Ένα μήνυμα για έναν καλλιτέχνη της Αναγέννησης. Καλλιτέχνες της υψηλής Αναγέννησης
Αναγεννησιακή ζωγραφική
Η αρχή της αναγεννησιακής ζωγραφικής θεωρείται η εποχή του Ducento, δηλ. XIII αιώνα. Η Πρωτο-Αναγέννηση εξακολουθεί να είναι στενά συνδεδεμένη με τις μεσαιωνικές ρωμανικές, γοτθικές και βυζαντινές παραδόσεις. Καλλιτέχνες του τέλους XIII - αρχές του XIV αιώνα. απέχουν ακόμη πολύ από την επιστημονική μελέτη της περιβάλλουσας πραγματικότητας. Εκφράζουν τις ιδέες τους για αυτό, χρησιμοποιώντας επίσης συμβατικές εικόνες του βυζαντινού εικονογραφικού συστήματος - βραχώδεις λόφους, συμβολικά δέντρα, συμβατικούς πυργίσκους. Αλλά μερικές φορές η εμφάνιση των αρχιτεκτονικών δομών αναπαράγεται τόσο με ακρίβεια που αυτό δείχνει την ύπαρξη σκίτσων από τη ζωή. Οι παραδοσιακοί θρησκευτικοί χαρακτήρες αρχίζουν να απεικονίζονται σε έναν κόσμο προικισμένο με τις ιδιότητες της πραγματικότητας - όγκο, χωρικό βάθος, υλική ουσία. Ξεκινά η αναζήτηση μεθόδων μετάδοσης στο επίπεδο του όγκου και του τρισδιάστατου χώρου. Οι δάσκαλοι αυτής της εποχής αναβίωσαν την αρχή της μοντελοποίησης του φωτός και της σκιάς των μορφών, γνωστή από την αρχαιότητα. Χάρη σε αυτό, οι φιγούρες και τα κτίρια αποκτούν πυκνότητα και όγκο.
Προφανώς, ο πρώτος που χρησιμοποίησε την αρχαία προοπτική ήταν ο Φλωρεντινός Cenni di Pepo (πληροφορίες από το 1272 έως το 1302), με το παρατσούκλι Cimabue. Δυστυχώς, το πιο σημαντικό έργο του - μια σειρά από πίνακες με θέματα της Αποκάλυψης, τη ζωή της Μαρίας και του Αποστόλου Πέτρου στην εκκλησία του Αγίου Φραντσέσκο στην Ασίζη έφτασε σε εμάς σε σχεδόν κατεστραμμένη κατάσταση. Οι βωτικές συνθέσεις του, που βρίσκονται στη Φλωρεντία και στο Μουσείο του Λούβρου, σώζονται καλύτερα. Επιστρέφουν επίσης στα βυζαντινά πρωτότυπα, αλλά δείχνουν ξεκάθαρα τα χαρακτηριστικά μιας νέας προσέγγισης στη θρησκευτική ζωγραφική. Ο Cimabue επιστρέφει από την ιταλική ζωγραφική
XIII αιώνα, που υιοθέτησε τις βυζαντινές παραδόσεις στην άμεση απαρχή τους. Ένιωθε μέσα τους αυτό που παρέμενε απρόσιτο για τους συγχρόνους του - την αρμονική αρχή της υπέροχης ελληνικής ομορφιάς των εικόνων.
Η ακαμψία και ο σχηματισμός δίνουν τη θέση τους στη μουσική ομαλότητα των γραμμών. Η φιγούρα της Madonna δεν φαίνεται πλέον αιθέρια. Στη μεσαιωνική ζωγραφική, οι άγγελοι ερμηνεύονταν ως σημεία, ως χαρακτηριστικά της Μητέρας του Θεού απεικονίζονταν ως μικρές συμβολικές φιγούρες. Στο Cimabue αποκτούν ένα εντελώς νέο νόημα, περιλαμβάνονται στη σκηνή, πρόκειται για όμορφα νεαρά πλάσματα, που προσδοκούν εκείνους τους χαριτωμένους αγγέλους που θα εμφανιστούν ανάμεσα στους δασκάλους του 15ου αιώνα.
Το έργο του Cimabue ήταν η αφετηρία εκείνων των νέων διαδικασιών που καθόρισαν την περαιτέρω ανάπτυξη της ζωγραφικής. Αλλά η ιστορία της τέχνης δεν μπορεί να εξηγηθεί μόνο με εξελικτικούς όρους. Μερικές φορές υπάρχουν απότομα άλματα σε αυτό. Οι μεγάλοι καλλιτέχνες εμφανίζονται ως τολμηροί καινοτόμοι που απορρίπτουν το παραδοσιακό σύστημα. Ο Giotto di Bondone (1266-1337) θα πρέπει να αναγνωριστεί ως ένας τέτοιος μεταρρυθμιστής στην ιταλική ζωγραφική του 14ου αιώνα. Πρόκειται για μια ιδιοφυΐα που υψώνεται ψηλά πάνω από τους συγχρόνους του και πολλούς από τους οπαδούς του.
Φλωρεντινός στην καταγωγή, εργάστηκε σε πολλές πόλεις της Ιταλίας. Το πιο διάσημο από τα έργα του Τζιότο που μας έχει φτάσει είναι ο κύκλος ζωγραφικής στο παρεκκλήσι Αρένα στην Πάντοβα, αφιερωμένος στις ευαγγελικές ιστορίες για τη ζωή του Χριστού. Αυτό το μοναδικό εικαστικό σύνολο είναι ένα από τα έργα ορόσημα στην ιστορία της ευρωπαϊκής τέχνης. Αντί για τις ετερόκλητες μεμονωμένες σκηνές και φιγούρες που χαρακτηρίζουν τη μεσαιωνική ζωγραφική, ο Τζιότο δημιούργησε έναν ενιαίο επικό κύκλο. 38 σκηνές από τη ζωή του Χριστού και της Μαρίας («Συνάντηση Μαρίας και Ελισάβετ», «Φιλί του Ιούδα», «Θρήνος» κ.λπ.) συνδέονται σε μια ενιαία αφήγηση χρησιμοποιώντας τη γλώσσα της ζωγραφικής. Αντί για το συνηθισμένο χρυσό βυζαντινό φόντο, ο Giotto εισάγει ένα φόντο τοπίου. Οι φιγούρες δεν επιπλέουν πλέον στο διάστημα, αλλά βρίσκουν στέρεο έδαφος κάτω από τα πόδια τους. Και παρόλο που εξακολουθούν να είναι ανενεργά, δείχνουν την επιθυμία να μεταδώσουν την ανατομία του ανθρώπινου σώματος και τη φυσικότητα της κίνησης. Ο Τζιότο δίνει στις φόρμες μια σχεδόν γλυπτική ψηλαφητότητα, βαρύτητα και πυκνότητα. Μοντελοποιεί το ανάγλυφο, φωτίζοντας σταδιακά το κύριο πολύχρωμο φόντο. Αυτή η αρχή της μοντελοποίησης chiaroscuro, η οποία κατέστησε δυνατή την εργασία με καθαρά, φωτεινά χρώματα χωρίς σκούρες σκιές, έγινε κυρίαρχη στην ιταλική ζωγραφική μέχρι τον 16ο αιώνα.
Η μεταρρύθμιση που έγινε στον πίνακα του Τζιότο έκανε βαθιά εντύπωση σε όλους τους συγχρόνους του.
Η επιρροή του Τζιότο απέκτησε τη δύναμη και την καρποφορία της μόλις έναν αιώνα αργότερα. Οι καλλιτέχνες του Quattrocento πέτυχαν τα καθήκοντα που είχε θέσει ο Giotto. Το στάδιο της Πρώιμης Αναγέννησης ονομάζεται θριαμβευτική περίοδος στην ιστορία της τέχνης. Η γενναιοδωρία και το εύρος της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας στην Ιταλία του 15ου αιώνα δημιουργεί την εντύπωση μιας άνευ προηγουμένου δημιουργικής δραστηριότητας γλυπτών και ζωγράφων.
Η φήμη του ιδρυτή της ζωγραφικής Quattrocento ανήκει στον Φλωρεντινό καλλιτέχνη Masaccio, ο οποίος πέθανε πολύ νέος (1401-1428). Στις τοιχογραφίες του, φιγούρες ζωγραφισμένες σύμφωνα με τους νόμους της ανατομίας συνδέονται μεταξύ τους και με το τοπίο. Οι λόφοι και τα δέντρα του απλώνονται σε απόσταση, σχηματίζοντας ένα φυσικό ατμοσφαιρικό περιβάλλον. Οι ζωές των ανθρώπων και της φύσης συνδέονται σε ένα συνεκτικό σύνολο, σε μια ενιαία δραματική δράση. Αυτή είναι μια νέα λέξη στην παγκόσμια τέχνη της ζωγραφικής.
Η φλωρεντινή σχολή παρέμεινε κορυφαία στην ιταλική τέχνη για πολύ καιρό. Υπήρχε επίσης ένα πιο συντηρητικό κίνημα μέσα σε αυτό. Οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος ήταν μοναχοί, γι' αυτό και στην ιστορία της τέχνης ονομάζονταν μοναχοί. Ένας από τους πιο διάσημους ανάμεσά τους ήταν ο αδερφός του Τζιοβάνι Μπεάτο, ο Αντζέλικο ντα Φιέσολε (1387-1455).
Χαρακτηριστικό γνώρισμα της ύστερης ζωγραφικής του Quattrocento είναι η ποικιλία των σχολών και των κατευθύνσεων. Την εποχή αυτή διαμορφώθηκαν τα σχολεία της Φλωρεντίας, της Ούμπιας (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), της Βόρειας Ιταλίας (Mantegni), της Ενετικής (Giovanni Bellini).
Ένας από τους πιο εξαιρετικούς καλλιτέχνες του Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - εκφραστής των αισθητικών ιδεωδών της αυλής του διάσημου τυράννου, πολιτικού, φιλάνθρωπου, ποιητή και φιλοσόφου Lorenzo Medici, με το παρατσούκλι του Magnificent. Η αυλή αυτού του αστεφάνου κυρίαρχου ήταν ένα κέντρο καλλιτεχνικής κουλτούρας, που ένωνε διάσημους φιλοσόφους, επιστήμονες και καλλιτέχνες.
Στην τέχνη του Μποτιτσέλι υπάρχει μια ιδιόμορφη σύνθεση του μεσαιωνικού μυστικισμού με την αρχαία παράδοση, τα ιδανικά του Γοτθικού και της Αναγέννησης. Στις μυθολογικές του εικόνες υπάρχει μια αναβίωση του συμβολισμού. Απεικονίζει όμορφες αρχαίες θεές όχι σε αισθησιακές μορφές γήινης ομορφιάς, αλλά σε ρομαντικές, πνευματικοποιημένες, υπέροχες εικόνες. Ο πίνακας που τον έκανε γνωστό είναι «Η Γέννηση της Αφροδίτης». Εδώ βλέπουμε μια μοναδική γυναικεία εικόνα του Μποτιτσέλι, η οποία δεν μπορεί να συγχέεται με τα έργα άλλων καλλιτεχνών. Ο Μποτιτσέλι συνδύασε εκπληκτικά τον παγανιστικό αισθησιασμό και την αυξημένη πνευματικότητα, τη γλυπτική θηλυκότητα και την απαλή ευθραυστότητα, την πολυπλοκότητα, τη γραμμική ακρίβεια και τη συναισθηματικότητα, τη μεταβλητότητα. Είναι ένας από τους πιο ποιητικούς καλλιτέχνες στην ιστορία της τέχνης. Προτιμά τα συμβολικά, αλληγορικά θέματα, του αρέσει να ονειρεύεται και να εκφράζεται με υπαινιγμούς.
Η πρώιμη Αναγέννηση διήρκεσε περίπου έναν αιώνα. Τελειώνει με την Υψηλή Αναγέννηση, η οποία διαρκεί μόνο περίπου 30 χρόνια. Η Ρώμη έγινε το κύριο κέντρο της καλλιτεχνικής ζωής εκείνη την εποχή.
Αν η τέχνη του Quattrocento είναι η ανάλυση, οι αναζητήσεις, οι ανακαλύψεις, η φρεσκάδα μιας νεανικής κοσμοθεωρίας, τότε η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης είναι το αποτέλεσμα, η σύνθεση, η σοφή ωριμότητα. Η αναζήτηση ενός καλλιτεχνικού ιδεώδους κατά την περίοδο Quattrocento οδήγησε την τέχνη στη γενίκευση, στην ανακάλυψη γενικών προτύπων. Η κύρια διαφορά μεταξύ της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης είναι ότι εγκαταλείπει λεπτομέρειες, λεπτομέρειες, λεπτομέρειες στο όνομα μιας γενικευμένης εικόνας. Όλη η εμπειρία, όλες οι αναζητήσεις για προκατόχους συμπιέζονται από τους μεγάλους δασκάλους του Cinquecento σε μια μεγαλειώδη γενίκευση.
Η εικόνα ενός όμορφου, με ισχυρή θέληση ανθρώπου αποτελεί το κύριο περιεχόμενο της τέχνης εκείνης της εποχής. Σε αντίθεση με την τέχνη του 15ου αιώνα, χαρακτηρίζεται από την επιθυμία να κατανοήσει και να ενσαρκώσει το γενικό πρότυπο των φαινομένων της ζωής.
Αυτή ήταν η εποχή των τιτάνων της Αναγέννησης, που έδωσε στον παγκόσμιο πολιτισμό το έργο του Λεονάρντο, του Ραφαήλ και του Μιχαήλ Άγγελου. Στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού, αυτές οι τρεις ιδιοφυΐες, παρά την ανομοιότητά τους, η δημιουργική ατομικότητα προσωποποιούν την κύρια αξία της ιταλικής Αναγέννησης - την αρμονία της ομορφιάς, της δύναμης και της ευφυΐας. Η ζωή τους είναι απόδειξη της αλλαγής της στάσης της κοινωνίας απέναντι στη δημιουργική προσωπικότητα του καλλιτέχνη, που είναι χαρακτηριστικό της Αναγέννησης. Οι δάσκαλοι της τέχνης έγιναν αξιοσημείωτες και πολύτιμες φιγούρες στην κοινωνία, δικαίως θεωρήθηκαν οι πιο μορφωμένοι άνθρωποι της εποχής τους.
Αυτό το χαρακτηριστικό, ίσως περισσότερο από άλλες μορφές της Αναγέννησης, ισχύει για τον Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452 - 1519). Συνδύασε την καλλιτεχνική και την επιστημονική ιδιοφυΐα. Ο Λεονάρντο ήταν ένας επιστήμονας που μελέτησε τη φύση όχι για χάρη της τέχνης, αλλά για χάρη της επιστήμης. Γι' αυτό και τόσο λίγα ολοκληρωμένα έργα του Λεονάρντο έχουν φτάσει σε εμάς. Άρχισε να ζωγραφίζει και τους εγκατέλειψε μόλις του φαινόταν ξεκάθαρα διατυπωμένο το πρόβλημα. Πολλές από τις παρατηρήσεις του προβλέπουν την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής επιστήμης και ζωγραφικής για ολόκληρους αιώνες. Οι σύγχρονες επιστημονικές ανακαλύψεις τροφοδοτούν το ενδιαφέρον για τα μηχανολογικά του σχέδια επιστημονικής φαντασίας.
Η Παναγία του στο Σπήλαιο είναι ο πρώτος μνημειακός βωμός της Υψηλής Αναγέννησης. Αυτός είναι ένας μεγάλος πίνακας σε μια μορφή κοινή στην αναγεννησιακή ζωγραφική, που μοιάζει με παράθυρο, στρογγυλεμένο στην κορυφή.
Ένα νέο στάδιο στην τέχνη ήταν η ζωγραφική του τοίχου της τραπεζαρίας του μοναστηριού της Santa Maria del Grazie με βάση την πλοκή του Μυστικού Δείπνου, την οποία ζωγράφισαν πολλοί καλλιτέχνες Quattrocento. Ο «Μυστικός Δείπνος» είναι ο ακρογωνιαίος λίθος της κλασικής τέχνης που πραγματοποίησε το πρόγραμμα της Υψηλής Αναγέννησης. Ο Λεονάρντο εργάστηκε σε αυτό το έργο για 16 χρόνια. Η τεράστια τοιχογραφία, όπου οι φιγούρες είναι ζωγραφισμένες μιάμιση φορά μεγαλύτερες από το φυσικό μέγεθος, έγινε ένα παράδειγμα σοφής κατανόησης των νόμων της μνημειακής ζωγραφικής που σχετίζονται με τον πραγματικό χώρο του εσωτερικού. Ενσάρκωσε την επιστημονική έρευνα του καλλιτέχνη στους τομείς της φυσικής, της οπτικής, των μαθηματικών και της ανατομίας, απαραίτητες για την επίλυση προβλημάτων αναλογιών και προοπτικής σε έναν τεράστιο εικαστικό χώρο. Το πιο σημαντικό, το λαμπρό έργο του Λεονάρντο έχει τεράστια ψυχολογική δύναμη. Κανένας από τους καλλιτέχνες που απεικονίζουν τον Μυστικό Δείπνο πριν από τον Λεονάρντο δεν έθεσε ένα τόσο δύσκολο έργο - να δείξει το ενιαίο νόημα αυτής της μεγάλης στιγμής μέσα από τις αντιδράσεις διαφορετικών ανθρώπων, προσωπικοτήτων, ιδιοσυγκρασιών και συναισθηματικών αντιδράσεων. 12 απόστολοι, 12 διαφορετικοί χαρακτήρες εκδηλώνονται με διαφορετικούς τρόπους τη στιγμή του συναισθηματικού σοκ. Μέσα από τις συναισθηματικές τους αντιδράσεις, που εκφράζονται με κίνηση, αποκαλύπτονται τα αιώνια ερωτήματα του ανθρώπου: για την αγάπη και το μίσος, την αφοσίωση και την προδοσία, την ευγένεια και την κακία.
Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο ήταν το έργο του Λεονάρντο «La Gioconda». Αυτό το πορτρέτο της συζύγου του εμπόρου ντελ Τζιοκόντο έχει τραβήξει την προσοχή για αιώνες, έχουν γραφτεί εκατοντάδες σελίδες σχολίων γι' αυτό, έχει κλαπεί, πλαστογραφηθεί, αντιγραφεί και του έχουν αποδοθεί δυνάμεις μαγείας. Η άπιαστη έκφραση στο πρόσωπο της Τζοκόντα αψηφά την ακριβή περιγραφή και την αναπαραγωγή. Αυτό το πορτρέτο έγινε ένα αριστούργημα της τέχνης της Αναγέννησης.
Για πρώτη φορά στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης, το είδος πορτρέτου στάθηκε στο ίδιο επίπεδο με συνθέσεις με θρησκευτικό θέμα.
Οι ιδέες της μνημειακής τέχνης της Αναγέννησης βρήκαν ζωντανή έκφραση στο έργο του Raphael Santi (1483-1520). Ο Λεονάρντο δημιούργησε το κλασικό στυλ, ο Ραφαήλ το ενέκρινε και το δημοσιοποίησε. Η τέχνη του Ραφαήλ συχνά ορίζεται ως ο «χρυσός μέσος».
Το έργο του Ραφαήλ διακρίνεται από κλασικές ιδιότητες - σαφήνεια, ευγενική απλότητα, αρμονία. Στο σύνολό του συνδέεται με τον πνευματικό πολιτισμό της Αναγέννησης. Ήταν 30 χρόνια νεότερος από τον Λεονάρντο και πέθανε σχεδόν ταυτόχρονα μαζί του, έχοντας καταφέρει τόσα πολλά στην ιστορία της τέχνης που είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι ένα άτομο θα μπορούσε να τα είχε καταφέρει όλα. Πολύπλευρος καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, μνημειολόγος, δεξιοτέχνης των πορτρέτων και των πολυμορφικών συνθέσεων, ταλαντούχος διακοσμητής, υπήρξε κεντρικό πρόσωπο στην καλλιτεχνική ζωή της Ρώμης. Το αποκορύφωμα της μαεστρίας του ήταν η «Σιξτίνα Μαντόνα», ζωγραφισμένη το 1516 για το μοναστήρι των Βενεδικτίνων στην Πιατσέντσα (τώρα ο πίνακας βρίσκεται στη Δρέσδη). Για πολλούς είναι το μέτρο του ωραιότερου που μπορεί να δημιουργήσει η τέχνη.
Αυτή η σύνθεση του βωμού έχει γίνει αντιληπτή εδώ και αιώνες ως μια φόρμουλα ομορφιάς και αρμονίας. Ένα τραγικό συναίσθημα πηγάζει από τα εκπληκτικά πνευματικά πρόσωπα της Παναγίας και του Μωρού Θεού, τον οποίο δίνει για να εξιλεώσει τις ανθρώπινες αμαρτίες. Το βλέμμα της Μαντόνα κατευθύνεται σαν μέσω του θεατή, να είναι γεμάτο πένθιμη προνοητικότητα. Αυτή η εικόνα ενσαρκώνει τη σύνθεση του αρχαίου ιδεώδους της ομορφιάς με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδεώδους.
Η ιστορική αξία της τέχνης του Ραφαήλ είναι ότι συνέδεσε δύο κόσμους σε έναν - τον χριστιανικό και τον παγανιστικό κόσμο. Από εκείνη την εποχή, το νέο καλλιτεχνικό ιδανικό εδραιώθηκε σταθερά στη θρησκευτική τέχνη της Δυτικής Ευρώπης.
Αναγεννησιακό γλυπτό
Η φωτεινή ιδιοφυΐα του Ραφαήλ απείχε πολύ από το ψυχολογικό βάθος στον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου, όπως του Λεονάρντο, αλλά ακόμα πιο ξένη προς την τραγική κοσμοθεωρία του Μιχαήλ Άγγελου. Ο Michelangelo Buonarroti (1475-1564) έζησε μια μακρά, δύσκολη και ηρωική ζωή. Η ιδιοφυΐα του εκδηλώθηκε στην αρχιτεκτονική, τη ζωγραφική, την ποίηση, αλλά πιο ξεκάθαρα στη γλυπτική. Αντιλαμβανόταν τον κόσμο πλαστικά σε όλους τους τομείς της τέχνης είναι πρωτίστως γλύπτης. Το ανθρώπινο σώμα του φαίνεται το πιο άξιο θέμα απεικόνισης. Αλλά αυτός είναι ένας άνθρωπος μιας ιδιαίτερης, ισχυρής, ηρωικής ράτσας. Η τέχνη του Μιχαήλ Άγγελου είναι αφιερωμένη στη δόξα του ανθρώπινου μαχητή, τις ηρωικές του δραστηριότητες και τα βάσανα. Η τέχνη του χαρακτηρίζεται από γιγαντομανία, μια τιτάνια αρχή. Αυτή είναι η τέχνη των πλατειών, των δημόσιων κτιρίων και όχι των ανακτόρων, η τέχνη για τους ανθρώπους και όχι για τους αριστοκράτες της αυλής.
Ο 15ος αιώνας ήταν η ακμή της μνημειακής γλυπτικής στην Ιταλία. Αναδύεται από τους εσωτερικούς χώρους στις προσόψεις εκκλησιών και πολιτικών κτιρίων, στην πλατεία της πόλης και γίνεται μέρος του συνόλου της πόλης.
Ένα από τα πρώτα και πιο διάσημα έργα του Μιχαήλ Άγγελου είναι το πεντάμετρο άγαλμα του Δαβίδ στην πλατεία της Φλωρεντίας, που συμβολίζει τη νίκη του νεαρού Δαβίδ επί του γίγαντα Γολιάθ. Τα εγκαίνια του μνημείου μετατράπηκαν σε λαϊκή γιορτή, επειδή οι Φλωρεντινοί είδαν στον Δαβίδ έναν ήρωα κοντά τους, έναν πολίτη και υπερασπιστή της δημοκρατίας.
Οι γλύπτες της Αναγέννησης στράφηκαν όχι μόνο σε παραδοσιακές χριστιανικές εικόνες, αλλά και σε ζωντανούς ανθρώπους, σύγχρονους. Η ανάπτυξη του είδους του γλυπτικού πορτρέτου, του επιτύμβιου μνημείου, του μεταλλίου πορτρέτου και του ιππικού αγάλματος συνδέεται με αυτή την επιθυμία να διαιωνιστεί η εικόνα ενός πραγματικού σύγχρονου. Αυτά τα γλυπτά διακοσμούσαν τις πλατείες της πόλης, αλλάζοντας την εμφάνισή τους.
Η αναγεννησιακή γλυπτική επιστρέφει στις αρχαίες παραδόσεις της γλυπτικής. Μνημεία αρχαίας γλυπτικής γίνονται αντικείμενο μελέτης, παράδειγμα πλαστικής γλώσσας. Η γλυπτική, νωρίτερα από τη ζωγραφική, ξεφεύγει από τους μεσαιωνικούς κανόνες και ακολουθεί έναν νέο δρόμο ανάπτυξης. Ίσως αυτό να εξηγείται από τη θέση που κατείχε στις μεσαιωνικές εκκλησίες. Κατά την κατασκευή μεγάλων καθεδρικών ναών, δημιουργήθηκαν εργαστήρια που εκπαίδευαν διακοσμητικούς γλύπτες που έλαβαν καλή εκπαίδευση εδώ. Τα εργαστήρια γλυπτών ήταν κορυφαία κέντρα της καλλιτεχνικής ζωής και έπαιξαν σημαντικό ρόλο στη μελέτη της αρχαιότητας και της ανατομίας του ανθρώπινου σώματος. Τα επιτεύγματα της γλυπτικής της Πρώιμης Αναγέννησης είχαν μεγάλη επιρροή στους ζωγράφους που αντιλαμβάνονταν έναν ζωντανό άνθρωπο μέσα από το πρίσμα της πλαστικότητας. Οι γλύπτες της Αναγέννησης πετυχαίνουν το πλήρες νόημα του ανθρώπινου σώματος, το απελευθερώνουν κάτω από τη μάζα των ενδυμάτων στα οποία κρύβονταν οι φιγούρες του μεσαιωνικού γοτθικού. Το μονοπάτι που διένυσε η Ελλάδα σε τρεις αιώνες ολοκληρώθηκε από τρεις γενιές δασκάλων κατά την Αναγέννηση.
Οι πρώτοι προάγγελοι της τέχνης της Αναγέννησης εμφανίστηκαν στην Ιταλία τον 14ο αιώνα. Καλλιτέχνες αυτής της εποχής, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) και (κυρίως) Τζιότο
(1267-1337) όταν δημιουργούσαν πίνακες με παραδοσιακά θρησκευτικά θέματα, άρχισαν να χρησιμοποιούν νέες καλλιτεχνικές τεχνικές: χτίζοντας μια τρισδιάστατη σύνθεση, χρησιμοποιώντας ένα τοπίο στο βάθος, που τους επέτρεψε να κάνουν τις εικόνες πιο ρεαλιστικές και κινούμενες. Αυτό ξεχώριζε έντονα το έργο τους από την προηγούμενη εικονογραφική παράδοση, γεμάτη συμβάσεις στην εικόνα.
Ο όρος που χρησιμοποιείται για να δηλώσει τη δημιουργικότητά τους Proto-Renaissance (1300 - "Trecento")
.
Τζιότο ντι Μποντόνε
(περ. 1267-1337) - Ιταλός καλλιτέχνης και αρχιτέκτονας της εποχής της Πρωτο-Αναγέννησης. Μία από τις βασικές προσωπικότητες στην ιστορία της δυτικής τέχνης. Έχοντας ξεπεράσει τη βυζαντινή αγιογραφική παράδοση, έγινε ο πραγματικός ιδρυτής της ιταλικής σχολής ζωγραφικής και ανέπτυξε μια εντελώς νέα προσέγγιση στην απεικόνιση του χώρου. Τα έργα του Τζιότο εμπνεύστηκαν από τους Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαήλ, Μιχαήλ Άγγελο.
Πρώιμη Αναγέννηση (1400 - Quattrocento).
Στις αρχές του 15ου αι Filippo Brunelleschi
(1377-1446), Φλωρεντινός επιστήμονας και αρχιτέκτονας.
Ο Brunelleschi ήθελε να κάνει πιο οπτική την αντίληψη των λουτρών και των θεάτρων που ανακατασκεύασε και προσπάθησε να δημιουργήσει γεωμετρικά προοπτικούς πίνακες από τα σχέδιά του για μια συγκεκριμένη οπτική γωνία. Σε αυτή την αναζήτηση ανακαλύφθηκε άμεση προοπτική.
Αυτό επέτρεψε στους καλλιτέχνες να αποκτήσουν τέλειες εικόνες τρισδιάστατου χώρου σε έναν επίπεδο καμβά ζωγραφικής.
_________Ένα άλλο σημαντικό βήμα στην πορεία προς την Αναγέννηση ήταν η εμφάνιση της μη θρησκευτικής, κοσμικής τέχνης. Το πορτρέτο και το τοπίο καθιερώθηκαν ως ανεξάρτητα είδη. Ακόμη και τα θρησκευτικά θέματα απέκτησαν μια διαφορετική ερμηνεία - οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης άρχισαν να βλέπουν τους χαρακτήρες τους ως ήρωες με έντονα ατομικά χαρακτηριστικά και ανθρώπινο κίνητρο για πράξεις.
Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της περιόδου είναι Μασάτσιο (1401-1428), Μαζολίνο (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Πιέρο Ντέλα Φραντσέσκο (1420-1492), Αντρέα Μαντένια (1431-1506), Τζιοβάνι Μπελίνι (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Σάντρο Μποτιτσέλι (1447-1515).
Μασάτσιο
(1401-1428) - διάσημος Ιταλός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος δάσκαλος της σχολής της Φλωρεντίας, μεταρρυθμιστής της ζωγραφικής της εποχής Quattrocento.
 |
| Τοιχογραφία. Θαύμα με statir. |
 |
| Ζωγραφική. Σταύρωση. |
 |
| Τοιχογραφία. Η ιστορία της βασίλισσας της Σάμπα. Εκκλησία του San Francesco στο Arezzo |
Σάντρο Μποτιτσέλι(1445-1510) - μεγάλος Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της Φλωρεντινής σχολής ζωγραφικής.
 |
| Ανοιξη. |
 |
| Γέννηση της Αφροδίτης. |
Υψηλή Αναγέννηση ("Cinquecento").
Συνέβη η υψηλότερη άνθηση της τέχνης της Αναγέννησης για το πρώτο τέταρτο του 16ου αιώνα.
Εργα Σανσοβίνο (1486-1570), Λεονάρντο Ντα Βίντσι (1452-1519), Ραφαέλ Σάντι (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Τζορτζιόνε (1476-1510), κοκκινοχρυσός (1477-1576), Αντόνιο Κορρέτζιο (1489-1534) αποτελούν το χρυσό ταμείο της ευρωπαϊκής τέχνης.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Φλωρεντία) (1452-1519) - Ιταλός καλλιτέχνης (ζωγράφος, γλύπτης, αρχιτέκτονας) και επιστήμονας (ανατόμος, φυσιοδίφης), εφευρέτης, συγγραφέας.
 |
| Αυτοπροσωπογραφία |
 |
| Κυρία με ερμίνα. 1490. Μουσείο Czartoryski, Κρακοβία |
 |
| Μόνα Λίζα (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Μουσείο Ερμιτάζ. |
 |
| Madonna Benois (Madonna with a Flower). 1478-1480 |
 |
| Μαντόνα με Γαρύφαλλο. 1478 |
Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι έκανε χιλιάδες σημειώσεις και σχέδια για την ανατομία, αλλά δεν δημοσίευσε το έργο του. Κατά την ανατομή των σωμάτων ανθρώπων και ζώων, μετέφερε με ακρίβεια τη δομή του σκελετού και των εσωτερικών οργάνων, συμπεριλαμβανομένων μικρών λεπτομερειών. Σύμφωνα με τον καθηγητή κλινικής ανατομίας Peter Abrams, το επιστημονικό έργο του da Vinci ήταν 300 χρόνια μπροστά από την εποχή του και από πολλές απόψεις ανώτερο από το περίφημο Gray's Anatomy.
Κατάλογος εφευρέσεων, τόσο πραγματικών όσο και που του αποδίδονται:
Αλεξίπτωτο, ναΚάστρο Olestsovo, σεποδήλατο, τank, lελαφριές φορητές γέφυρες για το στρατό, σελπροβολέας, ναatapult, rκαι τα δύο, δΤηλεσκόπιο Vuhlens.
Αυτές οι καινοτομίες αναπτύχθηκαν στη συνέχεια Ραφαέλ Σάντι (1483-1520) - σπουδαίος ζωγράφος, γραφίστας και αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της σχολής της Ούμπρια.
| Αυτοπροσωπογραφία. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Ιταλός γλύπτης, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, ποιητής, στοχαστής.
Οι πίνακες και τα γλυπτά του Michelangelo Buonarotti είναι γεμάτα ηρωικό πάθος και, ταυτόχρονα, μια τραγική αίσθηση της κρίσης του ανθρωπισμού. Οι πίνακές του δοξάζουν τη δύναμη και τη δύναμη του ανθρώπου, την ομορφιά του σώματός του, ενώ ταυτόχρονα τονίζουν τη μοναξιά του στον κόσμο.
Η ιδιοφυΐα του Μιχαήλ Άγγελου άφησε το στίγμα της όχι μόνο στην τέχνη της Αναγέννησης, αλλά και σε όλο τον μετέπειτα παγκόσμιο πολιτισμό. Οι δραστηριότητές του συνδέονται κυρίως με δύο ιταλικές πόλεις - τη Φλωρεντία και τη Ρώμη.
Ωστόσο, ο καλλιτέχνης μπόρεσε να πραγματοποιήσει τα πιο φιλόδοξα σχέδιά του ακριβώς στη ζωγραφική, όπου έδρασε ως πραγματικός καινοτόμος του χρώματος και της μορφής.
Με εντολή του Πάπα Ιούλιο Β', ζωγράφισε την οροφή της Καπέλα Σιξτίνα (1508-1512), αντιπροσωπεύοντας τη βιβλική ιστορία από τη δημιουργία του κόσμου μέχρι τον κατακλυσμό και περιλαμβάνοντας περισσότερες από 300 φιγούρες. Το 1534-1541, στην ίδια Καπέλα Σιξτίνα, φιλοτέχνησε τη μεγαλειώδη, δραματική τοιχογραφία «Η τελευταία κρίση» για τον Πάπα Παύλο Γ'.
Καπέλα Σιξτίνα 3D.
Τα έργα του Giorgione και του Titian διακρίνονται από το ενδιαφέρον τους για το τοπίο και την ποιητοποίηση της πλοκής. Και οι δύο καλλιτέχνες πέτυχαν μεγάλη μαεστρία στην τέχνη της προσωπογραφίας, με τη βοήθεια της οποίας μετέφεραν τον χαρακτήρα και τον πλούσιο εσωτερικό κόσμο των χαρακτήρων τους.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Τζορτζιόνε) (1476/147-1510) - Ιταλός καλλιτέχνης, εκπρόσωπος της βενετικής σχολής ζωγραφικής.
 |
||||
| Κοιμωμένη Αφροδίτη. 1510 |
 |
| Ιουδίθ. 1504 γρ |
Ο Τιτσιάν ζωγράφισε πίνακες με βιβλικά και μυθολογικά θέματα. Έλαβε εντολές από βασιλιάδες και πάπες, καρδινάλιους, δούκες και πρίγκιπες. Ο Τιτσιάν δεν ήταν καν τριάντα ετών όταν αναγνωρίστηκε ως ο καλύτερος ζωγράφος της Βενετίας.
 |
| Αυτοπροσωπογραφία. 1567 |
 |
| Αφροδίτη του Ουρμπίνο. 1538 |
 |
| Πορτρέτο του Tommaso Mosti. 1520 |
Ύστερη Αναγέννηση.
Μετά την λεηλασία της Ρώμης από τα αυτοκρατορικά στρατεύματα το 1527, η ιταλική Αναγέννηση εισήλθε σε περίοδο κρίσης. Ήδη στο έργο του αείμνηστου Ραφαήλ, σκιαγραφήθηκε μια νέα καλλιτεχνική γραμμή, που ονομάζεται νάζι.
Αυτή η εποχή χαρακτηρίζεται από φουσκωμένες και σπασμένες γραμμές, επιμήκεις ή ακόμα και παραμορφωμένες φιγούρες, συχνά γυμνές, τεταμένες και αφύσικες στάσεις, ασυνήθιστα ή παράξενα εφέ που σχετίζονται με το μέγεθος, το φωτισμό ή την προοπτική, τη χρήση καυστικής χρωματικής περιοχής, υπερφορτωμένη σύνθεση κ.λπ. ο πρώτος διδάσκει τον μανιερισμό Parmigianino
, Ποντόρμο
, Bronzino-
έζησε και εργάστηκε στην αυλή του οίκου των Δούκων των Μεδίκων στη Φλωρεντία. Η μανιεριστική μόδα αργότερα εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία και όχι μόνο.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- «κάτοικος της Πάρμας») (1503-1540) Ιταλός καλλιτέχνης και χαράκτης, εκπρόσωπος του μανιερισμού.
 |
| Αυτοπροσωπογραφία. 1540 |
 |
| Πορτρέτο μιας γυναίκας. 1530. |
Ποντόρμο (1494-1557) - Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της φλωρεντινής σχολής, ένας από τους ιδρυτές του μανιερισμού.
Στη δεκαετία του 1590, η τέχνη αντικατέστησε τον μανιερισμό μπαρόκ (μεταβατικά στοιχεία - Τιντορέτο Και Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ).
Jacopo Robusti, πιο γνωστό ως Τιντορέτο (1518 ή 1519-1594) - ζωγράφος της ενετικής σχολής της ύστερης Αναγέννησης.
 |
| Μυστικός δείπνος. 1592-1594. Εκκλησία του San Giorgio Maggiore, Βενετία. |
Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ("Ελληνικά" Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ) (1541-1614) - Ισπανός καλλιτέχνης. Από καταγωγή - Έλληνας, με καταγωγή από το νησί της Κρήτης.
Ο Ελ Γκρέκο δεν είχε σύγχρονους οπαδούς και η ιδιοφυΐα του ανακαλύφθηκε ξανά σχεδόν 300 χρόνια μετά τον θάνατό του.
Ο Ελ Γκρέκο σπούδασε στο στούντιο του Τιτσιάν, αλλά, ωστόσο, η τεχνική ζωγραφικής του διαφέρει σημαντικά από αυτή του δασκάλου του. Τα έργα του Ελ Γκρέκο χαρακτηρίζονται από ταχύτητα και εκφραστικότητα στην εκτέλεση, που τα φέρνουν πιο κοντά στη σύγχρονη ζωγραφική.
 |
| Ο Χριστός στο σταυρό. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1577. Ιδιωτική συλλογή. |
 |
| Τριάδα. 1579 Πράδο. |
Κατά την Αναγέννηση συμβαίνουν πολλές αλλαγές και ανακαλύψεις. Εξερευνούνται νέες ήπειροι, αναπτύσσεται το εμπόριο, επινοούνται σημαντικά πράγματα, όπως χαρτί, θαλάσσια πυξίδα, μπαρούτι και πολλά άλλα. Μεγάλη σημασία είχαν και οι αλλαγές στη ζωγραφική. Οι πίνακες της Αναγέννησης κέρδισαν τεράστια δημοτικότητα.
Κύρια στυλ και τάσεις στα έργα των δασκάλων
Η περίοδος ήταν μια από τις πιο γόνιμες στην ιστορία της τέχνης. Αριστουργήματα ενός τεράστιου αριθμού εξαιρετικών δασκάλων μπορούν να βρεθούν σήμερα σε διάφορα κέντρα τέχνης. Οι καινοτόμοι εμφανίστηκαν στη Φλωρεντία το πρώτο μισό του δέκατου πέμπτου αιώνα. Οι πίνακές τους της Αναγέννησης σημάδεψαν την αρχή μιας νέας εποχής στην ιστορία της τέχνης.
Αυτή τη στιγμή, η επιστήμη και η τέχνη συνδέονται πολύ στενά. Καλλιτέχνες και επιστήμονες προσπάθησαν να κυριαρχήσουν στον φυσικό κόσμο. Οι ζωγράφοι προσπάθησαν να επωφεληθούν από πιο ακριβείς ιδέες για το ανθρώπινο σώμα. Πολλοί καλλιτέχνες προσπάθησαν για ρεαλισμό. Το στυλ ξεκινά με τον πίνακα του Λεονάρντο ντα Βίντσι «Ο Μυστικός Δείπνος», τον οποίο ζωγράφισε για σχεδόν τέσσερα χρόνια.
Ένα από τα πιο γνωστά έργα
Ζωγραφίστηκε το 1490 για την τραπεζαρία του μοναστηριού της Santa Maria delle Grazie στο Μιλάνο. Ο πίνακας αντιπροσωπεύει το τελευταίο γεύμα του Ιησού με τους μαθητές του πριν αιχμαλωτιστεί και σκοτωθεί. Οι σύγχρονοι που παρατηρούσαν το έργο του καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου παρατήρησαν πώς μπορούσε να ζωγραφίζει από το πρωί μέχρι το βράδυ, χωρίς καν να σταματήσει να φάει. Και μετά μπορούσε να εγκαταλείψει τη ζωγραφική του για αρκετές μέρες και να μην την πλησιάσει καθόλου.
Ο καλλιτέχνης ανησυχούσε πολύ για την εικόνα του ίδιου του Χριστού και του προδότη Ιούδα. Όταν τελικά ολοκληρώθηκε ο πίνακας, δικαιωματικά αναγνωρίστηκε ως αριστούργημα. Το "The Last Supper" εξακολουθεί να είναι ένα από τα πιο δημοφιλή. Οι αναπαραγωγές της Αναγέννησης είχαν πάντα μεγάλη ζήτηση, αλλά αυτό το αριστούργημα χαρακτηρίζεται από αμέτρητα αντίγραφα.
Ένα αναγνωρισμένο αριστούργημα ή το μυστηριώδες χαμόγελο μιας γυναίκας
Ανάμεσα στα έργα που δημιούργησε ο Λεονάρντο τον δέκατο έκτο αιώνα είναι ένα πορτρέτο που ονομάζεται Μόνα Λίζα ή La Gioconda. Στη σύγχρονη εποχή, είναι ίσως ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο. Έγινε δημοφιλές κυρίως λόγω του άπιαστου χαμόγελου στο πρόσωπο της γυναίκας που απεικονίζεται στον καμβά. Τι οδήγησε σε τέτοιο μυστήριο; Η επιδέξια δουλειά ενός πλοιάρχου, η ικανότητα να σκιάζει τόσο επιδέξια τις γωνίες των ματιών και του στόματος; Η ακριβής φύση αυτού του χαμόγελου δεν μπορεί να προσδιοριστεί μέχρι σήμερα.
Άλλες λεπτομέρειες αυτής της εικόνας είναι πέρα από τον ανταγωνισμό. Αξίζει να δώσετε προσοχή στα χέρια και τα μάτια της γυναίκας: με πόσο ακρίβεια αντιμετώπισε ο καλλιτέχνης τις μικρότερες λεπτομέρειες του καμβά όταν τον ζωγράφιζε. Δεν είναι λιγότερο ενδιαφέρον το δραματικό τοπίο στο βάθος της εικόνας, ένας κόσμος στον οποίο όλα μοιάζουν να είναι σε κατάσταση ροής.
Ένας άλλος διάσημος εκπρόσωπος της ζωγραφικής
Ένας εξίσου διάσημος εκπρόσωπος της Αναγέννησης είναι ο Sandro Botticelli. Αυτός είναι ένας σπουδαίος Ιταλός ζωγράφος. Οι πίνακές του από την Αναγέννηση είναι επίσης εξαιρετικά δημοφιλείς σε ένα ευρύ φάσμα θεατών. "Η λατρεία των μάγων", "Η Madonna and Child Enthroned", "The Annunciation" - αυτά τα έργα του Botticelli, αφιερωμένα σε θρησκευτικά θέματα, έγιναν τεράστια επιτεύγματα του καλλιτέχνη.
Ένα άλλο διάσημο έργο του πλοιάρχου είναι το "Madonna Magnificat". Έγινε διάσημη κατά τη διάρκεια της ζωής του Sandro, όπως αποδεικνύεται από πολλές αναπαραγωγές. Παρόμοιοι καμβάδες σε σχήμα κύκλου ήταν αρκετά περιζήτητοι στη Φλωρεντία του δέκατου πέμπτου αιώνα.
Μια νέα στροφή στο έργο του καλλιτέχνη
Ξεκινώντας το 1490, ο Σάντρο άλλαξε το στυλ του. Γίνεται πιο ασκητικό, ο συνδυασμός των χρωμάτων είναι πλέον πολύ πιο συγκρατημένος, συχνά κυριαρχούν οι σκούροι τόνοι. Η νέα προσέγγιση του δημιουργού στη συγγραφή των έργων του είναι ξεκάθαρα ορατή στο «The Coronation of Mary», «The Lamentation of Christ» και σε άλλους καμβάδες που απεικονίζουν τη Madonna και το Παιδί.
Τα αριστουργήματα που ζωγράφισε ο Σάντρο Μποτιτσέλι εκείνη την εποχή, για παράδειγμα, το πορτρέτο του Δάντη, στερούνται τοπίων και εσωτερικών υποβάθρων. Μία από τις εξίσου σημαντικές δημιουργίες του καλλιτέχνη είναι το «Mystical Christmas». Ο πίνακας ζωγραφίστηκε υπό την επίδραση της αναταραχής που σημειώθηκε στα τέλη του 1500 στην Ιταλία. Πολλοί πίνακες από καλλιτέχνες της Αναγέννησης όχι μόνο κέρδισαν δημοτικότητα, αλλά έγιναν παράδειγμα για την επόμενη γενιά ζωγράφων.
Ένας καλλιτέχνης που οι καμβάδες του περιβάλλονται από μια αύρα θαυμασμού
Ο Ραφαέλ Σάντι ντα Ουρμπίνο δεν ήταν μόνο αρχιτέκτονας. Οι πίνακές του της Αναγέννησης θαυμάζονται για τη σαφήνεια της μορφής, την απλότητα της σύνθεσης και την οπτική επίτευξη του ιδεώδους του ανθρώπινου μεγαλείου. Μαζί με τον Μιχαήλ Άγγελο και τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, είναι μια από τις παραδοσιακές τριάδες των μεγαλύτερων δασκάλων αυτής της περιόδου.
Έζησε μια σχετικά σύντομη ζωή, μόλις 37 ετών. Αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιούργησε έναν τεράστιο αριθμό από τα αριστουργήματά του. Μερικά από τα έργα του βρίσκονται στο Παλάτι του Βατικανού στη Ρώμη. Δεν μπορούν όλοι οι θεατές να δουν με τα μάτια τους πίνακες από καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Οι φωτογραφίες αυτών των αριστουργημάτων είναι διαθέσιμες σε όλους (μερικά από αυτά παρουσιάζονται σε αυτό το άρθρο).
Τα πιο γνωστά έργα του Ραφαήλ
Από το 1504 έως το 1507, ο Ραφαήλ δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά από Madonnas. Οι πίνακες διακρίνονται από μαγευτική ομορφιά, σοφία και ταυτόχρονα μια κάποια φωτισμένη θλίψη. Ο πιο διάσημος πίνακας του ήταν η Σιξτίνα Μαντόνα. Απεικονίζεται να πετάει στους ουρανούς και να κατεβαίνει ομαλά προς τους ανθρώπους με ένα Μωρό στην αγκαλιά της. Ήταν αυτή η κίνηση που ο καλλιτέχνης μπόρεσε να απεικονίσει πολύ επιδέξια.
Αυτό το έργο εγκωμιάστηκε πολύ από πολλούς διάσημους κριτικούς και όλοι κατέληξαν στο ίδιο συμπέρασμα ότι ήταν πραγματικά σπάνιο και ασυνήθιστο. Όλοι οι πίνακες των καλλιτεχνών της Αναγέννησης έχουν μακρά ιστορία. Έγινε όμως πιο δημοφιλής χάρη στις ατελείωτες περιπλανήσεις της, ξεκινώντας από τη στιγμή της δημιουργίας της. Έχοντας περάσει από πολυάριθμες δοκιμές, πήρε επιτέλους τη θέση που του αξίζει ανάμεσα στις εκθέσεις του Μουσείου της Δρέσδης.
Πίνακες της Αναγέννησης. Φωτογραφίες διάσημων πινάκων
Και ένας άλλος διάσημος Ιταλός ζωγράφος, γλύπτης και αρχιτέκτονας που είχε τεράστια επιρροή στην ανάπτυξη της δυτικής τέχνης είναι ο Michelangelo di Simoni. Παρά το γεγονός ότι είναι γνωστός κυρίως ως γλύπτης, υπάρχουν και όμορφα έργα της ζωγραφικής του. Και το πιο σημαντικό από αυτά είναι η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα.
Η εργασία αυτή πραγματοποιήθηκε σε τέσσερα χρόνια. Ο χώρος καταλαμβάνει περίπου πεντακόσια τετραγωνικά μέτρα και περιέχει περισσότερες από τριακόσιες φιγούρες. Στο επίκεντρο βρίσκονται εννέα επεισόδια από το βιβλίο της Γένεσης, χωρισμένα σε διάφορες ομάδες. Η δημιουργία της γης, η δημιουργία του ανθρώπου και η πτώση του. Από τους πιο διάσημους πίνακες στο ταβάνι είναι «Η Δημιουργία του Αδάμ» και «Αδάμ και Εύα».
Το εξίσου διάσημο έργο του είναι το «The Last Judgment». Κατασκευάστηκε στον τοίχο του βωμού της Καπέλα Σιξτίνα. Η τοιχογραφία απεικονίζει τη δεύτερη έλευση του Ιησού Χριστού. Εδώ ο Μιχαήλ Άγγελος αγνοεί τις τυπικές καλλιτεχνικές συμβάσεις στη ζωγραφική του Ιησού. Τον απεικόνιζε με ογκώδη μυώδη δομή σώματος, νεαρό και χωρίς γένια.
Το νόημα της θρησκείας, ή αναγεννησιακή τέχνη
Οι ιταλικοί πίνακες της Αναγέννησης έγιναν η βάση για την ανάπτυξη της δυτικής τέχνης. Πολλά από τα δημοφιλή έργα αυτής της γενιάς δημιουργών έχουν τεράστια επιρροή στους καλλιτέχνες που συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Οι μεγάλοι καλλιτέχνες εκείνης της περιόδου εστίασαν την προσοχή τους σε θρησκευτικά θέματα, δουλεύοντας συχνά με παραγγελίες από πλούσιους θαμώνες, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Πάπα.
Η θρησκεία εισχώρησε κυριολεκτικά στην καθημερινότητα των ανθρώπων αυτής της εποχής και ήταν βαθιά ριζωμένη στο μυαλό των καλλιτεχνών. Σχεδόν όλοι οι θρησκευτικοί πίνακες βρίσκονται σε μουσεία και αποθετήρια τέχνης, αλλά αναπαραγωγές έργων ζωγραφικής της Αναγέννησης, που σχετίζονται όχι μόνο με αυτό το θέμα, μπορούν να βρεθούν σε πολλά ιδρύματα και ακόμη και σε συνηθισμένα σπίτια. Ο κόσμος θα θαυμάζει ατελείωτα τα έργα διάσημων δασκάλων εκείνης της περιόδου.
Η Ιταλία είναι μια χώρα που ήταν πάντα διάσημη για τους καλλιτέχνες. Οι μεγάλοι δάσκαλοι που κάποτε έζησαν στην Ιταλία δόξασαν την τέχνη σε όλο τον κόσμο. Μπορούμε να πούμε με βεβαιότητα ότι αν δεν υπήρχαν Ιταλοί καλλιτέχνες, γλύπτες και αρχιτέκτονες, ο κόσμος σήμερα θα έμοιαζε εντελώς διαφορετικός. Φυσικά, θεωρείται το πιο σημαντικό στην ιταλική τέχνη. Η Ιταλία κατά την Αναγέννηση ή Αναγέννηση πέτυχε πρωτοφανή ανάπτυξη και ευημερία. Ταλαντούχοι καλλιτέχνες, γλύπτες, εφευρέτες, πραγματικές ιδιοφυΐες που εμφανίστηκαν εκείνες τις μέρες είναι ακόμα γνωστοί σε κάθε μαθητή. Η τέχνη, η δημιουργικότητα, οι ιδέες και οι εξελίξεις τους θεωρούνται σήμερα κλασικά, ο πυρήνας πάνω στον οποίο οικοδομείται η παγκόσμια τέχνη και πολιτισμός.
Μια από τις πιο διάσημες ιδιοφυΐες της Ιταλικής Αναγέννησης, φυσικά, είναι η μεγάλη Λεονάρντο Ντα Βίντσι(1452-1519). Ο Ντα Βίντσι ήταν τόσο προικισμένος που σημείωσε μεγάλη επιτυχία σε πολλούς τομείς, συμπεριλαμβανομένων των καλών τεχνών και της επιστήμης. Ένας άλλος διάσημος καλλιτέχνης που είναι αναγνωρισμένος δάσκαλος είναι Σάντρο Μποτιτσέλι(1445-1510). Οι πίνακες του Μποτιτσέλι είναι ένα αληθινό δώρο για την ανθρωπότητα. Σήμερα, πολλά από αυτά βρίσκονται στα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου και είναι πραγματικά ανεκτίμητα. Δεν είναι λιγότερο διάσημος από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι και τον Μποτιτσέλι Ραφαέλ Σάντι(1483-1520), ο οποίος έζησε για 38 χρόνια, και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου κατάφερε να δημιουργήσει ένα ολόκληρο στρώμα εκπληκτικής ζωγραφικής, που έγινε ένα από τα εντυπωσιακά παραδείγματα της Πρώιμης Αναγέννησης. Μια άλλη μεγάλη ιδιοφυΐα της Ιταλικής Αναγέννησης, χωρίς αμφιβολία, είναι Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Εκτός από τη ζωγραφική, ο Μιχαήλ Άγγελος ασχολήθηκε με τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική και την ποίηση και πέτυχε εξαιρετικά αποτελέσματα σε αυτά τα είδη τέχνης. Το άγαλμα του Μιχαήλ Άγγελου που ονομάζεται «David» θεωρείται ένα αξεπέραστο αριστούργημα, ένα παράδειγμα του υψηλότερου επιτεύγματος της τέχνης της γλυπτικής.
Εκτός από τους καλλιτέχνες που αναφέρθηκαν παραπάνω, οι μεγαλύτεροι καλλιτέχνες της Ιταλίας της Αναγέννησης ήταν δεξιοτέχνες όπως οι Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepuarolo και άλλοι Francesco. Όλοι τους ήταν φωτεινά δείγματα της απολαυστικής βενετσιάνικης σχολής ζωγραφικής. Οι ακόλουθοι καλλιτέχνες ανήκουν στη φλωρεντινή σχολή της ιταλικής ζωγραφικής: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolomme Αντρέα ντελ Σάρτο.
Για να απαριθμήσουμε όλους τους καλλιτέχνες που εργάστηκαν κατά την Αναγέννηση, καθώς και κατά την ύστερη Αναγέννηση, και αιώνες αργότερα, που έγιναν διάσημοι σε όλο τον κόσμο και δόξασαν την τέχνη της ζωγραφικής, ανέπτυξαν τις βασικές αρχές και νόμους που διέπουν όλους τους τύπους και τα είδη της καλές τέχνες, Ίσως χρειαστούν αρκετοί τόμοι για να γραφτούν, αλλά αυτή η λίστα είναι αρκετή για να καταλάβουμε ότι οι Μεγάλοι Ιταλοί καλλιτέχνες είναι η ίδια η τέχνη που γνωρίζουμε, που αγαπάμε και θα εκτιμούμε για πάντα!
Πίνακες ζωγραφικής μεγάλων Ιταλών καλλιτεχνών
Andrea Mantegna - Νωπογραφία στην Camera degli Sposi
Giorgione - Τρεις φιλόσοφοι
Λεονάρντο ντα Βίντσι - Μόνα Λίζα
Nicolas Poussin - Η μεγαλοψυχία του Σκιπίωνα
Paolo Veronese - Μάχη του Lepanto
Όταν κοιτάς τους πίνακες Αναγέννηση, δεν μπορεί κανείς παρά να θαυμάσει τη σαφήνεια των γραμμών, την υπέροχη χρωματική παλέτα και, κυρίως, τον απίστευτο ρεαλισμό των εικόνων που μεταφέρονται. Οι σύγχρονοι επιστήμονες έχουν από καιρό προβληματιστεί για το πώς οι δάσκαλοι εκείνης της εποχής κατάφεραν να δημιουργήσουν τέτοια αριστουργήματα, καθώς δεν υπάρχουν γραπτά στοιχεία για τις περιπλοκές και τα μυστικά της τεχνικής. Ο Άγγλος καλλιτέχνης και φωτογράφος David Hockney ισχυρίζεται ότι έχει αποκαλύψει το μυστικό των καλλιτεχνών της Αναγέννησης που ήξεραν πώς να ζωγραφίζουν «ζωντανούς» πίνακες.
Εάν συγκρίνουμε διαφορετικές χρονικές περιόδους στην ιστορία της ζωγραφικής, γίνεται σαφές ότι κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης (το γύρισμα του 14ου-15ου αιώνα), οι πίνακες «ξαφνικά» έγιναν πολύ πιο ρεαλιστικοί από πριν. Κοιτάζοντάς τους, φαίνεται ότι οι χαρακτήρες πρόκειται να αναστενάσουν και οι ηλιαχτίδες θα αστράφτουν στα αντικείμενα.
Το ερώτημα υποδηλώνεται: οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης ξαφνικά έμαθαν να σχεδιάζουν καλύτερα και οι πίνακες άρχισαν να γίνονται πιο ογκώδεις; Ο διάσημος καλλιτέχνης, γραφίστας και φωτογράφος David Hockney προσπάθησε να απαντήσει σε αυτό το ερώτημα ( Ντέιβιντ Χόκνεϊ).
Σε αυτή την έρευνα τον βοήθησε ένας πίνακας του Jan van Eyck «Πορτρέτο του ζευγαριού Αρνολφίνι». Μπορείτε να βρείτε πολλές ενδιαφέρουσες λεπτομέρειες στον καμβά, αλλά ζωγραφίστηκε το 1434. Ιδιαίτερη προσοχή τραβάει ο καθρέφτης στον τοίχο και το κηροπήγιο κάτω από την οροφή, που φαίνεται εκπληκτικά ρεαλιστικό. Ο David Hockney κατάφερε να πιάσει ένα παρόμοιο κηροπήγιο και προσπάθησε να το βάψει. Προς μεγάλη έκπληξη του καλλιτέχνη, αποδείχθηκε ότι ήταν αρκετά δύσκολο να απεικονιστεί αυτό το αντικείμενο σε προοπτική, και ακόμη και οι αντανακλάσεις του φωτός πρέπει να μεταφερθούν με τέτοιο τρόπο ώστε να είναι σαφές ότι αυτή είναι η λάμψη του μετάλλου. Παρεμπιπτόντως, πριν από την Αναγέννηση, κανείς δεν ανέλαβε το καθήκον να απεικονίσει τη λάμψη σε μια μεταλλική επιφάνεια.
Όταν το τρισδιάστατο μοντέλο του κηροπήγιου αναδημιουργήθηκε, ο Χόκνεϊ φρόντισε ο πίνακας του Βαν Άικ να το απεικόνιζε σε προοπτική με ένα μόνο σημείο φυγής. Όμως, η ατάκα ήταν ότι τον 15ο αιώνα δεν υπήρχε κάμερα obscura με φακό (μια οπτική συσκευή με την οποία μπορείτε να δημιουργήσετε μια προβολή).
Ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ αναρωτήθηκε πώς ο Βαν Άικ κατάφερε να πετύχει τέτοιο ρεαλισμό στους πίνακές του. Όμως μια μέρα παρατήρησε την εικόνα ενός καθρέφτη στον πίνακα. Ήταν κυρτό. Αξίζει να σημειωθεί ότι εκείνη την εποχή οι καθρέφτες ήταν κοίλοι, επειδή οι τεχνίτες δεν ήξεραν ακόμη πώς να «κολλήσουν» μια επένδυση από κασσίτερο στην επίπεδη επιφάνεια του γυαλιού. Για να φτιάξουν έναν καθρέφτη τον 15ο αιώνα, λιωμένο κασσίτερο χύθηκε σε μια γυάλινη φιάλη και στη συνέχεια κόπηκε η κορυφή, αφήνοντας έναν κοίλο, γυαλιστερό πυθμένα. Ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ συνειδητοποίησε ότι ο Βαν Άικ χρησιμοποιούσε έναν κοίλο καθρέφτη μέσα από τον οποίο κοίταζε για να σχεδιάσει αντικείμενα όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστικά.
Στη δεκαετία του 1500, οι τεχνίτες έμαθαν να κατασκευάζουν μεγάλους, υψηλής ποιότητας φακούς. Τοποθετήθηκαν σε μια κάμερα obscura, η οποία κατέστησε δυνατή την απόκτηση προβολής οποιουδήποτε μεγέθους. Αυτή ήταν μια πραγματική επανάσταση στη ρεαλιστική τεχνολογία εικόνας. Αλλά τα περισσότερα άτομα στους πίνακες «έγιναν» αριστερόχειρες. Το θέμα είναι ότι αντικατοπτρίζεται η άμεση προβολή του φακού όταν χρησιμοποιείτε μια κάμερα pinhole. Στον πίνακα του Pieter Gerritsz van Roestraten «Δήλωση αγάπης (The Wild Cook),» ζωγραφισμένος γύρω στο 1665-1670, όλοι οι χαρακτήρες είναι αριστερόχειρες. Ένας άντρας και μια γυναίκα κρατούν ένα ποτήρι και ένα μπουκάλι στα αριστερά τους, ο ηλικιωμένος στο βάθος τους κουνάει και το αριστερό του δάχτυλο. Ακόμη και ο πίθηκος χρησιμοποιεί το αριστερό του πόδι για να κοιτάξει κάτω από το γυναικείο φόρεμα.
Για να αποκτήσετε μια σωστή, αναλογική εικόνα, ήταν απαραίτητο να τοποθετήσετε με ακρίβεια τον καθρέφτη στον οποίο κατευθυνόταν ο φακός. Αλλά δεν ήταν όλοι οι καλλιτέχνες σε θέση να το κάνουν τέλεια, και τότε υπήρχαν λίγοι καθρέφτες υψηλής ποιότητας. Εξαιτίας αυτού, σε ορισμένους πίνακες μπορείτε να δείτε πώς δεν τηρήθηκαν οι αναλογίες: μικρά κεφάλια, μεγάλοι ώμοι ή πόδια.
Η χρήση οπτικών συσκευών από καλλιτέχνες δεν μειώνει σε καμία περίπτωση το ταλέντο τους. Χάρη στον επιτυγχανόμενο ρεαλισμό των έργων ζωγραφικής της Αναγέννησης, οι σύγχρονοι κάτοικοι γνωρίζουν πλέον πώς έμοιαζαν οι άνθρωποι και τα οικιακά αντικείμενα εκείνης της εποχής.
Οι μεσαιωνικοί καλλιτέχνες προσπάθησαν όχι μόνο να επιτύχουν ρεαλισμό στους πίνακές τους, αλλά και να κρυπτογραφήσουν ειδικά σύμβολα σε αυτούς. Ναι, το υπέροχο αριστούργημα του Τιτσιάνο
