Τα μυστικά των πέντε πιο μυστηριωδών πινάκων της Γκαλερί Τρετιακόφ. «Άνισος γάμος» Βασίλι Πουκίρεφ
Η κατανόηση της τέχνης δεν είναι τόσο δύσκολη όσο φαίνεται. Για να γίνει αυτό, δεν είναι απαραίτητο να σπουδάσεις για αρκετά χρόνια για να γίνεις κριτικός τέχνης. Αρκεί να μιλήσετε με ειδικούς που θα σας πουν για διάσημους πίνακες για να τους δείτε αργότερα στο μουσείο απροσδόκητη πλευρά. Λέκτορας εκπαιδευτικό έργοΕπίπεδο 1, η πιστοποιημένη ιστορικός τέχνης Natalya Ignatova αποκάλυψε τα μυστικά των πέντε πιο μυστηριώδεις πίνακες ζωγραφικήςΓκαλερί Tretyakov. Ευχαριστούμε το έργο Level One για το υλικό που μας παρείχε. Χάρη στη δουλειά των ανδρών, πολλοί θα μάθουν να καταλαβαίνουν την ομορφιά και να πάρουν ένα λάκτισμα από αυτήν.
«Bogatyrs», Viktor Vasnetsov, 1898
Ο Βίκτορ Βασνέτσοφ αφιέρωσε ένα σημαντικό μέρος της ζωής του στον πίνακα με τρεις ήρωες των επών και των παραμυθιών. Ο καμβάς είναι ένας από τους κατόχους ρεκόρ του Tretyakov για τον αριθμό των ετών που δαπανήθηκαν για τη δημιουργία του. Ο καλλιτέχνης έκανε το πρώτο σκίτσο το 1871 και ολοκλήρωσε το αριστούργημά του μόνο το 1898.
Σε αντίθεση με τη δημοφιλή πεποίθηση ότι οι ήρωες βγήκαν στο πεδίο μόνο για να κάνουν μια βόλτα και να ερευνήσουν το περιβάλλον, είναι έτοιμοι να ορμήσουν στη μάχη. Ο εχθρός στέκεται στο βάθος, σαν πίσω από τον θεατή, η παρουσία του αποδεικνύεται από τη συγκέντρωση σύννεφων, γεράκια που προσδοκούν τη λεία, αλλά το κύριο πράγμα είναι το εκτεταμένο σπαθί του Dobrynya Nikitich και το τόξο έτοιμο να πυροβολήσει στα χέρια του Alyosha Popovich. Το πρωτότυπο του Ilya Muromets ήταν ο αυτοκράτορας Alexander III, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον Dobrynya Nikitich από τον εαυτό του, αλλά το πρωτότυπο της Alyosha Popovich δεν είναι αξιόπιστα γνωστό, θα μπορούσε να ήταν κοινός - ο Vasnetsov, στη διαδικασία της εργασίας στην εικόνα, ζωγράφισε πολλά πορτρέτα χωρικών, οδηγών ταξί και σιδηρουργών, που, όπως του φαινόταν, έμοιαζαν κάπως με διάσημους χαρακτήρες παραμυθιών.
« Άνισος γάμος", Βασίλι Πουκίρεφ, 1862
Η πλοκή για τον πίνακα προτάθηκε στον Vasily Pukirev από τον φίλο του, καλλιτέχνη Pyotr Shmelkov. Γνώριζε καλά τα έθιμα των πλουσίων και άτομα με επιρροή, για τους οποίους οι κανονισμένοι γάμοι ήταν κοινός τόπος. Ο Πουκίρεφ ευχαρίστησε τον φίλο του για την ιδέα απεικονίζοντάς τον στα δεξιά πίσω από την πλάτη της νύφης. Ο ίδιος ο ζωγράφος είναι επίσης παρών στην εικόνα: ζωγράφισε τον εαυτό του σε προφίλ στην εικόνα του κουμπάρου της νύφης με σταυρωμένα χέρια. Αρχικά, ο καλλιτέχνης δεν σχεδίαζε να βάλει τον εαυτό του στον καμβά: στη θέση του ήταν ένας φίλος του οποίου ο εραστής ήταν παντρεμένος με έναν ηλικιωμένο άνδρα. Επιπλέον, ο φίλος του Πουκίρεφ, λόγω της αρετής οικογενειακές συνθήκεςΑναγκάστηκα να παρευρεθώ σε εκείνον τον δυσάρεστο γάμο ως κουμπάρος.
Στη συνέχεια, ο φίλος ζήτησε από τον καλλιτέχνη να τον αφαιρέσει από τον καμβά, έτσι ώστε οι κοινοί φίλοι και συγγενείς να μην θυμούνται ξανά αυτή την ιστορία. Τότε ο Πουκίρεφ έγραψε ο ίδιος αντί για αυτόν. Εάν χωρίσετε οπτικά τον καμβά διαγώνια από την επάνω δεξιά γωνία προς την κάτω αριστερή γωνία, τότε η νύφη και οι δύο φίλες της θα εμφανιστούν στη δεξιά πλευρά. Ενώ στα αριστερά εικονίζονταν σκόπιμα οι συγγενείς και φίλοι του γαμπρού δυσάρεστα άτομα. Έτσι, ο καμβάς χωρίζεται σε δύο σημασιολογικά μέρη, σαν να προσωποποιεί το καλό και το κακό. Επιπλέον, ο ιερέας καταλήγει στο πλευρό του κακού. Αυτή η τεχνική μαρτυρεί τη δέσμευση του καλλιτέχνη στις αρχές του ρεαλισμού, θέτοντας έτσι το ζήτημα του ρόλου της εκκλησίας στην κοινωνία.
«Καλημέρα μέσα πευκοδάσος", Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky, 1889
Δεν ξέρουν όλοι οι λάτρεις των γλυκών τι... διάσημος πίνακας, το οποίο στη συνέχεια αναπαράχθηκε σε περιτυλίγματα καραμελών σοκολάτες, δούλεψαν δύο καλλιτέχνες. Ο Shishkin ήταν υπεύθυνος για το δάσος και ο Savitsky ήταν υπεύθυνος για τις αρκούδες. Επιπλέον, ήταν ο Σαβίτσκι που σκέφτηκε την πλοκή της ταινίας. Αρχικά υπήρχαν δύο αρκούδες, αλλά στη συνέχεια ο αριθμός τους μεγάλωσε. Ο συλλέκτης Pavel Tretyakov αγόρασε τον πίνακα για 4 χιλιάδες ρούβλια.
Ωστόσο, πιστεύεται ότι ο συλλέκτης δεν άρεσε το έργο του Savitsky. Σύμφωνα με το μύθο, ο Τρετιακόφ είπε: "Τι φοβερές αρκούδες!" Και το όνομα του Σαβίτσκι θολώθηκε στον καμβά: σύμφωνα με μια εκδοχή, έγινε από τον Τρετιακόφ, και σύμφωνα με μια άλλη, ήταν ο ίδιος ο καλλιτέχνης, που προσβλήθηκε, ανίκανος να ανεχθεί την κριτική από τον ιδιοκτήτη της γκαλερί. Η δεξιοτεχνία του Shishkin εκφράζεται στο φωτισμό του δάσους: στις κορυφές των πεύκων ζωγραφίζονται αριστοτεχνικά οι πρώτες ακτίνες του ήλιου, τις οποίες συνήθως δεν παρατηρούν οι θεατές, αποσπώντας την προσοχή από τις φιγούρες των αρκούδων.
«Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», Alexander Ivanov, 1857
Πρώτα εικόνα με νόημαεπί βιβλική ιστορίαΟ Αλέξανδρος Ιβάνοφ έγραψε το 1834. Ήταν «Η εμφάνιση του Αναστάντος Χριστού στη Μαρία τη Μαγδαληνή». Και μόλις τρία χρόνια αργότερα, το 1837, άρχισε να δημιουργεί το κύριο έργο της ζωής του - τον καμβά εποχής «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους». Ο καλλιτέχνης εργάστηκε στον πίνακα για 20 χρόνια στην Ιταλία. Στη διαδικασία δημιουργίας του καμβά έκανε περισσότερες από 500 μελέτες και σκίτσα. Όλοι οι γνώστες της ζωγραφικής στη Ρωσία γνώριζαν ότι ο Ιβάνοφ δούλευε σε έναν μνημειακό καμβά. Τον Μάιο του 1858, ο ζωγράφος αποφάσισε να στείλει τον πίνακα στην Αγία Πετρούπολη. Σύμφωνα με το μύθο, κατά τη διάρκεια του ταξιδιού το πλοίο καταλήφθηκε από μια ισχυρή καταιγίδα. Ο καλλιτέχνης κύλησε τον καμβά σε έναν σωλήνα και τον σήκωσε πάνω από το κεφάλι του - επέλεξε να μην δει το θάνατο του δημιουργήματός του, αλλά να πνιγεί ο ίδιος αν το πλοίο περνούσε κάτω από το νερό.
Ωστόσο, ο καμβάς έφτασε ακόμα στην Αγία Πετρούπολη, όπου εκτέθηκε σε μια από τις αίθουσες της Ακαδημίας Τεχνών. Το κοινό έλαβε την εικόνα ψυχρά - υπήρχαν παράπονα για την πολύ μικρή φιγούρα του Χριστού και για το νερό, που δεν απεικονίζεται με ακαδημαϊκό τρόπο, αλλά με ελεύθερες πινελιές. Είναι περίεργο ότι ο Ιβάνοφ ήταν μπροστά από την εποχή του με αυτή την έννοια, γιατί αργότερα οι ιμπρεσιονιστές θα δούλευαν με παρόμοιο τρόπο. Επιπλέον, ο καμβάς αποδείχθηκε ημιτελής. Στην αριστερή πλευρά μπορείτε να δείτε έναν ηλικιωμένο άνδρα με μια λευκή εσώρουχα, η οποία αντανακλάται στο νερό ως μια κόκκινη κηλίδα. Στα σκίτσα, ο επίδεσμος ήταν πράγματι κόκκινος και ο καλλιτέχνης, προφανώς, απλά ξέχασε να τον ξαναβάψει. Ένα μήνα μετά την παρουσίαση του έργου, ο Ιβάνοφ πέθανε και λίγες ώρες μετά το θάνατό του, ο αυτοκράτορας Αλέξανδρος Β' αγόρασε τον πίνακα για 15.000 ρούβλια. Παρά το γεγονός ότι το ποσό ήταν σημαντικό, αρχικά ο καλλιτέχνης, που αφιέρωσε τη μισή του ζωή σε αυτό το έργο, υπολόγιζε σε πολύ μεγαλύτερη αμοιβή, αλλά, δυστυχώς, δεν κατάφερε να λάβει ούτε αυτά τα χρήματα.
«Η αυλή της Μόσχας», Βασίλι Πολένοφ, 1878
Ο πίνακας του Περιπλανώμενου Βασίλι Πολένοφ σχετίζεται στενά με ένα άλλο έργο του που ονομάζεται «Ο κήπος της γιαγιάς». Και οι δύο καμβάδες απεικονίζουν το ίδιο σπίτι στην περιοχή Arbat, μόνο με διαφορετικές πλευρές. Ο Πολένοφ έγραψε τα δικά του διάσημο έργο, έχοντας μετακομίσει στη Μόσχα από την Αγία Πετρούπολη και εγκαταστάθηκε σε ένα από τα διαμερίσματα του σπιτιού στη διασταύρωση των λωρίδων Durnovsky και Trubnikovsky κοντά στην Εκκλησία του Σωτήρος στις άμμους.
Η θέα που απεικονίζεται στον πίνακα ήταν από το παράθυρό του. Επιπλέον, ο Polenov χρειάστηκε πολύ λίγο χρόνο για να δημιουργήσει το αριστούργημα: στην πραγματικότητα, είναι ένα σκίτσο ζωγραφισμένο από τη ζωή. Για πρώτη φορά στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης συνδύασε δύο είδη - την καθημερινή ζωή και το τοπίο. Το κοινό, κουρασμένο από τους ζοφερούς και καταθλιπτικούς πίνακες των Wanderers, δέχτηκε το εύθυμο ηλιόλουστη εικόναμε χαρά. Κανείς δεν ντρεπόταν καν από τη χωματερή που απεικονίζεται στην κάτω αριστερή γωνία, την οποία οι περισσότεροι θεατές μπερδεύουν ως πηγάδι.
«Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους» του Α.Α. Ιβάνοφ
Α.Α. Ο Ιβάνοφ μπορεί να ονομαστεί «καλλιτέχνης μιας εικόνας». Έγραψε τον επικό πίνακα «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους» για 20 χρόνια. Ο πίνακας απεικονίζει τη στιγμή της καθόδου του Χριστού στον ποταμό Ιορδάνη και τη συνάντησή του με τον Ιωάννη τον Βαπτιστή. Οι πίνακες λειτούργησαν ως πρότυπα για πολλούς από τους χαρακτήρες. πραγματικούς ανθρώπους– συγκεκριμένα, ο ίδιος ο καλλιτέχνης και ο φίλος του N.V. Γκόγκολ.
Ο πίνακας εκτέθηκε στην Αγία Πετρούπολη τον Μάιο του 1858 και ενάμιση μήνα αργότερα ο καλλιτέχνης πέθανε. Όταν το 1925 αποφασίστηκε να μεταφερθεί ο πίνακας στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ, δεν υπήρχε κατάλληλος χώρος για τον τεράστιο καμβά διαστάσεων 5,4 x 7,5 μέτρα και έπρεπε να προστεθεί ένα ξεχωριστό δωμάτιο στο κύριο κτίριο της γκαλερί γι 'αυτό.
☼ ☼ ☼"Ivan the Terrible and his son Ivan 16 November 1581" ("Ivan the Terrible kills his son"), I. E. Repin
Δεν είναι ακόμη γνωστό με βεβαιότητα αν ο Ιβάν ο Τρομερός σκότωσε πραγματικά τον γιο του σε μια κρίση οργής ή αν ήταν ιστορικός θρύλος. Αλλά αυτό δεν έχει σημασία. Στην εικόνα I.E. Ο Ρέπιν απεικονίζει το κύριο πράγμα - τη βαθιά ουσία του κακού, που αναπτύχθηκε από την αρπαγή της εξουσίας, του δεσποτισμού και της ανοχής. Αυτό δεν είναι μόνο ένας εκπληκτικός καμβάς, αλλά και μια σαφής ένδειξη του ανθρώπινου θυμού και μισαλλοδοξίας.
Ο πίνακας «Ιβάν ο Τρομερός» έγινε το πρώτο έργο τέχνης στη ρωσική ιστορία που λογοκρίθηκε. Ο αυτοκράτορας Αλέξανδρος Γ' απαγόρευσε στον Π. Τρετιακόφ, που αγόρασε τον πίνακα, να τον εκθέσει ή να τον δείξει ιδιωτικά. Ο ίδιος ο Τρετιακόφ βίωσε τόσο ισχυρά αρνητικά συναισθηματική επίδρασηαυτό το έργο, ότι έπρεπε να μεταφέρει τον καμβά σε ξεχωριστό δωμάτιο. Το 1913, ο πίνακας υπέστη βανδαλισμό - τον έκοψε ένας ανισόρροπος αγιογράφος Παλαιόπιστος. Το 2013, μια ομάδα επιθετικών Ορθόδοξοι ακτιβιστέςπροσπάθησε να οργανώσει την αφαίρεση του πίνακα από την έκθεση του μουσείου.
☼ ☼ ☼“The Apotheosis of War” του V.V. Vereshchagin
«Η Αποθέωση του Πολέμου» είναι ένας βαθιά συμβολικός πίνακας του διάσημου ζωγράφου μάχης Vereshchagin, ο οποίος είχε την ευκαιρία να συμμετάσχει σε εχθροπραξίες σε όλο τον κόσμο, από τα Βαλκάνια μέχρι το Τουρκεστάν, την Ινδία και την Κίνα. Αυτή είναι μια φωτεινή και εκφραστική διαμαρτυρία ενάντια στους πολέμους και τη βία.
Ο ίδιος ο Vereshchagin, με πικρή ειρωνεία, όρισε το είδος της ζωγραφικής του ως εξής: "εκτός από τα κοράκια, τότε αυτή είναι μια νεκρή φύση, μεταφρασμένη από τα γαλλικά ως "νεκρή φύση". Πράγματι, ένα τεράστιο βουνό από κρανία, κομμένα από σπαθιά και τρυπημένα από σφαίρες, σε μια ξεραμένη πέτρινη έρημο κάτω από έναν λαμπερό γαλάζιο ουρανό είναι η «νεκρή φύση», το φυσικό αποτέλεσμα οποιωνδήποτε στρατιωτικών συγκρούσεων. Στο πλαίσιο της εικόνας υπάρχει μια επιγραφή: «Αφιερωμένο σε όλους τους μεγάλους κατακτητές - παρελθόν, παρόν και μέλλον».
☼ ☼ ☼"Boyaryna Morozova" V. I. Surikov
Επος ιστορική ζωγραφικήγράφτηκε από τον V. Surikov με βάση το "The Tale of Boyarina Morozova" - μια βιογραφία της ηρωίδας του κινήματος Old Believer, που ήταν δημοφιλής στις περιοχές της Σιβηρίας της πατρίδας του. Ο πίνακας "Boyaryna Morozova" παραμένει ακόμα ένας από τους κεντρικούς στην έκθεση της Γκαλερί Tretyakov. Οι κριτικοί της εποχής το συνέκριναν με ένα «περσικό χαλί» για την απεικόνιση ενός ετερόκλητου, πολύπλευρου πλήθους που σχηματίζει ένα είδος «μοτίβου». Αξίζει να σημειωθεί ότι τα πρόσωπα όλων των χαρακτήρων που απεικονίζονται, ακόμη και των δευτερευόντων, είναι αυστηρά ατομικά και προσεκτικά σχεδιασμένα. Για αυτόν τον πίνακα, ο Surikov δημιούργησε περισσότερα από εκατό σκίτσα πορτρέτου!
☼ ☼ ☼«The Lacemaker» V. A. Tropinin
Μέχρι την ηλικία των 47 ετών ο Β.Α. Ο Τροπινίν ήταν δουλοπάροικος. Είναι αλήθεια ότι ο ιδιοκτήτης του, ο κόμης Μόρκοφ, παρατήρησε το καλλιτεχνικό ταλέντο του νεαρού και τον έστειλε να σπουδάσει στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης για αρκετά χρόνια, αλλά αργότερα ο Τροπινίν αναγκάστηκε να για πολλά χρόνιασυνδυάζουν τα καθήκοντα ενός αυλικού ζωγράφου και ενός υπηρέτη. Έλαβε την ελευθερία του μόνο το 1823 και την ίδια χρονιά ζωγράφισε τον πίνακα "The Lacemaker", ο οποίος εξέπληξε κριτικούς τέχνηςλυρισμός και αυθορμητισμός. Το έργο διαποτίζεται από πνεύμα οικειότητας και χαράς καθημερινή ζωή. Καλόψυχος γυναικείες εικόνεςΟ Τροπινίν έγινε κλασικός της ρωσικής ζωγραφικής και ο ίδιος ονομαζόταν «Ρώσος Ρέμπραντ».
☼ ☼ ☼«Πρωί σε ένα πευκοδάσος» I. Shishkin, K. Savitsky
Ο πίνακας «Πρωί σε ένα πευκοδάσος» είναι πιο γνωστός στη Ρωσία ως λαϊκό όνομα"Τρεις αρκούδες" Κατά τη σοβιετική εποχή, παράγονται δημοφιλείς καραμέλες σοκολάτας "Bear-toed Bear", το περιτύλιγμα των οποίων περιείχε μια αναπαραγωγή αυτού του έργου. Στην πραγματικότητα, υπάρχουν τέσσερις αρκούδες στην εικόνα, όχι τρεις. Το αιωνόβιο πευκοδάσος καλυμμένο με πρωινή ομίχλη ανήκει στη βούρτσα τέλειος κύριοςτοπίο του I. Shishkin, αστεία αρκουδάκια ζωγράφισε ο καλλιτέχνης Konstantin Savitsky. Αλλά μετά την απόκτηση του πίνακα, ο Π. Τρετιακόφ έσβησε την υπογραφή του Σαβίτσκι, οπότε η συγγραφή του αποδόθηκε από καιρό μόνο στον Σίσκιν.
☼ ☼ ☼“The Seated Demon” M. Vrubel
Οι εικόνες των δαιμόνων του Vrubel είναι ένα μοναδικό φαινόμενο στη ρωσική ζωγραφική. Δεν έχουν καμία σχέση με τη βιβλική ενσάρκωση του κακού. Οι δαίμονες του Vrubel προσωποποιούν τη δύναμη και το μεγαλείο ανθρώπινο πνεύμα, κυριευμένος από αμφιβολίες, θλίψη και βάσανα. Η πιο εκφραστική σε αυτή τη συλλογή εικόνων είναι το "Seated Demon". Ενσαρκώνεται στην εικόνα ενός νεαρού άνδρα, σαν να βρίσκεται ανάμεσα στο πάνω και το κάτω άκρο της εικόνας με φόντο ένα λαμπερό ηλιοβασίλεμα. Η επίδραση του άγχους και της σύγχυσης τονίζεται από το συγκεκριμένο, μοναδικό στυλ ζωγραφικής του Vrubel - αιχμηρές, δονητικές πινελιές που θυμίζουν μωσαϊκό. Σε αντίθεση με τη δημοφιλή πεποίθηση, το "The Demon" γράφτηκε πριν ακόμα ο Vrubel αρχίσει να εικονογραφεί ομώνυμο ποίημαΛέρμοντοφ.
☼ ☼ ☼“Bogatyrs” V. Vasnetsov
Το «Μπογατύρι» δεν είναι μόνο το πιο διάσημος πίνακας V. Vasnetsov, αλλά και από τους πιο δημοφιλείς έργα τέχνηςστη Ρωσία. Το ξέρουν όλοι, μικροί και μεγάλοι, τις περισσότερες φορές με το όνομα «Τρεις Ήρωες». Το ηρωικό θέμα είναι η βάση της λαϊκής μυθολογίας της Ρωσίας. Τα ονόματα των Ilya Muromets, Dobrynya Nikitich και Alyosha Popovich, γενναίων υπερασπιστών του ρωσικού λαού, μας είναι γνωστά από την παιδική ηλικία.
Ο V. Vasnetsov ζωγράφιζε τον πίνακα "Bogatyrs" για περισσότερα από 20 χρόνια, φέρνοντας κάθε λεπτομέρεια στην τελειότητα. Θεώρησε αυτό το έργο «δημιουργικό του καθήκον, υποχρέωση προς τον γενέθλιο λαό του». Ο φιλάνθρωπος Savva Mamontov έχτισε ένα ξεχωριστό περίπτερο στο κτήμα Abramtsevo, όπου ο Vasnetsov μπορούσε να εργαστεί σε έναν τεράστιο καμβά. Το πρωτότυπο του Ilya Muromets ήταν ο σιδηρουργός από το Abramtsevo Ivan Petrov, Alyosha Popovich - ο μικρότερος γιοςΜαμόντοβα Αντρέι. Αλλά Dobrynya Nikitich - συλλογική εικόναο ίδιος ο καλλιτέχνης, ο πατέρας και ο παππούς του.
☼ ☼ ☼“Girl with Peaches” του V.A. Serov
Το “Girl with Peaches” είναι ένα από τα πιο χαρούμενα, φρέσκα και λυρικά πίνακες ζωγραφικής τέλη XIXαιώνας. Γράφτηκε από τον εικοσιδύοχρονο V. Serov στο Abramtsevo, το κτήμα του φιλάνθρωπου Savva Mamontov, όπου μαζευόταν συχνά ο κόσμος διάσημους καλλιτέχνεςεκείνης της εποχής. Το πορτρέτο απεικονίζει την κόρη του ιδιοκτήτη, τη 12χρονη Βέρα Μαμόντοβα. Παρεμπιπτόντως, τα ροδάκινα που στρώθηκαν στο τραπέζι δεν έφεραν καθόλου από ζεστές περιοχές, καλλιεργήθηκαν στο θερμοκήπιο του κτήματος από έναν βιρτουόζο κηπουρό. Αργότερα, ο Β. Σέροφ έγινε ένας από τους καλύτερους προσωπογράφους στην Ευρώπη και απαθανάτισε πολλούς διάσημους σύγχρονους, αλλά το Girl with Peaches εξακολουθεί να είναι το πιο διάσημο έργο του.
☼ ☼ ☼“Bathing the Red Horse” του Κ.Π. Petrov-Vodkin
Το “The Bathing of the Red Horse” του K. Petrov-Vodkin είναι ένα από τα πιο ασυνήθιστα και συμβολικά πίνακες ζωγραφικήςαρχές του εικοστού αιώνα. Η αρχική σφαιρική προοπτική και το χρωματικό σχέδιο του πίνακα δημιουργήθηκαν υπό την επίδραση των παραδόσεων της ρωσικής αγιογραφίας και των ιταλικών τοιχογραφιών. Όταν οι κριτικοί κατηγόρησαν τον καλλιτέχνη ότι δεν υπήρχαν κόκκινα άλογα, τους έδειξε αρχαίες ρωσικές εικόνες στις οποίες τα άλογα είχαν το ίδιο χρώμα. Στη ρωσική αγιογραφία, το κόκκινο χρώμα σημαίνει το μεγαλείο της ζωής και μερικές φορές τη θυσία. Οι σύγχρονοι θεωρούσαν τη ζωγραφική του Petrov-Vodkin προφητική και συνέδεσαν το κόκκινο άλογο με τη Ρωσία, την οποία ο νεαρός, εύθραυστος αναβάτης δεν μπορούσε να κρατήσει.
Εάν εντοπίσετε τυπογραφικό λάθος ή λάθος, επιλέξτε το τμήμα του κειμένου που το περιέχει και πατήστε Ctrl + ↵
Παιδιά, βάζουμε την ψυχή μας στο site. Σας ευχαριστώ για αυτό
ότι ανακαλύπτεις αυτή την ομορφιά. Ευχαριστώ για την έμπνευση και την έμπνευση.
Ελάτε μαζί μας FacebookΚαι VKontakte
Μόνο για να δείτε με τα μάτια σας τους πίνακες "Κορίτσι με ροδάκινα", "Οι πύργοι έχουν φτάσει", "Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους", "Πρωί σε ένα πευκοδάσος" και πολλά άλλα έργα της Ρωσικής γλώσσας καλές τέχνες, οικείο ακόμα και σε όλους τους ανθρώπους μακριά από τη ζωγραφική περιτυλίγματα καραμελώνκαι μιμίδια στο Διαδίκτυο.
δικτυακός τόποςψαχούλεψε τη συλλογή μουσείο τέχνηςκαι διάλεξε 10 πίνακες από ενδιαφέρουσα ιστορία. Ελπίζουμε ότι θα σας εμπνεύσουν να επισκεφτείτε τη Γκαλερί Τρετιακόφ.
«Η αποθέωση του πολέμου» Vasily Vereshchagin
Ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1871 υπό την εντύπωση των στρατιωτικών επιχειρήσεων στο Τουρκεστάν, που κατέπληξαν τους αυτόπτες μάρτυρες με τη σκληρότητά τους. Αρχικά, ο καμβάς ονομαζόταν «Ο θρίαμβος του Ταμερλάνου», του οποίου τα στρατεύματα άφησαν πίσω τους τέτοιες πυραμίδες κρανίων. Σύμφωνα με την ιστορία, μια μέρα οι γυναίκες της Βαγδάτης και της Δαμασκού στράφηκαν στον Ταμερλάνο, παραπονούμενοι για τους συζύγους τους, βυθισμένους στις αμαρτίες και την ακολασία. Τότε ο σκληρός διοικητής διέταξε κάθε στρατιώτη από τον 200.000 στρατό του να φέρει το κομμένο κεφάλι των διεφθαρμένων συζύγων τους. Μετά την εκτέλεση της εντολής, στρώθηκαν 7 πυραμίδες κεφαλών.
«Άνισος γάμος» Βασίλι Πουκίρεφ
Ο πίνακας απεικονίζει τη διαδικασία του γάμου σε Ορθόδοξη εκκλησία. Μια νεαρή νύφη χωρίς προίκα παντρεύεται έναν ηλικιωμένο υπάλληλο παρά τη θέλησή της. Σύμφωνα με μια εκδοχή, στην εικόνα - δράμα αγάπηςο ίδιος ο καλλιτέχνης. Το πρωτότυπο στην εικόνα της νύφης είναι η αποτυχημένη νύφη του Vasily Pukirev. Και στην εικόνα του κουμπάρου, που απεικονίζεται στην άκρη της εικόνας πίσω από τη νύφη, με τα χέρια σταυρωμένα στο στήθος, είναι ο ίδιος ο καλλιτέχνης.
"Boyaryna Morozova" Vasily Surikov
Ο γιγαντιαίος σε μέγεθος (304 x 586 cm) πίνακας του Vasily Surikov απεικονίζει μια σκηνή από την ιστορία εκκλησιαστικό σχίσματον 17ο αιώνα. Ο πίνακας είναι αφιερωμένος στη Feodosia Prokopievna Morozova, συνεργάτιδα του πνευματικού ηγέτη των υποστηρικτών της παλιάς πίστης, Αρχιερέα Avvakum. Γύρω στο 1670 έγινε κρυφά μοναχή, το 1671 συνελήφθη και το 1673 στάλθηκε στο μοναστήρι Pafnutiev-Borovsky, όπου πέθανε από την πείνα σε μια χωμάτινη φυλακή.
Ο πίνακας απεικονίζει ένα επεισόδιο όταν η ευγενής Μορόζοβα μεταφέρεται γύρω από τη Μόσχα στον τόπο της φυλάκισης. Δίπλα στη Μορόζοβα είναι η αδερφή της Ευδοκία Ουρούσοβα, η οποία μοιράστηκε τη μοίρα του σχισματικού. στα βάθη είναι ένας περιπλανώμενος, στο πρόσωπο του οποίου μπορεί κανείς να διαβάσει τα χαρακτηριστικά ενός καλλιτέχνη.
«Δεν το περιμέναμε» Ίλια Ρέπιν
Ο δεύτερος πίνακας, ζωγραφισμένος μεταξύ 1884 και 1888, απεικονίζει την απροσδόκητη επιστροφή στην πατρίδα ενός πολιτικού εξόριστου. Το αγόρι και η γυναίκα στο πιάνο (προφανώς η σύζυγός του) είναι χαρούμενοι, το κορίτσι δείχνει επιφυλακτικό, η υπηρέτρια δείχνει δύσπιστα και βαθύ συναισθηματικό σοκ γίνεται αισθητό στην καμπουριασμένη φιγούρα της μητέρας στο πρώτο πλάνο.
Επί του παρόντος, και οι δύο πίνακες αποτελούν μέρος της συλλογής Tretyakov Gallery.
«Τριάδα» Αντρέι Ρούμπλεφ
Η Πινακοθήκη Tretyakov διαθέτει μια πλούσια συλλογή από αρχαία ρωσική ζωγραφική από τον 11ο έως τον 17ο αιώνα, συμπεριλαμβανομένων έργων του Διονυσίου, του Simon Ushakov και του Andrei Rublev. Στο δωμάτιο 60 της γκαλερί κρέμεται μια από τις πιο διάσημες και διάσημες εικόνες στον κόσμο - «Η Τριάδα», ζωγραφισμένη από τον Αντρέι Ρούμπλεφ το πρώτο τέταρτο του 15ου αιώνα. Τρεις άγγελοι συγκεντρώθηκαν γύρω από το τραπέζι στο οποίο στεκόταν το κύπελλο της θυσίας για μια ήσυχη, χωρίς βιασύνη συνομιλία.
Το «The Trinity» φυλάσσεται στην αίθουσα της αρχαίας ρωσικής ζωγραφικής στην Πινακοθήκη Tretyakov, σε ένα ειδικό γυάλινο ντουλάπι στο οποίο διατηρείται σταθερή υγρασία και θερμοκρασία και προστατεύει την εικόνα από κάθε εξωτερική επιρροή.
«Άγνωστος» Ivan Kramskoy
Η τοποθεσία της ταινίας είναι αναμφισβήτητη - είναι η Nevsky Prospekt στην Αγία Πετρούπολη, η γέφυρα Anichkov. Αλλά η εικόνα μιας γυναίκας εξακολουθεί να παραμένει μυστήριο για τον καλλιτέχνη. Ο Kramskoy δεν άφησε καμία αναφορά σε κάποιο άγνωστο πρόσωπο ούτε στα γράμματά του ούτε στα ημερολόγιά του. Οι κριτικοί συνέδεσαν αυτήν την εικόνα με την Άννα Καρένινα του Λέοντος Τολστόι, με τη Ναστάσια Φιλίπποβνα του Φιοντόρ Ντοστογιέφσκι και ονομάστηκαν ονόματα διάσημων κυριών του κόσμου. Υπάρχει επίσης μια εκδοχή ότι ο πίνακας απεικονίζει την κόρη του καλλιτέχνη, Σοφία Ιβάνοβνα Κράμσκαγια.
ΣΕ Σοβιετική εποχήΤο «Άγνωστο» του Kramskoy έχει γίνει σχεδόν ρωσικό Σιξτίνα Μαντόνα- ιδανικό απόκοσμη ομορφιάκαι πνευματικότητα. Και κρεμόταν σε κάθε αξιοπρεπές σοβιετικό σπίτι.
"Bogatyrs" Viktor Vasnetsov
Ο Βασνέτσοφ ζωγράφιζε αυτή την εικόνα για σχεδόν είκοσι χρόνια. Στις 23 Απριλίου 1898 ολοκληρώθηκε και σύντομα αγοράστηκε από τον P. M. Tretyakov για τη γκαλερί του.
Στα έπη, ο Dobrynya είναι πάντα νέος, όπως ο Alyosha, αλλά για κάποιο λόγο ο Vasnetsov τον απεικόνισε ως έναν ώριμο άνδρα με πολυτελή γένια. Ορισμένοι ερευνητές πιστεύουν ότι τα χαρακτηριστικά του προσώπου του Dobrynya μοιάζουν με τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Το πρωτότυπο για τον Ilya Muromets ήταν ο χωρικός της επαρχίας Βλαντιμίρ Ιβάν Πετρόφ, τον οποίο ο Βασνέτσοφ είχε συλλάβει προηγουμένως σε ένα από τα σκίτσα του.
Παρεμπιπτόντως, ο Ilya Muromets δεν είναι χαρακτήρας παραμυθιού, Α ιστορικό πρόσωπο. Η ιστορία της ζωής του και κατορθώματα των όπλων- Αυτό πραγματικά γεγονότα. Έχοντας γεράσει και έχοντας ολοκληρώσει τους κόπους του για την προστασία της πατρίδας του, έγινε μοναχός του μοναστηριού του Κιέβου Pechersk, όπου και πέθανε το 1188.
«Λούζοντας το κόκκινο άλογο» Kuzma Petrov-Vodkin
Ο πίνακας "The Bathing of the Red Horse", ο οποίος εξέπληξε τους σύγχρονους με τη μνημειακότητα και τη μοίρα του, έφερε τον καλλιτέχνη Kuzma Petrov-Vodkin παγκόσμια φήμη. Το κόκκινο άλογο λειτουργεί ως η μοίρα της Ρωσίας, την οποία ο εύθραυστος και νεαρός αναβάτης δεν μπορεί να κρατήσει. Σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, το κόκκινο άλογο είναι η ίδια η Ρωσία. Σε αυτή την περίπτωση, δεν μπορεί να μην σημειωθεί το προφητικό δώρο του καλλιτέχνη, ο οποίος προέβλεψε συμβολικά με τη ζωγραφική του την «κόκκινη» μοίρα της Ρωσίας τον 20ό αιώνα.
Ο Petrov-Vodkin στήριξε το άλογο σε έναν πραγματικό επιβήτορα που ονομάζεται Boy. Για να δημιουργήσει την εικόνα ενός εφήβου που κάθεται σε ένα άλογο, ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε τα χαρακτηριστικά του μαθητή του, καλλιτέχνη Sergei Kalmykov: «Για την ενημέρωση των μελλοντικών μεταγλωττιστών της μονογραφίας μου. Ο αγαπητός μας Kuzma Sergeevich με απεικόνισε πάνω σε ένα κόκκινο άλογο. ...Στην εικόνα ενός αδύναμου νεαρού σε αυτό το πανό, απεικονίζομαι αυτοπροσώπως».
«Η Πριγκίπισσα των Κύκνων» Μιχαήλ Βρούμπελ
Ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1900 με βάση τη σκηνική εικόνα της ηρωίδας της όπερας του N. A. Rimsky-Korsakov "The Tale of Tsar Saltan" με βάση την πλοκή ομώνυμο παραμύθιΑ. Σ. Πούσκιν. Ο Vrubel σχεδίασε αυτήν την παράσταση και το μέρος της Πριγκίπισσας του Κύκνου ερμήνευσε η σύζυγος του καλλιτέχνη Nadezhda Zabela-Vrubel. «Όλοι οι τραγουδιστές τραγουδούν σαν πουλιά, αλλά η Nadya τραγουδάει σαν άνθρωπος!» - Ο Βρούμπελ μίλησε για αυτήν.
Αυτοί οι καλλιτέχνες εκπλήσσουν με το ταλέντο τους και τον τρόπο που δημιουργούν τους υπερρεαλιστικούς πίνακές τους. Είναι δύσκολο να το πιστέψει κανείς, αλλά δεν πρόκειται για φωτογραφίες, αλλά για πραγματικούς πίνακες ζωγραφισμένους με μολύβι, μπογιές και ακόμη και στυλό. Δεν καταλαβαίνουμε πώς το κάνουν;! Απλά απολαύστε τη δημιουργικότητά τους.
Ομάρ Όριτζ- υπερρεαλιστής καλλιτέχνης από το Μεξικό, B.A. γραφικό σχέδιο. Το κύριο θέμα των έργων του είναι ανθρώπινες φιγούρες, κυρίως γυμνές γυναίκες. Στον πίνακα, ο καλλιτέχνης εντοπίζει τρία στοιχεία: την ανθρώπινη φιγούρα, ντραπέ υφάσματα, λευκό. Χαρακτηριστικά των έργων του Omar - μινιμαλιστικό στυλ, λακωνισμός στη μεταφορά των λεπτών καμπυλών και γραμμών του αμαξώματος, ελαιουργία.
Paul Cadden — σύγχρονος καλλιτέχνηςπαγκόσμιας κλάσης από τη Σκωτία. Για τα έργα του, ο Paul χρησιμοποιεί μόνο λευκή κιμωλία και γραφίτη, με τους οποίους μπορεί να αναδημιουργήσει σχεδόν κάθε φωτογραφία, δίνοντας προσοχή σε ανεπαίσθητες μικρές λεπτομέρειες. Όπως ο ίδιος ο καλλιτέχνης παραδέχεται, δεν επινοεί νέες λεπτομέρειες, αλλά μόνο τις τονίζει, δημιουργώντας έτσι την ψευδαίσθηση νέα πραγματικότητα, το οποίο συχνά δεν είναι ορατό στις πρωτότυπες φωτογραφίες.
Kamalky Laureano- καλλιτέχνης γεννημένος στη Δομινικανή Δημοκρατία το 1983, σήμερα ζει και εργάζεται στην Πόλη του Μεξικού. Ο Καμάλκι αποφοίτησε από τη Σχολή Σχεδίου και Τέχνης και ειδικεύεται στη δημιουργία υπερρεαλιστικών πορτρέτων. Οι σκηνές είναι δύσκολο να ξεχωρίσουν από τις πραγματικές φωτογραφίες, αν και είναι γραμμένες ακρυλικά χρώματασε καμβά. Για τον συγγραφέα, το έργο του δεν είναι απλώς μια μίμηση φωτογραφιών, αλλά μια ολόκληρη ζωή ενσαρκωμένη σε καμβά.
Γκρέγκορι Θίλκερ- Γεννημένος στο Νιου Τζέρσεϊ το 1979, σπούδασε ιστορία τέχνης και ζωγραφική στο Πανεπιστήμιο της Ουάσιγκτον. Η μετακόμιση στη Βοστώνη έγινε η αφετηρία για τη δουλειά του πάνω στα υπερρεαλιστικά αστικά τοπία που τον έκαναν διάσημο σε όλο τον κόσμο. Οι πίνακες του Τίλκερ είναι σαν να ταξιδεύεις με αυτοκίνητο μια κρύα βροχερή μέρα. Εμπνευσμένος από τα έργα καλλιτεχνών της δεκαετίας του '70, ο συγγραφέας δημιουργεί ρεαλιστικούς πίνακές του χρησιμοποιώντας ακουαρέλες και λαδομπογιές.
Λι Πράιςείναι καλλιτέχνης από τη Νέα Υόρκη, αποφοίτησε από το πανεπιστήμιο με πτυχίο ζωγραφικής και ειδικεύεται στην εικονιστική ζωγραφική. Η κύρια πλοκή των έργων του Λι είναι δύσκολη σχέσηγυναίκες για φαγητό. Λες και ο θεατής παρακολουθεί απ' έξω τις γυναίκες που τρώνε κρυφά κάτι νόστιμο, αλλά βλαβερό. Η ίδια η καλλιτέχνης λέει ότι στα έργα της προσπαθεί να δείξει το γεγονός ότι οι γυναίκες προικίζουν το φαγητό με ιδιότητες που δεν είναι εγγενείς σε αυτό και αναζητούν παρηγοριά σε μια ακατάλληλη πηγή. Οι πίνακες μεταφέρουν τον παραλογισμό της κατάστασης, μια προσπάθεια απόδρασης από την πραγματικότητα, να απαλύνουν τις δυσάρεστες αισθήσεις.
Μπεν Γουάινεργεννήθηκε στις 10 Νοεμβρίου 1980 στο Μπέρλινγκτον του Βερμόντ, αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο Τέχνης, ζωγραφίζει με λάδια σε καμβά. Η ιδιαιτερότητα των έργων του καλλιτέχνη είναι μια ασυνήθιστη πλοκή. Ο Μπεν ζωγραφίζει! Αρχικά, ο καλλιτέχνης εφαρμόζει μπογιές στην επιφάνεια εργασίας, τις φωτογραφίζει και μετά τελειωμένη φωτογραφίαζωγραφίζει μια εικόνα σε καμβά.
Γεννημένος το 1950 στη Βόρεια Καλιφόρνια, είναι γνωστός για τα ρεαλιστικά ακρυλικά έργα του σε καμβά. Ως παιδί, ο συγγραφέας μοιράστηκε την αγάπη του για το σχέδιο με την επιτυχία του στον αθλητισμό, αλλά ένας τραυματισμός στην πλάτη καθόρισε το κύριο επάγγελμα του Ρέι. Όπως παραδέχτηκε ο καλλιτέχνης, το σχέδιο τον αποσπούσε την προσοχή από τον συνεχή πόνο στην πλάτη. Ο κύριος είναι ακόμα μέσα πρώιμα χρόνιαέλαβε ευρεία αποδοχήκαι πολλά βραβεία σε καλλιτεχνικούς διαγωνισμούς.
Alyssa Monksζει και δημιουργεί τους πίνακές της στο Μπρούκλιν, έχει γίνει ευρέως γνωστή για τους ρεαλιστικούς «υγρούς» πίνακές της. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί φίλτρα όπως νερό, γυαλί ή ατμός για να δημιουργήσει αφηρημένα σχέδια. Για τη δουλειά της, η Alyssa χρησιμοποιεί συχνά φωτογραφίες από τα προσωπικά αρχεία της οικογένειας και των φίλων της. Γυναικεία πρόσωπακαι οι φιγούρες στους πίνακες είναι παρόμοιες μεταξύ τους - η καλλιτέχνης συχνά ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες, καθώς ισχυρίζεται ότι της είναι «πιο εύκολο» να δημιουργήσει την απαραίτητη πλοκή.
Πέδρο Κάμπος- υπερρεαλιστής από τη Μαδρίτη, άρχισε να ζωγραφίζει με λάδια μόλις σε ηλικία 30 ετών. Ο καλλιτέχνης δημιουργεί τις ρεαλιστικές νεκρές φύσεις του χρησιμοποιώντας λαδομπογιά. Ο Κάμπος έχει εργαστεί ως διακοσμητής εσωτερικών χώρων, εικονογράφος και επισκευαστής τέχνης επίπλων, γλυπτών και έργων ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης πιστεύει ότι ήταν η δουλειά του ως αναστηλωτής που τον βοήθησε να βελτιώσει τις δεξιότητές του.
Ντιρκ Τζιμίρσκι- καλλιτέχνης από τη Γερμανία, γεννημένος το 1969, έλαβε καλλιτεχνική εκπαίδευση, εργάζεται στην τεχνική του μολυβιού. Ο καλλιτέχνης σχεδιάζει εικόνες από φωτογραφίες, χωρίς να μπαίνει στις παραμικρές λεπτομέρειες, και αυτοσχεδιάζει πολύ. Ο Dirk λέει ότι όταν εργάζεται σε έναν πίνακα, φαντάζεται ένα ζωντανό μοντέλο, επομένως χρησιμοποιεί φωτογραφίες μόνο για να αποδώσει πλήρως προκαθορισμένες αναλογίες. Ο συγγραφέας θεωρεί ότι το κύριο καθήκον του είναι να δημιουργήσει μια αίσθηση της παρουσίας του θέματος στην εικόνα.
Thomas Arvidείναι ένας Αμερικανός υπερρεαλιστής καλλιτέχνης από τη Νέα Ορλεάνη, ο οποίος γεννήθηκε και μεγάλωσε στο Ντιτρόιτ, δεν έχει επίσημη εκπαίδευση και είναι κύριος της λεγόμενης «υπερμεγέθους» νεκρής φύσης. Η σειρά του ρεαλιστικούς πίνακες ζωγραφικής«Κελάρι κρασιού» σημαίνει φελλούς, μπουκάλια, ποτήρια με αφρώδη ή βαθυκόκκινα ποτά. Έγκριτοι κριτικοί και δημοσιεύσεις σημείωσαν περισσότερα από 70 έργα του καλλιτέχνη. Οι πίνακες του πλοιάρχου κοσμούν όχι μόνο τους τοίχους των οινοποιείων και των διάσημων σαλονιών κρασιού, αλλά και ιδιωτικές συλλογές και γκαλερί.
Ρόμπιν ΈλιΓεννήθηκε στη Βρετανία, μεγάλωσε και συνεχίζει να ζει και να εργάζεται στην Αυστραλία, είναι κάτοχος Bachelor of Fine Arts και του έχει απονεμηθεί το Εθνικό Βραβείο Πορτραίτου Doug Moran. Δημιουργεί τους υπερρεαλιστικούς πίνακές του με λάδια και θεωρεί ότι το θέμα «άνθρωποι και σελοφάν» είναι το κύριο «άλογο» του. Ο πλοίαρχος δουλεύει σε έναν πίνακα για περίπου 5 εβδομάδες, 90 ώρες την εβδομάδα, σχεδόν κάθε πίνακας απεικονίζει ανθρώπους τυλιγμένους σε σελοφάν.
Σάμουελ Σίλβα- Πορτογάλος ερασιτέχνης καλλιτέχνης ειδική αγωγή, που αποδεικνύει με προσωπικό παράδειγμα ότι μπορείς να δημιουργήσεις ένα αριστούργημα από οτιδήποτε. Όταν δημιουργεί πίνακες ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί μια παλέτα οκτώ χρωμάτων στυλό από την Bic. Ο Σίλβα είναι δικηγόρος στο επάγγελμα και θεωρεί ότι το πάθος του για το σχέδιο δεν είναι τίποτα άλλο από ένα χόμπι. Σήμερα, ο παγκοσμίου φήμης αυτοδίδακτος καλλιτέχνης κατακτά νέες τεχνικές ζωγραφικής χρησιμοποιώντας χρώματα, κιμωλία, χρωματιστά μολύβια, παστέλ κ.λπ.
Gottfried Helnwein — Αυστριακός καλλιτέχνης, συγγραφέας υπερρεαλιστικών πινάκων με θέμα κοινωνικά, πολιτικά και ιστορικά θέματα, «ο κύριος της απροσδόκητης αναγνώρισης», όπως τον αποκάλεσε ο συγγραφέας W. Burroughs. Ο συγγραφέας σπούδασε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Βιέννης και είναι καλλιτέχνης υψηλού επαγγελματικού επιπέδου. Η φήμη του δόθηκε σε κάποιο βαθμό από αμφιλεγόμενα θέματα και σουρεαλιστικές συνθέσεις. Ο κύριος συχνά απεικόνιζε χαρακτήρες κόμικ στους πίνακές του και παραδέχεται ότι «έμαθε περισσότερα από τον Ντόναλντ Ντακ παρά σε όλα τα σχολεία που φοίτησε».
Φράνκο Κλουν- Ιταλός αυτοδίδακτος καλλιτέχνης που όλοι οι άλλοι καλλιτεχνικές τεχνικέςπροτιμά το σχέδιο με γραφίτη. Οι ασπρόμαυροι ρεαλιστικοί πίνακές του είναι το αποτέλεσμα αυτοδιδασκαλίαΦράνκο ποικίλη λογοτεχνία για τεχνικές σχεδίασης.
Κέλβιν Οκαφόρ- υπερρεαλιστής καλλιτέχνης, γεννημένος το 1985, ζει και εργάζεται στο Λονδίνο. Ο Kelvin έλαβε πτυχίο καλών τεχνών από το Πανεπιστήμιο Middlesex. Ο συγγραφέας δημιουργεί τους πίνακές του με ένα απλό μολύβι, το κύριο θέμα των έργων του είναι τα πορτρέτα διασημοτήτων.
Έιμι Ρόμπινςείναι μια Βρετανίδα καλλιτέχνης που χρησιμοποιεί χρωματιστά μολύβια και χαρτί κατασκευής για τα υπερρεαλιστικά της έργα. Ο καλλιτέχνης έχει ένα υπόβαθρο τέχνης και σχεδίου και πτυχίο BA Fine Art και ζει και εργάζεται στο Μπρίστολ. Για νεαρός συγγραφέαςλίγα είναι γνωστά, αλλά τα έργα της έχουν ήδη γίνει διάσημα σε όλο τον κόσμο, εντυπωσιακά με τον ρεαλισμό και την τεχνική εκτέλεσής τους.
Ρόμπερτ Λόνγκο ( Ρόμπερτ Λόνγκο) - Αμερικανός καλλιτέχνης και γλύπτης, γεννημένος στο Μπρούκλιν το 1953, απένειμε το θρυλικό βραβείο Goslar Kaiser Ring. Οι τρισδιάστατες εικόνες σας πυρηνικές εκρήξεις, ανεμοστρόβιλοι, τυφώνες και καρχαρίες, ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει με κάρβουνο σε χαρτί. Ο Λόνγκο αποκαλείται συχνά ο «ζωγράφος του θανάτου». Διάσημος πίνακας ζωγραφικήςΤο Untitled (Skull Island), με ένα κύμα, πουλήθηκε στον οίκο Christie's στο Λονδίνο για 392.000 δολάρια.
Ντιέγκο Φάζιο- αυτοδίδακτος καλλιτέχνης, γεννημένος το 1989 στην Ιταλία, έχει αρ καλλιτεχνική εκπαίδευση, ξεκίνησε αναπτύσσοντας σκίτσα για τατουάζ και με τον καιρό ανέπτυξε τη δική του τεχνική σχεδίασης. Ο νεαρός καλλιτέχνης συμμετείχε σε πολλά διεθνείς διαγωνισμούς, όπου κρατούσε βραβεία, έχει παρουσιαστεί σε εκθέσεις σε όλο τον κόσμο. Ο καλλιτέχνης εργάζεται με το ψευδώνυμο DiegoKoi.
Μπράιαν Ντρούριγεννημένος το 1980 στο Σολτ Λέικ Σίτι, έχει δίπλωμα από την Ακαδημία Τεχνών της Νέας Υόρκης, δημιουργεί πίνακες στο είδος του ρεαλισμού. Ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει τους πίνακές του χρησιμοποιώντας λαδομπογιές. Όπως παραδέχεται ο συγγραφέας, στα έργα του προσπαθεί να εστιάσει στις οργανικές ιδιότητες του δέρματος και στις ελλείψεις του.
Στιβ Μιλςείναι ένας Αμερικανός καλλιτέχνης που πούλησε τον πρώτο του πίνακα σε ηλικία 11 ετών. Ο καλλιτέχνης δημιουργεί τους πίνακές του με λαδομπογιές, εστιάζοντας στις πιο μικρές λεπτομέρειες της καθημερινότητας, που συχνά δεν παρατηρούμε στην αιώνια βιασύνη μας. Ο καλλιτέχνης σημειώνει ότι απεικονίζει τα αντικείμενα όπως υπάρχουν πραγματική ζωή, χωρίς να αλλάζουν ή να υπερβάλλουν την αρχική τους μορφή.
Paul Lungγεννημένος στο Χονγκ Κονγκ, ζωγραφίζει με αυτόματο μολύβι σε φύλλα Α2. Η ιδιαιτερότητα της τεχνικής δημιουργίας πινάκων είναι η θεμελιώδης άρνηση χρήσης γόμας όλα τα έργα σχεδιάζονται πλήρως. Οι κύριες «μούσες» του καλλιτέχνη είναι οι γάτες, αν και ζωγραφίζει επίσης ανθρώπους και άλλα ζώα. Κάθε έργο χρειάζεται στον συγγραφέα τουλάχιστον 40 ώρες.
Ρομπέρτο Μπερνάρντιγεννήθηκε στην Ιταλία, άρχισε να ενδιαφέρεται για τον υπερρεαλισμό σε ηλικία 19 ετών, εργάστηκε ως αναστηλωτής στην εκκλησία του San Francesco. Χρησιμοποιείται για τη δημιουργία ζωγραφικής λαδομπογιές. Μια σειρά έργων που απεικονίζουν αντικείμενα χαρακτηριστικά μιας καταναλωτικής κοινωνίας έφεραν στον καλλιτέχνη παγκόσμια φήμη. Εικόνες με γλυκά, μηχανήματα αυτόματης πώλησης, ράφια ψυγείου - επαγγελματική κάρτακαλλιτέχνη, αν και το οπλοστάσιό του περιλαμβάνει τοπία, νεκρές φύσεις και πολλά άλλα.
Χουάν Φρανσίσκο Κάσας — Ισπανός καλλιτέχνης, ο οποίος δημιουργεί τους πίνακές του με ένα κανονικό στυλό Bic. Ο Casas ήταν ένας παραδοσιακός καλλιτέχνης που αποφάσισε να αποδείξει στους άλλους ότι δεν είναι το υλικό για τη δουλειά που είναι σημαντικό, αλλά η μέθοδος και η τεχνική της ζωγραφικής. Η πρώτη έκθεση του δημιουργικού Ισπανού τον έφερε παγκόσμια φήμη. Οι περισσότεροι πίνακες του Casas απεικονίζουν τους φίλους του.
Τερέζα Έλιοτ - Αμερικανός καλλιτέχνης, ο οποίος πριν δημιουργήσει ρεαλιστικές ελαιογραφίες, εργάστηκε με επιτυχία ως εικονογράφος για 26 χρόνια. Η Τερέζα έχει πτυχίο B.A. καλές τέχνες, επιστρέφοντας στο κλασική τέχνη, έγινε διάσημη σε όλο τον κόσμο χάρη στις αληθινές ιστορίες της τις πιο μικρές λεπτομέρειεςπορτραίτα.
Η κατανόηση της τέχνης δεν είναι τόσο δύσκολη όσο φαίνεται. Για να γίνει αυτό, δεν είναι απαραίτητο να σπουδάσεις για αρκετά χρόνια για να γίνεις κριτικός τέχνης. Αρκεί να επικοινωνήσετε με ειδικούς που θα σας πουν για διάσημους πίνακες με τέτοιο τρόπο που αργότερα στο μουσείο μπορείτε να τους δείτε από μια απροσδόκητη πλευρά.
Η καθηγήτρια του εκπαιδευτικού έργου Level One, η πιστοποιημένη ιστορικός τέχνης Natalya Ignatova αποκάλυψε τα μυστικά των πέντε πιο μυστηριωδών πινάκων της Γκαλερί Tretyakov.
Ειδήσεις και γεγονόταδημοσιεύει αυτό το καταπληκτικό υλικό για τον αναγνώστη του.
«Bogatyrs», Viktor Vasnetsov, 1898
Ο Βίκτορ Βασνέτσοφ αφιέρωσε ένα σημαντικό μέρος της ζωής του στον πίνακα με τρεις ήρωες των επών και των παραμυθιών. Ο καμβάς είναι ένας από τους κατόχους ρεκόρ του Tretyakov για τον αριθμό των ετών που δαπανήθηκαν για τη δημιουργία του. Ο καλλιτέχνης έκανε το πρώτο σκίτσο το 1871 και ολοκλήρωσε το αριστούργημά του μόνο το 1898.
Σε αντίθεση με τη δημοφιλή πεποίθηση ότι οι ήρωες βγήκαν στο πεδίο μόνο για να κάνουν μια βόλτα και να ερευνήσουν το περιβάλλον, είναι έτοιμοι να ορμήσουν στη μάχη. Ο εχθρός στέκεται στο βάθος, σαν πίσω από τον θεατή, η παρουσία του αποδεικνύεται από τη συγκέντρωση σύννεφων, γεράκια που προσδοκούν τη λεία, αλλά το κύριο πράγμα είναι το εκτεταμένο σπαθί του Dobrynya Nikitich και το τόξο έτοιμο να πυροβολήσει στα χέρια του Alyosha Popovich.
Το πρωτότυπο του Ilya Muromets ήταν ο αυτοκράτορας Alexander III, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον Dobrynya Nikitich από τον εαυτό του, αλλά το πρωτότυπο της Alyosha Popovich δεν είναι αξιόπιστα γνωστό, θα μπορούσε να ήταν κοινός - ο Vasnetsov, στη διαδικασία της εργασίας στην εικόνα, ζωγράφισε πολλά πορτρέτα χωρικών, οδηγών ταξί και σιδηρουργών, που, όπως του φαινόταν, έμοιαζαν κάπως με διάσημους χαρακτήρες παραμυθιών.
«Άνισος γάμος», Βασίλι Πουκίρεφ, 1862
Η πλοκή για τον πίνακα προτάθηκε στον Vasily Pukirev από τον φίλο του, καλλιτέχνη Pyotr Shmelkov. Γνώριζε καλά τα έθιμα των πλούσιων και ισχυρών ανθρώπων, για τους οποίους οι κανονισμένοι γάμοι ήταν κοινός τόπος. Ο Πουκίρεφ ευχαρίστησε τον φίλο του για την ιδέα απεικονίζοντάς τον στα δεξιά πίσω από την πλάτη της νύφης. Ο ίδιος ο ζωγράφος είναι επίσης παρών στην εικόνα: ζωγράφισε τον εαυτό του σε προφίλ στην εικόνα του κουμπάρου της νύφης με σταυρωμένα χέρια. Αρχικά, ο καλλιτέχνης δεν σχεδίαζε να βάλει τον εαυτό του στον καμβά: στη θέση του ήταν ένας φίλος του οποίου ο εραστής ήταν παντρεμένος με έναν ηλικιωμένο άνδρα. Επιπλέον, ο φίλος του Πουκίρεφ, λόγω οικογενειακών συνθηκών, αναγκάστηκε να παραστεί σε εκείνον τον δυσάρεστο γάμο ως κουμπάρος.
Στη συνέχεια, ο φίλος ζήτησε από τον καλλιτέχνη να τον αφαιρέσει από τον καμβά, έτσι ώστε οι κοινοί φίλοι και συγγενείς να μην θυμούνται ξανά αυτή την ιστορία. Τότε ο Πουκίρεφ έγραψε ο ίδιος αντί για αυτόν. Εάν χωρίσετε οπτικά τον καμβά διαγώνια από την επάνω δεξιά γωνία προς την κάτω αριστερή γωνία, τότε η νύφη και οι δύο φίλες της θα εμφανιστούν στη δεξιά πλευρά. Ενώ στα αριστερά είναι οι συγγενείς και οι φίλοι του γαμπρού, που σκόπιμα απεικονίζονται ως δυσάρεστα άτομα. Έτσι, ο καμβάς χωρίζεται σε δύο σημασιολογικά μέρη, σαν να προσωποποιεί το καλό και το κακό. Επιπλέον, ο ιερέας καταλήγει στο πλευρό του κακού. Αυτή η τεχνική μαρτυρεί τη δέσμευση του καλλιτέχνη στις αρχές του ρεαλισμού, θέτοντας έτσι το ζήτημα του ρόλου της εκκλησίας στην κοινωνία.
«Πρωί σε ένα πευκοδάσος», Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky, 1889
Δεν γνωρίζουν όλοι οι λάτρεις των γλυκών ότι δύο καλλιτέχνες εργάστηκαν πάνω στον διάσημο πίνακα, ο οποίος στη συνέχεια αντιγράφηκε σε περιτυλίγματα καραμέλας σοκολάτας. Ο Shishkin ήταν υπεύθυνος για το δάσος και ο Savitsky ήταν υπεύθυνος για τις αρκούδες. Επιπλέον, ήταν ο Σαβίτσκι που σκέφτηκε την πλοκή της ταινίας. Αρχικά υπήρχαν δύο αρκούδες, αλλά στη συνέχεια ο αριθμός τους μεγάλωσε. Ο συλλέκτης Pavel Tretyakov αγόρασε τον πίνακα για 4 χιλιάδες ρούβλια.
Ωστόσο, πιστεύεται ότι ο συλλέκτης δεν άρεσε το έργο του Savitsky. Σύμφωνα με το μύθο, ο Τρετιακόφ είπε: "Τι φοβερές αρκούδες!" Και το όνομα του Σαβίτσκι θολώθηκε στον καμβά: σύμφωνα με μια εκδοχή, έγινε από τον Τρετιακόφ, και σύμφωνα με μια άλλη, ήταν ο ίδιος ο καλλιτέχνης, που προσβλήθηκε, ανίκανος να ανεχθεί την κριτική από τον ιδιοκτήτη της γκαλερί. Η δεξιοτεχνία του Shishkin εκφράζεται στο φωτισμό του δάσους: στις κορυφές των πεύκων ζωγραφίζονται αριστοτεχνικά οι πρώτες ακτίνες του ήλιου, τις οποίες συνήθως δεν παρατηρούν οι θεατές, αποσπώντας την προσοχή από τις φιγούρες των αρκούδων.
«Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», Alexander Ivanov, 1857
Ο Alexander Ivanov ζωγράφισε τον πρώτο σημαντικό πίνακα βασισμένο σε μια βιβλική ιστορία το 1834. Ήταν «Η εμφάνιση του Αναστάντος Χριστού στη Μαρία τη Μαγδαληνή». Και μόλις τρία χρόνια αργότερα, το 1837, άρχισε να δημιουργεί το κύριο έργο της ζωής του - τον καμβά εποχής «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους». Ο καλλιτέχνης εργάστηκε στον πίνακα για 20 χρόνια στην Ιταλία. Στη διαδικασία δημιουργίας του καμβά έκανε περισσότερες από 500 μελέτες και σκίτσα. Όλοι οι γνώστες της ζωγραφικής στη Ρωσία γνώριζαν ότι ο Ιβάνοφ δούλευε σε έναν μνημειακό καμβά. Τον Μάιο του 1858, ο ζωγράφος αποφάσισε να στείλει τον πίνακα στην Αγία Πετρούπολη. Σύμφωνα με το μύθο, κατά τη διάρκεια του ταξιδιού το πλοίο καταλήφθηκε από μια ισχυρή καταιγίδα. Ο καλλιτέχνης κύλησε τον καμβά σε έναν σωλήνα και τον σήκωσε πάνω από το κεφάλι του - επέλεξε να μην δει το θάνατο του δημιουργήματός του, αλλά να πνιγεί ο ίδιος αν το πλοίο περνούσε κάτω από το νερό.
Ωστόσο, ο καμβάς έφτασε ακόμα στην Αγία Πετρούπολη, όπου εκτέθηκε σε μια από τις αίθουσες της Ακαδημίας Τεχνών. Το κοινό έλαβε την εικόνα ψυχρά - υπήρχαν παράπονα για την πολύ μικρή φιγούρα του Χριστού και για το νερό, που δεν απεικονίζεται με ακαδημαϊκό τρόπο, αλλά με ελεύθερες πινελιές. Είναι περίεργο ότι ο Ιβάνοφ ήταν μπροστά από την εποχή του με αυτή την έννοια, γιατί αργότερα οι ιμπρεσιονιστές θα δούλευαν με παρόμοιο τρόπο. Επιπλέον, ο καμβάς αποδείχθηκε ημιτελής. Στην αριστερή πλευρά μπορείτε να δείτε έναν ηλικιωμένο άνδρα με μια λευκή εσώρουχα, η οποία αντανακλάται στο νερό ως μια κόκκινη κηλίδα. Στα σκίτσα, ο επίδεσμος ήταν πράγματι κόκκινος και ο καλλιτέχνης, προφανώς, απλά ξέχασε να τον ξαναβάψει. Ένα μήνα μετά την παρουσίαση του έργου, ο Ιβάνοφ πέθανε και λίγες ώρες μετά το θάνατό του, ο αυτοκράτορας Αλέξανδρος Β' αγόρασε τον πίνακα για 15.000 ρούβλια. Παρά το γεγονός ότι το ποσό ήταν σημαντικό, αρχικά ο καλλιτέχνης, που αφιέρωσε τη μισή του ζωή σε αυτό το έργο, υπολόγιζε σε πολύ μεγαλύτερη αμοιβή, αλλά, δυστυχώς, δεν κατάφερε να λάβει ούτε αυτά τα χρήματα.
«Η αυλή της Μόσχας», Βασίλι Πολένοφ, 1878
Ο πίνακας του Περιπλανώμενου Βασίλι Πολένοφ σχετίζεται στενά με ένα άλλο έργο του που ονομάζεται «Ο κήπος της γιαγιάς». Και οι δύο καμβάδες απεικονίζουν το ίδιο σπίτι στην περιοχή Arbat, μόνο από διαφορετικές πλευρές. Ο Πολένοφ έγραψε το πιο διάσημο έργο του αφού μετακόμισε στη Μόσχα από την Αγία Πετρούπολη και εγκαταστάθηκε σε ένα από τα διαμερίσματα του κτιρίου στη διασταύρωση των λωρίδων Durnovsky και Trubnikovsky κοντά στην Εκκλησία του Σωτήρος στις άμμους.
Η θέα που απεικονίζεται στον πίνακα ήταν από το παράθυρό του. Επιπλέον, ο Polenov χρειάστηκε πολύ λίγο χρόνο για να δημιουργήσει το αριστούργημα: στην πραγματικότητα, είναι ένα σκίτσο ζωγραφισμένο από τη ζωή. Για πρώτη φορά στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, ο καλλιτέχνης συνδύασε δύο είδη - την καθημερινή ζωή και το τοπίο. Το κοινό, κουρασμένο από τους ζοφερούς και καταθλιπτικούς πίνακες των Wanderers, δέχτηκε τη χαρούμενη ηλιόλουστη εικόνα με χαρά. Κανείς δεν ντρεπόταν καν από τη χωματερή που απεικονίζεται στην κάτω αριστερή γωνία, την οποία οι περισσότεροι θεατές μπερδεύουν ως πηγάδι.
