pro budovu Akademie umění ve výstavbě v Petrohradě
D. Diderot srovnával svou dovednost s čarodějnictvím: „Ach, Chardine, to nejsou bílé, červené a černé barvy, kterými si natíráte paletu, ale samotná podstata předmětů; vezmete vzduch a světlo na špičku štětce a nanesete je na plátno!“
Chardin" Mýdlové bubliny"(1733-1734). Národní galerie umění, Washington (USA)
Svérázné spojení „galantní“ malby a každodenní žánr odlišuje dílo Jean Honore Fragonarda.
Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
Francouzský malíř a rytec. Pracoval v rokokovém stylu. Autor více než 550 obrazů (nepočítaje kresby a rytiny).
J.O. Fragonard. Autoportrét (asi 1760–1770)
Byl žákem F. Bouchera a J.B.S. Chardin. Zpočátku zájem o historická malba, a pak začal psát v duchu Watteaua a Bouchera. Často má scény intimní život, erotický obsah, dekorativní panely, portréty, miniatury, akvarely, pastely. Věnoval se také leptání, rytí.
Ale v éře klasicismu ztratil na popularitě.
J.O. Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Paříž)
Obraz zobrazuje milostnou scénu: gentleman, aniž by spustil oči z dámy, pravá ruka sáhne ke dveřím, kde zavře horní závoru. Zdá se, že levá ruka dámy tento pohyb opakuje. Na stole je jablko biblický symbol pokušení a pád.
Na historických obrazech je Fragonard málo originální. Jeho krajiny jsou docela zdobené. Ale žánrové obrazy Umělec se vyznačuje zručnou kompozicí, elegancí designu, jemným zbarvením a jemným vkusem: „Hudební lekce“, „Pastorální“, „Koupající se“, „Spící nymfa“, „Amor sundá košili z krásy“, „Mladý Kytarista“, „Ukradený polibek“ .
J.O. Fragonard "Ukradený polibek" Ermitáž (Petrohrad)
V poloviny 18. století PROTI. Francouzské osvícenství předložilo klasické ideály jako prostředek vzdělání. V malbě se objevil sentimentální a moralizující směr, v němž vynikl umělec Jean-Baptiste Greuze.
Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)
J.-B. Sny. Autoportrét
Grez uspěl především v žánru rodinný život se svými problémy a dramaty – zde má ve francouzském malířství málo soupeřů.
J.-B. Sny "Otcova kletba" (1777). Louvre (Paříž)
Obraz ukazuje scénu rodinné drama když syn otci oznámí, že odchází do armády, a otec ho prokleje.
Jako portrétista na tom byl také nejlépe, protože... pochopil portrétní malba jinak než jeho současníci, kteří zobrazovali muže jako Apolla a ženy jako Floru a Venuši. Jeho portréty jsou plné vnější podobnost plná života a pocitů.
J.-B. Sny "Portrét dívky". Národní muzeum umění Ázerbájdžánu
Petrohradská Ermitáž obsahuje 11 děl Greuze.
Ve Francii v 18. stol. zvýšený zájem o přírodu a krajinomalba. Typ krajiny („architektonická fantazie“) charakteristický pro neoklasicismus vytvořil Hubert Robert.
Hubert Robert (1733-1808)
Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portrét Huberta Roberta (1788) Louvre (Paříž)
francouzský krajinář; získal evropskou slávu svými velkými plátny s romantizovanými obrazy antických ruin obklopených idealizovanou přírodou. Jeho přezdívka byla „Robert z Ruins“.
Hubert Robert "Starověké ruiny" (1754-1765). Budapešť
Jacques-Louis David (1748-1825)
J.-L. Davide. Autoportrét (1794)
Francouzský malíř a učitel, významný představitel francouzského neoklasicismu v malbě. Citlivý kronikář své pohnuté doby.
Narodil se v rodině velkoobchodníka se železem. Byl vychován převážně v rodině příbuzných. Když bylo zjištěno, že dítě umí kreslit, předpokládalo se, že se stane architektem, jako oba jeho strýcové.
David absolvoval hodiny kreslení na Akademii sv. Luke. V roce 1764 ho jeho příbuzní seznámili s Françoisem Boucherem, ale kvůli nemoci nemohl s mladíkem studovat. V roce 1766 vstoupil David na Královskou akademii malířství a sochařství a začal studovat ve Vienneově dílně. V letech 1775-1780 David studoval na Francouzská akademie v Římě, studoval antické umění a dílo renesančních mistrů.
V roce 1783 byl zvolen členem malířské akademie.
Aktivně se účastnil revolučním hnutím, byl zvolen poslancem Národního shromáždění, připojil se k Montagnardům vedeným Maratem a Robespierrem, hlasoval pro smrt krále Ludvík XVI. Namaloval řadu obrazů věnovaných revolucionářům: „Přísaha v tanečním sále“ (1791, nedokončeno), „Smrt Marat“ (1793). V této době také organizoval mše lidové slavnosti a vytvořil Národní muzeum v Louvru.
J.-L. David "Smrt Marat" (1793). Královská muzea výtvarné umění (Brusel)
Toto plátno je jedním z nejvíce slavné obrazy věnované Velké francouzské revoluci.
Jean Paul Marat je novinář pro radikální noviny „Friend of the People“, vůdce jakobínů. Když Marat onemocněl kožní chorobou, nevyšel z domu a aby zmírnil své utrpení, vykoupal se. 13. července 1793 byl ve svém bytě ubodán k smrti šlechtičnou Charlotte Cordayovou.
Nápis na dřevěném stojanu je věnováním autora: "MARATO, David." V Maratově ruce svírá kus papíru s textem: „13. července 1793, Marie Anne Charlotte Corday občanovi Maratovi. Jsem nešťastný, a proto mám právo na vaši ochranu.“ Ve skutečnosti Marat neměl čas obdržet tuto poznámku, protože... Corday ho zabil jako první.
V roce 1794 byl za své revoluční názory uvězněn.
V roce 1797 byl svědkem slavnostního vjezdu Napoleona Bonaparta do Paříže a od té doby se stal jeho horlivým podporovatelem a po nástupu k moci dvorním „prvním umělcem“. David vytváří obrazy věnované Napoleonově přechodu Alp, jeho korunovaci, ale i řadu kompozic a portrétů Napoleonových blízkých. Po Napoleonově porážce v bitvě u Waterloo v roce 1815 uprchl do Švýcarska, poté se přestěhoval do Bruselu, kde žil až do konce svého života.
J.-L. David "Bonaparte v průsmyku svatého Bernarda" (1801)
Tento Davidův obraz zahajuje éru romantismu v evropské malířství. Jde o vysoce romantizovaný jezdecký portrét generála Napoleona Bonaparta, který v květnu 1800 vedl italskou armádu průsmykem sv. Bernarda vysoko v Alpách.
Přírodní pozadí také dává obrázku romantický význam: strmé horské útesy, sníh, silný vítr a špatné počasí. Níže, když se podíváte pozorně, můžete vidět vytesaná jména tří velkých velitelů, kteří prošli touto cestou: Hannibal, Charlemagne a Bonaparte.
J.-L. David "Korunovace Napoleona" (1805-1808)
Plátno bylo vytvořeno pod dojmem Rubensova obrazu „Korunovace Marie de‘ Medici“.
Pohřben Jacques-Louis David v Bruselu a jeho srdce bylo převezeno do Paříže a pohřbeno na hřbitově Père Lachaise.
V 18. stol Ve Francii působili historičtí malíři Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, portrétisté Claude Lefebvre, Nicolas Largilliere a Hyacinthe Rigaud.
V polovině 18. stol. Slavný byl rod Vanlo, zejména bratři Jean-Baptiste a Charles a další umělci.
Bývaly doby, kdy umělci nebyli za svou práci oceňováni. Ale v dnešní době jsou tito jedinci vysoce ceněni, bez ohledu na to, zda k nim patří historické časy nebo živý. Francouzští malíři jsou zvláště uctíváni pro jejich úžasná a nádherná díla.
Zde je 10 nejslavnějších a nejvýznamnějších francouzských umělců a malířů. Vraťme se v čase a podívejme se na to všechno společně. Prosím, užijte si to!
TOP 10 nejznámějších francouzských umělců a malířů:
10. Paul Gauguin (1848-1903)
Paul Gauguin byl francouzský umělec a malíř postimpresionistických časů. Velkou měrou přispěl k rozvoji avantgardní obrazy. Gauguin měl blízký vztah s Van Goghem.
9. Vincent Van Gogh (1853-1890)
Vincent Van Gogh patří do postimpresionistického období. Je jedním z nejvíce slavných malířů a umělci ve světě. Vincent je známý svou odvahou a světlé obrazy, a narodil se v Nizozemsku.
8. Camille Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro patří do období impresionistů a postimpresionistů. Je jedním z nejvlivnějších a nejlepších malířů všech dob. Ve svých obrazech pracoval na nových a jedinečných stylech, které by mohly zvýhodnit jeho kariéru.
7. Edouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet je známý svými příspěvky do škol realismu a impresionismu. Byl to skvělý a inovativní malíř. Díla transformoval do impresionismu, aby jim dodal moderní vzhled.
6. Eugene Delacroix (1798-1863)
Eugene Delacroix je známý svými romantickými obrazy a uměleckými díly. Inspiraci pro toto dílo získal od malířů Benátská renesance a Rubens.
5. Paul Cézanne (1839-1906)
Paul Cézanne se narodil v 18. století. Úžasný umělecéra impresionismu. Svou kariéru začal v impresionistických formách, ale vyvinul se jako inovativní umělec, který dává nejlepší díla umění v 19. století.
4. Charles-François Dabigny (1817-1878)
Charles-François Dabigny je jedním z nejvíce slavných umělců všech dob. Dodnes je připomínán pro svou tradici krajinomalby a používají se k zapůsobení na ostatní jedinečnými uměleckými díly.
3. Augustus Renoir (1841-1919)
August Renoir patří do éry impresionismu. Je jedním z nejznámějších malířů, kteří sehráli klíčovou roli ve vývoji impresionistických děl.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet je impresionistický malíř. Je jedním z nejvlivnějších malířů 18. století. Byl pod silný vliv vznikala díla středoškolských studentů i jeho vlastní díla, např. „Impression“, „Sunrise“ a další.
1. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas je považován za předchůdce impresionismu. Maloval realistické aspekty lidského života. Jeho styl práce byl skutečně jedinečný a velmi působivý.
Pokud se nemůžete dočkat, až si splníte svůj sen – naučit se kreslit – pak tato série videolekcí je to, co potřebujete pro první krok.
"Nový svět se zrodil, když ho namalovali impresionisté"
Henri Kahnweiler
19. století Francie. V malbě se stalo něco nevídaného. Skupina mladých umělců se rozhodla otřást 500letými tradicemi. Místo jasné kresby použili široký, „nedbalý“ tah.
A úplně opustili obvyklé obrázky. Zobrazování všech. A dámy s lehkou ctností a pánové s pochybnou pověstí.
Veřejnost nebyla na impresionistickou malbu připravena. Byli zesměšňováni a nadáváni. A co je nejdůležitější, nic si od nich nekoupili.
Ale odpor byl zlomen. A někteří z impresionistů se svého triumfu dočkali. Pravda, bylo jim už přes 40. Jako Claude Monet nebo Auguste Renoir. Někteří čekali na uznání až na konci života, jako Camille Pissarro. Někteří se ho nedožili, jako Alfred Sisley.
Jaké revolucionáře každý z nich dokázal? Proč to veřejnosti trvalo tak dlouho, než je přijala? Zde je 7 nejznámějších francouzských impresionistů. Což ví celý svět.
1. Edouard Manet (1832 – 1883)
Edouard Manet. Autoportrét s paletou. 1878 Soukromá sbírkaManet byl starší než většina impresionistů. Byl jejich hlavní inspirací pro změnu.
Manet sám o sobě netvrdil, že je vůdcem revolucionářů. Byl prominent. Snil jsem o oficiálních cenách.
Na uznání ale čekal velmi dlouho. Veřejnost chtěla vidět řecké bohyně. Nebo přinejhorším zátiší. Aby v jídelně vypadala krásně. Manet chtěl psát moderní život. Například kurtizány.
Výsledkem byla „Snídaně v trávě“. Dva dandies odpočívají ve společnosti dam s lehkou ctností. Jeden z nich, jako by se nic nestalo, sedí vedle oblečených mužů.
Edouard Manet. Snídaně v trávě. 1863, Paříž Porovnejte jeho Luncheon on the Grass s Thomasem Couturem Romans in Decline. Coutureho obraz vyvolal senzaci. Umělec se okamžitě stal slavným.
„Snídaně v trávě“ byla obviněna z vulgárnosti. Těhotným ženám se vážně nedoporučovalo se na to dívat.
Thomas Couture. Římané v jejich úpadku. 1847 Musée d'Orsay, Paříž. artchive.ru V Coutureově malbě vidíme všechny atributy akademismu ( tradiční malba 16-19 století). Sloupy a sochy. Lidé apollónského vzhledu. Tradiční tlumené barvy. Způsoby póz a gest. Zápletka ze vzdáleného života úplně jiných lidí.
„Snídaně v trávě“ od Maneta má jiný formát. Před ním nikdo kurtizány tak snadno nezobrazoval. Blízko slušným občanům. I když mnoho tehdejších mužů takto trávilo volný čas. Skutečný život skutečných lidí.
Jednou jsem psal jedné ctihodné paní. Škaredý. Nedokázal jí zalichotit štětcem. Paní byla zklamaná. Nechala ho v slzách.
Edouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paříž. Wikimedia.commons.org Pokračoval tedy v experimentech. Například s barvou. Nesnažil se o zobrazení tzv. přirozené barvy. Pokud viděl šedohnědou vodu jako jasně modrou, pak ji zobrazil jako jasně modrou.
To samozřejmě popudilo veřejnost. Koneckonců, ani Středozemní moře se nemůže pochlubit tím, že je modré jako Manetova voda, vtipkovali.
Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Museum of Fine Arts, Tournai, Belgie. Wikipedia.org Faktem ale zůstává fakt. Manet radikálně změnil účel malby. Obraz se stal ztělesněním umělcovy individuality. Kdo si píše jak chce. Zapomínání na vzory a tradice.
Všechny inovace mu dlouho neodpouštěly. Uznání se mu dostalo až na sklonku života. Když už to nepotřeboval. Bolestně na to umíral nevyléčitelná nemoc.
2. Claude Monet (1840 – 1926)
Claude Monet. Autoportrét v baretu. 1886 Soukromá sbírka Clauda Moneta lze nazvat křesťanským impresionistou. Vzhledem k tomu, že byl věrný tomuto směru všechny jeho dlouhá životnost.
Maloval nikoli předměty a lidi, ale jednobarevnou konstrukci melírů a skvrn. Samostatné tahy. Otřesy vzduchu.
Claude Monet. Brouzdaliště. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org Monet maloval nejen přírodu. Byl také dobrý v městské krajině. Jedním z nejznámějších je.
Na tomto obrázku je hodně fotografie. Pohyb je například přenášen rozmazaným obrazem.
Všimněte si, jak se vzdálené stromy a postavy zdají být v oparu.
Claude Monet. Boulevard des Capucines v Paříži. 1873 (Galerie evropského a amerického umění 19.-20. století), Moskva Před námi je zmrazený okamžik rušného života Paříže. Žádná inscenace. Nikdo nepózuje. Lidé jsou zobrazováni jako sbírka tahů štětcem. Takový nedostatek zápletky a efekt „freeze-frame“ - hlavní rys impresionismus.
V polovině 80. let byli umělci zklamáni impresionismem. Estetika je samozřejmě dobrá. Ale nedostatek zápletky mnohé deprimoval.
Pouze Monet pokračoval na svém. Přehnaný impresionismus. Což přerostlo v sérii obrazů.
Desetikrát zobrazil stejnou krajinu. V různou denní dobu. V různých obdobích roku. Ukázat, jak může teplota a světlo změnit stejný druh k nepoznání.
Tak se objevilo nespočet kupek sena.
Obrazy Clauda Moneta v Muzeu výtvarných umění v Bostonu. Vlevo: Haystack při západu slunce v Giverny, 1891. Vpravo: Haystack (efekt sněhu), 1891.
Vezměte prosím na vědomí, že stíny na těchto obrazech jsou barevné. A ne šedé nebo černé, jak bylo zvykem před impresionisty. To je další jejich vlastnost.
Monet se dokázal těšit z úspěchu a materiální pohodu. Po 40 letech už zapomněl na chudobu. Získal dům a krásnou zahradu. A tvořil pro své potěšení po mnoho let.
Přečtěte si o mistrově nejikoničtější malbě v článku
3. Auguste Renoir (1841 – 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportrét. 1875 Sterling and Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresionismus je nejpozitivnější obraz. A nejpozitivnější mezi impresionisty byl Renoir.
Drama v jeho obrazech nenajdete. Dokonce černá barva nepoužil. Pouze radost z bytí. I ty nejbanálnější věci v Renoir vypadají krásně.
Na rozdíl od Moneta Renoir maloval lidi častěji. Krajiny pro něj byly méně důležité. V jeho obrazech jeho přátelé a známí relaxují a užívají si života.
Pierre-Auguste Renoir. Snídaně veslařů. 1880-1881 Phillips Collection, Washington, USA. Wikimedia.commons.org V Renoir nenajdete žádnou hloubku. Velmi rád se přidal k impresionistům. Kdo zápletky zcela odmítl.
Jak sám řekl, konečně má příležitost napsat květiny a nazvat je jednoduše „Květiny“. A nevymýšlejte o nich žádné příběhy.
Pierre-Auguste Renoir. Žena s deštníkem v zahradě. 1875 Thyssen-Bormenis Museum, Madrid. arteuam.com Nejlépe se Renoir cítil ve společnosti žen. Požádal své služebné, aby zpívaly a žertovaly. Čím hloupější a naivnější píseň byla, tím lépe pro něj. A mužské štěbetání ho unavovalo. Není žádným překvapením, že Renoir je známý svými akty.
Model na obraze „Nahé v sluneční světlo“ Zdá se, že se objeví na barevném abstraktním pozadí. Protože pro Renoira není nic druhořadé. Oko modelu nebo část pozadí jsou ekvivalentní.
Pierre-Auguste Renoir. Nahá na slunci. 1876 Musée d'Orsay, Paříž. wikimedia.commons.org Renoir žil dlouhý život. A nikdy jsem neodložil štětec a paletku. I když měl ruce zcela spoutané revmatismem, přivázal si kartáč k ruce provazem. A kreslil.
Stejně jako Monet čekal na uznání po 40 letech. A viděl jsem své obrazy v Louvru vedle mých děl slavných mistrů.
Přečtěte si o jednom z nejpůvabnějších portrétů Renoira v článku
4. Edgar Degas (1834 – 1917)
Edgar Degas. Autoportrét. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkian, Lisabon, Portugalsko. culted.com Degas nebyl klasický impresionista. Nerad pracoval pod širým nebem (open air). Záměrně odlehčenou paletku u něj nenajdete.
Naopak miloval jasnou linii. Má hodně černé. A pracoval výhradně ve studiu.
Ale přesto je vždy postaven do řady s dalšími velkými impresionisty. Protože byl impresionistou gest.
Nečekané úhly. Asymetrie v uspořádání objektů. Postavy zaskočené. To vše jsou hlavní atributy jeho obrazů.
Na okamžik zastavil život a nedovolil mu přijít k rozumu. Stačí se podívat na jeho „Operní orchestr“.
Edgar Degas. Operní orchestr. 1870 Musée d'Orsay, Paříž. commons.wikimedia.org V popředí je opěradlo židle. Muzikant je k nám zády. a dál pozadí baletky na jevišti se nevešly do „rámu“. Jejich hlavy jsou nemilosrdně „uříznuty“ okrajem obrazu.
Proto jeho oblíbené tanečnice nejsou vždy zobrazovány v krásných pózách. Někdy dělají jen strečink.
Ale taková improvizace je imaginární. Degas si samozřejmě složení pečlivě promyslel. Toto je pouze efekt zmrazeného snímku, nikoli skutečný zmrazený snímek.
Edgar Degas. Dva baletní tanečníci. 1879 Shelburne Museum, Vermouth, USA Edgar Degas rád maloval ženy. Ale nemoc nebo vlastnosti těla mu nedovolily mít s nimi fyzický kontakt. Nikdy nebyl ženatý. Nikdo ho nikdy neviděl se ženou.
Chybí v něm skutečné příběhy osobní život dodal svým snímkům jemnou a intenzivní erotiku.
Edgar Degas. Baletní hvězda. 1876-1878 Musee d'Orsay, Paříž. wikimedia.comons.org Vezměte prosím na vědomí, že na obraze „Baletní hvězda“ je vyobrazena pouze samotná balerína. Její kolegové v zákulisí jsou sotva vidět. Jen pár nohou.
To neznamená, že Degas obraz nedokončil. Toto je recepce. Zaměřte se pouze na to nejdůležitější. Zbytek nechte zmizet, nečitelný.
Přečtěte si o dalších obrazech mistra v článku
5. Berthe Morisot (1841 – 1895)
Edouard Manet. Portrét Berthe Morisot. 1873 Marmottan-Monet Museum, Paříž. Berthe Morisot je zřídka umístěna v první řadě s velkými impresionisty. Jsem si jistý, že to není zasloužené. Právě v její tvorbě najdete všechny hlavní rysy a techniky impresionismu. A pokud máte rádi impresionismus, budete její tvorbu milovat z celého srdce.
Morisot pracoval rychle a zbrkle. Přenesení zobrazení na plátno. Zdá se, že postavy se brzy rozplynou v prostoru.
Berthe Morisot. Letní. 1880 Fabray Museum, Montpellier, Francie. Stejně jako Degas často nechávala některé detaily nedokončené. A to i části modelčina těla. Nemůžeme rozlišit ruce dívky na obraze „Léto“.
Morisotova cesta k sebevyjádření byla obtížná. Nejenže se věnovala „nedbalému“ malování. Byla to stále žena. V té době měla žena snít o svatbě. Poté se zapomnělo na jakékoli koníčky.
Bertha proto sňatek dlouho odmítala. Dokud nenašla muže, který respektoval její povolání. Eugene Manet byl bratrem umělce Edouarda Maneta. Poslušně toužil po stojanu a barvách své ženy.
Berthe Morisot. Eugene Manet se svou dcerou v Bougival. 1881 Marmottan-Monet Museum, Paříž. Ale stále to bylo v 19. století. Ne, nenosil jsem kalhoty Morisot. Úplnou svobodu pohybu si ale dovolit nemohla.
Nemohla jít do parku pracovat sama. Bez doprovodu někoho blízkého. Nemohl jsem sedět sám v kavárně. Její obrazy jsou proto lidí z rodinného kruhu. Manžel, dcera, příbuzní.
Berthe Morisot. Žena s dítětem v zahradě v Bougival. 1881 Národní muzeum Walesu, Cardiff. Morisot nečekal na uznání. Zemřela ve věku 54 let na zápal plic. Aniž by za svého života prodal téměř cokoli ze svého díla. Na jejím úmrtním listu byla ve sloupci „povolání“ pomlčka. Bylo nemyslitelné, aby žena byla nazývána umělkyní. I když vlastně byla.
Přečtěte si o mistrových obrazech v článku
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Autoportrét. 1873 Musée d'Orsay, Paříž. Wikipedia.org Camille Pissarro. Nekonfliktní, rozumné. Mnozí ho vnímali jako učitele. Ani ti nejtemperamentnější kolegové nemluvili o Pissarrovi špatně.
Byl věrným stoupencem impresionismu. Ve velké nouzi, s pěti dětmi a ženou, stále tvrdě pracoval stejným stylem. A nikdy jsem nepřešel na salonní malování. Stát se více populární. Není známo, kde vzal sílu plně věřit v sebe sama.
Aby vůbec neumřel hlady, maloval Pissarro vějíře. Které byly dychtivě skupovány. Skutečného uznání se mu ale dostalo až po 60 letech! Když konečně mohl zapomenout na svou potřebu.
Camille Pissarro. Dostavník v Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paříž Vzduch na Pissarrových obrazech je hustý a hustý. Mimořádné spojení barev a objemu.
Umělec se nebál malovat nejproměnlivější přírodní úkazy. Které se na chvíli objeví a zmizí. První sníh, mrazivé slunce, dlouhé stíny.
Camille Pissarro. Mráz. 1873 Musée d'Orsay, Paříž Jeho nejznámějšími díly jsou pohledy na Paříž. S širokými bulváry, rušným a barevným davem. V noci, přes den, za různého počasí. V některých ohledech odráží sérii obrazů Clauda Moneta.
Francouzskou uměleckou školu na přelomu 17. a 18. století lze nazvat přední evropskou školou, právě ve Francii v té době vznikaly umělecké styly jako rokoko, romantismus, klasicismus, realismus, impresionismus a postimpresionismus.
Rokoko (francouzské rokoko, z rokajlu - ozdobný motiv ve tvaru mušle) - styl v evropském umění 1. pol. 18. stol. Rokoko se vyznačuje hédonismem, únikem do světa idyly divadelní hra, záliba v pastorační a smyslově-erotické oblasti. Charakter rokokového dekoru získal důrazně elegantní, sofistikované formy.François Boucher, Antoine Watteau a Jean Honoré Fragonard pracovali v rokokovém stylu.
Klasicismus - styl v evropském umění 17. - počátku 19. století, jehož charakteristickým rysem byl apel na formy antického umění jako ideální estetický a etický standard.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres a Jacques-Louis David pracovali ve stylu klasicismu.
Romantismus - styl evropské umění v 18-19 století, charakteristické rysy který byl potvrzením vnitřní hodnoty duchovního a tvůrčího života jednotlivce, zobrazením silných a často vzpurných vášní a charakterů.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault a William Blake pracovali ve stylu romantismu.
|
Edouard Manet. Snídaně v dílně. 1868 |
Zrod realismu v malbě je nejčastěji spojován s tvorbou francouzského umělce Gustava Courbeta, který si v roce 1855 otevřel v Paříži vlastní podnik. osobní výstava„Pavilon realismu“, i když ještě před ním umělci barbizonské školy Theodore Rousseau, Jean-François Millet a Jules Breton pracovali realisticky. V 70. letech 19. století. realismus se dělil na dva hlavní směry – naturalismus a impresionismus.
Realistická malba se rozšířila po celém světě. The Itinerants pracovali ve stylu realismu se silnou sociální orientací v Rusku 19. století.
Impresionismus (z francouzského imprese - imprese) - styl v umění poslední třetiny 19. - počátku 20. století, jehož charakteristickým rysem byla touha zachytit co nejpřirozeněji skutečný svět ve své mobilitě a variabilitě, aby zprostředkoval vaše prchavé dojmy. Impresionismus nenastoloval filozofická témata, ale soustředil se na plynulost okamžiku, náladu a osvětlení. Náměty impresionistů se stávají životem samotným, jako série malých prázdnin, večírků, příjemných pikniků v přírodě v přátelském prostředí. Impresionisté byli mezi prvními, kteří malovali en plenér, aniž by dokončili svou práci v ateliéru.Ve stylu impresionismu pracovali Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley a další.
Postimpresionismus je umělecký styl, který se objevil na konci 19. století. Postimpresionisté se snažili svobodně a obecně zprostředkovat materialitu světa a uchýlili se k dekorativní stylizaci.Postimpresionismus dal vzniknout takovým uměleckým hnutím, jako je expresionismus, symbolismus a modernismus.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne a Toulouse-Lautrec pracovali v postimpresionistickém stylu.
Podívejme se blíže na impresionismus a postimpresionismus na příkladu tvorby jednotlivých francouzských mistrů 19. století.
|
Edgar Degas. Autoportrét. 1854-1855 |
Počínaje historickými malbami a kompozičně striktními portréty se Degas v 70. letech 19. století sblížil s představiteli impresionismu a přešel k zobrazování moderního městského života - ulic, kaváren, divadelních představení.
V Degasových obrazech je dynamická, často asymetrická kompozice, precizní pružná kresba, nečekané úhly, aktivita interakce mezi figurou a prostorem je pečlivě promyšlená a ověřená.
|
E. Degas. Koupelna. 1885 |
Oblíbená pastelová technika umožnila Edgaru Degasovi plně prokázat svůj talent kreslíře. Bohaté tóny a „třpytivé“ tahy pastelu pomohly umělci vytvořit onu zvláštní barevnou atmosféru, onu duhovou vzdušnost, která tak odlišuje všechna jeho díla.
Ve svých zralých letech se Degas často obracel k tématu baletu. Křehké a beztížné postavy baletek se před divákem objevují buď v šeru tanečních hodin, nebo ve světle reflektorů na jevišti či v krátkých minutách odpočinku. Zdánlivá nahodilost kompozice a nezaujaté postavení autora vytváří dojem špehování života někoho jiného, umělec nám ukazuje svět ladnosti a krásy, aniž by propadl přílišné sentimentalitě.Edgara Degase lze označit za subtilního koloristu, jeho pastely jsou překvapivě harmonické, někdy jemné a lehké, někdy postavené na ostrých barevných kontrastech. Degasův styl byl pozoruhodný svou úžasnou svobodou, aplikoval pastely s výraznými, přerušovanými tahy, někdy nechal tón papíru prosvítajícího pastelem nebo přidal tahy v oleji nebo akvarelu. Barva v Degasových obrazech vychází z duhového záření, z tekoucího proudu duhových linií, které rodí formu.
Degasova pozdní díla se vyznačují intenzitou a bohatostí barev, které jsou doplněny efekty umělého osvětlení, zvětšenými, téměř plochými formami a stísněným prostorem, což jim dodává intenzivně dramatický ráz. Tento
období Degas napsal jeden z jeho nejlepší díla – « Modré tanečnice" Umělec zde pracuje s velkými barevnými skvrnami, přičemž prvořadý význam dává dekorativní organizaci povrchu malby. Z hlediska krásy barevné harmonie a kompozičního provedení lze obraz „Blue Dancers“ považovat za nejlepší inkarnace náměty baletu od Degase, který v tomto obrazu dosáhl největší bohatosti textury a barevné kombinace.|
P. O. Renoir. Autoportrét. 1875 |
|
P.O. |
|
Jako většina impresionistů si Renoir vybírá jako předměty svých obrazů prchavé epizody života a dává přednost slavnostním městským scénám - plesům, tancům, procházkám („Nový most“, „Splash Pool“, „Moulin da la Galette“ a další). Na těchto plátnech neuvidíme ani černou, ani tmavě hnědou. Pouze škála jasných a jasných barev, které splývají, když se na obrazy díváte z určité vzdálenosti. Lidské postavy na těchto obrazech jsou malovány stejnou impresionistickou technikou jako krajina kolem nich, se kterou často splývají. P. O. Renoir. |
Je třeba poznamenat, že použití zelených, žlutých, okrových, růžových a červených tónů k zobrazení kůže šokovalo tehdejší veřejnost, nepřipravenou vnímat skutečnost, že stíny by měly být barevné, naplněné světlem.
V 80. letech 19. století začalo v Renoirově díle takzvané „období Ingres“. Většina slavné dílo tohoto období - "Velcí lazebníci". K sestavení kompozice začal Renoir poprvé používat skici a skici, linie kresby se staly jasnými a definovanými, barvy ztratily svůj dřívější jas a sytost, obraz jako celek začal působit střídměji a chladněji.
Na počátku 90. let 19. století došlo v Renoirově umění k novým změnám. Malířsky se objevuje iridescence barev, proto se toto období někdy nazývá „perleťové“, poté toto období ustupuje „červené“, pojmenované podle preference odstínů načervenalých a růžových barev.
Eugene Henri Paul Gauguin (život 1848-1903) - francouzský malíř, sochař a grafik. Spolu s Cezannem a Van Goghem byl největším představitelem postimpresionismu. Malovat začal v dospělosti, jeho rané období kreativity je spojeno s impresionismem. Nejlepší Gauguinova díla byla napsána na ostrovech Tahiti a Hiva Oa v Oceánii, kde Gauguin opustil „zlovolnou civilizaci“. K charakteristickým rysům Gauguinova stylu patří tvorba na velkých plochých plátnech statických a kontrastních barevných kompozic, hluboce emotivní a zároveň dekorativní.Na obraze „Žlutý Kristus“ Gauguin zobrazil ukřižování na pozadí typické francouzské venkovské krajiny, trpícího Ježíše obklopují tři bretaňské rolnice. Klid ve vzduchu, klidné submisivní pózy žen, krajina prosycená slunečně žlutou barvou se stromy v červeném podzimním listí, v dálce zaneprázdněný rolník se svými záležitostmi, se nemůže dostat do konfliktu s tím, co se děje na kříži. Prostředí je v ostrém kontrastu s Ježíšem, na jehož tváři se projevuje ono stádium utrpení, které hraničí s apatií, lhostejností ke všemu kolem něj. Rozpor mezi bezmeznými mukami přijatými Kristem a „nepozorovaností“ této oběti lidmi – to je hlavní téma toto dílo od Gauguina.
|
P. Gauguin. Oh, jsi žárlivá? 1892 |
na břehu dvě sestry - právě plavaly a teď jsou jejich těla natažená na písku v ležérních smyslných pózách - když mluvíme o lásce, jedna vzpomínka způsobuje rozpor: „Jak? Žárlíš!
V malbě bujné plnokrevné krásy tropické přírody, přírodních lidí nezkažených civilizací, Gauguin zobrazil utopický sen o pozemském ráji, o lidském životě v souladu s přírodou. Gauguinovy polynéské malby připomínají panely svou dekorativní barevností, plošností a monumentalitou kompozice a obecností stylizovaného provedení.
P. Gauguin. odkud jsme přišli? kdo jsme? kam jdeme? 1897-1898
Obraz „Odkud jsme přišli? kdo jsme? kam jdeme? Gauguin to považoval za vznešené vyvrcholení svých úvah. Podle umělcova plánu by se obraz měl číst zprava doleva: tři hlavní skupiny postav ilustrují otázky položené v názvu. Skupina žen s dítětem na pravé straně obrázku představuje začátek života; střední skupina symbolizuje každodenní existenci zralosti; v krajně levicové skupině Gauguin zobrazoval lidské stáří, blížící se smrti; modrý idol v pozadí symbolizuje onen svět. Tento obraz je vrcholem Gauguinova inovativního postimpresionistického stylu; jeho styl spojoval jasné použití barev, dekorativní barevnost a kompozici, plochost a monumentalitu obrazu s emocionální expresivitou.
Gauguinovo dílo předjímalo mnoho rysů secesního stylu, který se v tomto období objevoval a ovlivnil formování mistrů skupiny „Nabi“ a dalších malířů počátku 20. století.
|
V. Van Gogh. Autoportrét. 1889 |
V roce 1888 se Van Gogh přestěhoval do Arles, kde byla konečně určena jeho originalita. kreativním způsobem. Ohnivý umělecký temperament, bolestný impuls k harmonii, kráse a štěstí a zároveň strach ze sil nepřátelských vůči člověku, jsou ztělesněny buď v krajinách zářících slunečnými barvami jihu („Žlutý dům“, „Úroda“. La Croe Valley”), nebo ve zlověstném , obrazy připomínající noční můru (“Cafe Terrace at Night”); dynamika barev a tahu štětce
|
V. Van Gogh. Terasa noční kavárny. 1888 |
Van Goghovu intenzivní práci v posledních letech provázely záchvaty duševní choroby, které ho zavedly do psychiatrické léčebny v Arles, poté do Saint-Rémy (1889–1890) a do Auvers-sur-Oise (1890), kde spáchal sebevraždu. . Kreativita dvou posledních letech Umělcův život je poznamenán extatickou posedlostí, extrémně vyhroceným výrazem barevných kombinací, náhlými změnami nálad – od zběsilého zoufalství a zasmušilého vizionářství („Cesta s cypřiši a hvězdami“) až po chvějící se pocit osvícení a míru („Krajina v Auvers po déšť“).
|
V. Van Gogh. Kosatce. 1889 |
V. Van Gogh. Pšeničné pole s vránami. 1890
„Wheat Field with Crows“ je obraz od Van Gogha, který umělec namaloval v červenci 1890 a je jedním z jeho nejznámějších děl. Obraz byl údajně dokončen 10. července 1890, 19 dní před jeho smrtí v Auvers-sur-Oise. Existuje verze, že Van Gogh spáchal sebevraždu v procesu malování tohoto obrazu (vyšel na čerstvý vzduch s materiály pro malování, střelil se do oblasti srdce pistolí zakoupenou k zastrašení hejn ptáků, pak nezávisle dosáhl nemocnice, kde zemřel na ztrátu krve).
