Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Mariinsky: ρεπερτόριο. Θίασος μπαλέτου του θεάτρου Mariinsky Κατάλογος του θιάσου μπαλέτου του θεάτρου Mariinsky

Όταν σχεδιάζαμε υλικό για μπαλαρίνες για τις γιορτές του Μαΐου, δεν ξέραμε ότι θα έρθουν τέτοια θλιβερά νέα από τη Γερμανία... Σήμερα, που όλος ο κόσμος θρηνεί τον θρύλο του ρωσικού μπαλέτου Μάγια Πλισέτσκαγια, τιμούμε τη μνήμη της και θυμόμαστε σύγχρονους σολίστ που θα ποτέ δεν αντικαταστήσουν την πριμοδότηση του θεάτρου Μπολσόι, αλλά θα συνεχίσουν επάξια την ιστορία του ρωσικού μπαλέτου.

Το Θέατρο Μπολσόι έριξε προσοχή στην μπαλαρίνα Μαρία Αλεξάντροβα από την πρώτη συνάντηση. Το πρώτο βραβείο που κέρδισε το 1997 στον Διεθνή Διαγωνισμό Μπαλέτου στη Μόσχα έγινε εισιτήριο για τον τότε φοιτητή της Κρατικής Ακαδημίας Τεχνών της Μόσχας στον κύριο θίασο της χώρας. Στην πρώτη κιόλας σεζόν της δουλειάς στο Μπολσόι, χωρίς πολύ μαρασμό, η μπαλαρίνα, ακόμα με τον βαθμό του χορευτή μπαλέτου, έλαβε τον πρώτο της σόλο ρόλο. Και το ρεπερτόριο μεγάλωσε και διευρύνθηκε. Ενδιαφέρον γεγονός: το 2010, η μπαλαρίνα έγινε η πρώτη γυναίκα στην ιστορία του μπαλέτου που ερμήνευσε τον ομώνυμο ρόλο στην Petrushka του Στραβίνσκι. Σήμερα η Μαρία Αλεξάντροβα είναι πρίμα μπαλαρίνα των Μπολσόι.

Το σημείο καμπής στην τύχη της επίδοξης μπαλαρίνας Σβετλάνα Ζαχάροβα ήταν η λήψη του δεύτερου βραβείου στον διαγωνισμό Vaganova-Prix για νέους χορευτές και η επακόλουθη προσφορά να γίνει μεταπτυχιακός φοιτητής στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. Βαγκάνοβα. Και το θέατρο Mariinsky έγινε πραγματικότητα στη ζωή της μπαλαρίνας. Μετά την αποφοίτησή της από την ακαδημία, η μπαλαρίνα εντάχθηκε στο θίασο του θεάτρου Mariinsky, αφού εργάστηκε για μια σεζόν, έλαβε μια πρόταση να γίνει σολίστ. Η ιστορία της σχέσης της Ζαχάροβα με τους Μπολσόι ξεκίνησε το 2003 με το σόλο μέρος στο "Giselle" (επιμέλεια του V. Vasiliev). Το 2009, η Zakharova εξέπληξε το κοινό με την πρεμιέρα του ασυνήθιστου μπαλέτου του E. Palmieri «Zakharova. Σούπερ παιχνίδι». Οι Μπολσόι δεν το σχεδίασαν, αλλά η Ζαχάροβα το οργάνωσε και το θέατρο υποστήριξε το πείραμα. Παρεμπιπτόντως, έχει ήδη υπάρξει μια παρόμοια εμπειρία σκηνοθεσίας μπαλέτου στο Μπολσόι για μία μόνο μπαλαρίνα, αλλά μόνο μία φορά: το 1967, η Μάγια Πλισέτσκαγια έλαμψε στη Σουίτα Κάρμεν.

Τι να πω, όσοι κάνουν τα πρώτα τους βήματα στο μπαλέτο από το ρεπερτόριο της Ζαχάροβα ζαλίζονται και εμφανίζεται φθόνος. Μέχρι σήμερα, το ιστορικό της περιλαμβάνει όλα τα σόλο μέρη των κύριων μπαλέτων - "Giselle", "Swan Lake", "La Bayadère", "Carmen Suite", "Diamonds"...

Η αρχή της καριέρας του μπαλέτου της Ulyana Lopatkina ήταν ο ρόλος της Odette στη Λίμνη των Κύκνων, φυσικά, στο θέατρο Mariinsky. Η παράσταση ήταν τόσο επιδέξια που σύντομα η μπαλαρίνα έλαβε το βραβείο Golden Sofit για το καλύτερο ντεμπούτο στη σκηνή της Αγίας Πετρούπολης. Από το 1995, η Lopatkina είναι πρώτη μπαλαρίνα του θεάτρου Mariinsky. Το ρεπερτόριο περιλαμβάνει και πάλι γνωστούς τίτλους - "Giselle", "Corsair", "La Bayadère", "Sleeping Beauty", "Raymonda", "Diamonds", κλπ. Αλλά η γεωγραφία δεν περιορίζεται στη δουλειά σε μια σκηνή. Η Lopatkina κατέκτησε τις κύριες σκηνές του κόσμου: από το Θέατρο Μπολσόι έως το NHK στο Τόκιο. Τέλη Μαΐου στη σκηνή του Μουσικού Θεάτρου. Ο Stanislavsky και ο Nemirovich-Danchenko Lopatkina θα εμφανιστούν σε συνεργασία με τα "Stars of Russian Ballet" προς τιμήν της επετείου του Tchaikovsky.

Στα τέλη Μαρτίου, το όνομα της Diana Vishneva, της πρώτης μπαλαρίνας του θεάτρου Mariinsky από το 1996, ήταν στα χείλη όλων. Τα Μπολσόι φιλοξένησαν την πρεμιέρα της παράστασης «Γκράνι», που ήταν υποψήφια για το βραβείο Χρυσής Μάσκας. Η εκδήλωση είναι ζωντανή και συζητείται. Η μπαλαρίνα έδωσε συνεντεύξεις, αστειεύτηκε απαντώντας σε ερωτήσεις σχετικά με τη στενή γνωριμία της με τον Αμπράμοβιτς και έδειξε τον σύζυγό της να τη συνοδεύει παντού. Αλλά η παράσταση τελείωσε και ορίστηκε μια πορεία για το Λονδίνο, όπου στις 10 Απριλίου, η Vishneva και η Vodianova πραγματοποίησαν μια φιλανθρωπική βραδιά για το Ίδρυμα Naked Heart. Η Vishneva παίζει ενεργά στις καλύτερες σκηνές της Ευρώπης και δεν αρνείται πειραματικές, απροσδόκητες προσφορές.

Τα «Διαμάντια» του Balanchine αναφέρθηκαν παραπάνω. Η Ekaterina Shipulina, απόφοιτος της Κρατικής Ακαδημίας Τεχνών της Μόσχας, λάμπει στα «Σμαράγδια» και «Ρουμπίνια». Και όχι μόνο, φυσικά. Το ρεπερτόριο της μπαλαρίνας περιλαμβάνει πρωταγωνιστικούς ρόλους σε μπαλέτα όπως η Λίμνη των Κύκνων, η Παναγία των Παρισίων, οι Χαμένες ψευδαισθήσεις, η Σταχτοπούτα, η Ζιζέλ και συνεργασίες με τους καλύτερους χορογράφους - Grigorovich, Eifman, Ratmansky, Neumeier, Roland Petit ...

Evgenia Obraztsova, απόφοιτος της Ακαδημίας Ρωσικού Μπαλέτου. Η Vaganova, έγινε πρώτη μπαλαρίνα στο Mariinsky Theatre, όπου ερμήνευσε La Sylphide, Giselle, La Bayadère, Princess Aurora, Flora, Cinderella, Ondine... Το 2005, η μπαλαρίνα απέκτησε κινηματογραφική εμπειρία παίζοντας στην ταινία του Cedric Klapisch «Beauties ". Το 2012, εντάχθηκε στον θίασο των Μπολσόι, όπου, ως πρίμα μπαλαρίνα, έπαιξε σόλο ρόλους στις παραγωγές «Δον Κιχώτης», «Η Ωραία Κοιμωμένη», «La Sylphide», «Giselle», «Eugene Onegin» και « Σμαράγδια."

Ένα από τα παλαιότερα και κορυφαία μουσικά θέατρα στη Ρωσία. Η ιστορία του θεάτρου χρονολογείται από το 1783, όταν άνοιξε το Πέτρινο Θέατρο, στο οποίο έπαιξαν θίασοι δράματος, όπερας και μπαλέτου. Τμήμα όπερας (τραγουδιστές P.V. Zlov, A.M. Krutitsky, E.S. Sandunova, κ.λπ.) και μπαλέτου (χορευτές E.I. Andreyanova, I.I. Valberkh (Lesogorov), A.P. Glushkovsky, A.I. Istomina, E.I. Kolosova και άλλοι) εμφανίστηκαν 1 δραματικές ομάδες. Στη σκηνή παίχτηκαν ξένες όπερες, καθώς και τα πρώτα έργα Ρώσων συνθετών. Το 1836 ανέβηκε η όπερα «Μια ζωή για τον Τσάρο» του Μ.Ι. Γκλίνκα, η οποία άνοιξε την κλασική περίοδο της ρωσικής όπερας. Στο θίασο της όπερας τραγούδησαν οι εξαιρετικοί Ρώσοι τραγουδιστές O.A.Ya. Στη δεκαετία του 1840 Ο ρωσικός θίασος όπερας παραμερίστηκε από τον ιταλικό, που ήταν υπό την αιγίδα της αυλής, και μεταφέρθηκε στη Μόσχα. Οι παραστάσεις της επαναλήφθηκαν στην Αγία Πετρούπολη μόλις στα μέσα της δεκαετίας του 1850. στη σκηνή του Circus Theatre, που μετά από πυρκαγιά το 1859 ξαναχτίστηκε (αρχιτέκτων A.K. Kavos) και άνοιξε το 1860 με το όνομα Mariinsky Theatre (το 1883-1896 το κτίριο ανακατασκευάστηκε υπό τη διεύθυνση του αρχιτέκτονα V.A. Schröter). Η δημιουργική ανάπτυξη και η διαμόρφωση του θεάτρου συνδέονται με την παράσταση όπερας (καθώς και μπαλέτων) των A.P. Borodin, A.S.Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, P.I. Η υψηλή μουσική κουλτούρα του συγκροτήματος προωθήθηκε από τις δραστηριότητες του μαέστρου και συνθέτη E.F. Napravnik (1863-1916). Οι χορογράφοι M.I και L.Ivanov συνέβαλαν πολύ στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου. Τραγουδιστές E.A., D.M. Leonova, E.K. και Ν.Ν., Φ.Ι., Χορευτές Τ.Φ., Κεσίνσκι, Μ.

Μετά την Οκτωβριανή Επανάσταση, το θέατρο έγινε κρατικό, και από το 1919 - ακαδημαϊκό. Από το 1920 ονομαζόταν Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου, από το 1935 - πήρε το όνομά του από τον Κίροφ. Μαζί με τα κλασικά, το θέατρο ανέβαζε όπερες και μπαλέτα Σοβιετικών συνθετών. Μεγάλη συνεισφορά στην ανάπτυξη της μουσικής και της θεατρικής τέχνης είχαν οι τραγουδιστές I.V. A. Ya., μαέστροι V. A. Dranishnikov, A. M. Pazovsky, B. E. Khaikin, S. E. Radlov, N. V. Smolich, I. Yu. Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, το θέατρο βρισκόταν στο Περμ, συνεχίζοντας να εργάζεται ενεργά (έγιναν αρκετές πρεμιέρες, συμπεριλαμβανομένης της όπερας "Emelyan Pugachev" του M.V. Koval, 1942). Ορισμένοι καλλιτέχνες του θεάτρου που παρέμειναν στο πολιορκημένο Λένινγκραντ, συμπεριλαμβανομένων των Preobrazhenskaya, P.Z Andreev, έπαιξαν σε συναυλίες, στο ραδιόφωνο και συμμετείχαν σε παραστάσεις όπερας. Στα μεταπολεμικά χρόνια, το θέατρο έδωσε μεγάλη προσοχή στη σοβιετική μουσική. Τα καλλιτεχνικά επιτεύγματα του θεάτρου συνδέονται με τις δραστηριότητες των κύριων μαέστρων S.V. L.V., οι καλλιτέχνες V.V., S.V. S.P. Leiferkus, Yu.M , Β. Μορόζοφ, Κ.Ι.Φίλατοβα, Β.Γ.Κ (1939), το Τάγμα του την Οκτωβριανή Επανάσταση (1983). Εφημερίδα μεγάλης κυκλοφορίας «Για τη Σοβιετική Τέχνη» (από το 1933).

Ολοκληρώθηκε η περιοδεία του μπαλέτου του θεάτρου Mariinsky στη Νέα Υόρκη. Η κύρια εντύπωση από αυτές τις περιοδείες: στην καλύτερη περίπτωση, ο Valery Gergiev δεν καταλαβαίνει την τέχνη του μπαλέτου, στη χειρότερη, δεν του αρέσει αυτή η τέχνη.

Ας δούμε τα γεγονότα.

BAM - Brooklyn Academy of Music είναι ένα από τα θεατρικά κέντρα της Νέας Υόρκης. Χορευτές από σύγχρονα θέατρα και δραματικά θέατρα εμφανίζονται συνεχώς στη σκηνή του BAM, αλλά όχι μεγάλοι θίασοι που χορεύουν κλασικά μπαλέτα.

Η σκηνή στο BAM είναι μακρά και στενή. Ήταν αδύνατο να χωρέσει το σώμα του μπαλέτου των κύκνων σε αυτόν τον «διάδρομο», και ο αριθμός των χορευτών του σώματος του μπαλέτου μειώθηκε. Τα υπόλοιπα ήταν ακόμα στριμωγμένα σε αυτόν τον χώρο, έτσι ώστε σχεδόν ακουμπούσαν ο ένας τον άλλον σε αγέλες, σχηματίζοντας μερικές φορές κάποιο είδος «μπέρδεμα» στον στενό χώρο. Σε τέτοιες συνθήκες τοποθετήθηκε το καλύτερο corps de ballet στον κόσμο! Τι είδους «αναπνοή» υπάρχει, τι είδους μαγεία υπάρχει όταν δεν υπάρχει που να χορέψουμε;! Και γενικά, όλες οι σκηνές του έργου έμοιαζαν σαν σάντουιτς ανάμεσα στο σκηνικό και τη ράμπα.

Όταν η Ulyana Lopatkina στον ρόλο της Odile στριφογύρισε έξοχα 32 φουέτες στο πίσω μέρος της σκηνής κυριολεκτικά σε ένα σημείο, όχι μόνο εγώ, όπως έμαθα, ανησυχούσα: θα χτυπούσε την Κυρίαρχη Πριγκίπισσα που καθόταν πίσω της στο πρόσωπο με την κάλτσα της;

Το θέατρο δεν έφερε το δικό του λινέλαιο και το πάτωμα στη σκηνή του BAM είναι ολισθηρό. Οι χορευτές έπεσαν (ένας από τους σολίστ τραυματίστηκε σοβαρά). Δεν μιλάω καν για τέτοια «μικρά πράγματα» όπως τα ρηχά φτερά. Ή η έλλειψη χώρου πίσω από το σκηνικό, που σήμαινε ότι οι ερμηνευτές έπρεπε να τρέξουν κάτω από τη σκηνή για να μπουν στη σκηνή από την άλλη πλευρά εάν χρειαζόταν για την παράσταση. Πώς ήταν δυνατόν να φέρεις έναν θίασο στο θέατρο χωρίς να ελέγξεις πρώτα αν η σκηνή ήταν κατάλληλη για παράσταση μπαλέτου;!

Δεν υπάρχει μαέστρος μπαλέτου στο θέατρο και αυτό επηρεάζει τραγικά την απόδοση του μπαλέτου από τους χορευτές. Ούτε ο Γκέργκιεφ ούτε οι άλλοι μαέστροι συντόνισαν τους ρυθμούς τους με τη χορογραφία.

Ο μαέστρος μπαλέτου είναι ένα ξεχωριστό επάγγελμα και τέτοιοι μαέστροι ήταν πάντα στο θέατρο Mariinsky (Kirov). Ο πιο λαμπρός μαέστρος ορχήστρας στον κόσμο δεν έχει απαραίτητα αυτό το επάγγελμα. Πώς η πιο λαμπρή μπαλαρίνα μπορεί να μην γίνει απαραίτητα καλή δασκάλα.

Όταν ο χορευτής δεν έχει χρόνο να φτιάξει τη πόζα και μας αφήσει να απολαύσουμε την ομορφιά της ή όταν ο ερμηνευτής δεν μπορεί να τελειώσει τις πιρουέτες καθαρά επειδή ο μαέστρος έχει «σπρώξει» το ρυθμό, ο θεατής αδιαφορεί για το πώς παίζουν τα βιολιά εκείνη τη στιγμή. Ένας μαέστρος μπορεί να επιδείξει την τέχνη του στο μέγιστο των δυνατοτήτων του όταν παίζει με μια ορχήστρα στη Φιλαρμονική ή στο Carnegie Hall. Ναι, ο Balanchine τηρούσε μια διαφορετική αρχή, αλλά ήταν και μουσικός και χορογράφος ταυτόχρονα, και κατάλαβε ότι οι καλλιτέχνες μπορούσαν να χορέψουν σε αυτό το ρυθμό και τι όχι, και δημιούργησε μια τελείως διαφορετική παράσταση μπαλέτου.

Και, σε κάθε περίπτωση, το μπαλέτο του θεάτρου Μαριίνσκι δεν πρέπει να χορεύει όπως χορεύουν οι άλλοι, οι καλύτεροι θιάσοι μπαλέτου στον κόσμο. Το μπαλέτο του θεάτρου Mariinsky έχει τα δικά του ιστορικά χαρακτηριστικά και δεν πρέπει να τα παραμελούμε. Στο θέατρο Mariinsky, το στυλ της παράστασης του κλασικού μπαλέτου περιλαμβάνει την υποχρεωτική έννοια της ομορφιάς ως αναπόσπαστο μέρος της παράστασης. Αυτό είναι ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του ρωσικού μπαλέτου γενικά. Και ο μαέστρος του μπαλέτου πρέπει να το καταλάβει και να δώσει στους χορευτές την ευκαιρία να ενσαρκώσουν αυτή την ομορφιά στη σκηνή.

Ίσως πριν από 100 χρόνια ο ρυθμός ήταν διαφορετικός, αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου το στυλ απόδοσης και η τεχνική έχουν αλλάξει τόσο πολύ που αυτές οι συνθήκες δεν μπορούν να αγνοηθούν.

Επιπλέον, κάθε χορευτής μπαλέτου έχει τα δικά του ατομικά χαρακτηριστικά. Μερικοί άνθρωποι χρειάζονται ένα επιταχυνόμενο τέμπο για να εκτελέσουν με επιτυχία ένα φουέτ, κάποιοι χρειάζονται ένα αργό ρυθμό και ο μαέστρος του μπαλέτου συνήθιζε να ελέγχει πάντα τους ρυθμούς με τους σολίστες.

Όλα αυτά δεν είναι ιδιοτροπία του καλλιτέχνη, αυτή είναι η συνθήκη με την οποία μπορεί να χορέψει στα καλύτερά του. Αναμφίβολα η μουσική είναι η βάση του μπαλέτου, αλλά σε μια παράσταση μπαλέτου κυριαρχεί ο χορός. Ως εκ τούτου, βασικός στόχος του θεάτρου είναι να δείξει την παράσταση στην καλύτερη ποιότητά της. Και αυτή η ποιότητα εξαρτάται όχι μόνο από την ικανότητα των καλλιτεχνών, αλλά και από το αν ο μαέστρος κατανοεί την τέχνη του μπαλέτου.

Ο Γκέργκιεφ δεν σκέφτηκε την απόδοση, κάτι που κατά καιρούς επηρέασε την ποιότητα της απόδοσης.

Το πρόγραμμα για την παράσταση. Θα ήταν ενδιαφέρον να μάθουμε ποιος το συνέταξε. Το πρόγραμμα περιλαμβάνει τον Valery Gergiev, διευθυντή του θεάτρου Mariinsky. Αλλά ο Γιούρι Φαντίεφ δεν υποδεικνύεται... Ναι, η θέση του στη Ρωσία υποδεικνύεται αόριστα: υποκριτική. Αλλά στην πραγματικότητα, ο Fadeev είναι ο διευθυντής του μπαλέτου. Το όνομα του Fadeev δεν βρίσκεται στην ενότητα "who's who", όπου δίνονται πληροφορίες - ούτε για όλους τους σολίστ του θεάτρου. Αλλά το πρόγραμμα περιελάμβανε ένα φύλλο χαρτί που απαριθμούσε όλους τους σόλο μουσικούς της ορχήστρας... Ποιος έβαλε αυτές τις πληροφορίες στο πρόγραμμα με τόση περιφρόνηση για το μπαλέτο;

Και – η τελευταία συγχορδία. Το τελευταίο πρόγραμμα αποτελείται από μπαλέτα σε μουσική του Σοπέν. Η βραδιά ξεκίνησε με Chopiniana. Το μπαλέτο ανέβηκε από τον Mikhail Fokin σε μουσική πιάνου του Chopin σε ενορχήστρωση του A. Glazunov. Αλλά σε περιοδεία στην Αμερική, το μπαλέτο χορεύτηκε στο πιάνο (όπως μου εξήγησαν, ο Gergiev και η ορχήστρα πήγαν στο En Arbor για μια διήμερη περιοδεία).

Δεν υπάρχουν παράπονα για τους χορευτές σε τέτοιες συνθήκες, αλλά ήμασταν παρόντες σε... θαμώνα συναυλία του θεάτρου στο εργοστάσιο. Πρέπει να πω ότι και οι Αμερικανοί κριτικοί σημείωσαν τις ίδιες ελλείψεις που σημείωσα κι εγώ. Σε τέτοιες συνθήκες που το μπαλέτο ανέβηκε σε περιοδεία, δεν έχω δικαίωμα να κρίνω την κατάσταση και την ποιότητα του θιάσου αυτή τη στιγμή. Αν και ορισμένοι πρωθυπουργοί αντιμετώπισαν με επιτυχία δυσκολίες.

Φυσικά, η Ulyana Lopatkina χόρεψε την Odette-Odile με το ταλέντο και τη δεξιοτεχνία που αναμενόταν από αυτήν. Θα ήθελα όμως να επισημάνω δύο ακόμη υποκριτικές επιτυχίες.

Η Diana Vishneva στο μπαλέτο του Alexei Ratmansky, Σταχτοπούτα. Γιατί επέλεξαν αυτό το όχι το καλύτερο μπαλέτο Ratmansky για την περιοδεία - δεν ξέρω (νομίζω ότι ο χορογράφος δεν είναι επίσης ευχαριστημένος με αυτή την επιλογή). Αλλά ο Vishneva πήγε αυτό το μπαλέτο σε άλλο επίπεδο. Εμφανίστηκε σε αυτή την παράσταση ως ένα πλάσμα από άλλο πλανήτη, μια διαφορετική κοσμοθεωρία και στάση.

Και πρέπει επίσης να αναφέρουμε την Ekaterina Kondaurova στο δεύτερο ντουέτο στο μπαλέτο του Jerome Robbins "In the Night". Ήταν μια φωτεινή, ταλαντούχα παράσταση, ένα είδος αριστουργήματος. Και ο Evgeny Ivanchenko δεν ήταν μόνο συνεργάτης - η ιστορία της σχέσης τους "διαβάστηκε" στο ντουέτο τους.

Επιτρέψτε μου όμως να επιστρέψω στη γενική εντύπωση της περιοδείας. Γιατί η περιοδεία του μπαλέτου άνοιξε με παράσταση... όπερας;... Μια μικρή παρατήρηση, αλλά εντάσσεται στη συνολική εικόνα...

Τους τελευταίους μήνες, τρεις ρωσικές εταιρείες μπαλέτου ήρθαν στη Νέα Υόρκη. Το μπαλέτο του Μπολσόι και του Θεάτρου Μιχαηλόφσκι χόρεψαν στο Lincoln Center και έδειξαν τις καλύτερες πλευρές τους. Ένα μπαλέτο του θεάτρου Mariinsky τοποθετήθηκε σε δυσμενείς συνθήκες. Και αν ο Γκέργκιεφ ονομαστεί ο μοναδικός αρχηγός της περιοδείας, θα πρέπει να είναι υπεύθυνος για αυτά.

Αλλά εδώ είναι το ερώτημα που με ανησυχεί. Δεν είμαι ο μόνος που βλέπω τα ελαττώματα. Γιατί όλοι σιωπούν; Είμαι ο μόνος που συνεχίζει να αγαπώ τόσο πολύ αυτόν τον θίασο που είμαι ο μόνος που με προσβάλλει η ασεβής στάση απέναντί ​​του;

Ξεχασμένο μπαλέτο

Μετακόμισες από την Αγία Πετρούπολη στη Νότια Κορέα για να εργαστείς. Πόσο δημοφιλής είναι τώρα η Ασία μεταξύ των χορευτών μπαλέτου μας;

Για να είμαι ειλικρινής, οι συνάδελφοί μου μετακομίζουν στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ πολλές φορές πιο συχνά. Στη Νότια Κορέα, το μπαλέτο είναι μόλις 50 περίπου ετών και η εταιρεία Universal Ballet (η μεγαλύτερη εταιρεία μπαλέτου στη Νότια Κορέα, με έδρα τη Σεούλ - Εκδ.), όπου εργάζομαι τώρα, είναι 33 ετών. Εκτός από αυτήν, η χώρα διαθέτει και το Εθνικό Μπαλέτο της Κορέας, όπου μπορούν να δουλέψουν μόνο Κορεάτες. Καμία διάκριση: παρόμοιες εταιρείες υπάρχουν σε άλλες χώρες, για παράδειγμα, στη Γαλλία. Υπάρχουν επίσης μόνο Γάλλοι χορευτές εκεί.

- Γιατί αποφασίσατε να φύγετε από το θέατρο Μαριίνσκι;

Όλα ξεκίνησαν όταν ο συνάδελφός μου έπιασε δουλειά στο Universal Ballet. Μια μέρα τη ρώτησα αν χρειάζονταν χορευτές εκεί. Έστειλα ένα βίντεο με τις παραστάσεις μου στην εταιρεία και σύντομα με κάλεσαν να δουλέψω. Συμφώνησα αμέσως, γιατί από καιρό ήθελα να αλλάξω τη ζωή μου στο μπαλέτο προς το καλύτερο. Και η εταιρεία Universal Ballet έχει ένα πολύ πλούσιο ρεπερτόριο: υπάρχει κάτι για χορό.

Το πρόβλημα είναι ότι στο θέατρο Mariinsky αυτή τη στιγμή δίνεται περισσότερη προσοχή στην όπερα και τη μουσική παρά στο μπαλέτο, που φαίνεται να έχει ξεχαστεί. Στην αρχή, το Θέατρο Μαριίνσκι ανέβαζε ακόμα νέες παραστάσεις και προσκάλεσε χορογράφους, συμπεριλαμβανομένων ξένων. Αλλά τότε όλα αυτά σταδιακά σταμάτησαν.

Ο τελευταίος από τους εμβληματικούς χορογράφους έφτασε πριν από δύο χρόνια, ο Alexei Ratmansky (μόνιμος χορογράφος του American Ballet Theatre - Ed.), ο οποίος ανέβασε το μπαλέτο Concerto DSCH σε μουσική του Dmitry Shostakovich στο Mariinsky Theatre. Για πολύ καιρό χόρευα στις ίδιες κλασικές παραγωγές. Ήθελα όμως και κάποιο νέο ρεπερτόριο, μοντέρνα χορογραφία.

Αλλά αν έχουμε υπέροχα κλασικά - "The Nutcracker", "Bakhchisarai Fountain", "Swan Lake", τότε ίσως δεν χρειάζεται σύγχρονη χορογραφία;

Χωρίς νέες παραστάσεις δεν θα υπάρξει ανάπτυξη θεάτρου και καλλιτεχνών. Οι άνθρωποι στο εξωτερικό το καταλαβαίνουν αυτό. Για παράδειγμα, στη Νότια Κορέα χορέψαμε πρόσφατα το "Little Death" του Jiri Kylian (Τσέχος χορευτής και χορογράφος - Εκδ.). Πρόκειται για ένα μοντέρνο κλασικό που παίζεται σε θέατρα σε όλο τον κόσμο. Αλλά για κάποιο λόγο όχι στο θέατρο Mariinsky. Και εδώ υπάρχει, μεταξύ άλλων, το μπαλέτο «Romeo and Juliet» που ανέβασε ο Kenneth MacMillan (Βρετανός χορογράφος, επικεφαλής του Βασιλικού Μπαλέτου 1970–1977 - Εκδ.), «Eugene Onegin» του John Neumeier (χορογράφος, επικεφαλής του the Hamburg Ballet since 1973 - Εκδ.), In the Middle, Somewhat Elevated («Στη μέση, κάτι αυξήθηκε») του William Forsyth (Αμερικανός χορογράφος, ο θίασος μπαλέτου του «Forsyth Company» ασχολείται με πειράματα στον τομέα του σύγχρονου. χορός - Εκδ.).

Εργοστάσιο Γκέργκιεφ

- Γινόμαστε επαρχία μπαλέτου;

Δεν θα το έλεγα αυτό. Απλώς το θέατρο Mariinsky μετατρέπεται σε ένα είδος εργοστασίου. Ένας καλλιτέχνης μπορεί να έχει 30–35 παραστάσεις μπαλέτου εκεί το μήνα. Για παράδειγμα, μερικές φορές έπρεπε να κάνω παραστάσεις ακόμη και δύο φορές την ημέρα. Στην αρχή, οι άνθρωποι, ανοίγοντας μια τόσο έντονη αφίσα για ένα μήνα νωρίτερα, έκαναν έκπληκτα στρογγυλά μάτια. Αλλά ο άνθρωπος συνηθίζει τα πάντα. Έτσι το συνηθίσαμε με τον καιρό. Κάθε μέρα δούλευαν, ανέβαιναν στη σκηνή, ερμήνευαν αυτό που έπρεπε να κάνουν. Κανείς όμως δεν είχε αρκετό χρόνο ή ενέργεια για να προετοιμάσει νέες παραστάσεις, γιατί και παλιά πράγματα, το ρεπερτόριο που τρέχει, πρέπει επίσης να γίνουν πρόβες. Πολλοί χορευτές μπαλέτου έφυγαν ακριβώς εξαιτίας αυτής της ρουτίνας, μονότονης δουλειάς.

Εδώ γίνονται 6-7 παραστάσεις το μήνα. Και προετοιμαζόμαστε προσεκτικά για κάθε ένα από αυτά, γιατί ο χρόνος το επιτρέπει. Για παράδειγμα, χορέψαμε πρόσφατα ένα σύγχρονο πρόγραμμα και από κάθε ξένο χορογράφο (του οποίου οι παραστάσεις συμπεριλήφθηκαν σε αυτό το πρόγραμμα - Εκδ.) ήρθε ένας βοηθός με τον οποίο συνεργαστήκαμε: εξήγησε κάποιες αποχρώσεις και λεπτομέρειες. Από τον Ιανουάριο που είμαι εδώ, έχω ήδη δεχτεί τόσες συγκινήσεις και έχω χορέψει τόσο πολύ!

- Γιατί πιστεύετε ότι το Θέατρο Μαριίνσκι έχει τέτοιο ιμάντα μεταφοράς;

Απλώς το άτομο που βρίσκεται στην κεφαλή του θεάτρου (Valery Gergiev - Ed.) είναι το ίδιο. Είναι πολύ αποτελεσματικός. Μια μέρα είναι στη Μόσχα για μια συνάντηση, τρεις ώρες αργότερα πετά στο Μόναχο για να διευθύνει μια συμφωνική ορχήστρα και πέντε ώρες αργότερα επιστρέφει στη Μόσχα για δεξίωση. Προφανώς αποφάσισε ότι το θέατρό του έπρεπε να λειτουργήσει πολύ ενεργά. Φυσικά αυτό δεν είναι κακό. Αλλά μερικές φορές ένιωθα σαν ανθρακωρύχος στο θέατρο Μαριίνσκι: δούλευα από το πρωί μέχρι το βράδυ. Για παράδειγμα, συχνά έφευγε από το σπίτι στις 10 το πρωί και επέστρεφε τα μεσάνυχτα. Φυσικά, ήταν πολύ δύσκολο. Από την άλλη, κάθε θέατρο στον κόσμο έχει τα δικά του προβλήματα.

«Δεν φοβούνται τις βόμβες της Βόρειας Κορέας εδώ»

Πώς σας υποδέχτηκαν οι χορευτές σας στη Νότια Κορέα; Υπήρξε αυξημένο ενδιαφέρον για σένα αφού είσαι από το Θέατρο Μαριίνσκι;

Δεν παρατήρησα κάποιον ιδιαίτερο ενθουσιασμό. Ίσως πριν, οι Ευρωπαίοι ήταν μια καινοτομία στον κόσμο του μπαλέτου της Κορέας, αλλά τώρα όλοι μας έχουν συνηθίσει εδώ και πολύ καιρό. Για παράδειγμα, στο Universal Ballet, περίπου οι μισοί από όλους τους χορευτές προέρχονταν από την Ευρώπη. Υπάρχουν και Αμερικανοί. Παρεμπιπτόντως, στο κορεάτικο μπαλέτο λαμβάνονται πολλά από το ρωσικό μπαλέτο. Συγκεκριμένα, υπάρχουν πολλές παραγωγές του θεάτρου Mariinsky εδώ. Επομένως, είναι πολύ εύκολο για μένα εδώ: όπως χόρεψα τον «Καρυοθραύστη» ή τον «Δον Κιχώτη» στο θέατρο Μαριίνσκι, χορεύω εδώ.

- Τι συνθήκες παρέχουν οι Κορεάτες στους χορευτές μας;

Οι συνθήκες είναι πολύ καλές, από αυτή την άποψη είναι εξαιρετικές. Για παράδειγμα, μου δόθηκε αμέσως στέγαση - ένα μικρό διαμέρισμα, ένας καλός μισθός, ο οποίος ήταν πολλαπλάσιος από ό,τι στην Αγία Πετρούπολη (ωστόσο, οι τιμές είναι υψηλότερες εδώ) και ιατρική ασφάλιση. Παρεμπιπτόντως, στο θέατρο Mariinsky έγινε και για χορευτές μπαλέτου. Για παράδειγμα, πριν από μερικά χρόνια έκανα μια επέμβαση στο γόνατο χρησιμοποιώντας το.

- Ο ανταγωνισμός στον κόσμο του μπαλέτου είναι υψηλότερος στη Ρωσία ή τη Νότια Κορέα;

Ο ανταγωνισμός είναι παντού, χωρίς αυτόν απλά δεν μπορείς να αναπτυχθείς. Αλλά είναι επαρκής και υγιής. Ούτε στην Αγία Πετρούπολη ούτε στη Σεούλ ένιωσα λοξά βλέμματα ή κουβέντες πίσω από την πλάτη μου. Αλλά ακόμα κι αν λένε κάτι για μένα, είμαι τόσο βυθισμένος στη δουλειά που δεν το παρατηρώ. Γενικά, οι ιστορίες για σπασμένα γυαλιά με παπούτσια πουέντ και λερωμένα κοστούμια είναι μύθος. Σε όλη μου την καριέρα στο μπαλέτο δεν το έχω συναντήσει ποτέ αυτό. Και δεν το έχω ακούσει ποτέ για αυτό. Δεν υπάρχουν ρυθμίσεις.

- Η Ασία είναι ένας εντελώς διαφορετικός κόσμος. Ποιο ήταν το πιο δύσκολο πράγμα για εσάς να συνηθίσετε στη Νότια Κορέα;

Όταν οι συνάδελφοι στο θέατρο Μαριίνσκι έμαθαν για την αναχώρησή μου, είπαν ότι θα ήταν ψυχολογικά πολύ δύσκολο για μένα να ζήσω εκεί. Αλλά στη Σεούλ, ήμουν τόσο βυθισμένος στο επάγγελμά μου που δεν ένιωθα απολύτως τίποτα. Απλώς χορεύω χωρίς αυτόν τον αγώνα της Αγίας Πετρούπολης και νιώθω απόλυτα χαρούμενος. Εκτός αν χρειάζεται να μάθεις τη γλώσσα. Αλλά μπορείτε να ζήσετε χωρίς αυτό στην Κορέα. Το γεγονός είναι ότι οι ντόπιοι είναι πολύ φιλικοί. Αν χαθώ στο μετρό ή στο δρόμο, έρχονται αμέσως και προσφέρουν βοήθεια στα αγγλικά, ρωτώντας πού πρέπει να πάω.

- Πώς νιώθουν για τη Βόρεια Κορέα; Νιώθεις ένταση από έναν τόσο δύσκολο γείτονα;

Οχι. Μου φαίνεται ότι κανείς δεν το σκέφτεται καν αυτό και δεν φοβάται τις κορεατικές βόμβες. Όλα είναι πολύ ήρεμα εδώ και φαίνεται σαν να μην συμβαίνει τίποτα. Δεν υπάρχουν τρομοκρατικές επιθέσεις, ούτε καταστροφές, ούτε καν μεγάλα σκάνδαλα. Όμως, παρά το γεγονός ότι είναι τόσο άνετα εδώ, μου λείπει ακόμα η Αγία Πετρούπολη, η οικογένειά μου και το θέατρο Μαριίνσκι. Αυτό το θέατρο μου έδωσε πραγματικά πολλά. Εκεί σπούδασα, απέκτησα εμπειρίες, διαμόρφωσα το γούστο μου, χόρεψα εκεί. Και αυτό θα μείνει για πάντα στη μνήμη μου.

Ποια Ρωσίδα δεν έχει ονειρευτεί το μπαλέτο τουλάχιστον μία φορά στη ζωή της; Μπορεί να ονομαστεί εθνική μας τέχνη. Αγαπάμε το μπαλέτο και γνωρίζουμε ονομαστικά σχεδόν όλους τους κύριους χορευτές των θεάτρων Μπολσόι και Μαριίνσκι.

Την παραμονή της Παγκόσμιας Ημέρας Μπαλέτου - φέτος γιορτάζεται για τρίτη φορά - σας προσκαλούμε να θαυμάσετε τις καλύτερες από τις καλύτερες, τις θεές του ρωσικού μπαλέτου: Σβετλάνα Ζαχάροβα, Νταϊάνα Βισνέβα και Ουλιάνα Λοπατκίνα.

Η ενσάρκωση της χάρης και της κομψότητας

Και επίσης μια σιδερένια θέληση και ένα αδάμαστο πνεύμα. Αυτό prima του θεάτρου Μπολσόι και της Σκάλας του Μιλάνου—Σβετλάνα Ζαχάροβα. Έκανε το ντεμπούτο της στο θέατρο Μαριίνσκι σε ηλικία 17 ετών και εδώ και είκοσι χρόνια δεν υπήρξε ούτε μια αστοχία στην καριέρα της. Ερμηνεύει με επιτυχία κλασικό και σύγχρονο χορό.

«Έχω ήδη χορέψει όλους τους ρόλους που μπορείς να ονειρευτείς, σε διάφορες εκδόσεις. Για παράδειγμα, η «Λίμνη των Κύκνων» παίχτηκε σε περισσότερες από δέκα εκδοχές σε διαφορετικές σκηνές σε όλο τον κόσμο. Θέλω να πειραματιστώ, να δοκιμάσω τις δυνατότητες του σώματός μου σε κάτι διαφορετικό. Ο σύγχρονος χορός είναι μια κίνηση που δίνει ελευθερία. Τα κλασικά έχουν όρια και κανόνες που δεν μπορούν να ξεπεραστούν».— μοιράστηκε η Σβετλάνα σε μια συνέντευξη.

Τι αρέσει περισσότερο στη Ζαχάροβα στο επάγγελμά της; Σύμφωνα με την μπαλαρίνα, είναι χαρούμενη όσο προετοιμάζεται για την παράσταση. Εξαρτήματα, πρόβες. Αυτή τη στιγμή, μερικές φορές δεν κοιμάται τη νύχτα - η μουσική παίζει στο κεφάλι της.

Η ίδια η πρεμιέρα δεν προκαλεί πια τόση χαρά. Γίνεται ακόμη και λίγο λυπηρό, γιατί αυτό για το οποίο ετοίμαζα έχει ήδη συμβεί.

Παρεμπιπτόντως, η Σβετλάνα δεν θεωρεί τον εαυτό της αστέρι. "Είμαι απλά ένας άνθρωπος που οργώνει κάθε μέρα"- αυτή λέει.

Εκλεπτυσμένο και ταυτόχρονα γρήγορο

Prima του θεάτρου Mariinsky και του αμερικανικού μπαλέτου Diana Vishnevaφέτος γιόρτασε τα σαράντα χρόνια της. Κάποτε, όμως, η καριέρα των μπαλαρινών ήταν ενοχλητικά βραχύβια. Η Diana όχι μόνο ευχαριστεί συνεχώς τους θαυμαστές με τις πρεμιέρες, αλλά ενεργεί και ως διοργανωτής του διεθνούς φεστιβάλ Context.

Ερμηνεύει τόσο κλασικούς όσο και μοντέρνους χορούς. Σε μια συνέντευξη, ο Vishneva παραδέχτηκε ότι ο συνδυασμός διαφορετικών κατευθύνσεων στη χορογραφία είναι σαν να μαθαίνεις μια άλλη γλώσσα. Πέρυσι, η Νταϊάνα έκανε ακόμη και μια ταινία με τίτλο Γλώσσα - για τη γλώσσα της δικής της πλαστικότητας.

Η Vishneva μιλάει για τον εαυτό της πρώτα απ 'όλα ως επίμονο άτομο. Είναι σίγουρη: χωρίς επιμονή και αποφασιστικότητα, δεν έχει νόημα να σκεφτόμαστε το μπαλέτο. «Πόσες θυσίες πρέπει να γίνονται κάθε μέρα! Πρέπει να δαμάσεις το σώμα και το μυαλό σου. Η σωματικά εξαντλητική εργασία είναι απαραίτητη προϋπόθεση αν θέλεις να πετύχεις κάτι. Η «σκληρή εργασία» δεν είναι υπερβολή. Πρέπει να μπορείς να πετάς, να πετάς στα ύψη, να φέρεις ομορφιά, αγάπη... Η τέχνη απαιτεί μεγάλη συναισθηματική, ηθική και σωματική δύναμη από σένα».

Απίστευτα καλλιτεχνική

Τρυφερό και συνάμα τολμηρό... Prima μπαλαρίνα του θεάτρου Mariinsky, λαϊκός καλλιτέχνης της Ρωσίας Ulyana Lopatkinaθα γιορτάσει τα 43α γενέθλιά του τον Οκτώβριο. Είναι γνωστή σε όλο τον κόσμο, αλλά δεν της αρέσει να μιλάει για τον εαυτό της. Η Ulyana είναι πολύ πρακτική και προτιμά τις πράξεις από τα λόγια.

«Αυτό δεν είναι Χόλιγουντ, στο μπαλέτο όλα είναι πιο κοντά στην ουσία. Στο μπαλέτο όλα αποδεικνύονται με τη δουλειά. Η δουλειά είναι πολύ σκληρή, σωματικά, ψυχικά, συναισθηματικά δύσκολη και υπάρχει κάτι που πρέπει να σεβόμαστε τους ανθρώπους που κατέχουν υψηλή θέση στο μπαλέτο - δικαιολογούν αυτό το μέρος με τη δουλειά τους.»- σημείωσε η Lopatkina σε μια από τις συνεντεύξεις της.

Η Ουλιάνα ονομάζεται «εικόνα του ρωσικού μπαλέτου».

Αλλά ο καλλιτέχνης δεν πάσχει καθόλου από πυρετό των αστεριών και πιστεύει ότι ο καθένας μας από κάποια άποψη μπορεί να είναι ένα «εικονίδιο».

Κουβαλάμε την αγιότητα μέσα μας. Εκδηλώνεται σε διάφορους βαθμούς, αλλά είναι δυνητικά εγγενής σε όλους μας. Ίσως γι' αυτό οι άνθρωποι που είναι ιδιαίτερα ευαίσθητοι στην τέχνη μιλούν για την εικόνα. Έτσι διατυπώνουν ένα συναίσθημα που μπορεί να έχουν βιώσει κατά τη διάρκεια της παράστασης.