Ποιες είναι οι κύριες σημασιολογικές έννοιες του όρου ιμπρεσιονισμός. Η εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού
Ιμπρεσιονισμός(Γαλλικό impressionnisme, από εντύπωση - εντύπωση) - μια κίνηση στην τέχνη του τελευταίου τρίτα του XIX- στις αρχές του 20ου αιώνα, που ξεκίνησε από τη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο, οι εκπρόσωποι του οποίου προσπάθησαν να συλλάβουν τα πιο φυσικά πραγματικό κόσμοστην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του, για να μεταφέρει τις φευγαλέες εντυπώσεις σας.
1. Απελευθέρωση από τις παραδόσεις του ρεαλισμού (όχι μυθολογικές, βιβλικές ή ιστορικές ζωγραφιές, μόνο η σύγχρονη ζωή).
2. Παρατήρηση και μελέτη της περιρρέουσας πραγματικότητας. Όχι αυτό που βλέπει, αλλά πώς βλέπει από τη θέση της αντιληπτής «οπτικής ουσίας των πραγμάτων»
3. Η καθημερινότητα μιας σύγχρονης πόλης. Ψυχολογία ενός κατοίκου της πόλης. Δυναμική της ζωής. Ρυθμός, ρυθμός ζωής.
4. «Το αποτέλεσμα μιας εκτεταμένης στιγμής»
5. Αναζητήστε νέες φόρμες. Εργασίες μικρού μεγέθους (μελέτες, καδράρισμα). Όχι τυπικό, αλλά τυχαίο.
6. Σειρά έργων ζωγραφικής (Monet «Haystacks»)
7. Καινοτομία εικονογραφικό σύστημα. Ανοιχτό καθαρό χρώμα. Ανακούφιση, μια πλούσια συλλογή από αντανακλαστικά, τρόμος.
8. Ανάμειξη ειδών.
Εντουάρ Μανέ -νεωτεριστής. Από θαμπούς πυκνούς τόνους έως ελαφριά ζωγραφική. Κατακερματισμός συνθέσεων.
"Ολυμπία"-βασίζεται στους Titian, Giorgione, Goya. Η Victoria Muran πόζαρε. Η Αφροδίτη απεικονίζεται ως ένα μοντέρνο cocotte. Υπάρχει μια μαύρη γάτα στα πόδια μου. Μια μαύρη γυναίκα παρουσιάζει μια ανθοδέσμη. Το φόντο είναι σκούρο, ο ζεστός τόνος του σώματος της γυναίκας είναι σαν μαργαριτάρι στα μπλε σεντόνια. Η ένταση έχει διακοπεί. Δεν υπάρχει μοντελοποίηση αποκοπής.
"Πρωινό στο γρασίδι"- μοντέλο και δύο καλλιτέχνες + τοπίο + νεκρή φύση. Τα μαύρα φόρεμα δημιουργούν μια αντίθεση με το γυμνό σώμα.
"Φλαουτίστας"- εντύπωση από τη μουσική.
"Bar Folies Bergere" -Η κοπέλα είναι μπάρμαν. Η συγκίνηση μιας αναλαμπής στιγμής. Η μοναξιά μιας πολύβουης πόλης. Η ψευδαίσθηση της ευτυχίας. Το έβαλα σε ολόκληρο τον καμβά (απρόσιτο στις σκέψεις μου, αλλά προσβάσιμο στους πελάτες του μπαρ). Μια γεμάτη αίθουσα επισκεπτών είναι μια εικόνα του κόσμου.
Κλοντ Μονέ -εγκατέλειψε την παραδοσιακή ακολουθία (υποβάψιμο, υάλωμα κ.λπ.) - αλά πρίμα
"Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου" - fieria κίτρινο, πορτοκαλί, πράσινο. Το σκάφος είναι μια οπτική προφορά. Ένα άπιαστο, ημιτελές τοπίο, χωρίς περιγράμματα. Μεταβλητότητα του περιβάλλοντος φωτός-αέρα. Οι ακτίνες φωτός αλλάζουν την όραση.
"Πρωινό στο γρασίδι" -άκρη του δάσους, εντύπωση πικνίκ , σκούρο πράσινο χρωματικό σχέδιο διάσπαρτο με καφέ και μαύρο. Το φύλλωμα αποδεικνύεται υγρό. Τα ρούχα και το τραπεζομάντιλο της γυναίκας είναι φωτισμένα, γεμάτα αέρα, φως μέσα από το φύλλωμα.
"Boulevard des Capucines στο Παρίσι" -αποσπασματικός. Κόβει δύο άτομα που βλέπουν τη λεωφόρο από το μπαλκόνι. Ένα πλήθος ανθρώπων είναι η ζωή της πόλης. Μισοί στο φως από τη δύση του ήλιου και μισοί στη σκιά του κτιρίου. Χωρίς οπτικό κέντρο, άμεση εντύπωση.
«Βράχοι στο Μπελ-Ιλ» - κυριαρχεί μια κινούμενη μάζα νερού (χοντρές πινελιές). Οι αποχρώσεις του ουράνιου τόξου εφαρμόζονται δυναμικά. Οι βράχοι αντανακλώνται στο νερό και το νερό αντανακλάται στους βράχους. Νιώθοντας τη δύναμη των στοιχείων, βραστό πράσινο-μπλε νερό. Σύνθεση με ψηλό ορίζοντα.
"Gare Saint-Lazare" -φαίνεται το εσωτερικό του σταθμού, αλλά ενδιαφέρεται περισσότερο για την ατμομηχανή και τον ατμό, που είναι παντού (γοητεία με ομίχλη, λιλά ομίχλη).
Πιερ Ογκίστ Ρενουάρ- ένας καλλιτέχνης της χαράς, γνωστός κυρίως ως δεξιοτέχνης της κοσμικής προσωπογραφίας, που δεν στερείται συναισθηματισμού.
"Κούνια"- διαποτισμένο με ζεστό χρώμα, φαίνεται η νεολαία, το κορίτσι εντυπωσιάζεται.
"Μπάλα στο Moulin de la Gallette" -σκηνή του είδους. Ημέρα. Νέοι, φοιτητές, πωλήτριες κ.λπ. Στα τραπέζια κάτω από τις ακακίες υπάρχει εξέδρα για χορό. Φωτεινά λάμπει ( ΑΚΤΙΝΕΣ του ΗΛΙΟΥστις πλάτες τους).
"Πορτρέτο της Jeanne Samary" -γυναίκες λουλουδιών. Γοητευτική, θηλυκή, χαριτωμένη, συγκινητική, αυθόρμητη ηθοποιός. Βαθιά μάτια, ελαφρύ ηλιόλουστο χαμόγελο.
«Πορτρέτο της Μαντάμ Σαρπαντιέ με παιδιά»- μια κομψή κοινωνικά με μαύρο φόρεμα με τρένο και δύο κορίτσια σε μπλε. Ταπετσαρίες, τραπέζι, σκύλος, παρκέ δάπεδο - όλα μιλούν για τον πλούτο της οικογένειας.
Έντγκαρ Ντεγκά– δεν ζωγράφισε στο ύπαιθρο, τη λατρεία της γραμμής και του σχεδίου. Συνθέσεις διαγώνια (από κάτω προς τα πάνω)). Σπειροειδείς φιγούρες σε σχήμα S + παράθυρο από το οποίο φωτισμός + φωτισμός από προβολείς. Λάδι και μετά κρεβάτι.
"Κορίτσια Μπαλέτου", "Χορευτές"- εισβάλλει στη ζωή των μπαλαρινών. Οι πινελιές συνδέουν το σχέδιο και τη ζωγραφική. Σταθερός ρυθμός προπόνησης.
"Μπλε Χορευτές"- καμία ατομικότητα - ένα μόνο στεφάνι από σώματα. Στη μια γωνία υπάρχει ακόμα φως από τις ράμπες, και στην άλλη η σκιά των παρασκηνίων. Η στιγμή είναι επίσης για ηθοποιούς και απλούς ανθρώπους. Εκφραστικές σιλουέτες, γαλάζια φορέματα. Κατακερματισμός - οι χαρακτήρες δεν κοιτούν τον θεατή.
"Apsent" -ένας άντρας και μια γυναίκα κάθονται σε ένα καφενείο. Εύρος τέφρας. Ένας άντρας με ένα σωλήνα κοιτάζει προς μια κατεύθυνση και μια μεθυσμένη γυναίκα με ένα μακρινό βλέμμα - πονεμένη μοναξιά.
Camille Pissarro -ενδιαφέρεται για τα τοπία, συμπεριλαμβανομένων των ανθρώπων και των καροτσιών σε αυτά. Μοτίβο ενός δρόμου με ανθρώπους που περπατούν. Μου άρεσε η άνοιξη και το φθινόπωρο.
«Είσοδος στο χωριό Βοΐσιν«- ένα θαμπό, απαλό τοπίο, δέντρα κατά μήκος του δρόμου- πλαισιώνουν την είσοδο, τα κλαδιά τους ανακατεύονται, διαλύονται στον ουρανό. Το άλογο περπατάει αργά και ήρεμα. Δεν είναι εύκολο στο σπίτι αρχιτεκτονικά αντικείμενα, και κατοικίες για ανθρώπους (ζεστές φωλιές).
« Πέρασμα όπεραςστο Παρίσι"(σειρά) – μια γκρίζα συννεφιασμένη μέρα. Οι στέγες ελαφρά σκονισμένες με χιόνι, το πεζοδρόμιο βρεγμένο, τα κτίρια πνίγονται σε ένα σάβανο χιονιού, οι περαστικοί με τις ομπρέλες μετατρέπονται σε σκιές. Το χρώμα του υγρού αέρα τυλίγει. Λιλά-μπλε, λαδί τόνοι. Μικρά εγκεφαλικά επεισόδια.
Άλφρεντ Σίσλεϊ– προσπάθησε να παρατηρήσει την ομορφιά της φύσης, την επική ηρεμία που ενυπάρχει στο αγροτικό τοπίο.
"Frost in Louveciennes" -πρωί, φρέσκια κατάσταση, αντικείμενα λούζονται στο φως (συγχώνευση). Χωρίς σκιές (λεπτές αποχρώσεις), κίτρινο-πορτοκαλί χρώματα. Μια ήρεμη γωνιά, όχι μια πολυσύχναστη πόλη. Ένα συναίσθημα αγνότητας, ευθραυστότητας, αγάπης για αυτό το μέρος
Ο ιμπρεσιονισμός στη Ρωσία. αναπτύσσεται σε μεταγενέστερο χρόνο και με επιταχυνόμενους ρυθμούς από ό,τι στη Γαλλία
V.A. Serov –αδιάφορος για ακαδημαϊκό σχέδιοθέλει να δείξει την ομορφιά της φύσης με χρώμα.
"Κορίτσι με ροδάκινα"" - πορτρέτο της Verochka Mamontova. Όλα είναι φυσικά και χαλαρά, κάθε λεπτομέρεια συνδέεται μεταξύ τους. Η ομορφιά του προσώπου ενός κοριτσιού, ποίηση ΤΡΟΠΟΣ ΖΩΗΣ, πολύχρωμη ζωγραφική με φως. Η ομορφιά και η φρεσκάδα του σκίτσου, δύο τάσεις, δύο δυνάμεις οργανικά ενωμένες, σχηματίζοντας μια ενιαία μορφή εικαστικής όρασης. Όλα φαίνονται τόσο απλά και φυσικά, αλλά υπάρχει τόσο βάθος και ακεραιότητα σε αυτή την απλότητα!! Με απόλυτη εκφραστικότητα, ο Β. Σερόφ μετέφερε το φως που χυνόταν σαν ασημένιο ρυάκι από το παράθυρο και γέμιζε το δωμάτιο. Η κοπέλα κάθεται στο τραπέζι και δεν είναι απασχολημένη με τίποτα, λες και κάθισε πραγματικά για μια στιγμή, σήκωσε μηχανικά ένα ροδάκινο και το κρατάει, κοιτάζοντάς σε απλά και ειλικρινά. Αλλά αυτή η ειρήνη είναι μόνο στιγμιαία και μέσα από αυτήν κρυφοκοιτάζει το πάθος για κίνηση με υψηλό πνεύμα.
"Παιδιά"- δείχνει πνευματικός κόσμοςπαιδιά (γιοι). Ο μεγαλύτερος κοιτάζει το ηλιοβασίλεμα και ο μικρότερος κοιτάζει τον θεατή. Διαφορετική άποψη για τη ζωή.
"Μίκα Μορόζοφ"- κάθεται σε μια καρέκλα, αλλά κυλά προς τον θεατή. Ο ενθουσιασμός των παιδιών μεταφέρεται.
"Κορίτσι της χορωδίας"- σκιαγραφία. Ζωγραφίζει με πλούσιες πινελιές του πινέλου, πλατιές πινελιές στο φύλλωμα, πινελιές άλλοτε κάθετες, άλλοτε οριζόντιες και διαφορετικές σε υφή ⇒ δυναμισμό, αέρα και φως. Συνδυασμός φύσης και κοριτσιού, φρεσκάδα, αυθορμητισμός.
"Παρίσι. Boulevard des Capucines" -ετερόκλητο καλειδοσκόπιο χρωμάτων. Τεχνητός φωτισμός – ψυχαγωγία, διακοσμητική θεατρικότητα.
I.E.Grabar –εκούσια, συναισθηματική αρχή.
« Φλεβάρη γαλάζιο"- Είδα μια σημύδα από το επίπεδο του εδάφους και έπαθα σοκ. Τα κουδούνια του ουράνιου τόξου ενώνονται από τον γαλάζιο ουρανό. Η σημύδα είναι μνημειακή (σε ολόκληρο τον καμβά).
"Χιόνι Μαρτίου"- ένα κορίτσι κουβαλά κουβάδες πάνω σε ζυγό, τη σκιά ενός δέντρου στο λιωμένο χιόνι.
Ο ιμπρεσιονισμός άνοιξε μια νέα τέχνη - είναι σημαντικό πώς βλέπει ο καλλιτέχνης, νέες μορφές και μεθόδους παρουσίασης. Έχουν μια στιγμή, εμείς έχουμε ένα διάστημα. Έχουμε λιγότερη δυναμική, περισσότερο ρομαντισμό.
Mane Πρωινό στο γρασίδι Mane Olympia
Manet "Bar Folies Bergere"Μανέ Φλαουτίστας"
Μονέ "Εντύπωση. Rising Sun Monet "Luncheon on the Grass" - "Boulevard des Capucines in Paris"
Monet "Rocks at Belle-Ile"» Μονέ "Gare Saint-Lazare"
Monet "Boulevard des Capucines στο Παρίσι"Ρενουάρ"Κούνια"
Ρενουάρ «Μπάλα στο Moulin de la Gallette» Ρενουάρ «Πορτρέτο της Jeanne Samary»
Ρενουάρ "Πορτρέτο της Μαντάμ Σαρπαντιέ με παιδιά"
Ντεγκά "Μπλε Χορευτές"Ντεγκά "Απών"
Πισάρο –"Πέρασμα Όπερας στο Παρίσι"(σειρά) Pissarro «Είσοδος στο χωριό Βοΐσιν»
Σίσλεϋ «Frost in Louveciennes» Serov «Κορίτσι με ροδάκινα»
Σερόφ "Παιδιά" Σερόφ "Μίκα Μορόζοφ"
Korovin “Chorist” Korovin “Παρίσι. Boulevard des Capucines"
Grabar "February Azure" Grabar "March Snow"
Στα μέσα της δεκαετίας του 1880, ο ιμπρεσιονισμός σταδιακά έπαψε να υπάρχει ως ενιαίο κίνημα και διαλύθηκε, δίνοντας μια αισθητή ώθηση στην εξέλιξη της τέχνης. Στις αρχές του εικοστού αιώνα, οι τάσεις μακριά από τον ρεαλισμό ενισχύθηκαν και μια νέα γενιά καλλιτεχνών απομακρύνθηκε από τον ιμπρεσιονισμό.
Προέλευση του ονόματος
Η πρώτη σημαντική έκθεση των ιμπρεσιονιστών πραγματοποιήθηκε από τις 15 Απριλίου έως τις 15 Μαΐου 1874 στο στούντιο του φωτογράφου Nadar. Εκεί παρουσιάστηκαν 30 καλλιτέχνες, με συνολικά 165 έργα. Καμβάς του Μονέ - «Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου " ( Εντύπωση, soleil levant), τώρα στο Μουσείο Marmotten του Παρισιού, γραμμένο το 1872, γέννησε τον όρο «ιμπρεσιονισμός»: ο ελάχιστα γνωστός δημοσιογράφος Louis Leroy, στο άρθρο του στο περιοδικό «Le Charivari», αποκάλεσε την ομάδα «Ιμπρεσιονιστές» για να εκφράσει. την περιφρόνησή του. Οι καλλιτέχνες, λόγω πρόκλησης, υιοθέτησαν αυτό το επίθετο αργότερα, χάνοντας το πρωτότυπο αρνητικό νόημακαι τέθηκε σε ενεργή χρήση.
Η ονομασία «ιμπρεσιονισμός» είναι εντελώς ανούσια, σε αντίθεση με την ονομασία «σχολή Barbizon», όπου τουλάχιστον υπάρχει ένδειξη της γεωγραφικής θέσης της καλλιτεχνικής ομάδας. Υπάρχει ακόμη λιγότερη σαφήνεια με ορισμένους καλλιτέχνες που δεν συμπεριλήφθηκαν επίσημα στον κύκλο των πρώτων ιμπρεσιονιστών, αν και τεχνικήκαι τα μέσα είναι εντελώς «ιμπρεσιονιστικά» - Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin, κ.λπ. Επιπλέον, τα τεχνικά μέσα των ιμπρεσιονιστών ήταν γνωστά πολύ πριν από τον 19ο αιώνα και χρησιμοποιήθηκαν (εν μέρει, σε περιορισμένο βαθμό) από τον Τιτσιάν και Velazquez, χωρίς να σπάει με τις κυρίαρχες ιδέες της εποχής του.
Υπήρχε ένα άλλο άρθρο (του Emil Cardon) και ένας άλλος τίτλος - "Rebel Exhibition", που ήταν απολύτως αποδοκιμαστικό και καταδικαστικό. Αυτό ακριβώς ήταν που αναπαρήγαγε με ακρίβεια την αποδοκιμαστική στάση του αστικού κοινού και την κριτική προς τους καλλιτέχνες (ιμπρεσιονιστές), που επικρατούσε για χρόνια. Οι ιμπρεσιονιστές κατηγορήθηκαν αμέσως για ανηθικότητα, επαναστατικά συναισθήματα και αποτυχία σεβασμού. ΣΕ επί του παρόντοςΑυτό είναι εκπληκτικό, γιατί δεν είναι ξεκάθαρο τι είναι ανήθικο στα τοπία του Camille Pissarro, του Alfred Sisley, στις καθημερινές σκηνές του Edgar Degas, στις νεκρές φύσεις του Monet και του Renoir.
Έχουν περάσει δεκαετίες. Και η νέα γενιά καλλιτεχνών θα έρθει σε πραγματική κατάρρευση μορφών και εξαθλίωση περιεχομένου. Τότε τόσο η κριτική όσο και το κοινό είδαν τους καταδικασμένους ιμπρεσιονιστές ως ρεαλιστές και λίγο αργότερα ως κλασικούς της γαλλικής τέχνης.
Ιδιαιτερότητες της φιλοσοφίας του ιμπρεσιονισμού
Ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός δεν σήκωσε φιλοσοφικά προβλήματακαι δεν προσπάθησε καν να μπει κάτω έγχρωμη επιφάνειακαθημερινή ζωή. Αντίθετα, ο ιμπρεσιονισμός εστιάζει στην επιπολαιότητα, τη ρευστότητα μιας στιγμής, τη διάθεση, τον φωτισμό ή τη γωνία θέασης.
Όπως η τέχνη της Αναγέννησης (Αναγέννηση), ο ιμπρεσιονισμός βασίζεται στα χαρακτηριστικά και τις δεξιότητες της αντίληψης της προοπτικής. Ταυτόχρονα, το όραμα της Αναγέννησης εκρήγνυται με αποδεδειγμένη υποκειμενικότητα και σχετικότητα ανθρώπινη αντίληψη, που κάνει το χρώμα και το σχήμα αυτόνομα στοιχεία της εικόνας. Για τον ιμπρεσιονισμό, αυτό που απεικονίζεται στην εικόνα δεν είναι τόσο σημαντικό, αλλά το πώς απεικονίζεται είναι σημαντικό.
Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες δεν φέρουν κοινωνική κριτική, δεν επηρεάζουν κοινωνικά προβλήματα, όπως η πείνα, η ασθένεια, ο θάνατος, παρουσιάζοντας μόνο τις θετικές πτυχές της ζωής. Αυτό οδήγησε αργότερα σε διάσπαση μεταξύ των ίδιων των ιμπρεσιονιστών.
Ιμπρεσιονισμός και κοινωνία
Ο ιμπρεσιονισμός χαρακτηρίζεται από δημοκρατία. Με αδράνεια, η τέχνη τον 19ο αιώνα θεωρούνταν μονοπώλιο των αριστοκρατών, ανώτερα στρώματαπληθυσμός. Ήταν οι κύριοι πελάτες για πίνακες και μνημεία, και ήταν οι κύριοι αγοραστές πινάκων και γλυπτών. Ιστορίες από σκληρή δουλειάοι αγρότες, οι τραγικές σελίδες της σύγχρονης εποχής, οι επαίσχυντες πτυχές των πολέμων, η φτώχεια, οι κοινωνικές αναταραχές καταδικάστηκαν, αποδοκιμάστηκαν και δεν αγοράστηκαν. Η κριτική της βλάσφημης ηθικής της κοινωνίας στους πίνακες του Theodore Gericault και του Francois Millet βρήκε ανταπόκριση μόνο στους υποστηρικτές των καλλιτεχνών και σε λίγους ειδικούς.
Οι ιμπρεσιονιστές πήραν μια αρκετά συμβιβαστική, ενδιάμεση θέση σε αυτό το θέμα. Βιβλικά, λογοτεχνικά, μυθολογικά και ιστορικά θέματα που είναι εγγενή στον επίσημο ακαδημαϊσμό απορρίφθηκαν. Από την άλλη, επιθυμούσαν διακαώς αναγνώριση, σεβασμό, ακόμη και βραβεία. Ενδεικτική είναι η δραστηριότητα του Edouard Manet, ο οποίος για χρόνια αναζητούσε αναγνώριση και βραβεία από το επίσημο Salon και τη διοίκησή του.
Αντίθετα, προέκυψε ένα όραμα της καθημερινότητας και της νεωτερικότητας. Οι καλλιτέχνες συχνά ζωγράφιζαν ανθρώπους σε κίνηση, κατά τη διάρκεια της διασκέδασης ή της χαλάρωσης, παρουσίαζαν την εμφάνιση ενός συγκεκριμένου χώρου κάτω από συγκεκριμένο φωτισμό και η φύση ήταν επίσης το κίνητρο των έργων τους. Έγιναν θέματα φλερτ, χορού, σε καφετέρια και θέατρο, βαρκάδα, σε παραλίες και σε κήπους. Αν κρίνουμε από τους πίνακες των ιμπρεσιονιστών, η ζωή είναι μια σειρά από μικρές διακοπές, πάρτι, ευχάριστες ασχολίες έξω από την πόλη ή σε φιλικό περιβάλλον (μια σειρά από πίνακες των Ρενουάρ, Μανέ και Κλοντ Μονέ). Οι ιμπρεσιονιστές ήταν από τους πρώτους που ζωγράφισαν στον αέρα, χωρίς να τελειώσουν τη δουλειά τους στο στούντιο.
Τεχνική
Το νέο κίνημα διέφερε από την ακαδημαϊκή ζωγραφική τόσο τεχνικά όσο και ιδεολογικά. Πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρές ξεχωριστές και αντίθετες πινελιές, τις οποίες εφάρμοσαν σύμφωνα με τις χρωματικές θεωρίες των Chevreul, Helmholtz και Rud. Η ηλιακή ακτίνα χωρίζεται σε συστατικά: βιολετί, μπλε, κυανό, πράσινο, κίτρινο, πορτοκαλί, κόκκινο, αλλά επειδή το μπλε είναι ένα είδος μπλε, ο αριθμός τους μειώνεται σε έξι. Δύο χρώματα τοποθετημένα το ένα δίπλα στο άλλο ενισχύουν το ένα το άλλο και, αντίθετα, όταν αναμειγνύονται χάνουν την ένταση. Επιπλέον, όλα τα χρώματα χωρίζονται σε πρωτεύοντα, ή βασικά, και διπλά ή παράγωγα, με κάθε διπλό χρώμα να είναι συμπληρωματικό του πρώτου:
- Μπλε - Πορτοκαλί
- κόκκινο πράσινο
- Κίτρινο - Βιολετί
Έτσι, κατέστη δυνατό να μην αναμειχθούν τα χρώματα στην παλέτα και να ληφθούν επιθυμητό χρώμαεφαρμόζοντάς τα σωστά στον καμβά. Αυτό έγινε αργότερα ο λόγος για την εγκατάλειψη του μαύρου.
Στη συνέχεια, οι ιμπρεσιονιστές σταμάτησαν να συγκεντρώνουν όλη τους τη δουλειά σε καμβάδες στα στούντιο, τώρα προτιμούν τον απλό αέρα, όπου είναι πιο βολικό να συλλάβουν μια φευγαλέα εντύπωση αυτού που είδαν, κάτι που έγινε δυνατό χάρη στην εφεύρεση των σωλήνων από χάλυβα. δερμάτινες τσάντες, μπορούσαν να κλείσουν για να μην στεγνώσει το χρώμα.
Επίσης, οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν αδιαφανή χρώματα, τα οποία δεν μεταδίδουν καλά το φως και είναι ακατάλληλα για ανάμειξη, επειδή γίνονται γρήγορα γκρι, αυτό τους επέτρεψε να δημιουργήσουν πίνακες χωρίς « εσωτερικός", ΕΝΑ " εξωτερικός» φως που ανακλάται από την επιφάνεια.
Οι τεχνικές διαφορές συνέβαλαν στην επίτευξη άλλων στόχων, πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να αιχμαλωτίσουν μια φευγαλέα εντύπωση, οι μικρότερες αλλαγές σε κάθε αντικείμενο ανάλογα με το φωτισμό και την ώρα της ημέρας, η υψηλότερη ενσάρκωση ήταν οι κύκλοι ζωγραφικής του Monet "Haystacks". , «Rouen Cathedral» και «Parliament of London».
Γενικά, υπήρχαν πολλοί δάσκαλοι που εργάζονταν στο ιμπρεσιονιστικό στυλ, αλλά ο πυρήνας του κινήματος ήταν ο Édouard Manet, ο Claude Monet, ο Auguste Renoir, ο Edgar Degas, ο Alfred Sisley, ο Camille Pissarro, ο Frédéric Mothe-Bazile. Ωστόσο, ο Μανέ αποκαλούσε πάντα τον εαυτό του «ανεξάρτητο καλλιτέχνη» και δεν συμμετείχε ποτέ σε εκθέσεις, και παρόλο που ο Ντεγκά συμμετείχε, ποτέ δεν ζωγράφισε τα έργα του στον αέρα.
Χρονολογία ανά καλλιτέχνη
Ιμπρεσιονιστές
Εκθέσεις
- Πρώτη έκθεση(15 Απριλίου - 15 Μαΐου)
Διεύθυνση: Capuchin Boulevard, 35 (στούντιο του φωτογράφου Nadar). Συμμετέχοντες: Astruc, Attendu, Beliard, Bracquemont, Brandon, Boudin, Bureau, Guillaumin, Debra, Degas, Cals, Colin, La Touche, Lever, Lepic, Lepine, Meyer, de Molin, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, Giuseppe De Nittis , A. Otten, L. Otten,
Για μένα το ύφος του ιμπρεσιονισμού είναι καταρχήν κάτι αέρινο, εφήμερο, αναπόφευκτα άπιαστο. Αυτή είναι η εκπληκτική στιγμή που το μάτι μόλις έχει χρόνο να συλλάβει και που στη συνέχεια παραμένει στη μνήμη για μεγάλο χρονικό διάστημα ως μια στιγμή ύψιστης αρμονίας. Οι δάσκαλοι του ιμπρεσιονισμού ήταν διάσημοι για την ικανότητά τους να μεταφέρουν εύκολα αυτή τη στιγμή ομορφιάς στον καμβά, προικίζοντάς την με απτές αισθήσεις και λεπτές δονήσεις που, με όλη την πραγματικότητα, προκύπτουν όταν αλληλεπιδρούν με έναν πίνακα. Όταν κοιτάς το έργο εξαιρετικοί καλλιτέχνεςΑυτό το στυλ αφήνει πάντα μια συγκεκριμένη επίγευση διάθεσης.
Ιμπρεσιονισμός(από εντυπωσιασμός - εντύπωση) είναι ένα καλλιτεχνικό κίνημα που ξεκίνησε στη Γαλλία στα τέλη της δεκαετίας του 1860. Οι εκπρόσωποί της προσπάθησαν να συλλάβουν τον πραγματικό κόσμο στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του με τον πιο φυσικό και αμερόληπτο τρόπο και να μεταφέρουν τις φευγαλέες εντυπώσεις τους. Ιδιαίτερη προσοχή δόθηκε στη μετάδοση του χρώματος και του φωτός. 
Η λέξη «ιμπρεσιονισμός» προέρχεται από τον τίτλο του πίνακα του Μονέ Impression. Sunrise, που παρουσιάστηκε στην έκθεση του 1874. Ο ελάχιστα γνωστός δημοσιογράφος Louis Leroy στο άρθρο του στο περιοδικό αποκάλεσε τους καλλιτέχνες «ιμπρεσιονιστές» για να εκφράσει την περιφρόνησή του. Ωστόσο, το όνομα κόλλησε και έχασε την αρχική του αρνητική σημασία. 
Η πρώτη σημαντική έκθεση των ιμπρεσιονιστών πραγματοποιήθηκε από τις 15 Απριλίου έως τις 15 Μαΐου 1874 στο στούντιο του φωτογράφου Nadar. Εκεί παρουσιάστηκαν 30 καλλιτέχνες, με συνολικά 165 έργα. Οι νέοι καλλιτέχνες κατηγορήθηκαν για «ημιτελή» και «ατημέλητη ζωγραφική», έλλειψη γούστου και νοήματος στη δουλειά τους, «επίθεση στην αληθινή τέχνη», επαναστατικά συναισθήματα και ακόμη και ανηθικότητα. 
Κορυφαίοι εκπρόσωποι του ιμπρεσιονισμού είναι οι Alfred Sisley και Frederic Bazille. Ο Edouard Manet και ο Eduard Manet εξέθεσαν τους πίνακές τους μαζί τους. Ο Χοακίν Σορόλα θεωρείται επίσης ιμπρεσιονιστής. 
Τοπία και σκηνές από τη ζωή της πόλης είναι ίσως τα περισσότερα χαρακτηριστικά είδηιμπρεσιονιστική ζωγραφική - ζωγραφισμένη «στο ύπαιθρο», δηλ. απευθείας από τη φύση, και όχι με βάση σκίτσα και προπαρασκευαστικά σκίτσα. Οι ιμπρεσιονιστές κοίταξαν προσεκτικά τη φύση, παρατηρώντας χρώματα και αποχρώσεις συνήθως αόρατες, όπως το μπλε στις σκιές. 
Δικα τους καλλιτεχνική μέθοδοςαποτελούνταν από την αποσύνθεση σύνθετων τόνων στα συστατικά τους καθαρά χρώματα του φάσματος. Τα αποτελέσματα ήταν χρωματιστές σκιές και καθαρή, ελαφριά, ζωντανή ζωγραφική. Οι ιμπρεσιονιστές εφάρμοζαν χρώμα σε ξεχωριστές πινελιές, μερικές φορές χρησιμοποιώντας τόνους αντίθεσης σε μια περιοχή του πίνακα. Το κύριο χαρακτηριστικό των ιμπρεσιονιστικών πινάκων είναι η επίδραση της ζωντανής τρεμοπαίζεις των χρωμάτων. 
Για να μεταφέρουν αλλαγές στο χρώμα ενός αντικειμένου, οι ιμπρεσιονιστές άρχισαν να προτιμούν να χρησιμοποιούν χρώματα που αλληλοενισχύονται: κόκκινο και πράσινο, κίτρινο και μοβ, πορτοκαλί και μπλε. Αυτά τα ίδια χρώματα δημιουργούν το αποτέλεσμα διαδοχική αντίθεση. Για παράδειγμα, αν κοιτάξουμε για λίγο το κόκκινο και μετά περάσουμε το βλέμμα μας σε λευκό, θα μας φαίνεται πρασινωπό. 
Ο ιμπρεσιονισμός δεν έθεσε φιλοσοφικά προβλήματα και δεν προσπάθησε καν να διεισδύσει κάτω από τη χρωματιστή επιφάνεια της καθημερινότητας. Αντίθετα, οι καλλιτέχνες εστιάζουν στην επιπολαιότητα, τη ρευστότητα μιας στιγμής, τη διάθεση, τον φωτισμό ή τη γωνία θέασης. Οι πίνακές τους παρουσίαζαν μόνο τις θετικές πτυχές της ζωής, χωρίς να θίγουν οξεία κοινωνικά προβλήματα. 
Οι καλλιτέχνες συχνά ζωγράφιζαν ανθρώπους σε κίνηση, ενώ διασκέδαζαν ή χαλαρώνοντας. Έγιναν θέματα φλερτ, χορού, σε καφετέρια και θέατρο, βαρκάδα, σε παραλίες και σε κήπους. Αν κρίνουμε από τους πίνακες των ιμπρεσιονιστών, η ζωή είναι μια συνεχής σειρά από μικρές διακοπές, πάρτι, ευχάριστες ασχολίες έξω από την πόλη ή σε ένα φιλικό περιβάλλον. 
Ο ιμπρεσιονισμός άφησε πλούσια κληρονομιά στη ζωγραφική. Πρώτα απ 'όλα, αυτό είναι ένα ενδιαφέρον για προβλήματα χρώματος και μη τυποποιημένες τεχνικές. Ο ιμπρεσιονισμός εξέφρασε την επιθυμία για ανανέωση καλλιτεχνική γλώσσακαι ρήξη με την παράδοση, ως διαμαρτυρία ενάντια στην επίπονη τεχνική των δασκάλων της κλασικής σχολής. Λοιπόν, εσείς και εγώ μπορούμε τώρα να θαυμάσουμε αυτά τα υπέροχα έργα εξαιρετικών καλλιτεχνών. 
Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα κίνημα τέχνης που εμφανίστηκε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Του κύριος στόχοςυπήρξε μια μετάδοση φευγαλέων, μεταβλητών εντυπώσεων.
Η εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού συνδέεται με την επιστήμη: με τις τελευταίες ανακαλύψεις στην οπτική και τη θεωρία των χρωμάτων.
Αυτή η τάση επηρέασε σχεδόν όλα τα είδη τέχνης, αλλά εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα στη ζωγραφική, όπου η μετάδοση του χρώματος και του φωτός ήταν η βάση του έργου των ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών.
Έννοια του όρου
Ιμπρεσιονισμός(γαλλ. Impressionnisme) από εντύπωση - εντύπωση). Αυτό το στυλ ζωγραφικής εμφανίστηκε στη Γαλλία στα τέλη της δεκαετίας του 1860. Εκπροσωπήθηκε από τους Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Αλλά ο ίδιος ο όρος εμφανίστηκε το 1874, όταν ο πίνακας του Monet «Impression. Ανατολή του ηλίου"(1872). Στον τίτλο του πίνακα, ο Μονέ εννοούσε ότι μετέφερε μόνο τη φευγαλέα εντύπωσή του για το τοπίο.
Κ. Μονέ «Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου» (1872). Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι
Αργότερα, ο όρος «ιμπρεσιονισμός» στη ζωγραφική άρχισε να γίνεται κατανοητός ευρύτερα: μια προσεκτική μελέτη της φύσης από την άποψη του χρώματος και του φωτισμού. Στόχος των ιμπρεσιονιστών ήταν να απεικονίσουν στιγμιαίες, φαινομενικά «τυχαίες» καταστάσεις και κινήσεις. Για να γίνει αυτό, χρησιμοποίησαν διάφορες τεχνικές: σύνθετες γωνίες, ασυμμετρία, αποσπασματικές συνθέσεις. Για τους ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες, ένας πίνακας γίνεται μια παγωμένη στιγμή ενός συνεχώς μεταβαλλόμενου κόσμου.
Ιμπρεσιονιστική καλλιτεχνική μέθοδος
Το περισσότερο δημοφιλή είδηιμπρεσιονιστές - τοπία και σκηνές από τη ζωή της πόλης. Πάντα βάφονταν «στο ύπαιθρο», δηλ. απευθείας από τη φύση, στη φύση, χωρίς σκίτσα ή προκαταρκτικά σκίτσα. Οι ιμπρεσιονιστές παρατήρησαν και μπόρεσαν να μεταφέρουν χρώματα και αποχρώσεις στον καμβά που ήταν συνήθως αόρατα με γυμνό μάτικαι ένας απρόσεκτος θεατής. Για παράδειγμα, η απόδοση μπλε στη σκιά ή ροζ στο ηλιοβασίλεμα. Αποσυνέθεσαν σύνθετους τόνους στα συστατικά τους καθαρά χρώματα του φάσματος. Αυτό έκανε τους πίνακές τους να φαίνονται φωτεινοί και ζωντανοί. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες εφάρμοσαν χρώματα σε ξεχωριστές πινελιές, με ελεύθερο και ακόμη και απρόσεκτο τρόπο, έτσι ώστε οι πίνακές τους να προβάλλονται καλύτερα από απόσταση - με αυτήν την άποψη δημιουργείται το αποτέλεσμα της ζωντανής τρεμοπαίζεις των χρωμάτων.
Οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρές, ξεχωριστές και αντίθετες πινελιές.
Ο C. Pissarro, ο A. Sisley και ο C. Monet προτιμούσαν τοπία και σκηνές πόλης. Ο Ο. Ρενουάρ αγαπούσε να απεικονίζει ανθρώπους στην αγκαλιά της φύσης ή στο εσωτερικό. Ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός δεν έθεσε φιλοσοφικά και κοινωνικά προβλήματα. Δεν στράφηκαν σε βιβλικά, λογοτεχνικά, μυθολογικά, ιστορικά θέματα που ήταν εγγενή στον επίσημο ακαδημαϊσμό. Αντί για ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣεμφανίστηκε μια εικόνα της καθημερινής ζωής και της νεωτερικότητας. μια εικόνα ανθρώπων σε κίνηση, ενώ χαλαρώνουν ή διασκεδάζουν. Τα κύρια θέματα τους είναι το φλερτ, ο χορός, οι άνθρωποι σε καφετέριες και θέατρα, βόλτες με βάρκα, παραλίες και κήποι.
Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να αποτυπώσουν μια φευγαλέα εντύπωση, τις μικρότερες αλλαγές σε κάθε αντικείμενο ανάλογα με τον φωτισμό και την ώρα της ημέρας. Σε αυτό το σχέδιο υψηλότερο επίτευγμαμπορούν να θεωρηθούν οι κύκλοι ζωγραφικής του Monet «Haystacks», «Rouen Cathedral» και «Parliament of London».
C. Monet “The Cathedral of Rouen in the Sun” (1894). Μουσείο Orsay, Παρίσι, Γαλλία
Ο «Καθεδρικός της Ρουέν» είναι ένας κύκλος 30 έργων ζωγραφικής του Κλοντ Μονέ, οι οποίοι αντιπροσωπεύουν όψεις του καθεδρικού ναού ανάλογα με την ώρα της ημέρας, το χρόνο και τον φωτισμό. Αυτός ο κύκλος ζωγραφίστηκε από τον καλλιτέχνη τη δεκαετία του 1890. Ο καθεδρικός ναός του επέτρεψε να δείξει τη σχέση μεταξύ της σταθερής, σταθερής δομής του κτιρίου και του μεταβαλλόμενου, εύκολα παίζοντας φως που αλλάζει την αντίληψή μας. Ο Μονέ επικεντρώνεται σε μεμονωμένα θραύσματα του γοτθικού καθεδρικού ναού και επιλέγει την πύλη, τον πύργο του Αγίου Μαρτίνου και τον πύργο του Άλμπαν. Ενδιαφέρεται αποκλειστικά για το παιχνίδι του φωτός στην πέτρα.
K. Monet “Rouen Cathedral, Western Portal, Foggy Weather” (1892). Μουσείο Orsay, Παρίσι
K. Monet «Καθεδρικός ναός της Ρουέν, πύλη και πύργος, πρωινό εφέ. λευκή αρμονία» (1892-1893). Μουσείο Orsay, Παρίσι
K. Monet «Καθεδρικός ναός της Ρουέν, πύλη και πύργος στον ήλιο, αρμονία μπλε και χρυσού» (1892-1893). Μουσείο Orsay, Παρίσι
Μετά τη Γαλλία, ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες εμφανίστηκαν στην Αγγλία και τις ΗΠΑ (James Whistler), στη Γερμανία (Max Liebermann, Lovis Corinth), στην Ισπανία (Joaquin Sorolla), στη Ρωσία (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
Σχετικά με το έργο ορισμένων ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, φωτογραφία 1899
Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού. Γεννήθηκε στο Παρίσι. Από μικρός λάτρευε το σχέδιο και σε ηλικία 15 ετών έδειξε ότι είναι ταλαντούχος καρικατούρας. ΠΡΟΣ ΤΗΝ ζωγραφική τοπίουεισήχθη από τον Eugene Boudin, έναν Γάλλο καλλιτέχνη, προκάτοχο του ιμπρεσιονισμού. Αργότερα, ο Μονέ μπήκε στο πανεπιστήμιο της Σχολής Τεχνών, αλλά απογοητεύτηκε και το άφησε, γράφοντας στο στούντιο ζωγραφικής του Charles Gleyre. Στο στούντιο γνώρισε τους καλλιτέχνες Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frédéric Bazille. Ήταν ουσιαστικά συνομήλικοι, είχαν παρόμοιες απόψεις για την τέχνη και σύντομα αποτέλεσαν τη ραχοκοκαλιά της ιμπρεσιονιστικής ομάδας.
Ο Μονέ έγινε διάσημος για το πορτρέτο του Camille Doncieux, που ζωγράφισε το 1866 ("Camille, ή Πορτρέτο μιας κυρίας με πράσινο φόρεμα"). Η Καμίλα έγινε σύζυγος του καλλιτέχνη το 1870.
C. Monet “Camille” (“Lady in Green”) (1866). Kunsthalle, Βρέμη
C. Monet “Walk: Camille Monet with her son Jean (Woman with an Umbrella)” (1875). Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον
Το 1912, οι γιατροί διέγνωσαν στον C. Monet διπλό καταρράκτη και χρειάστηκε να υποβληθεί σε δύο επεμβάσεις. Έχοντας χάσει τον φακό στο αριστερό του μάτι, ο Μονέ ξαναβρήκε την όρασή του, αλλά άρχισε να βλέπει την υπεριώδη ακτινοβολία ως μπλε ή λιλά χρώμα, με αποτέλεσμα οι πίνακές του να πάρουν νέα χρώματα. Για παράδειγμα, όταν ζωγράφιζε τα περίφημα «Νούφαρα», ο Μονέ είδε τα κρίνα ως γαλαζωπά στην περιοχή υπεριώδους ακτινοβολίας για άλλους ανθρώπους που ήταν απλά λευκά.
C. Monet «Νούφαρα»
Ο καλλιτέχνης πέθανε στις 5 Δεκεμβρίου 1926 στο Giverny και κηδεύτηκε στο κοιμητήριο της τοπικής εκκλησίας.
Camille Pissarro (1830-1903)
C. Pissarro «Αυτοπροσωπογραφία» (1873)
Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους πρώτους και πιο συνεπείς εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού.
Γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά (Δυτικές Ινδίες), σε μια αστική οικογένεια ενός Σεφαραδίτικου Εβραίου και με καταγωγή από τη Δομινικανή Δημοκρατία. Έζησε στις Δυτικές Ινδίες μέχρι τα 12 του χρόνια και σε ηλικία 25 ετών μετακόμισε μαζί με όλη την οικογένειά του στο Παρίσι. Εδώ σπούδασε στη Σχολή Καλών Τεχνών και στην Académie de Suisse. Δάσκαλοί του ήταν οι Camille Corot, Gustave Courbet και Charles-François Daubigny. Ξεκίνησε με αγροτικά τοπίακαι θέα στο Παρίσι. Παρέχεται ο Πισάρο ισχυρή επιρροήστους ιμπρεσιονιστές, αναπτύσσοντας ανεξάρτητα πολλές από τις αρχές που αποτέλεσαν τη βάση του στυλ ζωγραφικής τους. Ήταν φίλος με τους καλλιτέχνες Degas, Cezanne και Gauguin. Ο Πιζάρο ήταν ο μόνος συμμετέχωνκαι οι 8 ιμπρεσιονιστικές εκθέσεις.
Πέθανε το 1903 στο Παρίσι. Τάφηκε στο νεκροταφείο Père Lachaise.
Ήδη μέσα πρώιμα έργακαλλιτέχνης Ιδιαίτερη προσοχήέδωσε προσοχή στην εικόνα των φωτισμένων αντικειμένων στον αέρα. Το φως και ο αέρας έχουν γίνει έκτοτε το κύριο θέμα στο έργο του Pissarro.
C. Pissarro «Boulevard Montmartre. Απόγευμα, ηλιόλουστη» (1897)
το 1890, ο Pizarro άρχισε να ενδιαφέρεται για την τεχνική του pointillism (ξεχωριστή εφαρμογή των κτυπημάτων). Αλλά μετά από λίγο επέστρεψε στους συνήθεις τρόπους του.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, η όραση του Camille Pissarro επιδεινώθηκε αισθητά. Συνέχισε όμως το έργο του και δημιούργησε μια σειρά από απόψεις του Παρισιού, γεμάτες με καλλιτεχνικά συναισθήματα.
C. Pissarro «Οδός στη Ρουέν»
Η ασυνήθιστη γωνία ορισμένων από τους πίνακές του εξηγείται από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης τους ζωγράφισε από δωμάτια ξενοδοχείου. Αυτή η σειρά έγινε ένα από τα υψηλότερα επιτεύγματα του ιμπρεσιονισμού στη μετάδοση φωτός και ατμοσφαιρικών εφέ.
Ο Pissarro ζωγράφιζε επίσης σε ακουαρέλες και δημιούργησε μια σειρά από χαρακτικά και λιθογραφίες.
Εδώ είναι μερικές από τις ενδιαφέρουσες δηλώσεις του για την τέχνη του ιμπρεσιονισμού: «Οι ιμπρεσιονιστές είναι στο σωστό δρόμο, η τέχνη τους είναι υγιής, βασίζεται σε αισθήσεις και είναι ειλικρινής».
«Ευτυχισμένος είναι αυτός που μπορεί να δει την ομορφιά μέσα συνηθισμένα πράγματα, εκεί που οι άλλοι δεν βλέπουν τίποτα!».
C. Pissarro «The First Frost» (1873)
Ρωσικός ιμπρεσιονισμός
Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός αναπτύχθηκε από τα τέλη του 19ου έως τις αρχές του 20ου αιώνα. Επηρεάστηκε από το έργο των Γάλλων ιμπρεσιονιστών. Αλλά ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός έχει μια έντονη εθνική ιδιαιτερότητα και από πολλές απόψεις δεν συμπίπτει με τις ιδέες των σχολικών βιβλίων για τον κλασικό γαλλικό ιμπρεσιονισμό. Στη ζωγραφική των Ρώσων ιμπρεσιονιστών κυριαρχεί η αντικειμενικότητα και η υλικότητα. Είναι περισσότερο φορτωμένο με νόημα και λιγότερο δυναμικό. Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός είναι πιο κοντά από τον γαλλικό στον ρεαλισμό. Γάλλοι ιμπρεσιονιστέςεστίασαν στην εντύπωση αυτού που είδαν και οι Ρώσοι πρόσθεσαν επίσης μια οθόνη εσωτερική κατάστασηκαλλιτέχνης. Η εργασία έπρεπε να ολοκληρωθεί σε μία συνεδρία.
Μια ορισμένη ατέλεια του ρωσικού ιμπρεσιονισμού δημιουργεί τη «συγκίνηση της ζωής» που τους ήταν χαρακτηριστικό.
Ο ιμπρεσιονισμός περιλαμβάνει το έργο των Ρώσων καλλιτεχνών: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov κ.ά.
V. Serov «Κορίτσι με ροδάκινα» (1887)
Αυτός ο πίνακας θεωρείται το πρότυπο του ρωσικού ιμπρεσιονισμού στην προσωπογραφία.
Valentin Serov «Κορίτσι με ροδάκινα» (1887). Καμβάς, λάδι. 91×85 εκ. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ
Ο πίνακας ζωγραφίστηκε στο κτήμα του Σάββα Ιβάνοβιτς Μαμόντοφ στο Αμπράμτσεβο, το οποίο απέκτησε από την κόρη του συγγραφέα Σεργκέι Ακσάκοφ το 1870. Το πορτρέτο απεικονίζει τη 12χρονη Βέρα Μαμόντοβα. Το κορίτσι σχεδιάζεται κάθεται σε ένα τραπέζι. φοράει μια ροζ μπλούζα με σκούρο μπλε φιόγκο. υπάρχει ένα μαχαίρι, ροδάκινα και φύλλα στο τραπέζι.
«Το μόνο που προσπαθούσα ήταν η φρεσκάδα, αυτή η ιδιαίτερη φρεσκάδα που νιώθεις πάντα στη φύση και δεν τη βλέπεις στους πίνακες. Ζωγράφιζα για περισσότερο από ένα μήνα και την εξάντλησα, καημένη, ήθελα πολύ να διατηρήσω τη φρεσκάδα του πίνακα ενώ ήμουν εντελώς πλήρης, όπως οι παλιοί δάσκαλοι» (V. Serov).
Ο ιμπρεσιονισμός σε άλλες μορφές τέχνης
Στη λογοτεχνία
Στη λογοτεχνία, ο ιμπρεσιονισμός ως ξεχωριστό κίνημα δεν αναπτύχθηκε, αλλά τα χαρακτηριστικά του αντικατοπτρίστηκαν νατουραλισμόςΚαι συμβολισμός .
Edmond και Jules Goncourt. φωτογραφία
Αρχές νατουραλισμόςμπορεί να εντοπιστεί στα μυθιστορήματα των αδελφών Γκονκούρ και του Τζορτζ Έλιοτ. Ήταν όμως ο πρώτος που χρησιμοποίησε τον όρο «νατουραλισμός». τη δική της δημιουργικότηταΕμίλ Ζολά. Οι συγγραφείς Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans και Paul Alexis συγκεντρώθηκαν γύρω από τον Zola. Μετά την κυκλοφορία της συλλογής "Medan Evenings" (1880) ειλικρινείς ιστορίεςσχετικά με τις καταστροφές του Γαλλο-Πρωσικού Πολέμου (συμπεριλαμβανομένης της ιστορίας του Maupassant "Dummpling"), τους δόθηκε το όνομα "ομάδα Medan".
Εμίλ Ζολά
Η νατουραλιστική αρχή στη λογοτεχνία έχει συχνά επικριθεί για την έλλειψη καλλιτεχνίας της. Για παράδειγμα, ο I. S. Turgenev έγραψε για ένα από τα μυθιστορήματα του Zola ότι "υπάρχει πολύ σκάψιμο σε γλάστρες θαλάμου". Ο Gustave Flaubert ήταν επίσης επικριτικός απέναντι στον νατουραλισμό.
Ο Ζολά διατηρούσε φιλικές σχέσεις με πολλούς ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες.
Συμβολιστέςχρησιμοποιημένα σύμβολα, υποτίμηση, υπαινιγμοί, μυστήριο, αίνιγμα. Η βασική διάθεση που κατέγραψαν οι συμβολιστές ήταν η απαισιοδοξία, φτάνοντας στο σημείο της απόγνωσης. Καθετί «φυσικό» αντιπροσωπευόταν μόνο ως «εμφάνιση» που δεν είχε ανεξάρτητη καλλιτεχνική σημασία.
Έτσι, ο ιμπρεσιονισμός στη λογοτεχνία εκφράστηκε με την ιδιωτική εντύπωση του συγγραφέα, την απόρριψη μιας αντικειμενικής εικόνας της πραγματικότητας και την απεικόνιση κάθε στιγμής. Στην πραγματικότητα, αυτό οδήγησε στην απουσία πλοκής και ιστορίας, στην αντικατάσταση της σκέψης με την αντίληψη και της λογικής με το ένστικτο.
G. Courbet “Portrait of P. Verlaine” (περίπου 1866)
Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα ποιητικού ιμπρεσιονισμού είναι η συλλογή του Paul Verlaine «Romances without Words» (1874). Στη Ρωσία, ο Konstantin Balmont και ο Innokenty Annensky βίωσαν την επιρροή του ιμπρεσιονισμού.
V. Serov “Portrait of K. Balmont” (1905)
Innokenty Annensky. φωτογραφία
Αυτά τα συναισθήματα επηρέασαν επίσης τη δραματουργία. Τα έργα περιέχουν μια παθητική αντίληψη του κόσμου, ανάλυση των διαθέσεων, νοητικές καταστάσεις. Οι διάλογοι συγκεντρώνουν φευγαλέες, σκόρπιες εντυπώσεις. Αυτά τα χαρακτηριστικά είναι χαρακτηριστικά του έργου του Arthur Schnitzler.
Στη μουσική
Ο μουσικός ιμπρεσιονισμός αναπτύχθηκε στη Γαλλία τον τελευταίο καιρό τρίμηνο XIX V. – αρχές 20ου αιώνα Εκφράστηκε πιο ξεκάθαρα στα έργα των Erik Satie, Claude Debussy και Maurice Ravel.
Erik Satie
Ο μουσικός ιμπρεσιονισμός είναι κοντά στον ιμπρεσιονισμό στη γαλλική ζωγραφική. Δεν έχουν μόνο κοινές ρίζες, αλλά και σχέσεις αιτίου-αποτελέσματος. Οι ιμπρεσιονιστές συνθέτες αναζήτησαν και βρήκαν όχι μόνο αναλογίες, αλλά και εκφραστικά μέσα στα έργα των Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes και Henri de Toulouse-Lautrec. Φυσικά τα μέσα ζωγραφικής και μέσα μουσική τέχνημπορούν να συνδεθούν μεταξύ τους μόνο με τη βοήθεια ειδικών, λεπτών συνειρμικών παραλληλισμών που υπάρχουν μόνο στη συνείδηση. Αν κοιτάξετε τη θολή εικόνα του Παρισιού «στη βροχή του φθινοπώρου» και τους ίδιους ήχους, «πνιγμένους από τον θόρυβο των σταγόνων που πέφτουν», τότε εδώ μπορούμε να μιλήσουμε μόνο για την ιδιότητα μιας καλλιτεχνικής εικόνας, αλλά όχι για μια πραγματική εικόνα.
Claude Debussy
Ο Debussy γράφει τα "Clouds", "Prints" (το πιο παραστατικό από τα οποία, ένα σκίτσο ήχου με ακουαρέλα - "Gardens in the Rain"), "Images", "Reflections on the Water", που προκαλούν άμεσους συσχετισμούς με διάσημος πίνακας Claude Monet "Impression: Sunrise". Σύμφωνα με τον Mallarmé, οι ιμπρεσιονιστές συνθέτες έμαθαν να «ακούνε φως», να μεταφέρουν με ήχους την κίνηση του νερού, τη δόνηση των φύλλων, το φύσημα του ανέμου και τη διάθλαση του ηλιακού φωτός στον βραδινό αέρα.
Μωρίς Ραβέλ
Άμεσες συνδέσεις μεταξύ ζωγραφικής και μουσικής υπάρχουν στον M. Ravel στο ηχητικό-οπτικό του «Play of Water», στον κύκλο θεατρικών έργων «Reflections» και στη συλλογή πιάνου «Rustles of the Night».
Οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν έργα εκλεπτυσμένης τέχνης που ήταν ταυτόχρονα ξεκάθαρα στα εκφραστικά τους μέσα, συγκρατημένα συναισθηματικά, χωρίς συγκρούσεις και αυστηρό στυλ.
Στη γλυπτική
O. Rodin "The Kiss"
Ο ιμπρεσιονισμός στη γλυπτική εκφράστηκε στην ελεύθερη πλαστικότητα των απαλών μορφών, που δημιουργεί προκλητικό παιχνίδιφως στην επιφάνεια του υλικού και αίσθηση ατελείας. Οι πόζες των γλυπτικών χαρακτήρων αποτυπώνουν τη στιγμή της κίνησης και της ανάπτυξης.
Ο. Ροντέν. Φωτογραφία από το 1891
Αυτή η σκηνοθεσία περιλαμβάνει έργα γλυπτικής των O. Rodin (Γαλλία), Medardo Rosso (Ιταλία), P.P. Trubetskoy (Ρωσία).
V. Serov «Πορτρέτο του Paolo Trubetskoy»
Πάβελ (Πάολο) Τρουμπέτσκι(1866-1938) – γλύπτης και καλλιτέχνης, εργάστηκε στην Ιταλία, τις ΗΠΑ, την Αγγλία, τη Ρωσία και τη Γαλλία. Γεννήθηκε στην Ιταλία. Παράνομος γιοςΡώσος μετανάστης, πρίγκιπας Pyotr Petrovich Trubetskoy.
Από την παιδική μου ηλικία, ασχολούμαι ανεξάρτητα με τη γλυπτική και τη ζωγραφική. Δεν είχε μόρφωση. Στην αρχική περίοδο της δημιουργικότητάς του δημιούργησε προτομές πορτρέτων, έργα μικρής γλυπτικής και συμμετείχε σε διαγωνισμούς για τη δημιουργία μεγάλων γλυπτών.
P. Trubetskoy “Monument to Alexander III”, Αγία Πετρούπολη
Η πρώτη έκθεση έργων του Paolo Trubetskoy πραγματοποιήθηκε στις ΗΠΑ το 1886. Το 1899, ο γλύπτης ήρθε στη Ρωσία. Παίρνει μέρος σε διαγωνισμό για τη δημιουργία μνημείου του Αλέξανδρου Γ' και, απροσδόκητα για όλους, λαμβάνει το πρώτο βραβείο. Το μνημείο αυτό προκάλεσε και προκαλεί αντικρουόμενες εκτιμήσεις. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ένα πιο στατικό και βαρύ μνημείο. Και μόνο θετικά σχόλια αυτοκρατορική οικογένειαεπέτρεψαν στο μνημείο να πάρει την κατάλληλη θέση - στη γλυπτική εικόνα βρήκαν ομοιότητες με το πρωτότυπο.
Οι κριτικοί πίστευαν ότι ο Trubetskoy δούλευε στο πνεύμα του «ξεπερασμένου ιμπρεσιονισμού».
Η εικόνα του λαμπρού Ρώσου συγγραφέα του Trubetskoy αποδείχθηκε πιο «ιμπρεσιονιστική»: υπάρχει ξεκάθαρα κίνηση εδώ - στις πτυχές του πουκάμισου, στα ρέοντα γένια, στη στροφή του κεφαλιού, υπάρχει ακόμη και η αίσθηση ότι ο γλύπτης κατάφερε να συλλάβει η ένταση της σκέψης του Λ. Τολστόι.
P. Trubetskoy “Bust of Leo Tolstoy” (χάλκινο). Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ
Ιμπρεσιονισμός Ιμπρεσιονισμός
(Γαλλικό impressionnisme, από εντύπωση - εντύπωση), μια κίνηση στην τέχνη του τελευταίου τρίτου του 19ου - αρχές του 20ού αιώνα. Αναπτύχθηκε στη γαλλική ζωγραφική στα τέλη της δεκαετίας του 1860 - αρχές της δεκαετίας του 70. Το όνομα «ιμπρεσιονισμός» προέκυψε μετά την έκθεση του 1874, στην οποία εκτέθηκε ο πίνακας του C. Monet «Impression levant» (1872, τώρα στο Μουσείο Marmottan, Παρίσι). Την εποχή της ωριμότητας του ιμπρεσιονισμού (δεκαετίες '70 - πρώτο μισό της δεκαετίας του '80), εκπροσωπήθηκε από μια ομάδα καλλιτεχνών (Μονέ, Ο. Ρενουάρ, Ε. Ντεγκά, Κ. Πισαρό, Α. Σίσλεϋ, Μπ. Μορισό κ.λπ. .), που ενώθηκαν για τον αγώνα για την ανανέωση της τέχνης και την υπέρβαση του επίσημου ακαδημαϊσμού των σαλονιών και οργάνωσαν 8 εκθέσεις για το σκοπό αυτό το 1874-86. Ένας από τους δημιουργούς του ιμπρεσιονισμού ήταν ο E. Manet, ο οποίος δεν ήταν μέλος αυτής της ομάδας, αλλά πίσω στη δεκαετία του '60 και στις αρχές της δεκαετίας του '70. ο οποίος παρουσίασε έργα είδους στα οποία ξανασκέφτηκε τις τεχνικές σύνθεσης και ζωγραφικής των δασκάλων του 16ου-18ου αιώνα. σε σχέση με τη σύγχρονη ζωή, καθώς και σκηνές του Εμφυλίου Πολέμου του 1861-65 στις ΗΠΑ, την εκτέλεση των Κομουνάρδων του Παρισιού, δίνοντάς τους οξύ πολιτικό προσανατολισμό.
Ο ιμπρεσιονισμός συνεχίζει αυτό που ξεκίνησε η ρεαλιστική τέχνη της δεκαετίας του 40-60. Η απελευθέρωση από τις συμβάσεις του κλασικισμού, του ρομαντισμού και του ακαδημαϊσμού, επιβεβαιώνει την ομορφιά της καθημερινής πραγματικότητας, τα απλά, δημοκρατικά κίνητρα και επιτυγχάνει τη ζωντανή αυθεντικότητα της εικόνας. Κάνει το αυθεντικό, μοντέρνα ζωήστη φυσικότητά του, σε όλο τον πλούτο και τη λάμψη των χρωμάτων του, αιχμαλωτίζοντας ορατό κόσμοστην εγγενή σταθερή του μεταβλητότητα, αναδημιουργώντας την ενότητα του ανθρώπου και του περιβάλλοντός του. Σε πολλούς ιμπρεσιονιστικούς πίνακες (ειδικά τοπία και νεκρές φύσεις, μερικοί πολυμορφικές συνθέσεις) τονίζεται η περαστική στιγμή της συνεχούς ροής της ζωής, σαν να την πιάνει κατά λάθος το μάτι, διατηρείται η αμεροληψία, η δύναμη και η φρεσκάδα της πρώτης εντύπωσης, επιτρέποντας σε κάποιον να συλλάβει το μοναδικό και χαρακτηριστικό σε αυτό που βλέπει. Τα έργα των ιμπρεσιονιστών διακρίνονται για τη χαρά και τον ενθουσιασμό τους για την αισθησιακή ομορφιά του κόσμου, αλλά σε μια σειρά από έργα των Μανέ και Ντεγκά υπάρχουν πικρές, σαρκαστικές νότες.
Οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν για πρώτη φορά έναν πολύπλευρο πίνακα Καθημερινή ζωήμιας σύγχρονης πόλης, αποτύπωσε την πρωτοτυπία του τοπίου της και την εμφάνιση των ανθρώπων που την κατοικούν, τη ζωή, τη δουλειά και τη διασκέδασή τους. Στο τοπίο, αυτοί (ειδικά ο Sisley και ο Pissarro) ανέπτυξαν τις plein air quests του J. Constable, της σχολής Barbizon, του C. Corot και άλλων, και ανέπτυξαν ένα πλήρες σύστημα plein air. Στα ιμπρεσιονιστικά τοπία, ένα απλό, καθημερινό μοτίβο συχνά μεταμορφώνεται από ένα διάχυτο, κινητό ηλιακό φως, φέρνοντας μια αίσθηση πανηγυρισμού στην εικόνα. Η εργασία σε έναν πίνακα απευθείας στο ύπαιθρο επέτρεψε την αναπαραγωγή της φύσης σε όλη της τη ζωντανή πραγματική ζωή, την λεπτή ανάλυση και αποτύπωση των μεταβατικών καταστάσεων της, την αποτύπωση των παραμικρών αλλαγών στο χρώμα που εμφανίζονται υπό την επίδραση ενός δονούμενου και ρευστού φωτός- ατμοσφαιρικό περιβάλλον (που ενώνει οργανικά τον άνθρωπο και τη φύση), που γίνεται ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα ανεξάρτητο αντικείμενο εικόνας (κυρίως στα έργα του Μονέ). Για να διατηρήσουν τη φρεσκάδα και την ποικιλία των φυσικών χρωμάτων στους πίνακές τους, οι ιμπρεσιονιστές (με εξαίρεση τον Ντεγκά) δημιούργησαν ένα σύστημα ζωγραφικής που διακρίνεται από την αποσύνθεση σύνθετων τόνων σε καθαρά χρώματα και την αλληλοδιείσδυση καθαρών ξεχωριστών πινελιών καθαρού χρώματος, όπως αν αναμειγνύεται στο μάτι του θεατή, ελαφρύ και φωτεινό χρωματικό σχέδιο, ένας πλούτος αξιών και αντανακλαστικών, χρωματιστές σκιές. Οι ογκομετρικές φόρμες φαίνεται να διαλύονται στο κέλυφος του φωτός αέρα που τις τυλίγει, να αποϋλοποιούνται και να αποκτούν ασταθή περιγράμματα: το παιχνίδι διαφόρων πινελιών, impasto και υγρό, δίνει στο στρώμα της βαφής τρέμουλο και ανακούφιση. δημιουργώντας έτσι μια περίεργη εντύπωση ατελείας, το σχηματισμό μιας εικόνας μπροστά στα μάτια ενός ατόμου που συλλογίζεται τον καμβά. Με αυτόν τον τρόπο, επέρχεται μια προσέγγιση μεταξύ του σκίτσου και του πίνακα, και συχνά μια συγχώνευση πολλών. στάδια της εργασίας σε μια συνεχή διαδικασία. Η εικόνα γίνεται ένα ξεχωριστό πλαίσιο, ένα κομμάτι του κινούμενου κόσμου. Αυτό εξηγεί, αφενός, την ισοδυναμία όλων των τμημάτων της εικόνας, που γεννιούνται ταυτόχρονα κάτω από το πινέλο του καλλιτέχνη και συμμετέχουν εξίσου στην παραστατική κατασκευή των έργων, αφετέρου, τη φαινομενική τυχαιότητα και ανισορροπία, ασυμμετρία της σύνθεσης, τολμηρές περικοπές μορφών, απροσδόκητες οπτικές γωνίες και σύνθετες γωνίες που ενεργοποιούν τη χωρική κατασκευή.
Σε ορισμένες τεχνικές κατασκευής σύνθεσης και χώρου στον ιμπρεσιονισμό, η επιρροή του Ιαπωνικές εκτυπώσειςκαι εν μέρει φωτογραφίες.
Οι ιμπρεσιονιστές στράφηκαν επίσης στα πορτρέτα και στο καθημερινό είδος (Ρενουάρ, Μπ. Μορισό, εν μέρει Ντεγκά). Το εγχώριο είδος και τα γυμνά στον ιμπρεσιονισμό ήταν συχνά συνυφασμένα με τοπία (ειδικά στο Ρενουάρ). συνήθως απεικονίζονταν ανθρώπινες φιγούρες φωτισμένες από φυσικό φως ανοιχτό παράθυρο, σε κιόσκι κτλ. Ο ιμπρεσιονισμός χαρακτηρίζεται από μίξη καθημερινό είδοςμε ένα πορτρέτο, μια τάση να θολώνουν τα σαφή όρια μεταξύ των ειδών. Από τις αρχές της δεκαετίας του '80. ορισμένοι δάσκαλοι του ιμπρεσιονισμού στη Γαλλία προσπάθησαν να τον τροποποιήσουν δημιουργικές αρχές. Ο ύστερος ιμπρεσιονισμός (μέσα δεκαετίας '80 - 90) αναπτύχθηκε κατά τη διαμόρφωση του στυλ Art Nouveau, διάφορες κατευθύνσειςμετα-ιμπρεσιονισμός. Ο όψιμος ιμπρεσιονισμός χαρακτηρίζεται από την εμφάνιση μιας αίσθησης υποκειμενικής αυτοεκτίμησης καλλιτεχνικό τρόποκαλλιτέχνης, η ανάπτυξη των διακοσμητικών τάσεων. Το παιχνίδι των αποχρώσεων και των πρόσθετων τόνων σε ένα έργο ιμπρεσιονισμού γίνεται όλο και πιο εκλεπτυσμένο και εμφανίζεται μια τάση για μεγαλύτερο κορεσμό χρώματος των καμβάδων ή τονική ενότητα. τα τοπία συνδυάζονται σε σειρές.
Ο γραφικός τρόπος του ιμπρεσιονισμού είχε μεγάλη επιρροήεπί Γαλλική ζωγραφική. Ορισμένα χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού υιοθετήθηκαν από την κομμωτική-ακαδημαϊκή ζωγραφική. Για αρκετούς καλλιτέχνες, η μελέτη της μεθόδου του ιμπρεσιονισμού έγινε αρχικό στάδιοστο δρόμο για να προσθέσετε το δικό σας καλλιτεχνικό σύστημα(P. Cezanne, P. Gauguin, V. van Gogh, J. Seurat).
Μια δημιουργική στροφή προς τον ιμπρεσιονισμό και η μελέτη των αρχών του ήταν ένα σημαντικό βήμα στην ανάπτυξη πολλών εθνικών ευρωπαϊκών σχολών τέχνης. Επηρεασμένος Γαλλικός ιμπρεσιονισμόςτο έργο των M. Lieberman, L. Corinth στη Γερμανία, K. A. Korovin, V. A. Serov, I. E. Grabar και των πρώιμων M. F. Larionov στη Ρωσία, M. Prendergast και M. Cassatt στις ΗΠΑ, L. επίσης στη γλυπτική του 1880 -Δεκαετία του 1910, η οποία έχει κάποια χαρακτηριστικά παρόμοια με την ιμπρεσιονιστική ζωγραφική - την επιθυμία να μεταφέρει τη στιγμιαία κίνηση, τη ρευστότητα και την απαλότητα των μορφών, τη σκόπιμη πλαστική ατελότητα. Ο ιμπρεσιονισμός στη γλυπτική εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα στα έργα του M. Rosso στην Ιταλία, του O. Rodin και του Degas στη Γαλλία, του P. P. Trubetskoy και του A. S. Golubkina στη Ρωσία, κ.λπ. Ορισμένες τεχνικές ιμπρεσιονισμού διατηρήθηκαν σε πολλά ρεαλιστικά κινήματα τέχνης του 20ού αιώνας. Ο ιμπρεσιονισμός σε καλές τέχνεςεπηρέασε την εξέλιξη εκφραστικά μέσαστη λογοτεχνία, τη μουσική και το θέατρο.
C. Pissarro. "Πούλμαν αλληλογραφίας στο Louveciennes." Γύρω στο 1870. Μουσείο Ιμπρεσιονισμού. Παρίσι.
Πηγή: "Popular" εγκυκλοπαίδεια τέχνης." Εκδ. Polevoy V.M.; Μ.: Εκδοτικός οίκος " Σοβιετική εγκυκλοπαίδεια", 1986.)
ιμπρεσιονισμός(γαλλ. impressionnisme, από εντύπωση - εντύπωση), σκηνοθεσία στην τέχνη του συζ. 1860 – νωρίς δεκαετία του 1880 Πιο ξεκάθαρα εκδηλώνεται στη ζωγραφική. Κορυφαίοι εκπρόσωποι: Κ. Μονέ, ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ. Ρενουάρ, ΠΡΟΣ ΤΗΝ. Πισάρο, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Σίσλεϋ, G. Caillebotte και J. F. Basile. Μαζί τους εξέθεσε τους πίνακές του ο Ε.. Μανέκαι Ε. Ντεγκά, αν και το ύφος των έργων τους δεν μπορεί να ονομαστεί εντελώς ιμπρεσιονιστικό. Το όνομα «Ιμπρεσιονιστές» δόθηκε σε μια ομάδα νέων καλλιτεχνών μετά την πρώτη κοινή τους έκθεση στο Παρίσι (1874· Μονέ, Ρενουάρ, Πιζάρο, Ντεγκά, Σισλέ κ.λπ.), η οποία προκάλεσε έξαλλη αγανάκτηση στο κοινό και στους κριτικούς. Ένας από τους πίνακες που παρουσιάστηκαν από τον C. Monet (1872) ονομαζόταν «Impression. Sunrise» («L’impression. Soleil levant»), και ο κριτικός αποκάλεσε κοροϊδευτικά τους καλλιτέχνες «ιμπρεσιονιστές» - «ιμπρεσιονιστές». Οι ζωγράφοι εμφανίστηκαν με αυτό το όνομα στην τρίτη κοινή έκθεση (1877). Ταυτόχρονα, άρχισαν να εκδίδουν το περιοδικό Impressionist, κάθε τεύχος του οποίου ήταν αφιερωμένο στη δουλειά ενός από τα μέλη της ομάδας.
Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να συλλάβουν ο κόσμοςστη συνεχή μεταβλητότητά του, τη ρευστότητά του, για να εκφράσετε αμερόληπτα τις άμεσες εντυπώσεις σας. Ο ιμπρεσιονισμός βασίστηκε στις τελευταίες ανακαλύψεις στην οπτική και τη θεωρία των χρωμάτων (η φασματική αποσύνθεση μιας ηλιακής ακτίνας σε επτά χρώματα του ουράνιου τόξου). σε αυτό εναρμονίζεται με το πνεύμα της επιστημονικής ανάλυσης χαρακτηριστικό του συ. 19ος αιώνας Ωστόσο, οι ίδιοι οι ιμπρεσιονιστές δεν προσπάθησαν να καθορίσουν θεωρητική βάσητης τέχνης του, επιμένοντας στον αυθορμητισμό και τη διαισθητικότητα της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη. Καλλιτεχνικές αρχέςοι ιμπρεσιονιστές δεν ήταν ενωμένοι. Ο Μονέ ζωγράφισε τοπία μόνο σε άμεση επαφή με τη φύση, στο ύπαιθρο (on plein air) και μάλιστα έχτισε εργαστήριο σε βάρκα. Ο Ντεγκά εργάστηκε στο εργαστήριο από αναμνήσεις ή χρησιμοποιώντας φωτογραφίες. Σε αντίθεση με τους εκπροσώπους των μεταγενέστερων ριζοσπαστικών κινημάτων, οι καλλιτέχνες δεν ξεπέρασαν το αναγεννησιακό απατηλό-χωρικό σύστημα βασισμένο στη χρήση άμεσου προοπτικές. Τήρησαν σταθερά τη μέθοδο εργασίας από τη ζωή, στην οποία είχαν εξυψωθεί βασική αρχήδημιουργικότητα. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να «ζωγραφίσουν αυτό που βλέπετε» και «όπως βλέπετε». Η συνεπής εφαρμογή αυτής της μεθόδου συνεπαγόταν τη μετατροπή όλων των θεμελίων του υπάρχοντος συστήματος ζωγραφικής: χρώμα, σύνθεση, χωροταξική κατασκευή. Τα καθαρά χρώματα εφαρμόστηκαν στον καμβά με μικρές ξεχωριστές πινελιές: πολύχρωμες «κουκκίδες» απλώνονταν δίπλα-δίπλα, αναμειγνύονται σε ένα πολύχρωμο θέαμα όχι στην παλέτα ή στον καμβά, αλλά στο μάτι του θεατή. Οι ιμπρεσιονιστές πέτυχαν μια άνευ προηγουμένου ηχητικότητα χρώματος και έναν άνευ προηγουμένου πλούτο αποχρώσεων. Η πινελιά έγινε ένα ανεξάρτητο μέσο έκφρασης, γεμίζοντας την επιφάνεια του πίνακα με μια ζωντανή, αστραφτερή δόνηση σωματιδίων χρώματος. Ο καμβάς παρομοιάστηκε με ένα μωσαϊκό που αστράφτει με πολύτιμα χρώματα. Σε προηγούμενους πίνακες, κυριαρχούσαν οι αποχρώσεις του μαύρου, του γκρι και του καφέ. Στους πίνακες των ιμπρεσιονιστών τα χρώματα έλαμπαν έντονα. Οι ιμπρεσιονιστές δεν χρησιμοποίησαν chiaroscuroΓια να μεταφέρουν όγκους, εγκατέλειψαν τις σκοτεινές σκιές και οι σκιές στους πίνακές τους έγιναν επίσης έγχρωμες. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν ευρέως πρόσθετους τόνους (κόκκινο και πράσινο, κίτρινο και βιολετί), η αντίθεση των οποίων αύξησε την ένταση του χρωματικού ήχου. Στους πίνακες του Μονέ, τα χρώματα φωτίστηκαν και διαλύθηκαν στην ακτινοβολία των ακτίνων του ήλιου, τα τοπικά χρώματα απέκτησαν πολλές αποχρώσεις.
Οι ιμπρεσιονιστές απεικόνιζαν τον κόσμο γύρω μας σε αέναη κίνηση, μετάβαση από τη μια κατάσταση στην άλλη. Άρχισαν να ζωγραφίζουν μια σειρά από πίνακες, θέλοντας να δείξουν πώς αλλάζει το ίδιο μοτίβο ανάλογα με την ώρα της ημέρας, τον φωτισμό, τις καιρικές συνθήκες, κ.λπ. - 95, και «Parliament of London», 1903-04, C. Monet). Οι καλλιτέχνες βρήκαν τρόπους να αντανακλούν στους πίνακές τους την κίνηση των νεφών (A. Sisley. «Loing in Saint-Mamme», 1882), το παιχνίδι της λάμψης του ηλιακού φωτός (O. Renoir. «Swing», 1876), οι ριπές του ανέμου ( C. Monet “Terrace in Sainte-Adresse”, 1866), ρέματα βροχής (G. Caillebotte. “Hierarch. The Effect of Rain”, 1875), χιόνι που πέφτει (C. Pissarro. “Opera Passage. The Effect of Snow. ", 1898), γρήγορο τρέξιμο αλόγων (E. Manet . "Horses at Longchamp", 1865).
Οι ιμπρεσιονιστές ανέπτυξαν νέες αρχές σύνθεσης. Προηγουμένως, ο χώρος ενός πίνακα παρομοιαζόταν με μια σκηνή, τώρα οι σκηνές έμοιαζαν με ένα στιγμιότυπο, ένα φωτογραφικό πλαίσιο. Εφευρέθηκε τον 19ο αιώνα. Η φωτογραφία είχε σημαντική επιρροή στη σύνθεση ιμπρεσιονιστικών πινάκων, ιδιαίτερα στο έργο του Ε. Ντεγκά, ο οποίος ήταν ο ίδιος παθιασμένος φωτογράφος και, σύμφωνα με τον ίδιο με δικά μου λόγια, προσπάθησε να αιφνιδιάσει τις μπαλαρίνες που απεικόνιζε, να τις δει «σαν από κλειδαρότρυπα», όταν οι πόζες και οι γραμμές του σώματός τους ήταν φυσικές, εκφραστικές και αξιόπιστες. Η δημιουργία πινάκων στο ύπαιθρο, η επιθυμία να συλλάβουν τα γρήγορα μεταβαλλόμενο φωτισμό ανάγκασε τους καλλιτέχνες να επιταχύνουν τη δουλειά τους, ζωγραφίζοντας «alla prima» (με μια κίνηση), χωρίς προκαταρκτικά σκίτσα. Ο κατακερματισμός, η «τυχαιότητα» της σύνθεσης και το δυναμικό στυλ ζωγραφικής δημιούργησαν μια αίσθηση ιδιαίτερης φρεσκάδας στους πίνακες των ιμπρεσιονιστών.
Το αγαπημένο ιμπρεσιονιστικό είδος ήταν το τοπίο. το πορτρέτο αντιπροσώπευε επίσης ένα είδος «τοπίου προσώπου» (O. Renoir. «Portrait of the Atress J. Samary», 1877). Επιπλέον, οι καλλιτέχνες διεύρυναν σημαντικά το φάσμα των θεμάτων ζωγραφικής, στρέφοντας σε θέματα που προηγουμένως θεωρούνταν ανάξια προσοχής: λαϊκά πανηγύρια, ιπποδρομίες, πικνίκ της καλλιτεχνικής μποημίας, ζωή στα παρασκήνιαθέατρα κλπ. Ωστόσο, οι ταινίες τους δεν έχουν αναπτυγμένη πλοκή ή λεπτομερή αφήγηση. η ανθρώπινη ζωή διαλύεται στη φύση ή στην ατμόσφαιρα της πόλης. Οι ιμπρεσιονιστές ζωγράφιζαν όχι γεγονότα, αλλά διαθέσεις, αποχρώσεις συναισθημάτων. Οι καλλιτέχνες απέρριψαν θεμελιωδώς την ιστορική και λογοτεχνικά θέματα, απέφυγε να απεικονίσει δραματικά, σκοτεινές πλευρέςζωή (πόλεμος, καταστροφή κ.λπ.). Επιδίωξαν να απαλλάξουν την τέχνη από την εκπλήρωση κοινωνικών, πολιτικών και ηθικών καθηκόντων, από την υποχρέωση αξιολόγησης των εικονιζόμενων φαινομένων. Οι καλλιτέχνες τραγούδησαν την ομορφιά του κόσμου, καταφέρνοντας να μετατρέψουν το πιο καθημερινό μοτίβο (ανακαίνιση δωματίου, γκρίζα ομίχλη του Λονδίνου, καπνός από ατμομηχανές κ.λπ.) σε ένα μαγευτικό θέαμα (G. Caillebotte. “Parquet Boys”, 1875, C. Monet "Gare Saint-Lazare", 1877).
Το 1886 πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση των ιμπρεσιονιστών (δεν συμμετείχαν σε αυτήν οι Ο. Ρενουάρ και Κ. Μονέ). Μέχρι εκείνη τη στιγμή, είχαν προκύψει σημαντικές διαφωνίες μεταξύ των μελών της ομάδας. Οι δυνατότητες της ιμπρεσιονιστικής μεθόδου είχαν εξαντληθεί και ο καθένας από τους καλλιτέχνες άρχισε να αναζητά τη δική του δικός μου τρόποςστην τέχνη.
Ο ιμπρεσιονισμός στο σύνολό του δημιουργική μέθοδοςήταν ένα φαινόμενο της κυρίως γαλλικής τέχνης, αλλά το έργο των ιμπρεσιονιστών είχε αντίκτυπο στο σύνολο Ευρωπαϊκή ζωγραφική. Η επιθυμία να ανανεωθεί η καλλιτεχνική γλώσσα, να φωτίσει τη χρωματιστή παλέτα και να εκθέσει τις τεχνικές ζωγραφικής έχουν πλέον μπει σταθερά στο οπλοστάσιο των καλλιτεχνών. Σε άλλες χώρες, οι J. Whistler (Αγγλία και ΗΠΑ), M. Lieberman, L. Corinth (Γερμανία) και H. Sorolla (Ισπανία) ήταν κοντά στον ιμπρεσιονισμό. Πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες βίωσαν την επιρροή του ιμπρεσιονισμού (V.A. Serov, Κ.Α. Κοροβίν, Ι.Ε. Γκράμπαρκαι τα λοιπά.).
Εκτός από τη ζωγραφική, ο ιμπρεσιονισμός ενσωματώθηκε στο έργο ορισμένων γλυπτών (Ε. Ντεγκά και Ο. Ο Ροντένστη Γαλλία, M. Rosso στην Ιταλία, P.P. Trubetskoyστη Ρωσία) σε ζωντανή ελεύθερη μοντελοποίηση ρευστών μαλακών μορφών, που δημιουργεί ένα περίπλοκο παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια του υλικού και μια αίσθηση ατελούς εργασίας. οι πόζες αποτυπώνουν τη στιγμή της κίνησης και της ανάπτυξης. Στη μουσική, τα έργα του C. Debussy ("Sails", "Mists", "Reflections in Water" κ.λπ.) είναι κοντά στον ιμπρεσιονισμό.
