Οι καλύτερες ιταλικές όπερες. Όπερα μαργαριτάρι της Ιταλίας: Θέατρο La Scala Ιστορία των όπερων στην Ιταλία

Το Teatro Olimpico είναι ένα από τα τρία αναγεννησιακά θέατρα που έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα. Το σχέδιό του είναι η παλαιότερη διακόσμηση στον κόσμο. Το θέατρο βρίσκεται στην πόλη Vicenza, στην ιταλική περιφέρεια Veneto. Ιστορία δημιουργίας Η κατασκευή του θεάτρου ξεκίνησε το 1580. Ο αρχιτέκτονας ήταν ένας από τους πιο διάσημους δεξιοτέχνες της Αναγέννησης, ο Andrea Palladio.Πριν αρχίσει να δημιουργεί το έργο, ο Andrea Palladio μελέτησε τη δομή δεκάδων ρωμαϊκών θεάτρων. Δεν έχει γη για νέο θέατρο...

Το Teatro Massimo είναι ένα από τα μεγαλύτερα θέατρα όπερας όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και σε ολόκληρη την Ευρώπη, διάσημο για την εξαιρετική ακουστική του. ...

Οι περισσότεροι ταξιδιώτες γνωρίζουν εκ των προτέρων ποια αξιοθέατα στην Ιταλία θέλουν να επισκεφτούν. Αν μιλάμε για Μίλαν, τότε ο νούμερο ένα για...

Το Teatro San Carlo στην Ιταλία είναι μια από τις παλαιότερες όπερες στον κόσμο, Μνημείο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO Διαβάστε επίσης: Οι Ιταλοί προτείνουν να συνεισφέρουν...

Το Teatro Goldoni, που παλαιότερα ονομαζόταν Teatro San Luca και Teatro Vendramin di San Salvatore, είναι ένα από τα κύρια θέατρα στη Βενετία. Το θέατρο βρίσκεται...

Οι πολιτιστικές διακοπές στην Ιταλία, φυσικά, δεν θα είναι ολοκληρωμένες χωρίς να επισκεφθείτε το θέατρο. Προτιμάτε πολιτιστικές διακοπές και θα θέλατε να μάθετε περισσότερα για τη θεατρική ζωή στην Ιταλία; Ονειρευόσασταν από καιρό να παρακολουθήσετε ιταλική όπερα στη γενέτειρα του είδους, αλλά δεν ξέρετε πώς να την οργανώσετε; Τότε έχετε έρθει στον σωστό ιστότοπο. Η ενότητα Ιταλικά θέατρα σας προσφέρει χρήσιμες πληροφορίες για τις ώρες λειτουργίας και το ρεπερτόριο των ιταλικών θεάτρων. Επίσης εδώ μπορείτε να μάθετε πολλά ενδιαφέροντα στοιχεία για τα θέατρα στην Ιταλία, την ιστορία της κατασκευής τους και τους θρύλους γύρω από διάσημα κτίρια.

Γνωρίζατε ότι ακόμη και τα αρχαία αμφιθέατρα, που έχουν ηλικία άνω των δύο χιλιάδων ετών, μπορούν να λειτουργήσουν ως θεατρικές σκηνές στην Ιταλία; Και το γεγονός ότι οι ιταλικές όπερες όπως η Σκάλα και το Σαν Κάρλο αποκαλούνται δικαιωματικά οι καλύτερες που υπάρχουν στον κόσμο; Ενδιαφέρεστε να μάθετε για την ιστορία της κατασκευής τους; Θα θέλατε να μάθετε για το ρεπερτόριο και το κόστος των εισιτηρίων για τα παγκοσμίου φήμης θέατρα όπερας στην Ιταλία; Στη συνέχεια, αυτή η ενότητα του ιστότοπου δημιουργήθηκε ειδικά για εσάς.

Οι συγγραφείς του δοκιμίου είναι οι L. A. Solovtsova, O. T. Leontyeva

Η γενέτειρα της όπερας είναι η Ιταλία. Ζωντανεύτηκε από τα ουμανιστικά ιδεώδη της ιταλικής Αναγέννησης, αυτό το είδος εμφανίστηκε στα τέλη του 16ου αιώνα. Στην ενότητα ποίησης, μουσικής και θεάτρου, μια ομάδα φωτισμένων ποιητών και μουσικών της Φλωρεντίας αναζήτησε τρόπους να αναβιώσει το αρχαίο θέατρο, να δημιουργήσει μια συνθετική τέχνη ικανή να εκφράσει αληθινά τα ανθρώπινα συναισθήματα. Οι Φλωρεντινοί διακήρυξαν την κυριαρχία της ποίησης έναντι της μουσικής. Έχοντας εγκαταλείψει τη μεσαιωνική πολυφωνία, προβάλλουν ένα νέο, ομοφωνικό-ρετσιτατικό ύφος. Σύμφωνα με τον B. Asafiev, οι ρετσιτατιβικοί ποιμενικοί των Φλωρεντινών ήταν «ένα είδος προπύλαιας» για την όπερα.

Κατά το πρώτο μισό του 17ου αιώνα. Η όπερα διαμορφώθηκε σταδιακά ως είδος, αποκτώντας μια νέα κατεύθυνση στην ανάπτυξή της: ξεπερνώντας τον στενό κύκλο των ποιητών και μουσικών της Φλωρεντίας, ήρθε σε επαφή με ένα ευρύ κοινό στη Μάντοβα της Ρώμης, στη συνέχεια στη Βενετία, όπου στη δεκαετία του '30. XVII αιώνα Άνοιξε η πρώτη μόνιμη όπερα στον κόσμο. Οι παραστάσεις δωματίου των Φλωρεντινών έδωσαν τη θέση τους σε υπέροχες θεατρικές παραγωγές. Ταυτόχρονα, η μουσική άρχισε να υπερισχύει του κειμένου - το αποκηρυγμένο στυλ αντικαταστάθηκε σταδιακά από την καντιλένα.

Το υψηλότερο επίτευγμα της ιταλικής όπερας του 17ου αιώνα είναι το έργο δύο αξιόλογων συνθετών: του Claudio Monteverdi (1567-1643) και του Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Ο Μοντεβέρντι εργάστηκε στη Μάντοβα και στη συνέχεια στη Βενετία, όπου δημιούργησε τα καλύτερα έργα του. Ήταν ο πρώτος σπουδαίος συνθέτης όπερας που ενσάρκωσε δυνατούς χαρακτήρες και μεγάλα πάθη στη σκηνή του θεάτρου. Εμπλούτισε την όπερα με μια σειρά από νέα μουσικά και εκφραστικά μέσα. συνδύαζε τη μελωδική απαγγελία με την καντιλένα. Υπέταξε τη μελωδία, την αρμονία και την ορχηστρική γραφή σε μια δραματική έννοια. Πριν από την εποχή του, ο Μοντεβέρντι ακολούθησε το δρόμο της δημιουργίας ενός ρεαλιστικού μουσικού δράματος.

Στις παραστάσεις των μετέπειτα Ιταλών συνθετών, το δραματικό περιεχόμενο σταδιακά έσβησε στο παρασκήνιο. Παράλληλα, ο ρόλος του βιρτουόζου τραγουδιού στη μουσική της όπερας αυξανόταν όλο και περισσότερο.

Η ανάπτυξη της ιταλικής όπερας στο δεύτερο μισό του 17ου και 18ου αιώνα. συνδέεται με την υπέροχη άνθηση της φωνητικής τέχνης. Το έργο του A. Scarlatti έθεσε τα θεμέλια για τη διάσημη ναπολιτάνικη σχολή, η οποία στο γύρισμα του 17ου και 18ου αι. κατέλαβε την κυρίαρχη θέση που κατείχε προηγουμένως η βενετική σχολή. Έχοντας υιοθετήσει την εμπειρία των Φλωρεντινών, Ρωμαίων και Ενετών δασκάλων, οι Ναπολιτάνοι χρησιμοποίησαν τα δημιουργικά τους επιτεύγματα.

Στη Νάπολη διαμορφώθηκε τελικά το είδος της ιταλικής όπερας, όπου η μουσική κυριαρχούσε στο κείμενο, όπου καθορίστηκαν τα είδη των φωνητικών μορφών και η τέχνη του τραγουδιού άνθισε. Υπέροχοι Ιταλοί τραγουδιστές έχουν γίνει διάσημοι σε όλο τον κόσμο όχι μόνο για τις όμορφες φωνές τους, αλλά και για την υψηλότερη φωνητική τους ικανότητα, που ονομάζεται bel canto. Ωστόσο, σε όλο τον 18ο αι. η τέχνη του bel canto πήρε σταδιακά έναν όλο και πιο εξωτερικό, δεξιοτεχνικό χαρακτήρα. Οι καλύτεροι Ιταλοί τραγουδιστές είχαν το δημιουργικό χάρισμα του αυτοσχεδιασμού. Ενώ ερμήνευαν άριες, τις διαφοροποιούσαν και αυτοσχεδίαζαν ρυθμούς. Προσπαθώντας να μιμηθούν τους διάσημους δεξιοτέχνες του bel canto, οι λιγότερο ταλαντούχοι τραγουδιστές συχνά ξεπερνούσαν τα όρια του καλλιτεχνικά δικαιολογημένου στην ερμηνεία τους.

Το πάθος των τραγουδιστών για τη βιρτουόζικη τεχνική επηρέασε επίσης τη δουλειά των συνθετών. Υποχωρώντας στα γούστα του κοινού και στις συνήθειες των τραγουδιστών, οι συνθέτες συχνά υπερφόρτωσαν τις άριες με βιρτουόζους στολισμούς. Αποκτώντας μια εξωτερική λάμψη, η μουσική έχασε σταδιακά τη συναισθηματική εκφραστικότητα που σημάδεψε το έργο του A. Scarlatti και των στενότερων οπαδών του. Οι βιρτουόζοι τραγουδιστές πήραν την πρώτη θέση στην όπερα, σπρώχνοντας τον συνθέτη και λιμπρετίστα στο βάθος. Κατά τη σύνθεση μιας όπερας, ήταν απαραίτητο, πρώτα απ 'όλα, να παρέχουμε «θεαματικά νούμερα» για τα αγαπημένα του κοινού που έπαιζαν σε αυτήν.

Οι συνθέτες της ναπολιτάνικης σχολής, ακόμη και στην περίοδο της ακμής της, ελάχιστα ασχολήθηκαν με τα θέματα του δράματος. Ο τύπος της λεγόμενης «σοβαρής» όπερας (opera seria) που εμφανίστηκε στη Νάπολη αποτελούνταν κυρίως από μια εναλλαγή άριων και ρετσιτάτιων. τα σύνολα δεν έπαιξαν σημαντικό ρόλο. Δεν υπήρχαν σχεδόν καθόλου χορωδίες. την κύρια θέση κατέλαβαν άριες και ντουέτα που εξέφραζαν τα συναισθήματα των ηρώων. τα ρετσιτάτι περιέγραφαν κυρίως τα γεγονότα και την πορεία του δράματος. Καθώς η δύναμη των βιρτουόζων τραγουδιστών αυξανόταν, η προσοχή στο δραματικό περιεχόμενο εξασθενούσε όλο και περισσότερο. Τα γούστα των θαμώνων στα αυλικά θέατρα είχαν πολύ αρνητικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της σειράς όπερας. Οι πλοκές των λιμπρέτων της όπερας συχνά περιορίζονταν σε ανούσιους έρωτες.

Ηρωικά-ποιμαντικά θέματα, θέματα από τη μυθολογία και τον Μεσαίωνα λειτούργησαν μόνο ως καμβάς, δίνοντας αφορμή για λαμπρές βιρτουόζες άριες. Το πόσο αδιάφοροι ήταν τόσο οι ερμηνευτές όσο και οι ακροατές για τη στιλιστική ενότητα της μουσικής μπορεί να κριθεί από το γεγονός ότι στη δεκαετία του '20. XVIII αιώνα Διαδόθηκε το είδος των όπερων στις οποίες όλες οι πράξεις ανήκαν σε διαφορετικούς συνθέτες. Τέτοιες όπερες ονομάζονταν παστίτσιο («πατέ»).

Επανειλημμένα σε όλο τον 18ο αιώνα. και έγιναν προσπάθειες από ποιητές και συνθέτες να ενισχύσουν τη δραματουργία της «σοβαρής» όπερας. Σημαντική τιμή γι' αυτό ανήκει στους ποιητές A. Zeno και Pietro Metastasio. Αλλά δεν ξεπέρασαν τον σχηματισμό στην κατασκευή μιας παράστασης όπερας: όπως και οι προκάτοχοί τους, ο Ζήνων και ο Μεταστάσιος προχώρησαν όχι από τις απαιτήσεις της δραματουργίας, αλλά από την καθιερωμένη τάξη στη διανομή των άριων και των ρετσιτάτιων μεταξύ των πράξεων. Η μουσική δραματουργία της όπερας παρέμεινε ουσιαστικά η ίδια. Συγκεκριμένα, τα επεισόδια απαγγελίας είχαν τον χαρακτήρα τυπικών συνδέσεων μεταξύ φωνητικών αριθμών. Κατά τη διάρκεια της παράστασης ρετσιτάτιτ, το κοινό συνήθως μιλούσε δυνατά ή έφευγε από την αίθουσα για να φάει ένα σνακ και να παίξει χαρτιά.

Αυτό δεν σημαίνει ότι «μεταξύ των Ιταλών συνθετών δεν υπήρχαν σοβαροί, στοχαστικοί καλλιτέχνες. Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, κατά την εποχή του Ιταλικού Διαφωτισμού, υπήρχε μια αυξανόμενη επιθυμία να ανέβει το καλλιτεχνικό επίπεδο της «σοβαρής» όπερας, αλλά κανένας από τους Ιταλούς συνθέτες εκείνη την εποχή δεν τόλμησε να παρεκκλίνει από τη γενικά αποδεκτή δομή. της όπερας σειράς, να εγκαταλείψει την ανούσια δεξιοτεχνία των αριών.

Ταυτόχρονα με τη «σοβαρή» όπερα, στα σπλάχνα της ίδιας ναπολιτάνικης σχολής εμφανίστηκε και η κωμική όπερα (opera buffa). Έχοντας κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα από τα πρώτα βήματα, εξαπλώθηκε γρήγορα σε όλες τις πόλεις της Ευρώπης, εκτοπίζοντας τη «σοβαρή» όπερα ακόμα και από τις σκηνές των δικαστικών θεάτρων.

Με τις απαρχές της να χρονολογούνται από τον 18ο αιώνα, η ιταλική κωμική όπερα αναπτύχθηκε μέσα από τις κωμικές σκηνές και τα ιντερμέδια που διέσχιζαν τις βενετικές και ναπολιτάνικές όπερες εκείνης της εποχής. Η άλλη πηγή του ήταν οι διαλεκτικές (βασισμένες σε λαϊκές διαλέκτους) κωμωδίες, που συνήθως παίζονταν με απλά τραγούδια. Ως είδος, η κωμική όπερα καθιερώθηκε στα ιντερμέδια του Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). το τελευταίο τέταρτο του αιώνα έφτασε στην κλασική ωριμότητα στα έργα των Giovanni Paisiello (1740-1816) και Domenico Cimorosa (1749-1801). Δημοκρατική στις φιλοδοξίες της, η όπερα μπούφα προέκυψε ως αντίδραση ενάντια στην τέχνη της «σοβαρής» όπερας, η οποία είχε αποσπαστεί από τη ζωή και προέκυψε ως απάντηση στις απαιτήσεις μιας νέας αισθητικής, που απαιτούσε η τέχνη να έχει μια συγκεκριμένη σύνδεση με τη νεωτερικότητα. .

Η ιταλική κωμική όπερα παρουσίασε στη σκηνή διασκεδαστικές περιπέτειες από τη ζωή των συγχρόνων της. χλεύαζε τις κακίες και συχνά παρωδούσε το ίδιο το είδος της «σοβαρής» όπερας. Η Opera buffa αντιπαραβάλλει το στιλβωμένο πάθος της όπερας, τις βιρτουόζες άριες και τα ρετσιτάτιά της που είχαν χάσει την εκφραστικότητα τους με κωμωδία και καθημερινά θέματα, απλούς λαϊκούς και καθημερινούς μελωδίες, ζωηρούς χορευτικούς ρυθμούς και χαρακτηριστικά ρετσιτάτι, τόσο κοντά στο μοτίβο των λαϊκών διαλεκτών κωμωδιών. . Τα γεμάτα δράση, δυναμικά σύνολα έχουν αποκτήσει μεγάλη σημασία στην κωμική όπερα.

Στην πορεία, η όπερα μπούφα έχει εξελιχθεί. ορισμένα στοιχεία της «σοβαρής» όπερας εισχώρησαν στο κόμικ και το αντίστροφο. Όμως αυτά τα είδη συνέχισαν να συνυπάρχουν χωριστά ακόμη και τον 19ο αιώνα.

Στην αυγή του εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος που συγκλόνισε ολόκληρη την Ιταλία (τις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα), ο λογοτεχνικός ρομαντισμός έγινε η αισθητική έκφραση των προοδευτικών ιδεών. Οι πρώτοι Ιταλοί ρομαντικοί, συμμετέχοντες στο επαναστατικό κίνημα των ποιητών Καρμπονάρων, θεωρούσαν ότι το κύριο καθήκον της τέχνης και της λογοτεχνίας είναι η εξυπηρέτηση του λαού. Αγωνίστηκαν για την ανάπτυξη του εθνικού πολιτισμού, ζητούσαν τη μελέτη της ζωής των ανθρώπων, των σκέψεων και των φιλοδοξιών τους, της ιστορίας και της τέχνης.

Ανυψώνοντας την εθνική συνείδηση ​​στον ιταλικό λαό, κάλεσαν τη χώρα να ενωθεί και να ανατρέψει τον ζυγό των υποδούλων.

Το εθνικοαπελευθερωτικό κίνημα αντικατοπτρίστηκε και στην τέχνη της όπερας, αναπνέοντας μέσα της το πνεύμα της σύγχρονης ζωής. Μια νέα κατεύθυνση στην όπερα διαμορφώθηκε κάτω από την προοδευτική επίδραση του ιταλικού λογοτεχνικού ρομαντισμού. Απορρίπτοντας τα παραδοσιακά μυθολογικά θέματα, οι Ιταλοί συνθέτες στράφηκαν στον άνθρωπο, στον πνευματικό του κόσμο.

Το έργο του Τζιοακίνο Ροσίνι (1792-1868) ήταν, σαν να λέγαμε, ένας συνδετικός κρίκος στην ανάπτυξη της ιταλικής όπερας, ολοκληρώνοντας το προηγούμενο στάδιο της και θέτοντας τα θεμέλια για μια νέα εθνική σχολή. Στις κωμικές όπερες του συνθέτη (η καλύτερη από αυτές είναι «Ο κουρέας της Σεβίλλης»), με το τολμηρό, επίκαιρο περιεχόμενό τους, το opera buffa έφτασε στο υψηλότερο απόγειό του.

Ο Ροσίνι εμπλούτισε και το πεδίο της «σοβαρής» όπερας, που εκείνη την εποχή βίωνε μια βαθιά ιδεολογική και δραματική κρίση. Είναι αλήθεια ότι στα έργα του παρέμειναν πολλές συμβάσεις που παραβίαζαν τη φυσικότητα της δραματικής ανάπτυξης. Αρκεί να πούμε ότι ο Rossini μετέφερε εύκολα κομμάτια μουσικής από τη μια όπερα στην άλλη. Κι όμως, στο είδος της «σοβαρής» όπερας, δημιούργησε μια σειρά από αξιόλογα έργα.

Ο Rossini στράφηκε σε ηρωικά θέματα που ανταποκρίνονται στις ανάγκες της εποχής μας. στις όπερες του άρχισαν να ακούγονται δυνατές χορωδίες, εμφανίστηκαν δυναμικά, ανεπτυγμένα σύνολα και η ορχήστρα έγινε πολύχρωμη και δραματικά εκφραστική. Ο Γουίλιαμ Τελ του Ροσίνι έθεσε τα θεμέλια για ένα νέο είδος ηρωικής-ιστορικής ρομαντικής όπερας.

Το έργο του λαμπρού Rossini και των νεότερων συγχρόνων και οπαδών του - Vincenzo Bellini (1801-1835) και Gaetano Donizetti (1797-1848) - είναι τα καλύτερα επιτεύγματα της ιταλικής οπερατικής τέχνης στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα. Αυτοί οι συνθέτες ενημέρωσαν τη μουσική γλώσσα της ιταλικής όπερας, γεμίζοντάς την με όμορφες μελωδίες, που προσεγγίζουν τονωνικά τα δημοτικά τραγούδια. Ήξεραν πώς να δημιουργούν μελωδίες που αναδεικνύουν τις καλύτερες πτυχές των ταλέντων των τραγουδιστών. Τα ονόματα των Rossini, Bellini και Donizetti συνδέονται με τις παραστατικές δραστηριότητες σπουδαίων τραγουδιστών όπως οι G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi, οι οποίοι καθιέρωσαν τη δόξα της ιταλικής όπερας. σε όλες τις ευρωπαϊκές σκηνές.

Η ακμή της ιταλικής όπερας ήταν βραχύβια. Μετά τη δημιουργία του William Tell (1829), ο Rossini δεν έγραψε άλλες όπερες. Στα μέσα της δεκαετίας του '30. ο νεαρός Μπελίνι πέθανε. Στις αρχές της δεκαετίας του '40. Το έργο του βαριά άρρωστου Ντονιτσέτι πήγε στον κατήφορο. Η Εθνική Λυρική Σκηνή βίωνε για άλλη μια φορά σοβαρή κρίση. Η ιταλική σκηνή πλημμύρισε από μια ροή μέτριων όπερων που συνέθεταν πολυάριθμοι μιμητές των Rossini, Bellini και Donizetti. Στα έργα, που ως επί το πλείστον δημιουργήθηκαν βιαστικά, για την επόμενη σεζόν, και ξεχάστηκαν αμέσως, δόθηκε εξαιρετικά λίγη προσοχή σε θέματα ιδεολογικού περιεχομένου και προβλήματα δραματουργίας. Οι μελωδίες της όπερας ήταν γεμάτες με εφέ που δεν προέρχονταν από τη φύση των εικόνων, και μερικές φορές ακόμη και σε αντίθεση με το περιεχόμενο. Οι συνθέτες συνέχισαν να γράφουν λιμπρέτα μεταγλωττισμένα σύμφωνα με αποδεκτά στένσιλ. Τα μουσικά νούμερα στις όπερες ακολουθούσαν γνωστά πρότυπα, που δεν συνδέονται οργανικά με δράση.

Η δημιουργία ολοκληρωμένων λιμπρέτων όπερας παρεμποδίστηκε από τη ρουτίνα που βασίλευε στα θέατρα της όπερας. Ακόμη και όταν τα λιμπρέτα γράφτηκαν από τους καλύτερους ποιητές της εποχής -όπως ο διάσημος Felice Romani- όταν οι λιμπρετίστ στράφηκαν στα έργα των κλασικών της παγκόσμιας λογοτεχνίας, ταίριαζαν τις πλοκές σε ένα τυπικό σχήμα, το οποίο αναπόφευκτα τους εξαθλίωση.

Η ιταλική όπερα βγήκε από την ιδεολογική και δραματική κρίση από τον Τζουζέπε Βέρντι (1813-1901), έναν γενναίο καινοτόμο, έναν ένθερμο, πεπεισμένο και συνεπή υπερασπιστή των ρεαλιστικών αρχών της ιταλικής λογοτεχνίας της εποχής του εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος.

Αν ο ιδρυτής της εθνικής σχολής όπερας ήταν ο Ροσίνι, τότε στο έργο του Βέρντι έφτασε στην υψηλότερη κορυφή. Η Ιταλία δεν είχε συνθέτη ίσο με τον Βέρντι σε σημασία και δύναμη ταλέντου ούτε κατά τη διάρκεια της ζωής του Βέρντι ούτε μετά τον θάνατό του. Οι πρώτες ηρωικές όπερες του συνθέτη, που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '40, γεννήθηκαν από την αυξανόμενη έξαρση της επανάστασης, όταν όλες οι πολιτιστικές δυνάμεις της χώρας εντάχθηκαν στο απελευθερωτικό κίνημα. Ένας πεπεισμένος δημοκράτης και πατριώτης, ο Βέρντι δημιούργησε τέχνη που ήταν εξαιρετικά ιδεολογική και ταυτόχρονα προσιτή στις πλατιές μάζες. Η μεγαλύτερη αξία του μουσικού είναι ότι από τα πρώτα του δημιουργικά βήματα, στηριζόμενος στις παραδόσεις της εθνικής όπερας και υπερασπιζόμενος την εθνική ταυτότητα, ακολούθησε τον δρόμο της καινοτομίας, στο δρόμο μιας ακούραστης αναζήτησης της δραματικής αλήθειας.

Ένας οξυδερκής καλλιτέχνης και γεννημένος θεατρικός συγγραφέας, συνειδητοποίησε ότι η επίσημη ρουτίνα και η αδιαφορία για το δραματικό περιεχόμενο είχαν οδηγήσει την ιταλική όπερα σε αδιέξοδο. Συνειδητοποιώντας ότι τα κύρια ελαττώματα των ιταλικών όπερων είχαν τις ρίζες τους στον σχηματισμό της κατασκευής, έκανε έναν ακούραστο αγώνα για να δημιουργήσει δραματικά ολοκληρωμένα λιμπρέτα και επέβλεπε ενεργά το έργο των λιμπρετίστών του.

Ο Βέρντι προσπαθούσε συνεχώς για ρεαλιστική ζωτικότητα χαρακτήρων και δραματικών καταστάσεων. Αναζητούσε νέες δραματικές και αληθινές μορφές. Προσπάθησε να υποτάξει όλα τα εκφραστικά μέσα στην όπερα στον προσδιορισμό της κύριας ιδέας.

Έχοντας ζήσει μια γοητεία με τον «έντονο ρομαντισμό» του Ούγκο και των Ισπανών ρομαντικών κοντά του, και έχοντας κριτικά κατακτήσει τα επιτεύγματα της σύγχρονης δυτικοευρωπαϊκής όπερας, ο Βέρντι στα μεταγενέστερα έργα του - στην Άιντα, Οθέλλο και Φάλσταφ - πέτυχε μια ιδανική συγχώνευση. δράσης, λέξεων και μουσικής, ήρθε να δημιουργήσει ένα γνήσιο ρεαλιστικό μουσικό δράμα.

Στη δεκαετία του 70-80. του περασμένου αιώνα στην ιταλική όπερα, που περνούσε μια περίοδο αναζήτησης και πάλης μεταξύ κατευθύνσεων, οι δύο πόλοι γύρω από τους οποίους συγκεντρώθηκαν οι μουσικές δυνάμεις ήταν τα ονόματα των Βέρντι και Βάγκνερ. Η γοητεία με τους γερμανούς ρομαντικούς -και ιδιαίτερα τον Βάγκνερ- και η επιθυμία να τους μιμηθεί κατέλαβε σημαντικό μέρος της ιταλικής νεολαίας. Αυτό το χόμπι, που συχνά περιλάμβανε απλή μίμηση, είχε τις θετικές και τις αρνητικές του πλευρές.

Η μελέτη της γερμανικής μουσικής προκάλεσε αυξημένο ενδιαφέρον μεταξύ των Ιταλών συνθετών για την αρμονία, την πολυφωνία και την ορχήστρα. Ταυτόχρονα όμως, ακολούθησαν λάθος δρόμο, παραμερίζοντας τις παραδόσεις της ιταλικής όπερας, απορρίπτοντας την κλασική κληρονομιά της όπερας. Αντιμετώπισαν ακόμη και το έργο του Βέρντι με περιφρόνηση. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος αυτής της τάσης ήταν ο Arrigo Boito (1852-1918), του οποίου η όπερα Mephistopheles γνώρισε μεγάλη επιτυχία εκείνη την εποχή.

Την τελευταία δεκαετία του αιώνα, ο Βαγκνερισμός, ο οποίος εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία, αντιμετώπισε ένα νέο κίνημα της όπερας - τον βερισμό (από τη λέξη "vero" - αληθινός, αληθινός). Το έδαφος για την εμφάνιση του βερικισμού της όπερας ετοίμασε το ομώνυμο λογοτεχνικό κίνημα της δεκαετίας του '80.

Η πρώτη βεριστική όπερα - το «Honor Rusticana» (1890) του Pietro Mascagni - γράφτηκε με βάση την πλοκή ενός διηγήματος του Giovanni Verga. Τόσο το «Honor Rusticana» όσο και η συνέχεια του «Pagliacci» του Ruggero Leoncavallo (1892) γνώρισαν τεράστια επιτυχία στο κοινό, κουρασμένο από τους ασαφείς συμβολισμούς στις οπερατικές πλοκές των Ιταλών μιμητών του Βάγκνερ.

Η δημιουργική πίστη του βερισμού είναι η αλήθεια της ζωής. Οι βερίστες πήραν τα θέματα των όπερών τους από την καθημερινή ζωή. Οι ήρωές τους δεν είναι εξαιρετικές προσωπικότητες, αλλά απλοί, απλοί άνθρωποι με τα οικεία δράματά τους. Σε αυτό, το ιταλικό βερίσμο είναι κοντά στη γαλλική λυρική όπερα. Η μελωδική γλώσσα των Ιταλών Verists επηρεάστηκε από την ευαίσθητη μελωδία των Gounod, Thomas και Massenet. Τα ρεαλιστικά έργα των Bizet και Verdi κέρδισαν ιδιαίτερη αγάπη μεταξύ των βεριστών. Οι Verists εκτιμούσαν την «Κάρμεν» του Bizet εξίσου με τις όπερες του Verdi, από τον οποίο υιοθέτησαν τον τονισμένο συναισθηματισμό της μουσικής και τη σοβαρότητα των δραματικών καταστάσεων. Αυτά ακριβώς τα χαρακτηριστικά της δημιουργικότητάς τους, καθώς και οι ιδιοσυγκρασιακές, προσιτές μελωδίες, είναι που οι βερίστες έχουν κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα. Ωστόσο, η ερμηνεία πλοκών στις όπερες τους συχνά αποκτούσε μελοδραματικό χαρακτήρα. Θέλοντας να δείξουν την καθημερινή ζωή «χωρίς εξωραϊσμό», οι βερίστες αντικατέστησαν συχνά τη ρεαλιστική αναπαραγωγή της πραγματικότητας με τη «φωτογραφία» της. Και αυτό οδήγησε στη μείωση των χαρακτήρων, ενίοτε σε επιφανειακή παραστατικότητα της μουσικής, σε νατουραλισμό.

Το έργο του πιο εξέχοντος Ιταλού συνθέτη του 20ού αιώνα σχετίζεται επίσης σε μεγάλο βαθμό με τον βερισμό. Ο Τζάκομο Πουτσίνι (1858-1924), που δεν ξέφυγε από την επιρροή του γερμανικού ρομαντισμού στις πρώτες του όπερες. Όσον αφορά τις βασικές δημιουργικές του φιλοδοξίες και τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ του, ο Πουτσίνι είναι βερίστας, αν και πολλά στη δουλειά του ξεπερνούν τα όρια του βερισμού. Ο Πουτσίνι είναι ο πιο ταλαντούχος και πολύπλευρος ανάμεσα στους συνθέτες αυτού του κινήματος.

Ο βερισμός του Πουτσίνι εκδηλώνεται κυρίως στη στάση του απέναντι στην οπερατική πλοκή. Στη συνηθισμένη, χωρίς βερνίκια ζωή, ο Πουτσίνι βρίσκει υλικό για βαθιά συγκινητικό δράμα. Ο μουσικός του λόγος είναι πάντα συναισθηματικά αληθινός. Ως προς τον πλούτο και τη φρεσκάδα της μουσικής του γλώσσας, ο συνθέτης ξεχωρίζει μεταξύ των συγχρόνων του - των βεριστών. Και παρόλο που ο Πουτσίνι δεν μπορούσε να ανέβει στο έργο του στα ρεαλιστικά ύψη του Βέρντι, αλλά όσον αφορά τη συναισθηματική αμεσότητα της επίδρασης της μουσικής, στην οργανική καθαρότητα της μελωδίας, στη δύναμη και τη φωτεινότητα του δραματικού του ταλέντου, είναι ο άμεσος κληρονόμος του Βέρντι και ένας αληθινά Ιταλός καλλιτέχνης.

Η καλύτερη κληρονομιά της ιταλικής κλασικής όπερας είναι το έργο των Rossini, Bellini, Donizetti, Puccini και, ιδιαίτερα, του Verdi. Τα έργα αυτών των συνθετών περιλαμβάνονται στο ρεπερτόριο των περισσότερων μουσικών θεάτρων και ακούγονται πάντα σε συναυλίες και στο ραδιόφωνο.

Η ιταλική κλασική όπερα, με το προοδευτικό ιδεολογικό της περιεχόμενο, τις ισχυρές εθνικές παραδόσεις και την αληθινή «φωνή» της, έχει μια τιμητική θέση στο θησαυροφυλάκιο της παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας.

Περαιτέρω, τον 20ο αιώνα. Οι Ιταλοί συνθέτες εμφανίστηκαν πιο ξεκάθαρα στις μορφές της ενόργανης μουσικής. Ωστόσο, η όπερα δεν ξεχνιέται στη σύγχρονη Ιταλία. Συγγραφέας δέκα όπερων, εκ των οποίων η όπερα «Κυριακή», που ανέβηκε το 1904 στο Τορίνο βασισμένη στο μυθιστόρημα του Λ. Τολστόι, γνώρισε ιδιαίτερη επιτυχία, ήταν ο Φράνκο Αλφάνο (1877-1954). Στις αρχές του 20ου αιώνα. ερμηνεύεται στο είδος της όπερας από τον Ottorino Respighi (1879-1936), εκπρόσωπο του ιταλικού ιμπρεσιονισμού, ο οποίος γνώρισε επίσης τη σημαντική επιρροή του Rimsky-Korsakov. Οι πρώτες του όπερες ήταν «King Enzio» (1905) και «Semirama» (1910), που ανέβηκαν στη Μπολόνια. Το 1927, η όπερα του «The Sunken Bell» βασισμένη στο ομώνυμο δράμα του Gerhard Hauptmann ανέβηκε στη σκηνή του Θεάτρου του Αμβούργου. Στην τελευταία περίοδο της δουλειάς του, ο Ρεσπίγκι εξελίχθηκε προς τον νεοκλασικισμό. Το αποτέλεσμα αυτής της στροφής ήταν μια ελεύθερη διασκευή της όπερας του Μοντεβέρντι Ορφέας (1935), η οποία έπαιξε σημαντικό ρόλο στην αναβίωση και την εκ νέου ανακάλυψη του οπερατικού έργου αυτού του μεγάλου Ιταλού συνθέτη.

Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της παλαιότερης γενιάς των σύγχρονων Ιταλών συνθετών που εργάζονται στο είδος της όπερας είναι ο Ildebrando Pizzetti (1880-1968). Το συνθετικό του στυλ διαμορφώθηκε στη μελέτη των κλασικών και προκλασικών παραδόσεων της εθνικής τέχνης. Ο Pizzetti συνέθετε συνεχώς όπερες για το διάσημο θέατρο του Μιλάνου La Scala. Ο διάσημος Αρτούρο Τοσκανίνι διηύθυνε τις πρεμιέρες πολλών από αυτές. Η πρώτη ήταν η "Φαίδρα" βασισμένη στο δράμα του Gabriel d'Annunzio (1915) Η όπερα "Fra Gherardo" βασισμένη στο ιστορικό χρονικό της Πάρμα τον 13ο αιώνα ανέβηκε με επιτυχία το 1928. Ο Πιτσέτι, που συνέθεσε δεκαπέντε όπερες, δεν μπορεί να αποκαλείται καινοτόμος στο μουσικό θέατρο, αλλά τα έργα του είχαν πάντα αρκετή επιτυχία για να παραμείνουν στο ρεπερτόριο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Στα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο αξιοσέβαστος συνθέτης συνέχισε να εργάζεται εντατικά για το θέατρο. Εμφανίστηκαν νέες όπερες του Pizzetti τακτικά: το 1947 - "Gold", το 1949 - "Bathtub Lupa", το 1950 - "Iphigenia", το 1952 - "Cagliostro". Αυτά τα έργα διατήρησαν ορισμένα χαρακτηριστικά του ύστερου ιταλικού βερισμού, σε συνδυασμό με την επιρροή του Debussy (το εκλεπτυσμένο και μελωδική απαγγελία του "Pelléas et Mélisande"). Στα τελευταία του χρόνια, ο παλιός Ιταλός δάσκαλος δεν έχασε την υψηλή του εξουσία στην όπερα. Αξιοσημείωτο είναι ότι οι τρεις τελευταίες του όπερες ήταν οι πιο επιτυχημένες. και κέρδισε την αναγνώριση εκτός Ιταλίας: «Iorio's Daughter» βασισμένο στο κείμενο του G. d'Annunzio (1954), που ανέβηκε στη Νάπολη από τον διάσημο σκηνοθέτη Roberto Rossellini, «Murder in the Cathedral» (1958) και «Clytemnestra» ( 1964). Το «Murder in the Cathedral», μια όπερα που έγινε δεκτή με ιδιαίτερο ενδιαφέρον από το αγγλικό κοινό, γράφτηκε με βάση το ποιητικό κείμενο ενός δημοφιλούς θεατρικού έργου του σύγχρονου Άγγλου ποιητή και θεατρικού συγγραφέα T. S. Eliot. Το δράμα αφηγείται την ιστορία της ζωής και του θανάτου του Αρχιεπισκόπου του Καντέρμπουρυ, Τόμας Μπέκετ, ο οποίος ήταν καγκελάριος του Άγγλου βασιλιά Ερρίκου Β'. Δύο κίνητρα σχηματίζουν μια βαθιά ιδεολογική σύγκρουση σε αυτό το έργο: η πολιτική δολοφονία του Μπέκετ, που δικαιολογείται δημαγωγικά από την «ιστορική αναγκαιότητα» - «στο όνομα της απόλυτης εξουσίας του μονάρχη» - και το μαρτύριο που δέχτηκε οικειοθελώς ο ήρωας. Ο θεατρικός συγγραφέας, στη σύνθεση του έργου του, προέβλεψε μια πιθανή μουσική δομή. Αρχικά συνδυάζει τις μορφές της καθολικής λατρείας και της αρχαίας ελληνικής τραγωδίας με μια σχολιαστική χορωδία.

Όσον αφορά την κλίμακα του δημιουργικού ταλέντου και του ρόλου στο μουσικό θέατρο, δίπλα στον Pizzetti μπορεί να τοποθετηθεί μόνο ο Gian Francesco Malipiero (1882-1973). Όπως πολλοί Ιταλοί συνθέτες του 20ου αιώνα, πέρασε από ένα πάθος για τον ιμπρεσιονισμό, το οποίο αντικατοπτρίστηκε στην ιδιαίτερη προσοχή στην ορχηστρική χρωματικότητα. Αλλά ήδη στη δεκαετία του '20. Αυτός ο συνθέτης στράφηκε σε μια βαθιά μελέτη των Ιταλών δασκάλων του Μπαρόκ και της Αναγέννησης και έγινε οπαδός του ευρέως διαδεδομένου νεοκλασικισμού. Έχοντας αφιερώσει πολύ χρόνο και προσπάθεια στην επεξεργασία και την αποκατάσταση των έργων των Claudio Monteverdi και Antonio Vivaldi, ο ίδιος ο Malipiero επηρεάστηκε έντονα στυλιστικά από αυτούς τους συνθέτες. Μεγάλη σημασία στη διαμόρφωση του ύφους του είχε και η διατονική μελωδία ενός αρχαίου δημοτικού τραγουδιού και το γρηγοριανό άσμα.

Ο Μαλιπιέρο συνέθεσε τουλάχιστον τριάντα διαφορετικά μουσικά και θεατρικά έργα. Από το 1918 έως το 1922, ο συνθέτης εργάστηκε στις τριλογίες της όπερας «Orpheides» και «Goldoniana». Το 1932 ολοκλήρωσε την τρίτη τριλογία, με τίτλο The Venetian Mystery. Μια από τις πιο διάσημες όπερες του Μαλιπιέρο είναι η ιστορία του γιου που αλλάζει (1933), βασισμένη στο έργο του Λουίτζι Πιραντέλλο. Σημειώνουμε επίσης τις όπερες «The Fun of Callot» (1942) βασισμένες στην ιστορία του E. T. A. Hoffmann «Princess Brambilla» και «Don Juan» (1964) βασισμένη στον «The Stone Guest» του Πούσκιν.

Μια ανασκόπηση του έργου της όπερας των σύγχρονων Ιταλών συνθετών της παλαιότερης γενιάς θα ήταν ελλιπής χωρίς το όνομα του Alfredo Casella (1883-1947), αν και ο τομέας της ορχηστρικής μουσικής που δεν συνδέθηκε με λέξεις προσέλκυσε αυτόν τον μεγάλο δάσκαλο πολύ περισσότερο από την όπερα. Στο είδος της όπερας, συνέθεσε τρία έργα: «The Snake Woman» (1931) βασισμένο στο έργο του C. Gozzi (ένα στυλιζάρισμα της παλιάς ιταλικής όπερας buffa), μια μονόπρακτη όπερα δωματίου «Η ιστορία του Ορφέα» ( ανέβηκε το 1932) και μια μονόπρακτη όπερα-μυστήριο «Η έρημος του πειρασμού» (1937), που παραγγέλθηκε από το κράτος με ένα ψευδές «μνημειακό τελετουργικό» στυλ και αφηγείται την «πολιτιστική και δημιουργική» αποστολή του ιταλικού στρατού που κατέλαβε. Αιθιοπία. Κάτω από τη φασιστική δικτατορία, οι δημιουργικές προσπάθειες ακόμη και των πιο ταλαντούχων συνθετών συχνά περιορίζονταν και παραμορφώνονταν από τις δημαγωγικά διεστραμμένες απαιτήσεις της «εθνογραφίας», του «ιστορισμού» και της εσφαλμένης ερμηνείας της εθνικότητας και της πολιτικής συνάφειας. Αυτά τα αιτήματα, σε μια ατμόσφαιρα επαρχιακής απομόνωσης, χαρακτήριζαν τον ψευδοκλασικισμό της «εποχής του Μουσολίνι», που αυτοαποκαλούσε τον εαυτό της με καύχημα «χρυσή εποχή» της τέχνης.

Ο Λουίτζι Νταλαπικόλα (1904-1975) παρέμεινε ένας επί αρχών αντίπαλος του φασισμού και των πολιτικών του στην τέχνη, το έργο του οποίου άξιζε την αναγνώριση στα μεταπολεμικά χρόνια. Στα νιάτα του, ο Dallapiccola ήταν κοντά στο νεοκλασικό κίνημα ευρέως διαδεδομένο στην Ιταλία, αλλά ήδη στα τέλη της δεκαετίας του '30. η μουσική του αποκαλύπτει εξπρεσιονιστικά χαρακτηριστικά. Η δημοτικότητα του Dallapiccola στα μεταπολεμικά χρόνια διευκολύνθηκε πολύ από δύο μονόπρακτες όπερες που ανέβηκαν σε διάφορες χώρες ως τηλεοπτικές παραστάσεις. Πρόκειται για το «Night Flight» (1940) βασισμένο στην ιστορία του A. de Saint-Exupéry και το «The Prisoner» (1949) βασισμένο στο διήγημα «Torture by Hope» του V. de Lisle-Adam. Ο Dallapiccola είναι ένας φωτεινός εκφραστής των ιδεών της Ιταλικής Αντίστασης στη μουσική τέχνη. Στην όπερα του «The Prisoner», η δράση μεταφέρεται στην Ισπανία τον 16ο αιώνα. Ένας ανώνυμος Φλαμανδός αγωνιστής της ελευθερίας μαραζώνει σε μια ισπανική φυλακή. Βασανίζεται από ψεύτικες υποσχέσεις ελευθερίας, προκλητικές φήμες για γεγονότα στην πατρίδα του και, τελικά, οδηγείται στην εκτέλεση. Οι ακροατές δεν έχουν καμία αμφιβολία ότι το θέμα της όπερας είναι ο φασιστικός τρόμος και η Αντίσταση, ο αγώνας ενάντια στην πολιτική δικτατορία που καταπατά την ελευθερία του ατόμου και του λαού.

Η μουσική του Dallapiccola είναι βαθιά εκφραστική, αν και η πολυπλοκότητα της μουσικής του γλώσσας μερικές φορές εμποδίζει τις συνθέσεις του να γίνουν εύκολα κατανοητές.

Στις δεκαετίες του '50 και του '60. Ιταλικές όπερες ανέβασαν έργα ορισμένων συνθετών που είχαν προηγουμένως γίνει διάσημοι για την κινηματογραφική μουσική τους. Πρόκειται για τον Νίνο Ρότα (1911-1979) και κυρίως τον Ρέντσο Ροσελίνι (1908-1982), αδελφό του διάσημου σκηνοθέτη. Οι προσπάθειες αυτών των συνθετών σηματοδότησε μια προσπάθεια εκδημοκρατισμού και πραγματοποίησης της σύγχρονης ιταλικής όπερας. Ο Ροσελίνι, στις όπερες του «War» (1956), «Whirlwind» (1958), «Octopus» (1958), «View from the Bridge» (1961), επέλεξε συνειδητά σύγχρονα θέματα και προσπάθησε να απλοποιήσει τη μουσική γλώσσα. μουσική πιο κοντά στη φολκλόρ και στα λαϊκά είδη τραγουδιών.

Ένα ακόμη πιο αποφασιστικό παράδειγμα της ανανέωσης του ιταλικού μουσικού θεάτρου είναι η όπερα του Λουίτζι Νόνο (1924-1990), Μισαλλοδοξία, η οποία έχει αποκτήσει μεγάλη δημοτικότητα εκτός Ιταλίας από το 1961. Με αυτό το έργο, ο συνθέτης σκόπευε να αναβιώσει την παράδοση του πολιτικού, αγκιτάτορα θεάτρου του Μπρεχτ. Το ιδεολογικό και αισθητικό πρόγραμμα του Nono απαιτούσε την επίλυση μιας σειράς σύνθετων προβλημάτων και πρώτα απ 'όλα, ο συνθέτης έπρεπε να συνδυάσει με κάποιο τρόπο τις απαιτήσεις προσβασιμότητας και κατανοητότητας του έργου με νέα, σύγχρονα τεχνικά μέσα σύνθεσης. Ο Nono είναι ένας από τους λίγους εκπροσώπους της μεταπολεμικής «πρωτοπορίας» που αποδέχεται τη μαρξιστική διδασκαλία για το ρόλο της τέχνης στη ζωή της κοινωνίας και αναγνωρίζει την ανάγκη δημιουργίας τέχνης για τους ανθρώπους, τέχνη κατανοητή από το ευρύ κοινό. μάζες ακροατών. Ως εκ τούτου, στην όπερα του, ο Nono φροντίζει για την απλότητα και τη μελωδικότητα, εισάγει δημοφιλείς μελωδικές στροφές, χαρακτηριστικούς λαϊκούς χορευτικούς ρυθμούς και χρησιμοποιεί μια ομιλούσα χορωδία για χάρη και άμεσο αντίκτυπο. Οι τραγουδιστικές χορωδίες, προηχογραφημένες σε κασέτα, μεταδίδονται από πολυάριθμα μεγάφωνα. Ο δυνατός «στερεοφωνικός» ήχος τους θα πρέπει να προκαλεί την ιδέα της μνημειακής μουσικής των δρόμων και των πλατειών, της υπαίθριας μουσικής. Το λιμπρέτο της όπερας, γραμμένο από τον ίδιο τον συνθέτη, είναι πολύ συνοπτικό και σχηματικό, επιτρέποντας παραλλαγές σε μεμονωμένες καταστάσεις πλοκής προς όφελος της μεγαλύτερης συνάφειας του περιεχομένου. Το κείμενο περιλαμβάνει μοντάζ διαφορετικών ποιητικών στροφών από διαφορετικούς συγγραφείς, αφοριστικές δηλώσεις, συνθήματα, που από τη σκοπιά του συνθέτη εκφράζουν ξεκάθαρα το πνεύμα των καιρών. Η πρώτη εκδοχή της όπερας ονομαζόταν «Μισαλλοδοξία. 1960» και περιείχε μια διαμαρτυρία ενάντια στον πόλεμο στην Αλγερία. Αυτή η όπερα, που σκηνοθετήθηκε αργότερα, γέμισε με άλλα επίκαιρα συνθήματα και αποσπάσματα από πολιτικά σχετικά έγγραφα της εποχής. Η όπερα ξεκίνησε το ταξίδι της στις ευρωπαϊκές σκηνές με ένα πολιτικό σκάνδαλο στο φεστιβάλ της Βενετίας το 1961. Αιτία του σκανδάλου ήταν το θέμα της - αντίσταση στη βία, αδιαλλαξία, προπαγάνδα των ιδεών του σοσιαλιστικού μετασχηματισμού της κοινωνίας. Αυτό το έργο ανέβηκε σε πολλά ευρωπαϊκά θέατρα, παρά τον κάπως «δοκιμαστικό», πειραματικό του χαρακτήρα. Πλέον υπάρχει σε νέα έκδοση με τον τίτλο «Μισαλλοδοξία. 1970», προσαρμοσμένο με νέες σκηνοθετικές τεχνικές, νέες λεπτομέρειες πλοκής, αλλά ο συνθέτης συνεχίζει ακόμα περαιτέρω αναζητήσεις προς αυτή την κατεύθυνση, επιδιώκοντας την πληρέστερη σύνθεση των δραματικών τεχνικών του σύγχρονου πολιτικού θεάτρου με νέα μουσικά και εκφραστικά μέσα.

"La Scala"(Ιταλικός Teatro alla Scala ή La Scala ) είναι μια όπερα στο Μιλάνο. Το κτίριο του θεάτρου χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Giuseppe Piermarini το 1776-1778. στην τοποθεσία της εκκλησίας της Santa Maria della Scala, από όπου προέρχεται και το όνομα του ίδιου του θεάτρου. Η εκκλησία, με τη σειρά της, έλαβε το όνομά της το 1381 όχι από τις «σκάλες» (σκάλα), αλλά από την προστάτιδα - εκπρόσωπο της οικογένειας των ηγεμόνων της Βερόνας που ονομάζεται Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Το θέατρο άνοιξε στις 3 Αυγούστου 1778 με μια παραγωγή της όπερας του Antonio Salieri «Europe Recognized».

Το 2001, το κτίριο του θεάτρου La Scala έκλεισε προσωρινά για αναστήλωση, και ως εκ τούτου όλες οι παραγωγές μεταφέρθηκαν στο κτίριο του θεάτρου Arcimboldi, ειδικά κατασκευασμένο για αυτό το σκοπό. Από το 2004, οι παραγωγές ξεκίνησαν ξανά στο παλιό κτίριο και το Arcimboldi είναι ένα ανεξάρτητο θέατρο που λειτουργεί σε συνεργασία με τη Σκάλα.

2.

3.

4.

5.

6.

Θέατρο «Busseto» με το όνομα G. Verdi.

Busseto(ιταλ. Busseto, emil.-rom. Busé, τοπικό Λεωφορείο) είναι μια περιφέρεια στην Ιταλία, στην περιοχή Emilia-Romagna, που υπάγεται στο διοικητικό κέντρο της Πάρμα.

Μια πόλη άρρηκτα συνδεδεμένη με τη ζωή του συνθέτη της όπερας Τζουζέπε Βέρντι.

Τζουζέπε Φορτουνίνο Φραντσέσκο Βέρντι(Ιταλικός Τζουζέπε Φορτουνίνο Φραντσέσκο Βέρντι, 10 Οκτωβρίου 1813, Roncole κοντά στο Busseto, Ιταλία - 27 Ιανουαρίου 1901, Μιλάνο) είναι ένας σπουδαίος Ιταλός συνθέτης, το έργο του οποίου είναι ένα από τα μεγαλύτερα επιτεύγματα της παγκόσμιας όπερας και το αποκορύφωμα της ανάπτυξης της ιταλικής όπερας του 19ου αιώνα.

Ο συνθέτης δημιούργησε 26 όπερες και ένα ρέκβιεμ. Οι καλύτερες όπερες του συνθέτη: Un ballo in maschera, Rigoletto, Trovatore, La Traviata. Το αποκορύφωμα της δημιουργικότητας είναι οι τελευταίες όπερες: "Aida", "Othello".

8.

Το Teatro Giuseppe Verdi είναι ένα μικρό θέατρο 300 θέσεων που κατασκευάστηκε από τον δήμο με την υποστήριξη του Verdi, αλλά όχι την έγκρισή του. Θέατρο Τζουζέπε Βέρντι(Θέατρο Τζουζέπε Βέρντι)είναι μια μικρή όπερα. Βρίσκεται στην πτέρυγα Rocca Dei Marchesi Pallavicino στην Piazza Giuseppe Verdi στο Busseto της Ιταλίας.

Το θέατρο άνοιξε στις 15 Αυγούστου 1868. Στην πρεμιέρα κυριάρχησε το πράσινο χρώμα, όλοι οι άντρες φορούσαν πράσινες γραβάτες, οι γυναίκες φορούσαν πράσινα φορέματα. Εκείνο το βράδυ παρουσιάστηκαν δύο όπερες του Βέρντι: Ριγκολέτο"Και " Πάρτυ μασκέ". Ο Βέρντι δεν ήταν παρών, αν και ζούσε μόλις δύο μίλια μακριά, στο χωριό Sant'Agata στη Villanova sull'Arda.

Αν και ο Βέρντι ήταν κατά της κατασκευής ενός θεάτρου (θα ήταν «πολύ ακριβό και άχρηστο στο μέλλον», είπε) και φημολογείται ότι δεν πάτησε ποτέ το πόδι του σε αυτό, δώρισε 10.000 λιρέτες για την κατασκευή και τη συντήρηση του θεάτρου.

Το 1913, ο Arturo Toscanini πραγματοποίησε εορτασμούς με την ευκαιρία της εκατονταετηρίδας από τη γέννηση του Giuseppe Verdi και οργάνωσε έρανο για τη δημιουργία μνημείου του συνθέτη. Μια προτομή του Verdi, του Giovanni Dupre, τοποθετήθηκε στην πλατεία μπροστά από το το θέατρο.

Το θέατρο ανακαινίστηκε το 1990. Φιλοξενεί τακτικά μια σεζόν παραστάσεων όπερας.

9.Μνημείο του Τζουζέπε Βέρντι.

Βασιλικό Θέατρο του Σαν Κάρλο, Νάπολη (Νάπολη, Σαν Κάρλο).

Όπερα στη Νάπολη.Βρίσκεται δίπλα στην κεντρική Piazza del Plebiscita, δίπλα στο Βασιλικό Παλάτι. Είναι η παλαιότερη όπερα στην Ευρώπη.

Το θέατρο παραγγέλθηκε από τον βασιλιά της Νάπολης, Κάρολο Ζ' της γαλλικής δυναστείας των Βουρβόνων, και σχεδιάστηκε από τον Τζιοβάνι Αντόνιο Μεντράνο, στρατιωτικό αρχιτέκτονα, και τον Άγγελο Καρασάλε, πρώην διευθυντή του Teatro San Bartolomeo. Κόστος κατασκευής 75.000 δουκάτα Σχεδιασμένο για 1.379 θέσεις.

Το νέο θέατρο ενθουσίασε τους σύγχρονους με την αρχιτεκτονική του. Το αμφιθέατρο είναι διακοσμημένο με χρυσό στόκο και μπλε βελούδινες καρέκλες (το μπλε και το χρυσό είναι τα επίσημα χρώματα του Οίκου των Bourbon).

11.

12.

Βασιλικό Θέατρο της Πάρμας(Teatro Regio).

Αγαπημένο θέατρο του G. Verdi και του βιολονίστα Nicolo Paganini.

Η Πάρμα ήταν πάντα γνωστή για τις μουσικές της παραδόσεις και το μεγαλύτερο καμάρι της είναι η όπερα (Teatro Regio).

Άνοιξε το 1829. Η πρώτη ερμηνεύτρια ήταν η Zaira Bellini. Το θέατρο χτίστηκε σε όμορφο νεοκλασικό στυλ.

14.

15.

Teatro Farnese στην Πάρμα (Parma, Farnese).

Θέατρο Farneseστην Πάρμα. Χτίστηκε σε στυλ μπαρόκ το 1618 από τον αρχιτέκτονα Aleotti Giovanni Battista. Το θέατρο σχεδόν καταστράφηκε κατά τη διάρκεια αεροπορικής επιδρομής των Συμμάχων κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου (1944). Αναστηλώθηκε και άνοιξε ξανά το 1962.

Κάποιοι ισχυρίζονται ότι είναι το πρώτο μόνιμο θέατρο προσκήνιο (δηλαδή ένα θέατρο στο οποίο το κοινό παρακολουθεί ένα μονόπρακτο θεατρικό έργο, το οποίο είναι γνωστό ως «τοξωτό προσκήνιο»).

17.

Όπερα Caio Melisso στο Spoleto.

Ο κύριος χώρος για παραστάσεις όπερας κατά τη διάρκεια του ετήσιου καλοκαιρινού φεστιβάλ Dei Due Mondi.

Το θέατρο έχει υποστεί μια σειρά από μεταμορφώσεις και αλλαγές από τα τέλη του 17ου αιώνα. Teatro di Piazza del Duomo,γνωστός και ως Teatro della Rosa,χτίστηκε το 1667, εκσυγχρονίστηκε το 1749 και άνοιξε ξανά το 1749 ως Nuovo Teatro di Spoleto.Μετά το 1817 και την κατασκευή μιας νέας όπερας, το κτίριο δεν χρησιμοποιήθηκε παρά τα μέσα του 19ου αιώνα. 800 θέσεων Θέατρο Nuovoαποκαταστάθηκε μεταξύ 1854 και 1864 μέσω εθελοντικών δωρεών.

Το παλιό θέατρο συντηρήθηκε και ανακαινίστηκε για άλλη μια φορά με νέο σχεδιασμό και διάταξη. Μετονομάστηκε σε Teatro Cayo Melisso, άνοιξε ξανά τις πόρτες του το 1880.

Το πρώτο φεστιβάλ όπερας έγινε στις 5 Ιουνίου 1958. Αποσπάσματα από την όπερα του G. Verdi " Μάκβεθ«και άλλες λιγότερο γνωστές όπερες χαρακτηριστικές αυτού του φεστιβάλ.

19.

Teatro Olimpico, Vicenza, Olimpico.

Το Olimpico είναι το πρώτο κλειστό θέατρο στον κόσμο με πλινθοδομή και εσωτερικούς χώρους από ξύλο και γύψο.

Χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Andrea Palladio μεταξύ 1580-1585.

Το Teatro Olimpico βρίσκεται στην Piazza Mattiotti στη Βιτσέντζα. Η πόλη βρίσκεται ανάμεσα στο Μιλάνο και τη Βενετία στη βορειοανατολική Ιταλία. Περιλαμβάνεται στο Μνημείο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO.

Το θέατρο, που έχει 400 θέσεις, φιλοξενεί, μεταξύ άλλων, μουσικά και θεατρικά φεστιβάλ όπως το «Music of the Weeks at the Teatro Olimpico», «Sounds of Olympus», το φεστιβάλ «Homage to Palladio», «András Schiff and Friends » και μια σειρά κλασικών παραστάσεων.

21.

Σας προσκαλούμε να βυθιστείτε στην ιταλική κουλτούρα! Πως? Γνωρίστε τις πιο όμορφες όπερες της χώρας.

Σε επαφή με

Η Ιταλία διαθέτει περισσότερες από 60 όπερες που λειτουργούν. Εκτός από την παγκοσμίου φήμης Σκάλα του Μιλάνου, το Φενίτσε της Βενετίας και το Σαν Κάρλο του Ναπολιτάνου, που είναι αναγνωρισμένα αριστουργήματα αρχιτεκτονικής, η Ιταλία διαθέτει δεκάδες θέατρα με μακρά ιστορία που συμβάλλουν σημαντικά στην εθνική και ευρωπαϊκή όπερα.

Εθνική Ακαδημία της Αγίας Σεσίλιας στη Ρώμη

Η Εθνική Ακαδημία της Αγίας Σεσίλιας στη Ρώμη είναι ένα από τα παλαιότερα μουσικά ιδρύματα στον κόσμο, που ιδρύθηκε το 1585 από τον Πάπα Σίξτο Ε', του οποίου ο συναυλιακός και συμφωνικός θίασος είναι διεθνώς αναγνωρισμένος.

Τον 19ο αιώνα, εκτός από μουσικούς, οι τάξεις της Ακαδημίας άρχισαν να περιλαμβάνουν ποιητές, χορευτές, μουσικολόγους, φιλολόγους, βιολιτζήδες, βασιλείς και πρεσβευτές ως προστάτες των τεχνών.

Η Ακαδημία περιελάμβανε ως επίτιμα μέλη τους βασικούς χαρακτήρες της ευρωπαϊκής μουσικής σκηνής: Cherubini, Morlacchi, Mercadante, Donizetti, Mayer, Rossini, Pacini, Paer, Paganini, Spohr, Auben, Adam, Bayo, Liszt, Mahler, Kramer, Thalberg, Czerny. , Moshales, Mendelssohn, Berlioz, Thomas, Halévy, Gounod, Meyerbeer; οι χορευτές Maria Taglioni, Fanny Cerrito, η ηθοποιός Adelaide Ristori, οι λιμπρετίστα Jacopo Ferretti και Carlo Pepoli. Μεταξύ των βασιλέων: η βασίλισσα Βικτωρία της Αγγλίας με τον σύζυγό της Αλβέρτο, ο βασιλιάς Γουλιέλμος Δ' της Πρωσίας με τη σύζυγό του Ελισάβετ Λουίζ, οι Ναπολιτάνοι βασιλείς Φερδινάνδος Β' με τη σύζυγό του Μαρία Θηρεσία Ισαβέλλα της Αυστρίας.

Η Ακαδημία έχει εξελιχθεί στη σημερινή της κατάσταση, όταν αποτελείται από 70 τακτικά και 30 επίτιμα μέλη - τους καλύτερους Ιταλούς και ξένους μουσικούς, μια συμφωνική ορχήστρα και μια χορωδία παγκόσμιας φήμης.

Από το 2005, μαέστρος της ορχήστρας είναι ο Antonio Pappano. Η Ακαδημία εδρεύει στο Parco della Musica, που δημιουργήθηκε από έναν από τους μεγαλύτερους αρχιτέκτονες του 20ου αιώνα, τον Renzo Piano.

Arena di Verona

Το Arena στη Βερόνα είναι ένα τέλεια διατηρημένο ρωμαϊκό αμφιθέατρο, το τρίτο μεγαλύτερο στην Ιταλία, το σύμβολο της Βερόνας.

Χτίστηκε τον 1ο-3ο αιώνα μ.Χ. και χρησιμοποιήθηκε, όπως το Κολοσσαίο, για να φιλοξενήσει μια ποικιλία παραστάσεων, συμπεριλαμβανομένων των αγώνων τσίρκου και μονομάχων.

Η ιστορία της Αρένας ως όπερας ξεκινά το 1913, όταν η Aida παίχτηκε εδώ στις 10 Οκτωβρίου. Η επιλογή της όπερας ανήκε στον Βερονέζο τενόρο Giovanni Zenatello προς τιμήν της εκατονταετηρίδας από τη γέννηση του συνθέτη Giuseppe Verdi.

Έκτοτε, κάθε καλοκαίρι η Αρένα υποδέχεται 6.000 θεατές για 50 ημέρες, προσφέροντας 5-6 όπερες με τη σειρά τους, στις οποίες συμμετέχουν οι καλύτεροι τραγουδιστές όπερας από όλο τον κόσμο.

Όσοι είχαν την τύχη να παρακολουθήσουν την όπερα στην Αρένα, σημειώνουν το μεγαλείο του σκηνικού, το οποίο αλλάζει γρήγορα κατά τη διάρκεια της δράσης. Το μέγεθος του λάκκου της ορχήστρας, που μπορεί να φιλοξενήσει έως και 150 μουσικούς, και ο αριθμός των καλλιτεχνών που συμμετέχουν είναι εκπληκτικοί: εκτός από την ορχήστρα, υπάρχει μια χορωδία 200 ατόμων, 100 άντρες και γυναίκες χορευτές και 200 ​​επιπλέον!

Teatro Sferisterio στη Ματσεράτα

Το Σφεριστέριο είναι μια μοναδική αρχιτεκτονική και ακουστική κατασκευή. Η κατασκευή του θεάτρου ξεκίνησε το 1820 με πρωτοβουλία των κατοίκων της Ματσεράτας και τα εγκαίνια έγιναν το 1829. Για περισσότερο από έναν αιώνα, το Spheristerio φιλοξενεί μια μεγάλη ποικιλία παραστάσεων εντός των τειχών του. Φιλοξενεί επίσημες αργίες, παρελάσεις αλόγων, πολιτικές και αθλητικές εκδηλώσεις.

Η πρώτη όπερα παίχτηκε εκεί το 1921. Ήταν η Άιντα του Βέρντι. Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το θέατρο υπό τη διεύθυνση του Carlo Perucci ενίσχυσε τη θέση του και οι σεζόν της όπερας του απέκτησαν παγκόσμια φήμη. Στη σκηνή του εμφανίστηκαν οι καλύτεροι ερμηνευτές, μεταξύ των οποίων οι Mario del Monaco, Luciano Pavarotti, Katia Ricciarelli, Renato Bruzon, Montserrat Caballe, Placido d'Amigo.

Από το 2012, το παραδοσιακό φεστιβάλ υπό τη διεύθυνση του Francesco Michelli έλαβε το όνομα «Opera Festival of Macerata».

Teatro alla Scala στο Μιλάνο

Η Σκάλα είναι αναμφίβολα ένα από τα πιο διάσημα θέατρα στον κόσμο, καθώς και το σύμβολο της πόλης του Μιλάνου.

Το θέατρο οφείλει το όνομά του στην εκκλησία της Santa Maria alla Scala, η οποία, με τη σειρά της, πήρε το όνομά της από τον φιλάνθρωπο που πλήρωσε για την κατασκευή του, Regina della Scala. Τον 18ο αιώνα, η εκκλησία κατεδαφίστηκε για να ανοίξει ο δρόμος για την ανέγερση ενός θεάτρου, το οποίο άνοιξε στις 3 Αυγούστου 1778 με την όπερα του Antonio Salieri «Europe Recognized».

Από το 1812, η ​​Σκάλα έγινε προπύργιο του ιταλικού μελοδράματος, χάρη στην παραγωγή έργων του Ροσίνι. Το ρεπερτόριο εξελίχθηκε μέχρι να διαμορφωθεί στη σύγχρονη μορφή του. Το θέατρο συνδέεται κυρίως με το όνομα του συνθέτη Τζουζέπε Βέρντι. Η πατριωτική του όπερα Nabucco, που ανέβηκε στη σκηνή της Σκάλας το 1842, κατά τη διάρκεια του αγώνα για την ενοποίηση της Ιταλίας, γνώρισε εκπληκτική επιτυχία, ενισχύοντας τη θέση της εθνικής όπερας στην ιταλική σκηνή.

Η ιστορία του θεάτρου τον 20ο αιώνα συνδέεται με ονόματα διάσημων ερμηνευτών. Αξίζει επίσης να αναφερθούν οι καλλιτεχνικοί διευθυντές του θεάτρου, όπως οι Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Riccardo Muti και Daniel Barenboim. Καλλιτέχνες όπως οι Maria Callas, Renata Tebaldi, Leila Genser, Giulietta Simionato, Mirella Freni, Shirley Verrett, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Carlo Bergonzi, Luciano Pavarotti, Placido d'Amingo, Nikolai Ghiaurov, Pierocollaborated with the the σκηνοθέτες Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Luca Ronconi, σπουδαίοι χορογράφοι και χορευτές Leonid Massine, George Balanchine, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Luciana Savignano.

Θέατρο Carlo Felice VΓένοβα

Η κατασκευή του Teatro Carlo Felice ξεκίνησε το 1825 σύμφωνα με το σχέδιο του Γενοβέζου αρχιτέκτονα Carlo Barabino. Τα εγκαίνια του θεάτρου έγιναν στις 7 Απριλίου 1828, παρουσία των ηγεμόνων του βασιλείου της Σαρδηνίας, Carlo Felice και Regina Maria Cristina της Σαβοΐας, με την όπερα Bianca και Fernando του Vincenzo Bellini.

Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, το μεγαλύτερο μέρος του θεάτρου καταστράφηκε και χρειάστηκαν δεκαετίες για να αποκατασταθεί. Το 1991 έγινε μια νέα ανακάλυψη. Οι αναστηλωτές διατήρησαν όσο το δυνατόν περισσότερο τα παλιά στοιχεία και το εσωτερικό ενημερώθηκε πλήρως.

Το θέατρο φιλοξενεί σεζόν όπερας και μπαλέτου, συμφωνικές συναυλίες και παραστάσεις συγγραφέων.

Teatro Comunale στη Μπολόνια

Το Teatro Comunale ιδρύθηκε το 1756 σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Antonio Galli da Bibbien, ο οποίος τοποθέτησε το νέο θέατρο της πόλης στο κτίριο του Palazzo Bentivoglio.

Τα εγκαίνια του θεάτρου έγιναν το 1763 με την παράσταση της όπερας «Ο θρίαμβος της Κλέλιας» βασισμένη στο λιμπρέτο του Πιέτρο Μεταστάσιο. Η μουσική για την όπερα γράφτηκε από τον Gluck.

Σε αυτό το θέατρο έγινε η ιταλική πρεμιέρα της όπερας του Βάγκνερ Lohengrin το 1871, Tannhäuser (1872), The Flying Dutchman (1877), Tristan and Isolde (1888), Parsifal (1914) . Για τη φιλία της με τον Βάγκνερ, η Μπολόνια ονομάστηκε «Η πόλη του Βάγκνερ» και ο ίδιος ο συνθέτης έγινε επίτιμος πολίτης της.

Τον 19ο αιώνα, 20 όπερες του Gioachino Rossini και 7 από τις 10 όπερες του Vincenzo Bellini ανέβηκαν εδώ. Οι καλλιτεχνικοί διευθυντές του θεάτρου σε διάφορες εποχές ήταν οι Mariani, Toscanini, Furtwängler, von Karajan, Gavazzeni, Celibidache, Solti, Delman και στο πρόσφατο παρελθόν οι Muti, Abbado, Shelley, Thielemann, Sinopoli, Gatti και Jurowski.

Οι περισσότεροι μεγάλοι τραγουδιστές του 19ου αιώνα συνεργάστηκαν με το Teatro Comunale, όπως οι Stignani, Scipa, Gigli, Di Stefano, Christophe, Tebaldi, Del Monaco, καθώς και οι Pavarotti, Freni, Bruzon, Horn, Ludwig, Anderson.

Musical City Theatre of Florence και το Florence Musical May Festival

Η κατασκευή του θεάτρου της πόλης της Φλωρεντίας δεν ήταν εύκολη υπόθεση και χρειάστηκε περισσότερο από έναν αιώνα από το 1861 έως το 1968. Το πρώτο κτίριο καταλάμβανε το ανοιχτό αμφιθέατρο «Politeama di Barbano», το οποίο άνοιξε το 1862 παρουσία περίπου 7.000 θεατών.

Περίπου ένα χρόνο μετά τα εγκαίνια, ξέσπασε φωτιά κατά τη διάρκεια μιας μπάλας, καταστρέφοντας τη σκηνή, καταστρέφοντας το κτίριο και προκαλώντας θύματα. Η ανακατασκευή του θεάτρου ξεκίνησε σύμφωνα με το σχέδιο του μηχανικού Giulielmo Galanti. Με την ολοκλήρωση των εργασιών, το θέατρο άρχισε ξανά εντατικές εργασίες. Μόνο το 1896 δόθηκαν 70 παραστάσεις, μεταξύ των οποίων όπερες όπως «Honor Rusticana», «Zanetto», «Pagliacci», «La Traviata», «Il Trovatore», «The Pearl Fishers».

Κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, το κτίριο του θεάτρου χρησιμοποιήθηκε ως αποθήκη στολών. Οι εργασίες αποκατάστασης και ανοικοδόμησης συνεχίστηκαν μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, κατά τον οποίο το θέατρο υπέστη ζημιές από βομβαρδισμούς. Η φωτιά κατέστρεψε τη σκηνή, αλλά το υπόλοιπο κτίριο παρέμεινε άθικτο.

Το θέατρο είναι η καρδιά του κύρους ετήσιου φεστιβάλ όπερας «Musical May in Florence», που ιδρύθηκε το 1933 από τον προστάτη των τεχνών Luigi Ridolfi Wei και τον μουσικό Vittorio Gui. Κατά τη διάρκεια του φεστιβάλ παίζονται όπερες, συναυλίες, μπαλέτα και θεατρικά έργα.

Διάσημα ονόματα του μουσικού κόσμου όπως Vittorio Gui, Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Zubin Mehta, von Karajan, Riccardo Muti, Maria Calla, Pietro Mascagni, Richard Strauss, Paul Hindemith, Bela Bartok, Igor Stravinsky, Luigi Dallalaborateda με το θέατρο, Λουίτζι Νόνο, Καρλχάιντς Στοκχάουζεν, Λουτσιάνο Μπέριο κ.ά. Από τους σκηνοθέτες ξεχωρίζουμε τους Max Reinhart, Gustav Grundgens, Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Luca Rononi, Bob Wilson, Giorgio De Chirico και Oscar Kokoschka.

Αν έχετε πάει ποτέ στην Ιταλία, τότε ξέρετε για τι είναι περήφανοι οι κάτοικοι της χερσονήσου των Απεννίνων. Πινακοθήκη Ουφίτσι και καθεδρικός ναός Santa Maria del Fiore στη Φλωρεντία, Κολοσσαίο και Φοντάνα ντι Τρέβι στη Ρώμη, Βασιλική του Αγίου Μάρκου και Μεγάλο Κανάλι στη Βενετία. Φαίνεται ότι λείπει κάτι από αυτή τη λίστα; Σωστά, το θέατρο La Scala του Μιλάνου, μια από τις πιο διάσημες όπερες στον κόσμο, λείπει.

Στοργικό όνομα

Για όσους γνωρίζουν λίγα ιταλικά, το όνομα του θεάτρου La Scala μπορεί να σας εκπλήξει. Πράγματι, η ιταλική λέξη skala μεταφρασμένη στα ρωσικά σημαίνει, παραδόξως, μια συνηθισμένη σκάλα. Στην πραγματικότητα όμως, το θέατρο πήρε το όνομά του από την εκκλησία της Santa Maria della Scala, στη θέση της οποίας χτίστηκε. Και η εκκλησία βαφτίστηκε προς τιμήν μιας ισχυρής προστάτιδας, μιας από την οικογένεια των ηγεμόνων της Βερόνας, που έφερε το επώνυμο Scaliger.

Ένα εκατομμύριο λιρέτες για ένα νέο θέατρο

Στη δεκαετία του '70 του 18ου αιώνα, το Royal Ducal Theatre υπήρχε ήδη στο Μιλάνο. Αλλά το 1776 καταστράφηκε από φωτιά, οπότε οι κάτοικοι της πόλης έπρεπε να σκεφτούν τη δημιουργία ενός νέου θεάτρου - δεν ήθελαν να χάσουν τη δόξα της πρωτεύουσας της ιταλικής όπερας. Με τη συγκατάθεση της αυτοκράτειρας Μαρίας Θηρεσίας της Αυστρίας, ανατέθηκε στον διάσημο αρχιτέκτονα Τζουζέπε Πιερμαρίνι να σχεδιάσει ένα νέο κτίριο στο χώρο της εκκλησίας.

Τον 18ο αιώνα, το Royal Ducal Theatre υπήρχε ήδη στο Μιλάνο

Το θέατρο κόστισε στην πόλη σχεδόν ένα εκατομμύριο λιρέτες, που ήταν ένα τεράστιο ποσό για τα πρότυπα εκείνης της εποχής! 90 από τους πιο επιφανείς αριστοκράτες της πόλης μοίρασαν τα έξοδα μεταξύ τους και διχάλισαν τα πιρούνια. Ο αρχιτέκτονας Piermarini και οι βοηθοί του χρειάστηκαν δύο χρόνια για να δημιουργήσουν ένα λαμπρό δείγμα νεοκλασικού στυλ και ήδη το 1778 το θέατρο άνοιξε για τους επισκέπτες.

Κτήριο θεάτρου La Scala

Κέντρο της Μιλανέζικης ζωής

Από το άνοιγμα της, η Σκάλα αγαπήθηκε από το κοινό. Η αίθουσα του θεάτρου, φτιαγμένη με τη μορφή ενός τεράστιου πέταλου (100 επί 38 μέτρα!), εξοπλισμένη με σχεδόν διακόσια κουτιά, καθένα από τα οποία μπορούσε να φιλοξενήσει έως και 10 θεατές, πλούσια διακοσμημένη με επιχρύσωση, δεν ήταν ποτέ άδεια.

Η αίθουσα του θεάτρου, φτιαγμένη με τη μορφή ενός τεράστιου πετάλου

Είναι αλήθεια ότι δεν ήρθαν όλοι οι κάτοικοι της πόλης στο θέατρο για να ακούσουν την όπερα. Εκείνη την εποχή, η Σκάλα έγινε το πραγματικό κέντρο της ζωής των Μιλανέζων. Ήταν εξοπλισμένο με αίθουσες τυχερών παιχνιδιών και μπουφέδες· πάρτι με κάρτες, μπάλες, ακόμη και ταυρομαχίες γίνονταν μέσα στους τοίχους του θεάτρου!

Αίθουσα θεάτρου La Scala

Ροσίνι, Βέρντι και Τσαϊκόφσκι

Το πρώτο έργο που ανέβηκε στη σκηνή του νέου θεάτρου ήταν η όπερα του Antonio Salieri «Europe Recognized», την οποία ο συνθέτης έγραψε ειδικά για το βάπτισμα του πυρός της Σκάλας. Είναι ενδιαφέρον ότι μετά την ανακατασκευή το 2004, η «Αναγνωρισμένη Ευρώπη» άνοιξε ξανά μια σειρά παραγωγών στη σκηνή του θεάτρου. Μάλλον οι κάτοικοι του Μιλάνου βλέπουν κάτι συμβολικό σε αυτό.

Στη σκηνή του θεάτρου ανέβαιναν συνεχώς αριστουργήματα διάσημων συνθετών.

Στη σκηνή του θεάτρου ανέβαιναν συνεχώς αριστουργήματα διάσημων συνθετών. Στα πολλά χρόνια της δουλειάς της, η Σκάλα κατάφερε να συνεργαστεί με τους Cherudini, Paisiello, Rossini (οι ειδικοί μιλούν ακόμη και για μια ιδιαίτερη περίοδο Rossini στην ιστορία του θεάτρου). Δεν γίνεται να μην αναφέρουμε τον Donizetti, τον Bellini, τον Puccini και φυσικά τον Verdi! Είναι αλήθεια ότι ο τελευταίος δεν έγινε αμέσως φίλος με το θέατρο του Μιλάνου. Μετά την παραγωγή της Joan of Arc του, ο συνθέτης έλυσε το συμβόλαιό του με τη Σκάλα και έφυγε. Λίγο αργότερα επέστρεψε ξανά, ήδη με τα μούτρα ερωτευμένος με αυτό το θέατρο. Έργα Ρώσων κλασικών έχουν ανέβει στη σκηνή του Μιλάνου περισσότερες από μία φορές. Για παράδειγμα, «Η Βασίλισσα των Μπαστούνι» του Τσαϊκόφσκι, «Μπορίς Γκοντούνοφ» και «Κοβανστσίνα» του Μουσόργκσκι, «Η αγάπη για τρία πορτοκάλια» του Προκόφιεφ και η «Κατερίνα Ιζμαίλοβα» του Σοστακόβιτς έγιναν δεκτά με ενθουσιασμό.

Τζουζέπε Βέρντι

Η σύγκρουση των Τιτάνων

Φυσικά, μπορεί να υπάρξει θέατρο χωρίς ερμηνευτές; Μεταξύ των διάσημων τραγουδιστών της όπερας που εμφανίστηκαν στη σκηνή της Σκάλας είναι οι Caruso και Ruffo, De Luca και Skip, Gigli και Benzanzoni, Caniglia και Del Monaco, καθώς και ο διάσημος Ρώσος τραγουδιστής Chaliapin! Οι λάτρεις της όπερας θυμούνται τα μέσα του 20ου αιώνα ως τη θρυλική αντιπαράθεση δύο πριμαντόνα - τον Τεμπάλντι και την Κάλλας. Κάθε ένας από τους τραγουδιστές έχει το δικό του πραγματικό fan club. Τα πάθη μερικές φορές γίνονταν τόσο έντονα που οι θαυμαστές ντίβες της όπερας έπρεπε να χωριστούν από την αστυνομία. Είναι αδύνατο να πούμε ποιος κέρδισε αυτόν τον ανταγωνισμό, αλλά το 1955, η Κάλλας κέρδισε τον τίτλο του "θεϊκού", ερμηνεύοντας τον ρόλο στη La Traviata.

Ρενάτα Τεμπάλντι

Μαρία Κάλλας

Εικοσάχρονη ιδιοφυΐα

Για πολλούς λάτρεις της όπερας, το όνομα της Σκάλας συνδέεται έντονα με το όνομα του πιο διάσημου μαέστρου της, Αρτούρο Τοσκανίνι. Εμφανίστηκε για πρώτη φορά στη σκηνή του θεάτρου του Μιλάνου το 1887 σε ηλικία 20 ετών, ήδη τότε διάσημος - έγινε διάσημος παίζοντας το "Aida" στη Βραζιλία. Ο νεαρός μαέστρος έκανε το ντεμπούτο του με απόλυτη επιτυχία, ανέλαβε τα ηνία του θεάτρου και εισήγαγε τη σιδερένια πειθαρχία. Ο Τοσκανίνι ήταν ακούραστος, έκανε πολλές ώρες πρόβες, παρά το γεγονός ότι πολλοί ηθοποιοί σχεδόν κατέρρευσαν από την κούραση. Στις αρχές της δεκαετίας του '30, η ιδιοφυΐα έπρεπε να φύγει από την Ιταλία λόγω διαφωνίας με την ιδεολογία της κυβέρνησης και ο μαέστρος έφυγε για την Αμερική. Όταν ο Τοσκανίνι έμαθε το 1943 ότι το θέατρο είχε καταστραφεί από βόμβες, απελπίστηκε. Το 1945, δώρισε ένα εκατομμύριο λιρέτες για να αποκαταστήσει το αγαπημένο του πνευματικό τέκνο και ήδη το 1946 ήρθε στο ηλιόλουστο Μιλάνο για να διευθύνει και πάλι στο ανακαινισμένο θέατρο.

Αρτούρο Τοσκανίνι

Χέρι-χέρι με μπαλέτο

Εκτός από την όπερα, η Σκάλα φημίζεται φυσικά και για το μπαλέτο της. Οι πιο διάσημοι χορογράφοι στην Ευρώπη εργάστηκαν στη σκηνή αυτού του θεάτρου: Rossi, Franchi, Clerico, Vigano, Taglioni, Casati - αυτή δεν είναι μια πλήρης λίστα.

Εκτός από την όπερα, η Σκάλα φημίζεται φυσικά και για το μπαλέτο της.

Ένας ολόκληρος γαλαξίας από υπέροχους χορευτές μεγάλωσε στη σκηνή της Σκάλας: Vulcani, Pelosini, Fabiani, Franchi, Cerrito, Salvioni και πολλοί άλλοι. Μεταξύ των παραγωγών που είναι ακόμα γνωστές είναι «Τα έργα του Προμηθέα», «Vestal Virgin», «Giselle», «Swan Lake», «The Nutcracker», «Daphnis and Chloe», «Romeo and Juliet».

Ekaterina Astafieva