Η ιστορία της εμφάνισης του θεάτρου στη Ρωσία. Λογοτεχνία και μουσική της αρχαίας Ρωσίας

MKOU "Βασικό Σχολείο Torbeevskaya με το όνομα A.I. Ντανίλοφ"

Περιοχή Novoduginsky, περιοχή Σμολένσκ

Η ιστορία της εμφάνισης του θεάτρου στη Ρωσία

Συμπλήρωσε: δάσκαλος δημοτικού

Smirnova A.A.

χωριό Torbeevo

2016

Παραδοσιακή τέχνη Το ρωσικό θέατρο ξεκίνησε στην αρχαιότητα στη λαϊκή τέχνη. Αυτά ήταν τελετουργίες, διακοπές. Με τον καιρό, τα τελετουργικά έχασαν το νόημά τους και μετατράπηκαν σε παιχνίδια επιδόσεων. Έδειξαν στοιχεία θεάτρου - δραματική δράση, μουρμούρα, διάλογος. Το πιο παλιό θέατρο ήταν τα παιχνίδια λαϊκών ηθοποιών - μπουμπούνων.

Μπουφόν

Το 1068, οι μπουφόν αναφέρθηκαν για πρώτη φορά στα χρονικά. Συμπίπτουν χρονικά με την εμφάνιση στους τοίχους του καθεδρικού ναού του Κιέβου-Σοφίας τοιχογραφιών που απεικονίζουν παραστάσεις βουβών. Ο χρονογράφος μοναχός αποκαλεί τους μπουφόν υπηρέτες των διαβόλων και ο καλλιτέχνης που ζωγράφισε τους τοίχους του καθεδρικού ναού θεώρησε ότι ήταν δυνατό να συμπεριλάβει την εικόνα τους σε διακοσμήσεις εκκλησιών μαζί με εικόνες.

Καθεδρικός ναός της Αγίας Σοφίας στο Κίεβο

Τοιχογραφίες στους τοίχους του καθεδρικού ναού της Αγίας Σοφίας

Ποιοι είναι οι μπουφόν;

Αυτός είναι ο ορισμός που δίνει ο συντάκτης του επεξηγηματικού λεξικού V.I. Dahl:

«Ένας μπουμπούνας, ένας λάτρης, ένας μουσικός, ένας αυλητής, ένας θαυματοποιός, ένας γκάιντας, ένας ψαλτήρι που βγάζει τα προς το ζην χορεύοντας με τραγούδια, αστεία και κόλπα, ηθοποιός, κωμικός, αστειευτής, κρυοπώλης, κλόουν, γελωτοποιός».

Μαϊντανός

Τον 17ο αιώνα αναπτύχθηκαν τα πρώτα προφορικά δράματα, απλά στην πλοκή, που αντανακλούσαν λαϊκά αισθήματα. Η κουκλοθέατρο για τον Petrushka (το όνομά του ήταν Vanka-Ratatouille στην αρχή) αφηγήθηκε τις περιπέτειες ενός έξυπνου, χαρούμενου συντρόφου που δεν φοβάται τίποτα στον κόσμο .

Δικαστικό Θέατρο

Τα σχέδια για τη δημιουργία ενός δικαστικού θεάτρου εμφανίστηκαν για πρώτη φορά με τον Τσάρο Μιχαήλ Φεντόροβιτς το 1643. Η κυβέρνηση της Μόσχας προσπάθησε να βρει καλλιτέχνες που θα συμφωνούσαν να εισέλθουν στη βασιλική υπηρεσία. Το 1644, ένας θίασος κωμικών από το Στρασβούργο έφτασε στο Pskov. Έμειναν στο Pskov για περίπου ένα μήνα, μετά τον οποίο, για άγνωστο λόγο, εκδιώχθηκαν από τη Ρωσία.

Ο Τσάρος Μιχαήλ Φεντόροβιτς Ρομάνοφ

Θέατρο Τσάρσκι Το πρώτο βασιλικό θέατρο στη Ρωσία ανήκε στον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς και υπήρχε από το 1672 έως το 1676. Η αρχή του συνδέεται με το όνομα του βογιάρ Artamon Matveev. Ο Artamon Sergeevich διέταξε τον πάστορα του γερμανικού οικισμού, Johann Gottfried Gregory, ο οποίος ζούσε στη Μόσχα, να αρχίσει να στρατολογεί έναν θίασο ηθοποιών.

Τσάρος Αλεξέι Μιχαήλοβιτς

Αρταμόν Ματβέεφ

Ο πάστορας στρατολόγησε 64 νεαρούς άνδρες και έφηβους και άρχισε να τους διδάσκει δεξιότητες υποκριτικής.Συνέθεσε ένα θεατρικό έργο βασισμένο σε μια βιβλική ιστορία. Ήταν γραμμένο στα γερμανικά, αλλά η παράσταση παίχτηκε στα ρωσικά. Στις 17 Οκτωβρίου 1672 έγιναν τα εγκαίνια του πολυαναμενόμενου θεάτρου στην κατοικία του Τσάρου κοντά στη Μόσχα και η πρώτη θεατρική παράσταση.

Διασκεδαστικό Επιμελητήριο

Το Θέατρο του Τσάρου ως κτήριο ονομαζόταν Λούναχα Θάλαμος.

Σχολικό θέατρο

Τον 17ο αιώνα, ένα σχολικό θέατρο εμφανίστηκε στη Ρωσία στη Σλαβοελληνο-Λατινική Ακαδημία. Τα έργα γράφτηκαν από δασκάλους και οι μαθητές ανέβαζαν ιστορικές τραγωδίες, δράματα και σατιρικές καθημερινές σκηνές. Τα σατιρικά σκετς από το σχολικό θέατρο έθεσαν τα θεμέλια για το είδος της κωμωδίας στο εθνικό δράμα. Οι απαρχές του σχολικού θεάτρου ήταν η διάσημη πολιτική προσωπικότητα και θεατρικός συγγραφέας Συμεών Πολότσκι.

Συμεών του Πολότσκ

Θέατρα φρουρίων

Και στα τέλη του 17ου αιώνα εμφανίστηκαν τα πρώτα δουλοπάροικα θέατρα. Τα δουλοπάροικα θέατρα συνέβαλαν στην εμφάνιση των γυναικών στη σκηνή. Ανάμεσα στις εξαιρετικές Ρωσίδες δουλοπάροικες ηθοποιούς είναι μια που έλαμψε στο Θέατρο Sheremetev Counts Praskovya Zhemchugova-Kovalyova. Το ρεπερτόριο των δουλοπάροικων θεάτρων αποτελούνταν από έργα Ευρωπαίων συγγραφέων, κυρίως Γάλλων και Ιταλών.

Κόμης Σερεμέτεφ

Praskovya Zhemchugova-Kovalyova

Φρούριο Θέατρο του Κόμη Sheremetev

Κτήριο οικιακού κινηματογράφου

Σερεμέτεβς

Κοστούμια ηθοποιών

χώροι θεάτρου

Πότε εμφανίστηκε το θέατρο στην πόλη Σμολένσκ;

1) το 1708

2) το 1780

3) το 1870

4) το 1807

Το 1780 για να φτάσει Αικατερίνη Β' συνοδεύεται από Αυτοκράτορας Ιωσήφ Β' , ο κυβερνήτης της πόλης, πρίγκιπας N.V. Repnin, ετοίμασε μια «όπερα», όπου «μια ρωσική κωμωδία με μια χορωδία» παρουσιάστηκε σε ευγενείς και των δύο φύλων.

N. V. Repnin

Αικατερίνη II

Ο αυτοκράτορας Ιωσήφ II

Από ποιον όνομα πήρε το Δραματικό Θέατρο του Σμολένσκ;

1) Α.Σ. Πούσκιν;

2) F.M. Ντοστογιέφσκι;

3) Λ.Ν. Τολστόι;

4) Α.Σ. Γκριμποέντοβα;

Ποιο θέατρο δεν είναι στο Σμολένσκ;

Θέατρο Δωματίου

Κουκλοθέατρο

Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου

Δεν υπάρχει θέατρο όπερας και μπαλέτου στο Σμολένσκ, υπάρχει μια Φιλαρμονική με το όνομα M.I. Γκλίνκα

Το όνομά της από την Περιφερειακή Φιλαρμονική του Σμολένσκ. ΜΙ. Γκλίνκα

Μέγαρο Μουσικής Φιλαρμονική του Σμολένσκ

Μαθητής της 10ης τάξης του γυμνασίου Νο. 15 στο Sergiev Posad Zakharova Vsevolod 1) Η εμφάνιση του επαγγελματικού θεάτρου 2) Αρχαία ρωσική μουσική κουλτούρα 3) Πηγές πληροφοριών 1) Αποκαλύψτε τα χαρακτηριστικά της εμφάνισης του επαγγελματικού θεάτρου στη Ρωσία, 2) Αποκαλύψτε τα χαρακτηριστικά της διαμόρφωσης του μουσικού πολιτισμού από την αρχαία Ρωσία έως τη Ρωσία, 3) Συμβάλετε στη διαμόρφωση της πνευματικής κουλτούρας των μαθητών, του ενδιαφέροντος και του σεβασμού για τον πολιτισμό της χώρας μας. ΤΣΑΡ ΑΛΕΞΕΪ ΜΙΧΑΪΛΟΒΙΤΣ Τα θεμέλια του επαγγελματικού ρωσικού θεάτρου τέθηκαν στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα. Η προέλευσή του συνήθως αποδίδεται στο 1672, όταν ο Τσάρος Αλεξέι Μιχαήλοβιτς, διώκτης της λαϊκής «διασκέδασης» και μεγάλος λάτρης των υπέροχων παραστάσεων και της διασκέδασης, παρουσιάστηκε με την πρώτη παράσταση του αυλικού θεάτρου. Ο εμπνευστής της δημιουργίας ενός θεάτρου παρόμοιου με το ευρωπαϊκό ήταν ο φωτισμένος βογιάρος Artamon Sergeevich Matveev. Ο Γερμανός πάστορας της Λουθηρανικής Εκκλησίας στη Μόσχα, Γιόχαν Γκότφριντ Γκρέγκορι, ένας άνθρωπος με μεγάλη μόρφωση, λογοτεχνικά προικισμένος και με τις απαραίτητες γνώσεις στον τομέα του γερμανικού και ολλανδικού θεάτρου, διορίστηκε θεατρικός συγγραφέας. Το θέατρο χτίστηκε βιαστικά στην κατοικία του Τσάρου κοντά στη Μόσχα, στο χωριό Preobrazhenskoye. Το αμφιθέατρο του «κωμικού αρχοντικού», που βρισκόταν σαν αμφιθέατρο, ήταν μικρότερο σε μέγεθος από τη σκηνή, αλλά ήταν πλούσια διακοσμημένο: οι τοίχοι και το δάπεδο ήταν επενδυμένα με βυσσινί, κόκκινο και πράσινο ύφασμα· το βασιλικό κάθισμα, που βρισκόταν μπροστά από το ξύλινα παγκάκια, ήταν επενδεδυμένα με κόκκινο ύφασμα, πάνω στα οποία, σύμφωνα με τους θεατές καθόντουσαν σύμφωνα με τη «βαθμίδα και την κατάταξή τους», κάποιοι από αυτούς στέκονταν στη σκηνή. Για τη βασίλισσα και τις πριγκίπισσες, τακτοποιήθηκαν ειδικά κουτιά - "κλουβιά", σύμφωνα με την παράδοση, χωρισμένα από το αμφιθέατρο με ένα πλέγμα. Η πρώτη παράσταση στη σκηνή του «κωμικού αρχοντικού» ήταν το έργο «Εσθήρ, ή η πράξη του Αρταξέρξη». Η πλοκή του έργου βασίστηκε στη βιβλική ιστορία της Εσθήρ, μιας ταπεινής ομορφιάς που τράβηξε την προσοχή του Πέρση βασιλιά Αρταξέρξη και έσωσε τον λαό της από το θάνατο με το να γίνει γυναίκα του. Η παράσταση κράτησε δέκα ώρες, αλλά ο βασιλιάς τα παρακολούθησε όλα μέχρι το τέλος και έμεινε πολύ ευχαριστημένος. Στην «αίθουσα της κωμωδίας» ανέβηκαν ακόμη δέκα έργα: «Ιουδίθ», «Ελευθερή κωμωδία για τον Αδάμ και την Εύα», «Ιωσήφ» και άλλα, με θρησκευτικά και ιστορικά θέματα. Οι παραστάσεις της αυλής ανέβηκαν σε μεγάλη κλίμακα και πολυτέλεια, καθώς υποτίθεται ότι αντανακλούσαν τη μεγαλοπρέπεια και τον πλούτο της βασιλικής αυλής. Τα κοστούμια ήταν φτιαγμένα από ακριβά υφάσματα. Η μουσική, το τραγούδι και ο χορός χρησιμοποιήθηκαν ευρέως στις παραστάσεις. Συχνά ακούγονταν το όργανο, οι τρομπέτες και άλλα όργανα. Κάθε παράσταση είχε σκηνικά ανύψωσης και παράπλευρες σκηνές. Εφαρμόστηκαν διάφορα εφέ χρησιμοποιώντας τεχνολογία σκηνής. Οι πρώτοι ερμηνευτές των έργων του αυλικού θεάτρου ήταν κυρίως ηθοποιοί από τον γερμανικό οικισμό και μόνο άνδρες. Στα τέλη του 17ου αιώνα, η «κρατική διασκέδαση» αντικαταστάθηκε από ένα σχολικό θέατρο (που οργανώθηκε σε κάποιο εκπαιδευτικό ίδρυμα), βασισμένο στην πλούσια εμπειρία των θεάτρων στην Πολωνία και την Ουκρανία. Η προέλευσή του συνδέθηκε με το όνομα ενός μαθητή της Ακαδημίας Κιέβου-Μοχύλα, εκπαιδευτικού, ποιητή και θεατρικού συγγραφέα Συμεών του Πόλοτσκ. Έγραψε δύο έργα ειδικά για το σχολικό θέατρο - «Η Κωμωδία της Παραβολής του Ασώτου» και «Σχετικά με τον Βασιλιά Νεχαδνόσορα, για το Χρυσό Σώμα και για τους Τρεις Νέους που δεν Κάηκαν στο Σπήλαιο». Τα αυλικά και σχολικά θέατρα του 17ου αιώνα έθεσαν τα θεμέλια για την ανάπτυξη της θεατρικής τέχνης στη Ρωσία και προκαθόρισαν σε μεγάλο βαθμό το μέλλον της. Οι απαρχές του αρχαίου ρωσικού μουσικού πολιτισμού ανάγονται στις παγανιστικές παραδόσεις των Ανατολικών Σλάβων, οι οποίες αναπτύχθηκαν πολύ πριν από την υιοθέτηση του Χριστιανισμού. Τα μουσικά όργανα της Αρχαίας Ρωσίας ήταν αρκετά διαφορετικά. Η άρπα, τα ρουθούνια, οι πίπες και το φλάουτο χρησιμοποιούνταν ευρέως. Το gusli, το αρχαιότερο έγχορδο όργανο, ήταν ιδιαίτερα σεβαστό στη Ρωσία, που αναφέρεται τον 10ο αιώνα στο Tale of Bygone Years. Από καιρό πιστεύεται ότι η άρπα είναι παρόμοια με την ανθρώπινη ψυχή και το κουδούνισμα της διώχνει τον θάνατο και την αρρώστια. Λαϊκοί αφηγητές και ήρωες έπαιξαν το gusli: ο προφητικός Μπόγιαν στο «The Tale of Igor's Campaign», οι επικοί ήρωες Volga και Dobrynya Nikitich στο Κίεβο, ο Sadko στο Novgorod. Καθώς η Dobrynya παίρνει στα λευκά της χέρια αυτά τα κουδουνίσια χηνάρια, τα τραβάει σε χρυσές χορδές, Ένας εβραϊκός στίχος αρχίζει να παίζει με θλιβερό τρόπο, Με θλιβερό και συγκινητικό τρόπο. Στη γιορτή, όλοι έγιναν στοχαστικοί, στοχαστικοί και άκουσε. Ο Dobrynya άρχισε να παίζει με χαρούμενο τρόπο, Ξεκίνησε ένα παιχνίδι από το Erusolim, Ένα άλλο παιχνίδι από το Tsar-grad, Ένα τρίτο από την πρωτεύουσα του Κιέβου - Έφερε όλους στη διασκέδαση στη γιορτή. Κατά τη διάρκεια των στρατιωτικών εκστρατειών χρησιμοποιήθηκαν κρουστά και πνευστά όργανα: τύμπανα, ντέφια, τρομπέτες, κουδουνίστρες. Διατήρησαν το ηθικό των στρατιωτών κατά τη διάρκεια των μαχών, ανακούφισαν το συναισθηματικό στρες και ενστάλαξαν την εμπιστοσύνη στη νίκη. Η υιοθέτηση του Χριστιανισμού δεν μπόρεσε να αλλάξει εντελώς τον παραδοσιακό τρόπο ζωής των ανθρώπων και τις μουσικές του προτιμήσεις. Με τη βάπτιση από το Βυζάντιο σε ρωσικό έδαφος μεταφέρθηκαν πολλές καλλιτεχνικές αρχές, δανείστηκε ο κανόνας και το σύστημα των ειδών. Εδώ αναθεωρήθηκαν δημιουργικά και επαναδιατυπώθηκαν, γεγονός που κατέστησε στη συνέχεια δυνατή τη διαμόρφωση πρωτότυπων εθνικών παραδόσεων. Η εκκλησιαστική μουσική στην Αρχαία Ρωσία υπήρχε με τη μορφή χορωδιακού τραγουδιού χωρίς τη συνοδεία οργάνων. Τα μουσικά όργανα ήταν απαγορευμένα στην Ορθόδοξη Εκκλησία. Επιπλέον, η ενόργανη μουσική θεωρούνταν αμαρτωλή και δαιμονική. Αυτή η αντίθεση είχε πνευματικό νόημα. Εκείνες τις μέρες, πίστευαν ότι μόνο το αγγελικό τραγούδι έπρεπε να ακούγεται σε μια Ορθόδοξη εκκλησία, η οποία είναι ηχώ της ουράνιας μουσικής. Ένα τέτοιο τραγούδι ενσάρκωνε το ιδανικό της ομορφιάς και έδινε στους ανθρώπους ένα αίσθημα χάρης, εξαγνισμού, παρηγοριάς και τους δίδασκε να αγαπούν τον Θεό και τους πλησίον τους. Η μόνη εξαίρεση ήταν η τέχνη του κουδουνιού, η οποία αναπτύχθηκε με διάφορες μορφές απλού κουδουνίσματος, κουδουνίσματος, τρεζβόν κ.λπ. Αρκετές καμπάνες με διαφορετικούς τόνους σχημάτισαν ένα καμπαναριό, το οποίο επέτρεπε την εκτέλεση ολόκληρων μουσικών έργων. Το εκκλησιαστικό τραγούδι χρησίμευσε ως παράδειγμα του υψηλότερου επαγγελματισμού, που ενσωματώθηκε σε ποικίλες μορφές σε ένα πρακτικό και θεωρητικό σύστημα, το οποίο ονομαζόταν σύστημα osmoglas, δηλαδή εναλλασσόμενες ομάδες μελωδιών σε περιόδους οκτώ εβδομάδων. Εκείνη την εποχή, η δημοτική μουσική περνούσε παραδοσιακά από γενιά σε γενιά προφορικά, «από στόμα σε στόμα». Η καλτ μουσική σε αυτή την εποχή ηχογραφήθηκε με ειδικές πινακίδες που ονομάζονταν πανό, από τις οποίες τα πιο συνηθισμένα ήταν τα αγκίστρια. Ως εκ τούτου, τα αρχαία μουσικά χειρόγραφα ονομάζονταν znamenny, ή άγκιστρο. Τον 17ο αιώνα, η μουσική κουλτούρα στη Ρωσία, ειδικά η χορωδιακή κουλτούρα, έφτασε σε πολύ υψηλό επίπεδο. Αυτή ήταν μια εποχή που, μαζί με τα παραδοσιακά είδη μουσικής τέχνης, γεννήθηκαν νέες μορφές και είδη. Πριν από αυτό, η χορωδιακή μουσική ήταν μονοφωνική. Τώρα έχει αντικατασταθεί από την πολυφωνία. Και οι γάντζοι αντικαταστάθηκαν από μουσική σημειογραφία και προέκυψε το στυλ του τραγουδιού των partes. Έτσι λεγόταν τότε το τραγούδι από τις νότες των καντ και των χορωδιακών συναυλιών. Αυτές οι συναυλίες ήταν ένα σημαντικό μεταβατικό βήμα από την εκκλησιαστική στην κοσμική επαγγελματική μουσική. Η μουσική κουλτούρα της Αρχαίας Ρωσίας ήταν το στέρεο θεμέλιο πάνω στο οποίο αναπτύχθηκε στη συνέχεια ένα όμορφο κτίριο, το οποίο έθεσε τα θεμέλια για την ανάπτυξη της επαγγελματικής δημιουργικότητας. Τα καλύτερα δείγματα της αρχαίας ρωσικής μουσικής έχουν γίνει δικαίως το πολυτιμότερο αγαθό της ρωσικής μουσικής κουλτούρας. http://images.yandex.ru/, http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi, http://vkontakte.ru/id47570217#/search?c%5Bsection%5D=audio, http://www.youtube.com/, Παγκόσμιος καλλιτεχνικός πολιτισμός. Από τις απαρχές έως τον 17ο αιώνα. 10 βαθμοί Βασικό επίπεδο: εγχειρίδιο για εκπαιδευτικά ιδρύματα / G.I. Danilova. – 7η έκδ., αναθεωρημένη. – M.: Bustard, 2009

Η ρωσική θεατρική δημιουργικότητα ξεκίνησε στην εποχή του πρωτόγονου κοινοτικού συστήματος και, σε μεγαλύτερο βαθμό από τη ζωγραφική και την αρχιτεκτονική, συνδέεται με τη λαϊκή τέχνη. Το έδαφος στο οποίο εμφανίστηκαν τα αρχικά του στοιχεία ήταν η παραγωγική δραστηριότητα των Σλάβων, οι οποίοι, σε λαϊκές τελετουργίες και γιορτές, το μετέτρεψαν σε ένα περίπλοκο σύστημα δραματικής τέχνης.

Το λαογραφικό θέατρο υπάρχει ακόμα στις σλαβικές χώρες. Οι γάμοι, οι κηδείες, οι αγροτικές διακοπές είναι σύνθετες τελετουργίες, μερικές φορές που διαρκούν αρκετές ημέρες και χρησιμοποιούν ευρέως θεατρικά στοιχεία όπως δραματική δράση, τραγούδι, χορός, κοστούμια, σκηνικά (ντύσιμο του προξενητή, της νύφης, στρογγυλοί χοροί, τελετουργικά ή ψυχαγωγικά παιχνίδια κ.λπ.) . Οι αρχαίοι Σλάβοι αντανακλούσαν επίσης το φεστιβάλ της ανάστασης της νεκρής φύσης, χαρακτηριστικό του παγκόσμιου παγανισμού.

Μετά την υιοθέτηση του Χριστιανισμού, ο ρόλος των λαϊκών παιχνιδιών στη ζωή της κοινωνίας μειώθηκε σημαντικά (η εκκλησία καταδίωξε τον παγανισμό). Η θεατρική λαϊκή τέχνη ωστόσο συνέχισε να ζει μέχρι τον 20ο αιώνα. Στην αρχή, οι φορείς του ήταν μπουφόν. Στους λαϊκούς αγώνες, παίζονταν δημοφιλή «παιχνίδια μαμάς» και παραστάσεις «νεκρών» με τη «μαθημένη αρκούδα». Το Λαϊκό Θέατρο έδωσε το Θέατρο Petrushka.

Αγαπημένα κουκλοθέατρα στη Ρωσία ήταν οι σκηνές της γέννησης, αργότερα η rayka (Ουκρανία) και στα νότια και δυτικά - batleykas (Λευκορωσία). Αυτές οι παραστάσεις δόθηκαν χρησιμοποιώντας ένα ξύλινο κουτί χωρισμένο σε πάνω και κάτω επίπεδα. Στον τελευταίο όροφο παίχτηκε ένα σοβαρό μέρος της παράστασης με θέμα τη βιβλική ιστορία της γέννησης του Χριστού και του βασιλιά Ηρώδη. Στον κάτω όροφο έδειχναν καθημερινές κωμικές και σατιρικές σκηνές, σαν το θέατρο Petrushka. Σταδιακά, το σοβαρό μέρος της σκηνής της φάτνης μειώθηκε και το δεύτερο μέρος μεγάλωσε, συμπληρωμένο από νέες κωμικές σκηνές και, το κιβώτιο της γέννησης άλλαξε από δύο επιπέδων σε μονοβάθμιο.

Μέχρι τον 17ο αιώνα στη Ρωσία, η θεατρικότητα ήταν ένα οργανικό συστατικό των λαϊκών τελετουργιών, των ημερολογιακών εορτών και των σκηνοθετημένων στρογγυλών χορών. Τα στοιχεία του συμπεριλήφθηκαν στην εκκλησιαστική λειτουργία και ήταν εδώ που, καθώς η κοσμική αρχή εντάθηκε στη ρωσική κοινωνία, άρχισε να διαμορφώνεται ένα επαγγελματικό θέατρο.

Αρχικά προέκυψαν λειτουργικές ενέργειες. Πρόκειται για αρκετά περίπλοκες θεατρικές παραστάσεις που χρησιμοποιούνται για να ενισχύσουν τον αντίκτυπο της εκκλησιαστικής λειτουργίας και να εξυμνήσουν την ενότητα της εξουσίας του κράτους και της εκκλησίας. Η «πράξη των σπηλαίων» (αναπαράσταση της σφαγής των χριστιανών από τον βασιλιά Ναβουχοδονόσορ) και η «ιππασία ενός γάιδαρου» (αναπαράσταση της πλοκής της Βίβλου την Κυριακή των Βαΐων) είναι γνωστά.

Τα αυλικά και σχολικά θέατρα του 17ου αιώνα συνέβαλαν στην περαιτέρω ανάπτυξη του θεάτρου στη Ρωσία. Ακόμη και υπό τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς, οι δικαστικοί εορτασμοί, οι δεξιώσεις και οι τελετές άρχισαν να διακοσμούνται με μεγάλη θεατρικότητα - εκφραστικά και υπέροχα. Το πρώτο ρωσικό επαγγελματικό θέατρο, το Comedy Temple, ήταν ένα δικαστικό θέατρο και ήταν ένα από τα ρυθμιζόμενα «διασκεδαστικά σόου» του τσάρου. Επικεφαλής της ήταν το 1662 ο Ι. Γρηγόριος, δάσκαλος θεολογίας, πάστορας και επικεφαλής της σχολής της εκκλησίας των Λουθηρανών αξιωματικών στον γερμανικό οικισμό της Μόσχας. Το ίδιο το κτίριο άνοιξε το 1672 στο χωριό Preobrazhenskoye με την παράσταση «Artaxerxes’ Action».

Η εμφάνιση του σχολικού θεάτρου στη Ρωσία συνδέεται με την ανάπτυξη της σχολικής εκπαίδευσης. Στη Δυτική Ευρώπη, προέκυψε τον 12ο αιώνα στα ανθρωπιστικά σχολεία ως ένα είδος παιδαγωγικής τεχνικής και αρχικά εξυπηρετούσε μόνο εκπαιδευτικούς σκοπούς. Βοήθησε τους μαθητές να κατακτήσουν διάφορες γνώσεις με τη μορφή παιχνιδιού: τη λατινική γλώσσα και βιβλικές ιστορίες, ποίηση και ρητορική. Τον 16ο αιώνα, οι δυνατότητες του πνευματικού αντίκτυπου του σχολικού θεάτρου άρχισαν να χρησιμοποιούνται για θρησκευτικούς και πολιτικούς σκοπούς: ο Λούθηρος στον αγώνα κατά των Καθολικών, των Ιησουιτών - κατά του Λουθηρανισμού και της Ορθοδοξίας. Στη Ρωσία, σχολείο το θέατρο χρησιμοποιήθηκε από την Ορθοδοξία στον αγώνα κατά της ρωμαιοκαθολικής επιρροής. Την καταγωγή του διευκόλυνε ο μοναχός, απόφοιτος της Ακαδημίας Κιέβου-Μοχύλα, μορφωμένος, πολιτικός, παιδαγωγός και ποιητής Συμεών του Πολότσκ. Το 1664 ήρθε στη Μόσχα και έγινε δάσκαλος των βασιλικών παιδιών στην αυλή. Στη συλλογή των έργων του "Ρυθμολόγιο" δημοσιεύθηκαν δύο έργα - "Η Κωμωδία για τον Βασιλιά Novhudonosor, για το Χρυσό Σώμα και για τους Τρεις Νέους που δεν κάηκαν στο Σπήλαιο" και η κωμωδία "Η Παραβολή του Ασώτου".

Τα έργα του Σ. Πόλοτσκι, από τη φύση τους, προορίζονται για το δικαστικό θέατρο. Στα πλεονεκτήματα τους, στέκονται πάνω από τα σχολικά έργα της εποχής εκείνης και προσδοκούν την ανάπτυξη του θεάτρου του 18ου αιώνα. Έτσι, η λειτουργία του «ναού της κωμωδίας» και η εμφάνιση των πρώτων επαγγελματικών δραματικών έργων του S. Polotsky ήταν η αρχή μιας ιστορικά αναγκαίας και φυσικής διαδικασίας κατάκτησης των επιτευγμάτων του παγκόσμιου θεατρικού πολιτισμού στη Ρωσία.

Ο Συμεών του Πολότσκ δεν ήταν μόνο ταλαντούχος ποιητής και θεατρικός συγγραφέας. Στον παγκόσμιο καλλιτεχνικό πολιτισμό, έπαιξε σημαντικό ρόλο ως ο μεγαλύτερος σλάβος θεωρητικός της τέχνης, λαμβάνοντας υπόψη τα προβλήματα της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας - λογοτεχνία, μουσική, ζωγραφική. Ως θεολόγος, σημείωσε ότι η τέχνη αντιπροσωπεύει την υψηλότερη πνευματική δημιουργικότητα. Περιλάμβανε ποίηση, μουσική και ζωγραφική.

Οι αισθητικές και εκπαιδευτικές απόψεις του S. Polotsky για την τέχνη είναι ενδιαφέρουσες. Ο μοναχός υποστήριξε ότι η τέχνη της ομορφιάς «έχει πνευματικά και πνευματικά οφέλη για τους ανθρώπους». Σύμφωνα με το σκεπτικό του, δεν υπάρχει ποίηση, ζωγραφική, μουσική χωρίς αρμονία, αναλογία και ρυθμό. Χωρίς τέχνη δεν υπάρχει παιδεία, αφού μέσω της επιρροής της στις ψυχές των ανθρώπων τα αρνητικά συναισθήματα αντικαθίστανται από θετικά συναισθήματα. Μέσα από την ομορφιά της μουσικής και των λέξεων, οι δυσαρεστημένοι γίνονται υπομονετικοί, οι τεμπέληδες γίνονται σκληρά εργαζόμενοι, οι ανόητοι γίνονται έξυπνοι, οι βρώμικες γίνονται καθαροί στην καρδιά.

Ο S. Polotsky δημιούργησε την πρώτη ταξινόμηση των καλών τεχνών στη σλαβική περιοχή, ανεβάζοντας τη ζωγραφική στις Επτά Ελεύθερες Τέχνες. Το ίδιο ισχύει και για τη μουσική. Τεκμηρίωσε την αισθητική του αξία και απέδειξε την αναγκαιότητα για την εκκλησία του πολυφωνικού τραγουδιού σε έναν αρμονικό συνδυασμό φωνών. Η τροπική-τονική ποικιλία της μουσικής, σημείωσε ο S. Polotsky, υπαγορεύεται από την εκπαιδευτική λειτουργία της.

blog.site, κατά την πλήρη ή μερική αντιγραφή υλικού, απαιτείται σύνδεσμος στην αρχική πηγή.

Η ιστορία του ρωσικού θεάτρου

Εισαγωγή

Η ιστορία του ρωσικού θεάτρου χωρίζεται σε πολλές κύριες σκηνές. Η αρχική, παιχνιδιάρικη σκηνή ξεκινά από την κοινωνία των φυλών και τελειώνει τον 17ο αιώνα, όταν, μαζί με μια νέα περίοδο της ρωσικής ιστορίας, ξεκινά ένα νέο, πιο ώριμο στάδιο στην ανάπτυξη του θεάτρου, με αποκορύφωμα την ίδρυση ενός μόνιμου κρατικού επαγγελματία. θέατρο το 1756.

Οι όροι «θέατρο» και «δράμα» εισήλθαν στο ρωσικό λεξικό μόλις τον 18ο αιώνα. Στα τέλη του 17ου αιώνα, χρησιμοποιήθηκε ο όρος «κωμωδία» και σε όλη τη διάρκεια του αιώνα «διασκέδαση» (Poteshny Chulan, Διασκεδαστικό Επιμελητήριο). Μεταξύ των μαζών, του όρου «θέατρο» προηγήθηκε ο όρος «ντροπή», ο όρος «δράμα» - «παιχνίδι», «παιχνίδι». Στον ρωσικό Μεσαίωνα, οι ορισμοί που ήταν συνώνυμοι με αυτούς ήταν συνηθισμένοι - «δαιμονικά» ή «σατανικά» παιχνίδια μπουφούν. Κάθε είδους θαύματα που έφεραν οι ξένοι τον 16ο – 17ο αιώνα, καθώς και τα πυροτεχνήματα, ονομάζονταν επίσης διασκέδαση. Διασκέδαση ονομάζονταν και οι στρατιωτικές δραστηριότητες του νεαρού Τσάρου Πέτρου Α. Ο όρος «παιχνίδι» είναι κοντά στον όρο «παιχνίδι» («παιχνίδια μπουφών», «παιχνίδια γιορτής»). Υπό αυτή την έννοια, τόσο οι γάμοι όσο και οι μαμάδες ονομάζονταν «παιχνίδι», «παιχνίδια». Το «παιχνίδι» έχει τελείως διαφορετική σημασία σε σχέση με τα μουσικά όργανα: παίζοντας ντέφι, σνιφλ κ.λπ. Οι όροι «παιχνίδι» και «παιχνίδι» όπως ισχύουν για το προφορικό δράμα διατηρήθηκαν μεταξύ των ανθρώπων μέχρι τον 19ο – 20ό αιώνα.

Παραδοσιακή τέχνη

Το ρωσικό θέατρο ξεκίνησε στην αρχαιότητα. Οι ρίζες του ανάγονται στη λαϊκή τέχνη - τελετουργίες, διακοπές που συνδέονται με την εργασία. Με τον καιρό, οι τελετουργίες έχασαν το μαγικό τους νόημα και μετατράπηκαν σε παιχνίδια επιδόσεων. Στοιχεία του θεάτρου γεννήθηκαν μέσα τους - δραματική δράση, υποκριτική, διάλογος. Στη συνέχεια, τα πιο απλά παιχνίδια μετατράπηκαν σε λαϊκά δράματα. δημιουργήθηκαν στη διαδικασία της συλλογικής δημιουργικότητας και αποθηκεύτηκαν στη μνήμη των ανθρώπων, περνώντας από γενιά σε γενιά.

Στη διαδικασία της ανάπτυξής τους, τα παιχνίδια διαφοροποιήθηκαν, χωρίζοντας σε συναφείς και ταυτόχρονα ποικιλίες που απομακρύνονται όλο και περισσότερο το ένα από το άλλο - σε δράματα, τελετουργίες, παιχνίδια. Το μόνο που τους έφερε κοντά ήταν ότι όλοι αντανακλούσαν την πραγματικότητα και χρησιμοποιούσαν παρόμοιες μεθόδους εκφραστικότητας - διάλογο, τραγούδι, χορό, μουσική, μεταμφίεση, υποκριτική, υποκριτική.

Τα παιχνίδια ενστάλαξαν μια γεύση για δραματική δημιουργικότητα.

Τα παιχνίδια ήταν αρχικά μια άμεση αντανάκλαση της οργάνωσης της κοινότητας της φυλής: είχαν έναν στρογγυλό χορό, χορωδιακό χαρακτήρα. Στα παιχνίδια στρογγυλού χορού, η χορωδιακή και η δραματική δημιουργικότητα συγχωνεύτηκαν οργανικά. Τα τραγούδια και οι διάλογοι που περιλαμβάνονταν άφθονα στα παιχνίδια βοήθησαν να χαρακτηριστούν οι εικόνες των παιχνιδιών. Οι μαζικές εορταστικές εκδηλώσεις είχαν επίσης έναν παιχνιδιάρικο χαρακτήρα· είχαν χρονομετρηθεί να συμπίπτουν με την άνοιξη και ονομάζονταν «Ρωσαλία». Τον 15ο αιώνα, το περιεχόμενο της έννοιας της «Ρωσαλίας» ορίστηκε ως εξής: δαίμονες σε ανθρώπινη μορφή. Και το «Αζμπουκόβνικ» της Μόσχας του 1694 ορίζει ήδη τη Ρωσαλία ως «παιχνίδια μπουφόν».

Η θεατρική τέχνη των λαών της Πατρίδας μας πηγάζει από τελετουργίες και παιχνίδια, τελετουργικές δράσεις. Στη φεουδαρχία, η θεατρική τέχνη καλλιεργούνταν αφενός από τις «λαϊκές μάζες» και αφετέρου από τους φεουδαρχικούς ευγενείς και ανάλογα διαφοροποιήθηκαν οι μπουφόν.

Το 957, η Μεγάλη Δούκισσα Όλγα γνώρισε το θέατρο στην Κωνσταντινούπολη. Οι τοιχογραφίες του καθεδρικού ναού της Αγίας Σοφίας του Κιέβου του τελευταίου τρίτου του 11ου αιώνα απεικονίζουν παραστάσεις ιπποδρόμου. Το 1068, οι μπουφόν αναφέρθηκαν για πρώτη φορά στα χρονικά.

Το Kievan Rus ήταν γνωστό για τρεις τύπους θεάτρων: δικαστήριο, εκκλησία και λαϊκό.

Βωμολοχίες

Το πιο παλιό «θέατρο» ήταν τα παιχνίδια λαϊκών ηθοποιών - μπουφούνων. Ο μπουφονισμός είναι ένα σύνθετο φαινόμενο. Οι μάγοι θεωρούνταν ένα είδος μάγων, αλλά αυτό είναι εσφαλμένο, γιατί οι μπουφόν, συμμετέχοντας στις τελετουργίες, όχι μόνο δεν ενίσχυαν τον θρησκευτικό-μαγικό τους χαρακτήρα, αλλά, αντίθετα, εισήγαγαν κοσμικό, κοσμικό περιεχόμενο.

Ο καθένας θα μπορούσε να κάνει ένα αστείο, δηλαδή να τραγουδήσει, να χορέψει, να αστειευτεί, να παίξει σκετς, να παίξει μουσικά όργανα και να παίξει, δηλαδή να απεικονίσει κάποιο είδος ανθρώπου ή πλάσματος. Αλλά μόνο εκείνοι των οποίων η τέχνη ξεχώριζε πάνω από το επίπεδο της τέχνης των μαζών για την καλλιτεχνία της έγιναν και ονομάστηκαν επιδέξιοι μπουφούνι.

Παράλληλα με το λαϊκό θέατρο αναπτύχθηκε και η επαγγελματική θεατρική τέχνη, φορείς της οποίας στην Αρχαία Ρωσία ήταν μπουμπούνες. Η εμφάνιση του κουκλοθεάτρου στη Ρωσία συνδέεται με παιχνίδια κουκλοθέατρου. Οι πρώτες πληροφορίες για το χρονικό για τους μπουφόν συμπίπτουν με την εμφάνιση στους τοίχους του καθεδρικού ναού του Κιέβου-Σοφίας τοιχογραφιών που απεικονίζουν παραστάσεις βουβών. Ο χρονογράφος μοναχός αποκαλεί τους μπουφόν υπηρέτες των διαβόλων και ο καλλιτέχνης που ζωγράφισε τους τοίχους του καθεδρικού ναού θεώρησε ότι ήταν δυνατό να συμπεριλάβει την εικόνα τους σε διακοσμήσεις εκκλησιών μαζί με εικόνες. Οι μπουφόν συνδέονταν με τις μάζες και ένας από τους τύπους τέχνης τους ήταν η «γκλουμ», δηλαδή η σάτιρα. Οι Skomorokh ονομάζονται «χλευαστές», δηλαδή χλευαστές. Η κοροϊδία, η κοροϊδία, η σάτιρα θα συνεχίσουν να συνδέονται σταθερά με τους μπουφόν.

Η κοσμική τέχνη των μπουφούνων ήταν εχθρική προς την εκκλησία και την κληρική ιδεολογία. Το μίσος που έτρεφε ο κλήρος για την τέχνη των μπουφούντων αποδεικνύεται από τα αρχεία των χρονικογράφων («The Tale of Bygone Years»). Οι εκκλησιαστικές διδασκαλίες του 11ου-12ου αιώνα διακηρύσσουν ότι αμαρτία είναι και οι λάτρεις στους οποίους καταφεύγουν οι μπουφόν. Οι μπουφόν υποβλήθηκαν σε ιδιαίτερα σοβαρή δίωξη κατά τα χρόνια του ζυγού των Τατάρ, όταν η εκκλησία άρχισε να κηρύττει εντατικά έναν ασκητικό τρόπο ζωής. Κανένας όγκος διώξεων δεν έχει εξαλείψει την τέχνη του μπουφονισμού μεταξύ των ανθρώπων. Αντιθέτως, αναπτύχθηκε με επιτυχία, και το σατιρικό του τσίμπημα έγινε πιο οξύ.

Στην Αρχαία Ρωσία ήταν γνωστές χειροτεχνίες που σχετίζονταν με την τέχνη: αγιογράφοι, κοσμηματοπώλες, ξυλόγλυπτες και ξυλόγλυπτες, βιβλιογράφοι. Οι μπουφόν ανήκαν στον αριθμό τους, όντας «πονηροί», «μάστορες» του τραγουδιού, της μουσικής, του χορού, της ποίησης, του δράματος. Αλλά θεωρούνταν μόνο ως διασκεδαστές, διασκεδαστές. Η τέχνη τους ήταν ιδεολογικά συνδεδεμένη με τις μάζες του λαού, με τους τεχνίτες, που συνήθως ήταν αντίθετοι με τις κυρίαρχες μάζες. Αυτό κατέστησε τη δεξιοτεχνία τους όχι μόνο άχρηστη, αλλά, από τη σκοπιά των φεουδαρχών και των κληρικών, ιδεολογικά επιβλαβής και επικίνδυνη. Εκπρόσωποι της Χριστιανικής Εκκλησίας τοποθέτησαν μπουφόν δίπλα σε σοφούς και μάγους. Στις τελετουργίες και τα παιχνίδια δεν υπάρχει ακόμη διαχωρισμός σε ερμηνευτές και θεατές. στερούνται ανεπτυγμένων πλοκών και μεταμόρφωσης σε εικόνες. Εμφανίζονται στο λαϊκό δράμα, διαποτισμένοι από οξεία κοινωνικά κίνητρα. Η ανάδυση δημόσιων θεάτρων προφορικής παράδοσης συνδέεται με το λαϊκό δράμα. Οι ηθοποιοί αυτών των λαϊκών θεάτρων (μπουφόν) ειρωνεύονταν τις δυνάμεις, τον κλήρο, τους πλούσιους και έδειχναν με συμπάθεια τους απλούς ανθρώπους. Οι παραστάσεις λαϊκού θεάτρου βασίζονταν στον αυτοσχεδιασμό και περιλάμβαναν παντομίμα, μουσική, τραγούδι, χορό και νούμερα εκκλησιών. οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούσαν μάσκες, μακιγιάζ, κοστούμια και στηρίγματα.

Η φύση των παραστάσεων των buffon δεν απαιτούσε αρχικά τη συνένωση τους σε μεγάλες ομάδες. Για να ερμηνεύσει παραμύθια, έπη, τραγούδια και να παίξει ένα όργανο, αρκούσε μόνο ένας ερμηνευτής. Οι Skomorokh εγκαταλείπουν τις πατρίδες τους και περιφέρονται στη ρωσική γη αναζητώντας δουλειά, μετακινούμενοι από χωριά σε πόλεις, όπου εξυπηρετούν όχι μόνο τους αγροτικούς, αλλά και τους κατοίκους της πόλης, και μερικές φορές ακόμη και πριγκιπικά δικαστήρια.

Οι Μπουφόν ασχολήθηκαν επίσης με παραστάσεις λαϊκής αυλής, οι οποίες πολλαπλασιάστηκαν υπό την επίδραση της γνωριμίας με το Βυζάντιο και την αυλική του ζωή. Όταν η Διασκεδαστική Ντουλάπα (1571) και η Διασκεδαστική Αίθουσα (1613) ιδρύθηκαν στην αυλή της Μόσχας, οι μπουφόν βρέθηκαν στη θέση των γελωτοποιών της αυλής.

Οι παραστάσεις των buffon συνδύαζαν διαφορετικούς τύπους τεχνών: δραματική, εκκλησιαστική και ποπ.

Η Χριστιανική Εκκλησία αντιπαραβάλλει τα λαϊκά παιχνίδια και την τέχνη των μπουφούνων με την τελετουργική τέχνη, κορεσμένη με θρησκευτικά και μυστικιστικά στοιχεία.

Οι παραστάσεις των μπουφούνων δεν εξελίχθηκαν σε επαγγελματικό θέατρο. Δεν υπήρχαν προϋποθέσεις για τη γέννηση θεατρικών θιάσων - εξάλλου, οι αρχές καταδίωκαν μπουφόν. Η Εκκλησία καταδίωξε επίσης λάτρεις, στρέφοντας τις κοσμικές αρχές για βοήθεια. Ένας Χάρτης της Μονής Τριάδας-Σεργίου του 15ου αιώνα και ένας Χάρτης των αρχών του 16ου αιώνα στάλθηκαν εναντίον των μπουφούνων. Η Εκκλησία έθεσε επίμονα τους μάγους στο ίδιο επίπεδο με τους φορείς της παγανιστικής κοσμοθεωρίας (μάγους, μάγους). Και όμως οι παραστάσεις μπουφούν συνέχισαν να ζουν και το λαϊκό θέατρο αναπτύχθηκε.

Ταυτόχρονα, η εκκλησία έλαβε όλα τα μέτρα για να ασκήσει την επιρροή της. Αυτό βρήκε έκφραση στην ανάπτυξη του λειτουργικού δράματος. Μερικά λειτουργικά δράματα ήρθαν σε εμάς μαζί με τον Χριστιανισμό, άλλα - τον 15ο αιώνα, μαζί με τον πρόσφατα εγκριθέντα επίσημο χάρτη της «μεγάλης εκκλησίας» («Πομπή για σκούπισμα», «Πλύσιμο των ποδιών»).

Παρά τη χρήση θεατρικών και ψυχαγωγικών μορφών, η ρωσική εκκλησία δεν δημιούργησε το δικό της θέατρο.

Τον 17ο αιώνα, ο Συμεών ο Πόλοτσκ (1629-1680) προσπάθησε να δημιουργήσει ένα καλλιτεχνικό λογοτεχνικό δράμα με βάση το λειτουργικό δράμα· αυτή η προσπάθεια αποδείχθηκε μεμονωμένη και άκαρπη.

θέατρα του 17ου αιώνα

Τον 17ο αιώνα αναπτύχθηκαν τα πρώτα προφορικά δράματα, απλά στην πλοκή, που αντανακλούσαν λαϊκά αισθήματα. Η κουκλοθέατρο για τον Petrushka (το όνομά του αρχικά ήταν Vanka-Ratatouille) αφηγήθηκε τις περιπέτειες ενός έξυπνου, χαρούμενου συντρόφου που δεν φοβόταν τίποτα στον κόσμο. Το θέατρο εμφανίστηκε πραγματικά τον 17ο αιώνα - αυλικό και σχολικό θέατρο.

Δικαστικό Θέατρο

Η εμφάνιση του δικαστικού θεάτρου προκλήθηκε από το ενδιαφέρον της αυλικής αριστοκρατίας για τον δυτικό πολιτισμό. Αυτό το θέατρο εμφανίστηκε στη Μόσχα υπό τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς. Η πρώτη παράσταση του έργου «Η Πράξη του Αρταξέρξη» (η ιστορία της βιβλικής Εσθήρ) έγινε στις 17 Οκτωβρίου 1672. Στην αρχή, το δικαστικό θέατρο δεν είχε δικούς του χώρους· σκηνικά και κοστούμια μετακινούνταν από τόπο σε τόπο. Οι πρώτες παραστάσεις ανέβηκαν από τον πάστορα Γρηγόριο από τον Γερμανικό Συνοικισμό· οι ηθοποιοί ήταν επίσης ξένοι. Αργότερα άρχισαν να προσελκύουν και να εκπαιδεύουν με δύναμη τους Ρώσους «νέους». Πληρώνονταν παράτυπα, αλλά δεν τσιγκουνεύονταν στολίδια και φορεσιές. Οι παραστάσεις διακρίνονταν από μεγάλη μεγαλοπρέπεια, μερικές φορές συνοδευόμενες από παίξιμο μουσικών οργάνων και χορό. Μετά το θάνατο του Τσάρου Αλεξέι Μιχαήλοβιτς, το δικαστήριο έκλεισε και οι παραστάσεις συνεχίστηκαν μόνο υπό τον Πέτρο Α.

Σχολικό θέατρο

Εκτός από το αυλικό θέατρο, στη Ρωσία τον 17ο αιώνα αναπτύχθηκε επίσης σχολικό θέατρο στη Σλαβοελληνο-Λατινική Ακαδημία, σε θεολογικά σεμινάρια και σχολεία στο Λβοφ, στην Τιφλίδα και στο Κίεβο. Γράφτηκαν θεατρικά έργα από δάσκαλους και οι μαθητές ανέβαζαν ιστορικές τραγωδίες, αλληγορικά δράματα κοντά στα ευρωπαϊκά θαύματα, παραστάσεις - σατιρικές καθημερινές σκηνές στις οποίες υπήρχε διαμαρτυρία ενάντια στο κοινωνικό σύστημα. Οι παράπλευρες παραστάσεις του σχολικού θεάτρου έθεσαν τα θεμέλια για το είδος κωμωδίας στο εθνικό δράμα. Οι απαρχές του σχολικού θεάτρου ήταν η διάσημη πολιτική προσωπικότητα και θεατρικός συγγραφέας Συμεών Πολότσκι.

Η εμφάνιση των σχολικών θεάτρων του δικαστηρίου επέκτεινε τη σφαίρα της πνευματικής ζωής της ρωσικής κοινωνίας.

Θέατρο των αρχών του 18ου αιώνα

Με εντολή του Πέτρου Α, δημιουργήθηκε το Δημόσιο Θέατρο το 1702, σχεδιασμένο για το μαζικό κοινό. Ένα κτίριο χτίστηκε ειδικά γι 'αυτόν στην Κόκκινη Πλατεία στη Μόσχα - ο "Κωμικός Ναός". Εκεί έδωσε παραστάσεις ο γερμανικός θίασος του J. H. Kunst. Το ρεπερτόριο περιλάμβανε ξένα έργα που δεν είχαν επιτυχία στο κοινό και το θέατρο έπαψε να υπάρχει το 1706, καθώς σταμάτησαν οι επιδοτήσεις από τον Πέτρο Α.

συμπέρασμα

Μια νέα σελίδα στην ιστορία των παραστατικών τεχνών των λαών της Πατρίδας μας άνοιξαν από δουλοπάροικα και ερασιτεχνικά θέατρα. Οι δουλοπάροικοι θίασοι που υπήρχαν από τα τέλη του 18ου αιώνα ανέβαζαν βοντβίλ, κωμικές όπερες και μπαλέτα. Με βάση τα δουλοπάροικα θέατρα, δημιουργήθηκαν ιδιωτικές επιχειρήσεις σε πολλές πόλεις. Η ρωσική θεατρική τέχνη είχε ευεργετική επίδραση στη διαμόρφωση του επαγγελματικού θεάτρου των λαών της πατρίδας μας. Στους θιάσους των πρώτων επαγγελματικών θεάτρων περιλαμβάνονταν ταλαντούχοι ερασιτέχνες – εκπρόσωποι της δημοκρατικής διανόησης.

Το θέατρο στη Ρωσία τον 18ο αιώνα κέρδισε τεράστια δημοτικότητα, έγινε ιδιοκτησία των πλατιών μαζών, μια άλλη δημόσια προσβάσιμη σφαίρα πνευματικής δραστηριότητας των ανθρώπων.

Ρωσικό θέατρο Το ΡΩΣΙΚΟ ΘΕΑΤΡΟ (ΘΕΑΤΡΟ ΤΗΣ ΡΩΣΙΑΣ) έχει διανύσει διαφορετικό δρόμο συγκρότησης και ανάπτυξης από το ευρωπαϊκό, το ανατολικό ή το αμερικανικό θέατρο. Τα στάδια αυτής της διαδρομής συνδέονται με τη μοναδικότητα της ιστορίας της Ρωσίας - την οικονομία της, τις αλλαγές στους κοινωνικούς σχηματισμούς, τη θρησκεία, την ιδιαίτερη νοοτροπία των Ρώσων κ.λπ. ΘΕΑΤΡΟ

Η προέλευση και η διαμόρφωση του ρωσικού θεάτρου Το θέατρο στις τελετουργικές και τελετουργικές του μορφές, όπως σε κάθε αρχαία κοινότητα, ήταν ευρέως διαδεδομένο στη Ρωσία· υπήρχε σε μορφές μυστηρίου. Στην περίπτωση αυτή, εννοούμε το μυστήριο όχι ως είδος του μεσαιωνικού ευρωπαϊκού θεάτρου, αλλά ως ομαδική δράση που συνδέεται με καθημερινούς και ιερούς σκοπούς, τις περισσότερες φορές - για να λάβουμε τη βοήθεια μιας θεότητας σε καταστάσεις σημαντικές για τη λειτουργία της ανθρώπινης κοινότητας

Η προέλευση και η διαμόρφωση του ρωσικού θεάτρου. Αυτά ήταν τα στάδια του αγροτικού κύκλου - σπορά, συγκομιδή, φυσικές καταστροφές - ξηρασία, επιδημίες και επιζωοτίες, εκδηλώσεις φυλετικής και οικογενειακής φύσης - γάμος, γέννηση παιδιού, θάνατος κ.λπ. Επρόκειτο για θεατρικές παραστάσεις βασισμένες στην αρχαία φυλετική και αγροτική μαγεία, επομένως το θέατρο αυτής της περιόδου μελετάται κυρίως από λαογράφους και εθνογράφους και όχι από ιστορικούς του θεάτρου. Αλλά αυτό το στάδιο είναι εξαιρετικά σημαντικό - όπως κάθε αρχή που θέτει το διάνυσμα της ανάπτυξης.

Η προέλευση και ο σχηματισμός του ρωσικού θεάτρου Από τέτοιες τελετουργικές ενέργειες προέκυψε η γραμμή ανάπτυξης του ρωσικού θεάτρου ως λαϊκό θέατρο, λαϊκό θέατρο, που παρουσιάζεται σε πολλές μορφές - κουκλοθέατρο (Petrushka, σκηνή γέννησης κ.λπ.), περίπτερο (raek, bear fun, κ.λπ.), περιοδεύοντες ηθοποιοί (γκουσλάρες, τραγουδιστές, αφηγητές, ακροβάτες κ.λπ.) κ.λπ. Μέχρι τον 17ο αιώνα το θέατρο στη Ρωσία αναπτύχθηκε μόνο ως λαϊκό θέατρο· άλλες θεατρικές μορφές, σε αντίθεση με την Ευρώπη, δεν υπήρχαν εδώ. Μέχρι τον 10ο–11ο αι. Το ρωσικό θέατρο αναπτύχθηκε κατά μήκος του μονοπατιού που χαρακτηρίζει το παραδοσιακό θέατρο της Ανατολής ή της Αφρικής - τελετουργικό-λαογραφικό, ιερό, χτισμένο στην αυθεντική μυθολογία

Η προέλευση και η διαμόρφωση του ρωσικού θεάτρου Γύρω στον 11ο αιώνα. η κατάσταση αλλάζει, αρχικά σταδιακά, μετά πιο έντονα, γεγονός που οδήγησε σε μια θεμελιώδη αλλαγή στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου και στην περαιτέρω διαμόρφωσή του υπό την επίδραση του ευρωπαϊκού πολιτισμού.

Επαγγελματικό θέατρο Οι πρώτοι εκπρόσωποι του επαγγελματικού θεάτρου ήταν μπουφόν, που εργάζονταν σχεδόν σε όλα τα είδη παραστάσεων του δρόμου. Οι πρώτες μαρτυρίες για μπουφόν χρονολογούνται από τον 11ο αιώνα, γεγονός που καθιστά δυνατή την επαλήθευση ότι η τέχνη των μπουφούνων ήταν ένα φαινόμενο που είχε από καιρό διαμορφωθεί και εισέλθει στην καθημερινή ζωή όλων των στρωμάτων της τότε κοινωνίας. Ο σχηματισμός της ρωσικής πρωτότυπης τέχνης μπουφονισμού, που προέρχεται από τελετουργίες και τελετουργίες, επηρεάστηκε επίσης από τις «περιοδείες» περιοδεύων Ευρωπαίων και βυζαντινών κωμικών - ιστρίων, τροβαδούρων, αλήτες.

Το σχολείο-εκκλησιαστικό θέατρο "Stoglavy" Καθεδρικός Ναός της Ρωσικής Ορθόδοξης Εκκλησίας το 1551 έπαιξε αποφασιστικό ρόλο στην καθιέρωση της ιδέας της ενότητας θρησκευτικού-κράτους και ανέθεσε στον κλήρο την ευθύνη να δημιουργήσει θρησκευτικά εκπαιδευτικά ιδρύματα. Την περίοδο αυτή εμφανίστηκαν σχολικές δραματικές και σχολικές-εκκλησιαστικές παραστάσεις, οι οποίες ανέβηκαν σε θέατρα σε αυτά τα εκπαιδευτικά ιδρύματα (κολέγια, ακαδημίες). Στη σκηνή εμφανίστηκαν φιγούρες που προσωποποιούσαν το κράτος, την εκκλησία, τον αρχαίο Όλυμπο, τη σοφία, την πίστη, την ελπίδα, την αγάπη κ.λπ., μεταφερμένες από τις σελίδες των βιβλίων.

Σχολείο-εκκλησιαστικό θέατρο Έχοντας προέλθει από το Κίεβο, το σχολικό εκκλησιαστικό θέατρο άρχισε να εμφανίζεται σε άλλες πόλεις: Μόσχα, Σμολένσκ, Γιαροσλάβλ, Τομπόλσκ, Πόλοτσκ, Τβερ, Ροστόφ, Τσερνίγοφ κ.λπ. Μεγαλώνοντας μέσα στα τείχη μιας θεολογικής σχολής, ολοκλήρωσε τη θεατροποίηση των εκκλησιαστικών τελετουργιών: λειτουργία, ακολουθίες της Μεγάλης Εβδομάδας, Χριστούγεννα, Πάσχα και άλλες τελετουργίες. Έχοντας προκύψει στις συνθήκες της αναδυόμενης αστικής ζωής, το σχολικό θέατρο για πρώτη φορά στο έδαφος μας χώρισε τον ηθοποιό και τη σκηνή από τον θεατή και το αμφιθέατρο και για πρώτη φορά οδήγησε σε μια συγκεκριμένη σκηνική εικόνα τόσο για τον θεατρικό συγγραφέα όσο και για ο ΗΘΟΠΟΙΟΣ.

Δικαστικό θέατρο Ο σχηματισμός του δικαστικού θεάτρου στη Ρωσία συνδέεται με το όνομα του Τσάρου Αλεξέι Μιχαήλοβιτς. Η εποχή της βασιλείας του συνδέεται με τη διαμόρφωση μιας νέας ιδεολογίας επικεντρωμένης στην επέκταση των διπλωματικών δεσμών με την Ευρώπη. Ο προσανατολισμός προς τον ευρωπαϊκό τρόπο ζωής οδήγησε σε πολλές αλλαγές στη ζωή της ρωσικής αυλής. Ι. Ροζάνοφ. Πορτρέτο του ιδρυτή του πρώτου δικαστικού θεάτρου Artamon Sergeevich Matveev

Δικαστικό θέατρο. Η προσπάθεια του Alexei Mikhailovich να οργανώσει το πρώτο δικαστικό θέατρο χρονολογείται από το 1660: στη «λίστα» παραγγελιών και αγορών για τον τσάρο, ο Άγγλος έμπορος Hebdon γράφτηκε από τον Alexei Mikhailovich με το καθήκον «Να καλέσει στο κράτος της Μόσχας από τα γερμανικά εδάφη δάσκαλοι να κάνουν κωμωδία». Ωστόσο, αυτή η προσπάθεια παρέμεινε ανεπιτυχής. Η πρώτη παράσταση του ρωσικού αυλικού θεάτρου πραγματοποιήθηκε μόλις τον Μάιο του 1672. Ο τσάρος εξέδωσε ένα διάταγμα με το οποίο ο συνταγματάρχης Νικολάι φον Στάντεν (φίλος του μπογιάρ Ματβέεφ) έλαβε οδηγίες να βρει ανθρώπους στο εξωτερικό που μπορούσαν να «παίξουν κωμωδίες».

Το Court Theatre Performances έγινε μια από τις πιο αγαπημένες ψυχαγωγίες στο δικαστήριο της Μόσχας. Ήταν 26 Ρώσοι ηθοποιοί. Τα αγόρια έπαιξαν γυναικείους ρόλους. Τον ρόλο της Εσθήρ στην παράσταση του Αρταξέρξη έπαιξε ο γιος του Μπλούμεντροστ. Τόσο ξένοι όσο και Ρώσοι ηθοποιοί εκπαιδεύτηκαν σε ένα ειδικό σχολείο, το οποίο άνοιξε στις 21 Σεπτεμβρίου 1672 στην αυλή του σπιτιού του Γρηγόρη στον γερμανικό οικισμό. Αποδείχθηκε ότι ήταν δύσκολο να εκπαιδεύσει κανείς Ρώσους και ξένους μαθητές και το δεύτερο μισό του 1675 άρχισαν να λειτουργούν δύο σχολές θεάτρου: στο πολωνικό δικαστήριο - για ξένους, στο Meshchanskaya Sloboda - για Ρώσους

Δικαστικό Θέατρο Η εμφάνιση του πρώτου δικαστικού θεάτρου συνέπεσε με τη γέννηση του Πέτρου Α' (1672), ο οποίος ως παιδί είδε τις τελευταίες παραστάσεις αυτού του θεάτρου. Αφού ανέβηκε στο θρόνο και ξεκίνησε το τεράστιο έργο του εξευρωπαϊσμού της Ρωσίας, ο Πέτρος Α δεν μπορούσε παρά να στραφεί στο θέατρο ως μέσο προώθησης των καινοτόμων πολιτικών και κοινωνικών ιδεών του.

Θέατρο Petrovsky Θέατρο Petrovsky Από τα τέλη του 17ου αιώνα. Στην Ευρώπη, οι μεταμφιέσεις έγιναν της μόδας, κάτι που άρεσε στον νεαρό Πέτρο Ι. Το 1698, ντυμένος με τη στολή ενός χωρικού της Φρισλανδίας, συμμετείχε στη βιεννέζικη μεταμφίεση. Ο Πέτρος αποφάσισε να εκλαϊκεύσει τις μεταρρυθμίσεις και τις καινοτομίες του μέσα από την τέχνη του θεάτρου. Σχεδίαζε να φτιάξει ένα θέατρο στη Μόσχα, αλλά όχι για λίγους εκλεκτούς, αλλά ανοιχτό σε όλους. Το 1698-1699, ένας θίασος κουκλοθεάτρου εργάστηκε στη Μόσχα, με επικεφαλής τον Jan Splavsky, και στον οποίο ο Peter το 1701 έδωσε εντολή να προσκαλέσει κωμικούς από το εξωτερικό. Το 1702, ο θίασος του Johann Kunst ήρθε στη Ρωσία.

Η εμφάνιση ενός δημόσιου (δημόσιου) θεάτρου Μετά την άνοδο της Ελίζαμπεθ Πετρόβνα στο θρόνο το 1741, η εισαγωγή του ευρωπαϊκού θεάτρου συνεχίστηκε. Ξένοι θίασοι περιόδευσαν στο δικαστήριο - ιταλικοί, γερμανικοί, γαλλικοί, ανάμεσά τους δράμα, όπερα και μπαλέτο και commedia dell'arte. Την ίδια περίοδο, τέθηκαν τα θεμέλια του εθνικού ρωσικού επαγγελματικού θεάτρου· ήταν κατά τη διάρκεια της βασιλείας της Ελισάβετ που ο μελλοντικός «πατέρας του ρωσικού θεάτρου» Φιόντορ Βόλκοφ σπούδασε στη Μόσχα, λαμβάνοντας μέρος σε παραστάσεις Χριστουγεννιάτικων παραστάσεων και απορροφώντας την εμπειρία της περιοδείας. Ευρωπαϊκοί θίασοι.

Θέατρα σε εκπαιδευτικά ιδρύματα Στα μέσα του 18ου αιώνα. θεατρικά ιδρύματα οργανώθηκαν σε εκπαιδευτικά ιδρύματα (1749 - St. και Glushkov, "ink affairs master" Ivanov και άλλοι), στο Yaroslavl (διοργανωτές N. Serov, F. Volkov). Το 1747 έλαβε χώρα ένα άλλο σημαντικό γεγονός: γράφτηκε η πρώτη ποιητική τραγωδία - Khorev από την A. Sumarokova.

Εθνικό δημόσιο θέατρο Όλα αυτά δημιουργούν τις προϋποθέσεις για την ανάδειξη ενός εθνικού δημόσιου θεάτρου. Για το σκοπό αυτό, το 1752 ο θίασος του Volkov κλήθηκε από το Γιαροσλάβλ στην Αγία Πετρούπολη. Οι ταλαντούχοι ερασιτέχνες ηθοποιοί επιλέγονται για σπουδές στο Gentry Corps - A. Popov, I. Dmitrevsky, F. and G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov κ.λπ. Ανάμεσά τους τέσσερις γυναίκες: A. Musina-Pushkina, A. Mikhailova, αδελφές M. και O. Ananyev.

Θέατρο Petrovsky Θέατρο Petrovsky Υπό τον Πέτρο Α, η αρχή των παραστάσεων στη Σιβηρία τέθηκε από τον Μητροπολίτη Tobolsk Filofei Leshchinsky. Σε ένα χειρόγραφο χρονικό του 1727 λέγεται: «Ο Φιλοφέι ήταν λάτρης των θεατρικών παραστάσεων, έκανε ένδοξες και πλούσιες κωμωδίες, όταν θα έπρεπε να είναι θεατής σε μια κωμωδία για έναν συλλέκτη, τότε αυτός, ο Vladyka, έφτιαχνε καμπάνες του καθεδρικού ναού για τη συλλογή. ευλάβειας, και τα θέατρα ήσαν μεταξύ του Καθεδρικού Ναού και των εκκλησιών του Αγίου Σεργίου και μεταφέρθηκαν, όπου πήγαινε ο κόσμος». Η καινοτομία του Μητροπολίτη Φιλόθεου συνεχίστηκε από τους διαδόχους του, μερικοί από αυτούς ήταν μαθητές της Ακαδημίας του Κιέβου.

Θέατρο υπό την Άννα Ιωάννοβνα Η Άννα Ιωάννοβνα ξόδεψε τεράστια ποσά σε διάφορες γιορτές, μπάλες, μασκαράδες, δεξιώσεις πρεσβευτών, πυροτεχνήματα, φωταγωγίες και θεατρικές πομπές. Στην αυλή της, η κουλτούρα των κλόουν αναβίωσε, συνεχίζοντας τις παραδόσεις των «καθιστών» μπουφούνων - είχε γίγαντες και νάνους, γελωτοποιούς και κροτίδες. Η πιο διάσημη θεατρική γιορτή ήταν ο «περίεργος» γάμος του γελωτοποιού πρίγκιπα Γκολίτσιν με τον Καλμίκο κροτίδα Buzheninova στο Ice House στις 6 Φεβρουαρίου 1740.

Μόνιμο δημόσιο θέατρο Το πρώτο ρωσικό μόνιμο δημόσιο θέατρο άνοιξε το 1756 στην Αγία Πετρούπολη, στο σπίτι του Γκολόβκιν. Στους ηθοποιούς που εκπαιδεύτηκαν στο Gentry Corps προστέθηκαν πλήθος ηθοποιών από τον θίασο του Γιαροσλάβλ του F. Volkov, συμπεριλαμβανομένου του ηθοποιού κωμικού Ya. Shumsky. Επικεφαλής του θεάτρου ήταν ο Σουμαρόκοφ, του οποίου οι κλασικιστικές τραγωδίες αποτέλεσαν τη βάση του ρεπερτορίου. Την πρώτη θέση στον θίασο κατέλαβε ο Βολκόφ, ο οποίος αντικατέστησε τον Σουμαρόκοφ ως σκηνοθέτη και κατέλαβε αυτή τη θέση μέχρι το θάνατό του το 1763 (αυτό το θέατρο το 1832 θα λάβει το όνομα Αλεξανδρίνσκι - προς τιμή της συζύγου του Νικολάου Ι.)

Δημιουργία δραματικού θεάτρου Οι πρώτες δημόσιες παραστάσεις στη Μόσχα χρονολογούνται από το 1756, όταν μαθητές του πανεπιστημιακού γυμνασίου, υπό την ηγεσία του διευθυντή τους, του ποιητή Μ. Χεράσκοφ, σχημάτισαν έναν θεατρικό θίασο εντός των τειχών του πανεπιστημίου. Στις παραστάσεις προσκλήθηκαν εκπρόσωποι της ανώτατης κοινωνίας της Μόσχας. Το 1776, με βάση τον πρώην πανεπιστημιακό θίασο, δημιουργήθηκε ένα δραματικό θέατρο, το οποίο έλαβε το όνομα Petrovsky (γνωστό και ως θέατρο Medox). Τα θέατρα Bolshoi (όπερα και μπαλέτο) και Maly (δραματικά) της Ρωσίας εντοπίζουν τις γενεαλογίες τους σε αυτό το θέατρο.

Ιστορία του θεάτρου Maly Το θέατρο Maly είναι το παλαιότερο θέατρο στη Ρωσία. Ο θίασος του δημιουργήθηκε στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας το 1756, αμέσως μετά το περίφημο Διάταγμα της Αυτοκράτειρας Ελισάβετ Πετρόβνα, που σηματοδότησε τη γέννηση του επαγγελματικού θεάτρου στη χώρα μας: Τώρα έχουμε διατάξει την ίδρυση ενός ρωσικού θεάτρου για την παρουσίαση κωμωδιών και τραγωδιών. Το σπίτι του εμπόρου Βάργιν, όπου άνοιξε το Θέατρο Μάλι το 1824

Ιστορία του θεάτρου Maly Το 1824, ο Bove ανοικοδόμησε την έπαυλη του εμπόρου Vargin για το θέατρο και το δραματικό μέρος του θιάσου της Μόσχας του Imperial Theatre έλαβε το δικό του κτίριο στην πλατεία Petrovskaya (τώρα Teatralnaya) και το δικό του όνομα - το Maly Θέατρο. Το 1824, ο Bove ανοικοδόμησε την έπαυλη του εμπόρου Vargin για το θέατρο και το δραματικό μέρος του θιάσου της Μόσχας του Imperial Theatre έλαβε το δικό του κτίριο στην πλατεία Petrovskaya (τώρα Teatralnaya) και το δικό του όνομα - το θέατρο Maly. Το κτίριο του θεάτρου Maly της Μόσχας, φωτογραφία από τη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα

Θέατρο της εποχής του συναισθηματισμού Η περίοδος του κλασικισμού στη Ρωσία δεν κράτησε πολύ - η διαμόρφωση του συναισθηματισμού ξεκίνησε στα μέσα της δεκαετίας του 1760. Εμφανίστηκαν «δακρυσμένες κωμωδίες» των V. Lukinsky, M. Verevkin, M. Kheraskov, κωμική όπερα και αστικό δράμα. Η ενίσχυση των δημοκρατικών τάσεων στο θέατρο και το δράμα διευκολύνθηκε από την όξυνση των κοινωνικών αντιθέσεων κατά την περίοδο του αγροτικού πολέμου 1773-1775 και τις παραδόσεις του λαϊκού θεάτρου. Έτσι, σύμφωνα με τους σύγχρονους, ο Σούμσκι χρησιμοποιούσε τεχνικές παιξίματος κοντά σε εκείνες των μπουφόν. Αναπτύσσεται μια σατιρική κωμωδία - Minor του D. Fonvizin

Θέατρα φρουρίων Στα τέλη του 18ου αιώνα. τα δουλοπάροικα θέατρα γίνονται ευρέως διαδεδομένα. Ειδικοί του θεάτρου - ηθοποιοί, χορογράφοι, συνθέτες - προσκλήθηκαν εδώ για να εκπαιδευτούν με ηθοποιούς. Μερικά από τα δουλοπάροικα θέατρα (Σερεμέτεφ στο Κούσκοβο και Οστάνκινο, Γιουσούποφ στο Αρχάγγελσκ) ξεπέρασαν τα κρατικά θέατρα στον πλούτο των παραγωγών τους. Στις αρχές του 19ου αι. οι ιδιοκτήτες ορισμένων δουλοπαροικιών αρχίζουν να τα μετατρέπουν σε εμπορικές επιχειρήσεις (Shakhovskoy και άλλοι). Πολλοί διάσημοι Ρώσοι ηθοποιοί προέρχονταν από δουλοπαροικίες, οι οποίοι συχνά έβγαιναν με ενοικίαση για να παίξουν σε «δωρεάν» θέατρα - συμπεριλαμβανομένου. στην αυτοκρατορική σκηνή (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya κ.λπ.). Χορευτής του θεάτρου του φρουρίου

Το θέατρο στις αρχές του αιώνα Γενικά, η διαδικασία διαμόρφωσης του επαγγελματικού θεάτρου στη Ρωσία τον 18ο αιώνα. τελείωσε. Ο επόμενος, 19ος αιώνας, έγινε μια περίοδος ραγδαίας ανάπτυξης όλων των κατευθύνσεων του ρωσικού θεάτρου. Το θέατρο Ερμιτάζ, που χτίστηκε με εντολή της Μεγάλης Αικατερίνης στο

Το ρωσικό θέατρο τον 19ο αιώνα Το ρωσικό θέατρο τον 19ο αιώνα Ερωτήσεις που σχετίζονται με την ανάπτυξη του θεάτρου στις αρχές κιόλας του 19ου αιώνα. συζητήθηκαν σε συναντήσεις της Ελεύθερης Εταιρείας Λοτρών της Λογοτεχνίας, της Επιστήμης και των Τεχνών. Ο οπαδός του Radishchev I. Pnin, στο βιβλίο του Εμπειρία για τον Διαφωτισμό σε σχέση με τη Ρωσία (1804), υποστήριξε ότι το θέατρο πρέπει να συμβάλλει στην ανάπτυξη της κοινωνίας. Δεύτερον, η επικαιρότητα των πατριωτικών τραγωδιών που σκηνοθετήθηκαν αυτή την περίοδο, γεμάτες νύξεις για τη σύγχρονη κατάσταση (Οιδίπους στην Αθήνα και Ντμίτρι Ντόνσκοϊ του Β. Οζέροφ, έργα των Φ. Σίλερ και Β. Σαίξπηρ), συνέβαλε στη διαμόρφωση του ρομαντισμού. Αυτό σημαίνει ότι καθιερώθηκαν νέες αρχές υποκριτικής, η επιθυμία εξατομίκευσης των σκηνικών χαρακτήρων, η αποκάλυψη των συναισθημάτων και της ψυχολογίας τους.

Το θέατρο χωρίστηκε σε δύο θιάσους το πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα. Συνέβη ο πρώτος επίσημος διαχωρισμός του ρωσικού δραματικού θεάτρου σε ξεχωριστή κατεύθυνση (προηγουμένως, ο δραματικός θίασος συνεργαζόταν με τον θίασο της όπερας και του μπαλέτου και οι ίδιοι ηθοποιοί έπαιζαν συχνά σε παραστάσεις διαφορετικών ειδών). Το 1824, το πρώην θέατρο Medox χωρίστηκε σε δύο θιάσους - έναν δραματικό θίασο (Θέατρο Maly) και έναν θίασο όπερας και μπαλέτου (Θέατρο Μπολσόι). Το θέατρο Maly έχει ένα ξεχωριστό κτίριο. (Στην Αγία Πετρούπολη, ο δραματικός θίασος χωρίστηκε από τον μουσικό θίασο το 1803, αλλά πριν μετακομίσει σε ένα ξεχωριστό κτίριο του θεάτρου Alexandrinsky το 1836, συνεργάστηκε ακόμα με τον θίασο όπερας και μπαλέτου στο θέατρο Mariinsky.)

Θέατρο Αλεξανδρίνσκι Για το Θέατρο Αλεξανδρίνσκι, το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. αποδείχθηκε πιο δύσκολη περίοδος. Παρά τις επιμέρους παραγωγές θεατρικών έργων των Ostrovsky, I. Turgenev, A. Sukhovo-Kobylin, A. Pisemsky, με τη θέληση της Διεύθυνσης των Αυτοκρατορικών Θεάτρων, η κύρια βάση του ρεπερτορίου εκείνη την εποχή ήταν το βοντβίλ και το ψευδο-λαϊκό δράμα. Ο θίασος περιελάμβανε πολλούς ταλαντούχους καλλιτέχνες των οποίων τα ονόματα έχουν εγγραφεί στην ιστορία του ρωσικού θεάτρου: A. Martynov, P. Vasiliev, V. Asenkova, E. Guseva, Yu. Linskaya, V. Samoilov και αργότερα, στα τέλη του 19ου αιώνας. – P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov κ.λπ. Ωστόσο, καθένας από αυτούς τους λαμπρούς ηθοποιούς εμφανίστηκε σαν μόνος του, παίζοντας τα αστέρια δεν σχημάτισαν σκηνικό σύνολο. Γενικά, η κατάσταση του θεάτρου Alexandrinsky εκείνη την εποχή δεν ήταν πολύ αξιοζήλευτη: οι σκηνοθέτες του θιάσου άλλαζαν συνεχώς, δεν υπήρχε ισχυρή κατεύθυνση, ο αριθμός των πρεμιέρων αυξήθηκε και ο χρόνος των προβών μειώθηκε.

Το μεγαλύτερο θέατρο όπερας και μπαλέτου στη Ρωσία, ένα από τα παλαιότερα μουσικά θέατρα της χώρας μας. Προέρχεται από το θέατρο Stone (Bolshoi) που άνοιξε το 1783. Υπάρχει σε ένα σύγχρονο κτίριο (που ξαναχτίστηκε μετά από μια πυρκαγιά στο θέατρο Circus) από το 1860, οπότε και έλαβε ένα νέο όνομα - το θέατρο Mariinsky.

Το θέατρο στις αρχές του αιώνα Η περίοδος της ραγδαίας ανόδου και της ραγδαίας άνθησης του ρωσικού θεάτρου ήταν η αλλαγή του 19ου-20ου αιώνα. Αυτή η φορά ήταν ένα σημείο καμπής για ολόκληρο το παγκόσμιο θέατρο: εμφανίστηκε ένα νέο θεατρικό επάγγελμα - ο σκηνοθέτης, και σε σχέση με αυτό, διαμορφώθηκε μια θεμελιωδώς νέα αισθητική του θεάτρου του σκηνοθέτη. Στη Ρωσία, αυτές οι τάσεις έχουν εκδηλωθεί ιδιαίτερα σαφώς. Αυτή ήταν μια περίοδος άνευ προηγουμένου ανάπτυξης σε όλη τη ρωσική τέχνη, η οποία αργότερα έγινε γνωστή ως η εποχή του αργύρου. Και το δραματικό θέατρο -μαζί με την ποίηση, τη ζωγραφική, τη σκηνογραφία, το μπαλέτο- εμφανίστηκε σε μια τεράστια ποικιλία αισθητικών κατευθύνσεων, εστιάζοντας την προσοχή της παγκόσμιας θεατρικής κοινότητας.

Το ρωσικό θέατρο στις αρχές του 19ου–20ου αιώνα Ρωσικό θέατρο στις αρχές του 19ου–20ου αιώνα Για να εξετάσουμε τη Ρωσία στις αρχές του 19ου–20ου αιώνα. στο επίκεντρο των παγκόσμιων θεατρικών επιτευγμάτων, θα αρκούσε μόνο ο Κ. Στανισλάφσκι με τις εκπληκτικές καινοτόμες ιδέες του και το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας που δημιούργησε ο ίδιος μαζί με τον Β. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο (1898). Παρά το γεγονός ότι το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας άνοιξε με το έργο Tsar Fyodor Ioannovich του A.K. Tolstoy, το λάβαρο του νέου θεάτρου ήταν η δραματουργία του A. Chekhov, μυστηριώδης, που δεν έχει αποκαλυφθεί πλήρως μέχρι σήμερα. Δεν είναι περίεργο που υπάρχει ένας γλάρος στην αυλαία του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας, ο οποίος αναφέρεται στον τίτλο ενός από τα καλύτερα έργα του Τσέχοφ και έχει γίνει σύμβολο του θεάτρου. Όμως μια από τις κύριες υπηρεσίες του Στανισλάφσκι στο παγκόσμιο θέατρο είναι η εκπαίδευση ταλαντούχων μαθητών που έχουν απορροφήσει την εμπειρία του θεατρικού του συστήματος και την ανέπτυξαν περαιτέρω προς τις πιο απροσδόκητες και παράδοξες κατευθύνσεις (χαρακτηριστικά παραδείγματα οι V. Meyerhold, M. Chekhov, E. Vakhtangov).

VERA FEDOROVNA KOmissarzhevskaya Στην Αγία Πετρούπολη, το «κλειδί» αυτής της εποχής ήταν η V. Komissarzhevskaya. Έχοντας κάνει το ντεμπούτο της στη σκηνή του θεάτρου Alexandrinsky το 1896 (πριν από αυτό είχε παίξει σε ερασιτεχνικές παραστάσεις του Stanislavsky), η ηθοποιός κέρδισε σχεδόν αμέσως τη διακαή αγάπη του κοινού. Το δικό της θέατρο, που δημιούργησε το 1904, έπαιξε τεράστιο ρόλο στη διαμόρφωση ενός λαμπρού γαλαξία της ρωσικής σκηνοθεσίας. Στο θέατρο Komissarzhevskaya το 1906-1907, για πρώτη φορά στη σκηνή της πρωτεύουσας, ο Meyerhold καθιέρωσε τις αρχές του συμβατικού θεάτρου (αργότερα συνέχισε τα πειράματά του στα αυτοκρατορικά θέατρα - Alexandrinsky και Mariinsky, καθώς και στη Σχολή Tenishevsky και στο θεατρικό στούντιο στην οδό Borodinskaya)

Θέατρο Τέχνης της Μόσχας Θέατρο Τέχνης της Μόσχας Στη Μόσχα, το κέντρο της θεατρικής ζωής ήταν το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Εκεί συγκεντρώθηκε ένας λαμπρός αστερισμός ηθοποιών που έπαιξαν σε παραστάσεις που προσέλκυσαν τεράστιο αριθμό θεατών: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov κ.λπ. Εδώ διαμορφώθηκαν τάσεις σύγχρονης σκηνοθεσίας: εκτός από τους Στανισλάφσκι και Νεμίροβιτς-Νταντσένκο, αυτά ήταν τα έργα των L. Sulerzhitsky, K. Mardzhanov, Vakhtangov. Στην παραγωγή ήρθε και ο παγκοσμίως γνωστός G. Craig. Το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας έθεσε τις βάσεις για τη σύγχρονη σκηνογραφία: οι M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev και άλλοι συμμετείχαν στις παραστάσεις του. Μόσχα, συμπεριλαμβανομένου – και την ανάπτυξη μικρών θεατρικών μορφών. Το πιο δημοφιλές θέατρο καμπαρέ της Μόσχας "The Bat" δημιουργείται με βάση τα σκετς του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας.

Ρωσικό θέατρο μετά το 1917 Η νέα κυβέρνηση κατάλαβε τη σημασία της θεατρικής τέχνης: στις 9 Νοεμβρίου 1917 εκδόθηκε διάταγμα από το Συμβούλιο των Λαϊκών Επιτρόπων για τη μεταφορά όλων των ρωσικών θεάτρων στη δικαιοδοσία του τμήματος τεχνών της Κρατικής Επιτροπής Παιδείας. Και στις 26 Αυγούστου 1919, εμφανίστηκε ένα διάταγμα για την εθνικοποίηση των θεάτρων, για πρώτη φορά στην ιστορία της Ρωσίας το θέατρο έγινε εντελώς κρατική υπόθεση (στην Αρχαία Ελλάδα μια τέτοια κρατική πολιτική εφαρμόστηκε τον 5ο αιώνα π.Χ.) . Τα κορυφαία θέατρα απονέμονται ακαδημαϊκοί τίτλοι: το 1919 - το Θέατρο Μάλι, το 1920 - το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας και το Θέατρο Αλεξανδρίνσκι (μετονομάστηκε σε Κρατικό Ακαδημαϊκό Δραματικό Θέατρο της Πετρούπολης). Νέα θέατρα ανοίγουν. Στη Μόσχα - το 3ο στούντιο του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας (1920, αργότερα το Θέατρο Vakhtangov). Θέατρο της Επανάστασης (1922, αργότερα - Θέατρο Μαγιακόφσκι). Θέατρο MGSPS (1922, σήμερα – Θέατρο Mossovet); Θέατρο για παιδιά της Μόσχας (1921, από το 1936 - Κεντρικό Παιδικό Θέατρο). Στην Πετρούπολη - Δραματικό Θέατρο Μπολσόι (1919); GOSET (1919, από το 1920 μετακομίζει στη Μόσχα). Θέατρο Νέων Θεατών (1922).

Θέατρο που πήρε το όνομά του από τον Evgeniy Vakhtangov Ιστορία του θεάτρου με το όνομα Evgeniy Vakhtangov. Ο Βαχτάνγκοφ ξεκίνησε πολύ πριν από τη γέννησή του. Στα τέλη του 1913, μια ομάδα πολύ νεαρών δεκαοκτώ έως είκοσι φοιτητών της Μόσχας οργάνωσε το Φοιτητικό Δραματικό Στούντιο, αποφασίζοντας να σπουδάσει θεατρική τέχνη σύμφωνα με το σύστημα Στανισλάφσκι.

Θέατρο στη δεκαετία του '30 Η νέα περίοδος του ρωσικού θεάτρου ξεκίνησε το 1932 με το διάταγμα της Κεντρικής Επιτροπής του Ομοσπονδιακού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων «Για την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και καλλιτεχνικών οργανώσεων». Η κύρια μέθοδος στην τέχνη αναγνωρίστηκε ως η μέθοδος του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Η εποχή του καλλιτεχνικού πειραματισμού τελείωσε, αν και αυτό δεν σημαίνει ότι τα επόμενα χρόνια δεν έφεραν νέα επιτεύγματα και επιτυχίες στην ανάπτυξη της θεατρικής τέχνης. Απλώς, η «επικράτεια» της επιτρεπόμενης τέχνης περιορίστηκε, εγκρίθηκαν παραστάσεις ορισμένων καλλιτεχνικών κινημάτων - κατά κανόνα, ρεαλιστικές. Και εμφανίστηκε ένα επιπλέον κριτήριο αξιολόγησης: ιδεολογικό και θεματικό. Έτσι, για παράδειγμα, το άνευ όρων επίτευγμα του ρωσικού θεάτρου από τα μέσα της δεκαετίας του 1930 ήταν οι παραστάσεις των λεγόμενων. «Λενινιώτες», στο οποίο η εικόνα του Β. Λένιν μεταφέρθηκε στη σκηνή (Άνθρωπος με όπλο στο θέατρο Vakhtangov, στο ρόλο του Λένιν - B. Shchukin· Pravda στο Θέατρο της Επανάστασης, στο ρόλο του Λένιν - M. Strauch, κ.λπ.). Οποιεσδήποτε παραστάσεις βασισμένες στα έργα του «ιδρυτή του σοσιαλιστικού ρεαλισμού» Μ. Γκόρκι ήταν πρακτικά καταδικασμένες σε επιτυχία. Αυτό δεν σημαίνει ότι κάθε ιδεολογικά συνεπής παράσταση ήταν κακή, απλώς τα καλλιτεχνικά κριτήρια (και μερικές φορές η επιτυχία του κοινού) στην κρατική αξιολόγηση των παραστάσεων έπαψαν να είναι καθοριστικά.

Το θέατρο στη δεκαετία του 1930 Για πολλούς Ρώσους εργάτες του θεάτρου, η δεκαετία του 1930 (και το δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1940, όταν συνεχίστηκε η ιδεολογική πολιτική) έγινε τραγική. Ωστόσο, το ρωσικό θέατρο συνέχισε να αναπτύσσεται. Εμφανίστηκαν νέα ονόματα σκηνοθετών: A. Popov, Y. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V. Sakhnovsky, B. Sushkevich, I. Bersenev, A. Bryantsev, E. Radlov κ.ά.. Τα ονόματα αυτά συνδέθηκαν κυρίως με τη Μόσχα και το Λένινγκραντ και τη σκηνοθετική σχολή των κορυφαίων θεάτρων της χώρας. Ωστόσο, διάσημα γίνονται και τα έργα πολλών σκηνοθετών σε άλλες πόλεις της Σοβιετικής Ένωσης: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Kharkov), I. Rostovtsev (Yaroslavl), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Sverdlovsk), N. Pokrovsky (Smolensk, Gorky, Volgograd) κ.λπ.
Το θέατρο κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, τα ρωσικά θέατρα στράφηκαν κυρίως σε πατριωτικά θέματα. Οι σκηνές περιλάμβαναν θεατρικά έργα που γράφτηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου (Εισβολή του Λ. Λεόνοφ, Μέτωπο του Α. Κορνέιτσουκ, Ένας τύπος από την πόλη μας και ο Ρώσος λαός του Κ. Σιμόνοφ) και θεατρικά έργα με ιστορικά και πατριωτικά θέματα (Α.Ν. Τολστόι Πέτρος Ι, Στρατάρχης Κουτούζοφ
Το θέατρο κατά τον Μεγάλο Πατριωτικό Πόλεμο Η περίοδος 1941–1945 είχε μια άλλη συνέπεια για τη θεατρική ζωή της Ρωσίας και της Σοβιετικής Ένωσης: μια σημαντική αύξηση στο καλλιτεχνικό επίπεδο των επαρχιακών θεάτρων. Η εκκένωση των θεάτρων στη Μόσχα και το Λένινγκραντ και το έργο τους στην περιφέρεια έδωσε νέα πνοή στα τοπικά θέατρα, συνέβαλε στην ενοποίηση των παραστατικών τεχνών και στην ανταλλαγή δημιουργικής εμπειρίας.

Ρωσικό θέατρο το 1950–1980 Το ρωσικό θέατρο το 1950–1980 Πολλοί ηθοποιοί του Λένινγκραντ συνέβαλαν σημαντικά στη διαμόρφωση της ρωσικής θεατρικής τέχνης: I. Gorbachev, N. Simonov, Y. Tolubeev, N. Cherkasov, B. Freundlich, O. Lebzak , L. Shtykan, N. Burov και άλλοι (Θέατρο Πούσκιν); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freundlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich και άλλοι (Θέατρο Lensovet); V. Yakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke και άλλοι (Θέατρο Λένιν Κομσομόλ). T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik και άλλοι (Θέατρο Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin και άλλοι (Θέατρο Κωμωδίας); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova και άλλοι (Θέατρο Νέων Θεατών); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar και άλλοι (MDT, γνωστό και ως Θέατρο της Ευρώπης). Θέατρο του Ρωσικού Στρατού ΤΟ ΘΕΑΤΡΟ ΤΟΥ ΡΩΣΙΚΟΥ ΣΤΡΑΤΟΥ είναι το πρώτο επαγγελματικό δραματικό θέατρο στο σύστημα του Υπουργείου Άμυνας. Μέχρι το 1946 ονομαζόταν Θέατρο του Κόκκινου Στρατού και στη συνέχεια μετονομάστηκε σε Θέατρο Σοβιετικού Στρατού (αργότερα Κεντρικό Ακαδημαϊκό Θέατρο του Σοβιετικού Στρατού). Από το 1991 - Κεντρικό Ακαδημαϊκό Θέατρο του Ρωσικού Στρατού. Το ΘΕΑΤΡΟ ΤΟΥ ΡΩΣΙΚΟΥ ΣΤΡΑΤΟΥ είναι το πρώτο επαγγελματικό δραματικό θέατρο στο σύστημα του Υπουργείου Άμυνας. Μέχρι το 1946 ονομαζόταν Θέατρο του Κόκκινου Στρατού και στη συνέχεια μετονομάστηκε σε Θέατρο Σοβιετικού Στρατού (αργότερα Κεντρικό Ακαδημαϊκό Θέατρο του Σοβιετικού Στρατού). Από το 1991 - Κεντρικό Ακαδημαϊκό Θέατρο του Ρωσικού Στρατού.

Θέατρο Ρωσικού Στρατού Το 1930–1931, το Θέατρο του Κόκκινου Στρατού ήταν επικεφαλής του Yu.A. Zavadsky. Εδώ ανέβασε μια από τις πιο αξιόλογες παραστάσεις στη Μόσχα εκείνη την εποχή, τον Mstislav the Daring I. Prut. Υπήρχε ένα στούντιο στο θέατρο, οι απόφοιτοί του μπήκαν στον θίασο. Το 1935, επικεφαλής του θεάτρου ήταν ο A.D. Popov, το όνομα του οποίου συνδέεται με την άνοδο του Θεάτρου του Κόκκινου Στρατού. Ο αρχιτέκτονας K.S. Alabyan δημιούργησε ένα έργο για ένα πολύ ιδιαίτερο κτίριο θεάτρου - σε σχήμα πεντάκτινου αστεριού, με δύο αμφιθέατρα (Μεγάλη Αίθουσα για 1800 θέσεις), με μια ευρύχωρη σκηνή, που χαρακτηρίζεται από πρωτόγνωρο μέχρι τότε βάθος, με πολλές αίθουσες προσαρμοσμένες για εργαστήρια, υπηρεσίες θεάτρων, αίθουσες προβών. Μέχρι το 1940 το κτίριο χτίστηκε, μέχρι τότε το θέατρο έπαιζε τις παραστάσεις του στο Red Banner Hall του Κόκκινου Στρατού και έκανε μεγάλες περιοδείες.

Ρωσικό θέατρο της μετασοβιετικής περιόδου Ρωσικό θέατρο της μετασοβιετικής περιόδου Η αλλαγή στον πολιτικό σχηματισμό στις αρχές της δεκαετίας του 1990 και μια μακρά περίοδος οικονομικής καταστροφής άλλαξαν ριζικά τη ζωή του ρωσικού θεάτρου. Η πρώτη περίοδος αποδυνάμωσης (και μετά – και κατάργησης) του ιδεολογικού ελέγχου συνοδεύτηκε από ευφορία: τώρα μπορείς να σκηνοθετήσεις και να δείξεις οτιδήποτε στο κοινό. Μετά την κατάργηση του συγκεντρωτισμού των θεάτρων, οργανώθηκαν σε μεγάλους αριθμούς νέες ομάδες θεάτρου-στούντιο, επιχειρήσεις κ.λπ. Ωστόσο, λίγοι από αυτούς επέζησαν στις νέες συνθήκες - αποδείχθηκε ότι, εκτός από την ιδεολογική επιταγή, υπάρχει και μια επιταγή του θεατή: το κοινό θα παρακολουθεί μόνο αυτό που θέλει. Και αν στις συνθήκες της κρατικής χρηματοδότησης του θεάτρου, το γέμισμα της αίθουσας δεν είναι πολύ σημαντικό, τότε με αυτάρκεια, ένα γεμάτο σπίτι στην αίθουσα είναι η πιο σημαντική προϋπόθεση για την επιβίωση.

Το θέατρο σήμερα Η σημερινή εποχή του ρωσικού θεάτρου όσον αφορά τον αριθμό και την ποικιλία των αισθητικών τάσεων συνδέεται με την εποχή του αργύρου. Σκηνοθέτες παραδοσιακών θεατρικών στυλ συνυπάρχουν με πειραματιστές. Μαζί με αναγνωρισμένους δασκάλους - οι P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek, K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky εργαζόμενοι, I. Raikhelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, καθώς και ακόμη νεότεροι και ριζοσπαστικοί καλλιτέχνες της avant-garde: B. Yukhananov, A. Praudin, A.Moguchiy, V.Kramer, Klim και άλλοι.

Το θέατρο σήμερα Στη μετασοβιετική περίοδο, τα περιγράμματα της μεταρρύθμισης του θεάτρου έχουν αλλάξει δραματικά· έχουν μετακινηθεί κυρίως στον τομέα της χρηματοδότησης θεατρικών ομάδων, στην ανάγκη κρατικής στήριξης του πολιτισμού γενικά και των θεάτρων ειδικότερα κ.λπ. Η πιθανή μεταρρύθμιση προκαλεί μεγάλη ποικιλία απόψεων και έντονες συζητήσεις. Τα πρώτα βήματα αυτής της μεταρρύθμισης ήταν το διάταγμα της ρωσικής κυβέρνησης του 2005 για πρόσθετη χρηματοδότηση για ορισμένα θέατρα και εκπαιδευτικά θεατρικά ιδρύματα στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη. Ωστόσο, υπάρχει ακόμη πολύς δρόμος μέχρι τη συστηματική ανάπτυξη ενός προγράμματος μεταρρύθμισης του θεάτρου. Το τι θα είναι είναι ακόμα ασαφές.