Umělci pracující v žánru nahá. Šokující mistrovská díla klasické malby

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejslavnějších a nejtalentovanějších umělcích naší doby. A věřte, že jejich díla zůstanou ve vaší paměti neméně hluboce než díla mistrů z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je současný polský umělec. Dostudoval na Slezském polytechnickém institutu, ale spojil se s. V poslední době maluje především ženy. Zaměřuje se na vyjádření emocí, snaží se jednoduchými prostředky dosáhnout co největšího účinku.

Miluje barvy, ale k dosažení nejlepšího dojmu často používá odstíny černé a šedé. Nebojte se experimentovat s různými novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang je současný americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrostl v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 s vyznamenáním promoval na Art Center College of Design v Pasadeně, kde získal titul BFA. Během následujících dvou desetiletí pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než se v roce 2009 vydal na dráhu profesionálního umělce.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové obrazy a obrazy zobrazující lidi při práci. Jeho zájem o tento styl malby sahá až k dílu umělce 16. století Johannese Vermeera a sahá do námětů, autoportrétů, portrétů rodinných příslušníků, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domovů. Jeho cílem je vytvořit náladu a emoce ve svých realistických obrazech pomocí manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu na tradiční výtvarné umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Oil Painters of America, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 má příležitost získat toto ocenění. Warren v současnosti žije v Monterey a pracuje ve svém ateliéru a také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Získal diplom ze scénografie na Institutu umění ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané malby mají kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci umocňuje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Animované a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neschovávají za oponu, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v polských Gliwicích, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, a tak se umělecké činnosti odmala dostávalo plné podpory obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde jeho učitelka a umělkyně Cathy Gaggliardi na částečný úvazek povzbudila Alkasandera, aby se přihlásil na uměleckou školu. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee ve Wisconsinu, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po promoci v roce 1995 s bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, kde studoval na School of Fine Arts, jejíž metody vycházejí z díla Jacquese-Louise Davida. Figurativní realismus a portrét tvořily většinu Balosovy tvorby v 90. letech a na počátku 21. století. Balos dnes využívá lidskou postavu k vyzdvižení vlastností a nedostatků lidské existence, aniž by nabízel nějaká řešení.

Námětové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak obrazy získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se námět jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější malířské metody, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály existence prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je současná americká umělkyně. Narozen v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování jsem se začal zajímat, když jsem byl ještě dítě. Studovala na The New School v New Yorku a na Montclair State University a v roce 1999 absolvovala Boston College s bakalářským titulem. Současně studovala malbu na akademii Lorenza de' Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v magisterském studijním programu na New York Academy of Art, na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Nějakou dobu přednášela na univerzitách a vzdělávacích institucích po celé zemi, vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, deformuji lidské tělo. Tyto filtry vám umožní vytvořit velké plochy abstraktního designu, skrz které pronikají ostrůvky barev – části lidského těla.

Moje obrazy mění moderní pohled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Pozornému divákovi by mohly leccos říci o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy se tisknou ke sklu sprchového okna, deformují svá vlastní těla a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy se mísí tak, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka se však projeví úžasné fyzikální vlastnosti olejové barvy. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím bod, kdy se abstraktní tahy štětcem stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a věřil jsem, že své obrazy musím udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a odhalovat rozpory sám o sobě. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se střetává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

Italský umělec –“ Pozorovatel času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt také v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Pozorovatel času„Antonio Finelli nás vezme na věčnou cestu vnitřním světem lidské dočasnosti as tím spojenou pečlivou analýzou tohoto světa, jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které zanechává na kůži.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svá díla jediným obecným názvem: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času uvnitř člověka.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě a tři roky v Anglii a Francii. Vystudovala dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom restaurátorky umění. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku poznala v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a renesanční realismus. Její oblíbený umělec je Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování charkovské umělecké školy v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a tvoří. Studoval také na Charkovské státní akademii designu a umění, katedře grafiky, kterou ukončil v roce 2004.

Pravidelně se účastní výtvarných výstav, do dnešního dne jich bylo na Ukrajině i v zahraničí více než šedesát. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresby tužkou patří k jeho nejoblíbenějším malířským metodám, velmi rozmanitý je také výčet námětů v kresbách tužkou, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantazie.

.
Tento umělec, který v roce 1994 vystudoval grafický design na Tverské umělecké škole, ohromuje fantazii svým mimořádným stylem a krásnými kompozicemi.

Je tvůrcem skutečně unikátních ilustrací s retro nádechem. Waldemar Kazak je umělec se smyslem pro humor, má osobité vidění každodenního života, umí se smát každodennímu životu, často si dělá legraci z významu pohádek pro děti, z politiků a moderní mládeže.

Moderní ilustrátor pracuje v každodenním žánru s důrazem na karikaturu. Postavy z Kazakových děl je těžké si nevšimnout a zapamatovat si je. Všechny jsou velmi barevné, výrazné a světlé.

Jeho dechberoucí kompozice jsou naplněny stylem poválečné estetiky, který se prosadil v 50. letech dvacátého století, retro brilantnost se projevuje doslova ve všem: od výběru námětu obrazu až po výběr barev.

Toto o svém stylu říká sám Waldemar Kazak:

Jako každý člověk (nebo umělec) mám svůj rukopis. Ale nevychovám ho, protože se bojím propadnout manýrům. Kromě toho je na trhu poptávka po jasném individuálním psaní. Ano, vlastně už to všichni vědí.

Úžasně jasné, vzrušující, poutavé umělecké kresby v retro stylu Waldemara Kazaka nenechají nikoho lhostejným!

V umění jsou věčná témata. Jedním z nich je téma ženy, téma mateřství. Každá doba má svůj ideál ženy, celá historie lidstva se odráží v tom, jak lidé viděli ženu, jaké mýty ji obklopovaly a pomáhaly ji vytvořit. Jedno je jisté – ve všech staletích a dobách Ženská postava přitahovala, přitahuje a nadále bude přitahovat zvláštní pozornost umělců.

Obrazy žen vytvořené v portrétním umění nesou poetický ideál v harmonické jednotě jeho duchovních kvalit a vnějšího vzhledu. Z portrétů můžeme soudit, jak je vzhled ženy a její mentální složení ovlivněno společenským děním, módou, literaturou, uměním a malbou jako takovou.

Představujeme vám různé obrazy žen v obrazech různých směrů

REALISMUS

Podstatou směru je zachytit realitu co nejpřesněji a nejobjektivněji. Zrod realismu v malbě je nejčastěji spojován s dílem francouzského umělce Gustava Courbeta, který v roce 1855 otevřel v Paříži svou osobní výstavu „Pavilon realismu“. Opakem romantismu a akademismu. V 70. letech 19. století se realismus dělil na dva hlavní směry – naturalismus a impresionismus. Přírodovědci byli umělci, kteří se snažili zachytit realitu co nejpřesněji a fotograficky.

Ivan Kramskoy "Neznámý"

Serov "Dívka s broskvemi"

AKADEMISMUS

Akademie rostla následováním vnějších forem klasického umění. Akademie ztělesňovala tradice starověkého umění, v němž byl obraz přírody idealizován. Ruský akademismus první poloviny 19. století se vyznačuje vznešenou tématikou, vysokým metaforickým stylem, všestranností, mnohofigurami a okázalostí. Oblíbené byly biblické výjevy, salónní krajiny a slavnostní portréty. Přes omezený námět obrazů se díla akademiků vyznačovala vysokou technickou dovedností.

Bouguereau "Plejády"

Bouguereau "Nálada"

Cabanel "Zrození Venuše"

IMPRESIONISMUS

Představitelé stylu se snažili co nejpřirozeněji a nezaujatě zachytit skutečný svět v jeho pohyblivosti a variabilitě a zprostředkovat své prchavé dojmy. Francouzský impresionismus nenastoloval filozofické otázky. Místo toho se impresionismus zaměřuje na povrchnost, plynulost okamžiku, náladu, osvětlení nebo úhel pohledu. Jejich obrazy představovaly pouze pozitivní stránky života, nenarušovaly sociální problémy a vyhýbaly se problémům jako hlad, nemoci a smrt. Biblické, literární, mytologické a historické předměty, které jsou součástí oficiálního akademismu, byly vyřazeny. Předměty byly flirtování, tanec, pobyt v kavárně a divadle, výlety lodí, na plážích a v zahradách. Soudě podle obrazů impresionistů je život sledem malých prázdnin, večírků, příjemných kratochvílí mimo město nebo v přátelském prostředí.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir "Portrét Jeanne Samary"

Manet "Snídaně v trávě"

Mayo "RosaBrava"

Lautrec "Žena s deštníkem"

SYMBOLISMUS

Symbolisté radikálně změnili nejen různé druhy umění, ale i samotný postoj k němu. Jejich experimentální charakter, touha po inovacích a kosmopolitnost se staly vzorem pro většinu moderních uměleckých směrů. Používali symboly, podceňování, narážky, tajemství, záhady. Hlavní náladou byl často pesimismus, dosahující bodu zoufalství Na rozdíl od jiných hnutí v umění věří symbolismus ve vyjádření „nedosažitelných“, někdy až mystických představ, obrazů věčnosti a krásy.

Redon "Ophelia"

Franz von Stuck "Salome"

Watt "Naděje"

Rosseti "Persephone"

MODERNÍ

Modernismus se snažil spojit uměleckou a užitnou funkci vytvořených děl, zapojit všechny sféry lidské činnosti do sféry krásy. V důsledku toho je zájem o užité umění: interiérový design, keramika, knižní grafika. Art Nouveau umělci čerpali inspiraci z umění starověkého Egypta a starověkých civilizací. Nejnápadnějším rysem secese bylo opuštění pravých úhlů a linií ve prospěch hladších, zakřivených linií. Secesní umělci často brali jako základ svých kreseb ornamenty ze světa rostlin.

Klimt "Portrét Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Danae"

Klimt „Tři věky žen“

Fly "Ovoce"

EXPRESIONISMUS

Expresionismus je jedním z nejvlivnějších uměleckých směrů 20. století. Expresionismus vznikl jako reakce na akutní krizi první čtvrtiny 20. století, první světovou válku a následná revoluční hnutí, ošklivost buržoazní civilizace, která vyústila v touhu po iracionalitě. Byly použity motivy bolesti a křiku, nad obrazem začal převládat princip výrazu.

Modigliani. Pomocí těl a tváří žen se snaží proniknout do duší svých postav. „Zajímám se o lidskou bytost. Obličej je největším výtvorem přírody. Neúnavně to používám,“ opakoval.

Modigliani "Spící akt"

Schiele "Žena v černých punčochách"

KUBISMUS

Kubismus je modernistické hnutí ve výtvarném umění (především malířství) 1. čtvrtiny 20. století, které vyzdvihlo formální úkol konstruovat trojrozměrnou formu na rovině, minimalizující vizuální a kognitivní funkce umění. Vznik kubismu se tradičně datuje do let 1906-1907 a je spojen s dílem Pabla Picassa a Georgese Braquea. Obecně byl kubismus rozchodem s tradicí realistického umění, které se rozvinulo během renesance, včetně vytváření vizuální iluze světa v rovině. Dílo kubistů bylo výzvou standardní kráse salonního umění, vágním alegoriím symbolismu a nestálosti impresionistické malby. Kubismus, který vstoupil do kruhu rebelských, anarchistických, individualistických hnutí, mezi nimi vynikl svou přitažlivostí k askezi barev, k jednoduchým, těžkým, hmatatelným formám a elementárním motivům.

Picasso "Plačící žena"

Picasso "Hra na mandolínu"

Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"

SURREALISMUS

Základní koncept surrealismu, surrealita- spojení snu a reality. Aby toho dosáhli, navrhli surrealisté absurdní, rozporuplnou kombinaci naturalistických obrazů prostřednictvím koláže a přesouvání objektu z neuměleckého prostoru do uměleckého, díky čemuž je objekt odhalen z nečekané strany, vlastnosti, které nebyly zaznamenány zvenčí. objevuje se v něm umělecký kontext. Surrealisté se inspirovali radikálně levicovou ideologií, ale navrhli zahájit revoluci s vlastním vědomím. Umění považovali za hlavní nástroj osvobození. Tento směr se vyvinul pod velkým vlivem Freudovy teorie psychoanalýzy. Surrealismus měl kořeny v symbolismu a byl zpočátku ovlivněn symbolistickými umělci jako Gustave Moreau a Odilon Redon. Mnoho z populárních umělců byli surrealisté, včetně René Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.

Žánry malby se objevovaly, získávaly na oblibě, zanikaly, objevovaly se nové a v rámci stávajících se začaly rozlišovat podtypy. Tento proces se nezastaví, dokud člověk existuje a snaží se zachytit svět kolem sebe, ať už jde o přírodu, budovy nebo jiné lidi.

Dříve (do 19. století) docházelo k dělení malířských žánrů na tzv. „vysoké“ žánry (francouzský velký žánr) a „nízké“ žánry (francouzský žánr petit). Toto rozdělení vzniklo v 17. století. a byl založen na tom, jaký předmět a děj byly zobrazeny. V tomto ohledu mezi vysoké žánry patřily: bitevní, alegorický, náboženský a mytologický a mezi nízké žánry portrét, krajina, zátiší, animalismus.

Rozdělení do žánrů je dosti libovolné, protože v obraze mohou být přítomny prvky dvou nebo více žánrů současně.

Animalismus nebo živočišný žánr

Animalismus, neboli animalistický žánr (z latinského zvíře - zvíře) je žánr, ve kterém je hlavním motivem obraz zvířete. Dá se říci, že jde o jeden z nejstarších žánrů, protože... kresby a postavy ptáků a zvířat byly přítomny v životě primitivních lidí. Například na známém obraze I.I. Shishkinovo „Ráno v borovém lese“, příroda je vyobrazena samotným umělcem a medvědy jsou vyobrazeny zcela jiným umělcem, který se specializuje na zobrazování zvířat.

I.I. Shishkin „Ráno v borovém lese“

Jak lze rozlišit poddruh? Hroch žánr(z řeckého hroši - kůň) - žánr, ve kterém je středem obrazu obraz koně.

NE. Sverchkov „Kůň ve stáji“

Portrét

Portrét (z francouzského slova portrét) je obraz, na kterém je ústředním obrazem osoba nebo skupina lidí. Portrét zprostředkovává nejen vnější podobnost, ale také odráží vnitřní svět a vyjadřuje umělcovy pocity vůči osobě, jejíž portrét maluje.

TJ. Repin Portrét Mikuláše II

Žánr portrétu se dělí na individuální(obrázek jedné osoby), skupina(obrázek několika lidí), podle povahy obrázku - ke vchodovým dveřím, kdy je člověk zobrazen v plném růstu na výrazném architektonickém nebo krajinném pozadí a komora, kdy je osoba zobrazena po hruď nebo pas na neutrálním pozadí. Skupina portrétů, sjednocených podle nějaké charakteristiky, tvoří soubor neboli portrétní galerii. Příkladem mohou být portréty členů královské rodiny.

Vyniká samostatně autoportrét, ve kterém umělec zobrazuje sám sebe.

K. Bryullov Autoportrét

Portrét je jedním z nejstarších žánrů – první portréty (sochařské) existovaly již ve starověkém Egyptě. Takový portrét působil jako součást kultu o posmrtném životě a byl „dvojníkem“ člověka.

Scenérie

Krajina (z francouzského paysage - země, oblast) je žánr, ve kterém je ústředním obrazem obraz přírody - řeky, lesy, pole, moře, hory. V krajině je hlavním bodem samozřejmě děj, ale neméně důležité je zprostředkovat pohyb a život okolní přírody. Příroda je na jednu stranu krásná a vzbuzuje obdiv, ale na druhou stranu je dost těžké to odrazit na obrázku.

C. Monet „Pole vlčích máků v Argenteuil“

Poddruh krajiny je přímořská krajina nebo přístav(z francouzštiny marine, italsky marina, z latiny marinus - moře) - obraz námořní bitvy, moře nebo jiné události odehrávající se na moři. Významným představitelem námořních malířů je K.A. Aivazovský. Je pozoruhodné, že umělec napsal mnoho detailů tohoto obrazu z paměti.

I.I. Aivazovsky "Devátá vlna"

Umělci se však často snaží namalovat moře ze života, například W. Turner pro svůj obraz „Blizzard. Parník u vjezdu do přístavu dává nouzový signál poté, co se dostal do mělké vody,“ strávil 4 hodiny připoután ke kapitánskému můstku lodi plující v bouři.

W. Turner „Blizzard. Parník u vjezdu do přístavu dává nouzový signál poté, co se dostal do mělké vody."

Vodní živel je zobrazen i v říční krajině.

Samostatně alokovat panoráma města, ve kterém jsou hlavním námětem snímku ulice a budovy města. Typ městské krajiny je Veduta– obraz městské krajiny v podobě panoramatu, kde je jistě zachováno měřítko a proporce.

A. Canaletto „Piazza San Marco“

Existují i jiné typy krajiny - venkovské, průmyslové a architektonické. V architektonické malbě je hlavním tématem obraz architektonické krajiny, tzn. budovy, stavby; zahrnuje obrazy interiérů (interiérová výzdoba prostor). Někdy Interiér(z francouzského intérieur - interní) se rozlišuje jako samostatný žánr. Jiný žánr se vyznačuje architektonickou malbou — Capriccio(z italského capriccio, rozmar, rozmar) - architektonická fantazijní krajina.

Zátiší

Zátiší (z francouzského nature morte - mrtvá příroda) je žánr věnovaný zobrazování neživých předmětů, které jsou umístěny ve společném prostředí a tvoří skupinu. Zátiší se objevilo v 15.-16. století, ale jako samostatný žánr vzniklo až v 17. století.

Navzdory tomu, že slovo „zátiší“ je přeloženo jako mrtvá příroda, na obrazech jsou kytice květin, ovoce, ryb, zvěřiny, pokrmů – vše vypadá „jako živé“, tzn. jako skutečná věc. Od okamžiku svého vzniku až do dnešního dne bylo zátiší důležitým žánrem v malbě.

K. Monet „Váza s květinami“

Jako samostatný poddruh můžeme rozlišit Vanitas(z latiny Vanitas - marnost, marnost) je malířský žánr, v němž ústřední místo na obraze zaujímá lidská lebka, jejíž obraz má připomínat marnost a křehkost lidského života.

Obraz F. de Champagne představuje tři symboly křehkosti existence - Život, Smrt, Čas prostřednictvím obrazů tulipánu, lebky, přesýpacích hodin.

Historický žánr

Historický žánr je žánr, ve kterém obrazy zachycují důležité události a společensky významné jevy minulosti nebo současnosti. Pozoruhodné je, že obraz může být věnován nejen skutečným událostem, ale také událostem z mytologie nebo například popsaným v Bibli. Tento žánr je velmi důležitý pro dějiny, jak pro dějiny jednotlivých národů a států, tak pro lidstvo jako celek. V obrazech je historický žánr neoddělitelný od ostatních typů žánrů - portrét, krajina, bitevní žánr.

TJ. Repin „Kozáci píší dopis tureckému sultánovi“

K. Bryullov „Poslední den Pompejí“

Bitevní žánr

Žánr bitvy (z francouzského bataille - bitva) je žánr, ve kterém obrazy zachycují vrchol bitvy, vojenské operace, okamžik vítězství, výjevy z vojenského života. Bitevní malba se vyznačuje zobrazením velkého množství lidí na obraze.

A.A. Deineka "Obrana Sevastopolu"

Náboženský žánr

Náboženský žánr je žánr, ve kterém je hlavní dějová linie na obrazech biblická (výjevy z Bible a evangelia). Téma se týká náboženské a ikonomalby, rozdíl mezi nimi je v tom, že obrazy náboženského obsahu se neúčastní bohoslužeb a pro ikonu je to hlavní účel. Ikonografie přeloženo z řečtiny. znamená „modlitební obraz“. Tento žánr byl omezen přísným rámcem a zákony malby, protože nemá odrážet realitu, ale zprostředkovat myšlenku Božího principu, ve kterém umělci hledají ideál. Na Rusi dosahuje ikonomalba svého vrcholu ve 12.–16. století. Nejznámější jména malířů ikon jsou Theophanes the Greek (fresky), Andrei Rublev, Dionýsius.

A. Rublev „Trojice“

Jak vyniká přechodová fáze od malby ikon k portrétu Parsuna(zkomoleno z lat. persona - osoba, osoba).

Parsun Ivana Hrozného. Autor neznámý

Každodenní žánr

Obrazy zobrazují scény každodenního života. Umělec často píše o životních okamžicích, jichž je současníkem. Charakteristickými rysy tohoto žánru jsou realističnost obrazů a jednoduchost děje. Obraz může odrážet zvyky, tradice a strukturu každodenního života konkrétních lidí.

Malování pro domácnost zahrnuje takové slavné obrazy jako „Dopravci člunů na Volze“ od I. Repina, „Trojka“ od V. Perova, „Nerovné manželství“ od V. Pukireva.

I. Repin „Dopravci nákladních člunů na Volze“

Epicko-mytologický žánr

Epicko-mytologický žánr. Slovo mýtus pochází z řečtiny. „mythos“, což znamená tradice. Obrazy zobrazují události legend, eposů, tradic, starověkých řeckých mýtů, starověkých příběhů, zápletek lidových děl.

P. Veronese "Apollo a Marsyas"

Alegorický žánr

Alegorický žánr (z řeckého allegoria - alegorie). Obrazy jsou malovány tak, aby měly skrytý význam. Nepodstatné myšlenky a pojmy, neviditelné očím (síla, dobro, zlo, láska), jsou přenášeny prostřednictvím obrazů zvířat, lidí a jiných živých bytostí s takovými přirozenými vlastnostmi, které mají symboliku již zafixovanou v myslích lidí a pomáhají pochopit obecný smysl práce.

L. Giordano „Láska a neřesti odzbrojují spravedlnost“

Pastorální (z francouzského pastorale - pastorační, venkovské)

Žánr malby, který oslavuje a poetizuje prostý a poklidný venkovský život.

F. Boucher „Podzimní pastorace“

Karikatura (z italského caricare - přehánět)

Žánr, ve kterém se při tvorbě obrazu záměrně využívá komického efektu zveličováním a vyostřováním rysů, chování, oblečení apod. Účelem karikatury je urazit, na rozdíl např. od karikatury (z francouzského náboje) , jehož účelem je jednoduše udělat si legraci. S pojmem „karikatura“ úzce souvisí pojmy jako populární tisk a groteska.

Nude (z francouzského nu - nahý, svlečený)

Žánr, ve kterém obrazy zobrazují nahé lidské tělo, je nejčastěji ženský.

Tizian Vecellio "Venuše z Urbina"

Podvod, nebo trompe l'oeil (z francouzštiny. trompe-l'œil - optický klam)

Žánr, jehož charakteristickým rysem jsou speciální techniky vytvářející optický klam a umožňující smazat hranici mezi realitou a obrazem, tzn. klamný dojem, že předmět je trojrozměrný, když je dvourozměrný. Někdy se blende rozlišuje jako podtyp zátiší, ale někdy jsou v tomto žánru zobrazováni i lidé.

Per Borrell del Caso „Utíkat před kritikou“

Pro doplnění vnímání vábniček je vhodné uvažovat je v originále, protože reprodukce není schopna plně vyjádřit efekt, který umělec zobrazil.

Jacopo de Barberi "Koroptev a železné rukavice"

Tématický obrázek

Směs tradičních žánrů malby (domácí, historická, bitevní, krajinná atd.). Jiným způsobem se tento žánr nazývá figurativní kompozice, jeho charakteristické rysy jsou: hlavní roli hraje osoba, přítomnost děje a společensky významné myšlenky, nutně se ukazují vztahy (střety zájmů/postav) a psychologické akcenty. .

V. Surikov "Boyaryna Morozova"

Čínský umělec a fotograf Dong Hong-Oai se narodil v roce 1929 a zemřel v roce 2004 ve věku 75 let. Zanechal po sobě neuvěřitelná díla vytvořená ve stylu piktorialismu – úžasné fotografie podobné dílům tradiční čínské malby.

Dong Hong-Oai se narodil v roce 1929 v Guangzhou, provincie Guangdong, Čína. Ze země odešel v sedmi letech po nečekané smrti svých rodičů.

Jako nejmladší z 24 dětí odešel Dong žít v čínské komunitě v Saigonu ve Vietnamu. Později Čínu několikrát navštívil, ale už nikdy v této zemi nežil.

Po příjezdu do Saigonu se Dong stal učedníkem ve fotografickém studiu čínských přistěhovalců. Tam se naučil základy fotografie. Zamiloval si také fotografování přírody, k čemuž často využíval jeden z fotoaparátů z ateliéru. V roce 1950, ve věku 21 let, vstoupil na Vietnamskou národní univerzitu umění.

V roce 1979 se otevřela krvavá hranice mezi Vietnamskou socialistickou republikou a Čínskou lidovou republikou. Vietnamská vláda zahájila represivní politiku proti etnickým Číňanům žijícím v zemi. V důsledku toho se Dong stal jedním z milionů „lodí lidí“, kteří koncem 70. a začátkem 80. let uprchli z Vietnamu.

Ve věku 50 let, když nemluvil anglicky a neměl rodinu ani přátele ve Spojených státech, přijel Dong do San Francisca. Podařilo se mu dokonce zakoupit malou místnost pro vyvolávání fotografií.

Prodejem svých fotografií na místních pouličních veletrzích si Dong dokázal vydělat dostatek peněz na to, aby se pravidelně vracel do Číny fotografovat.

Navíc měl možnost nějakou dobu studovat pod vedením Long Chin-San na Tchaj-wanu.

Long Chin-San, který zemřel v roce 1995 ve věku 104 let, vyvinul fotografický styl založený na tradičním čínském zobrazení přírody.

Čínští umělci po staletí vytvářeli majestátní monochromatické krajiny pomocí jednoduchých štětců a inkoustu.

Tyto obrazy neměly přesně zobrazovat přírodu, měly zprostředkovat emocionální atmosféru přírody. V posledních letech říše písní a na počátku říše Yuan začali umělci na jednom plátně kombinovat tři různé umělecké formy... poezii, kaligrafii a malbu.

Věřilo se, že tato syntéza forem umožňuje umělci plně se vyjádřit.

Long Chin-San, narozený v roce 1891, studoval přesně tuto klasickou malířskou tradici. V určitém okamžiku své dlouhé kariéry začal Luhn experimentovat s přenesením impresionistického stylu umění do fotografie.

Při zachování vrstveného přístupu k měřítku vyvinul metodu vrstvení negativů, která odpovídala třem úrovním vzdálenosti. Lung naučil tuto metodu Dong.

Ve snaze napodobit tradiční čínský styl ještě blíže přidal Dong k fotografiím kaligrafii.

Dongova nová díla, založená na starých čínských obrazech, začala přitahovat kritickou pozornost v 90. letech.

Své fotografie už nemusel prodávat na pouličních veletrzích; nyní ho zastupoval agent a jeho dílo se začalo prodávat v galeriích po celých Spojených státech, Evropě a Asii.

Už se nemusel spoléhat na jednotlivé klienty; jeho dílo nyní vyhledávali nejen soukromí sběratelé umění, ale i firemní kupci a muzea. Bylo mu asi 60 let, když poprvé v životě dosáhl určitého finančního úspěchu.

Piktorialismus je směr ve fotografii, který se objevil kolem roku 1885 po rozsáhlé prezentaci fotografického procesu na mokré tiskové desky. Hnutí dosáhlo svého vrcholu na samém počátku 20. století a období úpadku nastalo v roce 1914, po vzniku a šíření modernismu.

Termíny „piktorialismus“ a „piktorialista“ se rozšířily po roce 1900.

Piktorialismus se zabývá myšlenkou, že umělecká fotografie by měla napodobovat malbu a rytinu tohoto století.

Většina těchto fotografií byla v černobílých nebo sépiových tónech. Mezi použité techniky patřily: nestabilní ohnisko, speciální filtry a povlak čočky, stejně jako exotické tiskové procesy.