Abstraktní styl. Abstraktní kompozice (principy zobrazování lidských pocitů)

Abstraktní umění dostalo svůj název z latiny – Abstractus, což znamená abstraktní, tedy neobjektivní. To je jedna z oblastí umění, která záměrně zříká se obrazu skutečného světa a předměty z reálného světa. Hlavním kánonem abstrakce je vyjádření pocitů, emocí, zážitků pomocí obrazů, symbolů a smyslné kombinace barev. Abstraktní umění není samostatný styl nebo žánr, ale spíše kombinace různých směrů v umění, jako je op art, expresionismus a další. Jako oficiální vznikla pravděpodobně v roce 1910 ve Francii, kde se bouřlivě rozvíjela, až si podmanila celý svět. Za zmínku také stojí, že se to týká nejen malířství, ale také sochařství, designu a dokonce i architektury. Po druhé světové válce se tento styl umění vyvinul pod názvem Tachisme, takže pro ty, kteří nevědí, jsou Tachisme a Abstract art synonyma. V Rusku byl rozvoj abstraktního umění všemožně brzděn a dokonce i v dobách komunistické moci byly jakékoli jeho projevy perzekuovány jako nevhodné pro komunistickou ideologii.

Pokud potřebujete péči o svůj byt nebo kancelář, pak d-clean.ru poskytne veškeré služby. Úklid, chemické čištění, mytí oken a okenních rámů vás zbaví starostí o domácnost a za práci zaplatíte méně než běžná hospodyně.

Abstraktní expresionismus

Abstraktní expresionismus, jak se newyorská škola vyvíjela v Americe. Během druhé světové války emigrovali do Ameriky téměř všichni avantgardní umělci, včetně Andre Bretona, Salvadora Dalího a mnoha dalších. Už tam spojením jejich úsilí vzniká tzv. škola abstraktního expresionismu. Tento typ malby vyznačující se rychlým obrazem, pomocí velkých štětců, často prováděných tahy nebo kapkami, to vše je děláno pro jednu věc - zprostředkovat nějaký druh emocí nebo silného výrazu. Abstraktní expresionismus je v podstatě malován na velká monumentální plátna. Tak velké měřítko a některá plátna dosahovala délky pěti metrů, vzrušuje divákovu představivost. Mnoho umělců vidělo tento druh umění po svém, každý měl svůj vlastní styl. Gorkij například do svých obrazů přidal nějaké plovoucí postavy nebo, jak se jim říkalo, hybridy. Jackson Pollock jednoduše rozprostřel na podlahu plátno a potřísnil ho barvou. Následně se tomuto stylu říkalo Dripping (kapání). Mark Rothko maloval přes svá plátna velkými barevnými plochami, přičemž mezi nimi nechával nenabarvené plochy, což vzbudilo v divákovi zájem a probudilo fantazii. Frank Stella experimentoval se samotnými plátny, ořezával rohy nebo je přetvářel na mnohoúhelníky. Abstraktní expresionisté tak dosáhli úplného opaku svého umění a umění tradiční malby.

Abstraktní umění v umění

Abstraktní umění nebo neobjektivní umění. Jedna z forem avantgardy, která se objevila v první polovině 20. století. Hlavním kritériem abstrakcionismu bylo odříkání a odmítání zobrazovat skutečný svět, skutečné věci a události. Zakladateli tohoto zajímavého hnutí byli V. Kandinskij, P. Mondrian a K. Malevich. Výskyt abstrakcionismu v umění, který nahradí běžný realismus, předpověděl Platón a jevil se jako určitý vzor nudné běžné malby a jiné avantgardy (surrealismus, dada). A tak se také stalo. Tento žánr se často vyznačuje silnou impulzivitou, zdánlivě náhodnými barevnými kombinacemi.

Jednohlavňový vzor, William Morris

„Abstraktní umění“, také nazývané „nefigurativní umění“, „nefigurativní“, „nereprezentativní“, „geometrická abstrakce“ nebo „konkrétní umění“, je poněkud vágní zastřešující termín pro jakýkoli obraz nebo sochu, která nezobrazuje rozpoznatelné předměty nebo scény. Jak však vidíme, neexistuje jasný konsensus ohledně definice, typů nebo estetického významu abstraktního umění. Picasso si myslel, že nic takového vůbec neexistuje, zatímco někteří historici umění věří, že všechno umění je abstraktní – protože například žádný obraz nemůže doufat, že bude něčím víc než hrubým shrnutím toho, co člověk vidí jako umělce. Navíc existuje posuvná škála abstrakce, od poloabstraktní po plně abstraktní. Takže zatímco teorie je poměrně jasná – abstraktní umění je odtrženo od reality – praktický úkol oddělit abstraktní díla od neabstraktních může být mnohem problematičtější.

Jaká je myšlenka abstraktního umění?

Začněme velmi jednoduchým příkladem. Vezměme si špatnou (nepřirozenou) kresbu něčeho. Provedení obrazu ponechává mnoho přání, ale pokud jsou jeho barvy krásné, design nás může ohromit. To ukazuje, jak formální kvalita (barva) může přepsat reprezentativní kvalitu (kresbu).
Na druhou stranu fotorealistická malba řekněme domu může vykazovat vynikající grafiku, ale námět, barevnost a celková kompozice může být úplně nudná.
Filosofické zdůvodnění oceňování uměleckých formálních kvalit vychází z Platónova tvrzení, že: „Přímky a kruhy... jsou nejen krásné... ale věčné a naprosto krásné.“

Konvergence, Jackson Pollock, 1952

Platónovo rčení v podstatě znamená, že nenaturalistické obrazy (kruhy, čtverce, trojúhelníky atd.) mají absolutní, neměnnou krásu. Malbu lze tedy ocenit pouze pro svou linii a barevnost, nemusí zobrazovat přírodní objekt nebo scénu. Francouzský umělec, litograf a teoretik umění Maurice Denis (1870-1943) měl na mysli totéž, když napsal: „Pamatujte si, že obraz je, než se z něj stane válečný kůň nebo nahá žena...v podstatě plochý povrch pokrytý barva shromážděná v určitém pořadí."

Frank Stella

Druhy abstraktního umění

Abychom to zjednodušili, můžeme abstraktní umění rozdělit do šesti hlavních typů:

Křivočaré
Na základě barvy nebo světla
Geometrický
Emocionální nebo intuitivní
Gestální
Minimalistický

Některé z těchto typů jsou méně abstraktní než jiné, ale všechny zahrnují oddělení umění od reality.

Křivočaré abstraktní umění

Zimolez, William Morris, 1876

Tento typ je silně spojen s keltským uměním, které využívá řadu abstraktních motivů včetně uzlů (osm hlavních typů), propletených vzorů a spirál (včetně triskele nebo triskelionu). Tyto motivy nebyly vynalezeny Kelty, mnoho jiných raných kultur používala tyto keltské vzory v průběhu staletí. Je však spravedlivé říci, že keltští designéři vdechli těmto vzorům nový život a učinili je složitějšími a složitějšími. Později se vrátily během 19. století a byly zvláště patrné na knižních obálkách, látkách, tapetách a chintzových vzorech, jako jsou práce Williama Morrise (1834-96) a Arthura Maczmurda (1851-1942). Křivočará abstrakce se také vyznačuje konceptem „nekonečné malby“ – rozšířeným rysem islámského umění.

Abstraktní umění založené na barvě nebo světle

Leknín, Claude Monet

Tento typ je ilustrován v dílech Turnera a Moneta, kteří používají barvu (nebo světlo) takovým způsobem, aby oddělili umělecké dílo od reality, když se objekt rozpustil ve víru pigmentu. Příklady zahrnují obrazy Leknín od Clauda Moneta (1840-1926), Talisman (1888, Musee d’Orsay, Paříž), Paul Seruzier (1864-1927). Několik Kandinského expresionistických obrazů během jeho působení s Der Blaue Reiter má velmi blízko k abstrakci. Barevná abstrakce se znovu objevila na konci 40. a 50. let ve formě barevné malby vyvinuté Markem Rothkem (1903-70) a Barnettem Newmanem (1905-70). V padesátých letech se ve Francii objevila paralelní paleta abstraktní malby související s barvou, známá jako lyrická abstrakce.

Talisman, Paul Seruzier

Geometrické abstrakce

Boogie-Woogie na Broadwayi, Piet Mondrian, 1942

Tento typ intelektuálního abstraktního umění existuje od roku 1908. Ranou základní formou byl kubismus, konkrétně analytický kubismus, který odmítal lineární perspektivu a iluzi prostorové hloubky v malbě, aby se zaměřil na její dvourozměrné aspekty. Geometrická abstrakce je také známá jako konkrétní umění a umění bez objektů. Jak by se dalo očekávat, vyznačuje se nenaturalistickými obrazy, obvykle geometrickými tvary, jako jsou kruhy, čtverce, trojúhelníky, obdélníky atd. V jistém smyslu, neobsahující absolutně žádný odkaz nebo spojení s přírodním světem, je geometrický abstrakcionismus nejčistší. forma abstrakce. Dalo by se říci, že konkrétní umění je pro abstraktní umění tím, čím je veganství pro vegetariánství. Geometrickou abstrakci reprezentuje Černý kruh (1913, Státní ruské muzeum, Petrohrad), maloval ho Kazimir Malevič (1878-1935) (zakladatel suprematismu); Boogie-Woogie na Broadwayi (1942, MoMA, New York) Piet Mondrian (1872-1944) (zakladatel neoplasticismu); a Skladba VIII (The Cow) (1918, MoMA, New York) Theo Van Doesburg (1883-1931) (zakladatel De Stijl a Elementarism). Mezi další příklady patří díla Address to the Square od Josefa Alberse (1888-1976) a Op-Art od Victora Vasarelyho (1906-1997).

Černý kruh, Kazimir Malevich, 1920

Kompozice VIII, Theo Van Doesburg

Emocionální nebo intuitivní abstraktní umění

Tento typ umění zahrnuje kombinaci stylů, jejichž společným tématem je naturalistická tendence. Tento naturalismus se projevuje v použitých tvarech a barvách. Na rozdíl od geometrické abstrakce, která je téměř proti přírodě, intuitivní abstrakce často zobrazuje přírodu, ale méně reprezentativním způsobem. Dva důležité zdroje pro tento typ abstraktního umění jsou: organická abstrakce (také nazývaná biomorfní abstrakce) a surrealismus. Snad nejznámějším umělcem specializujícím se na tuto uměleckou formu byl ruský narozený Mark Rothko (1938-70). Mezi další příklady patří Kandinského obrazy jako Kompozice č. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) a Kompozice VII (1913, Treťjakovská galerie); Žena (1934, Soukromá sbírka) od Joana Miró (1893-1983) a Neurčitá dělitelnost (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) od Yvese Tanguye (1900-55).

Nekonečná dělitelnost, Yves Tanguy

Gesturální (gestické) abstraktní umění

Bez názvu, D. Pollock, 1949

Jedná se o formu abstraktního expresionismu, kde se proces tvorby obrazu stává důležitějším než obvykle. Například barva se nanáší neobvyklým způsobem, tahy jsou často velmi volné a rychlé. Mezi významné americké zastánce gestické malby patří Jackson Pollock (1912-56), vynálezce Action-Painting, a jeho manželka Lee Krasner (1908-84), která ho inspirovala k vynalezení vlastní techniky, tzv. „drip painting“; Willem de Kooning (1904-97), známý pro svou práci v seriálu Žena; a Robert Motherwell (1912-56). V Evropě tuto formu zastupuje skupina Cobra, konkrétně Karel Appel (1921-2006).

Minimalistické abstraktní umění

Učíme se kreslit, Ed Reinhardt, 1939

Tento typ abstrakce byl druhem avantgardního umění, zbaveného všech vnějších odkazů a asociací. To je to, co vidíte - a nic víc. Často nabývá geometrického tvaru. Tomuto hnutí dominují sochaři, i když zahrnuje také některé velké umělce jako Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (nar. 1936), jejichž obrazy jsou velkého rozsahu a zahrnují shluky forem a barev; Sean Scully (narozen 1945) Irsko-americký umělec, jehož obdélníkové tvary barev jako by napodobovaly monumentální formy prehistorických staveb. Dále Joe Baer (nar. 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (nar. 1937), Brice Marden (nar. 1938), Agnes Martin (1912-2004) a Robert Ryman (nar. 1930).

Elsworth Kelly

Frank Stella

Abstrakce je styl nebo směr v malbě. Abstrakce nebo abstraktní žánr znamená odmítnutí zobrazovat skutečné věci a formy. Abstrakce je zaměřena na vyvolání určitých emocí a asociací v člověku. Pro tyto účely se malby v abstraktním stylu snaží vyjádřit harmonii barev, tvarů, linií, skvrn a tak dále. Všechny tvary a barevné kombinace, které se nacházejí v obvodu obrazu, mají myšlenku, svůj výraz a význam. Bez ohledu na to, jak se to divákovi může zdát, při pohledu na obraz, kde kromě čar a skvrn není nic, vše v abstrakci podléhá určitým výrazovým pravidlům.

Dnes je abstrakce tak široká a rozmanitá, že se sama dělí na mnoho druhů, stylů a žánrů. Každý umělec nebo skupina umělců se snaží vytvořit něco svého, něco zvláštního, co by nejlépe zasáhlo pocity a pocity člověka. Dosáhnout toho bez použití rozpoznatelných postav a předmětů je velmi obtížné. Z tohoto důvodu si plátna abstraktních umělců, která skutečně vzbuzují zvláštní vjemy a žasnou nad krásou a výrazností abstraktní kompozice, zaslouží velkou úctu a umělec sám je považován za skutečného génia malby.

Předpokládá se, že abstraktní malba byla vynalezena a vyvinuta velkým ruským umělcem. Jeho následovníci byli také, kteří nejen zkoumali filozofii abstraktního umění, ale také vyvinuli nový směr v tomto žánru - rayismus. dále „zdokonalil“ techniku abstrakce, dosáhl úplné neobjektivity, která se nazývala suprematismus. Neméně slavní abstrakcionisté byli: Piet Mondrian, Mark Rothko, Barnett Neumann, Adolph Gottlieb a mnoho dalších.

Abstraktní malba, která doslova vyhodila do povětří umělecký svět a stala se symbolem začátku nové éry. Tato éra znamená úplný přechod od rámců a omezení k úplné svobodě projevu. Umělec již není ničím vázán, dokáže malovat nejen lidi, všední a žánrové výjevy, ale dokonce i myšlenky, emoce, vjemy a využít k tomu jakoukoli formu vyjádření. Abstrakce jako malba osobní zkušenosti zůstávala dlouho pod zemí. Stejně jako mnoho jiných žánrů malby v historii bylo zesměšňováno a dokonce odsuzováno a cenzurováno jako umění bez jakéhokoli významu. Postupem času se však pozice abstrakce změnila a nyní existuje na stejné úrovni jako všechny ostatní formy umění.

V. Kandinsky - Několik kruhů

V. Kandinskij – Skladba VIII

Willem de Kooning - Složení

Abstraktní umění (lat. abstractio– odstranění, rozptýlení) popř nefigurativní umění- umělecký směr, který upustil od zobrazování forem blízkých skutečnosti v malbě a sochařství. Jedním z cílů abstraktního umění je dosáhnout „harmonizace“ zobrazením určitých barevných kombinací a geometrických tvarů, vyvolávajících v divákovi pocit úplnosti a úplnosti kompozice. Významné postavy: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova a Michail Larionov, Piet Mondrian.

Příběh

Abstrakce(umění ve znamení „nulových forem“, neobjektivní umění) je umělecký směr, který se zformoval v umění první poloviny 20. století a zcela odmítal reprodukovat formy skutečného viditelného světa. Za zakladatele abstraktního umění je považován V. Kandinskij , P. Mondrian A K. Malevič.

V. Kandinsky vytvořil svůj vlastní typ abstraktní malby, osvobozující impresionistické a „divoké“ skvrny od jakýchkoli známek objektivity. Piet Mondrian dospěl ke své neobjektivitě geometrickou stylizací přírody iniciovanou Cézannem a kubisty. Modernistická hnutí 20. století, zaměřená na abstrakci, se zcela odklánějí od tradičních principů, popírají realismus, ale zároveň zůstávají v rámci umění. Dějiny umění zažily revoluci s příchodem abstraktního umění. Ale tato revoluce nevznikla náhodou, ale zcela přirozeně a předpověděl ji Platón! Ve svém pozdním díle Philebus psal o kráse linií, povrchů a prostorových forem samy o sobě, nezávisle na jakékoli imitaci viditelných předmětů, od jakékoli mimesis. Tento druh geometrické krásy, na rozdíl od krásy přírodních „nepravidelných“ forem, není podle Platóna relativní, ale bezpodmínečný, absolutní.

20. století a moderní doba

Po 1. světové válce 1914-18 se tendence abstraktního umění často projevovaly v jednotlivých dílech představitelů dadaismu a surrealismu; Zároveň se objevila touha najít uplatnění pro nefigurativní formy v architektuře, dekorativním umění a designu (experimenty skupiny Style a Bauhaus). Několik skupin abstraktního umění („Betonové umění“, 1930; „Kruh a čtverec“, 1930; „Abstrakce a kreativita“, 1931), sdružující umělce různých národností a hnutí, vzniklo na počátku 30. let především ve Francii. Abstraktní umění se však v té době nerozšířilo a do poloviny 30. let. skupiny se rozpadly. Během druhé světové války 1939–45 vznikla v USA škola tzv. abstraktního expresionismu (malíři J. Pollock, M. Tobey atd.), která se po válce rozvinula v mnoha zemích (pod názvem tachisme či „beztvaré umění“) a za svou metodu hlásala „čistý mentální automatismus“ a subjektivní podvědomou impulzivitu kreativity, kult nečekaných kombinací barev a textur.

Ve druhé polovině 50. let vznikl ve Spojených státech instalační umění a pop art, který poněkud později proslavil Andyho Warhola svým nekonečným kolováním portrétů Marilyn Monroe a konzervami psího žrádla – kolážovým abstrakcionismem. Ve výtvarném umění 60. let se prosadila nejméně agresivní, statická forma abstrakce, minimalismus. Pak Barnett Newman, zakladatel amerického geometrického abstraktního umění spolu s A. Liberman, A. Held A K. Nolandúspěšně se zapojil do dalšího rozvoje myšlenek holandského neoplasticismu a ruského suprematismu.

Další směr americké malby se nazývá „chromatický“ nebo „post-malířský“ abstrakcionismus. Její představitelé se do jisté míry inspirovali fauvismem a postimpresionismem. Rigidní styl, důrazně ostré obrysy díla E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella postupně ustoupil obrazům kontemplativní melancholické povahy. V 70. a 80. letech se americká malba vrátila k figurativnosti. Navíc se rozšířil tak extrémní projev jako fotorealismus. Většina historiků umění se shoduje, že 70. léta jsou pro americké umění okamžikem pravdy, protože se v tomto období konečně osvobodilo od evropského vlivu a stalo se ryze americkým. Navzdory návratu tradičních forem a žánrů, od portrétu k historické malbě, však abstrakcionismus nezmizel.

Obrazy a díla „nereprezentativního“ umění vznikaly jako dříve, neboť návrat k realismu v USA nepřekonal abstrakcionismus jako takový, ale jeho kanonizace, zákaz figurativního umění, který byl ztotožňován především s naším socialistickým realismem. , a proto nemohlo být ve „svobodné demokratické“ společnosti považováno za odporné, zákaz „nízkých“ žánrů, na společenské funkce umění. Styl abstraktní malby zároveň získal jistou měkkost, která mu dříve chyběla - zjednodušené objemy, rozmazané kontury, bohatost polotónů, jemná barevná schémata ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

Všechny tyto směry položily základ pro rozvoj moderního abstrakcionismu. V kreativitě nemůže být nic zmrazené nebo konečné, protože to by pro ni byla smrt. Ale bez ohledu na to, jakou cestou se abstrakcionismus vydá, bez ohledu na to, jakými proměnami prochází, jeho podstata zůstává vždy nezměněna. Abstrakce ve výtvarném umění je nejpřístupnějším a nejušlechtilejším způsobem, jak zachytit osobní existenci, a to formou, která je nejvhodnější – jako faksimilní tisk. Zároveň je abstrakcionismus přímou realizací svobody.

Pokyny

V abstrakcionismu lze rozlišit dva jasné směry: geometrickou abstrakci, založenou především na jasně definovaných konfiguracích (Malevich, Mondrian), a abstrakci lyrickou, v níž je kompozice organizována z volně plynoucích forem (Kandinsky). V abstraktním umění existuje také několik dalších velkých nezávislých hnutí.

Kubismus

Avantgardní hnutí ve výtvarném umění, které vzniklo na počátku 20. století a je charakteristické používáním důrazně konvenčních geometrických forem, touhou „rozdělit“ skutečné objekty na stereometrická primitiva.

regionalismus (rayismus)

Pohyb v abstraktním umění 10. let, založený na posunu světelných spekter a prostupu světla. Myšlenka vzniku forem z „průsečíku odražených paprsků různých objektů“ je charakteristická, protože to, co člověk ve skutečnosti vnímá, není samotný objekt, ale „součet paprsků pocházejících ze zdroje světla a odražených od objekt."

Neoplasticismus

Označení hnutí abstraktního umění, které existovalo v letech 1917–1928. v Holandsku a sjednocené umělce seskupené kolem časopisu „De Stijl“ („Style“). Charakteristické jsou jasné pravoúhlé tvary v architektuře a abstraktní malba v uspořádání velkých pravoúhlých rovin, malované v primárních barvách spektra.

Orfismus

Směr ve francouzském malířství 10. let 20. století. Orfisté se snažili vyjádřit dynamiku pohybu a hudebnost rytmů pomocí „pravidel“ prolínání základních barev spektra a vzájemného průniku zakřivených ploch.

Suprematismus

Hnutí v avantgardním umění založené v 10. letech 20. století. Malevich. Vyjadřovalo se v kombinacích vícebarevných rovin nejjednodušších geometrických tvarů. Kombinace pestrobarevných geometrických tvarů tvoří vyvážené asymetrické suprematistické kompozice prostoupené vnitřním pohybem.

Tachisme

Hnutí v západoevropském abstraktním umění 50.–60. let, které se nejvíce rozšířilo ve Spojených státech. Je to malba se skvrnami, které nevytvářejí obrazy reality, ale vyjadřují nevědomou aktivitu umělce. Tahy, čáry a skvrny v tachismu se aplikují na plátno rychlými pohyby ruky bez předem promyšleného plánu.

Abstraktní expresionismus

Pohyb umělců malujících rychle a na velká plátna, pomocí negeometrických tahů, velkých štětců, někdy kapání barvy na plátno k plnému odhalení emocí. Expresivní malířská metoda je zde často stejně důležitá jako malba samotná.

Abstrakce v interiéru

V poslední době se abstrakcionismus začal přesouvat z obrazů umělců do útulného interiéru domu a výhodně jej aktualizovat. Minimalistický styl využívající jasné formy, někdy docela neobvyklé, dělá místnost neobvyklou a zajímavou. Ale je velmi snadné to přehánět s barvou. Zvažte kombinaci oranžové barvy v tomto stylu interiéru.

Bílá nejlépe rozředí sytou oranžovou a jakoby ochlazuje. Díky oranžové barvě je místnost teplejší, takže trochu; neublíží. Důraz by měl být kladen na nábytek nebo jeho design, například oranžový přehoz. V tomto případě bílé stěny přehluší jas barvy, ale zanechají místnost barevnou. V tomto případě budou obrazy stejného měřítka sloužit jako vynikající doplněk - hlavní věcí není přehánět, jinak budou problémy se spánkem.

Kombinace oranžové a modré barvy škodí každé místnosti, pokud se netýká dětského pokoje. Pokud zvolíte ne zářivé odstíny, budou spolu dobře ladit, dodají náladu a nebudou mít na škodu ani hyperaktivní děti.

Oranžová se hodí k zelené, vytváří efekt mandarinkového stromu a čokoládový nádech. Hnědá je barva, která se pohybuje od teplé po studenou, takže ideálně normalizuje celkovou teplotu v místnosti. Kromě toho je tato barevná kombinace vhodná do kuchyně a obývacího pokoje, kde potřebujete vytvořit atmosféru bez přetížení interiéru. Po zdobení stěn v bílých a čokoládových barvách můžete bezpečně položit oranžovou židli nebo zavěsit jasný obraz s bohatou mandarinkovou barvou. Zatímco budete v takové místnosti, budete mít skvělou náladu a chtít dělat co nejvíce věcí.

Obrazy slavných abstraktních umělců

Kandinsky byl jedním z průkopníků abstraktního umění. Své hledání začal v impresionismu a teprve potom došel ke stylu abstrakcionismu. Ve své práci využil vztahu mezi barvou a formou k vytvoření estetického zážitku, který zahrnuje jak vizi, tak emoce diváka. Věřil, že úplná abstrakce poskytuje prostor pro hluboké, transcendentní vyjádření a kopírování reality do tohoto procesu pouze zasahuje.

Malování bylo pro Kandinského hluboce duchovní. Snažil se zprostředkovat hloubku lidských emocí prostřednictvím univerzálního vizuálního jazyka abstraktních tvarů a barev, který by překračoval fyzické a kulturní hranice. Viděl abstrakcionismus jako ideální vizuální mód, který dokáže vyjádřit umělcovu „vnitřní nutnost“ a zprostředkovat lidské představy a emoce. Považoval se za proroka, jehož posláním bylo sdílet tyto ideály se světem ve prospěch společnosti.

Skryté v jasných barvách a jasných černých čarách zobrazují několik kozáků s kopími, stejně jako lodě, postavy a hrad na vrcholu kopce. Jako mnoho obrazů z tohoto období si představuje apokalyptickou bitvu, která povede k věčnému míru.

Aby usnadnil vývoj neobjektivního stylu malby, jak je popsán ve svém díle O duchovnu v umění (1912), Kandinskij redukuje objekty na piktografické symboly. Odstraněním většiny odkazů na vnější svět vyjádřil Kandinsky svou vizi univerzálnějším způsobem a převedl duchovní podstatu subjektu prostřednictvím všech těchto forem do vizuálního jazyka. Mnohé z těchto symbolických postav byly v jeho pozdějších dílech opakovány a zjemněny a staly se ještě abstraktnějšími.

Kazimír Malevič

Malevichovy představy o formě a významu v umění nějak vedou ke koncentraci na teorii abstraktního uměleckého stylu. Malevich pracoval s různými styly malby, ale nejvíce se soustředil na studium čistých geometrických tvarů (čtverce, trojúhelníky, kruhy) a jejich vzájemného vztahu v obrazovém prostoru. Díky kontaktům na Západě mohl Malevich zprostředkovat své představy o malbě přátelům umělců v Evropě a Spojených státech, a hluboce tak ovlivnit vývoj moderního umění.

"Černé náměstí" (1915)

Ikonický obraz „Černé náměstí“ poprvé ukázal Malevič na výstavě v Petrohradě v roce 1915. Tato práce ztělesňuje teoretické principy suprematismu vyvinuté Malevičem ve své eseji „Od kubismu a futurismu k suprematismu: nový realismus v malířství“.

Na plátně před divákem je abstraktní forma v podobě černého čtverce nakresleného na bílém pozadí – to je jediný prvek kompozice. Přestože se malba zdá jednoduchá, jsou přes černé vrstvy barvy viditelné prvky jako otisky prstů a tahy štětcem.

Pro Maleviče čtverec znamená pocity a bílá znamená prázdnotu, nicotu. Viděl černý čtverec jako božskou přítomnost, ikonu, jako by se mohl stát novým posvátným obrazem pro nefigurativní umění. I na výstavě byl tento obraz umístěn na místě, kde bývá v ruském domě umístěna ikona.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, jeden ze zakladatelů nizozemského hnutí De Stijl, je uznáván pro čistotu svých abstrakcí a metodickou praxi. Prvky svých obrazů dost radikálně zjednodušil, aby ne přímo, ale obrazně znázornil to, co viděl, a vytvořil na svých plátnech jasný a univerzální estetický jazyk. Ve svých nejslavnějších obrazech z 20. let Mondrian redukoval své formy na čáry a obdélníky a svou paletu na nejjednodušší. Použití asymetrické rovnováhy se stalo zásadním ve vývoji moderního umění a jeho ikonická abstraktní díla zůstávají vlivná v designu a jsou dnes známá populární kultuře.

„Šedý strom“ je příkladem Mondrianova raného přechodu ke stylu abstrakcionismus. Trojrozměrné dřevo je redukováno na nejjednodušší linie a roviny, s použitím pouze šedé a černé.

Tento obraz je jedním z řady děl Mondriana, které byly vytvořeny realističtějším přístupem, kde jsou například stromy zastoupeny naturalisticky. Zatímco pozdější práce se stávaly stále abstraktnějšími, například linie stromu jsou redukovány, až je tvar stromu sotva znatelný a druhotný vzhledem k celkové kompozici vertikálních a horizontálních linií. Zde je také vidět Mondrianův zájem opustit strukturovanou organizaci linek. Tento krok byl významný pro Mondrianův vývoj čisté abstrakce.

Robert Delaunay

Delaunay byl jedním z prvních umělců abstraktního uměleckého stylu. Jeho tvorba ovlivnila vývoj tohoto směru, založeného na kompozičním napětí, které bylo způsobeno opozicí barev. Rychle propadl neoimpresionistickému koloristickému vlivu a velmi úzce sledoval barevnost děl v abstraktním stylu. Barvu a světlo považoval za hlavní nástroje, kterými lze ovlivňovat realitu světa.

V roce 1910 Delaunay přispěl ke kubismu ve formě dvou sérií obrazů zobrazujících katedrály a Eiffelovu věž, které kombinovaly kubické formy, dynamický pohyb a jasné barvy. Tento nový způsob použití barevné harmonie pomohl odlišit styl od ortodoxního kubismu, stal se známým jako orfismus, a okamžitě ovlivnil evropské umělce. Delaunayova manželka, umělkyně Sonia Turk-Delone, pokračovala v malování ve stejném stylu.

Delaunayovo hlavní dílo je věnováno Eiffelově věži, slavnému symbolu Francie. Jedná se o jeden z nejpůsobivějších ze série jedenácti obrazů věnovaných Eiffelově věži v letech 1909 až 1911. Je natřený jasně červenou barvou, která ho okamžitě odlišuje od šedi okolního města. Působivá velikost plátna ještě umocňuje vznešenost této budovy. Jako duch se věž tyčí nad okolními domy a metaforicky otřásá samotnými základy starých pořádků. Delaunayův obraz zprostředkovává tento pocit bezbřehého optimismu, nevinnosti a svěžesti doby, která ještě nebyla svědkem dvou světových válek.

František Kupka

František Kupka je československý umělec, který maluje ve stylu abstrakcionismus, vystudoval pražskou Akademii umění. Jako student maloval především na vlastenecká témata a psal historické kompozice. Jeho raná díla byla spíše akademická, nicméně jeho styl se v průběhu let vyvíjel a nakonec přešel do abstraktního umění. I jeho raná díla, napsaná velmi realisticky, obsahovala mystická surrealistická témata a symboly, což bylo zachováno při psaní abstrakcí. Kupka věřil, že umělec a jeho dílo se účastní nepřetržité tvůrčí činnosti, jejíž povaha je neomezená, jako absolutno.

"Amorpha. Fuga ve dvou barvách“ (1907-1908)

Počínaje lety 1907-1908 začal Kupka malovat sérii portrétů dívky, která drží v ruce míč, jako by si s ním chtěla hrát nebo tančit. Vytvářel pak další a další schematické obrazy a nakonec dostal řadu zcela abstraktních kreseb. Byly vyrobeny v omezené paletě červené, modré, černé a bílé. V roce 1912 bylo na Salon d'Automne jedno z těchto abstraktních děl poprvé veřejně vystaveno v Paříži.

Moderní abstraktní umělci

Od počátku dvacátého století umělci, včetně Pabla Picassa, Salvadora Dalího, Kazemira Maleviče, Wassily Kandinského, experimentovali s tvary objektů a jejich vnímáním a také zpochybňovali existující kánony v umění. Připravili jsme výběr těch nejznámějších současných abstraktních umělců, kteří se rozhodli posunout hranice svého poznání a vytvořit si vlastní realitu.

Německý umělec David Schnell(David Schnell) se rád toulá místy, která bývala plná přírody, ale nyní jsou zaneřáděna lidskými budovami – od hřišť po továrny. Vzpomínky na tyto procházky dávají vzniknout jeho jasným abstraktním krajinám. David Schnell dává volný průchod své fantazii a paměti, spíše než fotografiím a videím, vytváří obrazy, které připomínají počítačovou virtuální realitu nebo ilustrace pro sci-fi knihy.

Při vytváření svých rozsáhlých abstraktních obrazů americká umělkyně Christine Baker(Kristin Baker) čerpá inspiraci z historie umění a závodů Nascar a Formule 1. Nejprve dává své práci rozměr nanesením několika vrstev akrylové barvy a přelepením siluet páskou. Christine jej poté opatrně sloupne, čímž odhalí spodní vrstvy barvy a povrch jejích obrazů bude vypadat jako mnohovrstevná, vícebarevná koláž. V poslední fázi práce seškrábe všechny nepravidelnosti, takže její obrazy působí jako rentgen.

Ve svých dílech umělkyně řeckého původu z Brooklynu v New Yorku, Eleanna Anagnosová(Eleanna Anagnos) zkoumá aspekty každodenního života, které často unikají lidskému pohledu. Během jejího „dialogu s plátnem“ získávají běžné pojmy nové významy a aspekty: negativní prostor se stává pozitivním a malé formy se zvětšují. Eleanna se snaží tímto způsobem vdechnout „život svým obrazům“ a snaží se probudit lidskou mysl, která se přestala ptát a byla otevřená něčemu novému.

Americký umělec, který na plátně zrodil jasné cákance a šmouhy barvy Sarah Spitler(Sarah Spitler) se ve své práci snaží reflektovat chaos, katastrofu, nerovnováhu a nepořádek. Tyto pojmy ji přitahují, protože jsou mimo lidskou kontrolu. Proto jejich destruktivní síla činí abstraktní díla Sarah Spitler silnými, energickými a vzrušujícími. Kromě. výsledný obraz na plátně z inkoustu, akrylových barev, grafitových tužek a emailu zdůrazňuje pomíjivost a relativitu toho, co se kolem děje.

Inspirován architekturou, umělec z Vancouveru, Kanada, Jeff Dapner(Jeff Depner) vytváří mnohovrstevné abstraktní obrazy skládající se z geometrických tvarů. V uměleckém „chaosu“, který vytváří, hledá Jeff harmonii barvy, formy a kompozice. Každý z prvků v jeho obrazech je propojen a vede k dalšímu: „Moje díla zkoumají kompoziční strukturu [malby] prostřednictvím vztahů barev ve zvolené paletě...“. Podle umělce jsou jeho obrazy „abstraktními znaky“, které by měly diváky přenést na novou, nevědomou úroveň.

Podrobnosti Kategorie: Různé styly a směry v umění a jejich rysy Publikováno 16.05.2014 13:36 Zobrazení: 10491

„Když se ostrý úhel trojúhelníku dotkne kruhu, účinek není o nic méně významný než účinek Michelangela, když se prst Boží dotkne prstu Adama,“ řekl V. Kandinsky, vůdce avantgardního umění prvního poloviny 20. století.

– forma vizuální aktivity, která si neklade za cíl zobrazovat vizuálně vnímanou realitu.
Tento směr v umění se také nazývá „neobjektivní“, protože. její představitelé odmítli obraz, který se blížil realitě. V překladu z latiny slovo „abstrakce“ znamená „odstranění“, „rozptýlení“.

V. Kandinsky „Složení VIII“ (1923)
Abstraktní umělci vytvářeli na svých plátnech určité barevné kombinace a geometrické tvary, aby v divákovi vyvolali různé asociace. Abstrakce si neklade za cíl rozpoznat předmět.

Dějiny abstraktního umění

Za zakladatele abstraktního umění jsou považováni Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova a Michail Larionov, Piet Mondrian. Kandinskij byl nejrozhodnější a nejdůslednější z těch, kteří tento směr v té době reprezentovali.
Vědci tvrdí, že není úplně správné považovat abstrakcionismus za styl v umění, protože jde o specifickou formu výtvarného umění. Dělí se do několika směrů: geometrická abstrakce, gestická abstrakce, lyrická abstrakce, analytická abstrakce, suprematismus, aranformel, nuageismus atd. Ale v podstatě je silné zobecnění abstrakcí.

V. Kandinskij „Moskva. Rudé náměstí »»
Již od poloviny 19. stol. malba, grafika, socha vycházejí z toho, co je přímému zobrazení nepřístupné. Začíná hledání nových vizuálních prostředků, metod typizace, zvýšeného vyjadřování, univerzálních symbolů a komprimovaných plastických vzorců. Na jedné straně je to zaměřeno na zobrazení vnitřního světa člověka - jeho emočně psychologických stavů, na druhé straně na aktualizaci vidění objektivního světa.

Kandinského tvorba prochází řadou etap, včetně akademické kresby a realistické krajinomalby, a teprve poté vstupuje do volného prostoru barvy a linie.

V. Kandinsky „Modrý jezdec“ (1911)
Abstraktní kompozice je poslední, molekulární úrovní, na které malba stále zůstává malbou. Abstraktní umění je nejdostupnějším a nejušlechtilejším způsobem zachycení osobní existence a zároveň je přímou realizací svobody.

Murnau "Zahrada" (1910)
První abstraktní obraz namaloval Wassily Kandinsky v roce 1909 v Německu a o rok později zde vydal knihu „O duchovnu v umění“, která se později proslavila. Základem této knihy byly umělcovy myšlenky, že vnější může být náhodné, ale vnitřně nutné, duchovní, tvořící podstatu člověka, může být dobře vtěleno do obrazu. Tento světonázor je spojen s teosofickými a antroposofickými díly Heleny Blavatské a Rudolfa Steinera, které Kandinskij studoval. Umělec popisuje barvu, interakci barev a jejich působení na člověka. "Psychická síla barvy... způsobuje duchovní vibrace." Například červená barva může způsobit mentální vibrace podobné těm, které způsobuje oheň, protože červená je zároveň barvou ohně. Teplá červená barva má stimulační účinek; taková barva může zesílit až bolestivě, mučivě, možná také kvůli podobnosti s tekoucí krví. Červená barva v tomto případě probouzí vzpomínku na další fyzikální faktor, který samozřejmě působí bolestně na duši.“

V. Kandinsky "Twilight"
„...fialová je chlazená červená, jak ve fyzickém, tak duševním smyslu. Má tedy charakter čehosi bolestného, vyhaslého, má v sobě cosi smutného. Ne nadarmo je tato barva považována za vhodnou pro staré dámské šaty. Číňané používají tuto barvu přímo na smuteční oděvy. Jeho zvuk je podobný zvukům anglického rohu, flétny a ve své hloubce i nízkým tónům dřevěných dechových nástrojů (například fagotu).“

V. Kandinsky „Šedý ovál“
"Černá barva vnitřně zní jako Nic bez možností, jako mrtvá."
„Je jasné, že všechna uvedená označení těchto jednoduchých barev jsou jen velmi dočasná a elementární. Stejné jsou pocity, které zmiňujeme v souvislosti s barvami – radost, smutek atp. Tyto pocity jsou také pouze hmotnými stavy duše. Tóny barev, stejně jako hudba, mají mnohem jemnější povahu; způsobují mnohem jemnější vibrace, které nelze vyjádřit slovy.“

V.V. Kandinsky (1866-1944)

Vynikající ruský malíř, grafik a teoretik výtvarného umění, jeden ze zakladatelů abstraktního umění.
Narodil se v Moskvě v rodině obchodníka, základní hudební a umělecké vzdělání získal v Oděse, když se tam rodina v roce 1871 přestěhovala. Brilantně vystudoval právnickou fakultu Moskevské státní univerzity.
V roce 1895 se v Moskvě konala výstava francouzských impresionistů. Kandinsky byl obzvláště zasažen obrazem Clauda Moneta „Haystack“ - takže ve věku 30 let zcela změnil svou profesi a stal se umělcem.

V. Kandinsky "Petrý život"
Jeho prvním obrazem byl „Rozmanitý život“ (1907). Představuje zobecněný obraz lidské existence, ale to už je perspektiva jeho budoucí kreativity.
V roce 1896 se přestěhoval do Mnichova, kde se seznámil s dílem německých expresionistů. Po vypuknutí první světové války se vrátil do Moskvy, ale po nějaké době opět odešel do Německa a poté do Francie. Hodně cestoval, ale pravidelně se vracel do Moskvy a Oděsy.
V Berlíně vyučoval Wassily Kandinsky malbu a stal se teoretikem školy Bauhaus (Vyšší škola stavebního a uměleckého designu) - vzdělávací instituce v Německu, která existovala v letech 1919 až 1933. V této době získal Kandinsky celosvětové uznání jako jeden z vůdců abstraktního umění.
Zemřel v roce 1944 na pařížském předměstí Neuilly-sur-Seine.
Abstraktní umění jako umělecký směr v malbě nebylo homogenním fenoménem - abstraktní umění spojovalo několik směrů: Rayonismus, Orfismus, Suprematismus atd., o kterých se můžete podrobněji dozvědět z našich článků. Začátek 20. století – doba překotného rozvoje různých avantgardních hnutí. Abstraktní umění bylo velmi rozmanité, zahrnovalo i kubofuturisty, konstruktivisty, neobjektivní umělce atd. Jazyk tohoto umění ale vyžadoval jiné formy vyjádření, ty však nebyly podporovány postavami oficiálního umění, navíc byly nevyhnutelné rozpory mezi samotným avantgardním hnutím. Avantgardní umění bylo prohlášeno za protilidové, idealistické a bylo prakticky zakázáno.
Abstrakce nenašel podporu ve fašistickém Německu, a tak se centra abstrakcionismu z Německa a Itálie přesunula do Ameriky. V roce 1937 bylo v New Yorku vytvořeno muzeum neobjektivní malby založené rodinou milionáře Guggenheima a v roce 1939 Muzeum moderního umění vytvořené z prostředků Rockefellera.

Poválečné abstraktní umění

Po druhé světové válce byla v Americe populární „New York School“, jejímiž členy byli tvůrci abstraktního expresionismu D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.

D. Pollock "Alchymie"
Když se podíváte na malbu tohoto umělce, pochopíte: seriózní umění se nedá snadno interpretovat.

M. Rothko „Bez názvu“
V roce 1959 byla jejich díla vystavena v Moskvě na výstavě národního umění USA v parku Sokolniki. Začátek „tání“ v Rusku (50. léta) otevřel novou etapu ve vývoji domácího abstraktního umění. Otevřeno studio „Nová realita“, jehož středem bylo Elij Michajlovič Beljutin.

Studio se nacházelo v Abramcevu poblíž Moskvy na Belutinově dači. Zaměřovalo se na kolektivní tvorbu, o kterou usilovali futuristé počátku 20. století. „Nová realita“ svedla dohromady moskevské umělce, kteří měli různé názory na metodologii konstrukce abstrakce. Z ateliéru „Nová realita“ vyšli umělci L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobraženskaja, A. Safokhin.

E. Beljutin „Mateřství“
Nová etapa ve vývoji ruské abstrakce začíná v 70. letech 20. století. Toto je doba Maleviče, suprematismu a konstruktivismu, tradic ruské avantgardy. Malevichovy obrazy vzbudily zájem o geometrické formy, lineární znaky a plastické struktury. Moderní autoři objevili díla ruských filozofů a teologů, teologů a mystiků a seznámili se s nevyčerpatelnými intelektuálními zdroji, které naplnily díla M. Shvartsmana, V. Yurlova, E. Steinberga novým významem.
Polovina 80. let znamenala dokončení další etapy rozvoje abstrakce v Rusku. Konec 20. století nastínil zvláštní „ruskou cestu“ neobjektivního umění. Z hlediska vývoje světové kultury abstraktní umění jako stylové hnutí skončilo v roce 1958. Ale až v postperestrojkové ruské společnosti se abstraktní umění právně zrovnoprávnilo s ostatními hnutími. Umělci dostali příležitost vyjádřit se nejen v klasických formách, ale také ve formách geometrické abstrakce.

Moderní abstraktní umění

Bílá barva se často stává moderním jazykem abstrakce. Pro Moskviče M. Kastalskaya, A. Krasulin, V. Orlov, L. Pelikh je prostor bílé (nejvyšší barevné napětí) naplněn nekonečnými možnostmi, umožňujícími využití jak metafyzických představ o duchovním, tak optických zákonů světla. odraz.

M. Kastalskaya „Sleepy Hollow“
Pojem „prostor“ má v moderním umění různé významy. Například je zde mezera znaku, symbolu. Je zde prostor starověkých rukopisů, jejichž obraz se stal jakýmsi palimpsestem ve skladbách V. Gerasimenka.

A. Krasulin „Stolica a věčnost“

Některé trendy v abstraktním umění

Rayismus

S. Romanovich „Sestup z kříže“ (50. léta)
Směr ruské avantgardní malby v umění 10. let, založený na posunu světelných spekter a prostupu světla. Jedna z raných oblastí abstrakcionismu.
Základem kreativity paprsků je myšlenka „průsečíku odražených paprsků různých objektů“, protože to, co člověk ve skutečnosti vnímá, není samotný objekt, ale „součet paprsků přicházejících ze zdroje světla, odrážející se od předmětu a padající do našeho zorného pole.“ Paprsky na plátně jsou přenášeny pomocí barevných čar.
Zakladatelem a teoretikem hnutí byl umělec Michail Larionov. Michail Le-Dantu a další umělci ze skupiny „Donkey’s Tail“ pracovali v rayonismu.

Rayonismus doznal zvláštního rozvoje v díle S. M. Romanoviče, který učinil koloristické myšlenky rayonismu základem „prostorovosti“ barevné vrstvy figurativní malby: „Malba je iracionální. Vychází z hlubin člověka, jako pramen vytékající z podzemí. Jeho úkolem je proměňovat viditelný svět (objekt) prostřednictvím harmonie, která je znakem pravdy. Pracovat – psát v harmonii – může dělat ten, v němž to žije – to je tajemství člověka.“

Orfismus

Pohyb ve francouzském malířství na počátku 20. století, který tvořili R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. Jméno dostal v roce 1912 francouzský básník Apollinaire.

R. Delaunay „Champs of Mars: Červená věž“ (1911-1923)
Orfisté se snažili vyjádřit dynamiku pohybu a hudebnost rytmů prostřednictvím vzájemného pronikání primárních barev spektra a průniku zakřivených ploch.
Vliv orfismu lze vidět v dílech ruského umělce Aristarcha Lentulova, ale i Alexandry Ekster, Georgije Jakulova a Alexandra Bogomazova.

A. Bogomazov „Složení č. 2“