"souborové hudební hraní jako efektivní forma hudební výchovy a rozvoje studentů." Hlavní směry práce se souborem

Hlavní směry práce se souborem

Metodická zpráva

„Hlavní směry při práci se souborem“

Troshina Vera Timofeevna,

Učitel hry na kytaru na Dětské umělecké škole

Rtiščevo, Saratovská oblast

Soubor je skupina interpretů vystupujících společně. Umění souborového výkonu je založeno na schopnosti interpreta vyvážit svou uměleckou individualitu, svůj styl interpretace s osobitostí výkonu jeho partnera. Soubor je kolektivní forma hry, při které několik hudebníků společně odhaluje umělecký obsah díla prostřednictvím interpretačních prostředků. Účinkování v ansámblu obnáší nejen schopnost hrát spolu, ale důležité je zde ještě něco jiného – společně cítit a tvořit. Práce v týmu nepochybně obnáší určité potíže: není tak snadné naučit se cítit se jako součást celku. Hra v souboru zároveň rozvíjí u interpreta řadu cenných profesionálních kvalit – ukázňuje rytmus, dává smysl pro správné tempo, podporuje rozvoj melodického, polyfonního, harmonického sluchu, rozvíjí sebevědomí a pomáhá dosáhnout stability ve výkonu. Je známo, že když student vystupuje v sólové hře s nejistotou, koktá, po hraní v souboru začíná hrát jistěji. Slabší studenti se začnou dlouhodobou vzájemnou komunikací dohánět na úroveň silnějších, každý se stává lepším jako člověk, jako jednotlivec, protože se pěstují takové vlastnosti, jako je vzájemné porozumění, vzájemný respekt a smysl pro kolektivismus. Z řečeného můžeme usoudit, že instrumentalista, který nikdy nehrál v souboru, se o mnohé připravuje, protože výhody tohoto druhu činnosti jsou zřejmé. Jednou z nejdůležitějších podmínek úspěšné práce je schopnost být kritický vůči sobě a svým kamarádům. Je známo, že slovo „sebekritika“ se snáze vysloví, než provede. Musíte ale nejen cvičit, ale také nebýt skoupý na pochvalu, umět povzbudit a inspirovat. Již dlouho se uvádí, že pochvala, i když ne zcela zasloužená, stimuluje aktivitu většiny lidí. Dítě potřebuje sebevědomí. Základním pravidlem souboru je „Jeden za všechny, všichni za jednoho“, „Úspěch či neúspěch jednoho je úspěchem či neúspěchem všech“.

Rytmus jako faktor jednoty souboru

Mezi složkami, které spojují studenty do jednoho celku, má snad hlavní místo metro rytmus. Skutečně to, co pomáhá hráčům souboru (a mohou být dva nebo více) hrát spolu, takže to vypadá, jako by hrál jeden člověk. To je pocit rytmu metra. On v podstatě plní funkce dirigenta v ansámblu; pocit silných úderů každého účastníka je onen „skrytý dirigent“, jehož „gesto“ pomáhá sjednotit členy ansámblu, potažmo jejich jednání v jeden celek. Pocit silných a slabých úderů taktu na jedné straně a rytmická jistota „uvnitř taktu“ na straně druhé je základem, na kterém je založeno umění souborové hry. Jednota a synchronicita jeho zvuku je první z dalších důležitých podmínek. Pokud je při nepřesném provedení zbývajících složek pouze redukován celkový umělecký výsledek, pak při porušení metrového rytmu se soubor zhroutí. Ale to není jediný význam metrového rytmu. Je schopen ovlivnit i technickou stránku výkonu. Rytmická jistota dělá hru jistější a technicky spolehlivější. Student, který hraje nepravidelně, je navíc náchylnější k nejrůznějším nehodám a nehody, jak víme, vedou ke ztrátě psychické rovnováhy a vzniku úzkosti. Jak zajistit, aby každý z účastníků při provádění svého partu posílil rytmický základ celého souboru? V tomto směru je třeba systematicky a vytrvale pracovat. V souboru samozřejmě mohou být interpreti, kteří mají jiný smysl pro rytmus. Musíte začít s kultivací smyslu pro absolutní, přesný a „metromický“ rytmus: to se stane jednotícím principem v obecném kolektivním rytmu. Je nutné, aby soubor měl rytmicky stabilní interprety. Pak ostatní začnou tíhnout k těm, kteří jsou rytmicky silnější.

Dynamika jako výrazový prostředek

Když hrajete v souboru, musíte být hospodární ve vynakládání dynamických zdrojů a rozumně je spravovat. Musíme vycházet ze skutečnosti, že jakkoli je soubor bohatý na nástroje jasného témbru, jednou z jeho hlavních rezerv, dodávajících zvuku pružnost a sofistikovanost, je dynamika. Různé prvky hudební textury by měly znít na různých dynamických úrovních. Jak v malbě, tak v hudbě z toho nic nebude, pokud má všechno stejnou sílu. V hudbě, stejně jako v malbě, je popředí a pozadí. Po vypěstování takového smyslu pro dynamiku hráč souboru neomylně určí sílu zvuku svého partu vzhledem k ostatním. V případě, že účinkující, v jehož partu zní hlavní hlas, hraje o něco hlasitěji nebo o něco tišeji, jeho partner okamžitě zareaguje a předvede svůj part také o něco hlasitěji nebo tišeji. Je důležité, aby míra těchto „trochu“ byla přesná.

Jak prakticky pracovat na dynamice v souboru. Nejprve se musíte naučit hrát v rámci konkrétního dynamického odstínu naprosto rovnoměrně. Můžete například požádat všechny účastníky, aby zahráli jednu notu nebo stupnici na plochém P (klavír), poté na plochém mf, a tak prošli všemi dynamickými kroky. Síla zvuku samozřejmě není tak jednoznačný pojem, stejně jako výška mf na kytaře není stejná jako mf na klavíru, f na balalajce není totéž jako f na knoflíkové harmonice. Interpret musí kultivovat vyvinutý sluch (mikrosluch), dynamiku doplňuje o pojem mikrodynamika, což znamená schopnost registrovat sebemenší odchylky ve směru zvyšování či snižování síly zvuku.

Tempo jako výrazový prostředek

Určování tempa skladby je důležitým bodem v divadelním umění. Správně zvolené tempo přispívá ke správnému přenosu charakteru hudby; Přestože existují autorské pokyny pro tempo, dokonce až po určení rychlosti pomocí metronomu, tempo je „zaneseno“ do hudby samotné. Rimsky-Korsakov také tvrdil, že „hudebník nepotřebuje metronom, slyší tempo z hudby“. Není náhodou, že Bach ve svých skladbách tempo zpravidla vůbec neuváděl. V rámci jednoho kusu se tempo může lišit. „Neexistuje tak pomalé tempo, aby neexistovala místa, která vyžadují zrychlení... a naopak. V hudbě neexistují odpovídající termíny, které by to definovaly, tato označení musí být zakotvena v duši“ (V. Tolba).

Techniky pro dosažení synchronicity v souborovém zvuku

Synchroničnost ansámblového zvuku by měla být chápána jako přesnost časové shody silných a slabých úderů každého taktu, nejvyšší přesnost v provedení nejmenších délek všemi členy souboru. Když uvažujeme o problému synchronizovaného výkonu, je třeba zdůraznit tři body: jak začít skladbu společně, jak spolu hrát a jak společně skladbu dokončit. Soubor musí mít interpreta, který působí jako dirigent, někdy musí předvádět úvody, pouštění a zpomalení. Signálem ke vstupu je malé kývnutí hlavy, sestávající ze dvou momentů: sotva znatelný pohyb nahoru (auftakt) a poté zřetelný, spíše ostrý (raz) pohyb dolů. Ten slouží jako signál k připojení. Přikývnutí není vždy provedeno stejným způsobem, vše závisí na povaze a tempu předváděné skladby. Když skladba začíná za taktem, je signál v podstatě stejný, s tím rozdílem, že pokud v první verzi byla pauza při zvedání hlavy, tak v tomto případě je vyplněna zvukem taktu. Během zkoušky můžete vypočítat prázdnou dobu, mohou tam být slova: „Pozor, připravte se, začínáme“, po slově „start“ by měla být přirozená pauza (jako nádech). Při dosahování synchronicity v souborovém zvuku hodně závisí na povaze hudby. Bylo zjištěno, že ve hrách aktivní povahy se silnou vůlí je této kvality dosaženo rychleji než ve hrách klidné, kontemplativní povahy. Totéž lze říci o „startu“.

Není třeba zdůrazňovat, jak důležité je dokončit práci společně a zároveň:

a) poslední akord - má určitou dobu trvání - každý z hráčů ansámblu si odpočítá metrické údery „sám pro sebe“ a udeří na akord přesně v čase.

b) tětiva - nad kterou je fermata, jejíž trvání je nutno určit. To vše je vypracováno během zkušebního procesu. Referenčním bodem pro odstranění může být také pohyb – kývnutí hlavy.

Pokud je synchronicita interpreta kvalitou nezbytnou v jakémkoli souboru, pak je ještě potřebnější v takové rozmanitosti, jako je unisono. Ostatně unisono se díly nedoplňují, ale duplikují, i když někdy v různých oktávách, což na podstatě věci nic nemění.

Proto jsou nedostatky souboru ještě znatelnější. Jednohlasné vystupování vyžaduje absolutní jednotu – metrový rytmus, dynamika, údery, frázování. Z tohoto pohledu je unisono nejsložitější formou souboru. Důkazem naprosté jednoty při vystupování v unisonu je pocit, že při společné hře s ostatními studenty není váš part zkoušen jako nezávislý. Této formě souborové hry je v pedagogické praxi bohužel věnována malá pozornost. Mezitím se v unisonu tvoří silné ansámblové dovednosti a unisono je zajímavé i vizuálně a scénicky.

Když žák poprvé dostane uspokojení ze společné práce, pocítí radost ze společného impulsu, vzájemné podpory, můžeme předpokládat, že třídní aktivity přinesly zásadně důležitý výsledek. I když má tento výkon k dokonalosti ještě daleko, nemělo by to učitele zmást, vše lze napravit další prací. Cenná je další věc: hranice oddělující sólistu a hráče souboru byla překonána, student pocítil originalitu a zajímavost společného vystoupení.

Seznam použité literatury

N. Rizol. Eseje o práci v souboru. – 1986. – Moskva.

A. Gottlieb. První souborové lekce.

P. Agafonin. Škola hry na šestistrunnou kytaru. - Moskva.

– 1983.

Podobné abstrakty:

Hlavní cíle a cíle oboru pro přípravu korepetitorů, jeho obsah, předmět a metody výuky, význam ve výchově hudebního učitele. Požadavky na úroveň zvládnutí obsahu disciplíny, její struktury, hlavních částí a jejich obsahu.

V tomto článku bych chtěl mluvit o vzpomínání jako o nezbytném prvku hudebního myšlení, který předchází každému praktickému jednání při intonační reprodukci zvuku, intervalu, akordu nebo melodického obratu.

Co je tedy pro interpreta hudebního díla nejdůležitější? Vyjádřete myšlenku, koncept, pocit. Jedním slovem zprostředkovat vše, co se skladatel snažil vyjádřit ve svém díle. Potýkal se s určitými problémy autentického výkonu. Korepetitor je jako člověk, který dává program, vystupuje pedagogickou práci

. Vlastnosti doprovodu. Psychologický aspekt utváření stavu psychické připravenosti k výkonu. Práce na transpozici, čtení poznámek z listu. Etapy práce interpreta na opeře: učení vokální část , bzučení, ansámblové kurzy s orchestrálními party, problematika dávkované zátěže na vokální aparát. Cvičení doprovodu na klavír a se sólistou.

Schopnosti, schopnosti a dovednosti potřebné pro odborná činnost korepetitor. Doprovod jako součást hudebního díla, interpretační prostředky. Rysy práce korepetitora s vokalisty ve třídě a na koncertním pódiu.

Charakteristika práce v vokální soubor. Proces rozvoje vokálního sluchu u školáků ve vokálním souboru v počáteční fázi. Systém hlasových cvičení pro rozvoj hlasových a sborových dovedností. Zásady výběru cvičení a pěveckého souboru.

O podstatě dirigentské profese.

Metodické zásady pedagogické a výchovné práce se sborem. Pojetí sboru, charakteristika sborových partů a jejich hlasy. Základní prvky sborové znělosti, druhy hlasů, pojetí souboru, význam zachování formace.

Metoda učení hry na různé hudební nástroje je nedílná součást hudebně pedagogická věda, která zkoumá obecné zákonitosti procesu učení na různé hudební nástroje i v dalších oblastech pedagogiky.

Obecní rozpočet vzdělávací instituce Další vzdělávání děti - dětská umělecká škola

vesnice Ivnya

Metodická zpráva:

Učitel

Klavírní oddělení

Elizarová O.O.

2012

Předmět: „Práce na souboru v juniorské třídy»

Cílová: Rozvíjení schopnosti umění „cítit“, schopnost sdílet pocity druhého, předvídat možné improvizační nuance.

Relevantnost: Hra v souboru je nejlepší způsob, jak dítě seznámit s hudbou.

Otázky k diskusi:

1. Repertoár souborové hudby v současné fázi:
. ■ pro domácí přehrávání hudby;

pro intenzivní trénink;

na koncertní vystoupení.

2. Psychologický faktor při výběru skóre.
3. Etapy práce na souboru.

V dnešní době hudba široce proniká do života a vědomí dětí. Rozhlas, kino, televize a zvukový záznam neustále ovlivňují sluchový vývoj dětí. Děti si již od útlého věku zvykají na hudbu zcela přirozeně, snadno ji vnímají a snaží se jí porozumět se stejnou zvědavostí jako ostatní jevy okolního světa.

„Pokud pečlivě analyzujete,“ napsal autoritativní sovětský učitel Suchomlinskij, „to, co se v každodenním životě nazývá štěstí a neštěstí, úspěch a neúspěch... to vše je založeno na kultuře. lidské vztahy, na dovednostispravovat své touhy, přizpůsobovat je a koordinovat je se svými touhamiostatní lidé. Nikdo z nich nemá právo zapomínat, že vedle nich jsou další lidé a že každý čin jednoho člověka nevyhnutelně ovlivňuje jejich okolí. Pěstování kultury lidských vztahů, kultury tužebSuchomlinsky věří, že úkol učitele je nesmírně důležitý.

Proto je na začátku hudební výchovy nutné dítě zaujmout, využít jeho přirozenou zvídavost.Nejlepší lék Toho je dosaženo hraním v souboru.

Členy souboru spojuje touha po společném cíli. Tvůrčí zážitek se při hře v souboru proměňuje v empatii, která implikuje naprostou emocionální „solidaritu“ partnerů.

Hudba je forma neverbální komunikace. Člen souboru musí mít zvláštní schopnost „cítit“ – umění nenejen porozumět a sdílet pocit, že někdo hraje poblíž, ale taképředvídat možné improvizační nuance.

Čtyřruční hra na klavír je druh společného muzicírování, který se praktikuje po celou dobu, při každé příležitosti a na jakékoli úrovni znalosti nástroje; Dělají to dodnes. Téměř všichni vynikající mistři psali díla v tomto žánru. Psali jak pro domácí hraní hudby, tak pro intenzivní tréninky a koncertní vystoupení. Pedagogická hodnota tohoto typu společného výkonu není dobře pochopena, a proto se ve výuce používá příliš zřídka. Hra na čtyři ruce přitom klade na interprety stejné nároky jako souborová hra v jiných instrumentálních žánrech.

Mladý klavírista, který začíná studovat hru s partnerem ve třídě klavírního souboru, naráží na základní estetické problémy nikoli spekulativně a ne ve zdravém rozumu, alečistě profesionálně, v oboru, který ho nejvíce fascinuje.Vzdělávání a školení splývají v jedno. Osvojením si souborových dovedností student rozvíjí vzácné mravní vlastnosti. A zlepšení charakteru, vytvářínezbytné předpoklady pro divadelní umění.

Přátelská komunikace s partnerem, výměna názorů, kolektivpráce mobilizuje tvořivou vůli, připravenost k vnímání a jednání, obohacuje představivost pianistů a navrhuje řešení, která by sama o sobě možná nenašla.

Při společné hře má výběr partnera značný význam.
Během hodiny si učitel se žákem většinou hraje. Zpravidla vve hrách pro začátečníky je první (horní) část jednohlasá a druhá část je basová, určená proučitel - obsahuje harmonický doplněk popřdoprovod. Nejvyšší strana má vedoucí hodnota a požadavkytedy od studenta plného zvuku a sebevědomí. Mnoho nezletilých respmálo nadaní studenti si zvyknousimultánní zvuk pouze po častém společném hraní aPři provedení kusu zcela přenechávají hlavní roli basové lince. Muzikálové dítě má velmi rádo roli „primadony“ a často hraje hudbu mnohem výrazněji než při hře dvěma rukama.

Bohužel pro počáteční školení je jen velmi málo literatury, ve které by spodní část byla tak snadná, že by ji mohl student provést. Proto je potřeba využít každé takové příležitosti ke změně rolí. Při hraní druhé části se dítě učí doprovodu a procvičuje tlumený zvuk a měkké basové podání. Nejdůležitější věcí v takovém svazku učitel-žák je intuitivní hudební působenítím nejpřirozenějším způsobem. Od první várky je obvyklehraje vedoucí roli, žák se může cítit hudebně rovnocenný s učitelem. Učí se naslouchat, zapojit se do souboru a pod tímto dojmem i s většímsvoji sólovou tematickou část vykonává zodpovědně.

Není to však jen společná hra mezi učitelem a žákem, která by měla být doporučována. Nejlepší je, když s dítětem pravidelně muzicíruje jeden z členů rodiny. Je to vidět z radosti, kterou dětem takové muzicírování přináší, a z horlivosti, s jakou to dělají. Hrají svou roli sebevědomě, rytmicky jasně a dokonce si zvyknou překonávat malé „chyby“.

Tento psychologický faktor hraje roli důležitá role a když si spolu hrají dva studenti. V tomto případě se pokud možno vybírají za partnery děti stejného věku a stejné vycvičenosti. A jelikož se každý z nich nechce před tím druhým kompromitovat, tak něco vznikájako nevyslovená soutěž, která je pobídkou k důkladnějšímu a více opatrná hra.

Znalost partu, byť výborná, nedělá z klavíristy partnera. Stává se takovým pouze v procesu komplexního a Velmi zvláštní práce s jiným studentem.

Když hrajete spolu, musíte si vybrat pomalé tempo aby se zabránilo častému koktání a vyrušování. Oba hráči společně analyzují každou konsonanci, každou strukturální částici a nacházejí pro ně místo v podobě celku; vše, co je nejdůležitější, by mělo vyniknout docela výrazně, vše, co není důležité, by mělo být charakterizovánotišší hladina zvuku Pro tento účel se doporučuje, abycvičení: každý partner hraje pouze jednou rukou.Oba hlavní hlasy můžete zkoušet samostatně (např.soprán a tenor s paralelními dvouhlasy) nebo extrémní hlasy - bas a soprán, nebo témata v různých hlasech, nebo jen melodie - bez basů a jiných doprovodných hlasů atp. Každý interpret musí pozorně a kriticky naslouchat celé rozmanité dynamice souboru. Důležitost rytmické přesnosti při hře čtyřmi rukama je také velká. Zde může nejprve pomoci metronom, později je nutné dosáhnout takové synchronizace pohybů a výkonutechniky, které zajišťují simultánnost a konzistencihry. Dokud se skladba důkladně nenaučí, dlouhé pauzy (několik taktů) by se měly potichu počítat, aby nedošlo k chybě v dalším úvodu.

Mezi úkoly společného výcviku patří i přesné rozdělení mršin, které stanovují oba partneři. Obsluhuje především interpret spodní části, kde by měl být v tomto případě uveden.Pedálový efekt musí být navržen velmi jasně, protožeKvůli nešikovnému používání pedálu může textura basové linky, často dost hustá, nabýt ještě větší tíže.

Tento druh pečlivého a intenzivního učení se obracíčtyřruční hra, která je víc než jen přehrávání hudby.V hudební literatura existuje mnoho originálníchčtyřruční díla, která si jistě zasloužítakový intenzivní trénink.

Je zcela přirozené, že při hře ve čtyřech hodně a ochotněhrát z očí. Protože příliš časté zastavování kazípro radost z hraní vybíráme hudební materiálje to mnohem jednodušší (na úrovni 1-2 akademické rokynižší), než co se aktuálně učí ve třídě.

Student by se měl snažit pokrýt co nejvícenačrtněte svůj part a zahrajte jej na klávesnicinejdůležitější. V první řadě je potřeba se zaměřitmetrická strana, která předem zahrnuje počet následných měření.Počítání často pomáhá při dalším čtení. Možná je to možnétvrdí, že v tomto případě je smysl pro rytmus obzvláště vystavendobrá kontrola. Je vhodné, aby jeden z hráčů nezastavil hru, když druhý přestal. To naučí druhéumělec se může rychle orientovat a vrátit se zpět do hry.

Je třeba poznamenat, že mnoho učitelů mluví protičtyřruční hry. Přes veškerou snahu udržetprůhlednosti textury klavíru není vždy možné dosáhnoutpožadovaný zvukový efekt, protože díky velkému rozsahuČasto je zvuk příliš hutný a přebuzený.Taková tíže působí nepříjemným dojmem a způsobuje negativní postoj učitelů ke hře čtyřmi rukama.

Hra čtyř rukou základní vzdělání také častoje také odmítnut kvůli technické důvody. Předpokládá se, že několikstísněná poloha účinkujících může negativně ovlivnitnastoupit do přehrávače.

Tyto nevýhody jsou však ve srovnání svýhody, že se nevyplatí hraní čtyř hand vůbec vyhýbat.

Navíc posledně jmenované tvoří pouze malou část z celkového počtu vzdělávací práce.

Bylo by velmi žádoucí vidět častěji ve třídáchnaší škole mohly s dětmi muzicírovat dva nástrojedva klavíry, jak si představoval Bela Bartok v „Mikrokosmos,“ nemůžete si přát víc.

Použité knihy:

1. Ian vystoupil „Dítě u klavíru“.

2. Christa Holzweissig „Hra čtyř rukou“.

3. Michail Sokolov „Soubor pro začátečníky“.

Městský vzdělávací ústav dětského vzdělávacího ústavu "Dětská umělecká škola č. 1" Balashov

"Práce se soubory jako jedna z forem rozvoje zájmu o výuku hudby u dětí s opožděným hudebním vnímáním."

Problém hudebního rozvoje dětí s průměrnými přirozenými schopnostmi není nový.

A. Goldenweiser napsal: „Téměř každý člověk, s výjimkou těch, kteří jsou od narození neslyšící, má v té či oné míře muzikálnost a schopnost ji rozvíjet. Čím širší je tedy síť hudebních škol a čím širší hudební školení, tím lépe. Ale myslím, že se to připravuje pedagogický proces V hudebních školách dostatečně nerozlišujeme pojmy všeobecné hudební vzdělání a výchova hudebníků. Hudbu je třeba učit každého v té či oné formě a do určité míry, ale nejen že ne každý musí být trénován jako hudebníci, ale jen velmi málo.“

Nikdo se nesetkal 6 roční dítě kdo by nepřišel na svou první hodinu hudby se zářícíma očima, s obrovským očekáváním zázraku, s bezmeznou láskou k neznámému světu zvuků a touhou je vydolovat vlastníma rukama. A záleží jen na nás, učitelích, jak tuto rezervu dětské rozkoše zvládneme.

Zoltán Kodály řekl: „Svěřme dětem, které jsou vnímavé k hudbě, do rukou klíč, s nímž mohou vstoupit do kouzelné zahrady hudby, aby zvýšily smysl celého svého života.

Během mnoha let práce jsem se neustále snažil vložit svůj díl do vedení mých studentů na pravou cestu, abych v nich probudil pochopení toho, oč krásnější a bohatší se život stává, když milujete hudbu.

Každé dítě si musí najít svůj osobitý přístup. Jednou z takových zajímavých a vzrušujících příležitostí je hraní v souboru. Víme, že ansámbl je druh společného muzicírování, který se praktikuje za všech okolností, na jakékoli úrovni nástrojových dovedností. Téměř každý psal v tomto žánru vynikající skladatelé. V dnešní době hudba široce proniká do povědomí dětí.

Rádio, televize, kino a počítače neustále ovlivňují sluchový vývoj dětí. z raného dětství děti si na hudbu zvykají, vnímají ji přirozeně a snadno a snaží se jí porozumět se stejnou zvědavostí jako ostatní jevy okolního světa.

Na začátku vyučování musí dítě zaujmout, využívat jeho přirozenou zvídavost. Nejlepší způsob, jak to udělat, je hrát v učitelsko-studentském souboru. Již hrou na jednu notu se dítě seznámí s názvem kláves, rozsahem klavíru, zvládá rytmické vzorce, elementární dynamiku, ale i počáteční herní pohyby. Cestou si děti rozvíjejí i svou sluchovou představivost: začátečníci snadno napodobují zvuky věžních hodin, volání kukačky, ozvěny a zvířecí křik.

Nejprve je potřeba ukázat žákovi E 1. oktávy na klavíru až do 1. oktávy a naučit ho přirozeným pohybem a sebranou rukou tento zvuk rovnoměrně produkovat 2. nebo 3. prstem.

Například: „Vlast slyší“ od D. Šostakoviče, „Píseň vlasti“ od I. Dunaevského atd. Pomocí sbírek můžete uvést mnoho dalších zajímavých příkladů: N. Sokolova „Dítě u klavíru“, V. Ignatiev „Chci se stát hudebníkem“, Milich „Dítě u klavíru“ a další. Samozřejmě, že tyto příklady, stejně jako všechny následující, hraje student bez studia notového zápisu.

Poté, co děti začnou hrát noty, se žákovský part postupně stává složitějším.

G. Neuhaus napsal: „Od první hodiny je student zapojen do aktivního muzicírování. Spolu s učitelem hraje jednoduše, ale už uměleckou hodnotu hraje. Děti okamžitě pocítí radost z přímého vnímání, byť zrnka, umění.

To, že studenti hrají hudbu, která je jim známá, je nepochybně povzbudí k tomu, aby předvedli to nejlepší. hudební povinnosti. A to je začátek práce na uměleckém obrazu, práce, která by měla začít současně s počátečním učením se hře na klavír.“

Jedním z důležitých úkolů je výběr členů souboru, kteří jsou si rovni hudební školení a ovládání nástroje. Pokud se děti vzájemně respektují a oceňují, jsou hodiny efektivnější – děti se častěji setkávají a intenzivněji zkouší.

Morálně příznivé - psychologické klima v souboru je klíčem k úspěšné práci.

Je třeba zahájit výuku s díly přístupnými dětem, ve kterých se technické potíže překonávají poměrně snadno a veškerá pozornost je zaměřena na umělecké cíle. Žák projevuje zvýšený zájem o hodiny, když se necítí bezmocný, ale těší se z výsledků své práce. Je lepší naučit se několik jednoduchých skladeb a zahrát je na vysoké umělecké úrovni, než se zdržovat nad jedním složitým dílem, aniž bychom se kdy dostali k bodu kreativní interpretace.

Část lekce je nutné věnovat zrakovému čtení jednoduchých děl. Často starší žák, který přichází na lekci, doprovází mladšího a čte jeho část z listu. Společná hra se od sólové liší především tím, že jak celkový plán, tak všechny detaily interpretace jsou plodem myšlenky a kreativní představivost ne jeden, ale několik účinkujících a jsou realizovány jejich společným úsilím.

Synchroničnost souboru znamená shodu s extrémní přesností nejmenších dob trvání (zvuků nebo pauz) pro všechny interprety. Synchronicita je výsledkem nejdůležitějších kvalit souboru - společného porozumění a cítění tempa a rytmického pulsu partnerů. Musíme vzít a nahrát zvuk společně, držet pohromadě pauzy a společně přejít k dalšímu zvuku.

Mírná změna tempa, nepostřehnutelná při sólovém výkonu nebo mírné vybočení z rytmu při společné hře může dramaticky narušit synchronicitu. V takových případech soubor „opouští“ partnera, ať už před ním, nebo za ním.

Sebemenší narušení synchronicity během hraní je detekováno posluchačem. Hudební tkanina je roztrhaná, vokální harmonie je zkreslená.

Hra v souboru pomáhá dítěti překonat jeho přirozené nedostatky: neschopnost udržet tempo, pomalý nebo příliš strnulý rytmus; pomáhá, aby jeho výkon byl sebevědomější, živější a rozmanitější.

Dynamika je jedním z nejúčinnějších výrazových prostředků. Pomáhá odhalit obecný charakter hudba, její emocionální obsah, show Designové vlastnosti formy práce.

Uvědomujeme-li si zásadní roli dynamiky ve výkonu, neměli bychom zapomínat ani na další výrazové prostředky.

Volba jednoho nebo druhého zdvihu závisí zcela na hudební obsah a jeho interpretaci studentem.

Práce na úhoze znamená ujasnění hudební myšlenky, nalezení nejzdařilejší formy jejího vyjádření.

Doprovod je jedním z prostředků, jak studenta seznámit s živou hudbou.

Je důležité pěstovat všechny dostupné druhy aktivních hudební činnost studentů. Zpěv, zvuky houslí, violoncella, flétny – to vše obohatí jeho vnitřní svět.

Velmi užitečné je uspořádat soubor se zpěvákem. Robert Schumann ve svých „Notes“ doporučoval doprovázet zpěváky častěji, aby pianisté mohli jemněji cítit dech hudební fráze a setkat se se zvláštním typem zvukového inženýrství – prodlouženým zpěvem, délkou zvuku fráze a její enormní flexibilita.

Studenti musí znát kromě svého partu i part sólový. Když hrajete v ansámblu, musíte slyšet „dýchání“ vašeho partnera, dělat a uvolňovat pauzy včas, trefit se přesně do úvodu atd. Při práci vám hodně pomáhá, když se díváte a poté hrajete roli partnera. To je výhodné, zvláště pokud se snažíte zpívat svůj part ve stejnou dobu. Můžete si na chvíli vyměnit místa a zkusit hrát druhou hru z listu. To hodně pomáhá při hraní v souboru.

U dětí je třeba rozvíjet schopnost zahrát své téma v případě potřeby zřetelněji a jít při hraní doprovodu do „stínu“.

Bylo zjištěno, že hraní v souboru děti ukázňuje, začínají více komunikovat a nacházejí společné zájmy.

Kluci se častěji scházejí, více zkouší a samozřejmě i výsledek vystoupení je mnohem lepší.

Pro rozšíření dynamického rozsahu klavíristy jsou důležité i lekce doprovodu. S každým doprovodem by se mělo hrát různé síly zvuk, frázování, hutnost, zvýraznění nízkých či vysokých rejstříků piana.

Jeden z nejzajímavější sekce při práci se studentem je práce v komorním souboru, tedy souboru za účasti smyčcových nástrojů. Zde se spojují nástroje s různými dynamickými schopnostmi.

Zvláště důležité jsou tři zvuky:

1) Každý nástroj samostatně,

2) V souboru,

3) Celý soubor.

Výběr konkrétního úderu závisí na hudebním obsahu a jeho interpretaci interpretem. Práce na úhoze znamená ujasnění hudební myšlenky, nalezení nejzdařilejší formy jejího vyjádření. Tahy v některém textu jsou označeny pomocí čar, teček, pomlček, diakritických znamének a slovních pokynů. Linky v partech smyčcových nástrojů, které autoři vytvořili z důvodu snadného provedení, lze nazvat „skloněnými“. Jsou čistě technického rázu. „Bow league“ nevylučuje možnost přerušení zvuku, pauzy a její absence - nepřetržitý zvuk. Mnoho skladatelů bylo ochotno používat smyčcové struny v souborových klavírních partech. Ligy mohou určit strukturu hudební řeč, jeho „syntaxi“, rozdělení do frází a zobrazení intonace motivu. Takové ligy se obvykle nazývají „frázové“ nebo sémantické ligy.

Rád bych poznamenal, že u všech forem práce v souboru je hlavní, že tvůrčí iniciativa vždy zůstává na studentovi.

Ano, chci vám připomenout výběr souboru. V současné době se objevilo mnoho sbírek, ve kterých najdete mnoho souborů pro každý vkus a jakoukoli složitost. Ale neměli bychom zapomínat na staré dobré klasické soubory, jako jsou skladatelé Mozart, Beethoven, Grieg, Čajkovskij, Borodin, Musorgskij, Kalinnikov, Serov, Rebikov a mnoho dalších neméně slavných autorů. Iniciativu k výběru souboru je potřeba dát samotnému studentovi. Nechte ho navrhnout vlastní verzi souboru, pak pro něj bude práce na díle mnohem zajímavější a možná v tomto případě bude výkon efektivnější.

Na závěr bych ještě jednou připomněl, že úkolem učitele je rozvíjet a aktivovat tvořivý začátek osobnosti dítěte.

Bibliografie:

2. E. Smolina. Moderní lekce hudba. Akademie rozvoje, 2006

3. T. Yudovina-Galperina, Hudba a celý život Petrohrad, „Skladatel“, 2005

4. Péče o samostatnost studentů ve speciální klavírní třídě. Klasika XXI., 2003

5. V. Kryuková. Hudební pedagogika, "Phoenix", 2002

6. V. Milich. Vzdělání studentského klavíristy. Kyjev, „Hudební Ukrajina“, 2002

7. G. Tsypin, Hudebník a jeho dílo. M., sovětský skladatel, 1988

8. Zelenin, „Práce ve třídě souboru.“ Minsk, 1979.

Oddělení kultury Správy města Južno-Sachalinsk

Obecní státem financovaná organizace Další vzdělávání

"DĚTSKÁ HUDEBNÍ ŠKOLA č. 1 MĚSTA JUŽNO-SACHALINSK"

______________ 693021, RUSKO, JUŽNO-SACHALINSK, P/R LUGOVOYE, KOMAROVA STREET, 13, Tel/fax: 790064____________

METODICKÁ ZPRÁVA

Téma: „Práce v souboru se studenty klavírní třídy Dětské hudební školy“

Južno-Sachalinsk

2017

Naučit se hrát na klavír je složitý a mnohostranný proces. Zahrnuje nejen klavírní, ale i obecný hudební rozvoj studentů.

Od prvních dnů vzdělávání dítě zažívá vliv hudby. Pod jejím vlivem se rozvíjejí jeho hudební zájmy, formuje se sluch, paměť, rytmické cítění, rozvíjí se potřeba a vůle tvořit, získávají se první interpretační dovednosti. Kromě toho jsou lekce klavíru neoddělitelné od všeobecného estetického vzdělání studenta:

Musíme mu vštípit lásku k hudbě;

Naučit vnímat hudební díla v celé jejich rozmanitosti, hloubce a kráse.

Úspěch práce učitele v tomto ohledu do značné míry závisí na repertoáru studovaném se studentem. Repertoár má nejen vzdělávací hodnotu, nejen rozšiřuje hudební obzory a klavírní dovednosti studenta, ale má také velký výchovný dopad na estetický vkus jak budoucího milovníka hudby, tak i hudební myšlení budoucí profesionál. A v tomto ohledu pro všestranné hudební výchova velká důležitost má zařazení do repertoáru studentů různých souborů.

Repertoár souboru je obrovský, zajímavý a mnohostranný. Zahrnuje různé typy souborů, které umožňují seznámit se nejen s ukázkami ze symfonií, oper, baletů a dalších hudebních děl různých žánrů, ale také s díly jazzového stylu, s populární muzika z filmů, písní vašich oblíbených kreslených postaviček a podobně moderní hudba, který zní z rádií a na televizních obrazovkách. Děti rády hrají v souboru, jelikož je jim tato hudba blízká, zajímavá a srozumitelná. Během mnoha let jeho pedagogická praxe Přesvědčil jsem se, že zájem o hudební výchovu (a ten zpravidla v té či oné fázi výuky upadá) se udržuje z velké části díky zařazení souborů moderní a populární hudby do repertoáru studentů. .

Děti nadšeně hrají čtyřruční hudbu, zejména hudbu, kterou nedávno slyšely ve filmech nebo v televizi. A to jim dělá velkou radost.

Když hrají soubory, tak důležité vlastnosti, Jak:

Schopnost naslouchat není jen vlastní výkon, ale i partnera, stejně jako celkový zvuk celé hudební struktury hry;

Rozvíjí se schopnost zaujmout soudruha svým plánem a v případě potřeby se podřídit jeho vůli;

Aktivuje se fantazie a kreativita;

Smysl pro zvukové zbarvení je zostřený;

Pocit zodpovědnosti za znalost své role se zvyšuje, protože společné hraní vyžaduje plynulost v textu.

Ensemble (z francouzštiny.soubor- spolu) – skupina účinkujících vystupujících společně. Umění souborového výkonu je založeno na schopnosti interpreta vyvážit svou uměleckou individualitu, svůj styl interpretace, technika s individualitou, stylem a herními technikami partnerů, což zajišťuje soudržnost a harmonii představení jako celku (Hudební encyklopedie).

Práce na souborových skladbách je důležitá ve všech fázích hudebního vývoje studenta. Zvládnutí počátečních dovedností hry v souboru probíhá od prvních kroků učení klavírní třída. Nejprve učitel doprovází studenta předváděním melodie. Poté je ten nejjednodušší doprovod svěřen samotnému žákovi, aby se naučil flexibilně doprovázet melodii v podání učitele. Student tak získá počáteční souborové dovednosti:

„sólování“ - když potřebujete jasněji zvýraznit svůj part a

„doprovod“ - schopnost ustoupit do pozadí kvůli jedinému celku.

Všechny tyto jednoduché příklady nacházím a používám ve své práci z učebnice „The Path to Playing Music“ od Barenboima, kterou používám k výuce začátečníků.

S tím, jak se umělecké úkoly a technické potíže souborových děl stávají složitějšími, lze na nich pokračovat v hlubší práci s využitím času vyhrazeného v osnovy ke studiu volitelných předmětů.

Na střední škole musí pokračovat práce na hereckých dovednostech souboru. Nejzajímavější představení by měla být uvedena na koncertech pro rodiče, na třídních večerech, hlášení koncertů a další akce.

Když začínáte pracovat na souboru, je důležité, aby to učitel především dělal správný výběr partnery pro společné hraní.

Jestliže v počáteční fázi výcviku učitel obvykle hraje se studentem během hodiny, pak na středních a vysokých školách jsou studenti sdruženi do dvojic (pro čtyřruční soubory) a po čtyřech (pro osmiruční soubory). Zde je velmi důležité vybrat děti stejného věku, se stejnou úrovní výcviku a neméně důležitým psychologickým kontaktem. Ve své třídě jsem už páry nejednou vyměnil, protože děti nemohly najít vzájemný jazyk navzájem, dokud jsem nenašel vhodné možnosti. Nyní se páry rozvinuly a ve vztahu nejsou žádné problémy. A jejich vycvičenost je přibližně stejná a každý se snaží, protože se nechce v očích toho druhého kompromitovat. Je tu jakoby nevyřčená konkurence, která je žene k přesnější a kvalitnější hře.

Při společné hře je neméně důležité, aby za jedním nástrojem seděli dva lidé. Poloha studentů by měla být pohodlná pro výkon. Za tímto účelem neumístíme židle, na které děti posadíme, paralelně, ale do rohu, a v tomto případě existuje svoboda jednání pro ruce, protože tělo jednoho studenta nepřichází do kontaktu s tělo jiného.

Žák by se neměl opírat o klávesnici a naklánět tělo. Důležité je, aby se při předvádění navzájem nepřekážely, zejména při sbližování hlasů, stejně jako při šlapání druhé části.

Při provádění souboru pro dva klavíry se poloha sezení neliší od obvyklého, když student hraje sám. Vzhledem k tomu, že studenti jsou od sebe vzdáleni a hrají na různé nástroje, vyvstávají složitější úkoly jak interpretačního, technického, takmbrálního charakteru, ale i synchronizace a šlapání obou partů.

Další fází práce na souboru je seznámení se s textem vašeho partu, tedy učení. Každý z partnerů si předem pečlivě a pečlivě vypracuje svou hru. Během lekcí podrobně rozebíráme obtíže, odstraňujeme nedostatky s každým žákem zvlášť, poté se snažíme obě strany skloubit. Nejprve učitel – žák, poté oba žáci. Samozřejmě se v této fázi používá pomalé tempo, aby se předešlo častému zadrhávání a poruchám. Jak ovládáte text, tempo se postupně zvyšuje.

A nyní uvedu řadu požadavků, které je třeba se studenty vyvinout při práci na souboru:

Schopnost slyšet sebe a cítit svého partnera, tedy slyšet zvuk obou částí;

Nutný je stejný cit pro tempo a charakter díla. Před zahájením představení se dohodněte na tempu, vnímejte rytmické pulzování před začátkem hry;

Korespondence zvukových produkčních technik obou partnerů (nutná dohoda při provádění úderů, např. joint staccato apod.);

Dosažení synchronizace přijímání a odstraňování zvuku. Pro každého účastníka je velmi užitečné hrát obě hry. Je důležité dosáhnout synchronicity a současného dokončení díla. Zde může učitel pomoci dirigováním;

Je nutné být citlivý na různé druhy zpoždění, zpomalení a zrychlení vedoucí strany;

Dosáhněte vyvážení zvuku ve zdvojení a akordech;

Vybudujte dynamiku v souladu s dynamikou party, která hraje hlavní téma,F(forte) není použito do extrému akordy nelze hrát z lokte, aby nerušily partnera;

Sestavte frázování doprovodné části s frázováním melodie;

Udržujte společný rytmický puls.

Jak se umělecké úkoly stávají složitějšími, rozšiřují se i ty technické:

Překonání polyrytmu;

Šlapání.

Zručné šlapání v ansámblu zajišťuje nejen „čistý“ zvuk, ale i umělecké splynutí ansámblových partů v jeden celek.

A na závěr bych rád poznamenal, že seznamování dětí s moderní hudbou, kterou využíváme při práci v souborech, přispívá k rozvoji zájmu dětí o hodiny, lásky k hudbě a osvobozuje je. tvořivé síly, a také pomáhá aktivovat celek vzdělávací proces ve třídě, práce na vážných, klasických dílech.