Σύγχρονοι Ιάπωνες καλλιτέχνες και οι πίνακές τους. Καλλιτέχνες της Ιαπωνίας - από την αρχαιότητα μέχρι σήμερα

Τέχνη και σχέδιο

2904

01.02.18 09:02

Σημερινή σκηνή τέχνηςΗ Ιαπωνία είναι πολύ διαφορετική και προκλητική: κοιτάζοντας το έργο των δασκάλων από τη χώρα Ανατολή του ηλίου, θα αποφασίσεις ότι έφτασες σε άλλο πλανήτη! Εδώ ζουν οι καινοτόμοι που άλλαξαν το «τοπίο» της βιομηχανίας σε παγκόσμια κλίμακα. Σας παρουσιάζουμε μια λίστα με 10 σύγχρονους Ιάπωνες καλλιτέχνες και τις δημιουργίες τους - από απίστευτα πλάσματαΟ Takashi Murakami (που γιορτάζει τα γενέθλιά του σήμερα) στο πολύχρωμο σύμπαν της Kusama.

Από φουτουριστικούς κόσμους σε διακεκομμένους αστερισμούς: σύγχρονοι Ιάπωνες καλλιτέχνες

Takashi Murakami: παραδοσιακός και κλασικός

Ας ξεκινήσουμε με τον ήρωα της περίστασης! Ο Takashi Murakami είναι ένας από τους πιο εμβληματικούς σύγχρονους καλλιτέχνες της Ιαπωνίας, που εργάζεται σε πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά μεγάλης κλίμακας και ρούχα μόδας. Το στυλ του Μουρακάμι είναι επηρεασμένο από τα manga και τα anime. Είναι ο ιδρυτής του κινήματος Superflat, το οποίο υποστηρίζει τις ιαπωνικές καλλιτεχνικές παραδόσεις και τη μεταπολεμική κουλτούρα της χώρας. Ο Μουρακάμι προώθησε πολλούς από τους συγχρόνους του και μερικούς από αυτούς θα τους γνωρίσουμε και σήμερα. Τα «υποπολιτισμικά» έργα του Takashi Murakami παρουσιάζονται στις αγορές τέχνης της μόδας και της τέχνης. Το προκλητικό του My Lonesome Cowboy (1998) πουλήθηκε στη Νέα Υόρκη στους Sotheby's το 2008 για το ρεκόρ των 15,2 εκατομμυρίων δολαρίων. Ο Μουρακάμι συνεργάστηκε με τον κόσμο διάσημες μάρκες Marc Jacobs, Louis Vuitton και Issey Miyake.

Ήσυχα η Ashima και το σουρεαλιστικό σύμπαν της

Μέλος της εταιρείας παραγωγής τέχνης Kaikai Kiki και του κινήματος Superflat (και τα δύο ιδρύθηκαν από τον Takashi Murakami), η Chicho Ashima είναι γνωστή για τα φανταστικά της αστικά τοπία και τα περίεργα ποπ πλάσματα της. Ο καλλιτέχνης δημιουργεί σουρεαλιστικά όνειρα που κατοικούνται από δαίμονες, φαντάσματα, νεαρές ομορφιές, που απεικονίζονται με φόντο την παράξενη φύση. Τα έργα της είναι συνήθως μεγάλης κλίμακας και τυπωμένα σε χαρτί, δέρμα και πλαστικό. Το 2006, αυτός ο σύγχρονος Ιάπωνας καλλιτέχνης συμμετείχε στο Art on the Underground στο Λονδίνο. Δημιούργησε 17 συνεχόμενες καμάρες για την πλατφόρμα - το μαγικό τοπίο μετατράπηκε σταδιακά από τη μέρα στη νύχτα, από αστικό σε αγροτικό. Αυτό το θαύμα άνθισε στο σταθμό του μετρό Gloucester Road.

Ο Chiharu Shima και οι ατελείωτες κλωστές

Ένας άλλος καλλιτέχνης, ο Chiharu Shiota, εργάζεται σε μεγάλης κλίμακας εικαστικές εγκαταστάσεις για συγκεκριμένα ορόσημα. Γεννήθηκε στην Οσάκα, αλλά τώρα ζει στη Γερμανία - στο Βερολίνο. Κεντρικά θέματατο έργο της είναι η λήθη και η μνήμη, τα όνειρα και η πραγματικότητα, παρελθόν και παρόν, αλλά και η αντιμετώπιση του άγχους. Το περισσότερο διάσημα έργα Chiharu Shiota - αδιαπέραστα δίκτυα μαύρης κλωστής, που καλύπτουν πολλά οικιακά και προσωπικά αντικείμενα - όπως παλιές καρέκλες, ένα νυφικό, ένα καμένο πιάνο. Το καλοκαίρι του 2014, η Shiota έδεσε μαζί παπούτσια και μπότες (εκ των οποίων ήταν περισσότερες από 300) με νήματα από κόκκινο νήμα και τα κρέμασε σε γάντζους. Η πρώτη έκθεση του Chiharu στη γερμανική πρωτεύουσα πραγματοποιήθηκε κατά τη διάρκεια της Εβδομάδας Τέχνης του Βερολίνου το 2016 και προκάλεσε αίσθηση.

Γεια σου Arakawa: παντού, πουθενά

Ο Hei Arakawa εμπνέεται από καταστάσεις αλλαγής, περιόδους αστάθειας, στοιχεία κινδύνου και οι εγκαταστάσεις του συχνά συμβολίζουν θέματα φιλίας και ομαδικής εργασίας. Η πίστη του σύγχρονου Ιάπωνα καλλιτέχνη ορίζεται από το παραστατικό, αόριστο «παντού, αλλά πουθενά». Οι δημιουργίες του ξεπροβάλλουν σε απρόσμενα μέρη. Το 2013, τα έργα του Arakawa εκτέθηκαν στην Μπιενάλε της Βενετίας και στην έκθεση των Ιαπώνων σύγχρονη τέχνηστο Μουσείο Τέχνης Mori (Τόκιο). Η εγκατάσταση Hawaiian Presence (2014) ήταν κοινό έργομε τη Νεοϋορκέζα καλλιτέχνιδα Carissa Rodriguez και συμμετείχε στην Μπιενάλε της Whitney. Επίσης, το 2014, ο Arakawa και ο αδερφός του Tomu, που έπαιζαν ως ντουέτο με το όνομα United Brothers, πρόσφεραν στους επισκέπτες της Frieze London το «έργο» τους «The This Soup Taste Ambivalent» με «ραδιενεργά» λαχανικά ρίζας Fukushima daikon.

Κόκι Τανάκα: Σχέσεις και επαναλήψεις

Το 2015, ο Κόκι Τανάκα αναγνωρίστηκε ως «Καλλιτέχνης της Χρονιάς». Ο Tanaka εξερευνά την κοινή εμπειρία της δημιουργικότητας και της φαντασίας, ενθαρρύνει την ανταλλαγή μεταξύ των συμμετεχόντων στο έργο και υποστηρίζει νέους κανόνες συνεργασίας. Η εγκατάστασή του στο ιαπωνικό περίπτερο στην Μπιενάλε της Βενετίας το 2013 αποτελούνταν από βίντεο με αντικείμενα που μεταμόρφωσαν τον χώρο σε πλατφόρμα καλλιτεχνικής ανταλλαγής. Οι εγκαταστάσεις του Κόκι Τανάκα (δεν πρέπει να συγχέεται με τον ομώνυμο ηθοποιό του) απεικονίζουν τη σχέση μεταξύ αντικειμένων και ενεργειών, για παράδειγμα, το βίντεο περιέχει ηχογραφήσεις απλών χειρονομιών που εκτελούνται με συνηθισμένα αντικείμενα (μαχαίρι που κόβει λαχανικά, μπύρα που χύνεται σε ένα ποτήρι , ανοίγοντας μια ομπρέλα). Δεν συμβαίνει τίποτα σημαντικό, αλλά εμμονική επανάληψη και προσοχή μέχρι τις πιο μικρές λεπτομέρειεςκάνει τον θεατή να εκτιμήσει τα εγκόσμια.

Mariko Mori και βελτιωμένα σχήματα

Ένας άλλος σύγχρονος Ιάπωνας καλλιτέχνης, η Mariko Mori, «ζωντανεύει» αντικείμενα πολυμέσων, συνδυάζοντας βίντεο, φωτογραφίες και αντικείμενα. Χαρακτηρίζεται από ένα μινιμαλιστικό φουτουριστικό όραμα και κομψές σουρεαλιστικές φόρμες. Ένα επαναλαμβανόμενο θέμα στο έργο του Μόρι είναι η αντιπαράθεση του δυτικού μύθου με ΔΥΤΙΚΗ κουλτουρα. Το 2010, η Mariko ίδρυσε το Fau Foundation, ένα εκπαιδευτικό πολιτιστικό μη κερδοσκοπική οργάνωση, για την οποία παρήγαγε μια σειρά από καλλιτεχνικές εγκαταστάσεις της προς τιμήν των έξι κατοικημένων ηπείρων. Πιο πρόσφατα, η μόνιμη εγκατάσταση του Ιδρύματος "Ring: One with Nature" ανεγέρθηκε πάνω από έναν γραφικό καταρράκτη στο Resende κοντά στο Ρίο ντε Τζανέιρο.

Ryoji Ikeda: σύνθεση ήχου και βίντεο

Ο Ryoji Ikeda είναι ένας νέος καλλιτέχνης και συνθέτης των μέσων ενημέρωσης του οποίου η δουλειά ασχολείται κυρίως με τον ήχο σε διάφορες «ακατέργαστες» καταστάσεις, από ημιτονοειδή κύματα μέχρι θόρυβο που χρησιμοποιούν συχνότητες στην άκρη της ανθρώπινης ακοής. Οι καθηλωτικές εγκαταστάσεις του περιλαμβάνουν ήχους που παράγονται από υπολογιστή που μετατρέπονται οπτικά σε προβολές βίντεο ή ψηφιακά μοτίβα. Η οπτικοακουστική τέχνη της Ikeda χρησιμοποιεί κλίμακα, φως, σκιά, ένταση, ηλεκτρονικούς ήχους και ρυθμό. Η περίφημη εγκατάσταση δοκιμών του καλλιτέχνη αποτελείται από πέντε προβολείς που φωτίζουν μια περιοχή μήκους 28 μέτρων και πλάτους 8 μέτρων. Η εγκατάσταση μετατρέπει δεδομένα (κείμενο, ήχους, φωτογραφίες και ταινίες) σε γραμμωτούς κώδικες και δυαδικά μοτίβα μονάδων και μηδενικών.

Tatsuo Miyajima και μετρητές LED

Ο σύγχρονος Ιάπωνας γλύπτης και καλλιτέχνης εγκατάστασης Tatsuo Miyajima χρησιμοποιεί στην τέχνη του ηλεκτρικά κυκλώματα, βίντεο, υπολογιστές και άλλα gadget. Οι βασικές έννοιες του Miyajima εμπνέονται από ανθρωπιστικές ιδέεςκαι βουδιστικές διδασκαλίες. Οι μετρητές LED στις εγκαταστάσεις του αναβοσβήνουν συνεχώς σε επανάληψη από το 1 έως το 9, συμβολίζοντας το ταξίδι από τη ζωή στο θάνατο, αλλά αποφεύγοντας την οριστικότητα που αντιπροσωπεύεται από το 0 (το μηδέν δεν εμφανίζεται ποτέ στο έργο του Tatsuo). Οι πανταχού παρόντες αριθμοί σε πλέγματα, πύργους και διαγράμματα εκφράζουν το ενδιαφέρον του Miyajima για τις ιδέες της συνέχειας, της αιωνιότητας, της σύνδεσης και της ροής του χρόνου και του χώρου. Πρόσφατα, το «Arrow of Time» του Miyajima παρουσιάστηκε στην εναρκτήρια έκθεση «Unfinished Thoughts Visible in New York».

Η Νάρα Γιοσιμότο και τα κακά παιδιά

Η Nara Yoshimoto δημιουργεί πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά και σχέδια παιδιών και σκύλων - θέματα που αντικατοπτρίζουν τα παιδικά συναισθήματα πλήξης και απογοήτευσης και τη σκληρή ανεξαρτησία που έρχεται φυσικά στα νήπια. Η αισθητική του έργου του Yoshimoto θυμίζει παραδοσιακή εικονογραφήσεις βιβλίων, είναι ένα μείγμα ανήσυχης έντασης και της αγάπης του καλλιτέχνη για το punk rock. Το 2011, το Asia Society Museum της Νέας Υόρκης φιλοξένησε την πρώτη ατομική έκθεση του Yoshimoto, με τίτλο «Yoshitomo Nara: Nobody's Fool», που καλύπτει την 20ετή καριέρα του σύγχρονου Ιάπωνα καλλιτέχνη διαμαρτυρία.

Yayoi Kusama και το διάστημα μεγαλώνει σε περίεργες μορφές

Φοβερο δημιουργική βιογραφίαΤο Yayoi του Kusama εκτείνεται σε επτά δεκαετίες. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η εκπληκτική Γιαπωνέζα κατάφερε να μελετήσει τους τομείς της ζωγραφικής, των γραφικών, του κολάζ, της γλυπτικής, του κινηματογράφου, της χαρακτικής, της περιβαλλοντικής τέχνης, της εγκατάστασης, καθώς και της λογοτεχνίας, της μόδας και του σχεδιασμού ρούχων. Η Kusama ανέπτυξε ένα πολύ ξεχωριστό στυλ τέχνης με τελείες που έχει γίνει το σήμα κατατεθέν της. Απατηλά οράματα που παρουσιάζονται στα έργα της 88χρονης Κουσάμα (όταν ο κόσμος φαίνεται καλυμμένος παράξενες μορφές), είναι αποτέλεσμα παραισθήσεων που βιώνει από την παιδική του ηλικία. Τα δωμάτια με τις πολύχρωμες κουκκίδες και τους «άπειρους» καθρέφτες που αντανακλούν τα συμπλέγματά τους είναι αναγνωρίσιμα και δεν μπορούν να συγχέονται με τίποτα άλλο.

Έχει πολύ πλούσια ιστορία; Η παράδοσή της είναι τεράστια, με τη μοναδική θέση της Ιαπωνίας στον κόσμο να επηρεάζει σε μεγάλο βαθμό τα κυρίαρχα στυλ και τεχνικές των Ιαπώνων καλλιτεχνών. Γνωστό γεγονόςΤο ότι η Ιαπωνία ήταν αρκετά απομονωμένη για πολλούς αιώνες οφείλεται όχι μόνο στη γεωγραφία, αλλά και στην κυρίαρχη ιαπωνική πολιτιστική τάση προς την απομόνωση που έχει σημαδέψει την ιστορία της χώρας. Κατά τη διάρκεια των αιώνων αυτού που θα μπορούσαμε να ονομάσουμε «ιαπωνικό πολιτισμό», ο πολιτισμός και η τέχνη αναπτύχθηκαν ξεχωριστά από εκείνες στον υπόλοιπο κόσμο. Και αυτό είναι ακόμη αισθητό στην πρακτική της ιαπωνικής ζωγραφικής. Για παράδειγμα, οι πίνακες Nihonga είναι από τα κύρια έργα της ιαπωνικής ζωγραφικής πρακτικής. Βασίζεται σε πάνω από χίλια χρόνια παράδοσης και οι πίνακες δημιουργούνται συνήθως με πινέλα είτε σε Vashi (ιαπωνικό χαρτί) είτε σε Egina (μετάξι).

Ωστόσο, η ιαπωνική τέχνη και η ζωγραφική επηρεάστηκαν από ξένες καλλιτεχνικές πρακτικές. Πρώτον, ήταν η κινεζική τέχνη τον 16ο αιώνα και η κινεζική ζωγραφική και η κινεζική καλλιτεχνική παράδοση, που είχαν ιδιαίτερη επιρροή σε πολλές πτυχές. Από τον 17ο αιώνα, η ιαπωνική ζωγραφική επηρεάστηκε επίσης Δυτικές παραδόσεις. Συγκεκριμένα, κατά την προπολεμική περίοδο, που διήρκεσε από το 1868 έως το 1945, η ιαπωνική ζωγραφική επηρεάστηκε από τον ιμπρεσιονισμό και ευρωπαϊκός ρομαντισμός. Ταυτόχρονα, τα νέα ευρωπαϊκά καλλιτεχνικά κινήματα επηρεάστηκαν σημαντικά από τους Ιάπωνες καλλιτεχνικές τεχνικές. Στην ιστορία της τέχνης, αυτή η επιρροή ονομάζεται "Ιαπωνισμός" και είναι ιδιαίτερα σημαντική για τους ιμπρεσιονιστές, τους κυβιστές και τους καλλιτέχνες που συνδέονται με τον μοντερνισμό.

Μακρά ιστορίαΗ ιαπωνική ζωγραφική μπορεί να θεωρηθεί ως σύνθεση πολλών παραδόσεων που δημιουργούν μέρη μιας αναγνωρισμένης ιαπωνικής αισθητικής. Πρώτα απ 'όλα, η βουδιστική τέχνη και οι μέθοδοι ζωγραφικής, καθώς και ραφή, άφησε σημαντικό σημάδι στην αισθητική των ιαπωνικών έργων ζωγραφικής. ζωγραφική με νερό με μελάνι τοπίων στην παράδοση της κινεζικής λογοτεχνικής ζωγραφικής - άλλο σημαντικό στοιχείο, αναγνωρισμένο σε πολλούς διάσημους ιαπωνικούς πίνακες. Η ζωγραφική ζώων και φυτών, ιδιαίτερα πουλιών και λουλουδιών, είναι αυτό που συνήθως συνδέεται με τις ιαπωνικές συνθέσεις, όπως και τοπία και σκηνές από Καθημερινή ζωή. Τέλος, οι αρχαίες ιδέες για την ομορφιά από τη φιλοσοφία και τον πολιτισμό είχαν μεγάλη επιρροή στην ιαπωνική ζωγραφική Αρχαία Ιαπωνία. Το Wabi, που σημαίνει παροδική και τραχιά ομορφιά, το sabi (η ομορφιά της φυσικής πατίνας και της γήρανσης) και το yugen (βαθιά χάρη και λεπτότητα) συνεχίζουν να επηρεάζουν τα ιδανικά στην πρακτική της ιαπωνικής ζωγραφικής.

Τέλος, αν επικεντρωθούμε στην επιλογή των δέκα πιο διάσημων ιαπωνικών αριστουργημάτων, πρέπει να αναφέρουμε το ukiyo-e, το οποίο είναι ένα από τα πιο δημοφιλή είδη τέχνης στην Ιαπωνία, παρόλο που ανήκει στη χαρακτική. Κυριάρχησε Ιαπωνική τέχνηαπό τον 17ο - 19ο αιώνα, ενώ καλλιτέχνες που ανήκουν σε αυτό το είδος δημιουργούσαν ξυλογραφίες και πίνακες με αντικείμενα όπως π.χ. όμορφα κορίτσια, ηθοποιοί Kabuki και παλαιστές σούμο, καθώς και σκηνές από την ιστορία και παραμύθια, ταξιδιωτικές σκηνές και τοπία, χλωρίδα και πανίδα ακόμα και ερωτική.

Είναι πάντα δύσκολο να φτιάξεις μια λίστα καλύτερους πίνακες ζωγραφικήςαπό καλλιτεχνικές παραδόσεις. Πολλά καταπληκτικά έργα θα αποκλειστούν. Ωστόσο, αυτή η λίστα περιλαμβάνει δέκα από τους πιο αναγνωρίσιμους ιαπωνικούς πίνακες στον κόσμο. Αυτό το άρθρο θα παρουσιάσει μόνο πίνακες που δημιουργήθηκαν από τον 19ο αιώνα μέχρι σήμερα.

Η ιαπωνική ζωγραφική έχει μια εξαιρετικά πλούσια ιστορία. Για αιώνες Ιάπωνες καλλιτέχνεςαναπτηγμένος ένας μεγάλος αριθμός από μοναδικές τεχνικέςκαι στυλ που είναι η πιο πολύτιμη συνεισφορά της Ιαπωνίας στον κόσμο της τέχνης. Μία από αυτές τις τεχνικές είναι το sumi-e. Το Sumi-e σημαίνει κυριολεκτικά «σχέδιο με μελάνι» και συνδυάζει καλλιγραφία και ζωγραφική με μελάνι για να δημιουργήσει μια σπάνια ομορφιά συνθέσεων με πινέλο. Αυτή η ομορφιά είναι παράδοξη - αρχαία αλλά μοντέρνα, απλή αλλά πολύπλοκη, τολμηρή αλλά συγκρατημένη, αντανακλώντας αναμφίβολα την πνευματική βάση της τέχνης στον Βουδισμό Ζεν. Βουδιστές ιερείς εισήγαγαν μπλοκ συμπαγούς μελάνης και πινέλα από μπαμπού στην Ιαπωνία από την Κίνα τον έκτο αιώνα, και τους τελευταίους 14 αιώνες η Ιαπωνία ανέπτυξε μια πλούσια κληρονομιά ζωγραφικής με μελάνι.

Κάντε κύλιση προς τα κάτω και δείτε 10 Ιαπωνικά αριστουργήματα ζωγραφικής

1. Katsushika Hokusai «Το όνειρο της γυναίκας του ψαρά»

Ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους ιαπωνικούς πίνακες είναι «Το όνειρο της γυναίκας του ψαρά». Γράφτηκε το 1814 διάσημος καλλιτέχνηςΧοκουσάι. Με αυστηρό ορισμό, αυτό το εκπληκτικό έργο του Χοκουσάι δεν μπορεί να θεωρηθεί πίνακας ζωγραφικής, καθώς είναι ξυλογραφία του είδους ukiyo-e από το βιβλίο Young Pines (Kinoe no Komatsu), το οποίο είναι ένα τρίτομο βιβλίο shunga. Η σύνθεση απεικονίζει μια νεαρή ama δύτη μπλεγμένη σεξουαλικά με ένα ζευγάρι χταπόδια. Αυτή η εικόνα είχε μεγάλη επιρροή τον 19ο και τον 20ο αιώνα. Το έργο επηρέασε περισσότερο όψιμοι καλλιτέχνεςόπως οι Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf και Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro γράφει ένα νοσταλγικό ποίημα κοιτάζοντας το φεγγάρι"

Ο Tessai Tomioka είναι το ψευδώνυμο ενός διάσημου Ιάπωνα καλλιτέχνη και καλλιγράφου. Θεωρείται ο τελευταίος μεγάλος καλλιτέχνης στην παράδοση του bunjing και ένας από τους πρώτους μεγάλους καλλιτέχνες του στυλ Nihonga. Η Μπουντζίνγκα ήταν μια σχολή ιαπωνικής ζωγραφικής που άκμασε στα τέλη της εποχής Έντο ανάμεσα σε καλλιτέχνες που θεωρούσαν τους εαυτούς τους φιλομαθείς ή διανοούμενους. Καθένας από αυτούς τους καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένης της Tessaya, ανέπτυξε τη δική του δικο μου στυλκαι τεχνολογία, αλλά ήταν όλοι μεγάλοι θαυμαστές κινέζικη τέχνηκαι τον πολιτισμό.

3. Fujishima Takeji “Sunrise over the Eastern Sea”

Ο Fujishima Takeji ήταν Ιάπωνας καλλιτέχνης γνωστός για το έργο του στην ανάπτυξη του ρομαντισμού και του ιμπρεσιονισμού στο κίνημα τέχνης της γιόγκα (δυτικού στυλ). τέλη XIX- αρχές 20ου αιώνα. Το 1905, ταξίδεψε στη Γαλλία, όπου επηρεάστηκε από τα γαλλικά κινήματα της εποχής, ιδιαίτερα τον ιμπρεσιονισμό, όπως φαίνεται στον πίνακα του Sunrise Over. Ανατολική Θάλασσα», που γράφτηκε το 1932.

4. Kitagawa Utamaro «Δέκα τύποι γυναικείων προσώπων, μια συλλογή από κυρίαρχες καλλονές»

Ο Kitagawa Utamaro ήταν ένας εξέχων Ιάπωνας καλλιτέχνης που γεννήθηκε το 1753 και πέθανε το 1806. Είναι σίγουρα περισσότερο γνωστός για μια σειρά που ονομάζεται «Ten Types γυναικεία πρόσωπα. Συλλογή από κυρίαρχες καλλονές, θέματα Μεγάλη αγάπηκλασική ποίηση» (μερικές φορές αποκαλείται «Ερωτευμένες γυναίκες», που περιέχει ξεχωριστά χαρακτικά «Γυμνή αγάπη» και «Σκεπτόμενη αγάπη»). Είναι ένας από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες που ανήκουν στο είδος της ξυλογραφίας ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Ο Kawanabe Kyosai ήταν ένας από τους πιο διάσημους Ιάπωνες καλλιτέχνες της περιόδου Έντο. Η τέχνη του επηρεάστηκε από το έργο του Tohaku, ενός ζωγράφου της σχολής Kano του 16ου αιώνα, ο οποίος ήταν ο μόνος καλλιτέχνης της εποχής του που ζωγράφισε οθόνες εξ ολοκλήρου με μελάνι σε ένα λεπτό φόντο από χρυσό σε σκόνη. Αν και ο Kyosai είναι γνωστός ως σκιτσογράφος, έγραψε μερικά από τα περισσότερα διάσημους πίνακες V Ιαπωνική ιστορία τέχνη του 19ου αιώνααιώνας. Ο «Τίγρης» είναι ένας από εκείνους τους πίνακες που ο Kyosai χρησιμοποίησε ακουαρέλα και μελάνι για να δημιουργήσει.

6. Hiroshi Yoshida “Fuji from Lake Kawaguchi”

Ο Hiroshi Yoshida είναι γνωστός ως ένας από τους περισσότερους μεγάλες φιγούρεςΣτυλ Shin-hanga (Το Shin-hanga είναι ένα καλλιτεχνικό κίνημα στην Ιαπωνία στις αρχές του 20ου αιώνα, κατά τη διάρκεια των περιόδων Taisho και Showa, που αναβίωσε την παραδοσιακή τέχνη του ukiyo-e, η οποία είχε τις ρίζες της στις περιόδους Edo και Meiji ( 17ος - 19ος αιώνας)). Εκπαιδεύτηκε στην παράδοση της δυτικής ελαιογραφίας, η οποία υιοθετήθηκε από την Ιαπωνία κατά την περίοδο Meiji.

7. Takashi Murakami “727”

Ο Takashi Murakami είναι ίσως ο πιο δημοφιλής Ιάπωνας καλλιτέχνης της εποχής μας. Τα έργα του πωλούνται σε αστρονομικές τιμές. μεγάλες δημοπρασίες, και η δημιουργικότητα εμπνέει ήδη νέες γενιές καλλιτεχνών όχι μόνο στην Ιαπωνία, αλλά και στο εξωτερικό. Η τέχνη του Μουρακάμι περιλαμβάνει ολόκληρη γραμμήπεριβάλλοντα και συνήθως περιγράφεται ως υπερεπίπεδο. Το έργο του είναι γνωστό για τη χρήση του χρώματος, ενσωματώνοντας μοτίβα από την ιαπωνική παραδοσιακή και λαϊκή κουλτούρα. Το περιεχόμενο των πινάκων του συχνά περιγράφεται ως «χαριτωμένο», «ψυχεδελικό» ή «σατιρικό».

8. Yayoi Kusama "Pumpkin"

Ο Yaoi Kusama είναι επίσης ένας από τους πιο διάσημους Ιάπωνες καλλιτέχνες. Δημιουργεί μέσα διάφορες τεχνικές, συμπεριλαμβανομένων ζωγραφικής, κολάζ, γλυπτικής, περφόρμανς, περιβαλλοντικής τέχνης και εγκατάστασης, τα περισσότερα από τα οποία δείχνουν το θεματικό της ενδιαφέρον για το ψυχεδελικό χρώμα, την επανάληψη και το μοτίβο. Μια από τις πιο διάσημες σειρές αυτής σπουδαίος καλλιτέχνηςείναι η σειρά Pumpkin. Καλυμμένη με πουά μοτίβο, μια κανονική κολοκύθα σε έντονο κίτρινο χρώμα παρουσιάζεται σε καθαρό φόντο. Συλλογικά, όλα αυτά τα στοιχεία σχηματίζουν μια εικαστική γλώσσα που είναι αναμφισβήτητα πιστή στο στυλ του καλλιτέχνη και έχει αναπτυχθεί και τελειοποιηθεί επί δεκαετίες επίπονης παραγωγής και αναπαραγωγής.

9. Tenmyoya Hisashi “Japanese Spirit No. 14”

Ο Tenmyoya Hisashi είναι ένας σύγχρονος Ιάπωνας καλλιτέχνης που είναι γνωστός για τους πίνακές του neo-nihonga. Πήρε μέρος στην αναβίωση παλιά παράδοσηΙαπωνική ζωγραφική, η οποία είναι το εντελώς αντίθετο από τη σύγχρονη ιαπωνική ζωγραφική. Το 2000 δημιούργησε και το δικό του ένα νέο στυλ butouha, ο οποίος επιδεικνύει έντονη στάση απέναντι στο έγκυρο σύστημα τέχνης μέσα από τους πίνακές του. Το "Japanese Spirit No. 14" δημιουργήθηκε ως μέρος του καλλιτεχνικό σχήμα"BASARA", ερμηνεύεται σε ιαπωνική κουλτούραόπως η επαναστατική συμπεριφορά της κατώτερης αριστοκρατίας κατά την περίοδο των εμπόλεμων κρατών να στερήσει από τις αρχές τη δυνατότητα να επιτύχουν ιδανική εικόναζωή, ντύνονται με πλούσια και πολυτελή ρούχα και ενεργούν με ελεύθερη βούληση, όχι σύμφωνα με την κοινωνική τους τάξη.

10. Katsushika Hokusai «The Great Wave Off Kanagawa»

Τελικά, " Μεγάλο κύμαστην Καναγκάουα» είναι ίσως το πιο αναγνωρίσιμο ιαπωνική ζωγραφικήγραμμένο ποτέ. Είναι στην πραγματικότητα το πιο διάσημο έργο τέχνης που δημιουργήθηκε στην Ιαπωνία. Απεικονίζει τεράστια κύματα να απειλούν βάρκες στα ανοικτά των ακτών του νομού Καναγκάουα. Αν και μερικές φορές μπερδεύεται με τσουνάμι, το κύμα, όπως υποδηλώνει ο τίτλος του πίνακα, είναι πιθανότατα απλώς ασυνήθιστα υψηλό. Ο πίνακας είναι φτιαγμένος με την παράδοση ukiyo-e.

Κάθε χώρα έχει τους ήρωές της σύγχρονη τέχνη, των οποίων τα ονόματα είναι γνωστά, των οποίων οι εκθέσεις προσελκύουν πλήθη θαυμαστών και περίεργων ανθρώπων και των οποίων τα έργα πωλούνται σε ιδιωτικές συλλογές.

Σε αυτό το άρθρο θα σας παρουσιάσουμε τα πιο δημοφιλή σύγχρονους καλλιτέχνεςΙαπωνία.

Κέικο Τανάμπε

Γεννημένος στο Κιότο, ο Κέικο κέρδισε πολλές νίκες ως παιδί. διαγωνισμούς τέχνης, Αλλά ανώτερη εκπαίδευσηΔεν το κατάλαβα καθόλου στον χώρο της τέχνης. Εργάστηκε στο τμήμα διεθνών σχέσεων ενός ιαπωνικού δημοτικού εμπορικού οργανισμού στο Τόκιο, σε μια μεγάλη δικηγορική εταιρεία στο Σαν Φρανσίσκο και σε μια ιδιωτική εταιρεία συμβούλων στο Σαν Ντιέγκο, και ταξίδεψε πολύ. Ξεκινώντας το 2003, άφησε τη δουλειά της και, έχοντας σπουδάσει τα βασικά της ακουαρέλας στο Σαν Ντιέγκο, αφοσιώθηκε αποκλειστικά στην τέχνη.

Ικενάγκα Γιασουνάρι

Ο Ιάπωνας καλλιτέχνης Ikenaga Yasunari ζωγραφίζει πορτρέτα σύγχρονες γυναίκεςστα αρχαία Ιαπωνική παράδοσηζωγραφική χρησιμοποιώντας πινέλο Menso, ορυκτές χρωστικές, αιθάλη, μελάνι και λινό ως βάση. Οι χαρακτήρες του είναι γυναίκες της εποχής μας, αλλά χάρη στο στυλ του Nihonga, έχεις την αίσθηση ότι μας ήρθαν από αμνημονεύτων χρόνων.

Άμπε Τοσιγιούκι

Ο Abe Toshiyuki είναι ένας ρεαλιστής καλλιτέχνης που έχει κατακτήσει τεχνική ακουαρέλας. Ο Άμπε μπορεί να ονομαστεί καλλιτέχνης-φιλόσοφος: ως θέμα αρχής, δεν ζωγραφίζει γνωστά αξιοθέατα, προτιμώντας υποκειμενικές συνθέσεις, αντανακλώντας εσωτερικές καταστάσειςτο άτομο που τους παρακολουθεί.

Χιρόκο Σακάι

Η καριέρα του καλλιτέχνη Hiroko Sakai ξεκίνησε στις αρχές της δεκαετίας του '90 στην πόλη Fukuoka. Αφού αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο Seinan Gakuin και τη Γαλλική Σχολή Εσωτερικού Σχεδιασμού Nihon στο σχεδιασμό και την οπτικοποίηση, ίδρυσε το Atelier Yume-Tsumugi Ltd. και διαχειρίστηκε με επιτυχία αυτό το στούντιο για 5 χρόνια. Πολλά από τα έργα της διακοσμούν λόμπι και γραφεία νοσοκομείων. μεγάλες εταιρείεςκαι μερικά δημοτικά κτίρια στην Ιαπωνία. Αφού μετακόμισε στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο Hiroko άρχισε να ζωγραφίζει με λάδια.

Ριουσούκε Φουκαχόρι

Τα τρισδιάστατα έργα του Riusuki Fukahori μοιάζουν με ολογράμματα. Έχουν γίνει ακρυλική μπογιά, που εφαρμόζεται σε πολλές στρώσεις και ένα διαφανές υγρό ρητίνης - όλα αυτά, χωρίς να αποκλείονται οι παραδοσιακές μέθοδοι όπως η σχεδίαση σκιών, η απαλότητα των άκρων, ο έλεγχος της διαφάνειας, επιτρέπουν στον Riusuki να δημιουργήσει γλυπτική ζωγραφικήκαι δίνει στο έργο βάθος και ρεαλισμό.

Νατσούκι Οτάνι

Ο Natsuki Otani είναι ένας ταλαντούχος Ιάπωνας εικονογράφος που ζει και εργάζεται στην Αγγλία.

Μακότο Μουραμάτσου

Ο Makoto Muramatsu επέλεξε ένα θέμα που κερδίζει ως βάση για τη δημιουργικότητά του - σχεδιάζει γάτες. Οι φωτογραφίες του είναι δημοφιλείς σε όλο τον κόσμο, ειδικά σε μορφή παζλ.

Tetsuya Mishima

Οι περισσότεροι πίνακες είναι σύγχρονοι Ιάπωνας καλλιτέχνηςΤο Mishima παρασκευάζεται σε λάδι. Ασχολείται επαγγελματικά με τη ζωγραφική από τη δεκαετία του '90 και έχει αρκετές ατομικές εκθέσειςκαι μεγάλο αριθμό συλλογικών εκθέσεων, ιαπωνικών και ξένων.

Η μονόχρωμη ζωγραφική της Ιαπωνίας είναι ένα από τα μοναδικά φαινόμενα της ανατολικής τέχνης. Πολλή δουλειά και έρευνα έχει αφιερωθεί σε αυτό, αλλά συχνά γίνεται αντιληπτό ως ένα πολύ συμβατικό πράγμα, και μερικές φορές ακόμη και ως διακοσμητικό. Αυτό δεν είναι έτσι Ο πνευματικός κόσμος του Ιάπωνα καλλιτέχνη είναι πολύ πλούσιος και δεν νοιάζεται τόσο για το αισθητικό στοιχείο όσο για το πνευματικό. Η τέχνη της Ανατολής είναι μια σύνθεση του εξωτερικού και του εσωτερικού, του ρητού και του άρρητου.

Σε αυτήν την ανάρτηση θα ήθελα να δώσω προσοχή όχι στην ιστορία της μονόχρωμης ζωγραφικής, αλλά στην ουσία της. Για αυτό θα μιλήσουμε.

οθόνη "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Αυτό που βλέπουμε στους μονόχρωμους πίνακες είναι το αποτέλεσμα της αλληλεπίδρασης του καλλιτέχνη με τη βασική τριάδα: χαρτί, πινέλο, μελάνι. Επομένως, για να κατανοήσετε σωστά το έργο, πρέπει να κατανοήσετε τον ίδιο τον καλλιτέχνη και τη στάση του.

"Τοπίο" Sesshu, 1398

Χαρτίγια έναν Ιάπωνα κύριο δεν είναι εύκολο αυτοσχέδιο υλικό, το οποίο υποτάσσει στην ιδιοτροπία του, αλλά μάλλον το αντίθετο - αυτός είναι ένας «αδελφός» και επομένως η στάση απέναντί ​​της έχει αναπτυχθεί ανάλογα. Το χαρτί είναι μέρος γύρω φύση, την οποία οι Ιάπωνες αντιμετώπιζαν πάντα με ευλάβεια και προσπαθούσαν να μην την υποτάξουν, αλλά να συνυπάρξουν ειρηνικά μαζί της. Το χαρτί είναι στο παρελθόν ένα δέντρο που στεκόταν σε μια συγκεκριμένη περιοχή, συγκεκριμένη ώρα, «είδε» κάτι γύρω της και τα κρατάει όλα. Έτσι αντιλαμβάνεται το υλικό ο Ιάπωνας καλλιτέχνης. Συχνά, πριν ξεκινήσουν την εργασία, οι τεχνίτες κοιτούσαν για πολύ καιρό Κενό φύλλο(το σκέφτηκαν) και μόνο τότε άρχισαν να ζωγραφίζουν. Ακόμη και τώρα, οι σύγχρονοι Ιάπωνες καλλιτέχνες που εξασκούν την τεχνική Nihon-ga (παραδοσιακή ιαπωνική ζωγραφική) επιλέγουν προσεκτικά το χαρτί. Το αγοράζουν κατά παραγγελία από χαρτοποιία. Κάθε καλλιτέχνης έχει ένα συγκεκριμένο πάχος, διαπερατότητα υγρασίας και υφή (πολλοί καλλιτέχνες συνάπτουν ακόμη και συμφωνία με τον ιδιοκτήτη του εργοστασίου να μην πουλήσει αυτό το χαρτί σε άλλους καλλιτέχνες) - επομένως, κάθε πίνακας γίνεται αντιληπτός ως κάτι μοναδικό και ζωντανό.

"Διαβάζοντας σε ένα άλσος μπαμπού" Xubun, 1446

Μιλώντας για τη σημασία αυτού του υλικού, αξίζει να αναφέρουμε τα εξής διάσημα μνημείαΙαπωνική λογοτεχνία όπως το «Notes at the Bedside» του Sei Shonagon και το «Genji Monogotari» του Murasaki Shikibu: τόσο στο «Notes» όσο και στο «Genji» μπορείτε να βρείτε πλοκές όταν αυλικοί ή εραστές ανταλλάσσουν μηνύματα. Το χαρτί στο οποίο γράφονταν αυτά τα μηνύματα ήταν της κατάλληλης εποχής του χρόνου, απόχρωση και ο τρόπος γραφής του κειμένου αντιστοιχούσε στην υφή του.

"Murasaki Shikibu στο Ishiyama Shrine" Kyosen

Βούρτσα- το δεύτερο στοιχείο είναι η συνέχεια του χεριού του πλοιάρχου (και πάλι αυτό είναι φυσικό υλικό). Ως εκ τούτου, τα πινέλα κατασκευάστηκαν επίσης κατά παραγγελία, αλλά τις περισσότερες φορές από τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Επέλεξε τις τρίχες του απαιτούμενου μήκους, διάλεξε το μέγεθος της βούρτσας και την πιο άνετη λαβή. Ο κύριος ζωγραφίζει μόνο με το δικό του πινέλο και κανένα άλλο. (Από προσωπική εμπειρία: παρακολούθησε ένα master class Κινέζος καλλιτέχνηςΟ Jiang Shilun, το κοινό του ζήτησε να δείξει τι μπορούσαν να κάνουν οι μαθητές του που ήταν παρόντες στο master class και ο καθένας από αυτούς, παίρνοντας το πινέλο του δασκάλου, είπε ότι το αποτέλεσμα δεν θα ήταν αυτό που περίμεναν, καθώς το πινέλο δεν ήταν δικό τους , δεν το είχαν συνηθίσει και δεν ξέρουν πώς να το χρησιμοποιήσουν σωστά).

Σκίτσο με μελάνι "Fuji" από τον Katsushika Hokusai

Μάσκαρα- το τρίτο σημαντικό στοιχείο. Γίνεται μάσκαρα ΔΙΑΦΟΡΕΤΙΚΟΙ ΤΥΠΟΙ: μπορεί να δώσει ένα γυαλιστερό ή ματ αποτέλεσμα μετά το στέγνωμα, ίσως με μια ανάμειξη από ασημί ή ώχρα αποχρώσεις, επομένως σωστή επιλογήΗ μάσκαρα επίσης δεν είναι ασήμαντη.

Yamamoto Baitsu, τέλη XVIII- XIX αιώνας.

Τα κύρια θέματα της μονόχρωμης ζωγραφικής είναι τα τοπία. Γιατί δεν υπάρχουν χρώματα σε αυτά;

Ζευγαρωμένη οθόνη "Pines", Hasegawa Tohaku

Πρώτον, ο Ιάπωνας καλλιτέχνης δεν ενδιαφέρεται για το ίδιο το αντικείμενο, αλλά για την ουσία του, ένα συγκεκριμένο συστατικό που είναι κοινό για όλα τα έμβια όντα και οδηγεί στην αρμονία μεταξύ ανθρώπου και φύσης. Επομένως, η εικόνα είναι πάντα ένας υπαινιγμός, απευθύνεται στις αισθήσεις μας και όχι στην όραση. Η υποτίμηση είναι ένα ερέθισμα για διάλογο, άρα και σύνδεση. Οι γραμμές και τα σημεία είναι σημαντικά σε μια εικόνα - σχηματίζονται καλλιτεχνική γλώσσα. Αυτή δεν είναι η ελευθερία του πλοιάρχου, ο οποίος άφησε ένα τολμηρό σημάδι όπου ήθελε, αλλά σε άλλο μέρος, αντίθετα, υποχώρησε - όλα στην εικόνα έχουν το δικό τους νόημα και νόημα και δεν είναι τυχαία.

Δεύτερον, το χρώμα φέρει πάντα κάποιου είδους συναισθηματική χροιά και γίνεται αντιληπτό διαφορετικά διαφορετικοί άνθρωποιΣε διαφορετικές καταστάσεις, επομένως, η συναισθηματική ουδετερότητα επιτρέπει στον θεατή να εισέλθει επαρκώς σε διάλογο, να τον τοποθετήσει για αντίληψη, στοχασμό και σκέψη.

Τρίτον, αυτή είναι η αλληλεπίδραση του γιν και του γιανγκ κάθε μονόχρωμη ζωγραφική είναι αρμονική από την άποψη της αναλογίας του μελανιού προς την ανέγγιχτη περιοχή του χαρτιού.

Γιατί τα περισσότερα απόΔεν χρησιμοποιείται χώρος χαρτιού;

«Τοπίο» Xubun, μέσα 15ου αιώνα.

Πρώτον, ο κενός χώρος βυθίζει τον θεατή στην εικόνα. Δεύτερον, η εικόνα δημιουργείται σαν να επιπλέει στην επιφάνεια για μια στιγμή και πρόκειται να εξαφανιστεί - αυτό συνδέεται με την κοσμοθεωρία και την κοσμοθεωρία. Τρίτον, σε εκείνες τις περιοχές όπου δεν υπάρχει μελάνι, η υφή και η απόχρωση του χαρτιού έρχεται στο προσκήνιο (αυτό δεν είναι πάντα ορατό στις αναπαραγωγές, αλλά στην πραγματικότητα είναι πάντα η αλληλεπίδραση δύο υλικών - χαρτιού και μελανιού).

Sesshu, 1446

Γιατί τοπίο;

"Συλλογισμός ενός καταρράκτη" Gayami, 1478

Σύμφωνα με την ιαπωνική κοσμοθεωρία, η φύση είναι πιο τέλεια από τον άνθρωπο, γι' αυτό πρέπει να μάθει από αυτήν, να την προστατεύει με κάθε δυνατό τρόπο και να μην την καταστρέφει ή την υποτάσσει. Επομένως, σε πολλά τοπία μπορείτε να δείτε μικρές εικόνες ανθρώπων, αλλά είναι πάντα ασήμαντες, μικρές σε σχέση με το ίδιο το τοπίο ή εικόνες από καλύβες που ταιριάζουν στον χώρο που τις περιβάλλει και δεν είναι καν πάντα αισθητές - όλα αυτά είναι σύμβολα μια κοσμοθεωρία.

"Εποχές: Φθινόπωρο και Χειμώνας" Sesshu. "Τοπίο" Sesshu, 1481

Εν κατακλείδι, θέλω να πω ότι η μονόχρωμη ιαπωνική ζωγραφική δεν είναι χαοτικά πιτσιλισμένο μελάνι, δεν είναι μια ιδιοτροπία του εσωτερικού εγώ του καλλιτέχνη - είναι ένα ολόκληρο σύστημα εικόνων και συμβόλων, είναι μια αποθήκη φιλοσοφικής σκέψης και το πιο σημαντικό, ένας τρόπος επικοινωνίας και εναρμόνισης του εαυτού μας και του κόσμου γύρω μας.

Εδώ, νομίζω, είναι οι απαντήσεις στα βασικά ερωτήματα που προκύπτουν στον θεατή όταν αντιμετωπίζει μια μονόχρωμη Ιαπωνική ζωγραφική. Ελπίζω να σας βοηθήσουν να το κατανοήσετε σωστά και να το αντιληφθείτε όταν συναντηθείτε.