Instrumentální koncert Antonia Vivaldiho poselství ročních období. Žánr koncertu v díle Antonia Vivaldiho

Antonio Vivaldi je vynikající houslista a skladatel, jeden z nejvýraznějších představitelů italského houslového umění 18. století. Na rozdíl od Corelliho, se svým vzácným zaměřením na několik žánrů, skladatel-houslista Vivaldi, který napsal více než 500 koncertů pro různé skladby a 73 sonát pro různé nástroje, vytvořil 46 oper, 3 oratoria, 56 kantát a desítky kultovních děl. Jeho oblíbeným žánrem v jeho tvorbě byl ale bezesporu instrumentální koncert. Navíc concerti grossi tvoří jen o něco více než desetinu jeho koncertů: vždy dával přednost sólová díla. Více než 344 z nich je napsáno pro jeden nástroj (s doprovodem) a 81 pro dva nebo tři nástroje. Mezi sólovými koncerty je 220 houslových koncertů. Vlastnit bystrý smysl zabarvení zvuku, Vivaldi vytvořil koncerty pro širokou škálu skladeb.

Koncertní žánr zaujal skladatele především šíří svého působení, přístupností širokému publiku, dynamikou třídílného cyklu s převahou rychlých temp, výraznými kontrasty tutti a soli a brilantností virtuózního přednesu. . Virtuózní instrumentální styl přispěl k celkové jasnosti dojmů z figurativní stavby díla. Právě v této tvůrčí interpretaci byl tehdejší koncert největším a nejpřístupnějším z instrumentálních žánrů a zůstal jím až do schválení symfonie v r. koncertního života.

Ve Vivaldiho díle získal koncert poprvé ucelenou podobu, uvědomující si skryté možnosti žánru. To je patrné zejména ve výkladu sólový start. Jestliže v Corelliho Concerto grosso mají krátké sólové epizody o několika taktech každá uzavřený charakter, pak ve Vivaldim, zrozeném z neomezeného letu fantazie, jsou strukturovány jinak: ve volném, improvizačním podání svých partů, virtuos

povaha nástrojů. S tím se zvětšuje škála orchestrálních ritornel a celá forma získává zcela nový dynamický charakter se zdůrazněnou funkční čistotou harmonií a ostře akcentovanými rytmy.

Jak již bylo řečeno, Vivaldi patří obrovské množství koncerty pro různé nástroje, především pro housle. Za skladatelova života vyšlo poměrně málo koncertů - 9 opusů, z toho 5 opusů pokrývá 12 koncertů a 4 obálky 6. Všechny, s výjimkou 6 koncertů op. 10 pro flétnu a orchestr, určeno pro jedny nebo více houslí s doprovodem. Z celkového počtu Vivaldiho koncertů tak vyšla méně než 1/5, což vysvětluje nejen v té době nerozvinuté hudební vydavatelství. Možná, že Vivaldi záměrně nedovolil zveřejnění svých nejsložitějších a technicky nejúspěšnějších koncertů a snažil se udržet tajemství svých interpretačních schopností v tajnosti. (Později totéž udělal N. Paganini.) Je příznačné, že naprostá většina opusů vydaných samotným Vivaldim (4, 6, 7, 9, 11, 12) sestává z nejsnáze proveditelných houslových koncertů. Výjimkou jsou slavné opusy 3 a 8: op. 3 obsahuje Vivaldiho první publikované a tedy zvláště významné koncerty, jejichž šířením se snažil prosadit svou skladatelskou pověst; z 12 koncertů op. 8–7 mají názvy programů a zaujímají ve skladatelově díle velmi zvláštní místo.

Dvanáct koncertů z op. 3, nazvané skladatelem „Harmonic Inspiration“ („L“Estro Armonico“), byly nepochybně široce známé již dlouho před vydáním v Amsterdamu (1712), což potvrzují ručně psané kopie jednotlivých koncertů umístěných v mnoha evropských městech. styl a originální “ Dvouakordové členění partů orchestru umožňuje datovat vznik cyklu do počátku 18. století, kdy Vivaldi hrál v katedrále sv. Marka Orchestrální party každého z koncertů jsou uvedeny v an 8hlasá verze - 4 housle, 2 violy, violoncello a kontrabas s činelem nebo varhanami, díky tomu je orchestrální zvuk rozdělen do due cori (do dvou sborů), což se později ve Vivaldiho tvorbě vyskytuje velmi zřídka. v tomto případě„dvousborových“ skladeb navázal Vivaldi na dlouhou tradici, která se v té době již zcela vyčerpala.

Nebo. 3 odráží přechodnou etapu ve vývoji instrumentálního koncertu, kdy tradiční techniky stále koexistují s novými trendy. Celý opus je rozdělen do 3 skupin po 4 koncertech podle počtu použitých sólových houslí. V první skupině jsou 4, ve druhé 2 a ve třetí jeden. Koncerty pro 4 housle až na jednu výjimku již nikdy nevznikly. Tato skupina koncertů se svou malou členitostí sólových sekcí a tutti nejvíce blíží Corelliho Concertu grossu. Koncerty pro dvoje housle s rozvinutějšími ritornelly v interpretaci sólového začátku také v mnohém připomínají Corelliho. A pouze na koncertech pro jedny housle dostávají sólové epizody dostatečně plný rozvoj.

Nejlepší koncerty tohoto opusu patří k nejčastěji uváděným. Jedná se o koncerty h moll pro 4 housle, a moll pro 2 a E dur pro jedny. Jejich hudba měla ohromit současníky novostí jejich životního smyslu, vyjádřeného neobvykle světlé obrázky. Již v našich dnech jeden z badatelů napsal o předposlední sólové epizodě ze třetí části dvojkoncertu a moll: „Zdá se, že v přepychovém sále baroka se otevřela okna a dveře a svobodná příroda vstoupila s pozdrav; hudba zní hrdě, majestátně patos, ještě neznámá XVII století: výkřik občana světa."

Publikace op. 3 znamenal začátek Vivaldiho silného kontaktu s amsterodamskými nakladateli a necelá dvě desetiletí až do konce 20. let 18. století vycházela v Amsterdamu všechna další doživotní vydání skladatelových koncertů. Některé z těchto opusů mají i názvy, i když ne programové v pravém slova smyslu, ale pomáhající pochopit hudební záměr autora. Zjevně odrážejí fascinaci skladatelů figurálními asociacemi, která byla pro tuto dobu charakteristická. Tedy 12 koncertů pro jedny housle s doprovodem op. 4 se nazývají „La Stravaganza“, což lze přeložit jako „excentricita, podivnost“. Toto jméno mohlo být míněno jako zdůraznění mimořádné odvahy hudební myšlení, která je tomuto opusu vlastní. 12 koncertů pro jedny a dvoje housle s doprovodem op. 9 mají název „Lyra“ („La Cetra“), který zde zjevně symbolizuje hudební umění. Konečně již zmíněný op. 8 se svými 7 programovými koncerty nese název „Zážitek harmonie a fantazie“ („II Cimento dell'Armonia e dell“ Inventione“), jako by chtěl autor upozornit posluchače, že jde jen o skromný pokus, pokusné hledání v dosud neznámá oblast hudební expresivity.

Vydání koncertů se časově shodovalo s rozkvětem Vivaldiho činnosti jako virtuózního houslisty a vedoucího orchestru Ospedale. V zralá léta Za svého života patřil k nejznámějším houslistům tehdejší Evropy. Partitury publikované za muzikantova života nepodávají úplný obraz o jeho úžasných interpretačních schopnostech, které sehrály obrovskou roli ve vývoji houslové techniky. Je známo, že v té době ještě existoval běžný typ houslí s krátkým krkem a malým krkem, který neumožňoval použití vysokých poloh. Soudě podle svědectví svých současníků vlastnil Vivaldi housle se speciálně protaženým krkem, díky kterému mohl volně dosáhnout 12. pozice (v jedné z kadenz jeho koncertů je nejvyšší tón F os 4. oktávy – např. V porovnání jsme zaznamenali, že Corelli byl omezen na použití 4. a 5. pozice).

Tak popisuje jeden z jeho současníků ohromující dojem z Vivaldiho vystoupení v Teatro Sant'Angelo 4. února 1715: „... doprovázející zpěváka na konci představení, Vivaldi skvěle předvedl sólo, které se pak změnilo v Fantazie, která mě přivedla do opravdového hororu, protože takový nikdo nikdy neuměl a ani nebude moci hrát; Neuvěřitelnou rychlostí předvedl na všech 4 strunách něco, co připomínalo fugu, zvedl prsty levé ruky tak vysoko na hmatník, že je dělila od stojanu na vzdálenost ne větší než tloušťka brčka, a nebyl tam žádný zbyl prostor pro hru smyčcem na struny...“ .

Přes možnou nadsázku se tento popis jeví jako obecně věrohodný, jak potvrzují dochované kadenze Vivaldiho (celkem je známo 9 rukopisů jeho kadencí). Nejplněji odhalují Vivaldiho úžasný technický talent, který mu umožnil výrazně rozšířit výrazové schopnosti nejen houslí, ale i dalších nástrojů. Jeho hudba pro smyčcové hráče vynalézavě využívá nové technické techniky, které se v té době rozšířily: hra akordů s různými možnostmi arpeggia, používání vysokých poloh, smyčcové efekty staccata, ostré hody, barioláž atd. Jeho koncerty ukazují, že byl houslistou s vysoce rozvinutá smyčcová technika, která zahrnovala nejen jednoduché a nestálé staccato, ale také sofistikované arpeggiační techniky se stínováním, které bylo v té době neobvyklé. Vivaldiho fantazie při vymýšlení různých možností hraní arpeggií se zdá nevyčerpatelná. Stačí odkázat na 21taktové Larghetto z druhé věty Koncertu h moll op. 3, ve kterém se současně používají tři typy arpeggií, které se střídavě dostávají do popředí.

A přesto většina silná stránka Houslista Vivaldi měl zjevně mimořádnou pohyblivost levé ruky, která neznala žádná omezení při používání jakékoli polohy na hmatníku.

Zvláštnosti Vivaldiho interpretačního stylu dodaly hře orchestru Ospedale, který řadu let vedl, punc jedinečné originality. Vivaldi dosáhl mimořádné jemnosti dynamických gradací a nechal daleko za sebou vše, co je v této oblasti mezi svými současníky známé. Důležité také je, že vystoupení orchestru Ospedale se odehrávala v kostele, kde vládlo nejpřísnější ticho, umožňující rozeznat i ty nejjemnější nuance zvučnosti. (V 18. století doprovázela orchestrální hudba obvykle hlučná jídla, kde o pozornosti k detailu v provedení nemohlo být ani řeči.) Vivaldiho rukopisy vykazují hojnost jemných přechodů zvučných odstínů, které skladatel obvykle nepřenášel do tištěných partitur. , protože v té době byly takové nuance považovány za nevymahatelné. Badatelé Vivaldiho práce zjistili, že plná dynamická škála jeho děl pokrývá 13 (!) gradací zvučnosti: od pianissima po fortissimo. Důsledné používání takových odstínů vlastně vedlo k efektům crescendo nebo diminuendo – tehdy zcela neznámým. (V 1. polovině 18. století měla změna znělosti smyčců „terasovitý“ charakter, jako vícemanuálový činel nebo varhany.)

Po houslích největší pozornost Vivaldiho zaujalo violoncello mezi smyčci. Jeho pozůstalost zahrnuje 27 koncertů pro tento nástroj s doprovodem. Počet je úžasný, protože v té době bylo violoncello ještě zřídka používáno jako sólový nástroj. V 17. století byl znám především jako nástroj continuo a teprve na počátku století dalšího se stal sólistou. První violoncellové koncerty se objevily na severu Itálie, v Bologni, a Vivaldi je nepochybně znal. Jeho četné koncerty svědčí o hluboce organickém pochopení podstaty nástroje a jeho inovativní interpretace. Vivaldi jasně vyzdvihuje nízké tóny violoncella, připomínající zvuk fagotu, někdy omezuje doprovod na jedno continuo pro posílení účinku. Sólové části jeho koncertů obsahují značné technické potíže, vyžadující od interpreta velkou pohyblivost levé ruky.

Postupně Vivaldi zaváděl do violoncellových partů nové techniky houslové hry: rozšiřování počtu poloh, staccato, smyčcové hody, používání nesousedících strun v rychlém pohybu atd. Vysoká umělecká úroveň Vivaldiho violoncellových koncertů umožňuje řadit je mezi tzv. nejvýraznější příklady tohoto žánru. Skladatelova tvorba zahrnuje dvě desetiletá období, zvláště významná pro vývoj nového nástroje, 10leté výročí předcházející vzniku Bachových suit pro sólové violoncello (1720).

Vivaldi, uchvácen novými druhy smyčců, nevěnoval rodině viol téměř žádnou pozornost. Jedinou výjimkou je viola d'amore (lit. - viola lásky), pro kterou napsal šest koncertů. Vivaldiho nepochybně přitahoval jemný stříbřitý zvuk tohoto nástroje, vytvářený podtóny rezonančních (alikvótních) kovové struny, natažený pod stojanem. Viola d'amore je v něm mnohokrát používána jako nepostradatelný sólový nástroj vokální díla(zejména v jedné z nejlepších árií oratoria „Judith“. Vivaldi také vlastní jeden koncert pro violu d’amore a loutnu.

Zvláště zajímavé jsou Vivaldiho koncerty pro dechové nástroje – dřevo a žesť. Zde byl jedním z prvních, kdo se obrátil k novým odrůdám nástrojů a položil základy jejich moderního repertoáru. Vytvářením hudby pro nástroje mimo rámec vlastní interpretační praxe objevil Vivaldi v jejich interpretaci nevyčerpatelnou invenci. vyjadřovací možnosti. I dnes jeho koncerty pro dechové nástroje kladou na interprety vážné technické požadavky.

Flétna je ve Vivaldiho díle používána různými způsoby. Na počátku 18. století existovaly její dvě odrůdy – podélná a příčná. Vivaldi psal pro oba typy nástrojů. Významný byl zejména jeho podíl na tvorbě repertoáru pro příčnou flétnu jako sólový koncertní nástroj. Všimněte si, že pro ni prakticky neexistovala žádná koncertní díla. Flétnisté často předváděli díla určená pro housle nebo hoboj. Vivaldi jako jeden z prvních vytvořil koncerty pro příčnou flétnu, které odhalily nové výrazové a dynamické možnosti jejího zvuku.

Kromě dvou hlavních variant nástroje psal Vivaldi také pro flétnu, flétnu zjevně podobnou moderní pikolové flétně. Hodně pozornosti Vivaldi věnoval pozornost hoboji, který zaujímal čestné místo v operních orchestrech 17. století. Hoboj byl zvláště často používán v „hudbě pro pod širým nebem" Dochovalo se 11 Vivaldiho koncertů pro hoboj a orchestr a 3 koncerty pro dva hoboje. Řada z nich vyšla ještě za skladatelova života.

Na 3 koncertech pro různé nástroje („con molti Istromenti“) použil Vivaldi klarinet, který byl tehdy ještě v experimentální fázi svého vývoje. Klarinet je také součástí partitury oratoria „Judith“.

Vivaldi napsal úžasné množství pro fagot - 37 sólových koncertů s doprovodem. Kromě toho se fagot používá téměř na všech komorních koncertech, na kterých se obvykle kombinuje s témbrem violoncella. Interpretace fagotu ve Vivaldiho koncertech se vyznačuje častým používáním nízkých, hutných rejstříků a rychlým staccatem, což vyžaduje od interpreta vysoce rozvinutou techniku.

Vivaldi se k žesťovým nástrojům obracel mnohem méně často než k dřevěným dechovým nástrojům, což se vysvětluje obtížností jejich použití v tehdejším recitálu. V 18. století se mosazná stupnice ještě omezovala na přírodní tóny. Na sólových koncertech proto žesťové party většinou nepřesahovaly C a D dur a potřebné tónové kontrasty byly svěřeny smyčcům. Vivaldiho Koncert pro dvě trubky a dva koncerty pro dva lesní rohy a orchestr ukazují skladatelovu pozoruhodnou schopnost kompenzovat omezení přirozeného rozsahu pomocí častých imitací, opakování zvuků, dynamických kontrastů a podobných technik.

V prosinci 1736 se objevily dva Vivaldiho koncerty pro jednu a dvě mandolíny a orchestr. Díky transparentní orchestraci s častými pizzicaty dosáhli organické jednoty s témbrem sólových nástrojů, plné okouzlující krásy zvuku. Mandolína přitahovala Vivaldiho pozornost svým barevným témbrem a jako doprovodný nástroj. V jedné z árií oratoria „Judita“ byla mandolína použita jako povinný nástroj. Části dvou mandolín jsou zahrnuty do partitury koncertu provedeného v Ospedale v roce 1740.

Kromě jiných drnkacích nástrojů použil Vivaldi loutnu, kterou použil na dvou svých koncertech. (V dnešní době se loutnový part obvykle hraje na kytaru.)

Povoláním houslista se skladatel Vivaldi v podstatě vždy držel vzorů houslové kantilény. Není divu, že téměř nikdy nepoužíval klávesy jako sólové nástroje, i když si pro ně vždy zachoval funkci continue. Výjimkou je Koncert C dur pro několik nástrojů se dvěma sólovými činely. Vivaldi projevil velký zájem o další klávesový nástroj– varhany s bohatou barevnou a zvukovou paletou. Známých je šest Vivaldiho koncertů se sólovými varhanami.

Vášnivý pro možnosti nový formulář sólový koncert, usiloval o jeho využití i Vivaldi ve skladbách pro soubory různého složení. Zvláště hodně psal pro dva a více nástrojů s doprovodem orchestru - celkem je známo 76 jeho koncertů tohoto druhu. Na rozdíl od Concerta grossa s obvyklým seskupením tří sólistů - dvoje housle a basso continuo představují tato díla zcela nový typ souborového koncertu. Jejich sólové sekce využívají skupiny nástrojů, které jsou složením i počtem velmi různorodé, čítající až deset účastníků; ve vývoji vystupují do popředí jednotliví sólisté nebo dominuje forma instrumentálního dialogu.

Vivaldi se také opakovaně obracel k typu orchestrálního koncertu, v němž převládá tutti sonorita, pouze proložená vystoupeními jednotlivých sólistů. Je známo 47 děl tohoto druhu, jejichž myšlenky značně předběhly dobu. Svým orchestrálním koncertům dal různé názvy a označil je jako „Sinfonia“, „Concerto“, „Concerto a quattro“ (čtyřčlenný) nebo „Concerto ripieno“ (tutti).

Velké množství orchestrální koncerty Vivaldi mluví o svém neustálém zájmu o tento typ žánru. Práce v Ospedale ho zřejmě nutila často využívat podobné formy muzicírování, které nevyžadovaly prvotřídní sólisty.

Konečně, speciální skupina komponuje Vivaldiho komorní koncerty pro několik sólistů bez doprovodu orchestru. Zvláště důmyslně využívají možností kombinování povahově odlišných nástrojů. Mezi 15 díly tohoto druhu jsou již zmíněné 4 koncerty z 10 v prvním vydání.

O rozvoj sólového koncertu (především houslového koncertu) se zasloužil A. Vivaldi, jehož hlavní oblastí kreativity byla instrumentální hudba. Mezi jeho mnoha koncerty centrální místo jsou obsazeny koncerty pro jedny nebo dvoje housle a orchestr.

Vivaldi učinil důležité akvizice na poli tematického vývoje a kompoziční formy. Pro první věty svých koncertů nakonec vyvinul a ustálil formu blízkou rondu, kterou později převzal I.S. Bach, stejně jako klasičtí skladatelé.

Vivaldi přispěl k rozvoji virtuózní houslové techniky a vytvořil nový, dramatický styl výkonu. Vivaldiho hudební styl se vyznačuje melodickou velkorysostí, dynamickým a výrazným zvukem, transparentností orchestrálního psaní, klasickou harmonií kombinovanou s emocionálním bohatstvím.

Reference

Harnoncourt N. Programová hudba – Vivaldiho koncerty op. 8 [Text] / N. Arnocourt // Sovětská hudba. – 1991. – č. 11. – S. 92-94.
Beletsky I.V.. Antonio Vivaldi [Text]: krátký esejživot a tvořivost / I. V. Beletsky. – L.: Hudba, 1975. – 87 s.
Zeyfas N. Starý muž s úžasnou nevyčerpatelnou vášní pro kompozici [Text] / N. Zeyfas // Sovětská hudba. – 1991. – č. 11. – S. 90-91.
Zeyfas N. Concerto grosso v dílech Händela [Text] / N. Zeifas. – M.: Muzika, 1980. – 80 s.
Livanová T. Dějiny západoevropské hudby do roku 1789 [Text]. Ve 2 svazcích. T. 1. Do 18. století / T. Livanová. – 2. vyd., přepracováno.
a doplňkové – M.: Muzika, 1983. – 696 s. Lobanova M
. Západoevropské baroko: problémy estetiky a poetiky [Text] / M. Lobanova. – M.: Muzika, 1994. – 317 s. Raaben L
. Barokní hudba [Text] / L. Raaben // Otázky hudebního stylu / Leningradská státní univerzita. Institut divadla, hudby a kinematografie. – Leningrad, 1978. – S. 4-10. Rosenschild K . Příběh zahraniční hudba
[Text]: učebnice pro interprety. fak. zimní zahrady. Vydání 1 Do poloviny 18. století / K. Rosenschild. – M.: Muzika, 1969. – 535 s. Solovtsov A.A.

. Koncert [Text]: populárně naučná literatura / A. A. Solovtsov. – 3. vyd., dodat. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 s. Antonio Vivaldi - vynikající houslista a skladatel, jeden z nejjasnější představitelé

Koncertní žánr skladatele zaujal především šíří svého působení, přístupností širokému publiku a brilantností virtuózního podání. K celkové jasnosti dojmů přispěl virtuózní instrumentální styl. Právě v této tvůrčí interpretaci byl tehdejší koncert největším a nejpřístupnějším z instrumentálních žánrů a zůstal jím až do etablování symfonie v koncertním životě. Jak již bylo zmíněno, Vivaldi vlastní obrovské množství koncertů pro různé nástroje, především pro housle. Za skladatelova života vyšlo poměrně málo jeho koncertů. Možná, že Vivaldi záměrně nedovolil zveřejnění svých nejsložitějších a technicky nejúspěšnějších koncertů a snažil se udržet tajemství svých interpretačních schopností v tajnosti. Je příznačné, že naprostá většina opusů vydaných samotným Vivaldim se skládá z nejsnáze proveditelných houslových koncertů. Výjimkou jsou slavné opusy 3 a 8: op. 3 obsahuje Vivaldiho první publikované a tedy zvláště významné koncerty, jejichž šířením se snažil prosadit svou skladatelskou pověst. Dvanáct koncertů z op. 3, nazvané skladatelem „Harmonická inspirace“, byly nepochybně široce známé dlouho před vydáním v Amsterdamu. Potvrzují to ručně psané kopie jednotlivých koncertů umístěných v mnoha evropských městech. Nejlepší z koncertů patří k nejčastěji uváděným. Jejich hudba měla ohromit současníky novostí jejich životního smyslu, vyjádřeného neobyčejně živými obrazy. Již dnes jeden z badatelů o předposlední sólové epizodě ze třetí části dvojkoncertu a moll napsal: „Zdá se, že v přepychovém sále baroka se otevřela okna a dveře a svobodná příroda vstoupila s pozdravem .“ Vydání koncertů se časově shodovalo s rozkvětem Vivaldiho činnosti jako virtuózního houslisty a vedoucího orchestru Ospedale. Ve svých zralých letech patřil k nejslavnějším houslistům tehdejší Evropy. Partitury publikované za muzikantova života nepodávají úplný obraz o jeho úžasných interpretačních schopnostech, které sehrály obrovskou roli ve vývoji houslové techniky.

Chcete-li používat náhledy prezentací, vytvořte si účet ( účet) Google a přihlaste se: https://accounts.google.com

Popisky snímků:

“ROZNÍ OBDOBÍ” od A. VIVALDIho “JARO” “Vztahy všech zvuků a barev, Stejně jako způsoby převodu jakýchkoliv odstínů barev do not, zvuků. Ach, jak mohu takto porozumět základům vědy! G. Hesse

Obrazy střídání ročních období, šumění listí, ptačí hlasy, šplouchání vln, šumění potoka, hromobití – to vše lze přenést do hudby. Mnoho slavných skladatelů to umělo skvěle: jejich hudební díla o přírodě se staly klasikou hudební krajiny.

Ne, není to krajina, co mě přitahuje, Nejsou to barvy, které se snažím vnímat, Ale co září v těchto barvách: Láska a radost z bytí, Rozlévá se všude... Je všude tam, kde je krása ... I. A. Bunin.

Antonio Lucio Vivaldi (1678-1741) Vivaldi se již za svého života proslavil jako vynikající znalec orchestru, jako první použil mnoho koloristických efektů a výrazně rozvinul techniku hry na housle. Po jeho smrti byl ale na téměř 200 let zapomenut... Ve 20. letech 20. stol. Italský muzikolog A. Gentili náhodou objevil unikátní sbírku skladatelových děl (rukopisů), která se skládala z 300 koncertů, 19 oper, duchovních i světských vokální skladby. Od té doby začalo oživení bývalé slávy Antonia Vivaldiho.

Antonio Lucio Vivaldi italský skladatel, houslista, pedagog, dirigent, katolický kněz. Považován za jednoho z největších představitelů italského houslového umění 18. století. Jeden z největších hudebníků barokní éry. Široce uznávaný dostal v Evropě ještě za svého života. Budoucí skladatel se narodil v Benátkách 4. března 1678 v rodině houslisty, který se později stal hlavním houslistou v kapli katedrály svatého Marka. O Vivaldiho dětství je málo informací; ví se pouze, že byl nejstarším ze 6 dětí a že studoval hru na housle a cembalo. S největší pravděpodobností to byl otec, kdo byl první učitel hudby Antonio. Od 10 let již Antonio nahrazoval svého otce v kapli katedrály svatého Marka ve hře na housle. Později se rozhodl stát se knězem a v roce 1693 byl tonsurován mnichem a v roce 1703 byl vysvěcen na kněze. Byl ve špatném zdravotním stavu, takže po nějaké době přestal sloužit mši a poté byl propuštěn z kněžství.

V roce 1703 vstoupil Vivaldi do služby jako učitel houslí na konzervatoři kostelního útulku Pieta, jedné z nejlepších hudební školy pro dívky a později se stal dirigentem orchestru a koncertním ředitelem, mezi jeho povinnosti patřilo skládání hudby pro světské a náboženské koncerty. V roce 1713 napsal Vivaldi své první dílo, tříaktovou operu Otto ve vile, založenou na římských dějinách, a celkem je skladateli připisováno více než 90 oper. Jeho díla byla úspěšná, obdržel četné objednávky, ale pedagogickou práci také neodešel. J. S. Bach „pro potěšení a poučení“ osobně zařídil 9 Vivaldiho houslových koncertů pro klavír a varhany. V roce 1740, krátce před svou smrtí, odešel Vivaldi do svého poslední výlet do Vídně. Důvody jeho náhlého odchodu nejsou jasné. Všemi zapomenut, nemocný a bez obživy zemřel ve Vídni 28. července 1741 na zánět způsobený nachlazením. Byl pohřben na hřbitově chudáků. O měsíc později obdržely sestry Margherita a Zanetta zprávu o Antoniově smrti. Brzy po smrti jméno vynikající skladatel bylo zapomenuto.

Cyklus 4 koncertů napsaný v roce 1723“ Čtyři roční období"je nejvíc slavné dílo Antonio Vivaldi a jeden z nich populární díla hudba barokní doby. Jaro je prvním koncertem ze série "Seasons".

Vivaldiho čtyři třívěté houslové koncerty věnované ročním obdobím jsou bezesporu nejznámějšími přírodními hudebními díly barokní éry. Předpokládá se, že poetické sonety pro koncerty napsal sám skladatel a vyjadřují hudební význam každé části. Vivaldi svou hudbou zprostředkovává dunění hromu, zvuk deště, šustění listí, trylky ptáků, štěkot psů, vytí větru a dokonce i ticho podzimní noci. Mnohé skladatelovy poznámky v partituře přímo naznačují ten či onen přírodní jev, který by měl být zobrazen.

Sandro Botticelli "Jaro" 1482

Sonet: Jaro se blíží! A příroda je plná radostných písní. Slunce a teplo, potoky šumí. A Zephyr šíří zprávy o prázdninách jako kouzlo. Najednou se přivalí sametová mračna, jako když se ozve nebeský hrom. Ale mocná smršť rychle uschne, A cvrlikání se opět vznáší v modrém prostoru. Dech květin, šustění trávy, Příroda je plná snů. Pastýř spí, unavený dnem, a pes štěká sotva slyšitelně. Zvuk pastýřských dud se rozléhá nad loukami a kouzelný kruh tančících nymf jara je zbarven podivuhodnými paprsky.

V první části Vivaldiho slavného koncertního cyklu „Čtyři roční doby“ s využitím hudby slavný skladatel vyjádřil plnou sílu jara, doprovázel tři díla poetickým sonetem, barvitě popisujícím přírodní úkazy. Vivaldi také sonet doprovázející nádhernou hudbu rozdělil do tří částí: v první se objevuje příroda osvobozující se ze zimního zajetí, ve druhé pokojně spí ovčák a ve třetí ovčák tančí s nymfami pod rouškou jara. .

Koncert začíná veselou, bezstarostnou melodií - Allegro, jejíž každý tón vypovídá o radosti z příchodu jara. Housle tak úžasně napodobují ptačí zpěv! Ale pak zaburácí hrom. Orchestr hrající unisono napodobuje zvuk hromu svým hrozivým, rychlým zvukem. Záblesky blesků od houslistů dovnitř šupinovité pasáže. Když pomine bouřka, druhá část – Largo – opět v každém zvuku radost z příchodu jara. Ptáci opět zpívají a signalizují příchod jara. Ilustruje vznášející se melodie sólových houslí sladký sen rolník. Všechny ostatní housle zobrazují šustění listů. Na violách je vyobrazen štěkot psa hlídajícího spánek svého majitele. Jarní část je zakončena pastýřským tancem. Vzpoura energie a veselá nálada odpovídá konci jara, jas barev naznačuje probuzení přírody. Vivaldi dokázal zprostředkovat celou paletu přírodních barev zvuky orchestru, všechny odstíny radosti s pasážemi houslí!

„Jaro, jaro! jak čistý je vzduch!...“ E. Baratynsky Jaro, jaro! jak čistý je vzduch! Jak jasná je obloha! Oslepuje mi oči svým živým azurem. Jaro, jaro! jak vysoko na křídlech vánku, laskajícího sluneční paprsky, létají mraky! Potoky jsou hlučné! proudy svítí! Řeka s hukotem nese na vítězném hřebeni led, který zvedla! Neviditelný skřivan se vznesl pod sluncem A v jasných výšinách zpívá Neviditelný skřivan veselý hymnus na jaro. Proč jí slunce a jaro dělají takovou radost! Raduje se jako dcera živlů na jejich hostině? Co potřebuje! Šťastný je ten, kdo na to pije zapomnění myšlenky, koho on, podivuhodný, daleko od toho vezme!

Kromě známých „Roční období“ napsal italský houslista a skladatel Antonio Vivaldi (Vivaldi, Antonio) (1678–1741) ne méně než 465 koncertů pro širokou škálu skladeb. A v každém svém opusu zůstal skladatel věrný sám sobě. Jeho hudební styl je i přes svou jednoduchost a dostupnost rozpoznatelný doslova ze tří tónů a instrumentální postupy se pohybují kus od kusu jako nekonečné pokračování téhož koncertu v několika částech. To ale není vůbec únavné a poslech jeho hudby nenudí. Naopak, v nekonečném proudu částí střídajících se v tempu se začíná zdát, že tento zvukový proud odráží jednotu života a to, co tak chybí modernímu člověku- snadnost bytí. To je pravděpodobně důvod, proč je Vivaldiho hudba v našem století tak populární. Jak je známo z životopisná fakta skladatel, Maestro Vivaldi byl skvělým veselým chlapíkem a navzdory hodnosti kněze v raný věkČasto rád hřešil a oddával se všem radostem života. Podle současníků mohl odejít bohoslužba, kterou sám provedl jen proto, že mu do hlavy přišla melodie hodná vtělení do nové skladby. Jeho jas přírody (a v doslovném smyslu také - byl jasně zrzavý, pro který dostal přezdívku „rudovlasý ďábel“), vysoká vitalita a vášnivá láska hudba mu pomohla stát se slavným co nejkratší dobu. Vivaldi byl známý nejen jako skladatel, ale také virtuózní houslista a violoncellista. Byl také známý jako dirigent orchestru a sboru „della Pietà“ (psaný v italštině), byl také autoritativním učitelem v jedné z nejlepších hudebních škol pro dívky v Benátkách. Ale znali ho i jako statečného narušitele městského řádu. Na sklonku života, přestože skladatel prožil většinu života v Benátkách, se musel přestěhovat do Vídně, kde zemřel sám, v chudobě a v temnotě.
Dlouho byl Vivaldi známý a vzpomínaný jen proto, že velký J. S. Bach provedl řadu transkripcí děl svého předchůdce. Muzikologické studie Vivaldiho díla ho však umožnily hodnotit jako významného mistra, nejlepší díla které působí blahodárně na posluchače. Teprve ve dvacátém století došlo k vydání plné setkání Vivaldiho instrumentální opusy. Jeho „portfolio“ zahrnuje nejen instrumentální koncerty; napsal také opery (27), oratoria (3), světské kantáty (56), serenády pro 1-4 hlasy, náboženskou hudbu (asi 55 děl), včetně Stabat Mater, moteta, žalmy a další. Mezi jeho komorní instrumentální díla patří mnoho sonát pro housle nebo dvoje housle, pro violoncello nebo housle a violoncello a mnoho dalšího. Takové duety jsou vždy velmi oblíbené, protože společné hraní je důvodem ke komunikaci a rozhovoru nestandardním jazykem- řeč strun a luku. Ale bez ohledu na to, o čem Vivaldi ve své hudbě mluví, vždy zůstává harmonická, snadno pochopitelná a život potvrzující.

Vynikající houslista a skladatel Antonio Vivaldi (1678-1741) je jedním z nejvýraznějších představitelů italského houslového umění 18. století. Jeho význam, zejména při vzniku sólového houslového koncertu, daleko přesahuje hranice Itálie.

A. Vivaldi se narodil v Benátkách, v rodině vynikajícího houslisty a pedagoga, člena kaple katedrály San Marco Giovanni Battista Vivaldi. S raného dětství jeho otec ho naučil hrát na housle a vzal ho na zkoušky. Od 10 let začal chlapec nahrazovat svého otce, který také pracoval v jedné z městských konzervatoří.

O mladého houslistu se začal zajímat šéf sboru G. Legrenzi, který u něj studoval hru na varhany a skladbu. Vivaldi navštěvoval Legrenziho domácí koncerty, kde zazněla nová díla samotného majitele, jeho žáků – Antonia Lottiho, violoncellisty Antonia Caldary, varhaníka Carla Polarolliho a dalších. Bohužel, Legrenzi zemřel v roce 1790 a studia přestala.

V té době už Vivaldi začal skládat hudbu. Jeho první dílo, které se k nám dostalo, je duchovní práce z roku 1791. Otec považoval za nejlepší dát svého syna duchovní vzdělání, protože důstojnost a slib celibátu daly Vivaldimu právo učit na ženské konzervatoři. Takhle to začalo duchovní výcvik na semináři. V roce 1693 byl vysvěcen na opata. To mu umožnilo přístup na nejprestižnější konzervatoř, Ospedale della Pieta. Svatý řád se však později ukázal jako překážka nasazení obrovský talent Vivaldi. Po opatovi postoupil Vivaldi v řadách kléru a nakonec byl v roce 1703 vysvěcen na poslední nižší hodnost - kněze, což mu dalo právo sloužit samostatnou bohoslužbu - mši.

Vivaldiho otec ho plně připravil na vyučování, když totéž udělal sám na konzervatoři „Žebráci“. Hlavním předmětem na konzervatoři byla hudba. Dívky se učily zpívat, hrát na různé nástroje a dirigovat. Konzervatoř měla v té době jeden z nejlepších orchestrů v Itálii, účastnilo se ho 140 studentů. O tomto orchestru nadšeně hovořili B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf. Spolu s Vivaldim zde vyučoval Corelli a Lottiho žák Francesco Gasparini, zkušený houslista a skladatel, jehož opery byly inscenovány v Benátkách.

Na konzervatoři Vivaldi vyučoval hru na housle a „anglickou violu“. Orchestr konzervatoře se pro něj stal jakousi laboratoří, kde se mohly realizovat jeho plány. Již v roce 1705 vyšel jeho první opus triových sonát (komorních sonát), v nichž je dodnes cítit vliv Corelliho. Je však charakteristické, že u nich není patrný žádný znak vyučení. Tyto jsou zralé umělecké spisy, přitahující svěžestí a nápaditostí hudby.

Jako by zdůrazňoval poctu genialitě Corelliho, uzavírá Sonátu č. 12 stejnými variacemi na téma Folia. Již příští rok vyjde druhý opus – concerti grossi „Harmonic Inspiration“, který se objevil o tři roky dříve než Torelliho koncerty. Právě mezi těmito koncerty se nachází slavná A-moll.

Služba na konzervatoři byla úspěšná. Vivaldi je pověřen vedením orchestru, poté sboru. V roce 1713 se kvůli odchodu Gaspariniho stal hlavním skladatelem Vivaldi s povinností komponovat dva koncerty měsíčně. Na konzervatoři působil téměř do konce života. Dovedl orchestr konzervatoře k nejvyšší dokonalosti.

Sláva skladatele Vivaldiho se rychle šíří nejen v Itálii. Jeho díla vycházejí v Amsterdamu. V Benátkách se setkává s Händelem, A. Scarlattim, jeho synem Domenicem, který studuje u Gaspariniho. Vivaldi se proslavil také jako virtuózní houslista, pro kterého nebyly nemožné potíže. Jeho dovednost byla evidentní v improvizovaných kadencích.

Při jedné takové příležitosti někdo, kdo byl přítomen inscenaci Vivaldiho opery v Divadle San Angelo, vzpomínal na jeho vystoupení: „Téměř na konci, doprovázený skvělým sólovým zpěvákem, Vivaldi konečně předvedl fantazii, která mě opravdu vyděsila, protože to bylo něco neuvěřitelné, jakou nikdo nehrál a hrát neumí, neboť se svými prsty vyšplhal tak vysoko, že už nezbylo místo na smyčce, a to na všech čtyřech strunách předvedl neuvěřitelnou rychlostí fugu." Záznamy o několika takových kadenzách zůstávají v rukopisech.

Vivaldi rychle skládal. Vycházejí jeho sólové sonáty a koncerty. Pro konzervatoř vytvořil své první oratorium „Mojžíš, Bůh faraóna“ a připravil svou první operu „Ottone ve vile“, která byla úspěšně provedena v roce 1713 ve Vicenze. Během následujících tří let vytvoří další tři opery. Pak přijde pauza. Vivaldi psal tak snadno, že si toho někdy všiml i on sám, jako v rukopisu opery „Tito Manlio“ (1719) – „pracoval za pět dní“.

V roce 1716 vytvořil Vivaldi jedno ze svých nejlepších oratorií pro konzervatoř: „Judith triumfující, porážející Holoferna z barbarů“. Hudba přitahuje svou energií a rozsahem a zároveň úžasnou barevností a poezií. V témže roce při hudebních oslavách na počest příjezdu vévody Saského do Benátek byli pozváni k vystoupení dva mladí houslisté - Giuseppe Tartini a Francesco Veracini. Setkání s Vivaldim mělo hluboký dopad na jejich tvorbu, zejména na Tartiniho koncerty a sonáty. Tartini řekl, že Vivaldi je skladatel koncertů, ale myslí si, že je povoláním - operní skladatel. Tartini měl pravdu. Vivaldiho opery jsou dnes zapomenuty.

Vivaldiho pedagogická činnost na konzervatoři postupně přinesla úspěch. Studovali u něj i další houslisté: J.B.Somis, Luigi Madonis a Giovanni Verocai, který působil v Petrohradě, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy - dirigent v Praze. Ze studenta konzervatoře Santa Tasca se stal koncertním houslistou, poté dvorním hudebníkem ve Vídni; Účinkoval i Hiaretta, u kterého studoval významný italský houslista G. Fedeli.

Vivaldi se navíc ukázal jako dobrý učitel vokálu. Jeho žačka Faustina Bordoni dostala přezdívku „Nová siréna“ pro krásu svého hlasu (contralto). Nejznámějším Vivaldiho žákem byl Johann Georg Pisendel, koncertní mistr Drážďanské kaple.

V roce 1718 Vivaldi nečekaně přijal pozvání pracovat jako vedoucí kaple landkraběte v Mantově. Zde inscenoval své opery, vytvořil pro kapli řadu koncertů a věnoval hraběti kantátu. V Mantově se setkal se svou bývalou žačkou, zpěvačkou Annou Giraud. Zavázal se rozvíjet její hlasové schopnosti, podařilo se mu to, ale začal se o ni vážně zajímat. Giraud se stal slavný zpěvák a zpíval ve všech Vivaldiho operách.

V roce 1722 se Vivaldi vrátil do Benátek. Na konzervatoři teď musí složit dva instrumentální koncert za měsíc a provést 3-4 zkoušky se studenty, aby se je naučili. V případě odjezdu musel posílat koncerty kurýrem.

Ve stejném roce vytvořil Dvanáct koncertů, které obsahovaly op. 8 - „Zážitek harmonie a fantazie“, který zahrnuje slavné „Roční období“ a některé další programové koncerty. Vyšlo v Amsterdamu v roce 1725. Koncerty se rychle rozšířily po celé Evropě a Four Seasons si získaly obrovskou popularitu.

Během těchto let byla intenzita Vivaldiho kreativity výjimečná. Jen pro sezónu 1726/27 vytvořil osm nových oper, desítky koncertů a sonát. Od roku 1735 začala Vivaldiho plodná spolupráce s Carlem Goldonim, na jehož libreto vytvořil opery „Griselda“, „Aristide“ a mnoho dalších. To se dotklo i skladatelovy hudby, v jejíž tvorbě se výrazněji projevují rysy operní buffy a lidové prvky.

O umělci Vivaldim je známo jen málo. Jako houslista vystupoval velmi zřídka - pouze na konzervatoři, kde občas hrál své koncerty, a občas v opeře, kde byla houslová sóla nebo kadence. Soudě podle dochovaných nahrávek některých jeho kadencí, skladeb i útržkovitých výpovědí jeho současníků o jeho hře, které se k nám dostaly, byl vynikajícím houslistou, který mistrně ovládal svůj nástroj.

Jako skladatel přemýšlel jako houslista. Prosvítá v něm instrumentální styl operní kreativita, oratorní díla. O tom, že byl vynikajícím houslistou, svědčí i to, že u něj usilovalo studovat mnoho houslistů v Evropě. Rysy jeho interpretačního stylu se jistě odrážejí v jeho skladbách.

Vivaldiho tvůrčí odkaz je obrovský. Již bylo publikováno přes 530 jeho děl. Napsali jich asi 450 různé koncerty, 80 sonát, asi 100 symfonií, více než 50 oper, přes 60 duchovních děl. Mnohé z nich stále zůstávají v rukopisech. Nakladatelství Ricordi vydalo 221 koncertů pro sólové housle, 26 koncertů pro 2-4 housle, 6 koncertů pro viol d'amour, 11 violoncellových koncertů, 30 houslových sonát, 19 triových sonát, 9 violoncellových sonát a další díla, včetně pro dechové nástroje.

V jakémkoli žánru, kterého se Vivaldiho génius dotkl, se otevřely nové, neprobádané možnosti. To bylo patrné již v jeho prvním díle.

Dvanáct Vivaldiho triových sonát vyšlo nejprve jako op. 1, v Benátkách v roce 1705, ale byly složeny dlouho předtím; pravděpodobně součástí tohoto opusu vybraná díla tohoto žánru. Stylově se blíží Corelli, i když také něco odhalují osobnostní rysy. Je zajímavé, že stejně jako v op. 5 Corelli, Vivaldiho sbírka končí devatenácti variacemi na tehdy oblíbené téma španělské folie. Pozoruhodné je odlišné (melodické a rytmické) podání tématu u Corelliho a Vivaldiho (poslední je přísnější). Na rozdíl od Corelliho, který obvykle rozlišoval mezi komorou a církevních slohů, Vivaldi již ve svém prvním opusu uvádí příklady jejich prolínání a prolínání.

Žánrově se stále jedná spíše o komorní sonáty. V každém z nich je zvýrazněn part prvních houslí a dává mu virtuózní, volnější charakter. Sonáty se otevírají bujnými předehrami pomalého, slavnostního charakteru, s výjimkou Desáté sonáty, která začíná rychlým tancem. Zbývající díly jsou téměř všechny žánrové. Zde je osm allemand, pět přípravků, šest zvonků, které jsou instrumentálně reinterpretovány. Slavnostní dvorní gavotu například pětkrát používá jako rychlé finále v tempu Allegro a Presto.

Forma sonát je zcela volná. První část dává psychologický postoj celý, stejně jako Corelli. Vivaldi však dále odmítá fugový part, polyfonii a propracování a usiluje o dynamickou taneční pohyb. Někdy všechny ostatní části běží téměř ve stejném tempu, čímž porušují prastarý princip kontrastních temp.

Již v těchto sonátách je cítit nejbohatší Vivaldiho imaginace: žádné opakování tradičních formulí, nevyčerpatelná melodie, touha po význačnosti, charakteristické intonace, které by pak rozvíjel sám Vivaldi a další autoři. Začátek Hrobu druhé sonáty se tedy objeví v „Rocích“. Melodie preludia jedenácté sonáty se promítne do hlavního tématu Bachova Koncertu pro dvoje housle. Charakteristika Nechybí ani široké pohyby figurace, opakování intonací, jakoby fixování hlavního materiálu v mysli posluchače, a důsledné uplatňování principu sekvenčního vývoje.

Zvlášť patrná byla síla a vynalézavost tvůrčího ducha Vivaldi dovnitř koncertní žánr. Právě v tomto žánru je napsána většina jeho díla. Přitom v koncertním dědictví italský mistr díla psaná ve formě concerta grossa a ve formě sólového koncertu jsou volně kombinována. Ale i na těch jeho koncertech, které tíhnou k žánru concerto grosso, je zřetelně cítit individualizace koncertních partů: často získávají koncertní charakter, a pak není snadné stanovit hranici mezi concerto grossem a sólovým koncertem. .

houslový skladatel Vivaldi