Slavní japonští umělci. Japonská klasická malba: nejslavnější jména

Japonská malba je nejstarší druh umění. To zahrnuje různé tvary, žánry a různorodý obsah.

Japonská malba je nejstarší formou umění. Zahrnuje různé formy, žánry a pestrý obsah. Elegantní umění odhaluje světu obrazy, kterými jsou obrazovky, nástěnné malby, hedvábné nebo papírové svitky, vějíře, stojanové obrazy a rytiny.

Japonská malba se vyznačuje velký počet různé žánry a styly. Příroda zaujímá přední místo v japonském malířství, stejně jako v literatuře. Je prezentována jako strážkyně božského principu. Japonská malba má svůj původ v čínském umění, takže její žánry jsou velmi podobné žánrům Říše středu. V současné době mnoho japonských umělců dává přednost studiu v Číně.

Malování v Japonsku má ve své historii několik etap. Každý z nich má své vlastní vlastnosti a zvláštnosti.

Za počáteční fázi vývoje je považováno časové období od poloviny sedmého století do konce století osmého, tzv. Nara. Chrám Horyuji byl vymalován během tohoto období, což poskytuje vynikající důkazy o vlivu japonská kultura Indické a čínské tradice.

Další období ve vývoji japonské malby je tzv Heian. Je známé aktivním rozkvětem chrámové malby a příklady světského umění zobrazování. V tomto období vznikaly ilustrace k románům a příběhům, které měly pobavit urozené gentlemany.

Období Kamakura(zabírá časové období od konce 12. století do 1. poloviny 14. století), které zabíralo časové období od konce 12. století do 1. poloviny 14. století, se vyznačuje změnou stylů. , hledání nových způsobů zobrazení života. Nálada japonské malby se dramaticky mění. Dříve malby navodilo optimistickou, lehkou a radostnou atmosféru. Během tohoto období byl učiněn velký krok směrem k realistický obraz, stejně jako dává obrazu téměř vojenský charakter. Typickým námětem malby jsou bitevní výjevy z mýtů a historie, náboženské výjevy z buddhistické tradice. Portréty významných vládních osobností jsou široce používány.

Během Muromachi(období od 1. poloviny 14. století do 2. poloviny 16. století), trend, který proslavil japonské malířství po celém světě. Filozofie zenového buddhismu měla významný vliv na malbu, což vedlo k popularitě krajinného umění. Monochromatická technologie získala zvláštní eleganci. V tomto období byla japonská malba ovlivněna Čínou. Nejslavnější japonský umělec V té době Toyo Oda, který se specializoval na malbu krajin, vytvořil své první obrazy, když cestoval po Říši středu. Směr rozvinul již ve své vlasti.

Výše popsaný trend se aktivně rozvíjel a doplňoval během následujících dvou období ve vývoji japonské malby - Monojama A Edo. Monochromatická technika byla sofistikovanější možností. Detaily byly pečlivě propracovány a vykresleny. Umělci se nebáli experimentovat a při nástěnné malbě začali využívat techniky dříve používané při malbě na svitky a obrazovky. Začaly se doplňovat krajiny a davové scény psychologické příběhy, demonstrující hrdinu ve chvíli silného emočního stresu. Kromě tradiční malby je v Japonsku stále oblíbenější dřevoryt. Dělilo se na dva typy: divadelní rytina a každodenní popisná rytina. Nejvíce slavný mistr divadelním tiskem je Choshusai Sharaku. Každodenní rytina se aktivně rozvíjela v dílech Suzuki Harunobu a Kitagawa Utamaro.

Máte rádi japonskou malbu? Kolik toho víte o slavných japonských umělcích? Zamysleme se s vámi v tomto článku nejvíce slavných umělců Japonsko, kteří vytvořili svá díla ve stylu ukiyo-e (浮世絵). Tento styl malby se vyvinul z období Edo. Hieroglyfy používané k napsání tohoto stylu 浮世絵 doslova znamenají „obrazy (obrazy) měnícího se světa“, můžete si přečíst více o tomto směru malby

Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Považován za zakladatele žánru ukiyo-e, i když ve skutečnosti je pouze prvním mistrem, jehož život se zachoval biografické informace. Moronobu se narodil do rodiny mistrů v barvení látek a vyšívání zlatými a stříbrnými nitěmi a dlouho se zabýval rodinným řemeslem, takže charakteristickým rysem jeho práce je krása zdobené oblečení krásy, což dává nádherný umělecký efekt.

Poté, co se přestěhoval do Eda, nejprve samostatně studoval malířské techniky a poté ve studiu pokračoval umělec Kambun.

Dostali jsme se k nám především z Moronobuových alb, ve kterých zobrazuje historické a literární předměty a knihy se vzory kimon. Mistr pracoval také v žánru šunga a mezi jednotlivými díly se dochovalo několik zobrazující krásné ženy.

(鳥居清長, 1752-1815). Mistr Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei), uznávaný na konci 18. století, nesl pseudonym Torii Kiyonaga, který převzal po zdědění Toriiho školy ukiyo-e od Torii Kiyomitsu po jeho smrti.

Kiyonaga se narodil do rodiny knihkupce Shirakoya Ishibei. Nejslavnější Přinesl ho žánr bijinga, i když začínal s yakusha-e. Náměty pro rytiny v žánru bijinga byly převzaty z každodenní život: procházky, slavnostní průvody, vyrazit do přírody. Mezi mnoha umělcovými díly vyniká série „Soutěže“. módních krásek z zábavné čtvrti“, zobrazující Minami, jednu ze „zábavných čtvrtí“ na jihu Eda, „12 portrétů jižních krás“, „10 druhů čajoven“. Výrazná vlastnost Master byla podrobná studie pohledu na pozadí a použití technik, které přišly ze Západu k zobrazení světla a prostoru.

Kiyonaga získal počáteční slávu obnovením série „Módní vzorky: Modely nové jako jarní listy“ v roce 1782, kterou začal Koryusai v 70. letech 18. století pro vydavatele Nishimurai Yohachi.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Tento vynikající mistr ukiyo-e byl významně ovlivněn Torii Kiyonaga a vydavatelem Tsutaya Juzaburo. V důsledku dlouhodobé spolupráce s posledně jmenovanou vyšlo mnoho alb, knih s ilustracemi a série rytin.

Navzdory skutečnosti, že Utamaro vzal náměty ze života prostých řemeslníků a snažil se znázornit přírodu („Kniha hmyzu“), proslavil se jako umělec děl věnovaných gejšám ze čtvrti Yoshiwara („Ročenka Yoshiwara Green Houses Yearbook “).

Utamaro dosáhl vysoká úroveň ve výrazu stavy mysli na papíře. Poprvé v japonských dřevorytech začal používat bustové kompozice.

Právě Utamarovo dílo ovlivnilo francouzské impresionisty a přispělo k evropskému zájmu o japonské tisky.

(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaiovo skutečné jméno je Tokitaro. Pravděpodobně nejznámější mistr ukiyo-e po celém světě. Během své kariéry používal přes třicet pseudonymů. Historici často používají pseudonymy k periodizaci jeho práce.

Hokusai nejprve pracoval jako řezbář, jehož tvorba byla limitována umělcovými záměry. Tato skutečnost Hokusaie těžce zatížila a začal se hledat jako nezávislý umělec.

V roce 1778 se stal učedníkem ve studiu Katsukawa Shunsho, které se specializovalo na tisky yakusha-e. Hokusai byl talentovaný a velmi pilný student, který vždy projevoval úctu svému učiteli, a proto se těšil zvláštní přízni Shunsho. Tedy první samostatná práce Hokusai byli v žánru yakusha-e ve formě diptychů a triptychů a popularita studenta se rovnala popularitě učitele. V této době již mladý mistr rozvinul svůj talent natolik, že se v rámci jedné školy cítil stísněně a po smrti svého učitele Hokusai opustil ateliér a studoval směry dalších škol: Kano, Sotatsu (jinak Koetsu), Rimpa, Tosa.

Během tohoto období měl umělec značné finanční potíže. Zároveň ale dochází k jeho formování jako mistra, který odmítá obvyklý obraz, který společnost požadovala, a hledá svůj vlastní vlastní styl.

V roce 1795 spatřily světlo světa ilustrace k poetické antologii „Keka Edo Murasaki“. Poté Hokusai maloval obrazy surimono, které si okamžitě začaly získávat oblibu a mnoho umělců je začalo napodobovat.

Od tohoto období začal Tokitaro svá díla podepisovat jménem Hokusai, i když některé jeho práce vycházely pod pseudonymy Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.

V roce 1800 si mistr začal říkat Gakejin Hokusai, což znamenalo „Šílený Hokusai malby“.

Slavná série ilustrací zahrnuje „36 pohledů na horu Fuji“, z nichž nejpozoruhodnější jsou „Victory Wind. Clear Day" nebo "Red Fuji" a " Velká vlna in Kanagawa“, „100 Views of Mount Fuji“, vydané ve třech albech, „Hokusai’s Manga“ (北斎漫画), které se nazývá „encyklopedie japonského lidu“. Umělec vložil do „Manga“ všechny své názory na kreativitu a filozofii. "Manga" je nejdůležitějším zdrojem pro studium života Japonska v té době, protože zahrnuje mnoho kulturních aspektů. Za umělcova života vyšlo celkem dvanáct čísel a po jeho smrti tři další:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (po smrti umělce)

Hokusaiovo umění takové ovlivnilo evropské destinace, jako secese a francouzský impresionismus.

(河鍋暁斎, 1831 -1889). Používal pseudonymy Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin a studoval na škole Kano.

Na rozdíl od Hokusaie byl Kyosai docela drzý, což způsobilo jeho roztržku s umělcem Tsuboyamou Tozanem. Po škole se stal samostatným mistrem, i když školu navštěvoval někdy dalších pět let. V té době maloval kyogu, takzvané „bláznivé obrazy“.

Mezi vynikající rytecká díla patří Sto obrazů Kyosai. Jako ilustrátor vytváří Kyosai obrazy pro povídky a romány ve spolupráci s dalšími umělci.

Na konci 19. století Evropané Japonsko často navštěvovali. Umělec některé z nich znal a několik jeho děl je nyní v Britském muzeu.

(歌川広重, 1797-1858). Působil pod pseudonymem Ando Hiroshige (安藤広重) a je známý svým jemným ztvárněním přírodních motivů a přírodních jevů. Namaloval svůj první obraz „Mount Fuji in the Snow“, který je nyní ve věku deseti let uložen v muzeu Suntory v Tokiu. Předměty rané práce byly založeny na skutečné události děje na ulicích. Jeho slavné cykly: „100 pohledů na Edo“, „36 pohledů na horu Fuji“, „53 stanic Tokaido“, „69 stanic Kimokaido“, „100 známé druhy Edo." Monet a ruský umělec Bilibin byli ovlivněni velký vliv„53 stanic na Tokaidské silnici“, napsané po cestě po East Coast Road, a také „100 pohledů na Edo“. Ze série v žánru kate-ga 25 rytin je nejznámější list „Vrabci nad zasněženou kamélií“.

(歌川国貞, také známý jako Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jeden z nejvíce vynikající umělci ukiyo-e.

zaplaceno zvláštní pozornost ke kabuki hercům a samotnému divadlu - to je asi 60 % všech děl. Známá jsou také díla v žánru bijinga a portréty zápasníků sumo. Je známo, že vytvořil 20 až 25 tisíc parcel, které zahrnovaly 35-40 tisíc listů. Málokdy se obracel ke krajinám a válečníkům. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798 - 1861). Narodil se v rodině barvíře hedvábí. Kuniyoshi se začal učit kreslit v deseti letech, když žil s uměleckou rodinou Kuninao. Poté pokračoval ve studiu u Katsukawa Shun'ei a ve 13 letech vstoupil do dílny Tokuyoni, aby studoval. První roky mladý umělec věci nejdou dobře. Ale po obdržení objednávky od vydavatele Kagaya Kichibei na pět výtisků série 108 Suikoden Heroes se věci začaly rozjíždět. Vytvoří zbytek postav v sérii a poté přejde k dalším různá zaměstnání a o patnáct let později stojí na stejné úrovni jako Utagawa Hiroshige a Utagawa Kunisada.

Po zákazu obrázků v roce 1842 divadelní scény, herci, gejši a kurtizány, Kuniyoshi píše svůj „kočičí“ seriál, vyrábí rytiny ze vzdělávacího seriálu pro ženy v domácnosti a děti, zobrazuje národní hrdinové v sérii „Tradice, morálka a slušnost“ a koncem 40. let 19. století - začátkem 50. let 19. století, po uvolnění zákazů, se umělec vrátil k tématu kabuki.

(渓斎英泉, 1790-1848). Známý svými díly v žánru bijinga. Mezi jeho nejlepší díla patří portréty typu okubi-e („velké hlavy“), které jsou považovány za ukázky umění éry Bunsei (1818-1830), kdy byl žánr ukiyo-e na ústupu. Umělec namaloval mnoho lyrických a erotických surimon a také cyklus krajin „Šedesát devět stanic Kisokaido“, který nebyl schopen dokončit a dokončil jej Hiroshige.

Novinka v zobrazení bijingy spočívala ve smyslnosti, která dosud u jiných umělců nebyla k vidění. Z jeho děl pochopíme tehdejší módu. Vydal také biografie čtyřiceti sedmi Roninů a napsal několik dalších knih, včetně Historie tisků Ukiyo-e (Ukiyo-e ruiko), obsahující biografie umělců. A v „Notes of a Nameless Elder“ se popsal jako zhýralý opilec a bývalý majitel nevěstinec v Nedzu, který vyhořel do základů ve 30. letech 19. století.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Umělcovo skutečné jméno je Hozumi Jirobei. Je objevitelem polychromovaného tisku ukiyo-e. Navštěvoval Kano School a studoval malbu. Poté, pod vlivem Shigenaga Nishimura a Torii Kiyomitsu, se dřevotisk stal jeho koníčkem. Rytiny ve dvou nebo třech barvách se vyráběly od počátku 18. století a Harunobu začal malovat v deseti barvách pomocí tří desek a kombinování tří barev - žluté, modré a červené.

vynikl na obrázku pouliční scény a obrazy v žánru šunga. A od 60. let 18. století byl jedním z prvních, kdo ztvárnil herce Kabuki. Jeho díla ovlivnila E. Maneta a E. Degase.

(小原古邨, 1877 - 1945). Jeho skutečné jméno je Matao Ohara. Zobrazované scény z rusko-japonské a čínsko-japonské války. Poté, co se objevila fotografie, se však jeho práce začala špatně prodávat a začal si vydělávat na živobytí učením ve škole výtvarné umění v Tokiu. V roce 1926 Ernest Felloza, kurátor odd japonské umění v Bostonském muzeu přesvědčil Ohara, aby se vrátil k malbě, a umělec začal zobrazovat ptáky a květiny a jeho díla se dobře prodávala v zahraničí.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Mezi ostatními umělci vynikal svou výstředností a životním stylem, který spočíval v přátelství s mnoha kulturními a náboženské postavy té doby. Zobrazoval zvířata, květiny a ptáky ve velmi exotické podobě. Byl velmi slavný a přijímal zakázky na malování obrazovek a chrámových obrazů.

(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z nejvýznamnějších představitelů rané období ukiyo-e. Přes velký vliv svého učitele Hishikawy Monorobu se stal zakladatelem žánru yakusha-e v zobrazování plakátů a plakátů a vynalezl svůj vlastní styl. Herci byli v roli zobrazeni ve zvláštních pózách stateční hrdinové a byly vymalovány
ušlechtilý pomerančový a padouši byli nakresleni v modrých barvách. Pro zobrazení vášně umělec vynalezl zvláštní typ kresby mimizugaki - jedná se o klikaté linie se střídajícími se tenkými a tlustými tahy a kombinované s groteskním obrazem svalů končetin.

Torii Kiyonobu je zakladatelem dynastie umělců Torii. Jeho studenti byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I a Torii Kiyomitsu.

Kdo je tvůj oblíbený ukiyo-e umělec?

Japonský jazyk se od jakéhokoli evropského jazyka liší svou strukturou, což může způsobit určité potíže při učení. Nicméně, nebojte se! Speciálně pro vás jste vyvinuli kurz „“, do kterého se můžete přihlásit právě teď!

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejznámějších a talentovaných umělců modernost. A věřte, že jejich díla zůstanou ve vaší paměti neméně hluboce než díla mistrů z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je současný polský umělec. Dostudoval na Slezském polytechnickém institutu, ale spojil se s. V v poslední době kreslí hlavně ženy. Zaměřuje se na vyjádření emocí, snaží se jednoduchými prostředky dosáhnout co největšího účinku.

Miluje barvy, ale často k dosažení používá odstíny černé a šedé nejlepší zážitek. Nebojte se experimentovat s různými novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang - moderní americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrostl v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 s vyznamenáním promoval na Art Center College of Design v Pasadeně, kde získal titul BFA. Během následujících dvou desetiletí pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než se v roce 2009 vydal na dráhu profesionálního umělce.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové ​​obrazy a obrazy zobrazující lidi při práci. Jeho zájem o tento styl malby sahá až k dílu umělce 16. století Johannese Vermeera a sahá do námětů, autoportrétů, portrétů rodinných příslušníků, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domovů. Jeho cílem je vytvořit náladu a emoce ve svých realistických obrazech pomocí manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu na tradiční výtvarné umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Oil Painters of America, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 má příležitost získat toto ocenění. Warren v současnosti žije v Monterey a pracuje ve svém ateliéru a také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Získal diplom ze scénografie na Institutu umění ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané malby mají kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci umocňuje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Animované a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neschovávají za oponu, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v polských Gliwicích, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, takže odmala, umělecká činnost získal plnou podporu od obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde byl učitel školy a umělkyně Katie Gaggliardi na částečný úvazek vyzvala Alkasandera, aby se zapsal umělecká škola. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee ve Wisconsinu, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po promoci v roce 1995 s bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, aby navštěvoval School of Fine Arts, jejíž metody jsou založeny na kreativitě. Jacques-Louis David. Figurální realismus a portrétování tvořil většinu Balosovy tvorby v 90. letech a na počátku 21. století. Dnes Balos používá lidská postava s cílem vyzdvihnout rysy a ukázat nedostatky lidské existence, aniž by nabízely nějaká řešení.

Námětové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak obrazy získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se námět jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější malířské metody, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály existence prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks – moderní americký umělec. Narozen v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování jsem se začal zajímat, když jsem byl ještě dítě. Studoval na New School v New Yorku a státní univerzitě Montclair a absolvoval Boston College v roce 1999 s titulem B.A. Současně studovala malbu na akademii Lorenza de' Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v magisterském studijním programu na New York Academy of Art, na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Nějakou dobu přednášela na univerzitách a vzdělávací instituce po celé zemi vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, zkresluji lidské tělo. Tyto filtry vám umožní vytvořit velké plochy abstraktního designu, skrz které pronikají ostrůvky barev – části lidského těla.

Moje obrazy mění moderní pohled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Pozornému divákovi by mohly leccos říci o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy se tisknou ke sklu sprchového okna, deformují svá vlastní těla a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy se mísí tak, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka však úžasné fyzikální vlastnosti olejová barva. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím bod, kdy se abstraktní tahy štětcem stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a věřil jsem, že své obrazy musím udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a odhalovat rozpory sám o sobě. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se střetává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

Italský umělec –“ Pozorovatel času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt také v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Pozorovatel času„Antonio Finelli nás vezme na věčnou cestu skrz vnitřní svět lidská dočasnost a s tím spojená pečlivá analýza tohoto světa, jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které na kůži zanechává.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svá díla jednou věcí, běžné jméno: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času v člověku.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě a tři roky v Anglii a Francii. Vystudovala dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom restaurátorky umění. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku ​​poznala v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a renesanční realismus. Její oblíbený umělec je Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Černov - talentovaný Ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování Charkova umělecká škola v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a pracuje. Studoval také na Charkovské státní akademii designu a umění, katedře grafiky, kterou ukončil v roce 2004.

Pravidelně se účastní umělecké výstavy, na momentálně se jich uskutečnilo více než šedesát, a to jak na Ukrajině, tak v zahraničí. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresby tužkou jsou jednou z jeho nejoblíbenějších malířských metod, seznam jeho témat kresby tužkou je také velmi rozmanitý, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantazie.

Monochromatická malba Japonska je jedním z jedinečných fenoménů východního umění. Bylo tomu věnováno mnoho práce a výzkumů, ale často je vnímán jako velmi konvenční, někdy i dekorativní. Není tomu tak japonský umělec velmi bohatý a nedbá ani tak na složku estetickou, ale na duchovní.

Umění Východu je syntézou vnějšího a vnitřního, explicitního a implicitního.

V tomto příspěvku bych chtěl věnovat pozornost nikoli historii monochromní malby, ale její podstatě. O tom si budeme povídat.

To, co vidíme na monochromatických obrazech, je výsledkem umělcovy interakce se základní triádou: papír, štětec, inkoust. Proto, abyste správně pochopili dílo, musíte pochopit samotného umělce a jeho postoj.

"Krajina" Sesshu, 1398

Papír pro japonského mistra to není snadné improvizovaný materiál, kterou podřizuje svému rozmaru, ale spíše naopak - je to „bratr“, a proto se podle toho vyvinul i postoj k ní. Papír je součástí okolní přírody, ke kterému se Japonci vždy chovali s úctou a snažili se ji nepodmanit, ale mírumilovně s ní koexistovat. Papír byl v minulosti strom, který stál v určité oblasti, určitý čas, „viděla“ něco kolem sebe a ona si to všechno nechala. Japonský umělec tak materiál vnímá. Často se řemeslníci před zahájením práce dlouho dívali prázdný list(přemýšleli o tom) a teprve potom začali malovat. I nyní moderní japonští umělci, kteří praktikují techniku ​​Nihon-ga (tradiční japonská malba), pečlivě vybírají papír. Kupují to na zakázku z papíren. Každý umělec má určitou tloušťku, propustnost vlhkosti a texturu (mnoho umělců dokonce uzavírá s majitelem továrny dohodu, že tento papír nebude prodávat jiným umělcům) – proto je každý obraz vnímán jako něco jedinečného a živého.

„Čtení v bambusovém háji“ Xubun, 1446.

Když už mluvíme o významu tohoto materiálu, stojí za zmínku následující slavných památek Japonská literatura jako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ i „Genji“ můžete najít zápletky, když si dvořané nebo milenci vyměňují zprávy. Papír, na kterém byly tyto vzkazy napsány, byl vhodného ročního období, odstínu a způsob psaní textu odpovídal jeho textuře.

"Murasaki Shikibu ve svatyni Ishiyama" Kyosen

Štětec- druhá složka je pokračováním mistrovy ruky (opět, toto je přírodní materiál). Štětce se proto vyráběly také na zakázku, nejčastěji však samotným umělcem. Vybral chloupky požadované délky, zvolil velikost kartáče a nejpohodlnější rukojeť. Mistr maluje pouze vlastním štětcem a žádným jiným. (Z osobní zkušenost: navštěvoval mistrovský kurz čínský umělec Jiang Shilun, publikum ho požádalo, aby ukázal, co dokážou jeho studenti, kteří byli přítomni na mistrovské třídě, a každý z nich, když zvedl mistrův štětec, řekl, že výsledek nebude takový, jaký očekávali, protože štětec nebyl jejich. , nebyli na to zvyklí a nevědí, jak to správně používat).

"Fuji" inkoustová skica od Katsushika Hokusai

Řasenka- třetí důležitý prvek. Řasenka se stane různé typy: po zaschnutí může dát lesklý nebo matný efekt, možná s příměsí stříbrných nebo okrových odstínů, proto je důležitý i správný výběr řasenky.

Yamamoto Baitsu, konec XVIII- XIX století.

Hlavním námětem monochromní malby jsou krajiny. Proč v nich nejsou žádné barvy?

Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku

Za prvé, japonského umělce nezajímá objekt samotný, ale jeho podstata, určitá složka, která je společná všemu živému a vede k harmonii mezi člověkem a přírodou. Obraz je tedy vždy nápovědou, je adresován našim smyslům, nikoli zraku. Podcenění je podnětem k dialogu, a tedy spojení. Linie a skvrny jsou v obraze důležité – tvoří se umělecký jazyk. To není svoboda mistra, který zanechal tučnou stopu, kde chtěl, ale na jiném místě naopak podkreslil - vše na obrázku má svůj význam a význam a není náhodné.

Za druhé, barva v sobě vždy nese nějakou emocionální konotaci a je vnímána jinak různí lidé v různých stavech proto emocionální neutralita umožňuje divákovi co nejpřiměřeněji vstoupit do dialogu, umístit ho pro vnímání, kontemplaci a myšlení.

Za třetí, jedná se o interakci jin a jang, jakýkoli monochromatický obraz je harmonický z hlediska poměru inkoustu k nedotčené ploše papíru.

Proč většina Není použit žádný papírový prostor?

"Krajina" Xubun, polovina 15. století.

Za prvé, prázdný prostor ponoří diváka do obrazu; za druhé vzniká obraz, jako by na okamžik vyplaval na povrch a chystal se zmizet – to souvisí se světonázorem a světonázorem; za třetí, v těch oblastech, kde není inkoust, vystupuje do popředí textura a odstín papíru (ne vždy je to na reprodukcích vidět, ale ve skutečnosti jde vždy o interakci dvou materiálů - papíru a inkoustu).

Sesshu, 1446

Proč krajina?

"Kontemplace o vodopádu" Gayami, 1478

Podle japonského světonázoru je příroda dokonalejší než člověk, proto se z ní musí poučit, všemožně ji chránit a neničit a nepodrobovat.

Proto v mnoha krajinách můžete vidět malé obrazy lidí, ale vždy jsou bezvýznamné, malé ve vztahu ke krajině samotné, nebo obrazy chat, které zapadají do prostoru, který je obklopuje, a dokonce nejsou vždy patrné - to vše jsou symboly světonázor.

Závěrem chci říci, že monochromní japonská malba není chaoticky rozstříknutý inkoust, není to rozmar vnitřního ega umělce - je to celý systém obrazů a symbolů, je to úložiště filozofického myšlení, a co je nejdůležitější, způsob komunikace a harmonizace sebe a světa kolem nás.

Zde jsou, myslím, odpovědi na hlavní otázky, které se v divákovi vynořují, když čelí monochromní japonské malbě. Doufám, že vám při setkání pomohou co nejsprávněji to pochopit a vnímat.

Dobrý den, milí čtenáři – hledači poznání a pravdy!

Japonští umělci mají jedinečný styl, vybroušený celými generacemi mistrů. Dnes si povíme o nejvýraznějších představitelích japonské malby a jejich obrazech, od starověku až po moderní dobu.

Nuže, pojďme se vrhnout do umění Země vycházejícího slunce.

Zrození umění

Starověké malířské umění v Japonsku je spojeno především se zvláštnostmi písma a je proto postaveno na základech kaligrafie. První vzorky zahrnují fragmenty bronzových zvonů, nádobí a předmětů pro domácnost nalezené během vykopávek. Mnohé z nich byly natřeny přírodními barvami a výzkum dává důvod se domnívat, že výrobky byly vyrobeny dříve než 300 let před naším letopočtem.

S příchodem do Japonska začalo nové kolo vývoje umění. Emakimono - speciální papírové svitky - byly zdobeny obrazy božstev buddhistického panteonu, výjevy ze života Učitele a jeho následovníků.

Převahu náboženských námětů v malbě lze vidět v středověké Japonsko, totiž od X do XV století. Jména umělců té doby se bohužel dodnes nedochovala.

V období 15.-18. století začala nová doba charakteristická nástupem umělců s rozvinutým individuálním stylem. Označili vektor další vývoj výtvarné umění.

Světlí představitelé minulosti

Napjatý Xubun (počátek 15. století)

Aby se stal vynikajícím mistrem, studoval Xiubun techniky psaní umělců čínské písně a jejich díla. Následně se stal jedním ze zakladatelů malby v Japonsku a tvůrcem sumi-e.

Sumi-e – umělecký styl, která je založena na kresbě tuší, což znamená jednu barvu.

Xubun toho udělal hodně nový styl zakořenil v uměleckých kruzích Učil umění další talenty, včetně budoucích slavných malířů, např. Sesshu.

Xiubunův nejoblíbenější obraz se jmenuje „Čtení v bambusovém háji“.

„Čtení v Bamboo Grove“ od Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Stal se tvůrcem školy pojmenované po sobě – Hasegawa. Zpočátku se snažil dodržovat kánony školy Kano, ale postupně se v jeho dílech začal vysledovat jeho individuální „rukopis“. Tohaku bylo vedeno grafikou Sesshu.

Základem děl byly jednoduché, lakonické, ale realistické krajiny s jednoduchými názvy:

• "Borovice";
• "Javor";
• "Borovice a kvetoucí rostliny."

"Pines" od Hasegawa Tohaku

Bratři Ogata Korin (1658-1716) a Ogata Kenzan (1663-1743)

Bratři byli vynikajícími řemeslníky 18. století. Nejstarší Ogata Korin se zcela věnoval malbě a založil žánr rimpa. Vyhýbal se stereotypním obrazům, preferoval impresionistický žánr.

Ogata Korin maloval přírodu obecně a zejména květiny ve formě jasných abstrakcí. Jeho štětce patří k obrazům:

• "Švestkový květ červený a bílý";
• "Vlny Matsushimy";
• "Chryzantémy".

"Vlny Matsushimy" Ogata Korin

Mladší bratr, Ogata Kenzan, měl mnoho pseudonymů. Přestože se zabýval malbou, proslul spíše jako báječný keramik.

Ogata Kenzan ovládal mnoho technik pro tvorbu keramiky. Vyznačoval se nestandardním přístupem, vytvářel například desky ve tvaru čtverce.

Jeho vlastní malba se nevyznačovala nádherou - to byla také jeho zvláštnost. Rád dával na své předměty svitkovou kaligrafii nebo úryvky z poezie. Někdy pracovali společně se svým bratrem.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Tvořil ve stylu ukiyo-e - druh dřevorytu, jinými slovy rytecká malba. Za celou svou kariéru vystřídal asi 30 jmen. Jeho nejznámějším dílem je Velká vlna z Kanagawy, díky níž se proslavil i mimo svou vlast.

"Velká vlna z Kanagawy" od Hokusai Katsushika

Hokusai začal obzvláště tvrdě pracovat po 60 letech, což přineslo dobré výsledky. Van Gogh, Monet a Renoir jeho dílo znali a do jisté míry ovlivnilo tvorbu evropských mistrů.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jeden z největších umělců 19. století. Narodil se, žil a pracoval v Edu, pokračoval v práci Hokusaie a byl inspirován jeho díly. Způsob, jakým zobrazil přírodu, je téměř stejně působivý jako množství děl samotných.

Edo je dřívější název Tokia.

Zde jsou některé postavy o jeho práci, které jsou reprezentovány sérií obrazů:

• 5,5 tisíce – počet všech rytin;
• „100 pohledů na Edo;
• "36 pohledů na Fuji";
• "69 stanic Kisokaido";
• "53 stanic Tokaida."

Obraz Ando Hiroshige

Zajímavé je, že významný Van Gogh namaloval několik kopií svých rytin.

Modernost

Takashi Murakami

Umělec, sochař, oděvní návrhář si vydobyl jméno již na konci 20. století. V kreativitě se drží módní trendy s klasickými prvky a čerpá inspiraci z anime a manga karikatur.

Obraz od Takashi Murakamiho

Díla Takashi Murakamiho jsou považována za subkulturu, ale zároveň jsou neuvěřitelně populární. Například v roce 2008 bylo jedno z jeho děl zakoupeno v aukci za více než 15 milionů dolarů. Svého času moderní tvůrce spolupracoval s módními domy Marc Jacobs a Louis Vuitton.

Tichá Ashima

Kolegyně předchozí umělkyně vytváří moderní surrealistické obrazy. Zobrazují pohledy na města, ulice megapolí a stvoření jako z jiného vesmíru - duchy, zlí duchové, mimozemské dívky. Na pozadí obrazů si můžete často všimnout panenské, někdy až děsivé přírody.

Její obrazy dosahují velkých rozměrů a zřídka se omezují na papírová média. Přenášejí se na kůži a plastové materiály.

V roce 2006 vytvořila žena v rámci výstavy v britském hlavním městě asi 20 klenutých staveb, které ve dne i v noci odrážely krásu přírody vesnice a města. Jeden z nich zdobil stanici metra.

Ahoj Arakawa

Mladého muže nelze nazvat jednoduše umělcem v klasickém slova smyslu – vytváří instalace, které jsou v umění 21. století tak oblíbené. Témata jeho výstav jsou skutečně japonská a dotýkají se přátelských vztahů i práce celého týmu.

Hei Arakawa se často účastní různých bienále, například v Benátkách, a vystavuje v muzeích současné umění doma zaslouženě dostává různá ocenění.

Ikenaga Yasunari

Současnému malíři Ikenagu Yasunarimu se podařilo spojit dvě zdánlivě neslučitelné věci: život moderních dívek v portrétní podobě a tradiční techniky Japonsko pochází ze starověku. Malíř při své tvorbě používá speciální štětce, přírodní pigmentované barvy, inkoust a dřevěné uhlí. Místo obvyklého len - lněná tkanina.

Obraz Ikenaga Yasunariho

Podobná technika kontrastu zobrazené doby a vzhled Hrdinky působí dojmem, že se k nám vrátily z minulosti.

Sérii obrazů o složitosti života krokodýla, nedávno populární v internetové komunitě, vytvořil také japonský kreslíř Keigo.

Závěr

Japonská malba tedy začala kolem 3. století před naším letopočtem a od té doby se hodně změnila. První obrázky byly aplikovány na keramiku, poté začaly v umění převládat buddhistické motivy, ale jména autorů se dodnes nedochovala.

V moderní době mistři štětce získávali stále více individuality, tvořili různé směry, školy. dnešní výtvarné umění neomezené na tradiční malba– používají se instalace, karikatury, umělecké sochy a speciální konstrukce.

Velice vám děkuji za pozornost, milí čtenáři! Doufáme, že vám náš článek byl užitečný a příběhy o životě a kreativitě nejjasnější představitelé umění nám umožnilo je lépe poznat.

Samozřejmě je těžké mluvit o všech umělcích od antiky po současnost v jednom článku. Nechť je to proto první krok k pochopení japonské malby.

A přidejte se k nám – přihlaste se k odběru blogu – budeme společně studovat buddhismus a východní kulturu!