Menu
DomovVideo archiv

Školní encyklopedie. Příspěvky z tohoto deníku od „Japonská malba“ Označte předměty japonského umění

Tímto článkem zahajuji sérii článků o historii japonského výtvarného umění. Tyto příspěvky se zaměří především na malbu od období Heian dále, ale tento článek je úvodem a popisuje vývoj umění do 8. století.

Jomon období
Japonská kultura má velmi prastaré kořeny – nejstarší nálezy pocházejí z 10. tisíciletí před naším letopočtem. E. ale oficiálně se za počátek jomonského období považuje rok 4500 před naším letopočtem. E. O tomto období neokit Napsal jsem velmi dobrý příspěvek.
Jedinečnost keramiky Jomon je v tom, že vzhled keramiky spolu s rozvojem zemědělství obvykle naznačuje nástup neolitu. Avšak i v mezolitu, několik tisíc let před příchodem zemědělství, vytvářeli lovci-sběrači Jomon poměrně složité tvary keramiky.

Navzdory velmi ranému vzhledu keramiky lidé z éry Jomon vyvinuli technologii velmi pomalu a zůstali na úrovních doby kamenné.

Během období středního Jomonu (2500-1500 př. n. l.) se objevily keramické figurky. Ale jak ve středním, tak v pozdním období (1000-300 př. n. l.) zůstávají abstraktní a velmi stylizované.

Od Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36,0.
Období Jomon, 1000-400 př.n.l.
Národní muzeum v Tokiu

Mimochodem, ufologové se domnívají, že jde o snímky mimozemšťanů. Na těchto obrázcích vidí skafandry, brýle a kyslíkové masky na svých tvářích a obrázky spirál na „skafandrech“ jsou považovány za mapy galaxií.

Yayoi období
Yayoi je krátké období v japonské historii, trvající od 300 př.nl do 300 nl, kdy došlo k nejdramatičtějším kulturním změnám v japonské společnosti. V tomto období kmeny, které přišly z pevniny a vytlačily původní obyvatelstvo japonských ostrovů, přinesly svou kulturu a nové technologie, jako je pěstování rýže a zpracování bronzu. Většina umění a technologie období Yayoi byla opět dovezena z Koreje a Číny.

Kofunské období
Mezi 300 a 500 lety byli kmenoví vůdci pohřbíváni v mohylách zvaných "Kofun". Toto období je pojmenováno tímto jménem.

Do hrobů byly ukládány věci, které by mrtví mohli potřebovat. Jsou to potraviny, nástroje a zbraně, šperky, keramika, zrcadla a co je nejzajímavější, hliněné figurky zvané „haniwa“.

Od Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Kofunské období, 6. století.
Národní muzeum v Tokiu

Přesný účel figurek zůstává neznámý, ale nacházejí se na všech pohřebištích kofunské éry. Z těchto malých postav si můžete představit, jak lidé v té době žili, protože lidé jsou zobrazováni s nástroji a zbraněmi a někdy vedle domů.

Tyto sochy, ovlivněné čínskými tradicemi, mají nezávislé prvky vlastní pouze místnímu umění.

Tanečnice, západní dynastie Han (206 př. nl – 9 n. l.), 2. století př. n. l.
Čína
Metropolitní muzeum umění, NY

Během období Kofun se figurky staly rafinovanějšími a rozmanitějšími. Jsou to obrázky vojáků, lovců, zpěváků, tanečníků a tak dále.

Z Nohary, Konan-machi, Saitama. Současnost H. 64,2, 57,3.
Kofunské období, 6. století.
Národní muzeum v Tokiu

Tyto sochy mají ještě jeden rys. Haniwa představují nejen společenskou funkci, ale také náladu postavy. Například válečník má ve tváři přísný výraz. a na tvářích rolníků jsou obrovské úsměvy.

Od Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Kofunské období, 6. století.
Národní muzeum v Tokiu

Asuka období
Od období Yayoi je japonské výtvarné umění neoddělitelné od korejského nebo čínského umění. Nejvýrazněji se to projevuje v sedmém a osmém století, kdy se japonské umění začalo rychle vyvíjet do různých vizuálních žánrů.

V 6. století došlo v japonské společnosti k dramatickým změnám: první japonský stát Yamato se konečně zformoval a také v roce 552 přišel do Japonska buddhismus, který s sebou přinesl buddhistické sochařství a koncept chrámu, což byl důvod pro vzhled chrámů v Japonsku - jak šintoistických, tak buddhistických.
Šintoistické svatyně napodobovaly architekturu sýpek (Úplně první šintoistické svatyně byly sýpky, kde se konaly oslavy sklizně. Při rituálních hostinách lidé věřili, že s nimi hodují bohové.)
Šintoičtí bohové jsou především přírodní síly, takže architektura těchto svatyní je integrována s přírodní přírodou, jako jsou řeky a lesy. To je důležité pochopit. V šintoistické architektuře měly člověkem vytvořené stavby představovat rozšíření přírodního světa.

První buddhistický chrám, Shitennoji, byl postaven teprve v roce 593 v Ósace. Tyto rané chrámy byly napodobeninou korejských buddhistických chrámů, skládajících se z centrální pagody obklopené třemi budovami a krytou chodbou.

Šíření buddhismu přispělo ke kontaktům Japonska a Koreje s Čínou ak integraci čínské kultury do kultury japonské.

Japonská malba je jednou z nejkrásnějších na světě.

Japonská malba je jednou z nejstarších a nejúžasnějších forem kreativity. Jako každý jiný má svou dlouhou historii, kterou lze rozdělit do několika období podle techniky a vlastností. Co mají všechna období společné, je příroda, která dostala hlavní místo v obrazech. Na druhém místě v popularitě ve výtvarném umění Japonska jsou každodenní výjevy ze života.

Yamato

Yamato(VI–VII století) - první období japonského umění, které položilo základy psaní. Rozvoji umění daly impuls úspěchy Číny v oblasti náboženství a písma. Japonsko se snažilo zvednout na jeho úroveň, provádělo změny ve své struktuře a budovalo vše k obrazu Číny. K rozvoji malby bylo do Japonska přivezeno obrovské množství děl čínských mistrů, což inspirovalo Japonce, kteří se směle vrhli na vytváření podobných obrazů.

Malba v hrobce Takamatsuzuka

Toto období se skládá ze dvou dětských období:

  • Kofun- období japonského umění zabírající první polovinu Yamato. Název období se překládá jako „mohylové období“. V té době skutečně dostávaly mohyly velkou roli a vytvářely je všude.
  • Asuka- druhá část éry Yamato. Období bylo pojmenováno podle politického centra země působícího v těchto letech. Je spojena s příchodem buddhismu do Japonska a následně s aktivním rozvojem všech kulturních oblastí.

Nara

Buddhismus pocházející z Číny se v Japonsku aktivně rozšířil, což přispělo ke vzniku náboženských témat v umění. Japonští umělci, fascinovaní tímto tématem, malovali stěny chrámů, které vytvořily vlivné osobnosti. Dnes se v chrámu Horyu-ji zachovaly nástěnné malby z té doby.

Azuchi-Momoyama

Toto období je úplným opakem svého předchůdce. Tma a monochromie opouštějí díla, nahrazují je jasné barvy a použití zlata a stříbra v obrazech.

Cypřiš. Obrazovka. Kano Eitoku.

Meidži

V 19. století začalo dělení japonské malby na tradiční a evropský styl, které mezi sebou energicky soupeřily. Během tohoto období došlo v Japonsku k obrovským politickým změnám. Vliv Evropy v těchto letech ovlivnil téměř každý kout planety a do každého státu vnesl své vlastní charakteristiky. Evropský styl umění byl aktivně podporován úřady a odmítal staré tradice. Ale brzy vzrušení kolem západního malířství rychle opadlo a zájem o tradiční umění se prudce vrátil.

Vývoj japonské malby aktualizováno: 15. září 2017 uživatelem: Valentina

Himedži je jedním z nejstarších hradů v Japonsku

Starověké japonské umění
Japonská kultura se formovala a rozvíjela ve zvláštních přírodních a historických podmínkách. Japonsko se rozkládá na čtyřech velkých a mnoha malých ostrovech obklopených moři. Nachází se na samém okraji východu a zažívá periodicky narůstající a poté opět slábnoucí vliv takových pevninských kultur, jako je Čína a Korea. Po obdobích interakce s vnějším světem následovala v japonských dějinách dlouhá staletí kulturní izolace (období od 10. do 14. a od 17. do poloviny 19. století). Posledně jmenovaná okolnost přispěla k rozvoji a upevnění mnoha jedinečných rysů japonské kultury obecně a umění zvláště. K seznámení se západní kulturou došlo v 16. století, kdy se již formovaly hlavní rysy původní japonské civilizace. Až do roku 1854 obchodovalo Japonsko s Čínou a Holandskem pouze přes jeden přístav.

Od dávných obyvatel japonských ostrovů – lovců a rybářů – kamenné sekery, harpuny, hroty šípů a ručně vyráběné keramické nádoby objevené v důsledku archeologických vykopávek, které byly pojmenovány podle vzoru „Jomon“, který je na nich vytištěn, což znamená „ stopa lana“. Proto se neolitická kultura v Japonsku nazývá také Jomon. Přijíždějící ze Sibiře, Polynésie a později z Koreje a Číny stáli osadníci v různých fázích kulturního vývoje. To vysvětluje skutečnost, že v některých kulturních vrstvách se nacházejí památky jak z mladší doby kamenné, tak z doby bronzové. Japonština je blízká jazykům skupiny Altaj. Když se v důsledku kontaktů s čínskou kulturou Japonci seznámili s čínským hieroglyfickým písmem, ukázalo se, že je velmi obtížné přizpůsobit čínské znaky pro přenos ústní japonské řeči.

Počáteční období japonské kultury, o kterém se dochovaly spolehlivé údaje, se nazývá éra kofunů (mohylníků) - pohřbů, jejichž přízemní částí byla hliněná mohyla charakteristického tvaru - spojení kruhu a lichoběžníku, připomínající klíčovou dírku, která symbolizovala spojení země a vody. Byly značné velikosti, obklopoval je dvojitý příkop s vodou, na vršku rostla tráva a po vnitřním obvodu valu byly duté hliněné figurky lidí, zvířat, modely lodí a domů od 30 cm. do výšky jednoho a půl metru. Říkalo se jim „haniwa“. Uvnitř pohřební komory byly rakve s zesnulými představiteli šlechty, kam byly umístěny rituální předměty: zrcadlo, zvonek dotaku, jehož zvuk měl zastrašit zlé duchy a přilákat bohy - patrony farmářů. Pohřby králů Yamato nutně obsahovaly takové rituální symboly moci, jako jsou jadeitové přívěsky a meče. K povýšení králů klanu Yamato byl stanoven počátek historie, byla určena hierarchie bohů a bylo identifikováno božstvo Amaterasu („zářící z nebe“), které přeneslo moc nad japonskými ostrovy na krále Yamato. klan. Jméno „Nippon“ nebo „Nihon“, což znamená „země vycházejícího slunce“, se objevilo v 7. století. V roce 608 začaly studijní cesty do Číny, které pokračovaly více než dvě století.

Dotaku - rituální bronzové zvony - válce zúžené směrem nahoru, zakončené širokými smyčkami s tvarovanými výstupky, jejichž stěny jsou rozděleny do čtverců vyplněných grafickými obrázky

V šintoismu se odráží heterogenní přesvědčení Japonců, které má mnoho rysů primitivního animismu a fetišismu. Šintoismus („cesta bohů“) neodmyslitelně odráží japonské představy o univerzální spiritualitě přírody. Nespočetné množství takzvaných „kami“ (duchů) existuje jak v zázračných krajinných objektech, jako je jezero Biwa a hora Fuji, tak v objektech vytvořených lidmi - meči, zrcadlech, které jsou proto obdařeny magickými vlastnostmi. Šintoistický chrám se vyznačoval jednoduchostí své dřevěné konstrukce: jedna místnost byla umístěna na kůlech, obklopená ze všech stran verandou. Uvnitř šintoistické svatyně byla tma a prázdno. Věřící nevstoupili do chrámu.

Para období (645–794 n. l.)

Nara je jméno prvního hlavního města a jediného města Japonska té doby. Byla to doba nastolení japonské státnosti, zavedení buddhismu a vytvoření památek buddhistického umění - chrámů, pagod a různých soch buddhistických božstev. Buddhismus v tomto období nebyl ani tak vírou lidí, jako spíše pokračováním dvorské politiky. U dvora hrály velmi významnou roli různé sekty buddhismu, rostla půda v buddhistických klášterech a mniši měli u dvora obrovský vliv. Objevují se buddhistické kláštery, což jsou skupiny dřevěných staveb rozmístěných na obdélníkové ploše obehnané hradbami. Zvláště důležitá byla široká ulička vedoucí k přední bráně, náměstí před chrámem a mnohostupňová pagoda viditelná zdaleka. Dřevěné chrámy byly natřeny červeným lakem, postaveny na kamenných základech a měly široké zakřivené dvojité střechy – irimoya.

Mezi rané buddhistické chrámy patří Asukadera, Horyuji, stavba druhého jmenovaného začala v roce 607 na příkaz tehdy vládnoucího korunního prince Shotoku Taishi. Klášter se skládal z 53 budov na ploše 90 tisíc metrů čtverečních. m. Průčelí chrámu je orientováno na jih, hlavní budovy jsou umístěny na ose sever-jih, posvátná zóna je sever, byl zde sál pro kázání - kodo, byt a pětipatrová pagoda. V Horyuji bylo 265 soch, hlavním sochařským obrazem byla trojice Šákjamuni, reprezentovaná sochou zakladatele víry, doprovázená dvěma bódhisattvy. V 8. stol Velké kláštery již měly sochařské dílny. Rozšířil se kult bódhisattvy Kannona, jehož jméno bylo překladem sanskrtského jména Avalokiteshvara (Slyšící zvuků světa). Bódhisattva, naplněný soucitem k živým bytostem, je schopen naslouchat zvukům trpících, ať jsou kdekoli. Kult Avalokiteshvara vznikl v severozápadní Indii a rozšířil se do Číny. V Lotosové sútře bylo řečeno, že bódhisattva na sebe vzal podobu těch bytostí, které ho vzývaly. V Japonsku šíření kultu Kannon vedlo k tomu, že se objevilo velké množství jejích obrazů - Svatý Kannon pomáhající v pekle, Kannon s hlavou koně šířící milosrdenství dobytku a zlým duchům - asurové jsou zachráněni tisíci- ozbrojený Kannon, Kannon s vlascem zachraňuje lidi.

Heianské období (794–1185)

V roce 794 bylo hlavní město státu přesunuto do města Heian (nyní Kjóto). Během období Heian vzkvétala sofistikovaná dvorská kultura. Vznikl japonský slabikář – kana (japonsky – vypůjčený hieroglyf). Nejprve toto písmo používaly pouze ženy, zatímco oficiální písmo bylo nadále čínské. Po celé 10. stol. ženské písmo se začalo používat v soukromé praxi. V 11. stol Začal rozkvět japonské klasické literatury, jehož skvělým příkladem je román „Genji Monogatari“, který vytvořila dvorní dáma Murasaki Shikibu.

V umění Heian zaujímají hlavní místo buddhistické obrazy esoterických sekt Tendai a Shingon, které v té době pocházely z Číny a které učily, že všechny živé bytosti mají podstatu Buddhy. Cvičením ducha a těla, plněním slibů je každý schopen získat esenci Buddhy v procesu několika znovuzrození. Chrámy těchto sekt byly stavěny na vrcholcích hor a skalnatých římsách a modlitebny v nich byly rozděleny na dvě části. Do vnitřního, kde se nacházel posvátný obraz, nebyli běžní věřící vpuštěni.

Éra Heian je pro vládnoucí kruhy dobou luxusu. V této době se vytvořil typ bydlení Shinden. Dokonce i v teplých klimatických podmínkách nebyly zdi hlavní a neměly žádnou podpůrnou hodnotu. Daly se velmi snadno oddělit, vyměnit za odolnější v chladném počasí nebo úplně odstranit v teplém počasí. Nebyla tam ani okna. Místo skla byl přes mřížový rám natažen bílý papír, který propouštěl do místnosti tlumené rozptýlené světlo. Široké okapy střechy chránily stěny před vlhkostí a slunečním zářením. Interiér bez stálého nábytku měl posuvné příčky, díky nimž bylo možné vytvořit libovolnou předsíň nebo několik malých izolovaných místností, podlaha byla pokryta slaměnými rohožemi - tatami, stejné velikosti (180 x 90). cm).

Konfuciánské a buddhistické texty byly přivezeny z Číny během období Heian. Často byly zdobeny obrazy. Japonští umělci zpočátku kopírovali čínská „slavná místa“, ale počínaje 10. stoletím. obrátit k zobrazení krajiny a zvyků své rodné země. Vznikla malba Yamato-e, která se od čínské malby lišila využitím námětů z japonské poezie, povídek, románů nebo lidových pověstí. Obraz dostal své jméno podle názvu regionu Yamato - jihozápadní části ostrova Honšú, kde vznikla státnost Japonska.
Obrázek často představoval svitek ilustrací s odpovídajícím textem, který byl při čtení příslušné části překroucen zprava doleva, byla zkoumána následující ilustrace;

Malba Yamato-e vzkvétala v pozdním období Heian. V této době se objevili profesionální umělci, kteří malovali obrazy světských témat na obrazovky, posuvné přepážky (shoji) a svitky - emakimono. Nejstarší ze svitků je Genji Monogatari. Svitky Emakimano byly malby-příběh. Svitek „Genji-monogatari-emaki“, slavný román Murasakiho Shikibu, se dochoval dodnes, zobrazující zahálčivý život aristokracie v pestrých barvách, je syntézou kaligrafie, literatury a malířství. V dochovaných 19 z 54 kapitol románu v ilustracích není jediný děj a souvislá akce. Většina vyobrazených scén se odehrává v interiérech, vše viditelné je zobrazeno shora, chybí jediný úběžník linií, velkoplošná korespondence postav a architektury, tváře všech postav jsou stejné, liší se pouze účesy a oblečení . Hlavním středem pozornosti umělce je zprostředkovat emocionální obsah událostí odehrávajících se v románu, které byly všem dobře známy. Hlavními technikami je budování prostoru a využití možností barev. Pro vyjádření vnitřního stavu postav a atmosféry každé scény je pro umělce důležité, v jakém úhlu vzhledem k dolnímu okraji svitku směřují diagonální čáry, označující buď paprsky konstrukcí, nebo oponu. tyče, nebo okraj verandy. V závislosti na stupni emočního napětí se tento úhel pohybuje od 30 do 54 stupňů.

Bódhisattva - Kannon se v Číně, Koreji a Japonsku objevuje převážně v ženské podobě, v rukou s džbánem, vrbovou větví a lasem

V domech aristokratů nebyly žádné příčky; nejlepší umělci malovali obrazy Yamato-e na obrazovky a závěsy. Obrazy Yamato-e tvořily jednotu s literárními díly, které byly také umístěny na obrazovkách a závěsech. V antologiích poezie X-XIII století. Básně psané na obrazovkách z 9.-10. století nejsou neobvyklé. Největší počet takových básní je obsažen v antologii „Suixu“. Stejně jako byla poezie tématem čtyř ročních období, tak i malování pro plátna. V souladu s lidovou písní se vyvinul určitý systém básnických vzorců, který se stal základem japonské klasické poetiky. Takže znamením jara byl mlžný opar, vrba, znamení léta - kukačka, cikády, znamení podzimu - šarlatové javorové listy, jelen, měsíc, zima - sníh a švestkové květy.

Kjóto je starověká perla Japonska.

Hojnost homonym v jazyce umožnila dát básním mnoho významů. Témata a zápletky umožnily detailem či nápovědou v extrémně lakonické poetické formě (v tanku je 31 slabik) vyjádřit rozmanitost všech odstínů emocionálních stavů. Od obrazovek s texty docházelo k postupnému přechodu na obrazovky bez textu. Tak vznikla skutečná obrazová žánrová rozdělení – shiki-e („obrazy čtyř ročních období“) a mei-se-e („obrazy slavných míst“).
Složení takových obrazů neodpovídalo žádné z kategorií čínské malby. Největší splynutí přírody a člověka se stane charakteristickým pro různé žánry japonského umění.

Kamakura období (1185-1333) a Muromachi (1333-1568)

Koncem 12. století se hlavního města opět přesunul moc v zemi, v důsledku krvavého sváru se ho zmocnil klan Minamoto, jehož hlava přesunula hlavní město do své osady Kamakura, jejíž název se stal ; název další etapy v dějinách Japonska. V zemi se dostala k moci vojenská třída samurajů, z nichž pocházeli šógunové – skuteční vojenští vládci Japonska, který zůstal v Naře, si ponechal pouze nominální atributy moci. Samurajové dávali přednost jednoduchosti před sofistikovaností dvorské kultury. Kláštery zenové sekty již neobsahovaly pagody, chrámy připomínaly venkovské chatrče. Od konce 13. stol. pod vlivem panteistických myšlenek zenové sekty začala krajina ztělesňovat myšlenku přítomnosti buddhistických božstev v jakýchkoli krajinných objektech. V klášterech Kamakura se rozvinula ikonografie portrétů minského patriarchy: sedící a v klidné póze se zdůrazněnou charakteristikou obličeje a hypnotickou silou jeho pohledu. Sochařství je pod vlivem sekty Zen upozaděno, zejména krajinomalba vyjadřuje světonázor lidí této doby.

Období Muromači začíná událostmi roku 1333, kdy feudálové z jihovýchodních oblastí ostrova Honšú dobyli a vypálili Kamakura a vrátili hlavní město Heianu. Byla to doba vnitřních sporů a válek feudálních klanů. Vůdčím bodem pro neklidné časy bylo učení vyznavačů zenové sekty, že po dosažení jednoty s přírodou se lze vyrovnat s těžkostmi života a dosáhnout jednoty se světem. Krajinomalba se dostává do popředí japonského umění pod vlivem zenového učení, že „tělo“ Buddhy je příroda. V druhé polovině 12. stol. Malba černým inkoustem přišla do Japonska z Číny. Japonci, kteří se primárně zabývali touto malbou, byli členy sekty Zen. Vytvořili nový styl, který vysvětlil novou doktrínu (shigaku – spojení malby a poezie). XV a XVI století - doba maximálního rozkvětu tušové malby, jejímž předním mistrem byl Sesshu Toyo (1420-1506). Paralelně s tímto stylem existoval i styl Yamato-e.

Proměny společensko-politických vztahů, které vynesly do popředí vojenskou třídu, určovaly i podobu v 16. století. Architektonický styl Sein. Dříve jediný objem domu je nyní rozdělen pomocí posuvných dveří (shoji) a posuvných příček (fusuma). V místnostech se objevilo zvláštní místo pro studium - police na knihy a okno se širokým parapetem a výklenkem (tokonoma), kam byla umístěna kytice nebo rozmarně tvarovaný kámen a zavěšen svislý svitek.

V 16. stol V historii japonské architektury se čajové pavilony objevují v souvislosti s nutností správného vedení čajového obřadu. Čaj přivezli do Japonska v období Kamakura buddhističtí mniši jako lék. Čajový rituál (cha-no-yu) byl zaveden z iniciativy zenového mnicha Murata Shuko a vyžadoval speciální metodu pro jeho provedení. Tak vznikl nový typ architektonické struktury - chashitsu (pavilon pro čajový obřad), který se svým konstrukčním základem blížil obytné budově a svou funkcí - buddhistickému chrámu. Podpěry čajového pavilonu byly dřevěné a strop byl obložen bambusem nebo rákosem. Uvnitř chatrče o 1,5 nebo 2 tatami pokryté rohožemi, s nepálenými stěnami, malými víceúrovňovými okny, výklenkem tokonoma se zavěšenou monochromatickou krajinou a květinou ve váze, bylo ohniště a police na nádobí.

Umění vytváření zahrad vzkvétalo během období Muromachi. Japonské zahrady jsou jiné. Malé zahrady se nejčastěji nacházejí u chrámů nebo jsou spojeny s tradičním domem, jsou určeny k prohlížení. Velké upravené zahrady jsou navrženy tak, aby je bylo možné zažít zevnitř.

Kondo - (japonský zlatý sál) - hlavní chrám buddhistického komplexu, obsahující ikony, sochy, nástěnné malby

Zenová chrámová zahrada byla postavena na principu jednobarevného krajinného svitku. Místo listu papíru umělec použil hladinu jezera nebo plošinu pokrytou oblázky a místo skvrn a erozí silné kameny, mechy, listy stromů a keřů. Postupně ze zahrady mizely květiny, nahradily je mechy a keře, místo mostů se začaly používat kameny. Některé zahrady byly upravené a kopcovité (tsukiyama). Zahrady Tsukiyama byly kombinací přírodních prvků, jako jsou kameny, mechy, stromy, jezírka, s obligátním pavilonem na břehu. Nejstarší krajinná zahrada se nachází v Kjótu a patří klášteru Sohoji. Suché zahrady se nazývaly „hiraniwa“, tzn. byt. Hiraniva je „filosofická“ zahrada, protože od diváka vyžadovala rozvinutou fantazii. Zahrada hiraniwa „byla vyrobena z kamenů, písku a oblázků. Zahrada, uzavřená ze tří stran zdí, která ji obklopovala, byla určena pouze k rozjímání. Na konci 15. stol. jedna z nejznámějších suchých zahrad vznikla v klášteře Reanji. Zahrnuje 15 kamenů umístěných na obdélníkové štěrkové ploše. V zahradě kláštera Daitokuji v Hiraniwa, vytvořené v roce 1509, je příroda reprezentována kompozicemi kamenů a oblázků. Jedna z částí zahrady se nazývá „oceán prázdnoty“ a skládá se ze dvou nízkých oblázkových kopců mezi obdélníkovou oblastí. Zahrady by se mohly vzájemně doplňovat.

Na konci 15. stol. Vznikla dvorní škola dekorativní malby Kano. Zakladatel školy Kano Masanobu (1434-1530) pocházel z vojenské třídy a stal se uznávaným profesionálním dvorním umělcem. Jeho krajiny měly jen popředí, vše ostatní zakrýval mlžný opar. Důraz na jeden konkrétní předmět obrazu se stane charakteristickým pro školu Kano. Hlavní místo v tvorbě umělců školy Kano zaujímaly dekorativní nástěnné malby a paravány s žánrovou malbou. Nástěnné malby se staly hlavní složkou syntézy s architektonickou formou a prostředkem ovlivňování figurativního významu architektonického prostoru. Znaky architektonické formy zase vyžadovaly určité stylové kvality maleb, a proto se postupně vytvořil nový stylový kánon, který se v japonském malířství uchoval až do 19. století.

Shinden je typ obytné budovy. Hlavní budova obdélníkového půdorysu má jedinou halu, jižní fasádou obrácenou do náměstí a na východě a západě orámovaná galeriemi

Momoyama období (1X73-1614)

A tentokrát skončila éra feudálních válek, moc v zemi přešla na následné vojenské diktátory - Odu Nobunagu, Tojotomiho Hidejošiho a Iyaesu Tokugawu. Byla to doba růstu měst, sekularizace a demokratizace kultury a pronikání nových hodnotových orientací. Kultovní architektura ztratila svůj dřívější význam. Noví vládci Japonska deklarovali svou moc výstavbou grandiózních hradů, jejichž stavbu způsobil výskyt střelných zbraní v Japonsku a odpovídající změna v bitevní a obranné taktice. Hrad se stal zásadně novým typem japonské architektury. Asymetricky umístěné území hradu, obklopené vodním příkopem a strážními věžemi a nárožními věžemi, zahrnovalo centrální náměstí a mnoho nádvoří a místností, podzemních krytů a chodeb. Obytné prostory se nacházely v dřevěném objektu v areálu zámku s přísnou hierarchií vnitřního prostoru, která odrážela společenskou hierarchii. Dekorativní nástěnné malby grandiózních rozměrů, malované pestrými barvami na zlatém podkladu, se nejvíce hodily do interiérů zámků ponořených do šera.

Kano Eitoku (1543-1590). Tvůrce nového stylu obrazů určených k oslavě vojenských diktátorů. Jako první rozvinul princip jediné kompozice na velkých horizontálních plochách, zvětšoval formy a opouštěl drobné detaily, aby zprostředkoval nejen siluety, ale i dynamiku jejich forem. Eitoku se vyznačuje touhou zvýšit plochost obrazu a zlepšit jeho dekorativní vlastnosti. Na místech symbolizujících prázdný prostor jsou tedy umístěny skvrny s příměsí zlatého prášku. Prostor kompozice se nerozvinul do hloubky, ale podél pohledu.
V roce 1576 byl na břehu jezera Biwa postaven nevídaný hrad s kolosální sedmipatrovou věží, který měl demonstrovat sílu diktátora Oda Nobunagy. Zvláštností hradu byla přítomnost nejen úředních, ale i soukromých komnat. Hlavní výzdobou místností byly nástěnné malby, které byly svěřeny Kano Eitokovi, který na nich pracoval tři roky s početnou skupinou asistentů. Kano Eitoku, kterého diktátor spěchal, aby dokončil objednávku, začal zvětšovat formy pomocí silného štětce vyrobeného z rýžové slámy a uchýlil se k lakonickému uměleckému jazyku. Hlavní místo zaujímal obraz stromů, květin, ptáků a zvířat. Barevné schéma bylo jasné, nebyly zde žádné barevné nuance.

Změna společenské situace v zemi po nástupu tokugawských šógunů k moci vedla k zákazu výstavby hradů.
V dílech umělců první třetiny 17. stol. začínají převládat nové funkce. V malbě se více projevila touha po vyvážených, klidných kompozicích, nárůst ornamentálních forem a zájem o kulturu éry Heian a díla Yamato-e. Charakteristickým rysem školy Kano této doby je zdobení a zvýšená dekorativnost. Když ve druhé čtvrtině 17. stol. Stavba hradů byla zakázána a hlavní formou dekorativní malby se stala obrazovka. Monumentalita Kano Eitoku se z dekorativní malby vytratila. Umění získalo osobní nádech, což ovlivnilo i jeho stylistické kvality. Dekorativní malba 17. století. se nejčastěji inspiroval hrdiny a náměty klasické literatury, odrážející okruh zájmů kmenové aristokracie i nastupující buržoazní elity. Dekorativní malba se vyvinula ve starém hlavním městě Kjótu.

Ogata Korin, nový představitel školy Kano, se stal exponentem vkusu nových konzumentů umění – obyvatel města, obchodníků a řemeslníků.

Emakimano - horizontální svitek papíru nebo hedvábí nalepený na základně orámovaný brokátovým okrajem s dřevěným válečkem na konci

Ogata Korin (1658-1716) žila jako bohatý hrábě a neustále navštěvovala „gay čtvrti“. Teprve po ztroskotání, tváří v tvář kruté potřebě vydělat si na živobytí, se začal věnovat malbě na textil a malbě. Ogata Korin se zabývala jak keramikou, tak lakem, malovala kimona a vějíře. Jak
mistra, začal úvodem do tradiční malby a jejích technik. Korin vždy usiloval o kompaktnost a vyváženost forem, charakteristickým rysem jeho tvůrčího stylu je soustředění na rozvíjení několika dějových motivů, jejich opakované opakování a variace. Poprvé se v díle Ogata Korina objevilo dílo ze života. V malbě plátna „Červená a bílá švestka“ se dějový motiv Korina vrací ke klasické poezii s obrazy časného jara a probouzející se přírody. Po obou stranách potoka jsou na zlatém podkladu napsány kvetoucí stromy: podsaditá červená švestka s tlustým zakřiveným kmenem a téměř svisle stoupajícími větvemi a další, naznačená pouze patou kmene a ostře zahnutou větví, jako pokud spadne do vody, a proto se náhle vymrští, obsypaný bílými květy.

Kano Eitoku jestřáb na borovici. Obrazovka. Detail z konce 16. století.

Ogata Kenzan (1663-1743), na rozdíl od svého staršího bratra Ogata Korina, od mládí tíhl k duchovním hodnotám, byl stoupencem zenového buddhismu, znal čínskou a japonskou klasickou literaturu, divadlo Noh a čajový rituál. Na území patřícím chrámu Ninnaji dostal Kenzan povolení postavit si vlastní keramickou pec, která vyráběla výrobky 13 let až do roku 1712. Neusiloval o ziskovost, řídila se myšlenkou vytvářet vysoce umělecké výrobky. . Poprvé použil tradiční techniky malby tuší v trojrozměrné malbě. Kenzan začal používat barvu, psal na vlhký střep, pórovitá hlína barvu nasála, jako papír při malbě tuší. Stejně jako jeho velký současník, básník Basho, který proměnil oblíbený nízký žánr haiku v zjevení, i Ogata Kenzan ukázal, že obyčejné keramické talíře, šálky a vázy mohou být jak užitkovými předměty, tak zároveň poetickými uměleckými díly.

Období Edo (1614–1868)

V roce 1615 byli samurajové přesídleni z Kjóta do Edo. Význam třídy obchodníků, obchodníků a lichvářů, soustředěných v Maře, Kjótu a Ósace, nabýval na důležitosti. Představitelé těchto sociálních skupin se vyznačovali světským vnímáním života a touhou osvobodit se od vlivu feudální morálky. Umění se poprvé obrací k tématům každodenního života, včetně života tzv. veselé čtvrti - svět čajoven, divadlo Kabuki, zápasníci sumo. Vzhled dřevorytu byl spojen s demokratizací kultury, protože rytina se vyznačuje oběhem, levností a dostupností. Po každodenní malbě se rytí začalo říkat ukiyo-e (doslova smrtelný, proměnlivý svět).

Výroba rytin získala široký záběr. Rané období rozvoje grafiky ukiyo-e je spojeno se jménem Hashikawa Moronobu (1618-1694), který znázorňoval jednoduché výjevy ze života obyvatel čajoven a řemeslníků, spojující do jedné rytiny události z různých dob, nesouvisející k sobě navzájem. Pozadí rytin zůstalo bílé, linie byly jasné. Postupně se rozšiřovala škála námětů v rytinách a prohluboval se zájem nejen o vnější, ale i o vnitřní svět postav. Japonská rytina v letech 1780-1790. vstupuje do svého rozkvětu. Suzuki Haranobu (1725-1770) poprvé začal odhalovat vnitřní svět hrdinů v takových rytinách jako „Krásky trhající švestkovou ratolest“ a „Milenci v zasněžené zahradě“. Jako první použil techniku ​​rolování, vytvořil přechod z tmavého do světlého tónu a měnil tloušťku a texturu čar. Nikdy se nestaral o skutečné barvy, moře na jeho rytinách je růžové, obloha je písečná, tráva je modrá, vše závisí na celkovém emocionálním rozpoložení scény. Jedno z jeho nejlepších děl, „Lovers Playing the Same Shamisen“, bylo vytvořeno na téma japonského přísloví – „Pokud hudba podporuje lásku, hrajte“.

Tokonoma - výklenek v interiéru čajovny

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - vynikající mistr ukiyo-e. Jeho práce začala alby „The Book of Insects“ a „Songs of Shells“. Utamaro ve svých polovičních i celovečerních portrétech žen jako první používá slídový prášek, který vytváří třpytivé pozadí. Kráska Utamaro je ideální se svým půvabným tvarem a sestavou hlavy,
tenký krk, malá ústa, krátké černé obočí. V seriálech „Deset ženských postav“ a „Dny a hodiny žen“ se snažil identifikovat různé typy vzhledu a charakteru žen. Na konci 90. let. V Utamaru se tématu mateřství věnuje v grafech jako „Matka s dítětem“ a „Míčová hra“, přičemž zároveň vytváří triptychy a polyptychy na historická témata, přičemž se uchyluje k nepřímému označení (zobrazují se hrdinové země jako krásky). Teshusai Sharaku vytvořil sérii portrétů herců Kabuki a zápasníků sumo. Opustil obecně přijímané tradice a svou hlavní technikou učinil grotesku. Třetí období rozvoje rytiny ukiyo-e spadá do let 1800-1868. V této době vzrostl vliv holandských a německých leptů na japonské umění. Kreativita umělecké dynastie Utagawa se stala charakteristickou odmítnutím hledání individuality a touhou po formální milosti. Rozkvět krajinného žánru v rytectví je spojen se jménem Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai studoval starověké i moderní trendy v japonském umění, znal umění Číny a seznámil se s evropskými rytinami. Až do téměř 50 let pracoval Hokusai tradičním způsobem umělců ukiyo-e. Teprve v albech Manga (kniha náčrtů), jejichž první díl vyšel v roce 1812, našel Hokusai své pole umění. Nyní maloval každodenní výjevy, krajiny, davy lidí.

krajinářské zahrady Japonska

Ve věku 70 let vytvořil Hokusai svou sérii „36 pohledů na horu Fuji“, v každém z tisků umělec zobrazuje horu Fuji. Kombinace žánrového tématu s krajinou je rysem Hokusai. Na rozdíl od starověkých krajinářů Hokusai ukazuje zemi zespodu. Současně vytváří sérii „Cesta přes vodopády země“, „Mosty“, „Velké květiny“, „100 pohledů na Fuji“. Hokusai dokázal zprostředkovat věci z nečekaného úhlu. Na rytinách „100 pohledů na Fuji“ se hory buď vynořují z temnoty noci jako vize, nebo jsou vidět za stonky bambusu nebo se odrážejí v jezeře. Následovník Hokusaie, Ando Hiroshige (1797-1858), maloval přírodu mnohem realističtěji. Povoláním říční agent hodně cestoval po zemi a vytvořil svůj seriál „53 stanic Tokaidó“, „8 pohledů na jezero Omi“, „69 pohledů na Kishikaido“. Hiroshigeovo umění se přibližuje evropské malbě a končí tak dvousetletý rozkvět tisku ukiyo-e.

Dobrý den, milí čtenáři – hledači poznání a pravdy!

Japonští umělci mají jedinečný styl, vybroušený generacemi mistrů. Dnes si povíme o nejvýraznějších představitelích japonské malby a jejich obrazech, od starověku až po moderní dobu.

Nuže, pojďme se vrhnout do umění Země vycházejícího slunce.

Zrození umění

Starověké malířské umění v Japonsku je spojeno především se zvláštnostmi písma a je proto postaveno na základech kaligrafie. První vzorky zahrnují fragmenty bronzových zvonů, nádobí a předmětů pro domácnost nalezené během vykopávek. Mnohé z nich byly natřeny přírodními barvami a výzkum dává důvod se domnívat, že výrobky byly vyrobeny dříve než 300 let před naším letopočtem.

S příchodem do Japonska začalo nové kolo vývoje umění. Obrazy božstev buddhistického panteonu, výjevy ze života Učitele a jeho následovníků byly aplikovány na emakimono - speciální papírové svitky.

Převahu náboženských námětů v malbě lze vysledovat ve středověkém Japonsku, konkrétně od 10. do 15. století. Jména umělců té doby se bohužel dodnes nedochovala.

V období 15.-18. století začala nová doba, charakteristická nástupem umělců s rozvinutým individuálním stylem. Nastínili vektor pro další vývoj výtvarného umění.

Světlí představitelé minulosti

Napjatý Xubun (počátek 15. století)

Aby se stal vynikajícím mistrem, studoval Xiubun techniky psaní umělců čínské písně a jejich díla. Následně se stal jedním ze zakladatelů malby v Japonsku a tvůrcem sumi-e.

Sumi-e je umělecký styl, který je založen na kresbě tuší, což znamená jednu barvu.

Syubun udělal hodně pro to, aby se nový styl uchytil v uměleckých kruzích. Učil umění další talenty, včetně budoucích slavných malířů, například Sesshu.

Xiubunův nejoblíbenější obraz se jmenuje „Čtení v bambusovém háji“.

„Čtení v Bamboo Grove“ od Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Stal se tvůrcem školy pojmenované po sobě – Hasegawa. Zpočátku se snažil dodržovat kánony školy Kano, ale postupně se v jeho dílech začal vysledovat jeho individuální „rukopis“. Tohaku bylo vedeno grafikou Sesshu.

Základem děl byly jednoduché, lakonické, ale realistické krajiny s jednoduchými názvy:

  • "Borovice";
  • "Javor";
  • "Borovice a kvetoucí rostliny."


"Pines" od Hasegawa Tohaku

Bratři Ogata Korin (1658-1716) a Ogata Kenzan (1663-1743)

Bratři byli vynikajícími řemeslníky 18. století. Nejstarší Ogata Korin se zcela věnoval malbě a založil žánr rimpa. Vyhýbal se stereotypním obrazům, preferoval impresionistický žánr.

Ogata Korin maloval přírodu obecně a zejména květiny ve formě jasných abstrakcí. Jeho štětce patří k obrazům:

  • "Švestkový květ červený a bílý";
  • "Vlny Matsušimy";
  • "Chryzantémy".


"Vlny Matsushimy" Ogata Korin

Mladší bratr, Ogata Kenzan, měl mnoho pseudonymů. Přestože se zabýval malbou, proslul spíše jako báječný keramik.

Ogata Kenzan ovládal mnoho technik pro tvorbu keramiky. Vyznačoval se nestandardním přístupem, vytvářel například desky ve tvaru čtverce.

Jeho vlastní malba se nevyznačovala nádherou - to byla také jeho zvláštnost. Rád na své předměty používal svitkovou kaligrafii nebo úryvky z poezie. Někdy pracovali společně se svým bratrem.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Tvořil ve stylu ukiyo-e - druh dřevorytu, jinými slovy rytecká malba. Za celou svou kariéru vystřídal asi 30 jmen. Jeho nejznámějším dílem je Velká vlna z Kanagawy, díky níž se proslavil i mimo svou vlast.


"Velká vlna z Kanagawy" od Hokusai Katsushika

Hokusai začal obzvláště tvrdě pracovat po 60 letech, což přineslo dobré výsledky. Van Gogh, Monet a Renoir jeho dílo znali a do jisté míry ovlivnilo tvorbu evropských mistrů.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jeden z největších umělců 19. století. Narodil se, žil a pracoval v Edu, pokračoval v práci Hokusaie a byl inspirován jeho díly. Způsob, jakým zobrazil přírodu, je téměř stejně působivý jako množství děl samotných.

Edo je dřívější název Tokia.

Zde jsou některé postavy o jeho práci, které jsou reprezentovány sérií obrazů:

  • 5,5 tisíce – počet všech rytin;
  • „100 pohledů na Edo;
  • "36 pohledů na Fuji";
  • "69 stanic Kisokaido";
  • "53 stanic Tokaida."


Obraz Ando Hiroshige

Zajímavé je, že významný Van Gogh namaloval několik kopií svých rytin.

Modernost

Takashi Murakami

Umělec, sochař, oděvní návrhář si vydobyl jméno již na konci 20. století. Ve své tvorbě sleduje módní trendy s klasickými prvky, inspiraci čerpá z anime a manga kreslených filmů.


Obraz od Takashi Murakamiho

Díla Takashi Murakamiho jsou považována za subkulturu, ale zároveň jsou neuvěřitelně populární. Například v roce 2008 bylo jedno z jeho děl zakoupeno v aukci za více než 15 milionů dolarů. Svého času moderní tvůrce spolupracoval s módními domy Marc Jacobs a Louis Vuitton.

Tichá Ashima

Kolegyně předchozí umělkyně vytváří moderní surrealistické obrazy. Zobrazují pohledy na města, ulice megapolí a stvoření jako z jiného vesmíru – duchy, zlé duchy, mimozemské dívky. Na pozadí obrazů si můžete často všimnout panenské, někdy až děsivé přírody.

Její obrazy dosahují velkých rozměrů a zřídka se omezují na papírová média. Přenášejí se na kůži a plastové materiály.

V roce 2006 vytvořila žena v rámci výstavy v britském hlavním městě asi 20 klenutých staveb, které ve dne i v noci odrážely krásu přírody vesnice a města. Jeden z nich zdobil stanici metra.

Ahoj Arakawa

Mladého muže nelze nazvat pouhým umělcem v klasickém slova smyslu – vytváří instalace, které jsou v umění 21. století tak oblíbené. Témata jeho výstav jsou skutečně japonská a dotýkají se přátelských vztahů i práce celého týmu.

Hei Arakawa se často účastní různých bienále, například v Benátkách, vystavuje ve své vlasti v Muzeu moderního umění a zaslouženě získává různé druhy ocenění.

Ikenaga Yasunari

Současnému malíři Ikenagu Yasunarimu se podařilo spojit dvě zdánlivě neslučitelné věci: život moderních dívek v portrétní podobě a tradiční japonské techniky z dávných dob. Malíř při své tvorbě používá speciální štětce, přírodní pigmentované barvy, tuš a dřevěné uhlí. Místo obvyklého len - lněná tkanina.


Obraz Ikenaga Yasunariho

Tato technika kontrastu zobrazené doby a vzhledu hrdinek vytváří dojem, že se k nám vrátily z minulosti.

Sérii obrazů o složitosti života krokodýla, nedávno populární v internetové komunitě, vytvořil také japonský kreslíř Keigo.

Závěr

Japonská malba tedy začala kolem 3. století před naším letopočtem a od té doby se hodně změnila. První obrázky byly aplikovány na keramiku, poté začaly v umění převládat buddhistické motivy, ale jména autorů se dodnes nedochovala.

V moderní době získávali mistři štětce stále větší individualitu a vytvářeli různé směry a školy. Dnešní výtvarné umění se neomezuje pouze na tradiční malbu – využívá se instalací, karikatur, uměleckých plastik, speciálních struktur.

Velice vám děkuji za pozornost, milí čtenáři! Doufáme, že vám náš článek byl užitečný a příběhy o životě a díle nejjasnějších představitelů umění vám umožnily je lépe poznat.

Samozřejmě je těžké mluvit o všech umělcích od antiky po současnost v jednom článku. Nechť je to proto první krok k pochopení japonské malby.

A přidejte se k nám – přihlaste se k odběru blogu – budeme společně studovat buddhismus a východní kulturu!

Japonsko je úžasná východní země ležící na ostrovech. Jiný název pro Japonsko je Země vycházejícího slunce. Mírné, teplé a vlhké podnebí, pohoří sopek a mořské vody vytvářejí nádherné krajiny, mezi kterými vyrůstají mladí Japonci, což nepochybně zanechává otisk umění tohoto malého státu. Lidé si zde zvykají na krásu odmala a čerstvé květiny, okrasné rostliny a malé zahrádky s jezírkem jsou atributem jejich domovů. Každý se snaží uspořádat kus divoké přírody pro sebe. Jako všechny východní národnosti si i Japonci udržovali spojení s přírodou, kterou ctili a respektovali po celá staletí své civilizace.

Zvlhčování vzduchu: pračka vzduchu „WINIX WSC-500“ vytváří malé částečky vody. Provozní režimy pračky Winix WSC-500: Pračka vzduchu „WINIX WSC-500“ má pohodlný automatický provozní režim. Současně je udržována nejoptimálnější a nejpohodlnější vlhkost v místnosti - 50-60% a plazmový režim čištění vzduchu a ionizace (“Plasma Wave™”) je standardně zapnutý.

Architektura Japonska

Japonsko bylo dlouho považováno za uzavřenou zemi, kontakty byly pouze s Čínou a Koreou. Jejich vývoj se proto ubíral vlastní zvláštní cestou. Později, když na území ostrovů začaly pronikat různé novinky, si je Japonci rychle přizpůsobili pro sebe a předělali po svém. Japonský architektonický styl představuje domy s masivními zakřivenými střechami, které je chrání před neustálým silným deštěm. Císařské paláce se zahradami a pavilony jsou skutečným uměleckým dílem.

Z náboženských staveb nalezených v Japonsku můžeme vyzdvihnout dřevěné šintoistické chrámy, buddhistické pagody a buddhistické chrámové komplexy, které se dochovaly dodnes, které se objevily v pozdějším období dějin, kdy buddhismus vstoupil do země z pevniny a byl vyhlášen státem náboženství. Dřevostavby, jak víme, nejsou odolné a zranitelné, ale v Japonsku je zvykem obnovovat budovy v jejich původní podobě, takže i po požárech jsou přestavěny do stejné podoby, v jaké byly v té době postaveny.

Japonské sochařství

Buddhismus měl silný vliv na vývoj japonského umění. Mnoho děl představuje obraz Buddhy, takže v chrámech byly vytvořeny četné sochy a sochy Buddhy. Byly vyrobeny z kovu, dřeva a kamene. Teprve po nějaké době se objevili mistři, kteří začali zhotovovat světské portrétní sochy, ale časem se jejich potřeba vytratila, a tak se k výzdobě staveb začaly stále častěji používat sochařské reliéfy s hlubokými řezbami.

Miniaturní socha netsuke je považována za národní uměleckou formu Japonska. Zpočátku takové postavy hrály roli klíčenky, která byla připevněna k opasku. Každá figurka měla otvor pro šňůrku, na kterou se zavěšovaly potřebné věci, protože oblečení v té době nemělo kapsy. Figurky Netsuke zobrazovaly světské postavy, bohy, démony nebo různé předměty, které měly zvláštní tajný význam, například přání rodinného štěstí. Netsuke jsou vyrobeny ze dřeva, slonoviny, keramiky nebo kovu.

Dekorativní umění Japonska

Výroba zbraní s ostřím byla v Japonsku povýšena na uměleckou úroveň, čímž byla výroba samurajského meče dovedena k dokonalosti. Meče, dýky, rámy na meče, prvky bojové munice sloužily jako jakési pánské šperky, naznačující příslušnost k dané třídě, takže byly vyrobeny zručnými řemeslníky, zdobené drahými kameny a řezbami. Mezi japonská lidová řemesla patří také keramika, lakování, tkaní a dřevoryt. Tradiční keramické výrobky malují japonští hrnčíři různými vzory a glazurami.

Japonská malba

V japonském malířství nejprve převládal monochromní typ maleb, úzce spjatý s uměním kaligrafie. Oba byly vytvořeny podle stejných principů. Umění výroby barev, inkoustu a papíru se do Japonska dostalo z pevniny. V tomto ohledu začalo nové kolo vývoje malířského umění. V té době byly jedním z typů japonské malby dlouhé horizontální svitky emakinomo, které zobrazovaly výjevy ze života Buddhy. Krajinomalba se v Japonsku začala rozvíjet mnohem později, poté se objevili umělci, kteří se specializovali na výjevy ze společenského života, malbu portrétů a válečných výjevů.

V Japonsku obvykle malovali na skládací obrazovky, shoji, stěny domů a oblečení. Pro Japonce je paraván nejen funkčním prvkem domova, ale také uměleckým dílem k rozjímání, definujícím celkovou náladu místnosti. Národní oblečení, kimono, je také považováno za kus japonského umění, nesoucí zvláštní orientální příchuť. Dekorativní panely na zlaté fólii s použitím jasných barev lze také zařadit mezi díla japonské malby. Japonci dosáhli velké zručnosti při vytváření ukiyo-e, takzvaného dřevorytu. Předmětem takových obrazů byly epizody ze života obyčejných měšťanů, umělců a gejš, jakož i nádherné krajiny, které se staly výsledkem vývoje malířského umění v Japonsku.