Σύγχρονοι Ιάπωνες καλλιτέχνες και οι πίνακές τους. Η ιαπωνική ζωγραφική είναι η παλαιότερη μορφή τέχνης

Το οποίο καλύπτει πολλές τεχνικές και στυλ. Σε όλη την ιστορία της ύπαρξής του, έχει υποστεί ένας μεγάλος αριθμός απόαλλαγές. Προστέθηκαν νέες παραδόσεις και είδη και οι αρχικές ιαπωνικές αρχές παρέμειναν. Μαζί με καταπληκτική ιστορίαΗ ιαπωνική ζωγραφική είναι επίσης έτοιμη να παρουσιάσει πολλά μοναδικά και ενδιαφέροντα γεγονότα.

Αρχαία Ιαπωνία

Τα πρώτα στυλ εμφανίζονται στα αρχαιότερα ιστορική περίοδοςχώρες, ακόμη και π.Χ. μι. Τότε η τέχνη ήταν αρκετά πρωτόγονη. Πρώτον, το 300 π.Χ. ε., διάφορα γεωμετρικά σχήματα, τα οποία εκτελούνταν σε αγγεία με τη χρήση ραβδιών. Μια τέτοια ανακάλυψη από αρχαιολόγους ως διακόσμηση σε χάλκινες καμπάνες χρονολογείται σε μεταγενέστερο χρόνο.

Λίγο αργότερα, ήδη το 300 μ.Χ. ε., εμφανίζονται σχέδια σπηλαίων, τα οποία είναι πολύ πιο διαφορετικά από τα γεωμετρικά μοτίβα. Αυτές είναι ήδη πλήρεις εικόνες με εικόνες. Βρέθηκαν μέσα σε κρύπτες και, πιθανότατα, οι άνθρωποι που είναι ζωγραφισμένοι πάνω τους θάφτηκαν σε αυτούς τους ταφικούς χώρους.

Τον 7ο αιώνα μ.Χ μι. Η Ιαπωνία υιοθετεί γραφή που προέρχεται από την Κίνα. Την ίδια περίπου εποχή, οι πρώτοι πίνακες ήρθαν από εκεί. Τότε η ζωγραφική εμφανίζεται ως μια ξεχωριστή σφαίρα τέχνης.

Έντο

Ο Έντο απέχει πολύ από τον πρώτο και όχι τον τελευταίο πίνακα, αλλά έφερε πολλά νέα πράγματα στον πολιτισμό. Πρώτον, είναι η φωτεινότητα και η χρωματικότητα που προστέθηκαν στη συνηθισμένη τεχνική που εκτελείται σε μαύρο και γκρι τόνους. Πλέον ένας εξαιρετικός καλλιτέχνηςΑυτό το στυλ θεωρείται Sotasu. Αυτός δημιούργησε κλασικούς πίνακες ζωγραφικής, αλλά οι χαρακτήρες του ήταν πολύ πολύχρωμοι. Αργότερα μεταπήδησε στη φύση και τα περισσότερα από τα τοπία του ήταν ζωγραφισμένα σε επιχρυσωμένα φόντο.

Δεύτερον, κατά την περίοδο Edo, εμφανίστηκε ο εξωτισμός, το είδος namban. Χρησιμοποιούσε σύγχρονες ευρωπαϊκές και κινεζικές τεχνικές που ήταν συνυφασμένες με τα παραδοσιακά ιαπωνικά στυλ.

Και τρίτον, εμφανίζεται το σχολείο Nanga. Σε αυτό, οι καλλιτέχνες πρώτα μιμούνται πλήρως ή και αντιγράφουν έργα Κινέζοι δάσκαλοι. Στη συνέχεια εμφανίζεται ένας νέος κλάδος, ο οποίος ονομάζεται bunjing.

Περίοδος εκσυγχρονισμού

Η περίοδος Edo δίνει τη θέση της στη Meiji, και τώρα η ιαπωνική ζωγραφική αναγκάζεται να το κάνει νέο στάδιοανάπτυξη. Εκείνη την εποχή, είδη όπως το Western και τα παρόμοια έγιναν δημοφιλή σε όλο τον κόσμο, έτσι ο εκσυγχρονισμός της τέχνης έγινε κοινή κατάσταση πραγμάτων. Ωστόσο, στην Ιαπωνία, μια χώρα όπου όλοι οι άνθρωποι σέβονται τις παραδόσεις, Δοσμένος χρόνοςη κατάσταση ήταν σημαντικά διαφορετική από ό,τι συνέβαινε σε άλλες χώρες. Ο ανταγωνισμός μεταξύ Ευρωπαίων και τοπικών τεχνικών είναι έντονος εδώ.

Η κυβέρνηση σε αυτή τη φάση δίνει προτίμηση στους νέους καλλιτέχνες που υποτάσσονται μεγάλες ελπίδεςγια τη βελτίωση των δεξιοτήτων σε δυτικά στυλ. Έτσι τους στέλνουν σε σχολεία σε Ευρώπη και Αμερική.

Αλλά αυτό ήταν μόνο στην αρχή της περιόδου. Γεγονός είναι ότι διάσημους κριτικούςλίγο πολύ επικρίθηκε δυτική τέχνη. Για να αποφύγετε πολλή φασαρία σχετικά με αυτό το θέμα, Ευρωπαϊκά στυλκαι οι τεχνικές άρχισαν να απαγορεύονται σε εκθέσεις, η έκθεσή τους σταμάτησε, όπως και η δημοτικότητά τους.

Η εμφάνιση των ευρωπαϊκών στυλ

Ακολουθεί η περίοδος Taisho. Την εποχή αυτή, νέοι καλλιτέχνες που έφευγαν για σπουδές ξένα σχολεία, έρχονται πίσω στην πατρίδα τους. Όπως είναι φυσικό, φέρνουν μαζί τους νέα στυλ ιαπωνικής ζωγραφικής, που μοιάζουν πολύ με τα ευρωπαϊκά. Εμφανίζεται ο ιμπρεσιονισμός και ο μετα-ιμπρεσιονισμός.

Σε αυτό το στάδιο, διαμορφώνονται πολλά σχολεία στα οποία αναβιώνουν τα αρχαία ιαπωνικά στυλ. Αλλά είναι αδύνατο να απαλλαγούμε εντελώς από τις δυτικές τάσεις. Επομένως, πρέπει να συνδυάσουμε πολλές τεχνικές για να ευχαριστήσουμε τόσο τους λάτρεις των κλασικών όσο και τους λάτρεις της σύγχρονης ευρωπαϊκής ζωγραφικής.

Ορισμένα σχολεία χρηματοδοτούνται από το κράτος, χάρη στο οποίο είναι δυνατό να διατηρηθούν πολλές από τις εθνικές παραδόσεις. Οι ιδιώτες αναγκάζονται να ακολουθήσουν το παράδειγμα των καταναλωτών που ήθελαν κάτι νέο, είχαν κουραστεί από τα κλασικά.

Ζωγραφική από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο

Μετά την έναρξη του πολέμου, η ιαπωνική ζωγραφική παρέμεινε μακριά από τα γεγονότα για κάποιο χρονικό διάστημα. Αναπτύχθηκε χωριστά και ανεξάρτητα. Αλλά αυτό δεν μπορούσε να συνεχιστεί για πάντα.

Με την πάροδο του χρόνου, όταν η πολιτική κατάσταση στη χώρα χειροτερεύει, υψηλές και σεβαστές προσωπικότητες προσελκύουν πολλούς καλλιτέχνες. Μερικοί από αυτούς άρχισαν να δημιουργούν πατριωτικά στυλ ακόμη και στην αρχή του πολέμου. Οι υπόλοιποι ξεκινούν αυτή τη διαδικασία μόνο κατόπιν εντολής των αρχών.

Συνεπώς, η ιαπωνική τέχνη δεν μπόρεσε να αναπτυχθεί ιδιαίτερα κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Ως εκ τούτου, για τη ζωγραφική μπορεί να ονομαστεί στάσιμο.

Αιώνια Σουιμποκούγκα

Ιαπωνική ζωγραφική sumi-e, ή suibokuga, κυριολεκτικά σημαίνει «ζωγραφική με μελάνι». Αυτό καθορίζει το στυλ και την τεχνική αυτής της τέχνης. Ήρθε από την Κίνα, αλλά οι Ιάπωνες αποφάσισαν να το ονομάσουν δικό τους. Και αρχικά η τεχνική δεν είχε καμία αισθητική πλευρά. Χρησιμοποιήθηκε από μοναχούς για αυτοβελτίωση κατά τη μελέτη του Ζεν. Επιπλέον, πρώτα ζωγράφισαν εικόνες και στη συνέχεια εκπαίδευσαν τη συγκέντρωσή τους ενώ τις έβλεπαν. Οι μοναχοί πίστευαν ότι οι αυστηρές γραμμές, οι θολοί τόνοι και οι σκιές -όλα αυτά που ονομάζονται μονόχρωμα- βοηθούν στη βελτίωση.

Ιαπωνική ζωγραφική με μελάνι παρά μεγάλη ποικιλίαπίνακες ζωγραφικής και τεχνικές δεν είναι τόσο περίπλοκο όσο μπορεί να φαίνεται με την πρώτη ματιά. Βασίζεται σε μόνο 4 οικόπεδα:

1. Χρυσάνθεμο.
2. Ορχιδέα.
3. Κλαδί δαμάσκηνου.
4. Μπαμπού.

Ένας μικρός αριθμός πλοκών δεν καθιστά γρήγορο τον έλεγχο της τεχνικής. Μερικοί δάσκαλοι πιστεύουν ότι η μάθηση διαρκεί μια ζωή.

Παρά το γεγονός ότι το sumi-e εμφανίστηκε εδώ και πολύ καιρό, είναι πάντα σε ζήτηση. Επιπλέον, σήμερα μπορείτε να συναντήσετε δασκάλους αυτού του σχολείου όχι μόνο στην Ιαπωνία, αλλά είναι ευρέως διαδεδομένο πολύ πέρα ​​από τα σύνορά της.

Σύγχρονη περίοδος

Μετά το τέλος του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, η τέχνη στην Ιαπωνία άνθισε μόνο μέσα μεγάλες πόλεις, χωρικοί και χωρικοίαρκετές ανησυχίες. Ως επί το πλείστον, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να απομακρυνθούν από τις απώλειες του πολέμου και να απεικονίσουν τη σύγχρονη ζωή σε καμβά. ζωή της πόληςμε όλα τα στολίδια και τα χαρακτηριστικά του. Οι ευρωπαϊκές και αμερικανικές ιδέες υιοθετήθηκαν με επιτυχία, αλλά αυτή η κατάσταση δεν κράτησε πολύ. Πολλοί δάσκαλοι άρχισαν σταδιακά να απομακρύνονται από αυτούς προς τα ιαπωνικά σχολεία.

Παρέμενε πάντα της μόδας. Επομένως, η σύγχρονη ιαπωνική ζωγραφική μπορεί να διαφέρει μόνο στην τεχνική της εκτέλεσης ή στα υλικά που χρησιμοποιούνται στη διαδικασία. Όμως οι περισσότεροι καλλιτέχνες δεν αντιλαμβάνονται καλά τις διάφορες καινοτομίες.

Είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε το μοντέρνο σύγχρονες υποκουλτούρες, όπως anime και παρόμοια στυλ. Πολλοί καλλιτέχνες προσπαθούν να θολώσουν τη γραμμή μεταξύ των κλασικών και αυτού που ζητείται σήμερα. Ως επί το πλείστον, αυτή η κατάσταση των πραγμάτων οφείλεται στο εμπόριο. Τα κλασικά και τα παραδοσιακά είδη πρακτικά δεν αγοράζονται, επομένως, είναι ασύμφορο να εργάζεστε ως καλλιτέχνης στο αγαπημένο σας είδος, πρέπει να προσαρμοστείτε στη μόδα.

συμπέρασμα

Αναμφίβολα, η ιαπωνική ζωγραφική είναι ένας θησαυρός εικαστικές τέχνες. Ίσως, η εν λόγω χώρα ήταν η μόνη που δεν ακολούθησε τις δυτικές τάσεις και δεν προσαρμόστηκε στη μόδα. Παρά τα πολλά χτυπήματα κατά την έλευση των νέων τεχνικών, οι Ιάπωνες καλλιτέχνες ήταν ακόμα σε θέση να αμυνθούν εθνικές παραδόσειςσε πολλά είδη. Αυτός είναι πιθανώς ο λόγος για τον οποίο οι πίνακες ζωγραφικής σε κλασικό στυλ εκτιμώνται ιδιαίτερα στις εκθέσεις σήμερα.

Η ιαπωνική ζωγραφική είναι ένα απολύτως μοναδικό κίνημα στην παγκόσμια τέχνη. Υπάρχει από τα αρχαία χρόνια, αλλά ως παράδοση δεν έχει χάσει τη δημοτικότητά του και την ικανότητά του να εκπλήσσει.

Προσοχή στις παραδόσεις

Η Ανατολή δεν είναι μόνο τοπία, βουνά και Ανατολή του ηλίου. Αυτοί είναι και οι άνθρωποι που δημιούργησαν την ιστορία του. Είναι αυτοί οι άνθρωποι που υποστήριξαν την παράδοση της ιαπωνικής ζωγραφικής για πολλούς αιώνες, αναπτύσσοντας και ενισχύοντας την τέχνη τους. Αυτοί που συνέβαλαν σημαντικά στην ιστορία είναι Ιάπωνες καλλιτέχνες. Χάρη σε αυτά, τα σύγχρονα έχουν διατηρήσει όλους τους κανόνες της παραδοσιακής ιαπωνικής ζωγραφικής.

Τρόπος εκτέλεσης έργων ζωγραφικής

Σε αντίθεση με την Ευρώπη, οι Ιάπωνες καλλιτέχνες προτιμούσαν να ζωγραφίζουν πιο κοντά στα γραφικά παρά στη ζωγραφική. Σε τέτοιους πίνακες δεν θα βρείτε τις τραχιές, απρόσεκτες πινελιές λαδιού που είναι τόσο χαρακτηριστικές των ιμπρεσιονιστών. Ποια είναι η γραφική φύση τέτοιων έργων τέχνης όπως τα ιαπωνικά δέντρα, οι βράχοι, τα ζώα και τα πουλιά - τα πάντα σε αυτούς τους πίνακες ζωγραφίζονται όσο πιο καθαρά γίνεται, με συμπαγείς και σίγουρες γραμμές μελάνης. Όλα τα αντικείμενα στη σύνθεση πρέπει να έχουν περίγραμμα. Το γέμισμα στο εσωτερικό του περιγράμματος γίνεται συνήθως με νερομπογιές. Το χρώμα ξεπλένεται, προστίθενται άλλες αποχρώσεις και κάπου μένει το χρώμα του χαρτιού. Η διακοσμητικότητα είναι ακριβώς αυτό που διακρίνει τους ιαπωνικούς πίνακες από την τέχνη όλου του κόσμου.

Αντιθέσεις στη ζωγραφική

Η αντίθεση είναι μια άλλη χαρακτηριστική τεχνική που χρησιμοποιούν οι Ιάπωνες καλλιτέχνες. Αυτό μπορεί να είναι μια διαφορά στον τόνο, το χρώμα ή την αντίθεση ζεστών και ψυχρών αποχρώσεων.

Ο καλλιτέχνης καταφεύγει σε αυτή την τεχνική όταν θέλει να αναδείξει κάποιο στοιχείο του θέματος. Αυτό μπορεί να είναι μια φλέβα σε ένα φυτό, ένα ξεχωριστό πέταλο ή ένας κορμός δέντρου στον ουρανό. Στη συνέχεια απεικονίζεται το φωτεινό, φωτισμένο μέρος του αντικειμένου και η σκιά κάτω από αυτό (ή το αντίστροφο).

Μεταβάσεις και χρωματικές λύσεις

Όταν ζωγραφίζετε ιαπωνικούς πίνακες, χρησιμοποιούνται συχνά μεταβάσεις. Μπορούν να είναι διαφορετικά: για παράδειγμα, από το ένα χρώμα στο άλλο. Στα πέταλα των νούφαρων και των παιώνων μπορείτε να παρατηρήσετε τη μετάβαση από ελαφριά σκιάσε ένα πλούσιο, φωτεινό χρώμα.

Οι μεταβάσεις χρησιμοποιούνται επίσης στην εικόνα της επιφάνειας του νερού και του ουρανού. Η ομαλή μετάβαση από το ηλιοβασίλεμα στο σκοτεινό, βαθύτερο λυκόφως φαίνεται πολύ όμορφη. Όταν σχεδιάζετε σύννεφα, χρησιμοποιούνται επίσης μεταβάσεις από διαφορετικές αποχρώσεις και αντανακλαστικά.

Βασικά κίνητρα της ιαπωνικής ζωγραφικής

Στην τέχνη όλα συνδέονται μεταξύ τους πραγματική ζωή, με τα συναισθήματα και τα συναισθήματα των εμπλεκομένων σε αυτό. Όπως στη λογοτεχνία, τη μουσική και άλλες εκδηλώσεις δημιουργικότητας, στη ζωγραφική υπάρχουν αρκετές αιώνια θέματα. Αυτό ιστορικά θέματα, εικόνες ανθρώπων και φύσης.

Τα ιαπωνικά τοπία υπάρχουν σε πολλές ποικιλίες. Συχνά σε πίνακες υπάρχουν εικόνες λιμνών - ένα αγαπημένο έπιπλο για τους Ιάπωνες. Διακοσμητική λιμνούλα, πολλά νούφαρα και μπαμπού κοντά - έτσι μοιάζει συνηθισμένη εικόνα 17-18 αιώνες.

Τα ζώα στην ιαπωνική ζωγραφική

Τα ζώα είναι επίσης ένα συχνά επαναλαμβανόμενο στοιχείο στην ασιατική ζωγραφική. Παραδοσιακά είναι μια τίγρη που σκύβει ή οικόσιτη γάτα. Γενικά, οι Ασιάτες αγαπούν πολύ και ως εκ τούτου οι εκπρόσωποί τους βρίσκονται σε όλες τις μορφές της ανατολίτικης τέχνης.

Ο κόσμος της πανίδας είναι ένα άλλο θέμα που ακολουθεί η ιαπωνική ζωγραφική. Πουλιά - γερανοί, διακοσμητικοί παπαγάλοι, πολυτελή παγώνια, χελιδόνια, δυσδιάκριτα σπουργίτια και ακόμη και κοκόρια - όλα αυτά βρίσκονται στα σχέδια των ανατολίτικων δασκάλων.

Οι Ιχθύες είναι ένα εξίσου σχετικό θέμα για τους Ιάπωνες καλλιτέχνες. Ο κυπρίνος Koi είναι η ιαπωνική εκδοχή του χρυσόψαρου. Αυτά τα πλάσματα ζουν στην Ασία σε όλες τις λίμνες, ακόμη και σε μικρά πάρκα και κήπους. Ο κυπρίνος Koi είναι ένα είδος παράδοσης που ανήκει συγκεκριμένα στην Ιαπωνία. Αυτά τα ψάρια συμβολίζουν τον αγώνα, την αποφασιστικότητα και την επίτευξη του στόχου σας. Δεν είναι τυχαίο που απεικονίζονται να επιπλέουν με τη ροή, πάντα με διακοσμητικές κορυφές κυμάτων.

Ιαπωνικοί πίνακες: απεικόνιση ανθρώπων

Οι άνθρωποι στην ιαπωνική ζωγραφική είναι ένα ιδιαίτερο θέμα. Οι καλλιτέχνες απεικόνιζαν γκέισες, αυτοκράτορες, πολεμιστές και πρεσβύτερους.

Οι γκέισες απεικονίζονται περιτριγυρισμένες από λουλούδια, φορώντας πάντα περίτεχνες ρόμπες με πολλές πτυχώσεις και στοιχεία.

Οι σοφοί απεικονίζονται να κάθονται ή να εξηγούν κάτι στους μαθητές τους. Η εικόνα του παλιού επιστήμονα είναι σύμβολο της ιστορίας, του πολιτισμού και της φιλοσοφίας της Ασίας.

Ο πολεμιστής απεικονιζόταν ως τρομερός, μερικές φορές τρομακτικός. Τα μακριά ήταν σχεδιασμένα με λεπτομέρεια και έμοιαζαν με σύρμα.

Συνήθως όλες οι λεπτομέρειες της θωράκισης διευκρινίζονται χρησιμοποιώντας μελάνι. Συχνά γυμνοί πολεμιστές είναι διακοσμημένοι με τατουάζ που απεικονίζουν ανατολικός δράκος. Είναι σύμβολο δύναμης και στρατιωτική δύναμηΙαπωνία.

Απεικονίζονταν χάρακες για αυτοκρατορικές οικογένειες. Όμορφες ρόμπες, τα διακοσμητικά στα ανδρικά μαλλιά είναι αυτά που αφθονούν σε τέτοια έργα τέχνης.

Τοπία

Παραδοσιακό ιαπωνικό τοπίο - βουνά. Οι Ασιάτες ζωγράφοι έχουν καταφέρει να απεικονίσουν μια ποικιλία τοπίων: μπορούν να απεικονίσουν την ίδια κορυφή σε διαφορετικά χρώματα, με διαφορετική ατμόσφαιρα. Το μόνο που μένει αναλλοίωτο είναι η υποχρεωτική παρουσία λουλουδιών. Συνήθως, μαζί με τα βουνά, ο καλλιτέχνης απεικονίζει κάποιο είδος φυτού σε πρώτο πλάνο και το σχεδιάζει με λεπτομέρεια. Τα βουνά και άνθη κερασιάς. Και αν ζωγραφίζουν πέταλα που πέφτουν, η εικόνα προκαλεί θαυμασμό για τη θλιβερή ομορφιά της. Η αντίθεση στην ατμόσφαιρα της εικόνας είναι μια άλλη υπέροχη ποιότητα της ιαπωνικής κουλτούρας.

Ιερογλυφικά

Συχνά η σύνθεση μιας εικόνας στην ιαπωνική ζωγραφική συνδυάζεται με τη γραφή. Τα ιερογλυφικά είναι διατεταγμένα έτσι ώστε να φαίνονται όμορφα συνθετικά. Συνήθως σχεδιάζονται αριστερά ή δεξιά του πίνακα. Τα ιερογλυφικά μπορούν να αντιπροσωπεύουν αυτό που απεικονίζεται στον πίνακα, τον τίτλο του ή το όνομα του καλλιτέχνη.

Η Ιαπωνία είναι μια από τις πλουσιότερες χώρες σε ιστορία και πολιτισμό. Σε όλο τον κόσμο, οι Ιάπωνες θεωρούνται γενικά σχολαστικοί άνθρωποι που βρίσκουν αισθητική σε όλες τις εκδηλώσεις της ζωής. Επομένως, οι ιαπωνικοί πίνακες είναι πάντα πολύ αρμονικοί στο χρώμα και τον τόνο: αν υπάρχουν πιτσιλιές κάποιου φωτεινού χρώματος, είναι μόνο στα σημασιολογικά κέντρα. Χρησιμοποιώντας πίνακες ζωγραφικής από Ασιάτες καλλιτέχνες ως παράδειγμα, μπορείτε να μελετήσετε τη θεωρία των χρωμάτων, τη σωστή αναπαράσταση της φόρμας χρησιμοποιώντας γραφικά και τη σύνθεση. Τεχνική απόδοσης Ιαπωνικές ζωγραφιέςτόσο ψηλά που μπορεί να χρησιμεύσει ως παράδειγμα για την εργασία με ακουαρέλες και την εκτέλεση «πλυσίματος» γραφικών έργων.

Η μονόχρωμη ζωγραφική της Ιαπωνίας είναι ένα από τα μοναδικά φαινόμενα της ανατολικής τέχνης. Πολλή δουλειά και έρευνα έχει αφιερωθεί σε αυτό, αλλά συχνά γίνεται αντιληπτό ως ένα πολύ συμβατικό πράγμα, και μερικές φορές ακόμη και ως διακοσμητικό. Δεν είναι έτσι ο πνευματικός κόσμος Ιάπωνας καλλιτέχνηςπολύ πλούσιος και δεν ενδιαφέρεται τόσο για το αισθητικό στοιχείο όσο για το πνευματικό. Η τέχνη της Ανατολής είναι μια σύνθεση του εξωτερικού και του εσωτερικού, του ρητού και του άρρητου.

Σε αυτήν την ανάρτηση θα ήθελα να δώσω προσοχή όχι στην ιστορία της μονόχρωμης ζωγραφικής, αλλά στην ουσία της. Για αυτό θα μιλήσουμε.

οθόνη "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Αυτό που βλέπουμε στους μονόχρωμους πίνακες είναι το αποτέλεσμα της αλληλεπίδρασης του καλλιτέχνη με τη βασική τριάδα: χαρτί, πινέλο, μελάνι. Επομένως, για να κατανοήσετε σωστά το έργο, πρέπει να κατανοήσετε τον ίδιο τον καλλιτέχνη και τη στάση του.

"Τοπίο" Sesshu, 1398

Χαρτίγια έναν Ιάπωνα κύριο δεν είναι εύκολο αυτοσχέδιο υλικό, το οποίο υποτάσσει στην ιδιοτροπία του, αλλά μάλλον το αντίθετο - αυτός είναι ένας «αδελφός» και επομένως η στάση απέναντί ​​της έχει αναπτυχθεί ανάλογα. Το χαρτί είναι μέρος γύρω φύση, την οποία οι Ιάπωνες αντιμετώπιζαν πάντα με ευλάβεια και προσπαθούσαν να μην την υποτάξουν, αλλά να συνυπάρξουν ειρηνικά μαζί της. Το χαρτί είναι στο παρελθόν ένα δέντρο που στεκόταν σε μια συγκεκριμένη περιοχή, συγκεκριμένη ώρα, «είδε» κάτι γύρω της και τα κρατάει όλα. Έτσι αντιλαμβάνεται το υλικό ο Ιάπωνας καλλιτέχνης. Συχνά, πριν ξεκινήσουν την εργασία, οι τεχνίτες κοιτούσαν για πολύ καιρό Κενό φύλλο(το σκέφτηκαν) και μόνο τότε άρχισαν να ζωγραφίζουν. Ακόμη και τώρα, οι σύγχρονοι Ιάπωνες καλλιτέχνες που εξασκούν την τεχνική Nihon-ga (παραδοσιακή ιαπωνική ζωγραφική) επιλέγουν προσεκτικά το χαρτί. Το αγοράζουν κατά παραγγελία από χαρτοποιία. Κάθε καλλιτέχνης έχει ένα συγκεκριμένο πάχος, διαπερατότητα υγρασίας και υφή (πολλοί καλλιτέχνες συνάπτουν ακόμη και συμφωνία με τον ιδιοκτήτη του εργοστασίου να μην πουλήσει αυτό το χαρτί σε άλλους καλλιτέχνες) - επομένως, κάθε πίνακας γίνεται αντιληπτός ως κάτι μοναδικό και ζωντανό.

"Διαβάζοντας σε ένα άλσος μπαμπού" Xubun, 1446

Μιλώντας για τη σημασία αυτού του υλικού, αξίζει να αναφέρουμε τα εξής διάσημα μνημείαΙαπωνική λογοτεχνία όπως το «Notes at the Bedside» του Sei Shonagon και το «Genji Monogotari» του Murasaki Shikibu: τόσο στο «Notes» όσο και στο «Genji» μπορείτε να βρείτε πλοκές όταν αυλικοί ή εραστές ανταλλάσσουν μηνύματα. Το χαρτί στο οποίο γράφονταν αυτά τα μηνύματα ήταν της κατάλληλης εποχής του χρόνου, απόχρωση και ο τρόπος γραφής του κειμένου αντιστοιχούσε στην υφή του.

"Murasaki Shikibu στο Ishiyama Shrine" Kyosen

Βούρτσα- το δεύτερο στοιχείο είναι η συνέχεια του χεριού του πλοιάρχου (και πάλι αυτό είναι φυσικό υλικό). Ως εκ τούτου, τα πινέλα κατασκευάστηκαν επίσης κατά παραγγελία, αλλά τις περισσότερες φορές από τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Επέλεξε τις τρίχες του απαιτούμενου μήκους, διάλεξε το μέγεθος της βούρτσας και την πιο άνετη λαβή. Ο κύριος ζωγραφίζει μόνο με το δικό του πινέλο και κανένα άλλο. (Από προσωπική εμπειρία: παρακολούθησε ένα master class Κινέζος καλλιτέχνηςΟ Jiang Shilun, το κοινό του ζήτησε να δείξει τι μπορούσαν να κάνουν οι μαθητές του που ήταν παρόντες στο master class και ο καθένας από αυτούς, παίρνοντας το πινέλο του δασκάλου, είπε ότι το αποτέλεσμα δεν θα ήταν αυτό που περίμεναν, καθώς το πινέλο δεν ήταν δικό τους , δεν το είχαν συνηθίσει και δεν ξέρουν πώς να το χρησιμοποιήσουν σωστά).

Σκίτσο με μελάνι "Fuji" από τον Katsushika Hokusai

Μάσκαρα- τρίτο σημαντικό στοιχείο. Γίνεται μάσκαρα ΔΙΑΦΟΡΕΤΙΚΟΙ ΤΥΠΟΙ: μπορεί να δώσει ένα γυαλιστερό ή ματ αποτέλεσμα μετά το στέγνωμα, ίσως με μια ανάμειξη από ασημί ή ώχρα αποχρώσεις, επομένως σωστή επιλογήΗ μάσκαρα επίσης δεν είναι ασήμαντη.

Yamamoto Baitsu, τέλη XVIII- XIX αιώνας.

Τα κύρια θέματα της μονόχρωμης ζωγραφικής είναι τα τοπία. Γιατί δεν υπάρχουν χρώματα σε αυτά;

Ζευγαρωμένη οθόνη "Pines", Hasegawa Tohaku

Πρώτον, ο Ιάπωνας καλλιτέχνης δεν ενδιαφέρεται για το ίδιο το αντικείμενο, αλλά για την ουσία του, ένα συγκεκριμένο συστατικό που είναι κοινό για όλα τα έμβια όντα και οδηγεί στην αρμονία μεταξύ ανθρώπου και φύσης. Επομένως, η εικόνα είναι πάντα ένας υπαινιγμός, απευθύνεται στις αισθήσεις μας και όχι στην όραση. Η υποτίμηση είναι ένα ερέθισμα για διάλογο, άρα και σύνδεση. Οι γραμμές και τα σημεία είναι σημαντικά σε μια εικόνα - σχηματίζονται καλλιτεχνική γλώσσα. Αυτή δεν είναι η ελευθερία του πλοιάρχου, ο οποίος άφησε ένα τολμηρό σημάδι όπου ήθελε, αλλά σε άλλο μέρος, αντίθετα, υποχώρησε - όλα στην εικόνα έχουν το δικό τους νόημα και νόημα και δεν είναι τυχαία.

Δεύτερον, το χρώμα φέρει πάντα κάποιου είδους συναισθηματική χροιά και γίνεται αντιληπτό διαφορετικά διαφορετικοί άνθρωποιΣε διαφορετικές καταστάσεις, επομένως, η συναισθηματική ουδετερότητα επιτρέπει στον θεατή να εισέλθει επαρκώς σε διάλογο, να τον τοποθετήσει για αντίληψη, στοχασμό και σκέψη.

Τρίτον, αυτή είναι η αλληλεπίδραση του γιν και του γιανγκ κάθε μονόχρωμη ζωγραφική είναι αρμονική από την άποψη της αναλογίας του μελανιού προς την ανέγγιχτη περιοχή του χαρτιού.

Γιατί είναι αχρησιμοποίητο το μεγαλύτερο μέρος του χώρου χαρτιού;

«Τοπίο» Xubun, μέσα 15ου αιώνα.

Πρώτον, ο κενός χώρος βυθίζει τον θεατή στην εικόνα. Δεύτερον, η εικόνα δημιουργείται σαν να επιπλέει στην επιφάνεια για μια στιγμή και πρόκειται να εξαφανιστεί - αυτό συνδέεται με την κοσμοθεωρία και την κοσμοθεωρία. Τρίτον, σε εκείνες τις περιοχές όπου δεν υπάρχει μελάνι, η υφή και η απόχρωση του χαρτιού έρχεται στο προσκήνιο (αυτό δεν είναι πάντα ορατό στις αναπαραγωγές, αλλά στην πραγματικότητα είναι πάντα η αλληλεπίδραση δύο υλικών - χαρτιού και μελανιού).

Sesshu, 1446

Γιατί τοπίο;

"Συλλογισμός ενός καταρράκτη" Gayami, 1478

Σύμφωνα με την ιαπωνική κοσμοθεωρία, η φύση είναι πιο τέλεια από τον άνθρωπο, γι' αυτό πρέπει να μάθει από αυτήν, να την προστατεύει με κάθε δυνατό τρόπο και να μην την καταστρέφει ή την υποτάσσει. Επομένως, σε πολλά τοπία μπορείτε να δείτε μικρές εικόνες ανθρώπων, αλλά είναι πάντα ασήμαντες, μικρές σε σχέση με το ίδιο το τοπίο ή εικόνες από καλύβες που ταιριάζουν στον χώρο που τις περιβάλλει και δεν είναι καν πάντα αισθητές - όλα αυτά είναι σύμβολα μια κοσμοθεωρία.

"Εποχές: Φθινόπωρο και Χειμώνας" Sesshu. "Τοπίο" Sesshu, 1481

Εν κατακλείδι, θέλω να πω ότι η μονόχρωμη ιαπωνική ζωγραφική δεν είναι χαοτικά πιτσιλισμένο μελάνι, δεν είναι μια ιδιοτροπία του εσωτερικού εγώ του καλλιτέχνη - είναι ένα ολόκληρο σύστημα εικόνων και συμβόλων, είναι μια αποθήκη φιλοσοφικής σκέψης και το πιο σημαντικό, ένας τρόπος επικοινωνίας και εναρμόνισης του εαυτού μας και του κόσμου γύρω μας.

Εδώ, νομίζω, είναι οι απαντήσεις στα βασικά ερωτήματα που προκύπτουν στον θεατή όταν αντιμετωπίζει τη μονόχρωμη ιαπωνική ζωγραφική. Ελπίζω να σας βοηθήσουν να το κατανοήσετε σωστά και να το αντιληφθείτε όταν συναντηθείτε.

Κάθε χώρα έχει τους ήρωές της σύγχρονη τέχνη, των οποίων τα ονόματα είναι γνωστά, των οποίων οι εκθέσεις προσελκύουν πλήθη θαυμαστών και περίεργων ανθρώπων και των οποίων τα έργα πωλούνται σε ιδιωτικές συλλογές.

Σε αυτό το άρθρο θα σας παρουσιάσουμε τα πιο δημοφιλή σύγχρονους καλλιτέχνεςΙαπωνία.

Κέικο Τανάμπε

Γεννημένος στο Κιότο, ο Κέικο κέρδισε πολλές νίκες ως παιδί. διαγωνισμούς τέχνης, Αλλά ανώτερη εκπαίδευσηΔεν το κατάλαβα καθόλου στον χώρο της τέχνης. Εργάστηκε στο τμήμα διεθνών σχέσεων ενός ιαπωνικού δημοτικού εμπορικού οργανισμού στο Τόκιο, σε μια μεγάλη δικηγορική εταιρεία στο Σαν Φρανσίσκο και σε μια ιδιωτική εταιρεία συμβούλων στο Σαν Ντιέγκο, και ταξίδεψε πολύ. Ξεκινώντας το 2003, άφησε τη δουλειά της και, έχοντας σπουδάσει τα βασικά της ακουαρέλας στο Σαν Ντιέγκο, αφοσιώθηκε αποκλειστικά στην τέχνη.

Ικενάγκα Γιασουνάρι

Ο Ιάπωνας καλλιτέχνης Ikenaga Yasunari ζωγραφίζει πορτρέτα σύγχρονες γυναίκεςστα αρχαία Ιαπωνική παράδοσηζωγραφική χρησιμοποιώντας πινέλο Menso, ορυκτές χρωστικές, αιθάλη, μελάνι και λινό ως βάση. Οι χαρακτήρες του είναι γυναίκες της εποχής μας, αλλά χάρη στο στυλ του Nihonga, έχεις την αίσθηση ότι μας ήρθαν από αμνημονεύτων χρόνων.

Άμπε Τοσιγιούκι

Ο Abe Toshiyuki είναι ένας ρεαλιστής καλλιτέχνης που έχει κατακτήσει τεχνική ακουαρέλας. Ο Άμπε μπορεί να ονομαστεί καλλιτέχνης-φιλόσοφος: ως θέμα αρχής, δεν ζωγραφίζει γνωστά αξιοθέατα, προτιμώντας υποκειμενικές συνθέσεις, αντανακλώντας εσωτερικές καταστάσειςτο άτομο που τους παρακολουθεί.

Χιρόκο Σακάι

Η καριέρα του καλλιτέχνη Hiroko Sakai ξεκίνησε στις αρχές της δεκαετίας του '90 στην πόλη Fukuoka. Αφού αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο Seinan Gakuin και τη Γαλλική Σχολή Εσωτερικού Σχεδιασμού Nihon στο σχεδιασμό και την οπτικοποίηση, ίδρυσε το Atelier Yume-Tsumugi Ltd. και διαχειρίστηκε με επιτυχία αυτό το στούντιο για 5 χρόνια. Πολλά από τα έργα της διακοσμούν λόμπι και γραφεία νοσοκομείων. μεγάλες εταιρείεςκαι μερικά δημοτικά κτίρια στην Ιαπωνία. Αφού μετακόμισε στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο Hiroko άρχισε να ζωγραφίζει με λάδια.

Ριουσούκε Φουκαχόρι

Τα τρισδιάστατα έργα του Riusuki Fukahori μοιάζουν με ολογράμματα. Έχουν γίνει ακρυλική μπογιά, που εφαρμόζεται σε πολλές στρώσεις και ένα διαφανές υγρό ρητίνης - όλα αυτά, χωρίς να αποκλείονται οι παραδοσιακές μέθοδοι όπως η σχεδίαση σκιών, η απαλότητα των άκρων, ο έλεγχος της διαφάνειας, επιτρέπουν στον Riusuki να δημιουργήσει γλυπτική ζωγραφικήκαι δίνει στο έργο βάθος και ρεαλισμό.

Νατσούκι Οτάνι

Ο Natsuki Otani είναι ένας ταλαντούχος Ιάπωνας εικονογράφος που ζει και εργάζεται στην Αγγλία.

Μακότο Μουραμάτσου

Ο Makoto Muramatsu επέλεξε ένα θέμα που κερδίζει ως βάση για τη δημιουργικότητά του - σχεδιάζει γάτες. Οι φωτογραφίες του είναι δημοφιλείς σε όλο τον κόσμο, ειδικά σε μορφή παζλ.

Tetsuya Mishima

Οι περισσότεροι πίνακες είναι σύγχρονοι Ιάπωνας καλλιτέχνηςΤο Mishima παρασκευάζεται σε λάδι. Ασχολείται επαγγελματικά με τη ζωγραφική από τη δεκαετία του '90 και έχει αρκετές ατομικές εκθέσειςκαι μεγάλο αριθμό συλλογικών εκθέσεων, ιαπωνικών και ξένων.

Αν νομίζετε ότι όλοι οι μεγάλοι καλλιτέχνες ανήκουν στο παρελθόν, τότε δεν έχετε ιδέα πόσο λάθος κάνετε. Σε αυτό το άρθρο θα μάθετε για τα πιο διάσημα και ταλαντούχους καλλιτέχνεςνεωτερισμός. Και, πιστέψτε με, τα έργα τους θα μείνουν στη μνήμη σας όχι λιγότερο βαθιά από τα έργα των μαέστρων από περασμένες εποχές.

Βόιτσεχ Μπάμπσκι

Ο Wojciech Babski είναι ένας σύγχρονος Πολωνός καλλιτέχνης. Ολοκλήρωσε τις σπουδές του στο Πολυτεχνικό Ινστιτούτο της Σιλεσίας, αλλά συνδέθηκε με. ΣΕ Πρόσφαταζωγραφίζει κυρίως γυναίκες. Εστιάζει στην έκφραση των συναισθημάτων, προσπαθεί να επιτύχει το μεγαλύτερο δυνατό αποτέλεσμα χρησιμοποιώντας απλά μέσα.

Λατρεύει το χρώμα, αλλά χρησιμοποιεί συχνά αποχρώσεις του μαύρου και του γκρι για να το πετύχει καλύτερη εμπειρία. Δεν φοβάστε να πειραματιστείτε με διαφορετικές νέες τεχνικές. Πρόσφατα, κερδίζει ολοένα και μεγαλύτερη δημοτικότητα στο εξωτερικό, κυρίως στο Ηνωμένο Βασίλειο, όπου πουλά με επιτυχία τα έργα του, τα οποία βρίσκονται ήδη σε πολλές ιδιωτικές συλλογές. Εκτός από την τέχνη, ενδιαφέρεται για την κοσμολογία και τη φιλοσοφία. Ακούει τζαζ. Σήμερα ζει και εργάζεται στο Κατοβίτσε.

Γουόρεν Τσανγκ

Warren Chang - μοντέρνο Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1957 και μεγάλωσε στο Monterey της Καλιφόρνια, αποφοίτησε με άριστα από το Art Center College of Design στην Πασαντένα το 1981, όπου έλαβε πτυχίο BFA. Τις επόμενες δύο δεκαετίες εργάστηκε ως εικονογράφος διάφορες εταιρείεςστην Καλιφόρνια και τη Νέα Υόρκη πριν ξεκινήσει μια καριέρα ως επαγγελματίας καλλιτέχνης το 2009.

Οι ρεαλιστικοί πίνακές του μπορούν να χωριστούν σε δύο κύριες κατηγορίες: βιογραφικούς πίνακες εσωτερικών χώρων και πίνακες ανθρώπων στην εργασία. Το ενδιαφέρον του για αυτό το στυλ ζωγραφικής χρονολογείται από το έργο του καλλιτέχνη του 16ου αιώνα Johannes Vermeer και εκτείνεται σε θέματα, αυτοπροσωπογραφίες, πορτρέτα μελών της οικογένειας, φίλων, μαθητών, εσωτερικούς χώρους στούντιο, τάξεις και σπίτια. Στόχος του είναι να ρεαλιστικούς πίνακες ζωγραφικήςδημιουργούν διάθεση και συναίσθημα μέσω της χειραγώγησης του φωτός και της χρήσης σιωπηλών χρωμάτων.

Ο Τσανγκ έγινε διάσημος μετά τη μετάβαση στις παραδοσιακές καλές τέχνες. Τα τελευταία 12 χρόνια, έχει κερδίσει πολλά βραβεία και τιμητικές διακρίσεις, το πιο διάσημο από τα οποία είναι το Master Signature από τους Oil Painters of America, τη μεγαλύτερη κοινότητα ελαιογραφίας στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μόνο ένα άτομο από τα 50 έχει τη δυνατότητα να λάβει αυτό το βραβείο. Ο Warren ζει σήμερα στο Monterey και εργάζεται στο στούντιό του, ενώ διδάσκει επίσης (γνωστός ως ταλαντούχος δάσκαλος) στην Ακαδημία Τέχνης του Σαν Φρανσίσκο.

Aurelio Bruni

Αουρέλιο Μπρούνι – Ιταλός καλλιτέχνης. Γεννήθηκε στο Μπλερ, 15 Οκτωβρίου 1955. Έλαβε δίπλωμα σκηνογραφίας από το Ινστιτούτο Τέχνης στο Σπολέτο. Ως καλλιτέχνης είναι αυτοδίδακτος, καθώς ανεξάρτητα «έχτισε ένα σπίτι γνώσης» στα θεμέλια που τέθηκαν στο σχολείο. Άρχισε να ζωγραφίζει με λάδια σε ηλικία 19 ετών. Σήμερα ζει και εργάζεται στην Ούμπρια.

Οι πρώιμοι πίνακες του Μπρούνι έχουν τις ρίζες τους στον σουρεαλισμό, αλλά με την πάροδο του χρόνου αρχίζει να εστιάζει στην εγγύτητα του λυρικού ρομαντισμού και του συμβολισμού, ενισχύοντας αυτόν τον συνδυασμό με την εξαιρετική επιτήδευση και την αγνότητα των χαρακτήρων του. Τα κινούμενα και άψυχα αντικείμενα αποκτούν την ίδια αξιοπρέπεια και φαίνονται σχεδόν υπερρεαλιστικά, αλλά ταυτόχρονα δεν κρύβονται πίσω από μια κουρτίνα, αλλά σας επιτρέπουν να δείτε την ουσία της ψυχής σας. Η ευελιξία και η εκλέπτυνση, ο αισθησιασμός και η μοναξιά, η στοχαστικότητα και η καρποφορία είναι το πνεύμα του Aurelio Bruni, που τρέφεται από το μεγαλείο της τέχνης και την αρμονία της μουσικής.

Αλέξανδρος Μπάλος

Ο Alkasander Balos είναι ένας σύγχρονος Πολωνός καλλιτέχνης που ειδικεύεται στην ελαιογραφία. Γεννήθηκε το 1970 στο Gliwice της Πολωνίας, αλλά από το 1989 ζει και εργάζεται στις ΗΠΑ, στο Shasta της Καλιφόρνια.

Ως παιδί, σπούδασε τέχνη υπό την καθοδήγηση του πατέρα του Jan, ενός αυτοδίδακτου καλλιτέχνη και γλύπτη. Νεαρή ηλικία, καλλιτεχνική δραστηριότηταέλαβε πλήρη υποστήριξη και από τους δύο γονείς. Το 1989, σε ηλικία δεκαοκτώ ετών, ο Μπάλος έφυγε από την Πολωνία για τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου δασκάλα σχολείουκαι η καλλιτέχνης μερικής απασχόλησης Katie Gaggliardi ενθάρρυνε τον Alkasander να εγγραφεί Σχολή καλών τεχνών. Στη συνέχεια, ο Μπάλος έλαβε πλήρη υποτροφία στο Πανεπιστήμιο του Μιλγουόκι του Ουισκόνσιν, όπου σπούδασε ζωγραφική με τον καθηγητή φιλοσοφίας Χάρι Ρόζιν.

Αφού αποφοίτησε το 1995 με πτυχίο, ο Μπάλος μετακόμισε στο Σικάγο για να παρακολουθήσει τη Σχολή Καλών Τεχνών, οι μέθοδοι της οποίας βασίζονται στη δημιουργικότητα. Jacques-Louis David. Εικονιστικός ρεαλισμός και ζωγραφική πορτρέτουήταν πλέονΈργα του Μπάλου στη δεκαετία του '90 και στις αρχές του 2000. Σήμερα ο Μπάλος χρησιμοποιεί ανθρώπινη φιγούραπροκειμένου να επισημανθούν χαρακτηριστικά και να εμφανιστούν ελλείψεις ανθρώπινη ύπαρξηχωρίς να προσφέρει λύσεις.

Οι θεματικές συνθέσεις των πινάκων του προορίζονται να ερμηνεύονται ανεξάρτητα από τον θεατή, μόνο τότε οι πίνακες θα αποκτήσουν την πραγματική χρονική και υποκειμενική τους σημασία. Το 2005, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στη Βόρεια Καλιφόρνια, από τότε η θεματολογία του έργου του έχει επεκταθεί σημαντικά και τώρα περιλαμβάνει πιο ελεύθερες μεθόδους ζωγραφικής, όπως αφαίρεση και διάφορα στυλ πολυμέσων που βοηθούν στην έκφραση ιδεών και ιδανικών ύπαρξης μέσω της ζωγραφικής.

Alyssa Monks

Alyssa Monks – μοντέρνα Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννήθηκε το 1977 στο Ridgewood του New Jersey. Άρχισα να με ενδιαφέρει η ζωγραφική όταν ήμουν ακόμη παιδί. Σπούδασε στο New School στη Νέα Υόρκη και Κρατικό Πανεπιστήμιο Montclair και αποφοίτησε από το Boston College το 1999 με πτυχίο B.A. Παράλληλα, σπούδασε ζωγραφική στην Ακαδημία Lorenzo de' Medici στη Φλωρεντία.

Στη συνέχεια συνέχισε τις σπουδές της στο μεταπτυχιακό πρόγραμμα της Ακαδημίας Τέχνης της Νέας Υόρκης, στο τμήμα Εικαστικής Τέχνης, αποφοιτώντας το 2001. Αποφοίτησε από το Fullerton College το 2006. Για κάποιο διάστημα δίδαξε σε πανεπιστήμια και Εκπαιδευτικά ιδρύματασε όλη τη χώρα, δίδαξε ζωγραφική στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, καθώς και στο Πανεπιστήμιο Montclair State University και στο Lyme Academy of Art College.

«Χρησιμοποιώντας φίλτρα όπως γυαλί, βινύλιο, νερό και ατμό, παραμορφώνω ανθρώπινο σώμα. Αυτά τα φίλτρα σας επιτρέπουν να δημιουργήσετε μεγάλες περιοχές αφηρημένου σχεδιασμού, με νησίδες χρώματος να κρυφοκοιτάζουν - μέρη του ανθρώπινου σώματος.

Οι πίνακές μου αλλάζουν μοντέρνα εμφάνισηστις ήδη καθιερωμένες, παραδοσιακές πόζες και χειρονομίες των γυναικών που κάνουν μπάνιο. Θα μπορούσαν να πουν σε έναν προσεκτικό θεατή πολλά για τέτοια φαινομενικά αυτονόητα πράγματα όπως τα οφέλη της κολύμβησης, του χορού και ούτω καθεξής. Οι χαρακτήρες μου πιέζονται πάνω στο τζάμι του παραθύρου του ντους, παραμορφώνοντας το σώμα τους, συνειδητοποιώντας ότι έτσι επηρεάζουν το περιβόητο ανδρικό βλέμμα σε μια γυμνή γυναίκα. Παχιά στρώματα βαφής αναμειγνύονται για να μιμούνται από μακριά το γυαλί, τον ατμό, το νερό και τη σάρκα. Ωστόσο, από κοντά, το εκπληκτικό φυσικές ιδιότητες λαδομπογιά. Πειραματιζόμενος με στρώματα χρώματος και χρώματος, βρίσκω ένα σημείο όπου οι αφηρημένες πινελιές γίνονται κάτι άλλο.

Όταν άρχισα να ζωγραφίζω για πρώτη φορά το ανθρώπινο σώμα, γοητεύτηκα αμέσως και μάλιστα με εμμονή με αυτό και πίστεψα ότι έπρεπε να κάνω τους πίνακές μου όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστικούς. «Δήλωσα» τον ρεαλισμό μέχρι που άρχισε να ξετυλίγεται και να αποκαλύπτει αντιφάσεις από μόνος του. Τώρα διερευνώ τις δυνατότητες και τις δυνατότητες ενός στυλ ζωγραφικής όπου η αναπαραστατική ζωγραφική και η αφαίρεση συναντώνται – εάν και τα δύο στυλ μπορούν να συνυπάρχουν την ίδια χρονική στιγμή, θα το κάνω».

Αντόνιο Φινέλι

Ιταλός καλλιτέχνης - " Παρατηρητής χρόνου” – Ο Antonio Finelli γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1985. Σήμερα ζει και εργάζεται στην Ιταλία μεταξύ Ρώμης και Campobasso. Έργα του έχουν εκτεθεί σε πολλές γκαλερί στην Ιταλία και στο εξωτερικό: Ρώμη, Φλωρεντία, Νοβάρα, Γένοβα, Παλέρμο, Κωνσταντινούπολη, Άγκυρα, Νέα Υόρκη και βρίσκονται επίσης σε ιδιωτικές και δημόσιες συλλογές.

Σχέδια με μολύβι" Παρατηρητής χρόνου«Ο Αντόνιο Φινέλι μας ταξιδεύει σε ένα αιώνιο ταξίδι εσωτερικός κόσμοςη ανθρώπινη χρονικότητα και η συναφής σχολαστική ανάλυση αυτού του κόσμου, το κύριο στοιχείο της οποίας είναι το πέρασμα στο χρόνο και τα ίχνη που κάνει στο δέρμα.

Ο Finelli ζωγραφίζει πορτρέτα ανθρώπων οποιασδήποτε ηλικίας, φύλου και εθνικότητας, των οποίων οι εκφράσεις του προσώπου δείχνουν πέρασμα στο χρόνο, και ο καλλιτέχνης ελπίζει επίσης να βρει στοιχεία για το ανελέητο του χρόνου στα σώματα των χαρακτήρων του. Ο Αντόνιο ορίζει τα έργα του με ένα πράγμα, συνηθισμένο όνομα: «Αυτοπροσωπογραφία», γιατί στα σχέδια του με μολύβι όχι μόνο απεικονίζει ένα πρόσωπο, αλλά επιτρέπει στον θεατή να συλλογιστεί πραγματικά αποτελέσματατο πέρασμα του χρόνου μέσα σε ένα άτομο.

Φλαμίνια Καρλόνι

Η Flaminia Carloni είναι μια 37χρονη Ιταλίδα καλλιτέχνης, κόρη διπλωμάτη. Έχει τρία παιδιά. Έζησε στη Ρώμη για δώδεκα χρόνια και για τρία χρόνια στην Αγγλία και τη Γαλλία. Έλαβε πτυχίο στην ιστορία της τέχνης από το BD School of Art. Έπειτα πήρε δίπλωμα αναστηλώτριας τέχνης. Πριν βρει την κλήση της και αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη ζωγραφική, εργάστηκε ως δημοσιογράφος, χρωματίστρια, σχεδιάστρια και ηθοποιός.

Το πάθος της Φλαμίνια για τη ζωγραφική προέκυψε στην παιδική ηλικία. Το κύριο μέσο της είναι το λάδι γιατί της αρέσει να «κουφάρει λα πατέ» και επίσης να παίζει με το υλικό. Αναγνώρισε μια παρόμοια τεχνική στα έργα του καλλιτέχνη Pascal Torua. Η Flaminia εμπνέεται από μεγάλους δεξιοτέχνες της ζωγραφικής όπως οι Balthus, Hopper και François Legrand, καθώς και από διάφορα καλλιτεχνικά κινήματα: street art, κινέζικο ρεαλισμό, σουρεαλισμό και αναγεννησιακό ρεαλισμό. Το αγαπημένο της καλλιτέχνης Καραβάτζιο. Όνειρό της είναι να ανακαλύψει τη θεραπευτική δύναμη της τέχνης.

Ντένις Τσερνόφ

Denis Chernov - ταλαντούχος Ουκρανός καλλιτέχνης, γεννήθηκε το 1978 στο Sambir, στην περιοχή Lviv, στην Ουκρανία. Μετά την αποφοίτησή του από το Χάρκοβο Σχολή καλών τεχνώντο 1998 παρέμεινε στο Χάρκοβο, όπου ζει και εργάζεται σήμερα. Σπούδασε επίσης στο Χάρκοβο Κρατική Ακαδημίασχέδιο και τεχνών, τμήμα γραφικών, αποφοίτησε το 2004.

Συμμετέχει τακτικά σε εκθέσεις τέχνης, επί αυτή τη στιγμήπερισσότερες από εξήντα από αυτές πραγματοποιήθηκαν, τόσο στην Ουκρανία όσο και στο εξωτερικό. Τα περισσότερα από τα έργα του Denis Chernov φυλάσσονται σε ιδιωτικές συλλογές στην Ουκρανία, τη Ρωσία, την Ιταλία, την Αγγλία, την Ισπανία, την Ελλάδα, τη Γαλλία, τις ΗΠΑ, τον Καναδά και την Ιαπωνία. Μερικά από τα έργα πουλήθηκαν στον οίκο Christie's.

Ο Denis εργάζεται σε ένα ευρύ φάσμα τεχνικών γραφικών και ζωγραφικής. Τα σχέδια με μολύβι είναι μια από τις πιο αγαπημένες του μεθόδους ζωγραφικής, μια λίστα με τα θέματα του σχέδια με μολύβιείναι επίσης πολύ ποικιλόμορφο, ζωγραφίζει τοπία, πορτρέτα, γυμνά, συνθέσεις είδους, εικονογραφήσεις βιβλίων, λογοτεχνικά και ιστορικές ανακατασκευέςκαι φαντασιώσεις.