Současní japonští umělci a jejich obrazy. Japonské malířství je nejstarší uměleckou formou

Což zahrnuje mnoho technik a stylů. Za celou historii své existence prošel velký počet změny. Přibyly nové tradice a žánry a zůstaly původní japonské principy. Spolu s úžasný příběh Japonská malba je také připravena představit mnoho jedinečných a zajímavých faktů.

Starověké Japonsko

První styly se objevují v nejstarších historické období zemí, dokonce před naším letopočtem. E. Tehdy bylo umění docela primitivní. Nejprve v roce 300 př.n.l. např. různé geometrické tvary, které byly prováděny na keramice pomocí tyčinek. Takový objev archeologů jako ozdoba na bronzových zvonech pochází z pozdější doby.

O něco později, již v roce 300 n.l. e. se objeví skalní malby, které jsou mnohem rozmanitější než geometrické vzory. Jedná se již o plnohodnotné snímky s obrázky. Byly nalezeny uvnitř krypt a pravděpodobně na těchto pohřebištích byli pohřbeni lidé, kteří jsou na nich namalováni.

V 7. století našeho letopočtu E. Japonsko přejímá písmo, které pochází z Číny. Zhruba ve stejné době odtud pocházely první obrazy. Poté se malba jeví jako samostatná sféra umění.

Edo

Edo není zdaleka první a ne poslední obraz, ale přinesl do kultury spoustu nového. Za prvé je to jas a barevnost, které byly přidány k obvyklé technice prováděné v černé a šedé tóny. Většina vynikající umělec Tento styl je považován za Sotasu. On vytvořil klasické obrazy, ale jeho postavy byly velmi pestré. Později přešel k přírodě a většina jeho krajin byla namalována na zlaceném pozadí.

Za druhé, v období Edo se objevila exotika, žánr namban. Používala moderní evropské a čínské techniky, které se prolínaly s tradičními japonskými styly.

A do třetice se objevuje škola Nanga. Umělci v něm nejprve díla zcela napodobují nebo dokonce kopírují čínští mistři. Poté se objeví nová větev, která se nazývá bunjing.

Období modernizace

Období Edo ustupuje Meidži a nyní je k tomu nucena japonská malba nová etapa rozvoj. V této době se po celém světě stávaly populární žánry jako western a podobně, takže modernizace umění se stala běžnou záležitostí. Nicméně v Japonsku, zemi, kde všichni lidé ctí tradice, daný čas situace byla výrazně odlišná od toho, co se dělo v jiných zemích. Konkurence mezi evropskými a místními techniky je zde tvrdá.

Vláda v této fázi dává přednost mladým umělcům, kteří se podřizují velké naděje zlepšit dovednosti v západních stylech. Posílají je tedy do škol v Evropě a Americe.

Ale to bylo jen na začátku období. Jde o to slavných kritiků dost kritizováno západní umění. Abyste se vyhnuli velkému rozruchu ohledně tohoto problému, evropské styly a techniky začaly být na výstavách zakázány, jejich vystavování ustalo, stejně jako jejich obliba.

Vznik evropských stylů

Následuje období Taisho. V této době mladí umělci, kteří odcházeli studovat do zahraniční školy, vrátit se do své vlasti. Přirozeně s sebou přinášejí nové styly japonské malby, které jsou velmi podobné té evropské. Objevuje se impresionismus a postimpresionismus.

V této fázi se formuje mnoho škol, ve kterých se oživují staré japonské styly. Ale úplně se zbavit západních tendencí je nemožné. Musíme proto zkombinovat několik technik, abychom potěšili jak milovníky klasiky, tak fanoušky moderní evropské malby.

Některé školy jsou financovány státem, díky čemuž je možné zachovat mnohé z národních tradic. Soukromí vlastníci jsou nuceni následovat spotřebitele, kteří chtěli něco nového, jsou unaveni klasikou.

Obraz z druhé světové války

Po začátku války zůstalo japonské malířství nějakou dobu stranou událostí. Vyvíjel se samostatně a nezávisle. Tohle ale nemohlo pokračovat donekonečna.

Postupem času, kdy se politická situace v zemi zhoršuje, přitahují vysoké a respektované osobnosti mnoho umělců. Někteří z nich začali tvořit ve vlasteneckých stylech ještě na začátku války. Zbytek začíná tento proces pouze na příkaz úřadů.

V souladu s tím se japonské výtvarné umění nemohlo rozvíjet zejména během druhé světové války. Proto pro malování lze nazvat stagnující.

Věčná Suibokuga

Japonská malba sumi-e neboli suibokuga doslova znamená „malba inkoustem“. To určuje styl a techniku tohoto umění. Pocházelo z Číny, ale Japonci se rozhodli nazvat jej svým vlastním. A zpočátku tato technika neměla žádnou estetickou stránku. Používali ho mniši k sebezdokonalování při studiu zenu. Navíc nejprve kreslili obrázky a následně trénovali koncentraci při jejich prohlížení. Mniši věřili, že přísné linie, rozmazané tóny a stíny - vše, co se nazývá monochromatické - pomáhají zlepšit.

Japonská malba tuší navzdory velká rozmanitost malby a techniky není tak složité, jak by se na první pohled mohlo zdát. Je založen pouze na 4 parcelách:

1. Chryzantéma.
2. Orchidej.
3. Švestková větev.
4. Bambus.

Malý počet zápletek neurychluje zvládnutí techniky. Někteří mistři věří, že učení trvá celý život.

Navzdory skutečnosti, že se sumi-e objevilo již dávno, je vždy žádané. Navíc dnes můžete mistry této školy potkat nejen v Japonsku, je rozšířena i daleko za jeho hranicemi.

Moderní období

Po skončení 2. světové války umění v Japonsku vzkvétalo až v r velká města, vesničané a vesničané dost starostí. Umělci se většinou snažili odvrátit od válečných ztrát a zobrazit moderní život na plátně. městský život se všemi jeho ozdobami a funkcemi. Evropské a americké myšlenky byly úspěšně přijaty, ale tento stav netrval dlouho. Mnoho mistrů se od nich začalo postupně vzdalovat směrem k japonským školám.

Vždy zůstal v módě. Proto se moderní japonská malba může lišit pouze technikou provedení nebo použitými materiály. Většina umělců ale různé novinky nevnímá dobře.

Není možné nezmínit módní moderní subkultury, jako jsou anime a podobné styly. Mnoho umělců se snaží smazat hranici mezi klasikou a tím, co je dnes žádané. Z velké části je tento stav způsoben komercí. Klasika a tradiční žánry se prakticky nekupují, proto je nerentabilní pracovat jako umělec ve svém oblíbeném žánru, musíte se přizpůsobit módě.

Závěr

Japonská malba je bezesporu pokladem výtvarné umění. Možná, že dotyčná země byla jediná, která se neřídila západními trendy a nepřizpůsobila se módě. Navzdory mnoha úderům během nástupu nových technik se japonští umělci stále dokázali bránit národní tradice v mnoha žánrech. Zřejmě proto jsou dnes na výstavách vysoce ceněny obrazy provedené v klasických stylech.

Japonská malba je naprosto unikátní hnutí ve světovém umění. Existuje od pradávna, ale jako tradice neztratila na oblibě a schopnosti překvapit.

Pozor na tradice

Východ není jen krajina, hory a vycházející slunce. To jsou také lidé, kteří vytvořili jeho příběh. Právě tito lidé po mnoho staletí podporovali tradici japonské malby, rozvíjeli a zdokonalovali své umění. Ti, kteří se významně zapsali do historie, jsou japonští umělci. Díky nim si moderní zachovaly všechny kánony tradiční japonské malby.

Způsob provádění obrazů

Na rozdíl od Evropy japonští umělci preferovali malbu blíže grafice než malbě. V takových obrazech nenajdete hrubé, nedbalé olejové tahy, které jsou tak charakteristické pro impresionisty. Jaká je grafická povaha takového umění, jako jsou japonské stromy, skály, zvířata a ptáci - vše na těchto obrazech je nakresleno co nejjasněji, s pevnými a sebevědomými inkoustovými liniemi. Všechny objekty v kompozici musí mít obrys. Vyplnění uvnitř obrysu se obvykle provádí vodovými barvami. Barva se vymyje, přidají se další odstíny a někde zůstane barva papíru. Dekorativnost je přesně to, co odlišuje japonské malby od umění celého světa.

Kontrasty v malbě

Kontrast je další charakteristickou technikou používanou japonskými umělci. Může to být rozdíl v tónu, barvě nebo kontrastu teplých a studených odstínů.

Umělec se k této technice uchýlí, když chce zvýraznit nějaký prvek předmětu. Může to být žíla na rostlině, samostatný okvětní lístek nebo kmen stromu proti obloze. Poté je znázorněno světlo, osvětlená část předmětu a stín pod ní (nebo naopak).

Přechody a barevná řešení

Při malování japonských obrazů se často používají přechody. Mohou být různé: například od jedné barvy k druhé. Na okvětních lístcích leknínů a pivoněk si můžete všimnout přechodu z světlý odstín do syté, jasné barvy.

Přechody jsou také použity v obrazu vodní hladiny a oblohy. Plynulý přechod od západu slunce do tmavého, prohlubujícího se soumraku vypadá velmi krásně. Při kreslení mraků se také používají přechody z různých odstínů a reflexů.

Základní motivy japonské malby

V umění je vše propojeno s skutečný život, s pocity a emocemi těch, kdo se na tom podílejí. Stejně jako v literatuře, hudbě a dalších projevech kreativity je i v malbě několik věčná témata. Tento historické předměty, obrazy lidí a přírody.

Japonské krajiny přicházejí v mnoha variantách. Na obrazech jsou často obrazy rybníků - oblíbený kus nábytku pro Japonce. Dekorativní jezírko, několik leknínů a bambus v okolí - tak to vypadá obyčejný obrázek 17.-18. století.

Zvířata v japonské malbě

Zvířata jsou také často se opakujícím prvkem v asijské malbě. Tradičně je to přikrčený tygr resp kočka domácí. Obecně jsou Asiaté velmi rádi, a proto se jejich zástupci nacházejí ve všech formách orientálního umění.

Svět fauny je dalším tématem, kterým se japonská malba řídí. Ptáci - jeřábi, dekorativní papoušci, luxusní pávi, vlaštovky, nenápadní vrabci a dokonce i kohouti - to vše se nachází na kresbách orientálních mistrů.

Ryby jsou stejně relevantním tématem pro japonské umělce. Koi kapři jsou japonská verze zlaté rybky. Tito tvorové žijí v Asii ve všech rybnících, dokonce i v malých parcích a zahradách. Koi kapr je druh tradice, která patří specificky do Japonska. Tyto ryby symbolizují boj, odhodlání a dosažení vašeho cíle. Ne nadarmo jsou zobrazeny plovoucí proudem, vždy s ozdobnými hřebeny vln.

Japonské malby: zobrazení lidí

Lidé v japonské malbě jsou zvláštním tématem. Umělci zobrazovali gejše, císaře, válečníky a starší.

Gejše jsou zobrazovány obklopené květinami, vždy na sobě mají propracovaný hábit s mnoha záhyby a prvky.

Mudrci jsou zobrazeni, jak sedí nebo něco vysvětlují svým studentům. Obraz starého vědce je symbolem historie, kultury a filozofie Asie.

Válečník byl vylíčen jako impozantní, někdy děsivý. Ty dlouhé byly detailně nakreslené a vypadaly jako drát.

Obvykle jsou všechny detaily brnění objasněny pomocí inkoustu. Nazí válečníci jsou často zdobeni tetováním zobrazujícím východní drak. Je symbolem síly a vojenská moc Japonsko.

Vládci byli zobrazováni pro císařské rodiny. Krásné róby, ozdoby do pánských vlasů jsou tím, čím taková umělecká díla oplývají.

Krajiny

Tradiční japonská krajina - hory. Asijským malířům se podařilo zobrazit různé krajiny: dokážou zobrazit stejný vrchol různé barvy, s jinou atmosférou. Jediné, co zůstává nezměněno, je povinná přítomnost květin. Obvykle spolu s horami umělec znázorní nějakou rostlinu v popředí a detailně ji nakreslí. Hory a třešňové květy. A pokud malují padající okvětní lístky, obraz vzbuzuje obdiv k jeho smutné kráse. Kontrast v atmosféře obrazu je další nádhernou kvalitou japonské kultury.

hieroglyfy

Kompozice obrazu v japonské malbě je často kombinována s psaním. Hieroglyfy jsou uspořádány tak, aby kompozičně vypadaly krásně. Obvykle jsou nakresleny vlevo nebo vpravo od malby. Hieroglyfy mohou představovat to, co je na obraze zobrazeno, jeho název nebo jméno umělce.

Japonsko je jednou z nejbohatších zemí na historii a kulturu. Japonci jsou po celém světě obecně považováni za pedanty, kteří nacházejí estetiku naprosto ve všech projevech života. Japonské malby jsou proto vždy velmi harmonické v barvě a tónu: pokud jsou cákance nějaké jasné barvy, je to pouze v sémantických centrech. Pomocí obrazů asijských umělců jako příkladu můžete studovat teorii barev, správnou reprezentaci formy pomocí grafiky a kompozici. Technika výkonu Japonské malby tak vysoké, že může sloužit jako příklad pro práci s akvarelem a provádění „mytí“ grafických prací.

Monochromatická malba Japonska je jedním z jedinečných fenoménů východního umění. Bylo tomu věnováno mnoho práce a výzkumů, ale často je vnímán jako velmi konvenční, někdy i dekorativní. Není tomu tak japonský umělec velmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetické složce jako na duchovní.

Umění Východu je syntézou vnějšího a vnitřního, explicitního a implicitního.

V tomto příspěvku bych chtěl věnovat pozornost nikoli historii monochromní malby, ale její podstatě. O tom si budeme povídat.

obrazovka "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

To, co vidíme na monochromatických obrazech, je výsledkem umělcovy interakce se základní triádou: papír, štětec, inkoust. Proto, abyste správně pochopili dílo, musíte pochopit samotného umělce a jeho postoj.

"Krajina" Sesshu, 1398 Papír pro japonského mistra to není snadné improvizovaný materiál , kterou podřizuje svému rozmaru, ale spíše naopak - je to „bratr“, a proto se podle toho vyvinul i postoj k ní. Papír je součástí okolní přírodu , ke kterému se Japonci vždy chovali s úctou a snažili se ji nepodmanit, ale mírumilovně s ní koexistovat. Papír byl v minulosti strom, který stál v určité oblasti, určitý čas , „viděla“ něco kolem sebe a ona si to všechno nechala. Japonský umělec tak materiál vnímá. Často se řemeslníci před zahájením práce dlouho dívali(přemýšleli o tom) a teprve potom začali malovat. I nyní moderní japonští umělci, kteří praktikují techniku ​​Nihon-ga (tradiční japonská malba), pečlivě vybírají papír. Kupují to na zakázku z papíren. Každý umělec má určitou tloušťku, propustnost vlhkosti a texturu (mnoho umělců dokonce uzavírá s majitelem továrny dohodu, že tento papír nebude prodávat jiným umělcům) – proto je každý obraz vnímán jako něco jedinečného a živého.

„Čtení v bambusovém háji“ Xubun, 1446.

Když už mluvíme o významu tohoto materiálu, stojí za zmínku následující slavných památek Japonská literatura jako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ i „Genji“ můžete najít zápletky, když si dvořané nebo milenci vyměňují zprávy. Papír, na kterém byly tyto vzkazy napsány, byl vhodného ročního období, odstínu a způsob psaní textu odpovídal jeho textuře.

"Murasaki Shikibu ve svatyni Ishiyama" Kyosen

Štětec- druhá složka je pokračováním mistrovy ruky (opět, toto je přírodní materiál). Štětce se proto vyráběly také na zakázku, nejčastěji však samotným umělcem. Vybral chloupky požadované délky, zvolil velikost kartáče a nejpohodlnější rukojeť. Mistr maluje pouze vlastním štětcem a žádným jiným. (Z osobní zkušenost: navštěvoval mistrovský kurz čínský umělec Jiang Shilun, publikum ho požádalo, aby ukázal, co dokážou jeho studenti, kteří byli přítomni na mistrovské třídě, a každý z nich, když zvedl mistrův štětec, řekl, že výsledek nebude takový, jaký očekávali, protože štětec nebyl jejich. , nebyli na to zvyklí a nevědí, jak to správně používat).

"Fuji" inkoustová skica od Katsushika Hokusai

Řasenka- třetí důležitý prvek. Řasenka se stane různé typy: po zaschnutí může dát lesklý nebo matný efekt, možná s příměsí stříbrných nebo okrových odstínů, proto správná volbařasenka také není nedůležitá.

Yamamoto Baitsu, konec XVIII- XIX století.

Hlavním námětem monochromní malby jsou krajiny. Proč v nich nejsou žádné barvy?

Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku

Za prvé, japonského umělce nezajímá objekt samotný, ale jeho podstata, určitá složka, která je společná všemu živému a vede k harmonii mezi člověkem a přírodou. Obraz je tedy vždy nápovědou, je adresován našim smyslům, nikoli zraku. Podcenění je podnětem k dialogu, a tedy spojení. Linie a skvrny jsou v obraze důležité – tvoří se umělecký jazyk. To není svoboda mistra, který zanechal tučnou stopu, kde chtěl, ale na jiném místě naopak podkreslil - vše na obrázku má svůj význam a význam a není náhodné.

Za druhé, barva v sobě vždy nese nějakou emocionální konotaci a je vnímána jinak různí lidé v různých stavech proto emocionální neutralita umožňuje divákovi co nejpřiměřeněji vstoupit do dialogu, umístit ho pro vnímání, kontemplaci a myšlení.

Za třetí, jedná se o interakci jin a jang, jakýkoli monochromatický obraz je harmonický z hlediska poměru inkoustu k nedotčené ploše papíru.

Proč je většina papírového prostoru nevyužita?

"Krajina" Xubun, polovina 15. století.

Za prvé, prázdný prostor ponoří diváka do obrazu; za druhé vzniká obraz, jako by na okamžik vyplaval na povrch a chystal se zmizet – to souvisí se světonázorem a světonázorem; za třetí, v těch oblastech, kde není inkoust, vystupuje do popředí textura a odstín papíru (ne vždy je to na reprodukcích vidět, ale ve skutečnosti jde vždy o interakci dvou materiálů - papíru a inkoustu).

Sesshu, 1446

Proč krajina?

„Kontemplace o vodopádu“ Gayami, 1478

Podle japonského světonázoru je příroda dokonalejší než člověk, proto se z ní musí poučit, všemožně ji chránit a neničit a nepodrobovat.

Proto v mnoha krajinách můžete vidět malé obrazy lidí, ale vždy jsou bezvýznamné, malé ve vztahu ke krajině samotné, nebo obrazy chat, které zapadají do prostoru kolem nich a nejsou ani vždy patrné - to vše jsou symboly světonázor.

"Roční období: Podzim a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481

Závěrem chci říci, že monochromní japonská malba není chaoticky rozstříknutý inkoust, není to rozmar vnitřního ega umělce - je to celý systém obrazů a symbolů, je to úložiště filozofického myšlení, a co je nejdůležitější, způsob komunikace a harmonizace sebe a světa kolem nás.

Zde jsou, myslím, odpovědi na hlavní otázky, které se v divákovi vynořují, když čelí monochromní japonské malbě. Doufám, že vám pomohou to nejsprávněji pochopit a vnímat, když se potkáte. Každá země má své hrdiny současné umění

, jejíž jména jsou známá, jejíž výstavy přitahují davy fanoušků a zvědavců a jejichž díla jsou prodávána do soukromých sbírek. V tomto článku vám představíme ty nejoblíbenější současných umělců

Japonsko.

Keiko se narodila v Kjótu a jako dítě vyhrála mnoho vítězství. výtvarné soutěže, Ale vysokoškolské vzdělání V oblasti umění jsem to vůbec nepochopil. Pracovala v oddělení mezinárodních vztahů japonské městské obchodní organizace v Tokiu, velké právnické firmě v San Franciscu a soukromé poradenské firmě v San Diegu a hodně cestovala. Počínaje rokem 2003 opustila zaměstnání a po vystudování základů akvarelu v San Diegu se věnovala výhradně umění.

Ikenaga Yasunari

Japonský umělec Ikenaga Yasunari maluje portréty moderní ženy ve starověku Japonská tradice malba pomocí štětce Menso, minerálních pigmentů, sazí, inkoustu a lnu jako podkladu. Její postavy jsou ženy naší doby, ale díky Nihonga stylu máte pocit, že k nám přicházely odnepaměti.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistický umělec, který zvládl technika akvarelu. Abe lze nazvat umělcem-filozofem: zásadně nemaluje slavné památky, dává přednost subjektivní kompozice, odrážející vnitřní stavy osoba, která je sleduje.

Hiroko Sakai

Kariéra umělkyně Hiroko Sakai začala na počátku 90. let ve městě Fukuoka. Po absolvování Seinan Gakuin University a francouzské Nihon School of Interior Design v oboru designu a vizualizace založila Atelier Yume-Tsumugi Ltd. a úspěšně řídil tento ateliér 5 let. Mnohé z jejích děl zdobí nemocniční vestibuly a kanceláře. velké korporace a některé obecní budovy v Japonsku. Po přestěhování do Spojených států začala Hiroko malovat oleji.

Riusuke Fukahori

Trojrozměrná díla Riusukiho Fukahoriho připomínají hologramy. Jsou hotové akrylová barva, nanášený v několika vrstvách a průhledná pryskyřičná kapalina - to vše, aniž by vyjímalo tradiční metody, jako je kreslení stínů, změkčování okrajů, kontrola průhlednosti, umožňuje Riusuki vytvářet sochařská malba a dává dílu hloubku a realističnost.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijící a pracující v Anglii.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu si jako základ pro svou kreativitu vybral téma, které je pro všechny strany výhodné – kreslí kočky. Jeho obrázky jsou oblíbené po celém světě, zejména ve formě hlavolamů.

Tetsuya Mishima

Většina obrazů je moderní japonský umělec Mishima se vyrábí v oleji. Malování se věnuje profesionálně od 90. let a má jich několik osobní výstavy a velké množství kolektivních výstav, japonských i zahraničních.

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejznámějších a talentovaných umělců modernost. A věřte, že jejich díla zůstanou ve vaší paměti neméně hluboce než díla mistrů z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je současný polský umělec. Dostudoval na Slezském polytechnickém institutu, ale spojil se s. V v poslední době kreslí hlavně ženy. Zaměřuje se na vyjádření emocí, snaží se jednoduchými prostředky dosáhnout co největšího účinku.

Miluje barvy, ale často k dosažení používá odstíny černé a šedé nejlepší zážitek. Nebojte se experimentovat s různými novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang - moderní americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrostl v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 s vyznamenáním promoval na Art Center College of Design v Pasadeně, kde získal titul BFA. V následujících dvou desetiletích pracoval jako ilustrátor různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než se v roce 2009 vydal na dráhu profesionálního umělce.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové ​​obrazy a obrazy zobrazující lidi při práci. Jeho zájem o tento styl malby sahá až k dílu umělce 16. století Johannese Vermeera a sahá do námětů, autoportrétů, portrétů rodinných příslušníků, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domovů. Jeho cílem je realistické malby vytvářet náladu a emoce pomocí manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu na tradiční výtvarné umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Oil Painters of America, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 má příležitost získat toto ocenění. Warren v současnosti žije v Monterey a pracuje ve svém ateliéru a také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Získal diplom ze scénografie na Institutu umění ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané malby mají kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci umocňuje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Animované a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neschovávají za oponu, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v polských Gliwicích, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, takže raný věk, umělecká činnost získal plnou podporu od obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde byl učitel školy a umělkyně Katie Gaggliardi na částečný úvazek vyzvala Alkasandera, aby se zapsal umělecká škola. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee ve Wisconsinu, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po promoci v roce 1995 s bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, aby navštěvoval School of Fine Arts, jejíž metody jsou založeny na kreativitě. Jacques-Louis David. Figurální realismus a portrétování byli většina z Balosova díla v 90. letech a na počátku 21. století. Dnes Balos používá lidská postava s cílem zvýraznit vlastnosti a ukázat nedostatky lidská existence aniž by nabízel nějaké řešení.

Námětové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak obrazy získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se námět jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější malířské metody, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály existence prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks – moderní americký umělec. Narozen v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování jsem se začal zajímat, když jsem byl ještě dítě. Studoval na New School v New Yorku a státní univerzitě Montclair a absolvoval Boston College v roce 1999 s titulem B.A. Současně studovala malbu na akademii Lorenza de' Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v magisterském studijním programu na New York Academy of Art, na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Nějakou dobu přednášela na univerzitách a vzdělávací instituce po celé zemi vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, zkresluji lidské tělo. Tyto filtry vám umožní vytvořit velké plochy abstraktního designu, skrz které pronikají ostrůvky barev – části lidského těla.

Moje obrazy se mění moderní vzhled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Pozornému divákovi by mohly leccos říci o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy se tisknou ke sklu sprchového okna, deformují svá vlastní těla a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy se mísí tak, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka však úžasné fyzikální vlastnosti olejová barva. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím bod, kdy se abstraktní tahy štětcem stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a věřil jsem, že své obrazy musím udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a odhalovat rozpory sám o sobě. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se střetává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

Italský umělec –“ Pozorovatel času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt také v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Pozorovatel času„Antonio Finelli nás vezme na věčnou cestu skrz vnitřní svět lidská dočasnost a s tím spojená pečlivá analýza tohoto světa, jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které na kůži zanechává.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svá díla jednou věcí, běžné jméno: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času v člověku.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě a tři roky v Anglii a Francii. Vystudovala dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom restaurátorky umění. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku ​​poznala v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a renesanční realismus. Její oblíbená umělec Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Černov - talentovaný Ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování Charkova umělecká škola v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a pracuje. Studoval také v Charkově státní akademii design a umění, obor grafika, absolvoval v roce 2004.

Pravidelně se účastní umělecké výstavy, na momentálně se jich uskutečnilo více než šedesát, a to jak na Ukrajině, tak v zahraničí. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresby tužkou jsou jednou z jeho nejoblíbenějších malířských metod, seznam jeho témat kresby tužkou je také velmi rozmanitý, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantazie.