Αμερικάνικο γκόθικ. Η ιστορία ενός πίνακα

Grant DeVolson Wood (1891-1942)- διάσημος Αμερικανός ρεαλιστής καλλιτέχνης, ή με άλλα λόγια - περιφερειάρχης. Κέρδισε μεγάλη φήμη χάρη στους πίνακές του αφιερωμένους στην αγροτική ζωή στην αμερικανική μεσοδυτική περιοχή.

Αρχικά, λίγα λόγια για τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Ο Γκραντ γεννήθηκε σε οικογένεια αγρότη σε μια μικρή πόλη στην Αϊόβα. Δυστυχώς, για πολύ καιρό δεν μπορούσε να ζωγραφίσει. Ο Κουάκερος πατέρας του -δηλαδή μέλος μιας θρησκευτικής χριστιανικής αίρεσης- είχε μια προκατειλημμένη αρνητική στάση απέναντι στην τέχνη. Μόνο μετά το θάνατό του ο Γουντ μπόρεσε να ασχοληθεί με τη ζωγραφική. Εισήλθε στη Σχολή Τεχνών του Πανεπιστημίου του Σικάγο. Στη συνέχεια έκανε τέσσερα ταξίδια στην Ευρώπη, όπου μελέτησε διάφορες κατευθύνσεις για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Τα πρώτα του έργα ανήκαν στον ιμπρεσιονισμό και τον μετα-ιμπρεσιονισμό. Τα πιο διάσημα από αυτά είναι το σπίτι της γιαγιάς που κατοικεί σε ένα δάσος, 1926 και The Bay of Naples's View, 1925.

Δύο εντελώς διαφορετικά έργα, άψογα εκτελεσμένα στο παρουσιαζόμενο στυλ. Αν το «Σπίτι της Γιαγιάς στο Δάσος» είναι γραμμένο με χρωματικό σχέδιο άμμου και είναι γεμάτο φως και ζεστασιά, τότε το δεύτερο τοπίο εκπέμπει κυριολεκτικά ψυχρότητα. Ο καμβάς, τον οποίο ο κύριος ζωγράφισε με σκούρα χρώματα -μαύρο, μπλε και σκούρο πράσινο- απεικονίζει δέντρα λυγισμένα από τον άνεμο. Ίσως, όπως και άλλοι συγγραφείς που ζωγραφίζουν με το μετα-ιμπρεσιονιστικό στυλ και προσπαθούν να απεικονίσουν τη μνημειακότητα των πραγμάτων, ο Wood ήθελε να δείξει το μεγαλείο της καταιγίδας, μπροστά στην οποία υποκλίνονται ακόμη και τα δέντρα.

Λίγο αργότερα, ο καλλιτέχνης γνώρισε τους πίνακες των Γερμανών και Φλαμανδών δασκάλων του 16ου αιώνα. Τότε ήταν που ο Wood άρχισε να ζωγραφίζει ρεαλιστικά, και σε ορισμένα σημεία ακόμη και υπερβολικά ρεαλιστικά, τοπία και πορτρέτα. Ο τοπικισμός, στον οποίο στράφηκε ο κύριος, είναι μια κατεύθυνση της οποίας η κύρια ιδέα είναι ένα καλλιτεχνικό έργο της «ουσίας» μιας εθνοπολιτιστικής περιοχής. Στη Ρωσία υπάρχει ένα ανάλογο αυτού του όρου - "τοπικισμός" ή "pochvennichestvo".

Πολλοί άνθρωποι πιθανώς συνδέουν την εικόνα της αγροτικής ζωής στις αμερικανικές μεσοδυτικές πολιτείες με το διάσημο πορτρέτο μιας γυναίκας και ενός άνδρα με ένα πιρούνι που στέκονται μπροστά από ένα σπίτι. Και όχι μάταια, γιατί ήταν ο Grant Wood που έγραψε αυτόν τον διάσημο πίνακα - "American Gothic" (American Gothic, 1930). Είναι απίθανο ο καλλιτέχνης να μπορούσε να φανταστεί ότι το έργο του θα γινόταν ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα και παρωδικά στην αμερικανική τέχνη.

Και όλα ξεκίνησαν με ένα μικρό λευκό σπίτι σε στυλ Carpenter Gothic, το οποίο είδε στην πόλη Eldon. Ο Γκραντ ήθελε να το απεικονίσει και τους ανθρώπους που θα μπορούσαν να ζήσουν εκεί. Το πρωτότυπο της κόρης του αγρότη ήταν η αδερφή του Nan και το μοντέλο για τον ίδιο τον αγρότη ήταν ο οδοντίατρος Byron McKeeby. Το πορτρέτο μπήκε σε διαγωνισμό στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο, όπου παραμένει μέχρι σήμερα.

"Αμερικάνικο γκόθικ"- πίνακας του Αμερικανού καλλιτέχνη Grant Wood, που δημιουργήθηκε το 1930. Μια από τις πιο αναγνωρίσιμες εικόνες στην αμερικανική τέχνη του 20ου αιώνα.

Ο πίνακας απεικονίζει έναν αγρότη και την κόρη του με φόντο ένα σπίτι χτισμένο σε γοτθικό στιλ Carpenter. Στο δεξί χέρι του αγρότη είναι ένα πιρούνι, το οποίο κρατά με σφιχτά σφιγμένη γροθιά, όπως ακριβώς κρατά ένα όπλο. Ο Wood κατάφερε να μεταδώσει τη μη ελκυστικότητα πατέρα και κόρης - σφιχτά συμπιεσμένα χείλη και το βαρύ, προκλητικό βλέμμα του πατέρα, ο αγκώνας του εκτεθειμένος μπροστά στην κόρη του, τα τραβηγμένα μαλλιά της μόνο με μια χαλαρή μπούκλα, το κεφάλι και τα μάτια της ελαφρώς στραμμένα προς τον πατέρα της. γεμάτος αγανάκτηση ή αγανάκτηση. Η κόρη είναι ντυμένη με μια τυπική αμερικάνικη ποδιά του 19ου αιώνα και οι ραφές στα ρούχα του αγρότη μοιάζουν με ένα πιρούνι στο χέρι του. Το περίγραμμα ενός πιρουνιού φαίνεται επίσης στα παράθυρα του σπιτιού στο βάθος. Πίσω από τη γυναίκα υπάρχουν γλάστρες με λουλούδια και ένα κωδωνοστάσιο εκκλησίας στο βάθος, και πίσω από τον άνδρα είναι ένας αχυρώνας. Η σύνθεση του πίνακα θυμίζει αμερικανικές φωτογραφίες του τέλους του 19ου αιώνα.

ΣΕ 1 Το 930, στην πόλη Έλντον της Αϊόβα, ο Γκραντ Γουντ παρατήρησε ένα μικρό λευκό σπίτι σε γοτθικό στιλ Carpenter. Ήθελε να απεικονίσει αυτό το σπίτι και τους ανθρώπους που, κατά τη γνώμη του, μπορούσαν να ζήσουν σε αυτό. Η αδερφή του καλλιτέχνη Nan υπηρέτησε ως μοντέλο για την κόρη του αγρότη και το μοντέλο για τον ίδιο τον αγρότη ήταν ο Byron McKeeby ( Μπάιρον ΜακΚίμπι), οδοντίατρος καλλιτέχνη από το Cedar Rapids ( Cedar Rapids) στην Αϊόβα. Το ξύλο έβαψε το σπίτι και τους ανθρώπους χωριστά, το σκηνικό όπως το βλέπουμε στην εικόνα δεν συνέβη ποτέ στην πραγματικότητα.

Ο Wood παρουσίασε το American Gothic σε διαγωνισμό στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο. Οι κριτές τον επαίνεσαν ως χιουμοριστικό του Αγίου Βαλεντίνου, αλλά ο επιμελητής του μουσείου τους έπεισε να δώσουν στον συγγραφέα ένα βραβείο 300 δολαρίων και έπεισε το Ινστιτούτο Τέχνης να αγοράσει τον πίνακα, όπου παραμένει μέχρι σήμερα. Σύντομα η εικόνα δημοσιεύτηκε σε εφημερίδες στο Σικάγο, τη Νέα Υόρκη, τη Βοστώνη, το Κάνσας Σίτι και την Ινδιανάπολη. Ωστόσο, μετά από δημοσίευση σε εφημερίδα Cedar Rapids, υπήρξε αρνητική αντίδραση. Οι κάτοικοι της Αϊόβα ήταν θυμωμένοι με τον τρόπο που τους απεικόνισε ο καλλιτέχνης. Ένας αγρότης μάλιστα απείλησε να δαγκώσει το αυτί του Βουντού.)))

Ο Γκραντ Γουντ δικαιολογήθηκε ότι δεν ήθελε να κάνει μια καρικατούρα των Αϊοουανών, αλλά ένα συλλογικό πορτρέτο Αμερικανών. Η αδερφή του Γουντ προσβλήθηκε γιατί στον πίνακα θα μπορούσε να την παρεξηγήσουν με τη σύζυγο ενός άντρα διπλάσιου ηλικίας της.

Οι κριτικοί πίστευαν ότι η ταινία ήταν μια σάτιρα για την αγροτική ζωή σε μικρές αμερικανικές πόλεις. Ωστόσο, κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης, η στάση απέναντι στον πίνακα άλλαξε. Έφτασε να θεωρηθεί ως απεικόνιση του ακλόνητου πνεύματος των Αμερικανών πρωτοπόρων.

Όσον αφορά τον αριθμό των αντιγράφων, των παρωδιών και των υπαινιγμών στη λαϊκή κουλτούρα, το American Gothic βρίσκεται δίπλα σε αριστουργήματα όπως η Μόνα Λίζα του Λεονάρντο και η Κραυγή του Μουνκ.

Η αδερφή του καλλιτέχνη και ο οδοντίατρός του, από τον οποίο βασίστηκε ο πίνακας.

Το έργο του φωτογράφου Gordon Parks θεωρείται η πρώτη παρωδία.

Έχουν δημιουργηθεί αμέτρητες παρωδίες, εδώ είναι το μικρότερο μέρος:

Γοτθική ζωγραφική: πίνακες ζωγραφικής, βιτρό και μινιατούρες βιβλίων του 13ου-15ου αιώνα.

112 jpg | 770 ~ 2539 px | 138,05 mb

γοτθικός- μια περίοδος ανάπτυξης της μεσαιωνικής τέχνης, που καλύπτει σχεδόν όλους τους τομείς του υλικού πολιτισμού και αναπτύσσεται στη Δυτική, την Κεντρική και εν μέρει την Ανατολική Ευρώπη από τον 12ο έως τον 15ο αιώνα. Το γοτθικό αντικατέστησε το ρομανικό στυλ, εκτοπίζοντάς το σταδιακά. Αν και ο όρος "γοτθικό στυλ" χρησιμοποιείται συχνότερα σε αρχιτεκτονικές κατασκευές, το γοτθικό κάλυπτε επίσης γλυπτική, ζωγραφική, μινιατούρες βιβλίων, φορεσιές, στολίδια κ.λπ.

Το γοτθικό στυλ ξεκίνησε στα μέσα του 12ου αιώνα στη βόρεια Γαλλία, τον 13ο αιώνα, εξαπλώθηκε στην επικράτεια της σύγχρονης Γερμανίας, της Αυστρίας, της Τσεχικής Δημοκρατίας, της Ισπανίας και της Αγγλίας. Το γοτθικό διείσδυσε στην Ιταλία αργότερα, με μεγάλη δυσκολία και ισχυρό μετασχηματισμό, που οδήγησε στην εμφάνιση του «ιταλικού γοτθικού». Στα τέλη του 14ου αιώνα, η Ευρώπη σάρωσε από το λεγόμενο Διεθνές Γοτθικό. Το γοτθικό διείσδυσε στις χώρες της Ανατολικής Ευρώπης αργότερα και παρέμεινε εκεί λίγο περισσότερο - μέχρι τον 16ο αιώνα.

Ο όρος «νεογοτθικό» χρησιμοποιείται σε κτίρια και έργα τέχνης που περιέχουν χαρακτηριστικά γοτθικά στοιχεία, αλλά δημιουργήθηκαν κατά την εκλεκτική περίοδο (μέσα του 19ου αιώνα) και αργότερα.

Προέλευση του όρου

Η λέξη προέρχεται από τα ιταλικά. gotico - ασυνήθιστο, βάρβαρο - (Goten - βάρβαροι· αυτό το στυλ δεν έχει καμία σχέση με τους ιστορικούς Γότθους), και χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά ως εκθετικό. Για πρώτη φορά, η έννοια με τη σύγχρονη έννοια χρησιμοποιήθηκε από τον Giorgio Vasari προκειμένου να διαχωρίσει την Αναγέννηση από τον Μεσαίωνα. Η γοτθική ολοκλήρωσε την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής μεσαιωνικής τέχνης, που προέκυψε με βάση τα επιτεύγματα του ρωμανικού πολιτισμού, και στην Αναγέννηση (Αναγέννηση) η τέχνη του Μεσαίωνα θεωρήθηκε «βάρβαρη». Η γοτθική τέχνη είχε λατρευτικό σκοπό και θρησκευτικό θέμα. Απευθυνόταν στις υψηλότερες θεϊκές δυνάμεις, την αιωνιότητα και τη χριστιανική κοσμοθεωρία.

Το γοτθικό στην ανάπτυξή του χωρίζεται σε πρώιμο γοτθικό, ακραίο, ύστερο γοτθικό.

Η μετάβαση από τη ρωμανική ζωγραφική στη γοτθική ζωγραφική δεν ήταν καθόλου ομαλή και ανεπαίσθητη. Η «διαφανής» δομή του γοτθικού καθεδρικού ναού, στην οποία το επίπεδο του τοίχου έδωσε τη θέση του σε διακοσμητικά στολίδια και τεράστια παράθυρα, απέκλεισε τη δυνατότητα άφθονης εικονογραφικής διακόσμησης. Η γέννηση του γοτθικού καθεδρικού ναού συνέπεσε με την περίοδο της υψηλότερης άνθησης της ρωμανικής ζωγραφικής, ιδιαίτερα των τοιχογραφιών. Σύντομα όμως άλλα είδη καλών τεχνών άρχισαν να παίζουν κυρίαρχο ρόλο στη διακόσμηση των κτιρίων ναών και η ζωγραφική υποβιβάστηκε σε δευτερεύοντες ρόλους.

Γοτθικό βιτρό

Η αντικατάσταση των κενών τοίχων στους γοτθικούς καθεδρικούς ναούς με τεράστια παράθυρα οδήγησε στην σχεδόν καθολική εξαφάνιση μνημειακών έργων ζωγραφικής, που έπαιξαν τόσο μεγάλο ρόλο στη ρωμανική τέχνη του 11ου και 12ου αιώνα. Η τοιχογραφία αντικαταστάθηκε από βιτρό - ένα μοναδικό είδος ζωγραφικής στον οποίο η εικόνα αποτελείται από κομμάτια έγχρωμου βαμμένου γυαλιού, που συνδέονται μεταξύ τους με στενές λωρίδες μολύβδου και καλύπτονται με σιδερένια εξαρτήματα. Το βιτρό εμφανίστηκε, προφανώς, στην εποχή της Καρολίγγειας, αλλά έλαβε πλήρη ανάπτυξη και διανομή μόνο κατά τη μετάβαση από τη ρωμανική στη γοτθική τέχνη.

Παράθυρα βιτρό του καθεδρικού ναού του Καντέρμπουρυ.

Οι τεράστιες επιφάνειες των παραθύρων ήταν γεμάτες με βιτρό συνθέσεις που αναπαρήγαγαν παραδοσιακές θρησκευτικές σκηνές, ιστορικά γεγονότα, σκηνές εργασίας και λογοτεχνικά θέματα. Κάθε παράθυρο αποτελούνταν από μια σειρά εικονιστικών συνθέσεων κλεισμένες σε μετάλλια. Η τεχνική του χρωματισμένου γυαλιού, που καθιστά δυνατό τον συνδυασμό των αρχών του χρώματος και του φωτός της ζωγραφικής, προσέδωσε μια ιδιαίτερη συναισθηματικότητα σε αυτές τις συνθέσεις. Κόκκινο, κίτρινο, πράσινο, μπλε γυαλί, κομμένο σύμφωνα με το περίγραμμα του σχεδίου, κάηκε σαν πολύτιμα πετράδια, μεταμορφώνοντας ολόκληρο το εσωτερικό του ναού. Το γοτθικό έγχρωμο γυαλί δημιούργησε νέες αισθητικές αξίες - έδωσε στη βαφή την υψηλότερη ηχητικότητα του καθαρού χρώματος. Δημιουργώντας μια ατμόσφαιρα χρωματιστού αέρα, το βιτρό έγινε αντιληπτό ως πηγή φωτός. Τα βιτρό που τοποθετήθηκαν στα ανοίγματα των παραθύρων γέμισαν τον εσωτερικό χώρο του καθεδρικού ναού με φως, βαμμένα σε απαλά και ηχηρά χρώματα, που δημιούργησαν ένα εξαιρετικό καλλιτεχνικό αποτέλεσμα. Οι όψιμες γοτθικές εικονογραφικές συνθέσεις που έγιναν με την τεχνική της τέμπερας ή τα έγχρωμα ανάγλυφα που διακοσμούσαν τον βωμό και το περιβάλλον του βωμού διακρίνονταν επίσης από τη φωτεινότητα των χρωμάτων τους.

Στα μέσα του 13ου αι. σύνθετα χρώματα εισάγονται στη χρωματική γκάμα, τα οποία σχηματίζονται με διπλό γυαλί (Sainte Chapelle, 1250). Τα περιγράμματα του σχεδίου στο γυαλί εφαρμόστηκαν με καφέ σμάλτο, τα σχήματα ήταν επίπεδα.

Γοτθικό στυλ σε μινιατούρες βιβλίων

Έφτασε στην ακμή του στη Γαλλία τον 13ο-14ο αιώνα. η τέχνη της μινιατούρας βιβλίων, στην οποία εκδηλώνεται η κοσμική αρχή.

Η εμφάνιση της σελίδας άλλαξε στο γοτθικό χειρόγραφο. Η εικονογράφηση, ηχηρή με καθαρά χρώματα, περιλαμβάνει ρεαλιστικές λεπτομέρειες, μαζί με φυτικά στολίδια - θρησκευτικές και καθημερινές σκηνές. Η χρήση της γραφής με οξεία γωνία, η οποία διαμορφώθηκε πλήρως στα τέλη του 12ου αιώνα, έδωσε στο κείμενο την εμφάνιση ενός μοτίβου διάτρητου, στο οποίο παρεμβάλλονται αρχικά διάφορα είδη και μεγέθη. Ένα φύλλο γοτθικού χειρογράφου με διάσπαρτα αρχικά οικοπέδου και μικρά κεφαλαία γράμματα, που είχε διακοσμητικά κλαδιά σε μορφή έλικες, έδινε την εντύπωση φιλιγκράν με ένθετα από πολύτιμους λίθους και σμάλτα.

Απρίλιος. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουργκ για το Βιβλίο των Ωρών του Δούκα του Μπέρι.

Σε χειρόγραφα του δεύτερου μισού του 13ου αιώνα, χαρακτηριστικό γνώρισμα ήταν το περίγραμμα που πλαισίωνε το περιθώριο του φύλλου. Στις μπούκλες του στολιδιού που τοποθετήθηκαν στα περιθώρια, καθώς και στις οριζόντιες γραμμές του κάδρου, οι καλλιτέχνες τοποθέτησαν μικρές φιγούρες και σκηνές εποικοδομητικής, κωμικής ή είδος. Δεν σχετίζονταν πάντα με το περιεχόμενο του χειρογράφου, προέκυψαν ως προϊόν της φαντασίας του μικρογράφου και ονομάζονταν «droleri» - διασκέδαση. Ελεύθερες από τις συμβάσεις του εικονογραφικού κανόνα, αυτές οι μορφές άρχισαν να κινούνται γρήγορα και να χειρονομούν κινούμενα. Τα Droleri σε χειρόγραφα, σχεδιασμένα από τον Παριζιάνο μάστορα Jean Pussel (Τρίτη Πέμ. XIV αιώνας), διακρίνονται για τη γενναιόδωρη φαντασία τους. Τα έργα του καλλιτέχνη δείχνουν λογική σαφήνεια και λεπτή γεύση του σχολείου της πρωτεύουσας.

Στις μινιατούρες των βιβλίων της ύστερης γοτθικής εποχής, οι ρεαλιστικές τάσεις εκφράστηκαν με ιδιαίτερο αυθορμητισμό και οι πρώτες επιτυχίες σημειώθηκαν στην απεικόνιση τοπίων και καθημερινών σκηνών. Οι μινιατούρες του «The Richest Book of Hours of the Duke of Berry» (περ. 1411-16), που σχεδιάστηκε από τους αδελφούς Limburg, απεικονίζουν ποιητικά και αυθεντικά σκηνές κοινωνικής ζωής, αγροτικής εργασίας και τοπία που προέβλεπαν την τέχνη του η Βόρεια Αναγέννηση.

Η γοτθική τέχνη είναι ένας σημαντικός κρίκος στη γενική διαδικασία του πολιτισμού. Τα γοτθικά έργα, γεμάτα πνευματικότητα και μεγαλείο, έχουν μια μοναδική αισθητική γοητεία. Τα ρεαλιστικά κέρδη του γοτθικού στυλ προετοίμασαν τη μετάβαση στην τέχνη της Αναγέννησης.

Η βασική κατεύθυνση της τέχνης του Μεσαίωνα ήταν γοτθικός.

Κάλυψε τον πολιτισμό που αναπτύχθηκε στις περισσότερες περιοχές της Δυτικής, Κεντρικής και Ανατολικής Ευρώπης.

Το γοτθικό προέκυψε στη βόρεια περιοχή της Γαλλίας τον 12ο αιώνα και ήδη τον επόμενο αιώνα εμφανίστηκε στην Αγγλία και τη Γερμανία, και στη συνέχεια στην Αυστρία, την Τσεχική Δημοκρατία και την Ισπανία. Αργότερα το γοτθικό στυλ έφτασε στην Ιταλία. Μετά από έντονο μετασχηματισμό, σχηματίστηκε το «Italian Gothic» και στα τέλη του 14ου αιώνα - διεθνές. Οι καλλιτέχνες της Ανατολικής Ευρώπης εξοικειώθηκαν με το γοτθικό κίνημα αργότερα στην πατρίδα τους διήρκεσε λίγο περισσότερο - σχεδόν μέχρι τον 16ο αιώνα.

Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, αυτός ο ορισμός υποδήλωνε υποτιμητικά όλη την τέχνη του Μεσαίωνα, αναγνωρισμένη "βαρβαρικός". Όμως στις αρχές του 19ου αι. για τη χειροτεχνία του 10ου-12ου αιώνα. χρησιμοποίησε την έννοια του ρωμανικού στυλ και, κατά συνέπεια, περιόρισε το χρονολογικό πεδίο του γοτθικού ρυθμού. Προσδιόρισε φάσεις: πρώιμη περίοδος, ώριμη και όψιμη.

Στις ευρωπαϊκές χώρες κυβέρνησε η Καθολική Εκκλησία, έτσι η γοτθική ιδεολογία διατήρησε τα φεουδαρχικά-εκκλησιαστικά θεμέλια. Από σχεδίαση, το γοτθικό ήταν κυρίως λατρευτικό και θεματικά θρησκευτικό. Συγκρίθηκε με την αιωνιότητα και τις «ανώτερες» δυνάμεις.

Χαρακτηρίστηκε από συμβολικό-αλληγορικό τρόπο σκέψης και συμβατική μεταφορική γλώσσα.

Αυτό το στυλ αντικατέστησε το ρομανικό στυλ και αργότερα το αντικατέστησε εντελώς. Η έννοια αυτής της κατεύθυνσης εφαρμόζεται συνήθως σε αρχιτεκτονικά αντικείμενα. Κάλυψε επίσης ζωγραφική, στολίδια, μινιατούρες βιβλίων, γλυπτική κ.λπ.

Αξίζει να σημειωθεί ότι η προέλευσή του στην αρχιτεκτονική, ιδιαίτερα διάσημοι καθεδρικοί ναοί, συνέπεσε με τη θριαμβευτική εποχή της ρωμανικής ζωγραφικής, δηλαδή της τοιχογραφίας.

Με τον καιρό, άλλα είδη διακοσμητικής τέχνης πήραν βασικό ρόλο στη διακόσμηση των ναών, με αποτέλεσμα η ζωγραφική να υποβιβαστεί σε άλλο επίπεδο. Η αντικατάσταση συμπαγών τοίχων σε γοτθικά κτίρια καθεδρικών ναών με μεγάλα παράθυρα προκάλεσε την πλήρη εξαφάνιση του είδους της μνημειακής ζωγραφικής, που κατέλαβε ιδιαίτερη θέση στο ρομανικό στυλ. Η τοιχογραφία αντικαταστάθηκε από βιτρό - ένα μοναδικό είδος ζωγραφικής στον οποίο οι εικόνες αποτελούνται από κομμάτια ζωγραφισμένου γυαλιού, στερεωμένα με λεπτές λωρίδες μολύβδου και πλαισιωμένα με σιδερένια εξαρτήματα.

Γοτθικοί καλλιτέχνες

Τα γοτθικά χαρακτηριστικά στην τέχνη εμφανίστηκαν αρκετές δεκαετίες αργότερα από την εμφάνισή τους σε αρχιτεκτονικά παραδείγματα. Σημειώστε ότι στη Γαλλία και την Αγγλία υπήρξε μια μετάβαση από το ρωμανικό στο γοτθικό το 1200, στη Γερμανία - το 1220, και στην Ιταλία - γύρω στο 1300.

Ένα χαρακτηριστικό της γοτθικής τέχνης είναι οι επιμήκεις μορφές.

Η ζωγραφική υπόκειται σε αυστηρούς κανόνες. Οι κύριοι του πινέλου σπάνια απεικόνιζαν την τρισδιάστατη διάσταση του χώρου στους πίνακές τους. Αυτή η προοπτική ήταν τυχαία και πολύ αμφίβολη.

Στα τέλη του 14ου αιώνα, εμφανίστηκε η επιθυμία για κομψή και εκλεπτυσμένη γραφή στην τέχνη, καθώς και ένα ενδιαφέρον για θέματα της πραγματικής ζωής. Οι πιο μικρές λεπτομέρειες της χλωρίδας και της πανίδας έγιναν μόνιμα στοιχεία στη ζωγραφική.

Εμφανίστηκε το διεθνές γοτθικό - αυτό είναι ένα κίνημα του ύστερου Μεσαίωνα, το οποίο ένωσε τη ζωγραφική πολλών χωρών.

Η τέχνη άνθισε στη Γαλλία τον 13ο και 14ο αιώνα μινιατούρα βιβλίου. Η κοσμική αρχή εκδηλώθηκε σε αυτήν. Έτσι, για παράδειγμα, η κοσμική λογοτεχνία διεύρυνε το φάσμα των εικονογραφημένων χειρογράφων. Άρχισαν να δημιουργούν πλούσια ζωγραφισμένα ψαλτήρια και βιβλία ωρών για οικιακή χρήση.

Το χειρόγραφο από τους γοτθικούς χρόνους άλλαξε την εμφάνιση των σελίδων. Έτσι, η εικονογράφηση γέμισε με χρώματα που ήταν ηχηρά στην καθαρότητα, περιλάμβαναν ρεαλιστικά στοιχεία και συνδύαζαν φυτικά στολίδια, βιβλικές και καθημερινές σκηνές. Χαρακτηριστικό γνώρισμα των χειρογράφων του 13ου αιώνα ήταν το περίγραμμα που πλαισίωνε το περιθώριο της σελίδας.

Οι καλλιτέχνες τοποθετούν στις σελίδες στροβιλισμούς στολιδιών που διακοσμούν τα περιθώρια, γραμμές που πλαισιώνουν μικρές φιγούρες και σκηνές κόμικ ή είδους. Το περιεχόμενο των χειρογράφων δεν είχε πάντα σχέση με αυτά. Αυτές ήταν οι φαντασιώσεις των μινιατουριστών. Τους έλεγαν "droleri" - δηλαδή διασκέδαση. Στις υστερογοτθικές μινιατούρες εκφράστηκαν με ιδιαίτερο αυθορμητισμό οι τάσεις του ρεαλισμού και οι πρώτες επιτυχίες έγιναν στην απόδοση καθημερινών πινάκων και τοπίων. Σύντομα, οι καλλιτέχνες έσπευσαν σε μια αξιόπιστη και λεπτομερή απεικόνιση της φύσης.

Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποι των μινιατούρων βιβλίων της γοτθικής εποχής ήταν οι αδελφοί Limburg.

Ο Χριστός στη Δόξα, Αδελφοί Λίμπουργκ Μινιατούρα του κόμη του Γουέστμορλαντ με τα δώδεκα παιδιά του, αδελφοί Λίμπουργκ Η Madonna and the Child, Αδελφοί Λίμπουργκ

American Gothic - Grant Wood. 1930. Λάδι σε μουσαμά. 74 x 62 εκ

Χωρίς υπερβολή, μπορούμε να πούμε ότι ο πίνακας "American Gothic" είναι ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους στον κόσμο, συγκρίσιμος με, ή. Με τα χρόνια της ύπαρξής του, το αριστούργημα έχει γίνει θύμα πολλών παρωδιών και μιμιδίων. Υπάρχει ακόμη και μια πολύ απαίσια ερμηνεία της πλοκής. Αλλά τι νόημα έδωσε ο ίδιος ο συγγραφέας στο «American Gothic» του;

Ο πίνακας δημιουργήθηκε το 1930 κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης. Στην πόλη Έλντον, ο Γκραντ Γουντ παρατήρησε ένα προσεγμένο σπίτι χτισμένο στο γοτθικό στιλ Carpenter. Ο καλλιτέχνης ήθελε να απεικονίσει το σπίτι και τους πιθανούς κατοίκους του - πατέρα και κόρη, μια γριά υπηρέτρια (σύμφωνα με άλλες πηγές, πρόκειται για σύζυγο και σύζυγο). Τα μοντέλα ήταν η αδερφή του ζωγράφου και ο προσωπικός του οδοντίατρος. Η ασυνήθιστη έκθεση του πίνακα δεν είναι παρά μια απομίμηση φωτογραφιών εκείνων των χρόνων.

Οι χαρακτήρες απεικονίζονται πολύ καθαρά και καθαρά. Ο άντρας κοιτάζει τον θεατή, ένα πιρούνι σφίγγεται σφιχτά στα χέρια του. Μια γυναίκα με έναν αυστηρό κότσο στο πίσω μέρος του κεφαλιού της κοιτάζει στο πλάι, φορώντας μια ποδιά με παλιομοδίτικο σχέδιο. Ο συγγραφέας επέτρεψε μόνο σε έναν κότσο να ξεφύγει από το λακωνικό χτένισμα του κοριτσιού. Στα αυστηρά πρόσωπα των ηρώων και στα συμπιεσμένα χείλη τους, πολλοί κριτικοί τέχνης βρίσκουν εχθρότητα και καθαρή ασχήμια. Άλλοι πολύ έγκυροι ερευνητές είδαν στο έργο μια σάτιρα για την υπερβολική απομόνωση και τους περιορισμούς των κατοίκων των μικρών πόλεων.

Εν τω μεταξύ, ο ίδιος ο Wood παραπονέθηκε ότι το κοινό παρερμήνευσε τη δουλειά του - έβλεπε τους κατοίκους της υπαίθρου ως ακριβώς την αποτελεσματική δύναμη που θα μπορούσε να αντέξει τα οικονομικά προβλήματα που προκάλεσαν τη Μεγάλη Ύφεση. Αυτοί οι κάτοικοι των πόλεων και των χωριών είναι γεμάτοι αποφασιστικότητα και θάρρος να αντιμετωπίσουν τα προβλήματα. Ο καλλιτέχνης είπε ότι οι ήρωες του έργου του είναι μια συλλογική εικόνα που συνδέει με όλη την Αμερική. Ωστόσο, οι κάτοικοι της πόλης του Έλτον δεν έλαβαν υπόψη τις εξηγήσεις του συγγραφέα, ήταν εξοργισμένοι και θυμωμένοι με τον τρόπο που τις παρουσίαζε ο Γουντ στο έργο του.

Είναι κόρη ή γυναίκα; Η απάντηση σε αυτό το ερώτημα είναι επίσης πολύ ενδιαφέρουσα. Ο θεατής έχει την τάση να «διαβάζει» αυτήν την ηρωίδα ως σύζυγο, αλλά η αδερφή του Wood, που ήταν μοντέλο, επέμεινε ότι ήταν κόρη. Ήθελε απλώς να δει τον εαυτό της στο διάσημο έργο νεότερη, γιατί την εποχή που πόζαρε ήταν μόλις 30 ετών.

Τα πιρούνια είναι το κεντρικό στοιχείο του πίνακα. Οι αυστηρές, ευθείες γραμμές των δοντιών αυτού του γεωργικού εργαλείου μπορούν να διαβαστούν σε άλλες λεπτομέρειες της λεπίδας. Οι ραφές του πουκάμισου του άντρα ακολουθούν σχεδόν τέλεια τα περιγράμματα του πιρουνιού του. Το όλο έργο φαίνεται να αποτελείται από μια έκκληση σε ευθείες κάθετες γραμμές - το εξωτερικό του σπιτιού, το κωδωνοστάσιο, τα επιμήκη παράθυρα και τα ίδια τα πρόσωπα των χαρακτήρων. Ο οδοντίατρος Byron McKeeby, τον οποίο βλέπουμε στην εικόνα του πατέρα-συζύγου, θυμήθηκε ότι ο καλλιτέχνης σημείωσε κάποτε ότι του άρεσε το πρόσωπό του επειδή αποτελούνταν εξ ολοκλήρου από ευθείες γραμμές.

Το κοινό αντέδρασε με ενδιαφέρον στο έργο του Γκραντ Γουντ μόλις εμφανίστηκε σε έκθεση στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο. Είναι εκπληκτικό, αλλά δεν συμφώνησαν όλοι με την ερμηνεία του έργου του συγγραφέα, αν και αναγνώρισαν ότι ο ζωγράφος κατάφερε να «συλλάβει» με μεγάλη ακρίβεια το αμερικανικό εθνικό πνεύμα. Αφού η Μεγάλη Ύφεση έδωσε τη θέση της σε μια συνηθισμένη σταθερή ζωή, ο θεατής μπόρεσε τελικά να δει την εικόνα μέσα από τα μάτια του δημιουργού, να διακρίνει όχι σκληρούς, αλλά ακλόνητους Αμερικανούς που είναι έτοιμοι να μην πολεμήσουν, αλλά να αντισταθούν σε όλα τα προβλήματα.