Hlubotiskové rytí na kovu. Historie vývoje a typy technik rytí kovů

Gravírování dlátem- jeden z hlavních typů hloubkového rytí do kovu.

Technologie vytváření incizivního rytí je následující: do kovové desky (měď, mosaz, zinek, železo) mechanickou popř. chemickými prostředky Kresba se prohlubuje v podobě kombinací čar a teček.

Poté se do prohlubní vtlačí barva tampony,

Deska je pokryta vlhkým papírem a srolována mezi válci tiskového stroje.

Dlátové rytí se objevilo v první čtvrtině 15. století. První datovaná rytina burinu pochází z roku 1446. Dlouho za vynálezce této techniky byl považován florentský zlatník Maso Finiguerra, jehož první rytina pochází z roku 1458; ale tato teorie byla vyvrácena. Dnes nejstarší dlátové rytí na mědi je považováno za „Bičování Krista“, které provedl neznámý německý mistr v roce 1446. Při rytí dlátem si mistr vezme rovnoměrně vykovanou a pečlivě vyleštěnou kovovou desku, na kterou nanese kresbu pomocí razníku na šperky,

Který se pak projede důkladnějším nástrojem – frézou nebo rytcem.

Poté se do desky vetře barva, přebytek se odstraní a list se potiskne.

Tato metoda umožňuje pracovat pouze s kombinacemi čistých čar. Rytí do kovu je složitá technika, která vyžaduje přesnost, vnitřní disciplínu, značné fyzické úsilí a mnoho hodin práce. Takže jeho slavná rytina „Rytíř, smrt a ďábel“ poměrně malý formát (24,7×18,9 cm) A. Dürer vyryl více tři měsíce, nepočítaje čas strávený na předběžné výrobě skic.

Aby umělci otestovali účinek návrhu, často před dokončením díla zhotovují takzvané zkušební tisky. Nátisky vynikajících mistrů jsou vysoce ceněny především pro svou vzácnost, ale snad neméně pro svou čerstvost, pro možnost nahlédnout do umělcova pracovního procesu. Umělec v průběhu práce na rytině často mění kresbu a kompozici, některé linie ničí a nahrazuje je jinými, jinak rozděluje světlo a stíny atd. a tyto postupné změny zaznamenává do řady tisků. Takové otisky (je jich až deset nebo i více), které jakoby uvádějí vývoj rytiny, se nazývají „stavy“. Existují také tisky „před podpisem“ (umělce) a „před adresou“ (vydavatele). Rozdíl v ceně mezi prvním a posledním výtiskem může být velmi velký. Někteří umělci navíc během práce dělají na okrajích lehké skici (něco jako „test pera“, zachycující náhle problesknutou vizi fantazie). Tyto „poznámky“ zaznamenané ve zkušebních výtiscích jsou poté zničeny.

Tisková forma incizivní rytiny. Portrét Walta Whitmana. 1860

Nejpozoruhodnějším mistrem 15. století je německý rytec Martin Schongauer, který působil v Colmaru a Breisachu. Jeho dílo, kombinující pozdní gotiku a ranou renesanci, mělo významný vliv na německé mistry, včetně Albrechta Dürera. Mezi mistry prvního polovina XVI století stojí za zmínku jedinečný Holanďan – Lukáš z Leidenu. Z italští mistři XV století nejvýznamnější jsou Andrea Mantegna a Antonio del Pollaiuolo. V Itálii v 16. století vznikl trend, který předurčil důležitý milník ve vývoji evropského rytectví - šlo o reprodukci malířských děl.

Vznik reprodukčního rytí je spojen se jménem Marcantonia Raimondiho, který až do konce první třetiny 16. století vytvořil pomocí dláta několik stovek reprodukcí děl Dürera, Raphaela, Giulia Romana a dalších. V 17. století byla reprodukční rytina extrémně běžná v mnoha zemích - ve Flandrech, kde bylo reprodukováno mnoho obrazů, zejména Rubense. A ve Francii v této době přispěli Claude Mellan, Gerard Edelinck, Robert Nanteuil a další k rozkvětu umění reprodukce klasických rytých portrétů.

- (z francouzského hlubotisku), 1) tištěný otisk na papíře (nebo podobném materiálu) z desky (desky), na které je kresba nanesena. 2) Typ grafiky, který zahrnuje různé způsoby ručního zpracování desek a tisku tisků z nich.… … Encyklopedie umění

- (z francouzského hlubotisku) 1) tištěný otisk na papíře (nebo podobném materiálu) z desky („desky“), na které je vzor vyříznut; 2) druh grafiky (viz grafika), včetně různých způsobů ručního zpracování desek (viz... ... Velká sovětská encyklopedie

Y; a. [Francouzština hlubotisk] 1. Návrh vyřezaný nebo vyleptaný rytcem na hladký povrch kusu. tvrdý materiál; tištěnou kopii takového návrhu. G. na dřevo, na kámen, na kov, na linoleum. G. řezákem a jehlou na mědi. Město Cvetnaja...... Encyklopedický slovník

Nástroje Stichels pro koncové rytí ... Wikipedia

rytina- y, w. 1) Tištěný otisk na papír nebo podobný materiál z desky (desky), na které je vyřezán vzor. Sanka ukázala vytištěné archy rytin slavných holandských mistrů (A.N. Tolstoj), které byly právě přivezeny z Hamburku. 2) Typ grafiky,... ... Populární slovník ruského jazyka

- (francouzský hlubotisk, od rytiny po řez). Tištěný otisk rytého obrazu. Slovník cizích slov zahrnutých v ruském jazyce. Chudinov A.N., 1910. RYTÍT otisk kresby vytesané na oceli, kameni, dřevě atp. Kompletní slovník … Slovník cizích slov ruského jazyka

Rytina- 1. Tištěný tisk. rytá podoba. 2. Tisk. forma vyryta na k.l. materiál: dřevo (dřevořez), linoleum (linoryt), kov (například dláto, nebo klasický). Viz také Aquatinta, Mezzo tinto... Vydávání slovníku-příručky

- (francouzský hlubotisk), 1) tištěný otisk na papíře (nebo podobném materiálu) z desky (desky), na které je nanesena kresba. 2) Typ grafiky, který zahrnuje různé způsoby ručního zpracování desek a tisku tisků z nich. Rozlišovat...... Moderní encyklopedie

GRAVÍR, s, samice. 1. Obraz (malba, kresba) získaný otiskem klišé připraveného rytcem. 2. Ryté provedení. Rytiny do dřeva, kovu, kamene, linolea. | adj. rytina, oh, oh. Slovník Ozhegova... Ozhegovův výkladový slovník

dlátové rytí- Většina starý vzhled hloubkové rytí do kovu, spočívající v ručním vyřezávání tahů pomocí speciálních řezných nástrojů. Téma: tisk...

Technická příručka překladatele

• knihy Kovové rytí. Ke 115. výročí Ruského muzea. Ilustrované vydání seznamuje s hlavními směry vývoje rytí kovů v ruské umění
• Kovové rytí. Album. Představujeme vám album, které obsahuje kovové rytiny ze sbírky Ruského muzea...

Na rozdíl od dřevorytového tisku, u kterého je „tiskový“ design vyvýšen, tvoří design na kovové desce zapuštěné tahy, buď řezané dlátem, nebo leptané kyselinami. Proto se tomuto druhu rytí říká „hloubkové“.

Existuje několik typů kovového rytí.

1. ŘEZBA RYTÍ

Nejvíce raný typ rytina do kovu, vynalezená v polovině 15. století, byla tzv. dlátová rytina. Předloha v ní byla vyškrábána nebo vyříznuta hlubokými čarami na měděné desce pomocí speciálních fréz - gravírovačů. Ostré výčnělky, které se tvořily podél okrajů řezaných drážek, byly začištěny hladítkem. Poté byla deska připravena k tisku. Barva byla nanesena na celou desku tak, aby těsně zapadla do drážek, do hlubokých tahů designu. Poté se deska vytřela do sucha a barva zůstala pouze v jejích zapuštěných částech. Přitlačením mokrého papíru silným tlakem na takovou desku, která nasála barvu, se na ní udělal otisk.

Absence vlákna, která znesnadňovala práci na dřevěném rytině, umožnila provádět tahy v libovolném směru a libovolné tloušťky v kovové rytině. Samotná mřížka tahů by mohla být hustá, jak si přejete. Proto, i přes pracnost této techniky, otevřela nezměrně větší možnosti v dopravě objemů, světla a stínu a perspektivy ve srovnání s rytinou s hranou dřeva. A to bylo jedno z těch výdobytků, o které usilovalo výtvarné umění tzv. renesance.

Největším mistrem reprodukčního rytí na mědi byl Ital Marcantonio Raimondi. Ve svých rytinách reprodukoval obrazy velkých italští umělci- Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, stejně jako další malíři.

Rytina však velmi brzy přestala být pouhým prostředkem reprodukce malby a získala charakter samostatné umělecké formy.

První velký umělec většina z Albrecht Dürer (1471-1528) věnoval svou kreativitu umění rytí.

Žil v době, kdy v Německu začalo široké hnutí mas, které si žádalo aktivnější zásahy umění do veřejného života.

K realizaci tohoto úkolu přispěl vynález a rozvoj tisku. Umělci mají nyní možnost oslovit širší okruhy lidí.

Dürer ve svých dílech, při zachování tradičních náboženských a alegorických zápletek, obrazně ztělesňuje fenomény reality kolem sebe. Tak například na rytině „Odpočinek na útěku do Egypta“ pomocí evangelijní legendy zobrazuje Durer současníka Německá vesnice. Maria a Joseph vypadají jako prostí rolníci odpočívající v typické německé krajině, kterou umělec dobře zná. venkovská krajina s domy pod vysokou“ špičatou střechou, s plotem z kůlů. Celá scéna je naplněna velkým lyrickým teplem, které je značně usnadněno jemným prostupem světla, měkce zahalujícím všechny předměty. Tato rytina je vyrobena na dřevě. Dürer zde ale výrazně obohacuje techniku ​​řezané rytiny. Neomezuje se pouze na obrysové linie, tu a tam je doplňuje jemným stínováním a vytváří iluzi světla a stínu. Díky tomu jsou čistá místa vnímána nejen jako bílá plocha, ale jako průhledné a světlé vzdušné prostředí.

Dürer ve svém umění spoléhá na neskutečné vlastnosti přírody. Studuje anatomii a snaží se odvodit matematicky přesné, dokonalé proporce lidského těla; studie perspektivy, která pomáhá zobrazit prostor a objem s vědeckou přesností. Ačkoli byl malíř, pracoval zvláště tvrdě jako rytec. Vlastní nejdokonalejší dřevoryty, ale jeho nejlepší výtvory patří do oblasti kovorytu. Takové jsou jeho bezkonkurenční výkony „Svatý Jeroným“ (Příloha 6), „Rytíř, smrt a ďábel“ a „Melancholie“.

V rytině „Svatý Jeroným“ Dürer opět používá biblický obraz. Ale místo světce tradičně zobrazovaného na poušti je Durerův Hieronymus moudrý a klidný starý muž, který sedí v místnosti plné mnoha živých detailů charakteristických pro německý dům ze 16. století. Nicméně místo čtení bible Starý muž se zabývá... rytím. Toto dílo je nádhernou ukázkou využití všech možností rytí. Zde jsou nejen všechny objekty přesně načrtnuty a provedeny v objemu, ale také teplé sluneční (přesně sluneční!) světlo proudící okny do místnosti je přenášeno s velkou přesvědčivostí.

V rytinách „Rytíř, smrt a ďábel“ a „Melancholie“ mluví umělec zcela jiným jazykem. V pohnutém období počátku reformace, rytířských povstání a blížící se selské války roku 1525 jako by Dürer vyjadřoval své myšlenky o osudu Německa ve složité alegorické, někdy zašifrované podobě.

Rytí dlátem je technicky velmi pracné. Vyžaduje to hodně práce na desce, ale dává to zejména velkou přesnost a přehlednost při přenášení prostoru a objemu předmětů. Není proto náhodou, že největšího rozkvětu dosáhlo rytí právě v renesanci, kdy umění stálo před úkolem poznání a reflexe. skutečný svět, kdy v malbě dominovala touha po jasných a přesných formách, úplnosti a určitosti kompozice a kresby.

Později, počínaje XVII století rytina se stále více stává pouze prostředkem reprodukce obrazu.

V 18. století byla zvláště úspěšná jako ilustrace ve vědeckých a umělecké knihy a alba. V Rusku se rytina objevila na přelomu 17. a 18. století za Petra I. jako technika tvorby zeměpisné mapy, kresby ve vědeckých knihách, velké listy s obrazy bitev na zemi i na moři, festivaly a portréty. Jeho uznávanými mistry v té době byli bratři Alexey a Ivan Zubov.

Později, v 18. století, ruské umění nominovali pozoruhodné rytce-portréty E. Chemesova a G. Skorodumova. Snažili se zdůraznit rysy živého člověka, vnést do portrétu psychologismus, živost a jednoduchost obrazu. Jejich tvorba se proto vymanila z úzkého rámce oficiálních portrétů. To platí zejména pro rytiny a lepty E. Chemesova, které se také vyznačují vzácnou dovedností a rozmanitostí tahů. Jedním z nich je „Autoportrét“ (Příloha 7). nejlepší díla Chemesová.

24. prosince 2013

Rytina se objevila v 15. století, současně s tištěnou knihou a velkým geografické objevy. Jak nový vzhled umění, dostupné díky své nízké ceně, rytí rychle získalo popularitu. Stala se první ilustrací v knize, nejprve v podobě dřevorytu (dřevořezu) a poté rytiny (na kov).

Náměty rytiny jsou rozmanité jako život sám a snaží se mu vyhovět ve všech jeho projevech. Po tradiční náboženské předměty se v něm objevují obrázky starověké mytologie, pohledy do vzdálených zemí, portréty panovníků, světských i náboženských osobností, spisovatelů a umělců, vyobrazení flóry a fauny, módní obrázky a kalendáře, mapy, kresby, zahrady a parky, slavné antické památky.

Na jedné straně je rytina lakonická, zde není nic zbytečného, ​​vše je promyšleno do nejmenších detailů. Na druhou stranu jsou práce rytců plné náznaků a alegorií, vše má metaforický význam, každý předmět je v souladu s středověká tradice odpovídá určitému konceptu.

Představujeme vaší pozornosti nejvíce slavných rytců několik epoch a jejich nejvýznamnější díla. VŠE JE NA KLIKNUTÍ!

Albrecht Durer (1471-1528)

Albrecht Dürer se proslavil již v r raný věk pro své rytiny je dodnes považován za nejslavnějšího z renesančních umělců. V Albrechtově rodině bylo 18 dětí, byl třetím dítětem a druhým synem v rodině. Dürerův otec ho vzal do své dílny, aby ho naučil pracovat se zlatem, ale chlapec projevil malířské nadání, a proto se stal učněm rytce Michaila Wolgemuta.

Dürer byl stejně a úžasně nadaný jako malíř, rytec a kreslíř, ale hlavní místo v jeho tvorbě patří grafice. Jeho odkaz je obrovský, ve své rozmanitosti se dá srovnat s odkazem Leonarda da Vinciho.

"Rytíř, smrt a ďábel." 1513

Na základě symboliky předmětů kolem rytíře můžeme říci, že spíše zosobňuje negativní sílu a spojuje se s ďáblem, než aby byl jeho obětí. Není proto náhoda, že ke špičce jezdce je připevněn liščí ocas, což je znamení loupeživého rytíře. Obraz liščího ocasu byl spojen s myšlenkou lží, pokrytectví a touhy ukrást svůj podíl na pozemských statcích lstí. Obraz psa je zde uveden jako lpění na ďáblu, chamtivost a závist. Ještěrka je symbolem přetvářky, zlým démonem. Lebka je spojena se smrtí a prvotním hříchem.

"Melancholie". 1514

Sovětský umělecký kritik Ts. G. Nesselstraus analyzuje tuto rytinu takto: „...před námi je mořské pobřeží, nekonečná vodní plocha a soumrakové nebe, proříznuté duhou a zlověstnými paprsky komety. V popředí obklopený náhodně roztroušenými tesařskými a stavební nářadí Sedí okřídlená žena, položenou hlavou na dlani, ponořená do hlubokého zamyšlení. V ruce má otevřený kompas a na opasku má přivázaný svazek klíčů a peněženku. Opodál leží na zemi dřevěná koule a dále je vidět velký kamenný mnohostěn, zpoza kterého vykukuje tavící kelímek.

Za ženou vylezl zasmušilý chlapec na mlýnský kámen a s obtížemi něco píše na tablet. Poblíž se schoulil hubený pes. Vpravo v pozadí se tyčí kamenná stavba, možná nedokončená, protože se o ni opírá dřevěné schodiště. Na stěnách budovy visí přesýpací hodiny, váhy a zvonek a je napsán magický čtverec. Na obloze, v paprscích komety, obrovský netopýr. Na křídlech myši je nápis: „Melancholie I“ (...)

Okamžitě pociťuje, že okřídlenou ženu sužují pochybnosti a nespokojenost, je však zmaten množstvím zde rozptýlených náznaků. Proč je melancholie zobrazena okřídleně, co znamená její nečinnost, jaký druh chlapce je zobrazen za ním, jaký to má význam magický čtverec, k čemu jsou po okolí rozházené nástroje?

"Svatý Jeroným ve své cele." 1514

Svatý Jeroným tvrdě pracuje, pero v ruce, hlavu obklopenou září. Na stole je pouze stojan na knihy, na něm je dílo svatého Jeronýma, krucifix a kalamář. V popředí poklidně spí malý pes a impozantní lev - to je povinná součást legendy o Jeronýmovi Blaženém. Velké množství detailů a jejich pečlivé propracování je úžasné. Obraz je plný drobných předmětů – symbolů, které upoutají pozornost pozorovatele. Existuje více otázek než odpovědí, a to nás nutí přemýšlet o spoustě věcí.

"Adam a Eva". 1504

Předmětem rytiny je klasické zobrazení biblické dějiny o Adamovi a Evě v zahradě Eden. Předpokládá se, že prototypem postav Adama a Evy byly kresby starožitné sochy Apollo Belvedere a Venuše Medicea. Dürer zanechal na rytině plný podpis, na rozdíl od svých ostatních rytin, které byly označeny pouze monogramem.

"Chůze". 1496

Zápletka „Procházky“ je na první pohled jednoduchá: za městem se prochází mladý měšťanský pár v bohatých oblecích; venkovská krajina a strom. Hluboký filozofický smysl autorem stanoveného děje je však v obrazu Smrti s přesýpacími hodinami nad hlavou, vykukující zpoza stromu. Proto jsou tváře mladých lidí tak zamyšlené.

Zvláštní význam nabývá i bezútěšná krajina, evokující beznadějnou melancholii, keř trávy s ostrými a suchými listy, bezvládně se ohýbající ve větru. Vše nám připomíná dočasnost existence. Vesnice viditelná v dálce jako by byla před mladým párem oplocena postavou Smrti, navozující akutní pocit osamělosti a izolace od světa.

"Únos Proserpiny na jednorožci." 1516

Proserpina, dcera bohyně obilí Ceres, sbírala na louce se svými přáteli kosatce, růže, fialky, hyacinty a narcisy, když si ji všiml, zamilovanou, král Pluto. podsvětí. Urychlil ji na voze, což způsobilo, že se před nimi otevřela propast a Proserpina byla odvezena do podzemní království. Pluto byl nucen ji pustit, ale předtím jí dal ochutnat semínko granátového jablka, aby na království smrti nezapomněla a vrátila se do něj. Od té doby tráví Proserpina půl roku v království mrtvých a půl - v království živých.

"Satyrova rodina" 1504

Umělec studoval proporce a pracoval na problému zobrazení nahého těla. Ve svých pracích na mytologická témata se Dürer snažil ztělesnit klasický ideál krásy. Objem je kulatý, téměř sochařská forma zdůrazněno kruhovými tahy, jakoby klouzaly po povrchu po struktuře formy. Malebně pojatá lesní krajina organicky zahrnuje postavy lidí a zvířat, ztělesňující různé symboly.

Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)

Piranesi vytvořil „architektonické fantazie“, které ohromují velkolepostí prostorových řešení a kontrastů světla a stínu. Piranesiho díla byla sběrateli vždy ceněna jako projev úžasného kreativní představivost a nejvyšší umělecké dovednosti.

Jeho díla inspirovala mnoho umělců: Piranesiho kobky obdivoval Victor Hugo, který pod jejich vlivem vytvořil celou sérii kreseb. Pod vlivem jeho rytin vznikly kulisy pro Shakespearova Hamleta a Beethovenova Fidelia.

A jakkoli to může znít děsivě, Piranesiho architektonické nápady inspirovaly architekty totalitních režimů, Mussoliniho Itálie, Stalinova Sovětského svazu a Hitlerovy Třetí říše, a zároveň se stal téměř oblíbeným architektem postmoderny.
Nejznámějšími díly rytce jsou cyklus „Dungeons“ a cyklus „Římské starožitnosti“.

Cyklus "Dungeons" (1749-1750)

„Dungeons“ je designově mnohem expresívnější a horečnatější než jiná díla Piranesiho ze stejného období. Jsou přirovnávány k deliriu, noční můře, průlomu podvědomí. Sloupce ztracené ve tmě a výšce. Řetězy a kroužky pro upevnění pout, zapuštěných do stěn a trámů. Padací mosty visící uvnitř budovy. Utíkat dovnitř různé strany chodby s kamerami. Masivní kameny naskládané do pylonů a oblouků. Lávky pro pěší v hrozné výšce. Schody, které jsou propletené a ohýbají se v nepřirozených úhlech. Pekelný stroj na zbavení se svobody, vykreslený s dramatem, které je pro obdivovatele klasické krásy přehnané. Díla jsou provedena s úžasnou přesností a děsí diváka, aby věřil, že to všechno skutečně existovalo.

Cyklus „Římské starožitnosti“ (1748-1788)

V této kolekci Piranesi znovu vytvořil obraz Říma v celé jeho rozmanitosti. Absolvoval četné pohledy na město jak z pohledu vědce, tak i cestovatele. Viděl, že pozůstatky starověkých budov Říma den za dnem mizí ze škod způsobených časem, z chamtivosti majitelů, kteří je s barbarskou bezohledností nezákonně prodávali po částech na stavbu nových budov. Proto se je rozhodl uchovat prostřednictvím rytin.

"Fontána di Trevi". 1776

"Výhled na molo Ripa Grande." 1752

"Výhled na molo Ripetta." 1753

Pieter Bruegel starší (1525-1569)

Život a osud Bruegela jsou záhadné. Až dosud badatelé hledají stejnojmennou fantastickou vesnici, která údajně dala jméno mladému tulákovi, který přijel do Antverp na bájný rybí vlak, a přestože začal s vědou a uměním pozdě, brzy to brilantně vynahradil. všechno.

"Alchymista". 60. léta 16. století

Bruegel na rytině ironickým způsobem zobrazil alchymistu, který vytváří model světa a světotvorných procesů, klade si za úkol reprodukci a zduchovňování kosmu a vychází z myšlenky jednoty světa. a univerzálnost změny.

"Blázni a klauni"

Hlavní záhadou této rytiny je rok jejího vytvoření. Rytina ukazuje datum 1642, ale Bruegel starší zemřel v roce 1569. Jeho syn Bruegel mladší se o rytiny nezajímal, přestože byl umělec. Čísla na rytině snad vůbec nejsou datem.

Gustave Doré (1832-1883)

Dore může být právem nazýván kolosem ilustrace, protože se zdá, že interpretoval všechna mistrovská díla světové literatury.
Kromě talentu v kompozici a kresbě má Doré vzhled, který je vlastní básníkům, kteří znají tajemství přírody. Když se v 60. letech 19. století začalo rytí stávat u veřejnosti velmi populární, každý autor, který napsal knihu, chtěl, aby ji Doré ilustroval. Každý nakladatel, který vydal knihu, se snažil vydat ji s ilustracemi Doré. Počet kreseb rytce dosáhl v květnu 1862 čtyřiceti čtyř tisíc.

"Ztracený ráj" 1866

Jedna z Dorého ilustrací k básni Johna Miltona “ Ztracený ráj" Tato rytina ukazuje padlý anděl, vypovězen z Ráje pro pýchu.

"Světová potopa". 1866

"Božská komedie"

Jedna z ilustrací pro „ Božská komedie» Dante.

Co je to rytí? Otisk na papíře nebo náhradních materiálech vyrobený z dřevěné, kovové nebo kamenné desky, speciálně upravené mistrem a natřené barvou. Toto je nejobecnější definice rytiny z technologického hlediska. A přesto tento jednoduchý princip dal vzniknout obrovskému množství typů, poddruhů a variet rytin. V průběhu historie rytí se rytecké techniky rodí a zanikají. Někdo by si dokonce mohl troufnout říci, že každý nový styl PROTI evropské umění spojené s jednou nebo jinou technikou rytí.

Proč je rytí jediným typem výtvarné umění s takovou technickou rozmanitostí? Abyste tomu porozuměli, musíte pochopit, že je to rytina, která zaujímá zvláštní postavení mezi ostatními druhy umění. Pokud jde o grafiku, jako je kresba, nenese v sobě onu spontánnost, často útržkovitost, touhu ztělesnit úplně první myšlenku, první pocit, který je pro kresbu tak charakteristický; Rytina není nikdy uměním pro samotného umělce, což velmi často charakterizuje kresbu. A s touto vnější přitažlivostí, přitažlivou pro diváka, stojí rytina ve stejné řadě jako malba nebo socha.

Ale to, co odlišuje rytinu od těchto druhů umění, je právě kvalita, díky níž je podobné kresbě: rytina vždy vstupuje do zvláštního, intimního vztahu s divákem. Rytina - velikostí i oběhem - je určena pro něj, diváka, aby s ní zůstal sám, držel ji v rukou, prohlížel si ji podrobně nejmenší detail obrázky.

2. K. MELLAN Plath St. Veronica 1649 mědirytina (fragment)

Rytina se rodí téměř současně jako dřevoryt a jako dláto. Tento technický dualismus má na svědomí doba jeho vzniku – konec středověku a začátek renesance. Na sever od Alp dominuje dřevořez a ve své světlé dekorativnosti, výrazném kontrastu jazyka, maximální touze po expresivitě obrazu, po dramatičnosti, zobecnění, zvýraznění toho hlavního - ve všem, co vidíme charakteristické rysy středověký umělecké myšlení. V dřevorytech 15. století je kompozice a každý její detail znakem obrazu v mnohem více ve větší míře než zobrazení života. Možná je to právě symbolika dřevorytů, která nám umožňuje oddělit umělce a řezbáře s takovou důsledností: znak je ze své podstaty neindividuální, neosobní.

Původní forma rytiny - dřevoryt nebo dřevoryt, známá na východě více než tisíc let, se v Evropě objevila v průběhu r. raná renesance, na samém konci 14. století, a rozšířil se v 15.-16. Vyvinulo se především z techniky tisku na látky pomocí dřevěných razítek (tzv. tištěného perníku), ražby „potištěných“ perníčků pomocí vyřezávaných desek apod. Pro tisk rytin se místo pergamenu, který se používal na středověké miniatury, nyní začal používat výrazně levný, pro Evropu nový materiál je papír. Distribuce papíru, který je dodnes hlavní a stále málo nahraditelnou složkou pro tiskové procesy různých typů. různé povahy, byl nezbytným předpokladem pro rozvoj všech tiskových technik.

Těžko jmenovat materiál, který by byl pro jiné druhy výtvarného umění stejně důležitý jako papír pro grafiku. Pokud se při malování povrch plátna překrývá a jde pod vrstvu základního nátěru a barvy na tělo, pak v kresbách a rytinách hraje barva papíru roli světelného média, které se aktivně účastní kompoziční struktura plech a do značné míry předurčující jeho charakter. Lze právem říci, že kdyby nebyl papír, neexistovalo by ani umění grafiky.

Gravírování poprvé umožnilo vytisknout nejen kresbu, ale i text: tištěný obrázek byl kombinován s tištěným slovem, a proto se výchovný dopad obou nezměrně zvýšil. Současně s letáky a rytinami začaly vycházet ryté knihy. Dokud se Gutenbergova technika pohyblivého písma nerozšířila – a u některých knih i poté – byl text každé stránky spolu s ilustracemi vyryt na jediné dřevěné desce („blockbücher“).

Dřevoryt měl však v počátečním období svého vývoje skromné ​​technické možnosti. Jednalo se o tzv. hraněný, nebo jinak řečeno podélný dřevořez, který se prováděl na deskách obvyklého typu (u nichž dřevní vlákna probíhají rovnoběžně s povrchem), ze středně tvrdých dřevin: hrušeň, lípa.

Na vyleštěný povrch takové desky se obvykle perem nanášela kresba, jejíž každá linie byla z obou stran odříznuta nožem. Potom pomocí nožů a dlát různých řezů vyhloubili a prohloubili všechny mezery mezi tahy, takže pouze linie kresby zůstaly výrazně vyčnívat a byla získána konvexní tisková forma. Obvykle se autor-umělec omezil na kresbu na desce, kterou pak zpracoval řemeslník - řezbář („formschneider“), který se snažil vyřezat nanesený obraz, všechny čáry, tahy a tečky co nejpřesněji. jak je to možné.

V dřevorytech tedy existovala propast mezi výtvarnou kreativitou a technickým provedením (když však řezbu prováděl vysoce kvalifikovaný Formchneider, byl v jeho práci určitý tvůrčí prvek převedení kresby do materiálu). Na druhou stranu, pokud by sami autoři-umělci ve všech případech řezali desky podle vlastních kompozic, je nepravděpodobné, že by byli schopni zanechat tak velké dřevořezové dědictví jako například Dürer, který má asi jeden sto devadesát ryteckých listů.

Zpočátku se dřevoryty tiskly třením papíru o desku hadrem nebo kostí (podobně jako dnes rytci často tisknou zkušební otisky dřevorytů).

S rozšířením knihtisku se tisky z rytých dřevěných desek začaly vyrábět i na klasickém knihtiskovém stroji.

A.BOSS Dílna mědirytecké tiskárny 1642. Lept

Ryté ornamentální a figurální obrazy se odedávna používaly ke zdobení dýk, čepelí a pochev mečů, váz, pohárů, kovových destiček na knižní vazby, přezek na opasky a různých zapínání, detailů koňských postrojů atd. Postupně se naučili tyto dekorace obohacovat vyplněním hloubkového vzoru roztavenou barevnou skleněnou hmotou - smaltem. Pro ryté figurativní obrazy převážně náboženského obsahu, které byly zhotoveny na malých zlatých, stříbrných nebo měděných destičkách, se místo barevného smaltu obvykle používalo niello. Poté, co roztavené nieello, které vyplňovalo linie vzoru vyříznutého do kovové desky nebo na ní vyražené, ztvrdlo, byla deska vyleštěna a na světlém pozadí vynikl lesklý černý vzor. Tato technika, zvláště hojně používaná od poloviny 15. století italskými mistry, tzv. niello (niel), byla zřejmě jedním z bezprostředních předchůdců rytiny.

Touha zhodnotit kvalitu kresby před tím, než byla naplněna niello (po čemž je obtížné ji opravit), stejně jako touha zachovat ji jako vzorek pro další práci, vedly k pokusům o přetření barvy. do prohlubní niello a poté jej orazítkujte na vosku a později - a na papír. Byl tak učiněn první krok ke speciální výrobě rytých desek pro tisk – krok o to přirozenější, že mnoho středověkých zlatníků a stříbrníků současně pracovalo v různé typy výtvarné umění, angažovaný malba na stojanu a kreslení a měli zájem reprodukovat své kompozice. Je příznačné, že veškeré nástroje potřebné k provádění incizivního rytí - rytce (řezané), razníky k vytloukání hrotů, brusné hladítka, škrabky na řezání kovových otřepů - byly vypůjčeny z arzenálu šperkařského umění.

V tomto ohledu je zajímavý příběh Giorgia Vasariho, podle kterého jedna z italských praček, když věšela na dvoře mokré prádlo, nějakým způsobem omylem něco z něj upustila na niello, které její soused, stříbrník, položil na sušit na slunci. Když pak zvedla toto prádlo, byla ohromena, když viděla, že je na něm obtisknutý davový design. Tak prý vznikl první tisk s Niellem. Tento příběh se zdá být jednou z legend, kterých je ve Vasariho životech mnoho, navíc mylně jmenuje Florenťana Maso Finiguerru (1426-1464) jako vynálezce mědirytu a datuje tuto událost do 60. let 14. století, přičemž první; rytiny na mědi se zjevně objevily v Německu mnohem dříve. Zásadní souvislosti mezi niello a počátkem tisku z kovových desek si však Vasari všiml zcela správně.

Pro pronikavou rytinu se bere hladká měděná deska, která je na přední straně pečlivě vyleštěna, protože sebemenší škrábanec nebo tečka na okraji zanechá na tisku stopy. Pak na palubě pomocí různých techniky je aplikován obrys obrázku a začíná proces rytí - kovové řezby. K získání tahů a linií různých typů se používají dláta různých sekcí, řezů a tvarů a nejjemnější linie „vlasů“ se nanášejí jehlami. Hlavní metalografická fréza - grabstikhel - má kosočtvercový nebo trojúhelníkový průřez. Kovové otřepy zbývající podél okrajů každého tahu (ostnu) se opatrně odříznou škrabkou.

Deska zakončená rytinou je vyplněna hustou barvou pomocí koženého tampónu, který se snadno čistí a zůstává pouze ve vyříznutých, zapuštěných místech. Pro tisk incizivních rytin se jako u všech hlubotisků obvykle používá poměrně silný, velmi lehce klížený papír, který po navlhčení pod silným tlakem ve speciálním metalografickém stroji dobře vybere vrstvu barvy z prohlubní rytého klišé.

Mědiryt, jak jej používali staří mistři, bylo drsné, obtížné umění, které vyžadovalo velkou vnitřní disciplínu a vytrvalost v práci. Rytec vyřezával na měděné desce ty nejtenčí čáry, tahy a tečky, někdy viditelné pouze pod lupou, a neměl téměř žádnou možnost výrazně korigovat provedené, musel mít velké znalosti a sebevědomou zručnost v kreslení, bystrý zrak, jako stejně jako dokonalá přesnost a stabilita ruky. Tato pečlivá technika byla v minulosti spojena s velkou investicí času a úsilí, které je dnes téměř nepředstavitelné. Dürerova slavná rytina „Jezdec, smrt a ďábel“, která má relativně malý formát (24,7 × 18,9 cm), se tak ryla déle než tři měsíce, nepočítaje čas strávený přípravou skic. A pro zhotovení rytin do mědi v moderním formátu „půllistu“ z díla olejomalba kvalifikovanému rytci reprodukcí v XVII-XIX století někdy to trvalo déle než rok.

Rytí bylo založeno na hlubokém, téměř matematickém předběžném výpočtu, až po každý jednotlivý tah. Svědčí o tom zejména velmi chytrý technický trik, který předvedl francouzský mědirytec Claude Mellan ze 17. století. Slavný list tento mistrův Plath sv. Veronica“ s obrazem Kristovy tváře byl celý proveden v jedné souvislé řadě, začínající ve středu obrazu. Celá plastická forma přitom vznikla pouze zahuštěním této linie, přenášející pohyb šerosvitu.

První datovatelné rytiny na mědi pocházejí z poloviny 15. století, ale zručnost, s jakou byly zhotoveny, naznačuje, že rytina vznikla v novější době. rané období. Patrně počátkem 15. století byl vynalezen stroj pro tisk řezných rytin s vodorovným pohybem tisku pod válcovou hřídelí, designově velmi podobný modernímu metalografickému lisu, na kterém se obvykle tisknou lepty a jiné hlubotisky. ručně. Nasvědčuje tomu charakteristická černost a bohatost otisků nejstarších německých řezáků, které bylo možné získat pouze tiskem na vlhký papír a pod vysokým tlakem I

Zařízení pro tisk hlubotiskových rytin a samotný proces jejich tisku zachycuje lept slavného francouzského grafika 17. století Abrahama Bosse „Dílna mědiryteckého tiskaře“. Jedna z tiskařů vtlačí inkoust do zapuštěných čar na desce koženým tamponem, další setře nepotřebný inkoust z povrchu desky a třetí vytiskne otisk – desku s naneseným papírem doslova protáhne hlubotiskem. stiskněte. V zadní části studia jsou hotové tisky zavěšeny, aby uschly.

Vizuální možnosti mědirytu okamžitě přitáhly pozornost řady významných umělců a umění mědirytu se začalo rychle rozvíjet. Již ve 2. polovině 15. století bylo dosaženo vysoké umělecké a technické úrovně v rytinách takových německých grafiků jako „Mistr hrací karty“, který působil v letech 1435-1455, „Mistr E.S.“ (1450-1467) a Martin Schongauer (asi 1445-1491), dále italští malíři rané renesance, kteří se zabývali velkým množstvím rytin, Antonio Pollaiuolo (asi 1430-1498) a Andrea Mantegna (1431-1506) . Rytiny těchto mistrů se vyznačují jistotou a krásou kontur, které objímají formy, bohatostí a měkkostí tónu, který vzniká jemným a hustým kladením jemných tahů.

Další odrůda rytina z hloubky na kovu, který vznikl krátce po rytí, byl lept, který se zjevně objevil na samém přelomu 16. století v Německu a brzy poté v Itálii.

Pro leptání byla leštěná kovová deska pokryta vrstvou kyselinovzdorného laku, který byl původně vyroben ze směsi vosku a pryskyřice. Po vytvrzení laku byl jeho povrch zakouřen. Na tuto černou půdu, obvykle sangvinickou, která se na ní dobře vyjímala, se vtiskl nebo jinak přenesl obrys vzoru. Potom byla pomocí leptací jehly poškrábána půda až na povrch kovu, nyní byly vidět linie vzoru v barvě odkryté mědi. Prohlubování tahů se provádělo chemicky – leptáním kyselinami. Starý způsob návrhy leptů na zdobení kovových předmětů se tak staly službou grafiky.

Pohyblivost a pružnost leptaných linií je nesrovnatelně větší než u rytců. Zde již odpadá ona výrazná fyzická námaha, napětí celého vícekloubového mechanismu paže od ruky k rameni, které poutá volnost držení frézy. Správně nabroušená jehla klouže volně a rychle – možná ještě volněji než tužka nebo pero na papíře – prořezává měkkou leptanou půdu a vyjadřuje spontánnost umělcova tvůrčího impulsu. Leptání umožňuje aplikovat nejsvětlejší jemné stínování, narýsovat nejjemnější detaily obrazu a vytvářet jemné tonální přechody. Odlišné tempo práce dává vzniknout různým estetickým kvalitám; zde lze jednoduše a přímo dosáhnout nejširších obrazových efektů. Různé doby trvání leptání se sekvenčním lakováním těch oblastí desky, které by se již neměly leptat - takzvaný stupňovitý lept, který vynalezl francouzský rytec Jacques Callot (1592-1635), umožňuje získat tahy různých hloubek, které různé síly tónu - od světle stříbrné po sytou černou.

I když řezací rytina i lept jsou hlubotiskem, mezi jejich tiskovými formami je značný rozdíl. Čára vyřezaná na měděné desce drapákem je rovnoměrná drážka trojúhelníkového průřezu s hladkými stěnami. Poté, co rytec ostny začistí, okraje čar na povrchu desky budou také zcela hladké a v tisku budou působit častým a zřetelným dojmem Tečky různých tvarů vytažené rytcem mají stejně čistý okraj - ve tvaru diamantu, trojúhelníku atd. Právě střídání jasně definovaných pruhů a skvrn vytváří jedinečný stříbrný tón charakteristický pro rytí řezáků.

Leptaná čára leptu vypadá jinak. Kyselina neleptá kov všude rovnoměrně, navíc vlivem kyseliny kov místy koroduje. Proto se stejná čára v různých jejích částech zmenšuje, pak prohlubuje a její samotné vybrání v desce má nepravidelný, „vředovitý“ tvar. Kyselina také koroduje okraje čar na samotném povrchu desky, což jim dodává drsnost a zrnitost. Změnou doby trvání leptání a síly kyseliny lze získat linie nejrozmanitější povahy. Inkoust vybraný z takových čar při tisku na navlhčený papír není vytištěn tak čistě a jasně jako od řezačky, ale šťavnatější a s nerovnoměrně zrnitou texturou. Proto vedle grafické správnosti a čistoty incizální linie působí pro některé mistry samotná leptací linie mnohem malebněji. Některé leptače přitom touto technikou dosahovaly čistoty čar.

Jako v žádné jiné formě grafiky, pohyb leptové linie tak jasně odhaluje individuální kreslicí styl umělce, že největší mistři malby a kresby – stačí si vzpomenout na Parmigianina, Callota, Van Dycka, Ostade, Rembrandta, Tiepola, Fragonarda, Goyu, Manet, Whistler, Zorn, Valentina Šerová - jako autorská grafika použit lept. Leptání prošlo zvláštním rozvojem v 17. století v Holandsku, kde vznikl největší lept Rembrandt.

Vzhledem k přímému a improvizačnímu charakteru leptu může být jeho provedení často provázeno řadou náhod a překvapení, navíc leptaná deska snese menší oběh než rytá dlátem. Proto se pro účely reprodukce, kde byla vyžadována zvláštní přesnost práce, lept jako samostatná technika do 2. poloviny 19. století století byl používán poměrně málo.

Dalším improvizačním typem kovové rytiny vedle leptu je tzv. „suchá jehla“ - z hlediska pružnosti pohybu linky zaujímá mezilehlé místo mezi rytím a leptáním.

Přitom technicky velmi jednoduchým způsobem Leptací jehlou, bez jakéhokoli leptání, se design přímo vyškrábe na povrch leštěného plechu. První příklady „suché jehly“ byly nalezeny u německých rytců Schongauerovy éry. Na rozdíl od řezačky, která čistě odstraňuje proužek kovu z tloušťky desky, jehla pouze prorazí a poškrábe její povrch a ostny jsou zde obvykle zachovány, protože dávají zvláštní bohatost a krásu „suchému bodu“ dojem. Tahy „suché jehly“ mají relativně malou hloubku a pod tlakem během procesu tisku se ztrácejí rychleji než řezné nebo leptané tahy (ostny nejsnáze odlétají), což omezuje počet dobrých výtisků. Kvůli těmto vlastnostem se „suchá jehla“ používala jako samostatná tiskařská metoda poměrně zřídka, častěji v kombinaci s jinými metodami rytí do kovu.

První pokusy o kopírování kresby a malby rytinou byly učiněny v polovině nebo ve druhé polovině 15. století v Itálii a Německu.

Takže podle Vasariho příběhu vytvořil Sandro Botticelli celou sérii kresby speciálně pro jejich reprodukci v tisku. Botticelli však na rozdíl od Pollaiuola a Mantegny, kteří se grafice sami nevěnovali, pověřil rytím svých kreseb florentského zlatníka Baccia Baldiniho (1436?-1487), kterého Vasari řadí mezi zakladatele italského mědirytu.

Jistě každý člověk před významnými narozeninami svého přítele resp milovaného člověka Přemýšlel jsem o dárku. Opravdu je velmi těžké vybrat si věc, která by ohromila svou krásou a elegancí. Je příliš běžné kupovat si personalizované hrnky nebo portréty, obrazy nebo neobvyklé věci... Ale existuje cesta ven – rytina. Takový nádherný dárek, vyrobený na zakázku, s obrázkem nebo nápisem, lze nazvat skutečným uměleckým dílem, které nenechá nikoho lhostejným! Takový dárek přinese moře pozitivních emocí a dojmů a bude vypadat krásně v každém interiéru.

Stručná historie rytí kovů

Výrazná krása a sofistikovanost kovového rytí byla oceněna před několika tisíci lety. Archeologové v Eurasii našli mnoho bronzových předmětů pocházejících z prvního tisíciletí (šperky, dýky, nádobí a sekery), které mistři zdobili rytinami. Zpravidla se jednalo o dovedné vzory flóry a fauny, mystických tvorů a lidí. Po celou dobu formování ryteckého umění se zrodily dva umělecké směry: liniová a brnění. První se vyrábí technikou řezání ve formě obrysové čáry nebo tahy po hladkém, rovném kovovém povrchu. Druhým typem je rytina brnění - technika pro nanášení reliéfů s hloubkovým pozadím nebo s objemovým, konvexním zpracováním prvků, které jsou zobrazeny.

Kovové rytí se stalo v Evropě populární již v patnáctém století. Poté řemeslníci zpracovali kov pomocí frézy a štěrku, kterým nanášeli kresby na leštěnou kovovou desku. Prostřednictvím úderů a mechanického působení se design krok za krokem „přenesl“ na materiál a stal se skutečnou ozdobou.

Moderní kovové rytí

Vývoj technologií umožňuje moderní mistři provádět krásnou a rychlou aplikaci potřebných prvků na kov. Kovové rytí se v 21. století stává vlastní výroby, laserové a elektromechanické. Na tom závisí vzhled rytiny. Moderní technologie umožňují přesně a rafinovaně aplikovat každý tah na požadovaný prvek a vytvářet skutečná umělecká díla a řemeslníci, kteří si navzájem předávají dávná tajemství, doplňují práci o znalosti svých předků. Kovová rytina se tak nakonec stává skutečnou ozdobou a tím nejlepším dárkem!

Výhody kovového rytí jako dárek

V dnešní době se stává populární dávat krásné a sofistikované dárky. Gravírování je jedním z nich. Faktem je, že od pradávna sloužil jako vynikající způsob, jak udělat věc svého druhu jedinou svého druhu na světě, jedinečnou, nenapodobitelnou. Po vyrytí se obyčejný, vybledlý suvenýr stává jasným, nepřekonatelným a jedinečným. Pokud potřebný dárek pokryjete drahým kovem, stane se skutečným cenným dědictvím! Ano, takové potěšení není levné, ale opravdu stojí za to. Dokonce i jednoduchý nápis vyrobený na kovu bude hovořit o vynikající chuti a touze potěšit hrdinu této příležitosti něčím zvláštním. Takový dárek je pro všechny příležitosti, stane se nejen vzpomínkou, ale zaujme první místo a bude se předávat z generace na generaci!