Umělecká kreativita z mého pohledu. Umělecká kreativita a duševní zdraví

MELIK-PAŠAJEV A.A., doktor psychologie, hlavní výzkumný pracovník Psychologického institutu Ruské akademie vzdělávání, šéfredaktor časopisu „Umění ve škole“, Moskva, Rusko.

O preventivní hodnotě umělecké tvořivosti

Autor považuje kreativitu za podmínku a projev psychického a duchovního zdraví člověka a za normu v axiologickém smyslu slova, tedy za úplnost aktualizace reálně existujících lidských schopností. Dar kreativity jako takový je generickou vlastností člověka. Tvůrčí deprivace je tedy v rozporu s lidskou přirozeností, a má proto pro děti nebezpečné psychologické, psychosomatické a sociální důsledky. Diplomová práce se zabývá potřebou výtvarné prevence v podobě univerzální, dostupné, kreativně zaměřené výtvarné výchovy.

Klíčová slova: Kreativita, umělecká tvořivost, statistická a hodnotová norma, vnitřní aktivita duše, výtvarná prevence.

Existuje široce rozšířený názor, že kreativita je spojena s některými odchylkami z psychická norma Autor článku však kreativitu považuje přesně za normu, za podmínku psychického a dokonce i duševního zdraví jedince a za jeho projev. Tím ale není míněna statistická norma, podle které je něco normální, pokud se za daných podmínek setkáváme dost často, ale axiologická norma, která znamená „to nejlepší, čeho lze dosáhnout“, totální aktualizace skutečně existujících lidských schopností V článku je uvedeno, že tvůrčí nadání v širokém slova smyslu, považované za „. vnitřní činnost duše“ (V.V. Zenkovsky), není elitou, ale obecným rysem lidské bytosti. Takový výklad kreativity se opírá o různé zdroje: od biblické antropologie přes humanistickou psychologii až po terapeutickou a pedagogickou praxi. blokáda této vnitřní energie, kreativní deprivace, která je široce rozšířena zejména v klasickém školním vzdělávání, odporuje samotné povaze člověka a může tak mít nebezpečné následky na psychické a psychosomatické zdraví dětí (deprese, depersonalizace, pocit nesmyslnosti život) a zatlačit je do tzv. „rizikových zón“ (drogová závislost, alkoholismus, kriminalita mládeže, sebevražedné sklony).

Poukazuje se na to, že optimálním způsobem seznamování dětí v raném věku s tvůrčí zkušeností takovou, jaká je, s generováním a realizací vlastních nápadů, je kreativní produkce v té či oné umělecké formě.

Autor předkládá údaje, které dokazují, že správná účast na umělecké tvorbě poskytuje účinnou ochranu před mnoha psychickými deviacemi a sociálním zlem. Deklaruje se, že vedle arteterapie, kterou využívají ti lidé, kteří již terapeutickou pomoc potřebují, je třeba rozvíjet výtvarnou profylaxi jako všeobecné, běžně dostupné výtvarné vzdělávání zaměřené na tvorbu.

Klíčová slova: Tvorba, umělecká tvorba, statistická a axiologická norma, vnitřní aktivita duše, výtvarná profylaxe

Před mnoha lety zazněla v jednom z projevů slavného pediatra F. Bazarného chytlavá formulka: „člověk je buď kreativní, nebo nemocný“. Lze to vnímat jako paradox: ostatně mnozí mají tendenci chápat kreativitu přesně opačně, jako tu či onu odchylku od mentální normy. Nebudu nyní zpochybňovat a rozebírat důvody přetrvávání tohoto předsudku, ale pokusím se v souladu s tématem článku podložit chápání kreativity obecně a umělecké kreativity zvláště jako podmínky a projevu zdraví. v psychologickém a dokonce i duchovním smyslu slova.

Nejprve se ale musíme shodnout – samozřejmě ne na tom, „co je kreativita“ (to by bylo přehnané tvrzení!), ale na tom, jak toto slovo budeme v kontextu dalších diskusí nazývat. Koneckonců, různí autoři myslí kreativitou různé věci: od řešení pro naplnění tabuizovaných tužeb až po vytvoření něčeho nového, co nikdy předtím neexistovalo. Druhý úhel pohledu je nejčastější a na první pohled nedává podnět k námitkám. Ale při bližším zkoumání to psycholog stěží rozpozná jako zcela vyhovující.

Samotní zastánci tohoto chápání kreativity, aby se vyhnuli devalvaci tohoto pojmu, musí stanovit, že kreativita není vytvořením žádného „nového“, ale pouze toho, co má objektivní kulturní a společenský význam. Kvalifikace je nepochybně nezbytná, ale stejně tak je zřejmé, že kritéria pro tuto objektivní významnost jsou nejistá a proměnlivá.

Nevyhnutelně vyvstává další otázka: uvést do života něco nového, a navíc „objektivně významného“, může být činem tvůrčím i destruktivním. Umožňuje nám aura hodnoty spojená s pojmem „kreativita“ ignorovat tento rozdíl a nazývat jakýkoli projev lidské činnosti kreativitou? Nebo bychom měli mluvit o kreativitě se znaménkem plus a se znaménkem mínus, o kreativitě a „antikreativitě“?

Mnoho myslitelů a vědců o tom přemýšlelo. Pavel Florenský tak považoval definici kultury jako „člověkem stvořené“ za neuspokojivou, protože ve skutečnosti klade rovnítko mezi velké dílo lidského génia například zlodějský klíč: obojí je třeba uznat jako fakt kultury.

Dotýká se tohoto problému, psycholog V.N. Druzhinin navrhuje rozlišovat mezi adaptivní a transformativní lidskou činností; Druhá může být navíc jak konstruktivní, tedy kreativní, tak maladaptivní, destruktivní, která nevytváří nové prostředí, ale ničí to stávající. Je však téměř nemožné oddělit tyto dva aspekty projevu lidské činnosti: v každém vytvoření nového lze rozeznat aspekt dobrovolného nebo nedobrovolného zničení starého. Z mého pohledu je diskutovaná problematika v rámci chápání kreativity jako „vytváření něčeho nového“ zásadně neřešitelná. (Předem přiznávám: otázka sama od sebe nezmizí ani s pochopením kreativity, které se pokusím podložit níže.)

Další. Jestliže nelze každé „vytvoření něčeho nového“ nazvat kreativitou, pak ne každá kreativita je vytvořením objektivně nového. Není náhodou, že v pedagogické psychologii vznikly pojmy jako subjektivní kreativita nebo v jiném vědeckém kontextu kvazi-výzkumná činnost studenta. Byly potřeba k označení toho, co není vytvořením nebo objevem něčeho nového pro lidstvo, ale je to subjektivně pro samotné dítě. Nejvýraznější příklad v historii vědy: teenager Blaise Pascal sám znovu objevil řadu axiomů starověkého geometra Euklida. Když to udělal, neřekl nic, co by lidstvo nevědělo, ale objevil něco, co sám nevěděl, a hlavně v sobě objevil zdroj tvůrčího génia.

Dovolte mi to shrnout: kritérium objektivní novosti produktu není psychologickým kritériem. Je legitimní z hlediska dějin umění, vědy či jiných sfér kulturní činnosti. Psycholog by se měl zamyslet především nad vnitřní stránkou tvůrčího aktu, co se děje v lidské duši a vtěluje se do forem a výsledků té či oné činnosti.

To neznamená, že se vědci nesnaží proniknout do této vnitřní sféry tvůrčího procesu. Existuje mnoho studií, ve kterých byly empiricky, na základě korelací s úspěchy člověka v jakékoli činnosti, identifikovány individuální psychologické rysy charakteristické pro kreativní osobnost. Jako například „androgynie“, „tolerance nejistoty“, závazek k nestandardní řešení, nezávislost hodnocení a úsudků (neshoda) a tak dále.

Zajímavá jsou empirická zobecnění týkající se fází tvůrčího procesu (od kladení problému po testování řešení získaného vhledem), role vědomí a nevědomí v těchto různých fázích atd.

Uvědomuji si význam takového výzkumu a zároveň si pamatuji hlubokou myšlenku, kterou někdo vyjádřil, že existují dva typy znalostí: můžete vědět „o něčem“ a můžete vědět „něco“. Znalosti prvního druhu mohou být překvapivě rozsáhlé a užitečné tak či onak, ale zůstávají vnější a v tomto smyslu povrchní; podstata poznatelného (ať už jde o osobu, přírodní jev, historickou událost, kulturní skutečnost) zůstává pro poznávajícího jakousi „věcí o sobě“, o jejíž existenci nemusí ani tušit.

A vědět něco znamená poznávat zevnitř, skrze společenství, objevovat něco jak v předmětu poznání, tak i v sobě.

Z tohoto hlediska je třeba vše výše řečené připsat znalostem prvního typu. Jedná se o jakési značky, identifikující znaky tvůrčího talentu či tvůrčího procesu, s nimi spojené spíše v korelaci než v obsahu. Zdá se, že jsou dostatečně věrohodné, je třeba je vzít v úvahu, ale jak se mi zdá, nepomáhají pochopit sílu, která generuje kreativitu a její existenciální význam pro samotného člověka.

Abychom se pokusili vidět problém kreativity zevnitř, musíme se nejprve rozhodnout, jak chápeme podstatu člověka. Ve skutečnosti, na základě jakéhokoli psychologického konceptu, bez ohledu na to, jak racionálně může vypadat, lze najít nějakou axiomatickou, logicky neprokazatelnou a experimentálně neověřitelnou, ale předpokládanou představu o tom, co, nebo spíše, kdo je člověk. Nebo, jak se říkalo v minulosti, „kdo jsme, odkud pocházíme a kam jdeme? Tato myšlenka předurčuje vektor, možnosti a hranice možností této oblasti výzkumu. Nemusí to být rozpoznáno samotným autorem, napodobujícím něco, co je samozřejmé a jediné možné, nebo se na to může spoléhat vědomě a zodpovědně.

Budeme vycházet z toho, že člověk je od přírody stvořitel. Jak bylo řečeno, původní axiom nelze dokázat, ale různé zdroje svědčí ve prospěch jeho pravdivosti.

Biblická a patristická antropologie: člověk není jen stvořen, ale animován tvůrčího ducha, a to je právě jeho podobnost se Stvořitelem.
Humanistická psychologie, která vidí úkol člověka a záruku zdraví jednotlivce i společnosti v seberealizaci, tedy v plném odhalení potenciálu člověka.
Moderní psychoterapie (zejména rozmanité důsledky arteterapie) a takový směr, jako je terapie s kreativním sebevyjádřením: kreativita ve svých rozmanitých formách dává sílu žít a obnovuje zdraví.
Osvědčené postupy při výuce různých druhů umění (možná nejen umění): v příznivých psychologických- pedagogické podmínky Téměř všichni studenti středních škol dosahují úrovně kreativity:
- vytváření plnohodnotných uměleckých obrázků. V ruské pedagogice je příkladem výuka výtvarného umění podle systému B.M. Nemenský, literatura
- podle systému Z.N Novlyanskaya a G.N. Kudina, mnoho divadelních a pedagogických praxí ad. (To neznamená, že děti jsou si v tomto ohledu rovny, ale to je jiná věc.)

Obecný psychologický základ teze o tvůrčí povaze člověka nacházím v důkladné práci pozoruhodného vědce, později i učitele, teologa a duchovního V.V. Zenkovského, vydaného před více než sto lety. V tomto díle autor ukazuje, že na rozdíl od zdání nepodléhá vnitřní život člověka kauzální logice; je řízena nikoli určitými na něm nezávislými objektivními faktory, na které člověk reaguje a kterým se přizpůsobuje, ale jeho původně vlastní vnitřní činností neboli vnitřní energií duše, která působí teleologicky, selektivně přeměňuje materiál všech objektivních vlivů. a dojmy.

Tato vnitřní energie charakterizuje člověka jako tvořivou bytost, která potřebuje, slovy velkého kazatele naší doby, metropolity Anthonyho ze Sourozhu, „žít zevnitř ven“, a ne pouze reagovat na vlivy zvenčí.

Dovolte mi zdůraznit: nemluvíme o jednotlivcích vynikající lidé, ale o člověku jako takovém, v obecný význam slova. Jinými slovy, kreativita, kreativní seberealizace je normou lidské existence. Zdá se, že toto tvrzení je beznadějně v rozporu s údaji testovacích studií, které jednomyslně omezují počet „kreativních lidí“ na nevýznamné procento z celkového vzorku. Nebudu nyní rozebírat validitu metod ani kritéria pro hodnocení výsledků těchto studií. Zásadnější otázkou je, co je považováno za normu.

Obvykle je norma chápána statisticky, když, jednoduše řečeno, něco, co se za stávajících podmínek vyskytuje poměrně často, je považováno za normální. Vycházím ale ze zásadně jiného, hodnotově založeného chápání normy, kdy za normální je považováno nejvyšší možné, plné odhalení lidského potenciálu. (V souvislosti s výše uvedeným připomenu výše uvedené údaje o tvůrčích úspěších „obyčejných“ dětí v adekvátních psychických a pedagogických podmínkách).

Chápání kreativní seberealizace jako normy lidského života naléhavě vyvolává otázku, co se s námi stane především s dětmi, když se projeví vnitřní energie duše, jak se to často stává v tradičních podmínkách školní docházky. V. Bazarny, zmíněný na začátku článku, říká, že bez tvůrčí inspirace se děti ocitají v zajetí tísnivých, téměř nesnesitelných prožitků prázdnoty, nesmyslnosti života, nesnesitelného vláčku času. Tato situace se může vyvíjet dvěma směry, jedním horším než druhým. První lze přirovnat ke smrti výhonků trávy válených pod asfaltem a neschopných najít sílu jej rozbít. Důsledkem toho je nedostatek smyslu života, pocit nereálnosti sebe sama ve světě, depersonalizace, deprese a sebevražedné sklony.

Obrazem druhého směru je vroucí uzavřená konvice, která v určitém okamžiku exploduje. Důsledkem je deviantní, kriminální, sebedestruktivní chování, takzvané nemotivované zločiny, „Herostratov komplex“, který nemůže najít jiný způsob, jak dokázat, že žil na zemi, než zničit to, co vytvořili ostatní. Vezmeme-li toto vše v úvahu, můžeme modifikovat aforismus V. Bazarného uvedený na začátku článku a říci: člověk zbavený kreativity je buď potenciální pacient, nebo potenciální zločinec.

Povídání o kreativitě jako nezbytné a léčivé formě lidská existence, mám na mysli samozřejmě nejen uměleckou kreativitu. Jak řekl velký filozof N.O. Lossky, tvořivost, člověku vlastní, je zpočátku „super-kvalitní“, tedy univerzální povahy. Není náhodou, že námi zmíněná metoda kreativní sebevyjádření terapie, kterou vyvinula a úspěšně praktikuje M.E. Boerno a jeho následovníci zasahují téměř do všech oblastí naší činnosti, komunikace a volného času, v každé z nich je možné aktualizovat „vnitřní energii duše“.

Ale v dětství má umění nepopiratelnou prioritu jako oblast, ve které může dítě brzy a nejúspěšněji získat zkušenost kreativity jako takové: vytváření, ztělesnění a prezentace vlastních nápadů. Na čem je toto tvrzení založeno?

Už jsme to řekli v příznivé podmínky Při výcviku se téměř u všech dětí ve větší či menší míře odhaluje umělecký a tvůrčí potenciál. K tomu dodejme, že v žádném jiném oboru nevytváří dítě předškolního a základního školního věku nic, co by odborná elita uznala za hodnotné a dokonce se pokusila částečně osvojit, jako je tomu v umění již více než sto let. A nejde o to, že by děti byly vnímány jako budoucí profesionálové, kteří přispějí něčím hodnotným k umělecké kultuře lidstva – to se možná nestane – ale že to, co vytvoří, již představuje nepochybnou, byť věkově specifickou uměleckou hodnotu.

S touto jedinečností je spojen další argument ve prospěch priority umění v raném tvůrčím vývoji dětí. Úspěchy malých (ale k dospívání stále bližších) dětí v jakémkoli vědeckém oboru přitahují pozornost, protože předbíhají svůj věk a uvažují v zásadě stejně jako dospělí vědci. Neexistuje žádná „dětská věda“, ale umění pro děti existuje a člověk s alespoň malou pedagogickou zkušeností dokáže s dostatečnou přesností určit věk autora kresby nebo eseje. (Přesvědčivý příklad: každý řekne, že autorovi geniálního dětského čtyřverší „Ať je vždy sluníčko!“ jsou asi čtyři roky.)

Tato kombinace plnohodnotného umění a věkově specifické originality vypovídá z mého pohledu o maximální „ekologické šetrnosti“ tohoto typu kreativity pro malé děti.

Výše uvedené nám umožňuje tvrdit, že včasné uvedení do umělecké a tvůrčí zkušenosti je téměř nenahraditelnou podmínkou a nejlepším prostředkem k výchově psychicky, morálně a sociálně prosperujících generací. A existuje o tom řada důkazů.

Arteterapie jako rozvětvený obor korekce duševních poruch je příliš známá na to, abychom znovu potvrdili její význam. Za zmínku ale stojí skutečnosti, které se vymykají běžným představám o jeho schopnostech.

Každý bude souhlasit s tím, že sborový zpěv je prospěšný jak fyzicky, tak psychicky. psychologický bod vidění. Existují ale například důkazy, že v jedné z čínských kolonií začal policejní komisař léčit drogovou závislost pravidelným sborovým zpěvem. A dostal se k výsledku, který byl 10x vyšší, než jakého bylo dosaženo ve speciálních ústavech pomocí farmakologických prostředků a speciálních psychotechnik, a ve skutečnosti se přiblížil sto procentům. To samozřejmě vyžaduje testování v jiných podmínkách, ale budu klást důraz na slovo vyžaduje.

A tady jsou důkazy z kriminální sféry. Vynikající učitel V.V. Suchomlinsky napsal: „Čím závažnější je zločin, čím více nelidskosti, krutosti a hlouposti obsahuje, tím chudší jsou intelektuální, estetické a morální zájmy rodiny. A dále: „Nikdo z těch, kdo spáchali zločin, nedokázal jmenovat jediný kus symfonické, operní nebo komorní hudby. Ale tady se to tuší inverzní vztah a je podpořena vědeckými údaji. V naší době americký vědec M. Gardiner studoval životní zkušenosti tisíců mladých lidí, kteří byli registrováni u policie. A nabyl přesvědčení, že čím aktivněji se teenager věnuje hudbě, tím menší je pravděpodobnost, že se dostane do problémů se zákonem, a z těch, kteří jsou schopni zraku, se nikdo nedostal do pozornosti policie. Autor dochází k závěru, že vážná hudební studia dítěte „zcela vylučují kriminální zkušenost“

Iniciativa venezuelského hudebníka a osobnosti veřejného života J.A. Abreu, který do hudby zapojuje i děti ve věku dvou let, nikoli při hledání zázračných dětí, ale kvůli sociální adaptaci milionů dětí z nejvíce znevýhodněných vrstev společnosti, nazývá toto hnutí programem národní spásy.

Můžeme uvést příklady stejně prospěšných účinků divadla a dalších druhů umělecké tvořivosti, ale to, co bylo řečeno, stačí k tomu, abychom se obecně vrátili k myšlence vyjádřené v názvu článku.

Když dítě dospěje k nervovému vyčerpání, přestává spát, upadá do deprese nebo nedej bože pomýšlí na sebevraždu, tedy když je již nemocné, obracíme se na arteterapii a na pomoc přivedeme sílu umění a umělecké tvořivosti. Ale má cenu čekat na potíže? Proč se nezapojit do artrofylaxe, která vyžaduje pouze to, co by, zdá se, mělo již ve škole existovat: univerzální, přístupné, plnohodnotné, kreativně zaměřené výtvarné vzdělání?

Navíc, jak vidíme, umí nejen varovat psychické problémy různé stupně závažnosti, ale také chránit rostoucí dítě před pádem do těchto kruhů sebedestruktivního a kriminálního pekla, které správně nazýváme „rizikové zóny“. Protože nejedná prostřednictvím neplodných a krutých zákazů, omezení a trestů (vzpomeňte na zapečetěnou konvici!), ale od dětství otevírá pozitivní, společensky schválený odbytiště pro uzamčenou „vnitřní energii duše“ rostoucího člověka.

Protože vám umožňuje cítit se jako autor, který je skutečně přítomen v tomto světě, který má právo jej kreativně měnit, ale také nese autorovu odpovědnost za to, že svobodně, podle vlastní iniciativa vytváří. To vše naplňuje každodenní život člověka smyslem a činí zjevně nezajímavým a neatraktivním vše, co ho může jen zničit.

O nezastupitelné roli výtvarné výchovy a tvořivosti v rozvoji osobnosti dítěte, potažmo v životě společnosti, lze říci, a bylo již mnohokrát řečeno, mnohem více. Jde také o rozvoj pro děti tak významné smyslové sféry, která zůstává v podmínkách jednostranně racionalizované výchovy nenárokovaná. To zahrnuje rozvoj duchovní vnímavosti a seznámení se s trvalými hodnotami lidstva, bez nichž lze jakékoli znalosti a „kompetence“ snadno změnit v škodu. K tomu patří zvýšení všeobecných rozumových schopností, intelektuální aktivity a úspěšnější zvládnutí dalších školních disciplín, což je pozorováno v každé vzdělávací instituci, kde umění dostává své místo. Dlouhá zkušenost ale ukazuje, že tato vcelku známá fakta z těžko vysvětlitelných důvodů nevedou ke změně státní kulturní a vzdělávací politiky, která umění tvrdošíjně drží na okraji všeobecného vzdělání a v podstatě ho stále více redukuje na nic.

Umělecká výchova ale obsahuje i příležitosti, které nelze ignorovat, a právě na ně upozorňuji. Úvod do umění je mocným prostředkem prevence mnoha společenských katastrof a duševních poruch, jejichž růst mezi novými generacemi představuje hrozivé nebezpečí pro národní kulturu a v dohledné době i pro samotnou existenci společnosti, lidu a státu.

Seznam použitých zdrojů:

Florenský P.A. Z teologického dědictví. / Teologická díla. Vydání 9. M.: Publikace Moskevského patriarchátu, 1972. str. 85-248.
Druzhinin V.N. Psychodiagnostika obecných schopností. M.: Akademie, 1996, 216 S.
Maslow A. Dálné hranice lidské psychiky. Petrohrad: Eurasie, 1997.
Praktický průvodce kreativní výrazovou terapií. Ed. MĚ. Bouřlivý. M.: Akademický projekt OPPP, 2002.
Zenkovský V.V. Problém duševní kauzality. Kyjev, 1914.
Slobodchikov V.V. Teorie a diagnostika vývoje v psychologické antropologii. // Psychologie učení, 2014, č. 1, s. 3-14.
Bazarny V.F. Neuropsychická únava studentů v tradičním školním prostředí. - Sergiev Posad.: Ministerstvo školství Ruské federace, 1995.
Bazarny V.F. Rozhovor. "Sovětské Rusko", 23.10.2004.
Suchomlinskij V.V. Vybrané pedagogické práce. Svazek 1. 1979.
Kirnarskaya D.K. Hudební schopnosti. - M.: Talents-XX Century, 2004

PŘEPIS ZDROJŮ:

Florenskij P.A. Iz bogoslovskogo naslediya. / Bogoslovskie trudyi. Vyip.9. iVf,: Izdanie Moskovskoy patriarhii, 1972. Str.85-248.
Družinin V.N. Psychodiagnostika obschih sposobnostey. M.: Akademiya, 1996, 216 S.
Maslou A. Dalnie predelyi chelovecheskoy psihiki. SPb.: Evraziya, 1997.
Prakticheskoe rukovodstvo po terapii tvorcheskim samcrvyirazheniem. Pod červený. MĚ. Burno. M.: Akademicheskiy projekt OPPP, 2002.
Zenkovskiy V.V. Problém psihicheskoy prichinnosti. Kyjev, 1914.
Slobodckikov V.V. Teoriya a diagnostika razvitiya v psihologicheskoy antropologii. // Psychologiya obucheniya, 2014, #1, s. 3-14.
Bazarnyiy V.F. Nervno-psihicheskoe utomlenie uchaschihsya v traditsionnoy shkolnoy srede. - Sergiev Posad.: Min.obr.RF", 1995.
Bazarnyiy V.F. Intervyu. "Sovětskaja Rossija", 23.10.2004.
Suhomlinskiy V.V. Izbrannyie pedagogicheskie sochineniya. Tom 1,1979.
Kirnarskaya D.K. Muzyikalnyie sposobnosti. - M.; Talantyi-HH Vek, 2004.

Melik-Pashaev, A.A. O preventivní hodnotě umělecké tvořivosti / A.A. Melik-Pashayev // Tematické číslo "Mezinárodní Chelpanova psychologická a pedagogická čtení", - K.: Gnosis, 2016. - 354 s. – T. 3. – VIP. 36. – s. 20-28. – 0,8 p.l. – ISBN 978-966-2760-34-7.

Nemocný duch se léčí zpěvy
E. Baratynského

Arteterapie, je-li chápána jako cílené využívání určitých psychologických a medicínských efektů umělecké tvořivosti a vnímání, se jeví z historického hlediska jako velmi nedávný fenomén.

Těžko bychom se ale mýlili, kdybychom řekli, že jde ne jménem, ale v podstatě o stejný věk jako umění samotné. A to znamená osobu. Vždyť to, co dnes nazýváme uměním, je původním znakem a nezpochybnitelným důkazem lidské existence ve světě. Bez ohledu na to, jak daleko do minulosti sahá poznání, vidíme, že bytost zvaná člověk sebevědomě a bez výhrad vždy vytvářela určité prostorové nebo časové formy, které obsahují a vyjadřují něco většího, než je ona sama. A díky tomu si v člověku samotném uchovávají nevědomý a někdy i vědomý pocit sounáležitosti s druhým, větším, trvalým, s nějakou hlubokou, neviditelnou dimenzí světa a sebe sama. Při pohledu dopředu řeknu: taková zkušenost je životně důležitá a léčivá v tom nejobecnějším, nediferencovaném smyslu slova.

Nepřímé potvrzení toho, že arteterapie má kořeny v nepaměti starověku, lze nalézt v praktikách tzv. tradičních neboli „primitivních“ společností, které psychicky i fyzicky ovlivňují člověka prostřednictvím rytmicko-intonačních, motoricko-plastických, barevně-symbolických aspektů rituálů.

Umění ve více moderní smysl Slova, která se objevila z primárního rituálně-magického synkretu, také prokázala terapeutický potenciál již od starověku. Zejména legendy o Pythagorovi a Pythagorejcích naznačují, že účelové použití toho či onoho hudebního módu změnilo vnitřní stav, záměry a jednání lidí. Platón jasně viděl vzdělávací a terapeutický potenciál umění. Pravda, také viděl, že za určitých podmínek se jejich účinek může stát destruktivním - ale který léčivý prostředek by nemohl říci totéž? Jakkoli tajemný zůstává plný význam aristotelské katarze, není pochyb o tom, že znamená určitou obnovu a očistu duše pod vlivem jevištního jednání atd. atd.

Vraťme se dnes k arteterapii, která se stává stále viditelnější, až módní složkou psychologické praxe. Rozvětvuje se a dává vzniknout novým směrům: muzikoterapie, animační terapie, biblioterapie, choreo-, loutková-, barevná-, pohádková terapie, terapeutické modelování, terapeutické divadlo... Nejširší spektrum duševních a fyzických nemocí člověka pokrývá arteterapeutická praxe: sklon k depresím, úzkosti, poruchy spánku, tlaku, řeči, senzomotorické sféry, komunikační schopnosti, problémy nápravy, rehabilitace, podpora osob s postižením... Činnost arteterapeuta jsou „cílené“, někdy dokonce na předpis. Seznamy se tedy vytvářejí hudební díla, jehož poslech je uveden v konkrétním případě; hry jsou speciálně komponovány, jejichž kolize by měly pomoci interpretům vyřešit podobné traumatické situace v jejich domácím nebo studiovém životě.

Dovolím si poznamenat: tento přístup k umění, i když je odůvodněn dobrým účelem a účinností, má utilitární charakter: terapeut využívá individuální, v podstatě periferní rysy umění a umění. konkrétní díla, korelovat je se stejně specifickými okolnostmi klientova života. Univerzální podstata umění, umělecká proměna existence, to, co podle M. Prishvina vybízí spisovatele, aby „vážně převedl svůj život do slov“, zůstává v pozadí. Níže se budu zabývat možností jiného přístupu, který jsem málem „vypustil“ hned na začátku článku.

Úžasný učitel-animátor a arteterapeut Yu Krasny nazval jednu ze svých knih „Umění je vždy terapie“ (3). Kniha je o vážně nemocných dětech a o mimořádně specifických metodách práce s nimi v animačním studiu, ale název výmluvně napovídá, že ponoření se do sféry uměleckého objevování světa je léčivé a prospěšné samo o sobě. A to nejen pro člověka uznaného nemocným.

To potvrzuje jak věda, tak pedagogická praxe. Tuzemské i zahraniční výzkumy v oblasti hudební psychologie tak odhalují příznivé účinky hudby na osobní i intelektuální úrovni ((4); (5)), hovoří o jejím celostním pozitivním vlivu na dítě již od prenatálního období. (6). Intenzivní hodiny výtvarného umění nejen zintenzivňují celkový duševní vývoj adolescentů, ale také korigují deformace v hodnotové sféře (7), zvyšují duševní aktivitu a celkovou studijní výkonnost školáků (8). Je dobře známo, že v těch vzdělávacích institucích, kde je alespoň nějakému druhu umělecké tvořivosti věnována náležitá pozornost, se zvyšuje emocionální tonus dětí, začínají mít lepší vztah k učení a škole samotné, méně trpí notorickým přetížením a školní neurózy, méně často onemocní a lépe se učí.

Je tedy čas mluvit nejen o arteterapii pro ty, kteří ji již potřebují, ale také o obecné „umělecké profylaxi“ – a prevence, jak víme, je ve všech ohledech lepší než léčba. V očekávání doby, kdy něco podobného bude možné v tuzemském všeobecném vzdělávání, se pokusíme přijít na to, jak může zkušenost umělecké tvořivosti a komunikace s uměním léčivě působit na lidskou osobnost.

Budeme muset začít z dálky. Nejprve si ale udělejme několik důležitých výhrad.

První z nich je nezbytný, aby se předešlo jedné příliš zjevné námitce. Mnoho fenoménů umění poslední doby, zejména naší doby (mluvím o umění seriózní profesionální úrovně), mírně řečeno, není nositelem a „generátorem“ duševní zdraví; pokud jde o vnitřní stav a osud některých talentovaných lidí v umění, to byste svým dětem a studentům nepřáli. Jaké jsou důvody pro tvrzení, že duševní zdraví tak úzce souvisí s uměleckou kreativitou? Hned řeknu: stinné stránky moderní kultury, včetně umělecké kultury, jsou docela reálné, ale jejich diskuse musí být vedena doslova a do písmene „od Adama“. Nic podobného nemůžeme v rámci této práce podniknout, a proto, s ohledem na tuto stránku věci, budeme bezpodmínečně hovořit o pozitivní aspekty umělecké tvořivosti člověka, které nepochybně převládají v měřítku kulturních dějin. Výše uvedená námitka se navíc vztahuje výhradně na profesionální umělecké prostředí určitého historického období. Nyní hovoříme o umění ve všeobecném vzdělávání a zde je jeho pozitivní role nepochybná a je potvrzena výše uvedenými příklady. Pokud jde o rozdíly mezi „univerzální lidskou“ a profesionální uměleckou zkušeností, i toto téma vyžaduje zvláštní hloubkovou diskusi. Omezme se zatím na krátkou nápovědu: v moderní sekularizované a extrémně specializované kultuře se tyto dvě sféry liší téměř stejně jako pro všechny prospěšné hodiny tělesné výchovy a vrcholový sport plný psychických a fyzických zranění.

A druhé vyloučení odpovědnosti. Níže uvedené úvahy nepředstírají, že jsou nezvratné v tradičním, „přísně vědeckém“ smyslu slova. Jako vše v „cizí vědecké“, humanitární sféře poznání neusilují o „přesnost poznání“, ale o „hloubku pronikání“ (9), a jsou určeny celostní, ne zcela verbalizované zkušenosti čtenáře jako partnerem v dialogu.

Tak zaprvé: jaké jsou nejčastější, hluboce zakořeněné a nesituační příčiny našeho psychického strádání a potenciálního duševního onemocnění? Obrazně řečeno, jedna z nich leží v „horizontální“, druhá ve „vertikální“ dimenzi existence, přičemž člověk sám se svými vědomými i nevědomými obtížemi a rozpory je neustále v jejich průsečíku.

Potíž „horizontálně“ má kořeny ve skutečnosti, že naše vědomé „já“, stojící na počátku života z primární nediferencované celistvosti, se nutně staví proti okolnímu světu jako jakési „ne já“ a v podmínkách moderní racionalizovaná kultura v této přirozené, ale jednostranné opozici „tuhne“; „oplotí“ své území, jako by se uzavřelo do průhledné, ale neproniknutelné psychologické skořápky odcizení od světa, jako by mu bylo zpočátku vnější a cizí. Exkomunikuje se z účasti na jednotné bytosti.

Intelektuálně i emocionálně si člověk vytváří obraz bezpočátkového a nekonečného světa, žijícího podle vlastních, čistě objektivních přírodních a společenských zákonů a lhostejného ke své pomíjivé existenci. Svět neosobních vztahů příčina-následek určující člověka, kterému je možné se jen dočasně přizpůsobit. V tomto ohledu se teoretici zamýšlí nad „ultimátní atomizací vědomí moderního jedince“ nebo (jako psycholog S.L. Rubinstein) říkají, že v takovém světě není místo pro člověka jako takového; Básníci přicházejí s obrazem „pouště světa“, kterou nám (připomeňme si později!) kreativita pomáhá projít.

Samozřejmě, že ne každý člověk, tím méně dítě, si takovou reflexi dopřeje. Ale když si nevědomá vzpomínka člověka na jeho vlastní integritu a univerzální povahu, na původní ontologickou jednotu se světem, jeho potřeba ujistit se, že „v poušti světa nejsem sám“ (O. Mandelstam) nedostává odpověď a potvrzení, to vytváří konstantu společný základ psychické neduhy, neredukovatelné na konkrétní každodenní problémy a situace.

Pozoruhodný etnograf W. Turner popsal archaickou, ale účinnou formu překonání, či spíše prevence této nemoci jako cyklickou, regulovanou změnu dvou způsobů existence v tradiční společnosti, kterou definoval jako „strukturu“ a „communitas“ (tj. komunita, zapojení (10) . Většina z V životě každý člen přísně hierarchické a strukturované společnosti sídlí ve svém věku, pohlaví, „profesní“ buňce a jedná v přísném souladu se systémem společenských očekávání. Ale v určitá období tato struktura je na krátkou dobu zrušena a každý je rituálně ponořen do přímé zkušenosti jednoty, která zahrnuje ostatní lidi, přírodu a svět jako celek. Poté, co se lidé dotknou jediného základního principu bytí, mohou se vrátit ke každodennímu fungování ve své roztříštěné sociální struktuře bez ohrožení duševního zdraví.

Je zřejmé, že v jiných historických a kulturních podmínkách nelze fenomén communitas v této podobě reprodukovat, ale má mnoho analogií: od kultury karnevalu k tradicím sborového zpěvu, od starověkých mystérií k účasti na náboženských svátostech (nicméně, v tomto případě „vertikální » rozměr projednávaného problému, o kterém bude dále pojednáno). Nyní je však důležité zdůraznit něco jiného: člověk, aniž by si to uvědomoval, hledá zapojení do něčeho „většího, než je on sám“. A absence takové zkušenosti – pozitivní, společensky schválené – se mění v absurdní, někdy destruktivní a patologické průlomy zablokované potřeby „atomizovaného jedince“ vymanit se z „vlajek“ své individuality a připojit se k určitému „my“. (Připomeňme si dopad určitých směrů na posluchače moderní hudba, o chování fotbalových fanoušků a o mnoha mnohem temnějších projevech davové psychologie a na druhé straně o depresích a sebevraždách z psychické osamělosti.)

Jaký terapeutický nebo ještě lépe preventivní význam může mít v této věci zkušenost umělecké tvořivosti?

Faktem je, že základem jeho samotné možnosti nejsou individuální smyslové nebo jakékoli jiné schopnosti spojené s prováděním činností v té či oné formě umění, ale zvláštní celostní postoj člověka ke světu a k sobě samému ve světě, který je mezi umělci vysoce rozvinutý, ale je potenciálně charakteristický pro každého člověka a je obzvláště úspěšně aktualizován v dětství. Psychologický obsah tohoto estetického postoje byl opakovaně popsán představiteli různých druhů umění, různé éry a národy. A jeho hlavním rysem je právě to, že v estetickém zážitku mizí neviditelná bariéra, která izoluje do sebe uzavřené „já“ od zbytku světa, a člověk přímo a vědomě prožívá svou ontologickou jednotu s předmětem estetického postoje a dokonce i s svět jako celek. Pak se mu zvláštním způsobem odhaluje jedinečný smyslný vzhled věcí: jejich „vnější podoba“ se ukazuje jako průhledný nosič duše, přímé vyjádření vnitřního života, příbuzné a srozumitelné člověku. Proto se cítí být alespoň na krátkou chvíli zapojen do existence celého světa a jeho věčnosti.

„Usiloval jsem,“ říká V. Goethe ve svém autobiografickém díle, abych se s láskou podíval na to, co se děje venku, a vystavil se vlivu všech bytostí, každé po svém, počínaje lidskou bytostí a dále až po do jaké míry mi byly srozumitelné. Odtud povstalo nádherné spříznění s jednotlivými přírodními jevy, vnitřní souzvuk s ním, účast na chóru všeobjímajícího celku“ (11, s. 456)

"A to jen proto, že jsme spřízněni s celým světem," říká náš skvělý spisovatel a myslitel M.M. Prishvine, silou spřízněné pozornosti obnovujeme obecné spojení a objevujeme vlastní osobnost v lidech jiného způsobu života, dokonce i ve zvířatech, dokonce i rostlinách, dokonce i ve věcech“ (12, s. 7). O tom, že jen na základě takové zkušenosti se může zrodit skutečně umělecké dílo, svědčí tvůrci umění, kteří žili v různých dobách a často o sobě nic nevěděli.

Estetická zkušenost, kterou – zdůrazňujeme – může v odpovídajících pedagogických podmínkách každé dítě získat, pomáhá zacelit ontologickou trhlinu a obnovit jednotu člověka se světem „horizontálně“. V každém případě dát člověku zažít možnost, realitu této jednoty. A taková zkušenost, i když je vzácná, se plně neprojeví, neudrží se ve vědomí, určitě zůstane na nevědomé, či spíše nadvědomé úrovni a bude člověka neustále podporovat v jeho, jakkoli složitých vztazích. s vnějším světem.

Poznámka: potřebovali jsme zmínit nadvědomí, a to znamená, že jsme se dostali na čáru, za kterou se naše myšlenky posouvají do „vertikální“ roviny diskutovaného problému.

Za vrcholné vyjádření estetického zážitku, o kterém se dosud mluvilo, lze považovat slavnou řadu F.I. Tyutchev: „Všechno je ve mně a já jsem ve všem!...“ Není těžké pochopit, že tato slova vyjadřují nejen určitý zvláštní postoj ke světu, ale lépe řečeno – světem „horizontálně“ šířeným kolem nás. Zde se rozeznává jiná úroveň sebeuvědomění a sebeuvědomění člověka, přítomnost jiného, většího „já“, úměrného „všemu“, schopného obsáhnout „vše“, a díky tomu i důvod neboť jsou jasně nastíněny naše vnitřní potíže, které spočívají ve „vertikální“ dimenzi existence.

V náboženské a filozofické literatuře, v dílech mnoha psychologů, v duchovních a praktických zkušenostech lidí různých dob a národů i ve zkušenostech sebepozorování četných kreativně nadaných lidí nalézáme důkazy, že spolu s empirické „já“ našeho každodenního sebeuvědomění, skutečně existuje něco jiného, „vyšší „já“, které v sobě nese plnost možností, které částečně realizujeme v časoprostoru pozemského života a v podmínkách omezeného sociokulturní prostředí. Aniž bych mohl toto téma v rámci tohoto článku podrobně rozebrat, poznamenám pouze, že bez takového předpokladu nelze vážně hovořit o tom, že se jevy jako sebevzdělávání, sebezdokonalování atd. stávají nevysvětlitelnými.

Tato nejvyšší „autorita“ individuální lidské existence se nazývá jinak: vyšší „já“ – na rozdíl od každodenního, „pravdivé“ – na rozdíl od iluzorního a proměnlivého, „věčné“ – na rozdíl od smrtelného, pomíjivého, „ volný“ - na rozdíl od toho, které je určeno souborem biosociálních nebo jiných „objektivních“ faktorů, „duchovní“ „já“ (13), „tvůrčí „já“ (14) atd.

Tím, že přijdete do kontaktu s tímto „já“ nadvědomí na cestách duchovního sebezdokonalování nebo v procesu kreativity v té či oné oblasti, nebo je přijímáte jakoby „zdarma“ v proudu každodenní život, člověk se cítí s dříve neznámou jasností, intenzitou, jistotou a úplností. Takové vrcholy, jako zážitky jednoty se světem, o kterých jsme mluvili dříve, se samozřejmě nemohou stát našimi. trvalý stav, ale absence nebo hluboké zapomenutí takové zkušenosti - tato, obrazně řečeno, "vertikální mezera" - se stává příčinou hluboké vnitřní poruchy člověka, kterou nelze odstranit žádnými změnami v jeho vnějším životě ani soukromými doporučeními psychologa, který neovlivňují podstatu věci.

Filosof bude tuto mezeru definovat jako „rozpor mezi podstatou a existencí člověka“; humanistický psycholog – jako nedostatek seberealizace, jako „zbavení vyšších potřeb“ (A. Maslow); psychoterapeut v tom může s dostatečným rozumem vidět příčinu ztráty smyslu života - kořen všech nemocí (V. Frankl). V každém případě mluvíme o tom, že nejen že vlastně nejsme „sami sebou“, což nemusí být dosažitelné ve své úplnosti, ale žijeme na vzdálené periferii sebe sama, nesnažíme se obnovit ztracené spojení s vlastním pravé „já“, přistup k němu. Žijeme nejen v cizím světě, ale v podstatě mimozemšťané sami sobě.

A opět vyvstává stejná otázka: jak může člověku v této situaci pomoci raná (nebo dokonce nejen raná) zkušenost umělecké tvořivosti?

Vraťme se trochu zpět. V estetickém zážitku člověk, někdy pro sebe nečekaně, překračuje obvyklé hranice svého „ega“, žije společný život s velký svět, a to vytváří úrodnou půdu pro jakési odhalení o sobě samém, pro „setkání“ s větším já, úměrným tomuto světu. Člověk, slovy básníka Walta Whitmana, najednou s radostí zjišťuje, že je větší a lepší, než si myslel, že se nevejde „mezi boty a klobouk“...

Tento druh „setkání“ zažívá a zapisuje do paměti mnoho mistrů umění. Pak mají nápady, které zjevně přesahují jejich hranice. obvyklé možnosti, a přesto jsou ztělesněny. V procesu tvorby nebo provádění díla se člověk cítí jako „nástroj“ v ruce „někoho“ mnohem mocnějšího a bystřejšího a někdy vnímá výsledek odtažitě, jako něco, k čemu nemá přímý vztah. Takové sebereportáže se obvykle vyznačují důvěryhodnou střízlivostí a nedostatkem afektovanosti. Míra uvědomění si tohoto zážitku je různá - od zážitku emocionálního a energetického povznesení, tvořivé odvahy, překračování vlastních hranic až po vědomou, téměř na úrovni metodologie, přitažlivost „tvůrčího já“ ke spolupráci – jako např. například v praxi velkého ruského herce M. Čechova (15) . Nebudu se snažit jakkoli interpretovat tyto psychologické jevy, o jejichž samotné existenci není pochyb. Pro nás je nyní důležité něco jiného: umělecká a tvůrčí zkušenost (a pravděpodobně každá skutečně kreativní zkušenost) je do jisté míry zkušenost „být sám sebou“. Umožňuje vám překonat, alespoň dočasně, „vertikální propast“: zažít okamžik jednoty všedního dne – a vyššího, kreativního já; přinejmenším – zapamatovat si a zažít samotný fakt jeho existence.

Upozorňuji: když mluvím o kreativitě, nemám na mysli „vytvářet něco nového“, je to pouze důsledek, vnější důkaz tvůrčího procesu a důkazy nejsou vždy jasné a nezpochybnitelné. Pod kreativitou rozumím především projev „vnitřní činnosti duše“ (16), která se realizuje jako svobodné (zvnějšku neurčené) vytváření a ztělesňování vlastního plánu v té či oné oblasti života a kultury.

Existuje mnoho důkazů, od teologických po experimentální a pedagogické, potvrzujících, že člověk – každý člověk – je od přírody tvůrcem; potřeba tvořit v nejobecnějším slova smyslu „žít zevnitř ven“ (Metropolita Antonia ze Sourozhu) nejdůvěrněji charakterizuje samotnou podstatu člověka. A realizace této potřeby je nezbytnou podmínkou duševního zdraví a její blokování, které je tak charakteristické zejména pro moderní všeobecné vzdělání, je zdrojem implicitního, ale vážného nebezpečí pro lidskou psychiku. Jak říká moderní badatel V. Bazarny, člověk může být buď kreativní, nebo nemocný.

Vrátíme-li se k obrazným a symbolickým souřadnicím naší prezentace, můžeme říci, že skutečná kreativita se rodí právě na křižovatce horizontální a vertikální osy - obnoveného vztahu člověka k sobě samému a ke světu. Když člověk vidí související svět kolem sebe očima vyššího, kreativního já a uvědomuje si možnosti kreativního já v obrazech, jazyce a materialitě okolního světa. Tato harmonie je vtělena do každého skutečně uměleckého díla (bez ohledu na to, jak složitý nebo tragický může být jeho konkrétní obsah) a přímo ovlivňuje diváka, čtenáře nebo posluchače, probouzí v něm vzpomínku, byť nejasnou, původní jednoty se světem a velkého „vnitřního člověka“.

Zde přirozeně vyvstává otázka. Je zřejmé, že kreativita a umělecká tvořivost nejsou v žádném případě synonyma, že tvůrčí seberealizace je možná ve všech oblastech lidské činnosti a ve všech jeho vztazích ke světu; Proč tak zdůrazňujeme význam umění a umělecké tvořivosti pro duševní zdraví člověka, a zejména rostoucího člověka?

Mluvíme především o věkové prioritě umění. Právě v této oblasti mohou téměř všechny děti předškolního, základního a raného dospívání v příznivých pedagogických podmínkách získat emocionálně pozitivní a úspěšnou zkušenost kreativity jako takové, generování a realizace vlastních nápadů.

Další. Existuje jiná oblast kultury, ve které mohou děti ve věku 9, 7, 4 let vytvořit něco, co je společností a nejvyšší profesionální elitou uznáváno jako hodnotné? Cenné ne proto, že to udělalo dítě, ale cenné jako nezávislý fakt kultury? A v umění je tomu přesně tak: vynikající mistři všech druhů umění již více než sto let vidí v dětech své mladší kolegy schopné vytvářet estetické hodnoty a dokonce se jim nebrání se od nich něco naučit. A ještě jedna věc. Mladý (ale stále ještě ne 4- nebo 7letý!) fyzik nebo matematik dělá v zásadě totéž, co dospělý vědec, jen o mnoho let dříve: žádná „dětská věda“ neexistuje. Dětské umění však existuje: protože je umělecky hodnotné, dětské dílo zároveň nese výrazný věkový znak, snadno identifikovatelný a neoddělitelný od umělecké hodnoty díla. To z mého pohledu hovoří o hluboké „přirozené konformitě“ umělecké tvořivosti: dítě získává plnohodnotné tvůrčí zkušenosti v pro něj věkově nejvhodnějších formách.

Existují však těžko vysvětlitelné jevy, kdy dítě vytvoří text nebo kresbu, která nenese věkovou známku ani ve smyslu citovém a významovém, ani z hlediska dokonalosti provedení. plán a mohl by patřit dospělému umělci. Nejsem připraven podrobně diskutovat a vysvětlovat tento úžasný fenomén - pouze vám připomenu, že i dospělý umělec ve své práci může být „větší než on sám“. Nebo ještě lépe, může to být „já“.

A. Melik-Pašajev

Literatura

Nápady estetická výchova. Antologie ve 2 svazcích. T.1, M.: "Umění", 1973
Aristoteles. Poetika. (O básnickém umění.) M.: Státní nakladatelství beletrie, 1957.
Krásný Yu.E. ART je vždy terapie. M.: Nakladatelství LLC Meziregionální centrum pro management a politické poradenství, 2006.
Toropová A.V. Rozvoj integrity osobnosti prostřednictvím smyslového plnění hudebního vědomí dítěte. / Metodika pedagogiky hudební výchova(vědecká škola E.B. Abdullina). – M., MPGU, 2007. S. 167-180.
Kirnarskaya D.K. Hudební schopnosti. M.: Talents-XXI století, 2004.
Lazarev M. Nové paradigma vzdělávání. Umění ve škole, č. 3, 2011
Sitnová E.N. Vliv umělecké a estetické výchovy na rozvoj osobnosti v dospívání a mládí. Autorský abstrakt. Disertační práce, M., 2005
Kašeková I. Čísla a jen čísla. Umění ve škole, č. 4, 2007
Bachtin M.M. Estetika verbální tvořivosti M.: Umění, 1979.
Turner, W. Symbol a rituál M.: Nauka, 1983.
Goethe, V. Poezie a pravda, sv. 3. Nakladatelství Beletrie, 1976.
Prishvin M.M. Síla související pozornosti. M.: Umění ve škole, M., 1996.
Florenskaja T.A. Dialog v praktické psychologii. M.:, 1991
Melik-Pashaev A.A. Svět umělce. M.: Pokrok-tradice, 2000.
Čechov M.A. Literární dědictví ve 2 svazcích. M.: Umění, 1995
Zenkovský V.V. Problém duševní kauzality. Kyjev, 1914

Autorem tohoto textu je Leonid Aleksandrovich Tiškov - ruský umělec- karikaturista. Text nabízený k analýze představuje autorovy úvahy o tom, zda skutečné umění má hranice.

Autor je přesvědčen, že kreativitou lze najít smysl a oporu v životě. Věří, že umělecká kreativita není jen způsob sebevyjádření. Někdy se může stát stéblo záchrany, lpěním na které člověk mnohé projde a přežije. Vnitřní klid, fantazie a kreativita zachránily v těžkých časech mnoho životů. Leonid Tiškov si je jistý, že umění osvobozuje, uvolňuje do svobody a může dát člověku pocit vnitřní svobody, i když je o ni ve skutečnosti ochuzený.

Myslím, že Leonid Tiškov má pravdu. Umění pomáhá přežít, pomáhá lidem pochopit situaci, dívat se na věci správně, někdy aniž by tušili jeho skutečnou sílu. Pro potvrzení vyslovené myšlenky lze uvést mnoho příkladů.

Stalingrad. Probíhají pouliční rvačky. Jednu stranu ulice okupují naši bojovníci, druhou fašisté. Oheň se nezastaví ve dne ani v noci. Ale jednoho dne, k večeru, vyjde ze dveří domu na ulici seržant. Míří doprostřed křižovatky, kde je mezi ruinami vidět klavír pokrytý cihlovým prachem, ale jaksi zázračně zachovalý. Naši vojáci hledí na seržanta zmateně a poplašeně. Všechno to může každou chvíli skončit... Lidé na druhé straně také vypadají zmateně.

Seržant jde ke klavíru, zvedne víko a začne hrát. Ticho nepřeruší jediný výstřel. Všechno to vypadá jako nějaké neuvěřitelné kouzlo, nějaký zázrak. Zvuky „Valčíku“ Fryderyka Chopina dolehly k vojákům jako z dávného poklidného života. Všichni poslouchají jako očarovaní. Stroje ztichly.

Ukazuje se, že síla hudby je větší než síla války. Ale co je to za sílu? Je úžasným symbolem míru a života. V tom je její síla. Nech to chvíli být, ale krásná hudba zastavil bitvu. To znamená, že Fjodor Michajlovič Dostojevskij měl pravdu, když řekl, že krása zachrání svět.

Umění obohacuje duchovní světčlověka a tím ho povznáší na další vyšší úroveň. D. Lichačev o tom řekl: „Osvětluje a zároveň posvěcuje život člověka. Dělá ho to laskavějším, a proto šťastnějším.“

I v těch nejbeznadějnějších dobách se díky umění vrací k člověku naděje. To je účel a síla umění.

Valeria Gumovskaya©

UMĚLECKÁ KREATIVITA - proces vytváření nových estetických hodnot umělecké tvořivosti je prvkem všech druhů společenské a produkční činnosti člověka, ale ve své plné kvalitě nachází výraz v tvorbě a provádění uměleckých děl. Ideová a estetická orientace kreativity je určena společenským a třídním postavením umělce, jeho světonázorem a estetickým ideálem.

Kreativita v umění je inovace jak v obsahu, tak ve formě uměleckých děl. Schopnost produktivně myslet je jistě povinným znakem talentu. Inovace však nejsou samoúčelné. Kreativita je nezbytná k tomu, aby produkt estetické činnosti měl novost i společenský význam; tak, aby jeho tvorba a způsob využití odpovídaly zájmům vyspělých vrstev a přispívaly k sociokulturnímu pokroku. Na rozdíl od formalistických estetiků, kteří kreativitu vnímají především pouze jako konstrukci nových forem a struktur, marxističtí estetici vycházejí z toho, že heuristická práce v umění se vyznačuje vytvářením nových společenských hodnot v rámci takových struktur.

Umělecká kreativita je neoddělitelná od rozvoje kulturního dědictví, z něhož si umělec spontánně či vědomě vybírá tradice, které mají progresivní význam a odpovídají jeho individualitě. Kreativita na jedné straně předpokládá přijetí a rozvoj určitých tradic, na druhé straně odmítnutí některých z nich, jejich překonání. Tvůrčí proces je dialektická jednota tvoření a negace. Hlavní věcí v této jednotě je stvoření. Kázání samořízené destrukce, charakteristické pro mnoho teoretiků dekadence a modernismu, se mění v pseudoinovaci, vyčerpávající tvůrčí potenciál umělce. Abyste se mohli v umění posouvat dál, aniž byste někoho opakovali, musíte dobře znát úspěchy svých předchůdců.

Z hlediska sociálně-gnozeologické kreativity je obrazným odrazem objektivního světa, jeho nového vidění a chápání umělcem. Působí také jako aktualizace umělcovy osobnosti a životní zkušenosti. Sebevyjádření, subjektivní povahy, není v protikladu k objektivnímu, ale je formou jeho odrazu v uměleckém díle. V tomto případě se toto sebevyjádření ukazuje současně jako vyjádření obecně platných, lidových a třídních myšlenek.

Svoboda představivosti, fantazie a intuice, šíře rozhledu, touha po komplexním poznání existence jsou nezbytnými součástmi kreativity. Umělec zároveň potřebuje sebeovládání při výběru a interpretaci životního materiálu, koncentraci a selektivitu pozornosti, přísnou disciplínu mysli a srdce. Ucelený umělecký obraz, ve kterém je výsledkem tvůrčího procesu, se rodí pouze tehdy, když je umělec schopen vidět a hluboce pochopit to, co je přirozené a typické prostřednictvím životních situací a faktů své vlastní biografie. V této funkci působí umělecká kreativita jako kreativita podle „zákonů krásy“ (K. Marx).

Kreativita v umění je vytvoření něčeho, co odráží skutečný svět, obklopující člověka. Dělí se na typy v souladu se způsoby provedení materiálu. Kreativitu v umění spojuje jeden úkol – služba společnosti.

Klasifikace

Moderní systém dělení umění, stejně jako ty s ním spojené, zahrnuje tři samostatné kategorie.

Do první skupiny patří druhy umění, které jsou vnímány vizuálně. Patří sem:

Umění a řemesla kreativita.
Umění architektury.
Kreativita ve výtvarném umění.
Umění sochařských obrazů.
Malování.
Umělecká fotografie jako forma kreativity.

Do druhé skupiny patří druhy umění dlouhodobého charakteru. Tento:

Beletrie jako rozsáhlá vrstva kultury, sestávající z četných tvůrčích metod tvorby děl.
Hudba v celé své rozmanitosti jako odraz tvůrčí procesy v umění.

Některé typy lze mezi sebou korelovat, jako např. muzikálová opera se při tvorbě libreta syntetizuje s literaturou.

Třetí skupinu tvoří časoprostorové typy kreativity, vnímané vizuálně i sluchově:

Divadelní umění.
Umění choreografie, muzikál, balet.
Filmové umění.
Žánr cirkusového představení.

Kreativita v umění jednotlivých forem

Komplexní umělecká malba nelze vytvořit na základě jednoho druhu umění. I takové akademické formy, jako je malba nebo socha, potřebují další prostředky - obrazy musí být umístěny v krásném rámu a socha musí být správně nasvícena.

Vzniká tedy docela široké pole pro využití různých tvůrčích postupů v umění, některé mohou být zásadní, jiné pomocné, ale v každém případě se obojí bude hodit. Příkladů kreativity v umění lze uvést donekonečna. Existuje zde několik gradací, ale všechny se řídí jednou obecnou formulací: velké umění vyžaduje vysoké standardy kreativity, kulturní kategorie menší se spokojí s nižší tvůrčí úrovní.

Jiná situace je v oblasti vědy. Nízká profesionalita je tam absolutně nepřijatelná. a umění jsou nesrovnatelné věci. Věda chyby neodpouští a umění dokáže proměnit jakékoli relativní nedostatky v dobro.

Talent a technologie

Kreativita v umění malých forem, jako jsou drobné plastiky v uměleckých řemeslech nebo scénické skici v divadle, nevyžaduje vysokou odbornou průpravu. K úspěchu v tomto druhu kreativity stačí mít určitý talent a ovládat technologie výroby uměleckých produktů nebo mít schopnost divadelní inscenace. V literatuře, abyste mohli napsat povídku nebo esej, nemusíte být spisovatel, stačí mít dobrý vkus a umět kompetentně vyjádřit své myšlenky.

Jednou z oblastí kultury, kde může člověk úspěšně uplatnit svůj tvůrčí potenciál, je Umělecká hodnota lidových uměleckých a řemeslných výrobků může být poměrně vysoká, pokud mistři své řemeslné práce. Kromě mistrovských řemesel musíte nejprve vybírat požadovaný materiál, a pouze zkušený řemeslník se s tímto úkolem vyrovná.

Utility

Kreativita v umění dekorativního a užitého umělce je tvorba umělecká předměty pro domácnost. Tyto výrobky zpravidla patří k folklóru, bez ohledu na to, zda jsou použity k určenému účelu nebo umístěny jako exponáty na výstavě. Při výrobě dekorativních předmětů se používají přírodní materiály: kost, kámen, dřevo, hlína.

Poměrně jednoduché jsou i způsoby zpracování surovin – jde o ruční práci pomocí jednoduchých nástrojů, a technika, dnes používaný, přišel moderní svět z dávné minulosti.

Místní příslušnost

Lidové umění a řemesla, které tvoří základ dekorativního a užitého umění v Rusku, jsou distribuovány podle regionů, každý typ patří do určité oblasti:

kostěná řezba - Kholmogory, Khotkovo;
výšivka - zlatá výšivka Vladimir;
kovové umělecké výrobky - šarlatové stříbro Veliky Ustyug;
- šátky Pavlovo Posad;
tkaní krajek - Vologda, Michajlovskoe;
Ruská keramika - Gzhel, Skopino, hračka Dymkovo, Kargopol;
malebné miniatury - Palekh, Mstera, Kholui;
dřevěné řezby - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya;
malba na dřevo - Khokhloma, Gorodetskaya, Fedoskino.

Sochařství

Umění tvorby reliéfních soch má kořeny ve středověku. Sochařství jako výtvarné umění ztělesňuje skutečný svět v uměleckých obrazech. Materiály používané k tvorbě soch jsou kámen, bronz, mramor, žula, dřevo. Ve zvláště velkých projektech se používá beton, ocelová výztuž a různá plastifikovaná plniva.

Sochařské sochy jsou konvenčně rozděleny do dvou typů: reliéfní a trojrozměrné trojrozměrné. Oba se hojně využívají k vytváření pomníků, pomníků a památníků. Reliéfní sochy se zase dělí do tří podtypů:

basreliéf - obraz s nízkým nebo středním reliéfem;
vysoký reliéf - vysoký reliéf;
protireliéf - vložený obrázek.

Každá socha může být klasifikována a kategorizována jako stojanová, dekorativní nebo monumentální. Sochy ze stojanů jsou zpravidla muzejními exponáty. Jsou umístěny uvnitř. Dekorativní jsou umístěny v veřejných místech, parky, náměstí, zahrady. vždy stát na často navštěvovaných veřejných místech, na náměstích, v centrálních ulicích a v těsné blízkosti vládních institucí.

Architektura

Utilitární architektura se objevila asi před čtyřmi tisíci lety a začala získávat známky umění krátce před narozením Krista. Architektura je považována za samostatnou uměleckou formu od počátku 12. století, kdy architekti začali v evropských zemích vztyčovat gotické stavby.

Kreativita v umění architektury je vytváření staveb, které jsou jedinečné z uměleckého hlediska. Dobrý příklad Projekty španělského architekta Antonia Gaudiho, které se nacházejí v Barceloně, lze považovat za kreativitu při výstavbě obytných budov.

Literatura

Časoprostorové odrůdy umění jsou nejvyhledávanějšími a společensky oblíbenými kategoriemi. Literatura je druh kreativity, ve které je základním faktorem umělecké slovo. ruská kultura osmnácté až devatenácté století znalo mnohé brilantní spisovatelé a básníci.

Kreativita v umění Alexandra Sergejeviče Puškina, velkého ruského básníka, byla mimořádně plodná. krátký život vytvořil celou sérii nesmrtelná díla v poezii a próze. Téměř všechny jsou považovány za mistrovská díla literatury. Některé jsou zahrnuty do seznamu brilantních výtvorů světového významu.

Znatelnou stopu zanechala i Lermontovova kreativita v umění. Jeho díla jsou učebnicová, v podstatě klasická. Básník také zemřel brzy, ve věku šestadvaceti let. Ale dokázal po sobě zanechat neocenitelné dědictví, mistrovské básně a mnoho básní.

Brilantní ruský spisovatel Nikolaj Vasiljevič Gogol zanechal stopy v ruské literatuře devatenáctého století. Spisovatel žil a tvořil v dobách největší slávy ruská společnost. Umění v Gogolových dílech je zastoupeno mnoha vysoce uměleckými díly zařazenými do Zlatého fondu ruské kultury.

Choreografie a balet

Taneční umění pochází z Ruska v dávných dobách. Lidé začali poprvé komunikovat jazykem tance při oslavách svátků. Poté měly tance podobu divadelních představení, objevili se profesionální tanečnice a baletky. Zpočátku byl taneční parket jevištěm stánku nebo arénou cirkusového šapitó. Poté se začaly otevírat ateliéry, ve kterých probíhaly jak zkoušky, tak baletní představení. Vžil se termín „choreografie“, což znamená „umění tance“.

Balet se rychle stal oblíbenou formou kreativity, zejména proto, že tanec byl nutně doprovázen hudbou, nejčastěji klasickou. Divadelní publikum se rozdělilo na dva tábory: na milovníky činoherních či operních představení a na ty, kteří se raději dívají na taneční představení divadelní scéna s hudebním doprovodem.

Filmové umění

Nejoblíbenější a v masové formě umění je kino. Za poslední půlstoletí ji nahradila televize, ale do kin stále chodí miliony lidí. Co vysvětluje tak vysokou poptávku po kinematografii? Za prvé, všestrannost této umělecké formy. Jakékoli literární dílo lze zfilmovat a v novém čtení bude ještě zajímavější. Baletní představení, populárně naučné příběhy – to vše lze ukázat i filmovým divákům.

Existuje celý průmysl filmové produkce, jehož základ tvoří velká filmová studia jako Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Paramount Pictures a několik dalších. Všechny velké filmové produkční společnosti sídlí v Hollywoodu, speciální oblasti amerického města Los Angeles. Stovky menších filmových studií jsou rozesety po celém světě. „Továrna na sny“ je to, čemu se říká světová kinematografie, a to je velmi přesná definice.