Γυναίκες σε πίνακες καλλιτεχνών. Το ιδανικό της γυναικείας ομορφιάς στους πίνακες διάσημων καλλιτεχνών

Rembrandt van Rijn Saskia ως Flora. Γυναίκα με τη μορφή χλωρίδα(χρωματιστά). Έτσι αποκρυπτογραφείται αυτή η εικόνα. Τα λουλούδια στα χέρια της Σάσκα είναι σαν ραβδί. Το κεφαλόδεσμο μοιάζει με στέμμα. Η ίδια η γυναίκα είναι σαν τη βασίλισσα της άγριας ζωής.

Raphael Santi Madonna από τον Raphael. Η εικόνα είναι παλιά, αλλά όμορφη. Οι καλλιτέχνες αναδεικνύουν μόνο τα πιο όμορφα πράγματα στα έργα τους, και αυτή είναι μια μητέρα με τα παιδιά της. Ο Ραφαέλ Σάντι αποφάσισε να μην διαφέρει από άλλους καλλιτέχνες και ζωγράφισε τον πίνακα «Μαντόνα». Πιστεύω ότι αυτή η εικόνα αξίζει τιμής και υψηλή βαθμολογία.

Rafael Santi Κυρία με μονόκερο. Η φαντασία του καλλιτέχνη ήταν κομψή. Το να ζωγραφίσεις μια κυρία με έναν μονόκερο, ένα πλάσμα που είναι από μόνο του μια μαγική δημιουργία, δεν θα μπορούσε παρά να γίνει το θέμα της σεβάσμιας τέχνης του ίδιου του Ραφαέλ Σάντι. Νομίζω ότι δεν έχει νόημα να μιλάμε για την ομορφιά μιας κυρίας. Αυτή η γυναίκα είναι εξαιρετική.

Ραφαέλ Σάντι. Η μικρή Madonna of Cowper. Ιταλός ζωγράφος και
αρχιτέκτονας, ένας από τους πιο
σπουδαίοι καλλιτέχνες παντού
παγκόσμια ιστορία, κύριε
Η Madonnas απεικόνιζε μια άλλη Madonna με ξανθά μαλλιά και ένα παιδί στην αγκαλιά της. Η απλότητα του προσώπου και του βλέμματος της με εκπλήσσει.

Sandro Botticelli Madonna and Child with Angels. Η εικόνα δείχνει ξεκάθαρα ότι ακόμη και οι άγγελοι θαυμάζουν απόκοσμη ομορφιάαυτό ασύγκριτα όμορφη γυναίκα. Τα χέρια τους απλώνουν προς αυτήν, όπως τα χέρια των μωρών απλώνουν τη μητέρα τους. Οι άγγελοι είναι πρεσβευτές του Θεού.

Σάντρο Μποτιτσέλι. Αφροδίτη και Άρης. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1483. Γραπτό ίσως
παραγγέλθηκε από μια οικογένεια εμπόρων
Vespucci. Ένας ιστορικός έχει προτείνει ότι ο Άρης απεικονίζεται με κλειστό
μάτια, όπως είναι
υπό επιρροή
μεθυστικά. Και αν είναι αλήθεια ή όχι, κανείς δεν ξέρει.

Zinaida Serebryakova Νοσοκόμα με ένα παιδί. Πόσο όμορφες και υπέροχες είναι οι Ρωσίδες. Και το να είσαι μητέρα είναι επίσης άθλος. Το να είσαι μητέρα παιδιών και να δείχνεις πάντα ωραία δεν είναι μόνο μεγάλη τέχνη, αλλά και σκληρή δουλειά.

Ivan Petrovich Argunov Πορτρέτο της αυτοκράτειρας Αικατερίνης Β'. 1762 I. P. Argunov
έλαβε υπεύθυνη εντολή
- δημιουργία πορτρέτου
Αυτοκράτειρα Αικατερίνη Β'. Βλέποντας το πορτρέτο σας
γραμμένο από τον Ιβάν
Πέτροβιτς «από καρδιάς», ήταν η Κατερίνα
ευχάριστα έκπληκτος.

Ivan Petrovich Argunov Πίνακες του Argunov. Πορτρέτο της Lobanova-Rostovskaya. Απλά κοιτάξτε την λεπτή μέση. Οι γυναίκες εκείνης της εποχής προσπάθησαν να φροντίσουν τη σιλουέτα τους όσο το δυνατόν καλύτερα. Τα όμορφα, πλούσια ρούχα διακοσμημένα με πολύτιμους λίθους φαίνονται υπέροχα ακόμα και στις πιο άσχημες γυναίκες.

Ivan Petrovich Argunov Πορτρέτο μιας άγνωστης γυναίκας με αγροτική στολή. ένα από τα πιο διάσημα
έργα στα ρωσικά
καλλιτέχνης. Πορτρέτο
Το άγνωστο αντανακλά ενδιαφέρον
σε αγροτικά θέματα,
εμφανίστηκε εκείνη την ώρα στο
Ρωσική κοινωνία. Το ενδιαφέρον προκαλεί η καταγωγή του ίδιου του συγγραφέα.

ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ διάσημους καλλιτέχνεςκρατήστε τα μυστικά των ανθρώπων που απεικονίζονται πάνω τους. Σας προσκαλούμε να κάνετε μια βόλτα στο εικονικό γκαλερί τέχνηςκαι εξερευνήστε τις ιστορίες των γυναικών στους πίνακες. Αυτές οι ιστορίες μπορεί να είναι ρομαντικές, μυστικιστικές ή απλώς αστείες.

Αυτό το έργο τέχνης είναι ένα από τα πιο διάσημους πίνακεςο ζωγράφος - παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό στην Ιταλία, όπου έτυχε ευνοϊκής υποδοχής από τους κριτικούς. Ο Karl Bryullov ήταν ο πρώτος Ρώσος καλλιτέχνης που έγινε διάσημος στην πρωταρχική Ευρώπη. Για πολύ καιρόυποτίθεται ότι αυτός ο πίνακας ήταν ένα πορτρέτο της νεαρής κόμισσας Yulia Samoilova, την οποία ο καλλιτέχνης αγαπούσε πολύ και συχνά απεικόνιζε στους καμβάδες του. Για παράδειγμα, στην ταινία "The Last Day of Pompeii" τρεις χαρακτήρες έχουν ταυτόχρονα τα χαρακτηριστικά του προσώπου της Yulia Samoilova. Ωστόσο, όταν συγκρίνουμε τον πίνακα "Ιππέας" με τα πορτρέτα της Κοντέσας που ζωγράφισε αργότερα ο Bryullov, γίνεται σαφές ότι ο πίνακας δεν είναι η Yulia Samoilova. Αλλά ποιος; Σε έναν από τους πίνακές του, ο Karl Bryullov απεικόνισε την κόμισσα Samoilova με τη μαθήτριά του Giovannina, σε έναν άλλο πίνακα ζωγράφισε την ίδια κόμισσα με την υιοθετημένη κόρη της Amatsilia. Οι ερευνητές του έργου του Bryullov κατέληξαν στο συμπέρασμα ότι ο πίνακας απεικονίζει ακριβώς αυτά τα κορίτσια, τα οποία μεγάλωσε η κόμισσα. Αλλά οι πίνακες διάσημων καλλιτεχνών συνήθως φέρουν κάποιου είδους μυστήριο. Για να λύσετε το αίνιγμα από αυτόν τον πίνακα, πρέπει να ρίξετε μια πιο προσεκτική ματιά στον σκύλο σε ένα κολάρο, τον οποίο ο καλλιτέχνης απεικόνισε δίπλα στο κοριτσάκι. Στο γιακά είναι γραμμένο το όνομα του ιδιοκτήτη του, Samoilov.

Φαίνεται ότι το πώς δημιουργήθηκε ο πίνακας "Alyonushka" ήταν γνωστό από καιρό σε όλους. Πιστεύεται ότι ο Vasnetsov, στην εικόνα της θλιβερής ηρωίδας των ρωσικών επών, απεικόνισε το κορίτσι με το οποίο η μοίρα τον έφερε μαζί στο χωριό Akhtyrka. Μιλώντας για αυτόν τον πίνακα, πολλοί αναφέρουν ένα απόσπασμα από τον ίδιο τον Vasnetsov, όπου παραδέχεται ότι η εικόνα του Alyonushka έχει εγκατασταθεί από καιρό στο κεφάλι του, αλλά τελική έκδοσηΤο πορτρέτο σχηματίστηκε όταν στο χωριό Οχτύρκα γνώρισε μια απλή κοπέλα. Είναι όμως; Σε μια από τις σημειώσεις του καλλιτέχνη μπορείτε να διαβάσετε αληθινή ιστορίαζωγραφίζοντας μια εικόνα. Ο Βασνέτσοφ παραδέχεται ότι, αν και είχε ήδη ένα σκίτσο ενός πίνακα βασισμένου σε αυτό το απλό κορίτσι, δεν είναι ένα κομμάτι του είδους που βασίζεται στη ζωή. Ο καλλιτέχνης εμπνεύστηκε πραγματικά από τα μάτια της Verusha Mamontova. Παραδέχτηκε ότι τα μάτια της συγκεκριμένης κοπέλας του φάνηκαν παντού και εγκαταστάθηκαν στην ψυχή του. Ποια είναι η Βερούσα Μαμόντοβα; Φυσικά, η εικόνα της είναι γνωστή στους λάτρεις της τέχνης, γιατί είναι αυτή που απεικονίζεται στον πίνακα του Serov «Κορίτσι με ροδάκινα». Τώρα, γνωρίζοντας τις αποκαλύψεις του καλλιτέχνη, στην Alyonushka μπορείτε εύκολα να βρείτε τα χαρακτηριστικά του προσώπου της Verusha Mamontova.

Μερικές φορές πίνακες διάσημων καλλιτεχνών σε εκπλήσσουν με το από πού προέρχεται μια τέτοια πλοκή, μερικές φορές οι πηγές έμπνευσης είναι απροσδόκητες. Αυτό μπορεί να ειπωθεί για την ιστορία της ζωγραφικής του καμβά " Άνισος γάμος" Ένας αριστοκράτης από τη Μόσχα αποφάσισε να γράψει τα απομνημονεύματά του, όπου μίλησε για όλους τους συγγενείς του, συμπεριλαμβανομένου του θείου του Σεργκέι Βαρέντσοφ. Το 1862, αυτός ο θείος, ως νέος, ερωτεύτηκε ξαφνικά την όμορφη κόρη του εμπόρου Ρίμπνικοφ, τη Σοφία. Και ερωτεύτηκε τόσο πολύ που του έκανε ακόμη και πρόταση γάμου, αλλά του αρνήθηκαν. Ο συνετός πατέρας του κοριτσιού δεν ήθελε να παντρευτεί την κόρη του με μια νεαρή και επιπόλαιη τσουγκράνα, αλλά προτίμησε να δώσει το χέρι της στον ηλικιωμένο και όχι στον φτωχό έμπορο Korzinkin (είναι ενδιαφέρον ότι ο "ηλικιωμένος" γαμπρός ήταν τότε 38 ετών). Από μια ατυχή σύμπτωση, ο νεαρός Varentsov έπρεπε να παίξει τον ρόλο του κουμπάρου σε αυτόν τον γάμο. Ο καλλιτέχνης Vasily Pukirev ήταν τόσο εμποτισμένος με αυτή την ιστορία και το μαρτύριο αγαπημένη καρδιάπου δημιούργησε αυτόν τον πίνακα. Χάρη σε αυτόν τον πίνακα, ο Vasily Pukirev έλαβε τον τίτλο του καθηγητή, καθώς και καλά χρήματα: ο καμβάς αγοράστηκε αμέσως από τον συλλέκτη έργων τέχνης Borisovsky και ο Tretyakov τον αγόρασε από αυτόν. Είναι αλήθεια ότι ο Πουκίρεφ έπρεπε να ξανακάνει τον καμβά λίγο, γιατί ο Βαρέντσοφ αναγνώρισε τον εαυτό του στον κουμπάρο σε αυτήν την εικόνα. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον Varentsov τόσο με ακρίβεια στο έργο του που, χάρη στη δημοτικότητα του πίνακα, η δυστυχισμένη αγάπη του άρχισε να συζητείται σε όλη τη Μόσχα. Ως αποτέλεσμα, ο Πουκίρεφ έπρεπε να ξαναγράψει το πρόσωπο του κουμπάρου και τώρα, κοιτάζοντας την εικόνα, το κοινό βλέπει στο βάθος μια εικόνα του προσώπου του ίδιου του Πουκίρεφ.

Πίνακας «Πορτρέτο του M. I. Lopukhina» του Vladimir Borovikovsky

Αυτός ο πίνακας δημιουργήθηκε το 1797 και είναι μια ρομαντική γυναικεία εικόνα. Σαγηνεύει το κοινό εδώ και αιώνες και οι γνώστες της τέχνης το θεωρούν ωδή στον συναισθηματισμό. Πίνακες ζωγραφικής διάσημων καλλιτεχνών συνοδεύονται συχνά από μυστικιστικούς μύθους. Ένας τέτοιος μύθος συνδέεται με αυτήν την εικόνα. Η εικόνα μιας 18χρονης καλλονής είναι ο πρώτος πίνακας στην ιστορία της Ρωσίας που είναι βουτηγμένος στον μυστικισμό. Το κορίτσι που απεικονίζεται στο πορτρέτο ήταν η κόρη του κόμη Ιβάν Τολστόι. Τη χρονιά που ζωγραφίστηκε το πορτρέτο, παντρεύτηκε τον Stepan Lopukhin, ο οποίος υπηρετούσε στη διοίκηση του Paul I. Αμέσως μετά το γάμο, ο σύζυγός της παρήγγειλε στον Borovikovsky ένα πορτρέτο της αγαπημένης του συζύγου. Ο γάμος δεν κράτησε πολύ, γιατί 3 χρόνια μετά το γάμο η νεαρή πριγκίπισσα πέθανε από ασθένεια - κατανάλωση. Ο απαρηγόρητος πατέρας αγόρασε τον πίνακα με το πορτρέτο της κόρης του από τον γαμπρό του και τον κρέμασε στο σπίτι του. Πρέπει να πούμε ότι ο Κόμης Τολστόι ήταν κύριος Τεκτονική στοάκαι ενδιαφερόταν για τον μυστικισμό. Υπήρχαν φήμες ότι ο κόμης, χρησιμοποιώντας μαγεία, μπόρεσε να καλέσει το πνεύμα της αποθανούσας κόρης του και να το εισπνεύσει στον πίνακα του Borovikovsky. Υπάρχει ένας μύθος - κάθε κορίτσι που κοιτάζει το πορτρέτο σίγουρα θα πεθάνει. Ανέφεραν μάλιστα «πολύ αξιόπιστα γεγονότα«ότι το πορτρέτο σκότωσε τουλάχιστον μια ντουζίνα νεαρά κορίτσια. Ευτυχώς για τους επόμενους, ο Τρετιακόφ δεν πίστευε στον μυστικισμό και έναν αιώνα αργότερα αγόρασε τον πίνακα, τον οποίο εκατομμύρια θεατές μπορούν τώρα να δουν στη γκαλερί που φέρει το όνομά του.

Οι πίνακες διάσημων καλλιτεχνών διακρίνονται από το γεγονός ότι στα έργα τους εξυμνούν το γυναικείο ιδανικό. Ακόμη και όταν απεικόνιζαν τη Madonna, καλλιτέχνες όλων των εποχών χωρίς τσίμπημα συνείδησης ζωγράφιζαν πορτρέτα των εραστών τους, πολλές από τις οποίες ήταν γυναίκες διαφορετικών ηλικιών. ευγενής γέννηση. Για παράδειγμα, οι ερευνητές του έργου του Ραφαήλ λένε ότι ο καλλιτέχνης συνάντησε την κόρη ενός φτωχού αρτοποιού, τη Φορναρίνα, σε έναν από τους δρόμους της Ρώμης. Ο καλλιτέχνης την ερωτεύτηκε. Ο Ραφαήλ, που τότε ήταν ήδη ευρέως γνωστός και κατείχε υψηλό επίπεδο στην κοινωνική κλίμακα, αγόρασε το κορίτσι από τον πατέρα της και νοίκιασε για εκείνη πολυτελές σπίτι. Ο καλλιτέχνης τη θεωρούσε πραγματικά το ιδανικό της ομορφιάς και έζησε μαζί της μέχρι το θάνατό του για 12 χρόνια. Λένε όμως ότι η ίδια η ομορφιά δεν διακρίθηκε από την πίστη της στον ευεργέτη της και τον κορόιδευε τόσο με τους μαθητές του καλλιτέχνη όσο και με αυτούς που παρήγγειλαν τους πίνακες. Μετά το θάνατο του Ραφαήλ, λόγω της φήμης αυτής της γυναίκας, ο Πάπας δεν ήθελε καν να του κάνει την κηδεία, επειδή η Fornarina στεκόταν κοντά. Παρ 'όλα αυτά, είναι το πρόσωπο της Fornarina που βλέπουμε στον πίνακα " Σιξτίνα Μαντόνα" Ο Ραφαήλ της έδωσε επίσης το πρόσωπο πολλών άλλων Μαντόνων ζωγραφισμένων στο χέρι του.

Το πορτρέτο στη ζωγραφική είναι ένα είδος εικαστικές τέχνες, στο οποίο οι καλλιτέχνες δεν καταφέρνουν τόσο πολλά εξωτερική ομοιότηταπόσο προσπαθούν να αναστοχαστούν εσωτερικός χαρακτήραςτο πρόσωπο που απεικονίζεται. Ένα πορτρέτο μπορεί να είναι ατομικό ή συλλογικό, ο κύριος καλλιτέχνης δημιουργεί μια εικόνα χαρακτηριστική μιας συγκεκριμένης εποχής.

Ιστορία του είδους

Πώς εξελίχθηκε κατά τη διάρκεια του αρχαία τέχνη. Στο νησί της Κρήτης, κατά τη διάρκεια ανασκαφών, βρέθηκαν πολλές τοιχογραφίες με εικόνες γυναικών. Άλλα μνημεία τέχνης χρονολογούνται από την Αίγυπτο, όπου ανακαλύφθηκαν ξύλινες σανίδες με πορτρέτα που απεικονίζονται πάνω τους χρησιμοποιώντας την εγκαυστική τεχνική (πρόκειται για χρώματα με βάση το κερί). Κατά τον Μεσαίωνα, τα πορτρέτα στη ζωγραφική υπήρχαν μόνο για να απεικονίζουν δωρητές και αποτελούσαν μέρος του γενικού καλλιτεχνική σύνθεσησε θρησκευτικά θέματα.

Η ακμή της ζωγραφικής έπεσε στην Αναγέννηση. Κήρυξαν καλλιτέχνες της Αναγέννησης ανθρωπιστικές ιδέεςκαι έλαβαν ως βάση τον κόσμο ενός ατόμου, τα τοπία και το εσωτερικό είχαν έναν μέτριο ρόλο ως φόντο. Το αριστούργημα εκείνης της εποχής ήταν η La Gioconda και ο συγγραφέας της Leonardo da Vinci έγινε διάσημος για αιώνες.

Ο Τιτσιάν συνέβαλε τεράστια στην ανάπτυξη του είδους. Οι αυτοπροσωπογραφίες καλλιτεχνών όπως ο Jan van Eyck και ο Albrecht Durer αποτελούν παραδείγματα για πολλούς καλλιτέχνες πορτρέτων.

Πορτρέτο μιας γυναίκας στη ζωγραφική

Το αιώνιο θέμα της τέχνης είναι η απεικόνιση της εικόνας μιας γυναίκας. Κάθε εποχή σχεδίαζε το δικό της ιδανικό για μια γυναίκα και ο χαρακτήρας της ελκύονταν Ιδιαίτερη προσοχήπολλούς καλλιτέχνες. Κοιτάζοντας το πορτρέτο εκείνων των εποχών, μπορούμε να δούμε πώς η εμφάνιση και εσωτερικός κόσμοςεπηρεάζονται από ορισμένα γεγονότα δημόσια ζωή, τέχνη, λογοτεχνία, μόδα.

Η τέχνη της Ρωσίας γενικά, και η προσωπογραφία στη ζωγραφική ειδικότερα, δείχνουν πώς το ιδανικό έχει αλλάξει στο πέρασμα των αιώνων γυναικεία ομορφιά. Αυτό οφείλεται σε αλλαγή κοσμοθεωρίας, συνηθειών, εθίμων, με αλλαγή συστημάτων διακυβέρνησης και γενεών.

Εικόνες γυναικών

Στα τέλη του 18ου αιώνα, η ρωσική προσωπογραφία στη ζωγραφική έφτασε στο αποκορύφωμά της. Και ένα από τα πιο σημαντικά και δημοφιλή θέματα είναι η εικόνα γυναικεία γοητεία. Στους καμβάδες βλέπουμε ερωτοτροπίες και σαγηνευτικές γυναίκες. Και στα πορτρέτα ξένων καλλιτεχνών, οι Ρωσίδες κυρίες και οι νεαρές κυρίες μοιάζουν με κούκλες, χαμογελούν άκομψα και παιχνιδιάρικα, και αυτό κάνει τη μία να μοιάζει με την άλλη.

Ρώσοι καλλιτέχνες I.P. Argunov, D.G.Levitsky, V.L. Ο Μποροβικόφσκι βλέπει μια γυναίκα διαφορετικά. Φέρνουν ψυχολογική αναζωογόνηση και συγκεκριμένο χαρακτήρα στο πορτρέτο μιας γυναίκας. Στη ζωγραφική προσπαθούν να μεταφέρουν τα ζωντανά και πραγματική εικόναήθη, γούστα και μόδα της εποχής της γυναικείας παντοδυναμίας. Βλέπουμε όλο το φάσμα γυναικείοι χαρακτήρες: αλαζονική ψυχρή ομορφιά και τρυφερή απαλή ονειροπόληση, φιλαρέσκεια και σεμνότητα, πνευματική γοητεία και αυστηρή μυστικότητα με απομόνωση. Αλλά το να κυριαρχείς στις καρδιές των ανδρών είναι το κύριο πράγμα.

Νέα ιδανικά

Η εποχή του ρομαντισμού του 19ου αιώνα σχεδιάστηκε για να δείξει την ιδιαίτερη ευαισθησία και τις λεπτές κινήσεις της ψυχής μιας γυναίκας. Το έργο του Karamzin και του Zhukovsky είχε τεράστια επιρροή στους καλλιτέχνες των αρχών του αιώνα, για παράδειγμα, O.A. Κιπρένσκι. Οι καμβάδες τους αντανακλούσαν όλα τα χαρακτηριστικά του ρομαντισμού στο είδος των πορτρέτων, καθώς και στην ποίηση αυτής της εποχής, μοτίβα προσωπικών λυρικών εμπειριών, η μυστηριώδης ομορφιά της γηγενούς αρχαιότητας (ιδιαίτερα δημοφιλή ήταν. ρομαντική όπερα A.N.Verstovsky «Ο τάφος του Askold» 1835).

Αλλά από τα μέσα του αιώνα, η υπεροχή και η ονειρικότητα των γυναικείων εικόνων εξαφανίστηκαν χωρίς ίχνος. Από τους πίνακες αυτής της περιόδου μπορείτε να μελετήσετε τις τάσεις της μόδας. Τα φτερά στα καπέλα, τα κοσμήματα και η δαντέλα είναι προσεκτικά ζωγραφισμένα από τις λεπτομέρειες, οι καλλιτέχνες συχνά ξεχνούν τον ίδιο τον χαρακτήρα. Η αλαζονεία κυριαρχεί στις εικόνες των κοσμικών καλλονών και αυτή η ζεστασιά και η απλότητα δεν υπάρχουν πια.

Αλλά ορισμένοι καλλιτέχνες των αρχών του αιώνα, ιδιαίτερα ο Βενετσιάνοφ και ο Τροπίνιν, αναζητώντας «ζωντανές» εικόνες στρέφονται στους απλούς ανθρώπους. Προέκυψε μια κίνηση «κοινών» γυναικείων πορτρέτων, δημιουργώντας μια εξιδανικευμένη εικόνα μιας εργαζόμενης γυναίκας.

Πίνακες ζωγραφικής του Κ.Σ. Petrova-Vodkina

Ο νέος αιώνας χαρακτηρίζεται από την αναζήτηση νέων μορφών στο είδος του πορτρέτου. Στη ζωγραφική (η ΣΤ τάξη του σχολείου στα καλλιτεχνικά μαθήματα μελετά αναλυτικά το θέμα « Γυναικείες εικόνες") οι καλλιτέχνες στρέφονται στο παρελθόν και το μέλλον αναζητώντας το γυναικείο ιδανικό. Το θέμα της μητρότητας και της θηλυκότητας κατέχει μεγάλη θέση στο έργο του V. Petrov-Vodkin. Στο έργο «Mother» ο καλλιτέχνης πέτυχε μια πλήρη αποκάλυψη του θέματος. Η ζωγραφική του είναι ένας ύμνος στην οικογενειακή ευτυχία και στην ιερότητα της αγάπης. Στην εικόνα της μητέρας, αισθανόμαστε ηθική δύναμη, αγνότητα και υπεροχή αγκαλιάζει το παιδί στον εαυτό της, μοιάζει με τη Μαντόνα.

Ζωγραφική «Παναγία μας. Tenderness of Evil Hearts» γράφτηκε από τον ίδιο κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, είναι η συναισθηματική απάντηση του καλλιτέχνη στα αιματηρά γεγονότα εκείνης της εποχής. Δημιούργησε μια υπέροχη και ευλαβική εικόνα, η οποία ως προς το βάθος της απήχησής της είναι από τις πιο ισχυρές στο έργο του.

Η εικόνα μιας γυναίκας έχει αλλάξει από εποχή σε εποχή, αλλά έχει διατηρήσει τα κύρια χαρακτηριστικά που διαρκούν: ομορφιά, τρυφερότητα, μητρότητα.

Παιδιά, βάζουμε την ψυχή μας στο site. Σας ευχαριστώ για αυτό
ότι ανακαλύπτεις αυτή την ομορφιά. Ευχαριστώ για την έμπνευση και την έμπνευση.
Ελάτε μαζί μας FacebookΚαι Σε επαφή με

Πρώτα απ 'όλα, γνωρίζουμε δύο πράγματα για τον πίνακα: τον συγγραφέα του και, πιθανώς, την ιστορία του καμβά. Αλλά δεν ξέρουμε πολλά για τη μοίρα εκείνων που μας κοιτάζουν από τους καμβάδες.

δικτυακός τόποςΑποφάσισα να μιλήσω για γυναίκες των οποίων τα πρόσωπα είναι γνωστά σε εμάς, αλλά οι ιστορίες τους όχι.

Ζάννα Σάμαρη
Auguste Renoir, Πορτρέτο της ηθοποιού Jeanne Samary, 1877

Η ηθοποιός Jeanne Samary, αν και δεν μπορούσε να γίνει σταρ της σκηνής (έπαιζε κυρίως υπηρέτριες), στάθηκε τυχερή σε κάτι άλλο: για κάποιο διάστημα έζησε κοντά στο στούντιο του Renoir, ο οποίος ζωγράφισε τέσσερα πορτρέτα της το 1877-1878. κάνοντας τη διάσημη πολύ περισσότερο από ό,τι θα μπορούσε να της κάνει καριέρα ηθοποιού. Η Zhanna έπαιζε σε θεατρικά έργα από την ηλικία των 18, στα 25 της παντρεύτηκε και γέννησε τρία παιδιά, στη συνέχεια έγραψε ακόμη και ένα παιδικό βιβλίο. Αλλά αυτή η γοητευτική κυρία, δυστυχώς, δεν έζησε πολύ: σε ηλικία 33 ετών αρρώστησε από τυφοειδή πυρετό και πέθανε.

Σεσίλια Γκαλεράνι
Λεονάρντο Ντα Βίντσι, «Κυρία με ερμίνα»
1489-1490

Η Σεσίλια Γκαλεράνι ήταν ένα κορίτσι από τους ευγενείς Ιταλική οικογένεια, ο οποίος στα 10 (!) του ήταν ήδη αρραβωνιασμένος. Ωστόσο, όταν το κορίτσι ήταν 14 ετών, ο αρραβώνας έσπασε για άγνωστους λόγους και η Σεσίλια στάλθηκε σε ένα μοναστήρι, όπου συναντήθηκε (ή ήταν όλα στημένα) με τον Δούκα του Μιλάνου, Λουδοβίκο Σφόρτσα. Ξεκίνησε μια υπόθεση, η Σεσίλια έμεινε έγκυος και ο Δούκας εγκατέστησε την κοπέλα στο κάστρο του, αλλά ήρθε η ώρα να συνάψουν δυναστικό γάμο με μια άλλη γυναίκα, που φυσικά δεν της άρεσε η παρουσία της ερωμένης της στο σπίτι τους. Στη συνέχεια, αφού ο Γκαλεράνι γέννησε, ο δούκας πήρε τον γιο του για τον εαυτό του και την πάντρεψε με τον εξαθλιωμένο κόμη.

Σε αυτόν τον γάμο, η Σεσίλια γέννησε τέσσερα παιδιά, διηύθυνε σχεδόν το πρώτο λογοτεχνικό σαλόνι στην Ευρώπη, επισκέφτηκε τον Δούκα και απόλαυσε να παίζει με το παιδί του από τη νέα του ερωμένη. Μετά από λίγο, ο σύζυγος της Σεσίλια πέθανε, ήρθε ο πόλεμος, έχασε την ευημερία της και βρήκε καταφύγιο στο σπίτι της αδερφής της συζύγου του ίδιου Δούκα - ήταν σε τόσο υπέροχες σχέσεις που κατάφερε να είναι με τους ανθρώπους. Μετά τον πόλεμο, η Gallerani επέστρεψε το κτήμα της, όπου έζησε μέχρι το θάνατό της σε ηλικία 63 ετών.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, «Πορτρέτο της πριγκίπισσας Zinaida Yusupova», 1902

Η πλουσιότερη Ρωσίδα κληρονόμος, η τελευταία της οικογένειας Yusupov, η πριγκίπισσα Zinaida ήταν απίστευτα όμορφη και, παρά το γεγονός ότι την εύνοιά της αναζητούσαν, μεταξύ άλλων, αυγουστικά άτομα, ήθελε να παντρευτεί για αγάπη. Εκπλήρωσε την επιθυμία της: ο γάμος ήταν ευτυχισμένος και έφερε δύο γιους. Η Yusupova ξόδεψε πολύ χρόνο και προσπάθεια φιλανθρωπικές δραστηριότητες, και μετά την επανάσταση τη συνέχισε στην εξορία. Ο αγαπημένος της μεγαλύτερος γιος πέθανε σε μια μονομαχία όταν η πριγκίπισσα ήταν 47 ετών και δύσκολα άντεξε αυτή την απώλεια. Με το ξέσπασμα της αναταραχής, οι Γιουσούποφ εγκατέλειψαν την Αγία Πετρούπολη και εγκαταστάθηκαν στη Ρώμη και μετά το θάνατο του συζύγου της, η πριγκίπισσα μετακόμισε στον γιο της στο Παρίσι, όπου πέρασε τις υπόλοιπες μέρες της.

Μαρία Λοπουχίνα
V.L. Borovikovsky, «Πορτρέτο του M.I. Lopukhina», 1797

Ο Borovikovsky ζωγράφισε πολλά πορτρέτα Ρωσίδων ευγενών, αλλά αυτό είναι το πιο γοητευτικό. Η Maria Lopukhina, εκπρόσωπος της οικογένειας του κόμη Τολστόι, απεικονίζεται εδώ στην τρυφερή ηλικία των 18 ετών. Το πορτρέτο παρήγγειλε ο σύζυγός της Stepan Avraamovich Lopukhin λίγο μετά το γάμο. Η ευκολία και το ελαφρώς αλαζονικό βλέμμα μοιάζουν είτε να είναι μια συνηθισμένη πόζα για ένα τέτοιο πορτρέτο της εποχής του συναισθηματισμού, είτε σημάδια μελαγχολικής και ποιητικής διάθεσης. Η μοίρα αυτού του μυστηριώδους κοριτσιού αποδείχθηκε θλιβερή: μόλις 6 χρόνια μετά τη ζωγραφική, η Μαρία πέθανε από κατανάλωση.

Giovanina και Amacilia Pacini
Karl Bryullov, «Ιππέας», 1832

Η «Ιππασία» του Bryullov είναι εξαιρετική τελετουργικό πορτρέτο, στο οποίο όλα είναι πολυτελή: η φωτεινότητα των χρωμάτων, η λαμπρότητα των κουρτινών και η ομορφιά των μοντέλων. Απεικονίζει δύο κορίτσια που έφεραν το επίθετο Pacini: η μεγαλύτερη Giovanina κάθεται σε ένα άλογο, η μικρότερη Amatzilia την κοιτάζει από τη βεράντα. Ο πίνακας παραγγέλθηκε στον Karl Bryullov, τον επί χρόνια εραστή της, από την θετή μητέρα τους, την κόμισσα Yulia Pavlovna Samoilova, μία από τις οι πιο όμορφες γυναίκεςΗ Ρωσία και η κληρονόμος μιας κολοσσιαίας περιουσίας. Η Κόμισσα εγγυήθηκε μεγάλη προίκα για τις μεγάλες κόρες της. Αλλά αποδείχθηκε ότι σε μεγάλη ηλικία ήταν ουσιαστικά χρεοκοπημένη και μετά υιοθετημένες κόρεςΗ Γιοβανίνα και η Αμαζίλια εισέπραξαν τα χρήματα και την περιουσία που υποσχέθηκαν από την κόμισσα μέσω του δικαστηρίου.

Σιμονέτα Βεσπούτσι
Sandro Botticelli, "Birth of Venus"
1482–1486

Ο διάσημος πίνακας του Botticelli απεικονίζει τη Simonetta Vespucci, την πρώτη ομορφιά της Αναγέννησης της Φλωρεντίας. Η Simonetta γεννήθηκε σε μια πλούσια οικογένεια, σε ηλικία 16 ετών παντρεύτηκε τον Marco Vespucci (συγγενή του Amerigo Vespucci, ο οποίος «ανακάλυψε» την Αμερική και έδωσε το όνομά του στην ήπειρο). Μετά το γάμο, οι νεόνυμφοι εγκαταστάθηκαν στη Φλωρεντία και έγιναν δεκτοί στην αυλή του Lorenzo de Medici, που εκείνα τα χρόνια φημιζόταν για τις υπέροχες γιορτές και δεξιώσεις.

Όμορφη, ταυτόχρονα πολύ σεμνή και φιλική, η Simonetta ερωτεύτηκε γρήγορα άνδρες της Φλωρεντίας. Ο ίδιος ο ηγεμόνας της Φλωρεντίας, Λορέντζο, προσπάθησε να την φλερτάρει, αλλά ο αδελφός του Τζουλιάνο την αναζήτησε πιο ενεργά. Η ομορφιά της Simonetta ενέπνευσε πολλούς καλλιτέχνες της εποχής, μεταξύ των οποίων ήταν και ο Sandro Botticelli. Πιστεύεται ότι από τη στιγμή που συναντήθηκαν, η Simonetta ήταν το μοντέλο για όλες τις Madonnas και Venuses που ζωγράφισε ο Botticelli. Σε ηλικία 23 ετών, η Simonetta πέθανε από κατανάλωση, παρά τις προσπάθειες των καλύτερων γιατρών της αυλής. Μετά από αυτό, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τη μούσα του μόνο από μνήμης και σε μεγάλη ηλικία κληροδότησε να ταφεί δίπλα της, κάτι που έγινε.

Βέρα Μαμόντοβα
V.A. Serov, «Κορίτσι με ροδάκινα», 1887

Το περισσότερο διάσημος πίνακαςΤο κύριο πορτρέτο του Valentin Serov ζωγραφίστηκε στο κτήμα του πλούσιου βιομήχανου Savva Ivanovich Mamontov. Κάθε μέρα για δύο μήνες η κόρη του, η 12χρονη Βέρα, πόζαρε στον καλλιτέχνη. Το κορίτσι μεγάλωσε και έγινε γοητευτικό κορίτσι, παντρεμένος φιλαλληλίαγια τον Αλέξανδρο Σαμάριν, που ανήκει στους διάσημους ευγενής οικογένεια. Μετά ΓΑΜΗΛΙΟ ΤΑΞΙΔΙΣτην Ιταλία, η οικογένεια εγκαταστάθηκε στην πόλη Bogorodsk, όπου γεννήθηκαν τρία παιδιά το ένα μετά το άλλο. Αλλά απροσδόκητα τον Δεκέμβριο του 1907, μόλις 5 χρόνια μετά το γάμο, η Vera Savvishna πέθανε από πνευμονία. Ήταν μόλις 32 ετών και ο σύζυγός της δεν ξαναπαντρεύτηκε ποτέ.

Alexandra Petrovna Struyskaya
Φ.Σ. Rokotov, "Portrait of Struyskaya", 1772

Αυτό το πορτρέτο του Rokotov είναι σαν μια ευάερη μισή υπόδειξη. Η Alexandra Struyskaya ήταν 18 ετών όταν παντρεύτηκε έναν πολύ πλούσιο χήρο. Υπάρχει ένας θρύλος ότι για τον γάμο της ο σύζυγός της της έδωσε τίποτα λιγότερο από μια νέα εκκλησία. Και όλη μου τη ζωή της έγραφα ποίηση. Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα αν αυτός ο γάμος ήταν ευτυχισμένος, αλλά όλοι όσοι επισκέφθηκαν το σπίτι τους έδωσαν προσοχή στο πόσο διαφορετικοί ήταν οι σύζυγοι μεταξύ τους. Πάνω από 24 χρόνια γάμου, η Αλεξάνδρα γέννησε στον σύζυγό της 18 παιδιά, 10 από τα οποία πέθαναν σε βρεφική ηλικία. Μετά τον θάνατο του συζύγου της, έζησε άλλα 40 χρόνια, διαχειρίστηκε σταθερά το κτήμα και άφησε στα παιδιά της μια αξιοπρεπή περιουσία.

Galina Vladimirovna Aderkas
Β.Μ. Kustodiev "Η γυναίκα του εμπόρου στο τσάι", 1918

Το «Η σύζυγος του εμπόρου στο τσάι» του Κουστόντιεφ είναι μια πραγματική απεικόνιση αυτής της λαμπερής και χορτασμένης Ρωσίας, όπου υπάρχουν πανηγύρια, καρουζέλ και το «τσουχτάρι του γαλλικού ψωμιού». Η εικόνα ζωγραφίστηκε στο μεταεπαναστατικό λιμό έτος του 1918, όταν μπορούσε κανείς μόνο να ονειρευτεί τέτοια αφθονία.

Η Galina Vladimirovna Aderkas, μια φυσική βαρόνη από μια οικογένεια που ανιχνεύει την ιστορία της σε έναν Λιβονιανό ιππότη του 18ου αιώνα, πόζαρε για τη σύζυγο του εμπόρου σε αυτήν την πορτραίτο-εικόνα. Στο Αστραχάν, η Galya Aderkas ήταν η συγκάτοικος των Kustodievs, από τον έκτο όροφο. Η σύζυγος του καλλιτέχνη έφερε το κορίτσι στο στούντιο αφού παρατήρησε το πολύχρωμο μοντέλο. Την περίοδο αυτή η Αδέρκας ήταν πολύ μικρή -πρωτοετής φοιτήτρια ιατρικής- και στα σκίτσα η σιλουέτα της φαίνεται πολύ πιο αδύνατη. Αφού αποφοίτησε από το πανεπιστήμιο και εργάστηκε για κάποιο διάστημα ως χειρουργός, εγκατέλειψε το επάγγελμα και Σοβιετικά χρόνιατραγούδησε σε ρωσική χορωδία, πήρε μέρος σε μεταγλώττιση ταινιών, παντρεύτηκε και άρχισε να παίζει στο τσίρκο.

Λίζα ντελ Τζιοκόντο
Λεονάρντο ντα Βίντσι, «Μόνα Λίζα», 1503-1519.

Ίσως ένα από τα πιο διάσημα και μυστηριώδη πορτρέταόλων των εποχών και των λαών - αυτό διάσημη ΜόναΛίζα του μεγάλου Λεονάρντο. Ανάμεσα στις πολλές εκδοχές του ποιος κατέχει το θρυλικό χαμόγελο, το εξής επιβεβαιώθηκε επίσημα το 2005: ο καμβάς απεικονίζει τη Lisa del Giocondo, τη σύζυγο του φλωρεντίνου εμπόρου μεταξιού Francesco del Giocondo. Το πορτρέτο μπορεί να ανατέθηκε στον καλλιτέχνη για να τιμήσει τη γέννηση ενός γιου και την αγορά ενός σπιτιού.

Μαζί με τον σύζυγό της, η Λίζα μεγάλωσε πέντε παιδιά και, πιθανότατα, ο γάμος της βασίστηκε στην αγάπη. Όταν ο σύζυγός της πέθανε από την πανώλη και η Λίζα χτυπήθηκε επίσης από αυτή τη σοβαρή ασθένεια, μια από τις κόρες δεν φοβήθηκε να πάρει τη μητέρα της στη θέση της και την άφησε. Η Μόνα Λίζα ανάρρωσε και έζησε για κάποιο διάστημα με τις κόρες της, πεθάνοντας σε ηλικία 63 ετών.

Στις αρχές του εικοστού αιώνα εμφανίστηκε το ημερολόγιό μας νέες διακοπές, το όνομα του οποίου ακουγόταν σαν ένα επαναστατικό σύνθημα: «Διεθνής Ημέρα της Γυναίκας της αλληλεγγύης των εργαζόμενων γυναικών στον αγώνα για ίσα δικαιώματα».
Ευτυχώς, με την πάροδο του χρόνου, αυτή η μέρα απέκτησε ένα εντελώς διαφορετικό νόημα και για εμάς η 8η Μαρτίου είναι μια γιορτή γυναικείας ομορφιάς και γοητείας.

Θέλοντας να συνδυάσουμε το ιστορικό με το ευχάριστο, συγκεντρώσαμε αρκετούς πίνακες γλυκών, ερωτευμένων και δυνατών εργαζόμενων γυναικών από σπουδαίους καλλιτέχνες - αιώνιες δέσμιες της γυναικείας ομορφιάς και αρετών!

Ο Alexey Venetsianov, με καταγωγή από τη Μόσχα, επισκέφτηκε για πρώτη φορά το χωριό σε ηλικία 35 ετών, όταν μετά το γάμο του οι νεόνυμφοι πήγαν να επισκεφτούν τους γονείς της συζύγου τους στην επαρχία Τβερ.

Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο γοητευμένος από τη φύση που αμέσως είχε την επιθυμία να εγκατασταθεί ανάμεσα στις ρωσικές εκτάσεις και αγόρασε ένα κτήμα στη Safonovka.

Εδώ ζωγραφίζει τον πίνακα «Στο οργωμένο χωράφι». Όλο το έργο του Βενετσιάνοφ είναι διαποτισμένο από ποίηση, οι πίνακές του, αφιερωμένες στην αγροτική ζωή, εξιδανικεύουν τη ζωή του χωριού.

Η Zinaida Serebryakova είναι ερωτευμένη με τους πίνακες του Venetsianov από την παιδική του ηλικία. Μέσα της πρώιμες ζωγραφιέςμπορεί κανείς να νιώσει μια αόρατη σύνδεση με το έργο του Ρώσου συγγραφέα της καθημερινής ζωής. Οι αγρότισσες του Βενετσιάνοφ, εκατό χρόνια αργότερα, φαίνεται να συνεχίζουν να ζουν στους πίνακές της.

Τα χωριανά του καλλιτέχνη είναι μεγαλοπρεπή, με βασιλική συμπεριφορά κάνουν χαλαρά την καθημερινή τους δουλειά - αληθινή ποίηση πνευματικότητας!

Zinaida Evgenievna Serebryakova "Harvest"
1915, 177×142 εκ.

Οι πίνακες «Harvest» και «Whitening Canvas» ταξινομούνται ως τα καλύτερα έργα Zinaida Serebryakova. Ζωγραφίστηκαν στο κτήμα της οικογένειας Neskuchnoye στην επαρχία Kharkov, όπου από το 1898 η οικογένεια Serebryakov περνούσε το καλοκαίρι και το φθινόπωρο.

Το 1914, μετά από ένα μακρύ ταξίδι στη Βόρεια Ιταλία, η Zinaida έφτασε στο Neskuchnoye και άρχισε αμέσως να εργάζεται στον πίνακα "Harvest".

Μελέτη της δημιουργικότητας των καλλιτεχνών Ιταλική Αναγέννηση, μόλις πρόσφατα εμφανίστηκε σε μουσεία και γκαλερί, γίνεται αισθητή στην κλασικά κατασκευασμένη σύνθεση και η μνημειακότητα των μορφών τονίζει την ομορφιά γυναικείες φιγούρεςμε φόντο ένα τοπίο με σιτάρια που απλώνονται άνισα πέρα ​​από τον ορίζοντα.
Αυτοί οι πίνακες θεωρούνται οι τελευταίοι ειδυλλιακές ζωγραφιές της προεπαναστατικής Ρωσίας.

Zinaida Evgenievna Serebryakova." Λεύκανση του καμβά "
1917, 141,8×173,6 εκ.

Δαντέλα, πούδρα, κραγιόν - όλα όσα χρειάζεται μια γοητευτική γυναίκα...

Οι Γαλλίδες εργάζονται επίσης ακούραστα πάνω σε πίνακες καλλιτεχνών. Στην εποχή του ροκοκό, το πιο μοδάτο επάγγελμα για τις γυναίκες της πόλης ήταν αυτό του μιλινέρ.

Κομψά και πολυτελή σύνολα, κορσέδες, κεντήματα και δαντέλες ήταν όλα γυναικεία σκέψη, γιατί ήταν απαραίτητο να συμβαδίσει με την trendsetter Madame Pompadour!

Και οι φαντασιώσεις των νεαρών κοριτσιών ενσαρκώνονταν από βαλέδες όλων των επαγγελμάτων - milliners. Ο Francois Boucher στον πίνακα «The Milliner» φαίνεται να ρίχνει κρυφά μια ματιά στο δωμάτιο και να κατασκοπεύει τις κυρίες που συζητούν για το μελλοντικό μοντέλο.

Φρανσουά Μπουσέρ. "The Milliner"
53x64 εκ.

Τον 18ο αιώνα, κατά τη διάρκεια του Διαφωτισμού στη Γαλλία, συνηθιζόταν στην τέχνη να επαινούν και να επιβεβαιώνουν τις αρετές της τρίτης τάξης και στη ζωγραφική σε καλή φόρμαλήφθηκαν υπόψη η απλότητα και η φυσικότητα.

Ο Jean-Baptiste Greuze στην ταινία "The Laundress" δεν απεικονίζει μόνο έναν χαριτωμένο και γοητευτικό νεαρό εργάτη - με αυτόν τον τρόπο δοξάζει τη σκληρή δουλειά.

Στη Ρωσία στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, ο Γκρεζ έγινε μοντέρνος καλλιτέχνης, οι ευγενείς ευγενείς συναγωνίστηκαν μεταξύ τους για να παραγγείλουν πορτρέτα από αυτόν, η ίδια η αυτοκράτειρα Αικατερίνη Β', με τη συμβουλή του Ντιντερό, αγόρασε τον πίνακα "The Paralytic" από τον καλλιτέχνη.

Φυσικά, αυτή η δημοτικότητα του έργου του Greuze δεν πέρασε απαρατήρητη από τη ρωσική ζωγραφική μεγάλη επιρροήσε ένα ρωσικό πορτρέτο.

Jean-Baptiste Greuze "The Laundress"
1761, 32×40 εκ.

Δαντέλα

Ο Βασίλι Τροπινίν αποκαλούνταν «Ρωσικά όνειρα» για τη γοητεία του γυναικεία πορτρέτα. Για πρώτη φορά στη ρωσική ζωγραφική δημιούργησε νέου τύπου πορτρέτο του είδους - ποιητική εικόνακορίτσια στη δουλειά.

Οι νεαρές καλλονές στους πίνακες «The Lacemaker» και «The Goldsmith», απασχολημένες με τη δουλειά τους, παίρνουν για λίγο τα μάτια τους από τη δουλειά τους και κοιτάζουν πονηρά τον θεατή.

Βασίλι Αντρέεβιτς Τροπίνιν. "Ο χρυσοχόος"
1826, 64×81 εκ.

Ο Τροπινίν ήταν δουλοπάροικος καλλιτέχνης και μόλις σε ηλικία 47 ετών έλαβε την ελευθερία του. Είναι συμβολικό ότι ήταν το 1823, η χρονιά της συγγραφής του «The Lacemaker», που έφερε στον καλλιτέχνη τόσο ελευθερία όσο και επίσημη αναγνώριση.

Φέτος παρουσιάζει τα έργα του για πρώτη φορά στην Ακαδημία Τεχνών και στον καλλιτέχνη απονέμεται ο τίτλος του «διορισμένου ακαδημαϊκού». Έτσι, ένα οικείο πορτρέτο μιας γυναίκας της πόλης έφερε ελευθερία και επιτυχία στον δημιουργό του.

Tropinin "The Lacemaker"

Κηδεμόνας εστία και σπίτι

Η καθαριότητα ήταν πάντα στους ώμους των γυναικών και οι δουλειές της κουζίνας είναι άμεση ευθύνη. Για κάποιους αυτό είναι μια ευλογία, αλλά για πολλούς είναι μια ταλαιπωρία. Για την ηρωίδα της ταινίας «The Cook» του Bernardo Strozzi, αυτό είναι καθήκον και ιερή ιεροτελεστία.

Μπορείτε να κάνετε πολλές ερωτήσεις στον εαυτό σας όταν κοιτάτε έναν πίνακα. Για παράδειγμα, γιατί ένα νεαρό κορίτσι ξεσπά ένα πουλί φορώντας ένα κομψό φόρεμα και χάντρες; Έχει μεγάλη οικογένεια, επειδή το δείπνο περιλαμβάνει αρκετά πιάτα;

Ποιος απεικονίζεται στην εικόνα - ίσως ο καλλιτέχνης απεικόνισε τη γυναίκα του και γι 'αυτό κοιτάζει τον θεατή τόσο στοργικά; Αυτή η επιλογή είναι αρκετά πιθανή: η εικόνα αναμμένη καθημερινή ιστορίαΤο Strozzi's είναι πολύ σπάνιο και για τη γυναίκα του θα μπορούσε κάλλιστα να είχε κάνει μια εξαίρεση.

Bernardo Strozzi "The Cook"
1625, 185×176 εκ.

Συγγραφέας της φωτογραφίας - Ιταλός καλλιτέχνηςΜπαρόκ εποχή με αξιόλογο βιογραφικό. Ο περιπετειώδης χαρακτήρας του Strozzi αντικατοπτρίστηκε σε όλες του τις δραστηριότητές του: στα νιάτα του εντάχθηκε στο Τάγμα των Καπουτσίνων και έγινε ιερέας, στη συνέχεια σπούδασε ζωγραφική στο εργαστήριο του Γενοβέζου καλλιτέχνη Sorri και ταυτόχρονα εργάστηκε ως ναυπηγός στον γενουατικό στόλο.

Αργότερα καλλιτέχνηςδραπέτευσε από το μοναστήρι και κρύφτηκε από τους διωγμούς των μοναχών στη Βενετία. Όμως ο Strozzi δεν εγκατέλειψε ποτέ τη ζωγραφική. Το κύριο θέμα του ήταν τα πορτρέτα, οι θρησκευτικές και μυθολογικές σκηνές και δημιουργικό τρόποΟ πίνακας του Καραβάτζιο είχε μεγάλη επιρροή.

Το «επάγγελμα» της βοσκοπού ήταν κάποτε πολύ δημοφιλές και οι καλλιτέχνες συχνά στράφηκαν σε αυτό. Συγκινητική εικόναΒρίσκουμε μια μεσήλικη βοσκοπούλα στα έργα του Βαν Γκογκ, η οποία ζωγράφιζε απλούς χωρικούς με ιδιαίτερη ζεστασιά και αγάπη.

Κοιτάξτε το χρώμα της εικόνας: κίτρινο χωράφια με σιτάρι- το χρώμα του ήλιου και η ζεστασιά, σε απαλή αντίθεση με τη μπλε κάπα της βοσκοπού, είναι μια συχνή τεχνική στα έργα του καλλιτέχνη, αλλά δεν προκαλεί ανησυχία, όπως στους άλλους πίνακές του.

Ο Βαν Γκογκ μεταφέρει τα συναισθήματά του με ασυνήθιστη ακρίβεια με αποχρώσεις του χρώματος. Όποιες ανεμοστρόβιλοι κι αν μαίνονται τριγύρω, η γυναίκα είναι ήρεμη και υποταγμένη στη δύσκολη μοίρα της... Και η κυρίαρχη μας και ειλικρινές συναίσθημαόταν βλέπετε αυτήν την εικόνα - "ενσυναίσθηση".

Βίνσεντ Βαν Γκογκ. "Καουμπόισσα"
1889, 52,7×40,7 εκ.
Ο καλλιτέχνης δημιούργησε αυτό το έργο κατά τη διάρκεια της θεραπείας στο Saint-Rémy στη νότια Γαλλία. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου 1889-1890, μελέτησε το έργο του ιδρυτή της σχολής Barbizon, Jean Francois Millet, και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έφτιαξε αντίγραφα 23 από τους πίνακές του, συμπεριλαμβανομένου του «The Shepherdess» (αν και είναι δύσκολο να αποκαλέσουμε Van Ο Γκογκ ζωγραφίζει ένα αντίγραφο).

Ο Βίνσεντ γράφει στον αδελφό του για το επάγγελμά του:
«Σας διαβεβαιώνω ότι με ενδιαφέρει τρομερά να κάνω αντίγραφα και επειδή δεν έχω μοντέλα τώρα, δεν θα εγκαταλείψω τη δουλειά στη φιγούρα με τη βοήθεια αυτών των αντιγράφων.
Χρησιμοποιώ ασπρόμαυρες αναπαραγωγές του Ντελακρουά και του Μιλέ σαν να ήταν πραγματικά θέματα. Και μετά αυτοσχεδιάζω το χρώμα, αν και φυσικά όχι ακριβώς σαν να το έκανα μόνος μου, αλλά προσπαθώντας να θυμηθώ τους πίνακές τους.
Ωστόσο, αυτή η «ανάμνηση», η ασαφής αρμονία των χρωμάτων τους... είναι η δική μου ερμηνεία».

Συγκρίνοντας τους πίνακες των δύο καλλιτεχνών, φαίνεται ότι ο Βαν Γκογκ ζωγράφισε τη βοσκοπούλα στη φαντασία του.

Κεχρί "Βοσκοπική" 1, Κεχρί "Βοσκοπική" 2.

Ο Jean Baptiste Chardin παρατήρησε τις ζωές των απλών κατοίκων της πόλης και έγραψε ιστορίες από αυτούς. Καθημερινή ζωή. Ο πίνακας «The Laundress» αποπνέει μια ήσυχη σπιτική άνεση, όπου τα πάντα ζεσταίνονται από τις φροντίδες της οικοδέσποινας.

Ενώ η μαμά πλένει τα ρούχα, ο γιος είναι απασχολημένος με την απλή του διασκέδαση. Οι παιδικές εικόνες είναι πάντα παρούσες στους πίνακες του Chardin, τονίζοντας την αγάπη της μητέρας για το παιδί της. Η επίδειξη αυτών των σχέσεων τον βοηθά να δημιουργήσει μια πνευματική ατμόσφαιρα ζεστασιάς και μια μέτρια, αλλά σημαντική και ικανοποιητική ζωή για τους κατοίκους της πόλης.

Ο γυναικείος μόχθος στους πίνακες του καλλιτέχνη ταυτίζεται με ευγενή δουλειά που γίνεται με ιδιαίτερη επιμέλεια και αγάπη.

Jean Baptiste Simeon Chardin. "Η πλύστρα"

Συντακτικά Σοσιαλιστικής Εργασίας - εμείς νέο κόσμοας το φτιάξουμε!

Οι γυναίκες κατακτούν νέα επαγγέλματα Σοβιετική χώρα. Με εμάς, δεν είναι απλώς μερικοί δυτικοί fashionistas - σοβιετική γυναίκαίσως να φτιάξεις μετρό!

Στη σειρά γραφικών της δεκαετίας του 1930 του Alexander Samokhvalov, πορτρέτα κοριτσιών που δούλευαν ως εργάτριες στο μετρό ενσάρκωναν το ιδανικό της σοσιαλιστικής εργασίας.

Ενθουσιασμός, νεανική ενέργεια, αισιοδοξία και δύναμη ξεχειλίζουν σε αυτά τα έργα - θα χτίσουμε νέα χώρα. Εδώ είναι με ένα τρυπάνι, με ένα φτυάρι, όμορφη, δυνατή και χαρούμενη, μπορεί να κάνει τα πάντα!

Ο καλλιτέχνης εντάχθηκε στην ιδεολογική πορεία της χώρας, πιστεύει ειλικρινά στην καθολική δημιουργία προς όφελος ενός λαμπρό μέλλοντος. Και οι πνευματικές παρορμήσεις του καλλιτέχνη είναι αρκετά απτές, απλά δείτε τα έργα!