Καλλιτεχνική δημιουργικότητα από την άποψή μου. Καλλιτεχνική δημιουργικότητα και ψυχική υγεία

MELIK-PASHAYEV A.A., Διδάκτωρ Ψυχολογίας, επικεφαλής ερευνητής στο Ψυχολογικό Ινστιτούτο της Ρωσικής Ακαδημίας Εκπαίδευσης, αρχισυντάκτης του περιοδικού «Art at School», Μόσχα, Ρωσία.

Για την προληπτική αξία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας

Ο συγγραφέας θεωρεί τη δημιουργικότητα ως προϋπόθεση και εκδήλωση της ψυχολογικής και πνευματικής υγείας ενός ατόμου και ως κανόνα με την αξιολογική έννοια της λέξης, δηλαδή ως την πληρότητα της πραγματοποίησης των πραγματικά υπαρχόντων ανθρώπινων δυνατοτήτων. Το δώρο της δημιουργικότητας ως τέτοιο είναι μια γενική ιδιότητα ενός ατόμου. Αντίστοιχα, η δημιουργική στέρηση είναι αντίθετη με την ανθρώπινη φύση και ως εκ τούτου είναι γεμάτη επικίνδυνες ψυχολογικές, ψυχοσωματικές και κοινωνικές συνέπειες για τα παιδιά. Η διατριβή προβάλλεται σχετικά με την ανάγκη για πρόληψη της τέχνης με τη μορφή καθολικής, προσβάσιμης, δημιουργικά προσανατολισμένης καλλιτεχνικής εκπαίδευσης.

Λέξεις κλειδιά: Δημιουργικότητα, καλλιτεχνική δημιουργικότητα, στατιστικός και αξιακός κανόνας, εσωτερική δραστηριότητα της ψυχής, πρόληψη τέχνης.

Υπάρχει μια ευρέως διαδεδομένη άποψη ότι η δημιουργικότητα συνδέεται με ορισμένες αποκλίσεις από τοψυχικός κανόνας. Ωστόσο, ο συγγραφέας του άρθρου θεωρεί τη δημιουργικότητα ακριβώς ως κανόνα, ως προϋπόθεση για την ψυχολογική, ακόμη και ψυχική υγεία του ατόμου και ως έκφανσή της. Όμως αυτό που εννοείται δεν είναι ο στατιστικός κανόνας σύμφωνα με τον οποίο κάτι είναι φυσιολογικό εάν συναντάται αρκετά συχνά υπό δεδομένες συνθήκες, αλλά ο αξιολογικός κανόνας που σημαίνει «το καλύτερο από αυτό που μπορεί να επιτευχθεί», η συνολική πραγματοποίηση των πραγματικά υπαρχουσών ανθρώπινων ικανοτήτων Αναφέρεται στο άρθρο ότι το δημιουργικό δώρο με την ευρεία έννοια, θεωρείται ως «. η εσωτερική δραστηριότητα της ψυχής» (V.V. Zenkovsky), δεν είναι μια ελίτ αλλά ένα γενικό χαρακτηριστικό ενός ανθρώπου. Αυτή η ερμηνεία της δημιουργικότητας βασίζεται σε διάφορες πηγές: από τη βιβλική ανθρωπολογία έως την ανθρωπιστική ψυχολογία καθώς και τη θεραπευτική και παιδαγωγική πρακτική. Η απόφραξη αυτής της εσωτερικής ενέργειας, η δημιουργική στέρηση που είναι ευρέως διαδεδομένη, ιδίως στην παραδοσιακή σχολική εκπαίδευση έρχεται σε αντίθεση με την ίδια τη φύση του ανθρώπου και ως εκ τούτου μπορεί να προκαλέσει επικίνδυνες συνέπειες για την ψυχική και ψυχοσωματική υγεία των παιδιών (κατάθλιψη, αποπροσωποποίηση, αίσθημα ανούσιας ζωή) καθώς και να τους ωθήσει στις λεγόμενες «ζώνες κινδύνου» (εθισμός στα ναρκωτικά, αλκοολισμός, νεανική παραβατικότητα, τάσεις αυτοκτονίας).

Επισημαίνεται ότι ο βέλτιστος τρόπος εξοικείωσης των πρώτων παιδιών με τη δημιουργική εμπειρία ως έχει, με τη δημιουργία και την υλοποίηση των δικών τους ιδεών, είναι η δημιουργική παραγωγή με τη μια ή την άλλη μορφή τέχνης.

Ο συγγραφέας παρουσιάζει στοιχεία που αποδεικνύουν ότι η σωστή συμμετοχή στην καλλιτεχνική δημιουργία παρέχει αποτελεσματική προστασία από πολλές ψυχολογικές παρεκκλίσεις και κοινωνικά δεινά. Δηλώνεται ότι εκτός από την εικαστική θεραπεία που χρησιμοποιείται από τα άτομα που χρειάζονται ήδη θεραπευτική βοήθεια, είναι απαραίτητο να αναπτυχθεί η προφύλαξη από την τέχνη ως γενική, κοινώς διαθέσιμη, καλλιτεχνική εκπαίδευση με προσανατολισμό τη δημιουργία.

Λέξεις κλειδιά: Δημιουργία, καλλιτεχνική δημιουργία, στατιστικός και αξιολογικός κανόνας, εσωτερική δραστηριότητα της ψυχής, προφύλαξη τέχνης

Πριν από πολλά χρόνια, σε μια από τις ομιλίες του διάσημου παιδίατρου επιστήμονα F. Bazarny, ακούστηκε μια πιασάρικη φόρμουλα: «ένα άτομο είναι είτε δημιουργικό είτε άρρωστο». Μπορεί να εκληφθεί ως παράδοξο: τελικά, πολλοί τείνουν να κατανοούν τη δημιουργικότητα ακριβώς με τον αντίθετο τρόπο, ως μια ή την άλλη απόκλιση από τον νοητικό κανόνα. Δεν θα αμφισβητήσω ούτε θα συζητήσω τώρα τους λόγους για την εμμονή αυτής της προκατάληψης, αλλά θα προσπαθήσω, σύμφωνα με το θέμα του άρθρου, να τεκμηριώσω την κατανόηση της δημιουργικότητας γενικά και της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας ειδικότερα ως προϋπόθεση και εκδήλωση της υγείας με την ψυχολογική και μάλιστα πνευματική έννοια της λέξης.

Αλλά πρώτα πρέπει να συμφωνήσουμε - όχι, φυσικά, στο «τι είναι δημιουργικότητα» (αυτό θα ήταν υπερβολικός ισχυρισμός!), αλλά στο πώς θα ονομάσουμε αυτή τη λέξη στο πλαίσιο περαιτέρω συζητήσεων. Άλλωστε, διαφορετικοί συγγραφείς εννοούν διαφορετικά πράγματα με τον όρο δημιουργικότητα: από μια λύση για την εκπλήρωση επιθυμιών ταμπού μέχρι τη δημιουργία κάτι νέου που δεν έχει υπάρξει ποτέ πριν. Η δεύτερη άποψη είναι η πιο κοινή και, εκ πρώτης όψεως, δεν εγείρει αντιρρήσεις. Αλλά μετά από προσεκτικότερη εξέταση, ο ψυχολόγος δύσκολα το αναγνωρίζει ως απολύτως ικανοποιητικό.

Οι ίδιοι οι υποστηρικτές αυτής της κατανόησης της δημιουργικότητας, για να αποφύγουν την υποτίμηση του όρου, πρέπει να ορίσουν ότι η δημιουργικότητα δεν είναι η δημιουργία κανενός «νέου», αλλά μόνο εκείνου που έχει αντικειμενική πολιτιστική και κοινωνική σημασία. Το προσόν είναι αναμφίβολα απαραίτητο, αλλά είναι εξίσου προφανές ότι τα κριτήρια αυτής της αντικειμενικής σημασίας είναι αβέβαια και μεταβλητά.

Αναπόφευκτα προκύπτει ένα άλλο ερώτημα: η εισαγωγή κάτι καινούργιου στη ζωή και, επιπλέον, «αντικειμενικά σημαντικό», μπορεί να είναι τόσο δημιουργική όσο και καταστροφική πράξη. Μας επιτρέπει η αύρα της αξίας που σχετίζεται με την έννοια της «δημιουργικότητας» να αγνοήσουμε αυτή τη διαφορά και να ονομάσουμε οποιαδήποτε εκδήλωση ανθρώπινης δραστηριότητας δημιουργικότητα; Ή μήπως πρέπει να μιλάμε για δημιουργικότητα με πρόσημο συν και με αρνητικό πρόσημο, για δημιουργικότητα και «αντι-δημιουργικότητα;»

Πολλοί στοχαστές και επιστήμονες το έχουν σκεφτεί αυτό. Έτσι, ο Πάβελ Φλορένσκι θεώρησε τον ορισμό της κουλτούρας ως «δημιουργημένος από τον άνθρωπο» μη ικανοποιητικό, αφού στην πραγματικότητα εξισώνει το μεγάλο έργο της ανθρώπινης ιδιοφυΐας με, για παράδειγμα, το κύριο κλειδί των κλεφτών: και τα δύο πρέπει να αναγνωρίζονται ως γεγονός πολιτισμού.

Αναφερόμενος σε αυτό το πρόβλημα, ο ψυχολόγος V.N. Ο Druzhinin προτείνει να γίνει διάκριση μεταξύ προσαρμοστικής και μετασχηματιστικής ανθρώπινης δραστηριότητας. Επιπλέον, το δεύτερο μπορεί να είναι και εποικοδομητικό, δηλαδή δημιουργικό, και δυσπροσαρμοστικό, καταστροφικό, που δεν δημιουργεί ένα νέο περιβάλλον, αλλά καταστρέφει το υπάρχον. Αλλά είναι σχεδόν αδύνατο να διαχωριστούν αυτές οι δύο όψεις της εκδήλωσης της ανθρώπινης δραστηριότητας: σε κάθε δημιουργία μιας νέας μπορεί κανείς να διακρίνει μια πτυχή της εκούσιας ή ακούσιας καταστροφής του παλιού. Κατά την άποψή μου, το υπό συζήτηση θέμα είναι θεμελιωδώς άλυτο στο πλαίσιο της κατανόησης της δημιουργικότητας ως «δημιουργώντας κάτι νέο». (Το παραδέχομαι εκ των προτέρων: η ερώτηση δεν εξαφανίζεται από μόνη της ακόμη και με την κατανόηση της δημιουργικότητας που θα προσπαθήσω να τεκμηριώσω παρακάτω.)

Περαιτέρω. Αν δεν μπορεί να ονομαστεί δημιουργικότητα κάθε «δημιουργία κάτι νέου», τότε δεν είναι κάθε δημιουργικότητα η δημιουργία μιας αντικειμενικά νέου. Δεν είναι τυχαίο ότι έννοιες όπως η υποκειμενική δημιουργικότητα ή, σε ένα άλλο επιστημονικό πλαίσιο, η οιονεί ερευνητική δραστηριότητα ενός μαθητή προέκυψαν στην εκπαιδευτική ψυχολογία. Χρειάστηκαν για να προσδιορίσουν αυτό που δεν είναι η δημιουργία ή η ανακάλυψη κάτι καινούργιου για την ανθρωπότητα, αλλά είναι τέτοιο υποκειμενικά, για το ίδιο το παιδί. Το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα στην ιστορία της επιστήμης: ο έφηβος Blaise Pascal ανακάλυψε ξανά μόνος του μια σειρά από αξιώματα του αρχαίου γεωμέτρη Ευκλείδη. Αφού το έκανε αυτό, δεν είπε τίποτα που δεν γνώριζε η ανθρωπότητα, αλλά ανακάλυψε κάτι που ο ίδιος δεν γνώριζε και, το πιο σημαντικό, ανακάλυψε την πηγή της δημιουργικής ιδιοφυΐας στον εαυτό του.

Επιτρέψτε μου να συνοψίσω: το κριτήριο της αντικειμενικής καινοτομίας ενός προϊόντος δεν είναι ψυχολογικό κριτήριο. Είναι θεμιτό από την άποψη της ιστορίας της τέχνης, της επιστήμης ή άλλων τομέων της πολιτιστικής δραστηριότητας. Ο ψυχολόγος θα πρέπει να εξετάσει, πρώτα απ 'όλα, την εσωτερική πλευρά της δημιουργικής πράξης, τι συμβαίνει στην ανθρώπινη ψυχή και ενσωματώνεται στις μορφές και τα αποτελέσματα αυτής ή αυτής της δραστηριότητας.

Αυτό δεν σημαίνει ότι οι επιστήμονες δεν προσπαθούν να διεισδύσουν σε αυτό το εσωτερικό πεδίο της δημιουργικής διαδικασίας. Υπάρχουν πολλές μελέτες στις οποίες, εμπειρικά, με βάση τους συσχετισμούς με τα επιτεύγματα ενός ατόμου σε οποιαδήποτε δραστηριότητα, έχουν εντοπιστεί μεμονωμένα ψυχολογικά χαρακτηριστικά μιας δημιουργικής προσωπικότητας. Τέτοια, για παράδειγμα, «ανδρογυνία», «ανοχή στην αβεβαιότητα», δέσμευση σε μη τυποποιημένες λύσεις, ανεξαρτησία αξιολογήσεων και κρίσεων (μη συμμόρφωση) και ούτω καθεξής.

Ενδιαφέρον παρουσιάζουν εμπειρικές γενικεύσεις σχετικά με τα στάδια της δημιουργικής διαδικασίας (από την τοποθέτηση ενός προβλήματος έως τη δοκιμή της λύσης που προκύπτει ως αποτέλεσμα της διορατικότητας), ο ρόλος του συνειδητού και του ασυνείδητου σε αυτά τα διαφορετικά στάδια κ.λπ.

Αναγνωρίζοντας τη σημασία μιας τέτοιας έρευνας, θυμάμαι ταυτόχρονα τη βαθιά σκέψη που εξέφρασε κάποιος ότι υπάρχουν δύο είδη γνώσης: μπορείς να ξέρεις «για κάτι» και μπορείς να ξέρεις «κάτι». Η γνώση του πρώτου είδους μπορεί να είναι εκπληκτικά εκτεταμένη και χρήσιμη με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, αλλά παραμένει εξωτερική και υπό αυτή την έννοια επιφανειακή. η ουσία του γνωστού (είτε είναι ένα πρόσωπο, ένα φυσικό φαινόμενο, ένα ιστορικό γεγονός, ένα πολιτιστικό γεγονός) παραμένει για τον γνώστη ένα είδος «πράγματος από μόνο του», την ίδια την ύπαρξη του οποίου μπορεί να μην υποψιάζεται καν.

Και το να γνωρίζεις κάτι σημαίνει να γνωρίζεις από μέσα, μέσω της κοινωνίας, ανακαλύπτοντας κάτι τόσο στο αντικείμενο της γνώσης, όσο και, ως εκ τούτου, στον εαυτό σου.

Από αυτή την άποψη, όλα όσα αναφέρθηκαν παραπάνω πρέπει να αποδοθούν σε γνώσεις πρώτου τύπου. Αυτά είναι ένα είδος σημαδιών, που αναγνωρίζουν σημάδια δημιουργικού ταλέντου ή μιας δημιουργικής διαδικασίας, που συνδέονται με αυτά μάλλον σε συσχετισμό παρά σε περιεχόμενο. Φαίνονται αρκετά αληθοφανείς, πρέπει να ληφθούν υπόψη, αλλά, όπως μου φαίνεται, δεν βοηθούν στην κατανόηση της δύναμης που γεννά τη δημιουργικότητα και της υπαρξιακής της σημασίας για το ίδιο το άτομο.

Για να προσπαθήσουμε να δούμε το πρόβλημα της δημιουργικότητας εκ των έσω, πρέπει πρώτα απ' όλα να αποφασίσουμε πώς κατανοούμε την ουσία του ανθρώπου. Πράγματι, στη βάση οποιασδήποτε ψυχολογικής έννοιας, ανεξάρτητα από το πόσο ορθολογική μπορεί να φαίνεται, μπορεί κανείς να βρει κάποια αξιωματική, λογικά αναπόδεικτη και πειραματικά μη επαληθεύσιμη, αλλά μια υποτιθέμενη ιδέα για το τι, ή μάλλον, ποιος είναι ένας Άνθρωπος. Ή, όπως έλεγαν στο παρελθόν, «ποιοι είμαστε, από πού προερχόμαστε και πού πάμε?. Αυτή η ιδέα προκαθορίζει το διάνυσμα, τις δυνατότητες και τα όρια των δυνατοτήτων αυτής της περιοχής έρευνας. Μπορεί να μην αναγνωρίζεται από τον ίδιο τον συγγραφέα, μιμούμενος κάτι που είναι αυτονόητο και το μόνο δυνατό, ή μπορεί να βασίζεται συνειδητά και υπεύθυνα.

Θα προχωρήσουμε από το γεγονός ότι ο άνθρωπος είναι από τη φύση του δημιουργός. Όπως ειπώθηκε, το αρχικό αξίωμα δεν μπορεί να αποδειχθεί, αλλά ποικίλες πηγές μαρτυρούν υπέρ της αλήθειας του.

• Βιβλική και πατερική ανθρωπολογία: ο άνθρωπος δεν δημιουργείται μόνο, αλλά εμψυχώνεται δημιουργικό πνεύμα, και αυτή ακριβώς είναι η ομοιότητά του με τον Δημιουργό.
• Η ανθρωπιστική ψυχολογία, που βλέπει το καθήκον του ανθρώπου και την εγγύηση της υγείας του ατόμου και της κοινωνίας στην αυτοπραγμάτωση, δηλαδή στην πλήρη αποκάλυψη του ανθρώπινου δυναμικού.
• Η σύγχρονη ψυχοθεραπεία (ιδιαίτερα, οι διαφορετικές προεκτάσεις της θεραπείας τέχνης) και μια τέτοια κατεύθυνση όπως η θεραπεία με δημιουργική αυτοέκφραση: η δημιουργικότητα στις ποικίλες μορφές της δίνει τη δύναμη να ζεις και αποκαθιστά την υγεία.
• Βέλτιστες πρακτικές στη διδασκαλία διαφορετικών τύπων τέχνης (ίσως όχι μόνο τέχνης): σε ευνοϊκές ψυχολογικές- παιδαγωγικές συνθήκεςΣχεδόν όλοι οι μαθητές της δευτεροβάθμιας εκπαίδευσης φτάνουν στο επίπεδο της δημιουργικότητας:
  - δημιουργία ολοκληρωμένων καλλιτεχνικών εικόνων. Στη ρωσική παιδαγωγική, παράδειγμα είναι η διδασκαλία των καλών τεχνών σύμφωνα με το σύστημα B.M. Nemensky, λογοτεχνία
  - σύμφωνα με το σύστημα Ζ.Ν Novlyanskaya και G.N. Kudina, πολλές θεατρικές και παιδαγωγικές πρακτικές κ.λπ. (Αυτό δεν σημαίνει ότι τα παιδιά είναι ίσα από αυτή την άποψη, αλλά αυτό είναι άλλο θέμα.)

Βρίσκω μια γενική ψυχολογική βάση για τη διατριβή για τη δημιουργική φύση του ανθρώπου στο ενδελεχές έργο του αξιόλογου επιστήμονα, και αργότερα επίσης δασκάλου, θεολόγου και κληρικού V.V. Zenkovsky, που δημοσιεύτηκε πριν από περισσότερα από εκατό χρόνια. Σε αυτό το έργο, ο Συγγραφέας δείχνει ότι, αντίθετα με τα φαινόμενα, η εσωτερική ζωή ενός ατόμου δεν υπόκειται σε αιτιώδη λογική. δεν κατευθύνεται από ορισμένους αντικειμενικούς παράγοντες ανεξάρτητους από αυτόν, στους οποίους ένα άτομο αντιδρά και στους οποίους προσαρμόζεται, αλλά από την αρχικά εγγενή εσωτερική του δραστηριότητα ή την εσωτερική ενέργεια της ψυχής, η οποία δρα τελεολογικά, μεταμορφώνοντας επιλεκτικά το υλικό όλων των αντικειμενικών επιρροών. και εντυπώσεις.

Αυτή η εσωτερική ενέργεια χαρακτηρίζει ένα άτομο ως δημιουργικό ον που χρειάζεται, σύμφωνα με τα λόγια του μεγάλου ιεροκήρυκα της εποχής μας, του Μητροπολίτη του Sourozh Αντώνιου, να «ζει από μέσα προς τα έξω» και όχι απλώς να ανταποκρίνεται σε επιρροές από το εξωτερικό.

Να τονίσω: δεν μιλάμε για ατομικό εξαιρετικοί άνθρωποι, αλλά για τον άνθρωπο ως τέτοιο, στο γενική έννοιαλόγια. Με άλλα λόγια, η δημιουργικότητα, η δημιουργική αυτοπραγμάτωση είναι ο κανόνας της ανθρώπινης ύπαρξης. Φαίνεται ότι αυτή η δήλωση είναι απελπιστικά αντίθετη με τα δεδομένα των δοκιμαστικών μελετών, που ομόφωνα περιορίζουν τον αριθμό των «δημιουργικών ανθρώπων» σε ένα ασήμαντο ποσοστό του συνολικού δείγματος. Δεν θα συζητήσω τώρα ούτε την εγκυρότητα των μεθόδων ούτε τα κριτήρια για την αξιολόγηση των αποτελεσμάτων αυτών των μελετών. Ένα πιο θεμελιώδες ερώτημα είναι τι θεωρείται κανόνας.

Τυπικά, ένας κανόνας γίνεται κατανοητός στατιστικά όταν, με απλά λόγια, κάτι που συμβαίνει αρκετά συχνά υπό τις υπάρχουσες συνθήκες θεωρείται φυσιολογικό. Αλλά προχωρώ από μια θεμελιωδώς διαφορετική, βασισμένη στην αξία κατανόηση του κανόνα, όταν το υψηλότερο δυνατό, η πλήρης αποκάλυψη του ανθρώπινου δυναμικού, θεωρείται φυσιολογικό. (Σε σχέση με τα παραπάνω, επιτρέψτε μου να σας υπενθυμίσω τα παραπάνω δεδομένα για τα δημιουργικά επιτεύγματα των «συνηθισμένων» παιδιών σε κατάλληλες ψυχολογικές και παιδαγωγικές συνθήκες).

Η κατανόηση της δημιουργικής αυτοπραγμάτωσης ως κανόνας της ανθρώπινης ζωής θέτει έντονα το ερώτημα του τι συμβαίνει σε εμάς, πρώτα απ 'όλα, στα παιδιά, όταν η εκδήλωση εσωτερική ενέργειαψυχές, όπως συμβαίνει συχνά σε παραδοσιακές συνθήκες σχολική εκπαίδευση. Ο V. Bazarny, που αναφέρεται στην αρχή του άρθρου, λέει ότι χωρίς δημιουργική έμπνευση, τα παιδιά βρίσκονται στη λαβή καταπιεστικών, σχεδόν αφόρητων εμπειριών του κενού, της ανούσιας ζωής, της αφόρητης έλξης του χρόνου. Αυτή η κατάσταση μπορεί να εξελιχθεί προς δύο κατευθύνσεις, η μία χειρότερη από την άλλη. Το πρώτο μπορεί να παρομοιαστεί με τον θάνατο των βλαστών χόρτου που κυλήθηκαν κάτω από την άσφαλτο και δεν μπορούσαν να βρουν τη δύναμη να το σπάσουν. Οι συνέπειες αυτού είναι η έλλειψη νοήματος στη ζωή, το αίσθημα μη πραγματικότητας του εαυτού του στον κόσμο, η αποπροσωποποίηση, η κατάθλιψη και οι τάσεις αυτοκτονίας.

Η εικόνα της δεύτερης κατεύθυνσης είναι ένα σφραγισμένο βραστήρα που βράζει, που κάποια στιγμή εκρήγνυται. Οι συνέπειες είναι αποκλίνουσα, εγκληματική, αυτοκαταστροφική συμπεριφορά, τα λεγόμενα ακίνητα εγκλήματα, το «σύμπλεγμα του Ηρόστρατου», που δεν μπορεί να βρει άλλο τρόπο να αποδείξει ότι έζησε στη γη από το να καταστρέψει ό,τι οι άλλοι δημιούργησαν. Λαμβάνοντας όλα αυτά υπόψη, μπορούμε να τροποποιήσουμε τον αφορισμό του V. Bazarny που δόθηκε στην αρχή του άρθρου και να πούμε: ένα άτομο που στερείται τη δημιουργικότητα είναι είτε δυνητικός ασθενής είτε δυνητικός εγκληματίας.

Μιλώντας για τη δημιουργικότητα ως απαραίτητη και θεραπευτική μορφή ανθρώπινη ύπαρξη, εννοώ, φυσικά, όχι μόνο την καλλιτεχνική δημιουργικότητα. Όπως είπε ο μεγάλος φιλόσοφος Ν.Ο. Lossky, δημιουργικές δυνατότητες, εγγενής στον άνθρωπο, είναι αρχικά «υπερ-ποιότητα», δηλαδή καθολική φύση. Δεν είναι τυχαίο ότι η μέθοδος της δημιουργικής θεραπείας αυτοέκφρασης που αναφέραμε, ανέπτυξε και άσκησε με επιτυχία η Μ.Ε. Ο Boerno και οι οπαδοί του, επεκτείνονται σχεδόν σε όλους τους τομείς της δραστηριότητάς μας, της επικοινωνίας και του ελεύθερου χρόνου μας, σε καθέναν από τους οποίους είναι δυνατό να πραγματοποιήσουμε την «εσωτερική ενέργεια της ψυχής».

Αλλά στην παιδική ηλικία, η τέχνη έχει αναμφισβήτητη προτεραιότητα, ως ένας τομέας στον οποίο ένα παιδί μπορεί νωρίς και με μεγαλύτερη επιτυχία να αποκτήσει την εμπειρία της δημιουργικότητας ως τέτοιας: τη δημιουργία, την ενσάρκωση και την παρουσίαση των δικών του ιδεών. Σε τι βασίζεται αυτή η δήλωση;

Το έχουμε ήδη πει στο ευνοϊκές συνθήκεςΚατά τη διάρκεια της προπόνησης, οι καλλιτεχνικές και δημιουργικές δυνατότητες, σε μικρό ή μεγαλύτερο βαθμό, αποκαλύπτονται σχεδόν σε όλα τα παιδιά. Ας προσθέσουμε σε αυτό ότι σε κανέναν άλλον τομέα ένα παιδί προσχολικής και δημοτικής δεν δημιουργεί κάτι που η επαγγελματική ελίτ θα αναγνωρίσει ως πολύτιμο και μάλιστα θα προσπαθούσε να υιοθετήσει εν μέρει, όπως συμβαίνει στην τέχνη για περισσότερα από εκατό χρόνια. Και το θέμα δεν είναι ότι τα παιδιά θεωρούνται μελλοντικοί επαγγελματίες που θα συνεισφέρουν κάτι πολύτιμο στην καλλιτεχνική κουλτούρα της ανθρωπότητας - αυτό μπορεί να μην συμβεί - αλλά ότι αυτό που δημιουργούν αντιπροσωπεύει ήδη μια αναμφισβήτητη, αν και χαρακτηρισμένη από συγκεκριμένη ηλικία, καλλιτεχνική αξία.

Με αυτή τη μοναδικότητα συνδέεται ένα άλλο επιχείρημα υπέρ της προτεραιότητας της τέχνης στην πρώιμη δημιουργική ανάπτυξη των παιδιών. Τα επιτεύγματα των μικρών (αλλά ακόμα πιο κοντά στην εφηβεία) παιδιών σε οποιοδήποτε επιστημονικό πεδίο προσελκύουν την προσοχή επειδή είναι μπροστά από την ηλικία τους και σκέφτονται, κατ' αρχήν, με τον ίδιο τρόπο με τους ενήλικες επιστήμονες. Δεν υπάρχει «παιδική επιστήμη», αλλά η παιδική τέχνη υπάρχει, και ένα άτομο με τουλάχιστον λίγη διδακτική εμπειρία μπορεί να προσδιορίσει με επαρκή ακρίβεια την ηλικία του συγγραφέα ενός σχεδίου ή ενός δοκιμίου. (Ένα πειστικό παράδειγμα: όλοι θα πουν ότι ο συγγραφέας του λαμπρού παιδικού τετράστιχου «Ας υπάρχει πάντα ηλιοφάνεια!» είναι περίπου τεσσάρων ετών.)

Αυτός ο συνδυασμός πλήρους καλλιτεχνίας και πρωτοτυπίας ανά ηλικία μιλάει, κατά τη γνώμη μου, για τη μέγιστη «οικολογική φιλικότητα» αυτού του τύπου δημιουργικότητας για τα μικρά παιδιά.

Τα παραπάνω μας επιτρέπουν να ισχυριστούμε ότι η πρώιμη εισαγωγή στην καλλιτεχνική και δημιουργική εμπειρία είναι μια σχεδόν αναντικατάστατη προϋπόθεση και το καλύτερο μέσο διαπαιδαγώγησης ψυχολογικά, ηθικά και κοινωνικά ευημερούμενων γενεών. Και υπάρχουν πολλά στοιχεία για αυτό.

Η θεραπεία τέχνης, ως ένα διακλαδισμένο πεδίο διόρθωσης ψυχικών διαταραχών, είναι πολύ γνωστό για να επιβεβαιώσει για άλλη μια φορά τη σημασία της. Αξίζει όμως να αναφέρουμε γεγονότα που ξεπερνούν τις συνήθεις ιδέες για τις δυνατότητές του.

Όλοι θα συμφωνήσουν ότι το χορωδιακό τραγούδι είναι ευεργετικό τόσο σωματικά όσο και ψυχικά. ψυχολογικό σημείοόραμα. Αλλά υπάρχουν, για παράδειγμα, στοιχεία ότι σε μια από τις κινεζικές αποικίες ο αστυνομικός επίτροπος άρχισε να αντιμετωπίζει τον εθισμό στα ναρκωτικά με κανονικό χορωδιακό τραγούδι. Και πήρε ένα αποτέλεσμα που ήταν 10 φορές υψηλότερο από αυτό που επιτεύχθηκε σε ειδικά ιδρύματα με τη βοήθεια φαρμακολογικών παραγόντων και ειδικών ψυχοτεχνικών και στην πραγματικότητα πλησίαζε το εκατό τοις εκατό. Φυσικά, αυτό απαιτεί δοκιμή σε άλλες συνθήκες, αλλά θα δώσω έμφαση στη λέξη απαιτεί.

Και εδώ υπάρχουν στοιχεία από την εγκληματική σφαίρα. Ο εξαιρετικός δάσκαλος V.V. Ο Σουχομλίνσκι έγραψε: «Όσο πιο σοβαρό είναι το έγκλημα, όσο περισσότερη απανθρωπιά, σκληρότητα και βλακεία περιέχει, τόσο φτωχότερα είναι τα πνευματικά, αισθητικά και ηθικά συμφέροντα της οικογένειας». Και περαιτέρω: «Κανείς από αυτούς που διέπραξαν το έγκλημα δεν μπορούσε να ονομάσει ούτε ένα κομμάτι συμφωνικής, όπερας ή μουσικής δωματίου». Εδώ όμως μαντεύεται αντίστροφη σχέση, και υποστηρίζεται από επιστημονικά δεδομένα. Στην εποχή μας, ο Αμερικανός επιστήμονας Μ. Γκάρντινερ μελέτησε τις εμπειρίες ζωής χιλιάδων νέων που είχαν καταγραφεί στην αστυνομία. Και πείστηκε ότι όσο πιο ενεργά ένας έφηβος παίζει μουσική, τόσο λιγότερες είναι οι πιθανότητες να αντιμετωπίσει προβλήματα με το νόμο, και από αυτούς που είναι ικανοί να παίζουν θέαμα, κανένας δεν ήρθε στην προσοχή της αστυνομίας. Ο συγγραφέας καταλήγει στο συμπέρασμα ότι οι σοβαρές μουσικές σπουδές ενός παιδιού «αποκλείουν εντελώς την εγκληματική εμπειρία»

Η πρωτοβουλία του Βενεζουελανού μουσικού και δημοσίου προσώπου J.A. Ο Abreu, ο οποίος εμπλέκει παιδιά μόλις δύο ετών στη μουσική, όχι αναζητώντας παιδιά θαύματα, αλλά για την κοινωνική προσαρμογή εκατομμυρίων παιδιών από τα πιο μειονεκτήματα της κοινωνίας, αποκαλεί αυτό το κίνημα πρόγραμμα εθνικής σωτηρίας.

Μπορούμε να δώσουμε παραδείγματα για τις εξίσου ευεργετικές επιδράσεις του θεάτρου και άλλων ειδών καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, αλλά αυτά που ειπώθηκαν είναι αρκετά για να επιστρέψουμε γενικά στην ιδέα που εκφράζεται στον τίτλο του άρθρου.

Όταν ένα παιδί φθάνει σε νευρική εξάντληση, χάνει τον ύπνο του, παθαίνει κατάθλιψη ή, Θεός φυλάξοι, σκέφτεται την αυτοκτονία, δηλαδή όταν είναι ήδη άρρωστο, στρέφουμε τη θεραπεία τέχνης και φέρνουμε τη δύναμη της τέχνης και της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας για να βοηθήσουμε. Αξίζει όμως να περιμένουμε για μπελάδες; Γιατί να μην ασχοληθείτε με την αρθροφυλαξία, η οποία απαιτεί μόνο αυτό που, όπως φαίνεται, θα έπρεπε ήδη να υπάρχει στο σχολείο: καθολική, προσβάσιμη, πλήρης, δημιουργικά προσανατολισμένη καλλιτεχνική εκπαίδευση;

Επιπλέον, όπως βλέπουμε, μπορεί να προειδοποιήσει όχι μόνο ψυχολογικά προβλήματαποικίλου βαθμού σοβαρότητας, αλλά και για να προστατεύσουμε ένα παιδί που μεγαλώνει από το να πέσει σε αυτούς τους κύκλους της αυτοκαταστροφικής και εγκληματικής κόλασης, που σωστά ονομάζουμε «ζώνες κινδύνου». Γιατί δεν δρα μέσα από άκαρπες και σκληρές απαγορεύσεις, περιορισμούς και τιμωρίες (θυμηθείτε το σφραγισμένο μπρίκι!), αλλά από την παιδική ηλικία ανοίγει μια θετική, κοινωνικά εγκεκριμένη διέξοδο για την κλειδωμένη «εσωτερική ενέργεια της ψυχής» ενός αναπτυσσόμενου ανθρώπου.

Γιατί σου επιτρέπει να νιώθεις σαν συγγραφέας που είναι πραγματικά παρών σε αυτόν τον κόσμο, που έχει το δικαίωμα να τον αλλάξει δημιουργικά, αλλά φέρει και την ευθύνη του συγγραφέα για το γεγονός ότι ελεύθερα, σύμφωνα με ιδία πρωτοβουλίαδημιουργεί. Όλα αυτά γεμίζουν νόημα την καθημερινή ζωή ενός ατόμου και καθιστούν προφανώς μη ενδιαφέροντα και ελκυστικά όλα όσα μπορούν μόνο να την καταστρέψουν.

Πολλά περισσότερα μπορούν να ειπωθούν, και έχουν ειπωθεί πολλές φορές, για τον αναντικατάστατο ρόλο της καλλιτεχνικής εκπαίδευσης και δημιουργικότητας στην ανάπτυξη της προσωπικότητας ενός παιδιού και, ως εκ τούτου, στη ζωή της κοινωνίας. Αυτή είναι και η ανάπτυξη της αισθητηριακής σφαίρας, τόσο σημαντικής για τα παιδιά, που παραμένει αζήτητη στις συνθήκες μιας μονόπλευρα εξορθολογισμένης εκπαίδευσης. Αυτό περιλαμβάνει την ανάπτυξη πνευματικής ανταπόκρισης και εξοικείωσης με τις διαρκείς αξίες της ανθρωπότητας, χωρίς τις οποίες οποιαδήποτε γνώση και «ικανότητα» μπορεί εύκολα να μετατραπεί σε βλάβη. Αυτό περιλαμβάνει αύξηση των γενικών νοητικών ικανοτήτων, της πνευματικής δραστηριότητας και της πιο επιτυχημένης γνώσης άλλων σχολικών κλάδων, κάτι που παρατηρείται σε οποιοδήποτε εκπαιδευτικό ίδρυμα όπου η τέχνη έχει τη θέση της. Αλλά η μακρά εμπειρία δείχνει ότι, για λόγους που είναι δύσκολο να εξηγηθούν, αυτά τα αρκετά γνωστά γεγονότα δεν οδηγούν σε αλλαγή της κρατικής πολιτιστικής και εκπαιδευτικής πολιτικής, η οποία κρατά πεισματικά την τέχνη στο περιθώριο της γενικής εκπαίδευσης και, στην πραγματικότητα, τη μειώνει όλο και περισσότερο σε τίποτα.

Αλλά η καλλιτεχνική εκπαίδευση περιέχει επίσης ευκαιρίες που δεν μπορούν να αγνοηθούν, και σε αυτές εφιστώ την προσοχή. Η εισαγωγή στην τέχνη είναι ένα ισχυρό μέσο πρόληψης πολλών κοινωνικών καταστροφών και ψυχικών διαταραχών, η ανάπτυξη των οποίων στις νέες γενιές αποτελεί τρομερό κίνδυνο για τον εθνικό πολιτισμό και, στο άμεσο μέλλον, για την ίδια την ύπαρξη της κοινωνίας, του λαού και του κράτους.

Κατάλογος πηγών που χρησιμοποιήθηκαν:

1. Florensky P.A. Από τη θεολογική κληρονομιά. / Θεολογικά έργα. Τεύχος 9. Μ.: Έκδοση του Πατριαρχείου Μόσχας, 1972. σελ.85-248.
2. Druzhinin V.N. Ψυχοδιαγνωστική γενικών ικανοτήτων. Μ.: Ακαδημία, 1996, 216 Σ.
3. Maslow A. Μακρινά όρια της ανθρώπινης ψυχής. Αγία Πετρούπολη: Ευρασία, 1997.
4. Ένας πρακτικός οδηγός για τη δημιουργική θεραπεία έκφρασης. Εκδ. ΜΟΥ. Θυελλώδης. Μ.: Ακαδημαϊκό έργο ΟΠΠΠ, 2002.
5. Zenkovsky V.V. Το πρόβλημα της ψυχικής αιτιότητας. Κίεβο, 1914.
6. Slobodchikov V.V. Θεωρία και διάγνωση της ανάπτυξης στην ψυχολογική ανθρωπολογία. // Ψυχολογία της μάθησης, 2014, Αρ. 1, σελ. 3-14.
7. Bazarny V.F. Νευροψυχική κόπωση μαθητών σε παραδοσιακό σχολικό περιβάλλον. - Sergiev Posad.: Υπουργείο Παιδείας της Ρωσικής Ομοσπονδίας, 1995.
8. Bazarny V.F. Συνέντευξη. «Σοβιετική Ρωσία», 23.10.2004.
9. Sukhomlinsky V.V. Επιλεγμένα παιδαγωγικά έργα. Τόμος 1. 1979.
10. Kirnarskaya D.K. Μουσικές ικανότητες. - Μ.: Talents-XX Century, 2004

ΜΕΤΑΦΟΡΑ ΠΟΡΩΝ:

1. Florenskiy P.A. Iz bogoslovskogo naslediya. / Bogoslovskie trudyi. Vyip.9. iVf,: Izdanie Moskovskoy patriarhii, 1972. Στρ.85-248.
2. Druzhinin V.N. Ψυχοδιαγνωστικά obschih sposobnostey. Μ.: Akademiya, 1996, 216 S.
3. Maslou A. Dalnie predelyi chelovecheskoy psihiki. SPb.: Evraziya, 1997.
4. Prakticheskoe rukovodstvo po terapii tvorcheskim samcrvyirazheniem. Κόκκινο λοβό. ΜΟΥ. Burno. M.:Akademicheskiy project OPPP, 2002.
5. Zenkovskiy V.V. Problema psihicheskoy prichinnosti. Κίεβο, 1914.
6. Slobodckikov V.V. Teoriya i diagnostika razvitiya v psihologicheskoy anthropologii. // Psychologiya obucheniya, 2014, #1, s. 3-14.
7. Bazarnyiy V.F. Nervno-psihicheskoe utomlenie uchaschihsya v traditsionnoy shkolnoy srede. - Sergiev Posad.: Min.obr.RF", 1995.
8. Bazarnyiy V.F. Intervyu. "Sovetskaya Rossiya", 23.10.2004.
9. Suhomlinskiy V.V. Izbrannyie pedagogicheskie sochineniya. Tom 1.1979.
10. Kirnarskaya D.K. Muzyikalnyie sposobnosti. - Μ.; Talantyi-HH Vek, 2004.

Melik-Pashaev, A.A. Για την προληπτική αξία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας / Α.Α. Melik-Pashayev // Θεματικό τεύχος «Διεθνείς ψυχολογικές και παιδαγωγικές αναγνώσεις του Τσέλπαν», - Κ.: Γνώση, 2016. - 354 σελ. – Τ. 3. – VIP. 36. – σσ. 20-28. – 0,8 π.λ. – ISBN 978-966-2760-34-7.

Ένα άρρωστο πνεύμα θεραπεύεται με ψαλμωδίες
Ε. Μπαρατίνσκι

Η θεραπεία τέχνης, αν κατανοηθεί ως η στοχευμένη χρήση ορισμένων ψυχολογικών και ιατρικών επιδράσεων της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας και αντίληψης, φαίνεται να είναι ένα πολύ πρόσφατο φαινόμενο από ιστορική άποψη.

Αλλά δύσκολα θα κάναμε λάθος αν λέγαμε ότι είναι, όχι κατ' όνομα, αλλά στην ουσία, την ίδια ηλικία με την ίδια την τέχνη. Και αυτό σημαίνει ένα άτομο. Άλλωστε, αυτό που σήμερα ονομάζουμε τέχνη είναι το αρχικό σημάδι και η αδιαμφισβήτητη απόδειξη της ανθρώπινης ύπαρξης στον κόσμο. Ανεξάρτητα από το πόσο μακριά στο παρελθόν εκτείνεται η γνώση, βλέπουμε ότι το ον με αυτοπεποίθηση και χωρίς επιφυλάξεις που ονομάζεται άνθρωπος δημιουργούσε πάντα ορισμένες χωρικές ή χρονικές μορφές που περιέχουν και εκφράζουν κάτι μεγαλύτερο από τον εαυτό τους. Και εξαιτίας αυτού, διατηρούν στο ίδιο το άτομο μια ασυνείδητη, και μερικές φορές ακόμη και συνειδητή, αίσθηση του ανήκειν σε έναν άλλο, μεγαλύτερο, διαρκή, σε κάποια βαθιά, αόρατη διάσταση του κόσμου και του εαυτού του. Κοιτάζοντας μπροστά, θα πω: μια τέτοια εμπειρία είναι ζωτικής σημασίας και θεραπευτική με την πιο γενικευμένη, αδιαφοροποίητη έννοια της λέξης.

Έμμεση επιβεβαίωση ότι η θεραπεία τέχνης έχει τις ρίζες της στην αρχαιότητα μπορεί να βρεθεί στις πρακτικές των λεγόμενων παραδοσιακών ή «πρωτόγονων» κοινωνιών, οι οποίες επηρεάζουν ψυχολογικά και σωματικά τους ανθρώπους μέσω των ρυθμικών-τονικών, μηχανοπλαστικών, χρωματικών-συμβολικών πτυχών των τελετουργιών.

Τέχνες σε περισσότερα σύγχρονη αίσθησηΛέξεις που προέκυψαν από το πρωταρχικό τελετουργικό-μαγικό συγκρότημα έχουν επίσης δείξει θεραπευτικές δυνατότητες από την αρχαιότητα. Συγκεκριμένα, οι θρύλοι για τον Πυθαγόρα και τους Πυθαγόρειους υποδεικνύουν ότι η σκόπιμη χρήση του ενός ή του άλλου μουσικού τρόπου άλλαξε την εσωτερική κατάσταση, τις προθέσεις και τις ενέργειες των ανθρώπων. Ο Πλάτων είδε ξεκάθαρα τις εκπαιδευτικές και θεραπευτικές δυνατότητες των τεχνών. Αλήθεια, είδε επίσης ότι υπό ορισμένες συνθήκες η επίδρασή τους θα μπορούσε να γίνει καταστροφική - αλλά ποιος θεραπευτικός παράγοντας δεν θα μπορούσε να πει το ίδιο; Όσο μυστήριο κι αν παραμένει το πλήρες νόημα της αριστοτελικής κάθαρσης, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι σημαίνει κάποια ανανέωση και κάθαρση της ψυχής υπό την επίδραση της σκηνικής δράσης κ.λπ., κ.λπ.

Ας επιστρέψουμε στη θεραπεία τέχνης σήμερα, η οποία γίνεται όλο και πιο ορατή, ακόμη και της μόδας, συστατικό της ψυχολογικής πρακτικής. Διακλαδίζεται και δίνει αφορμή για νέες κατευθύνσεις: μουσικοθεραπεία, animation therapy, βιβλιοθεραπεία, χορο-, κουκλοθέατρο, έγχρωμη, παραμυθοθεραπεία, θεραπευτικό μόντελινγκ, θεραπευτικό θέατρο... Το ευρύτερο φάσμα ψυχικών και σωματικών ασθενειών ενός ατόμου καλύπτεται από πρακτική θεραπείας τέχνης: τάση για κατάθλιψη, άγχος, διαταραχές ύπνου, πίεση, ομιλία, αισθητηριοκινητική σφαίρα, επικοινωνιακές ικανότητες, προβλήματα διόρθωσης, αποκατάστασης, υποστήριξης για άτομα με αναπηρία... Οι ενέργειες του θεραπευτή τέχνης είναι «στοχευμένες», μερικές φορές ακόμη και συνταγογραφικού χαρακτήρα. Έτσι, δημιουργούνται λίστες μουσικά έργα, η ακρόαση του οποίου υποδεικνύεται σε μια συγκεκριμένη περίπτωση. Τα έργα είναι ειδικά κατασκευασμένα, οι συγκρούσεις των οποίων θα βοηθήσουν τους καλλιτέχνες να επιλύσουν παρόμοιες τραυματικές καταστάσεις στη ζωή τους στο σπίτι ή στο στούντιο.

Επιτρέψτε μου να σημειώσω: αυτή η προσέγγιση της τέχνης, αν και δικαιολογείται από καλό σκοπό και αποτελεσματικότητα, είναι ωφελιμιστικής-εφαρμοσμένης φύσης: ο θεραπευτής χρησιμοποιεί μεμονωμένα, ουσιαστικά περιφερειακά χαρακτηριστικά των τεχνών και συγκεκριμένα έργα, συσχετίζοντάς τα με τις εξίσου συγκεκριμένες συνθήκες της ζωής του πελάτη. Η οικουμενική ουσία της τέχνης, ο καλλιτεχνικός μετασχηματισμός της ύπαρξης, αυτό που, σύμφωνα με τον M. Prishvin, ενθαρρύνει τον συγγραφέα να «μεταφράσει σοβαρά τη ζωή του σε λέξεις», παραμένει στο παρασκήνιο. Παρακάτω θα εξετάσω την πιθανότητα μιας διαφορετικής προσέγγισης, την οποία σχεδόν «άφησα να γλιστρήσει» στην αρχή του άρθρου.

Ο υπέροχος δάσκαλος-εμψυχωτής και καλλιτεχνικός θεραπευτής Yu Krasny ονόμασε ένα από τα βιβλία του «Η τέχνη είναι πάντα θεραπεία» (3). Το βιβλίο αφορά βαριά άρρωστα παιδιά και εξαιρετικά συγκεκριμένες μεθόδους εργασίας μαζί τους σε στούντιο κινουμένων σχεδίων, αλλά ο τίτλος υποδηλώνει εύγλωττα ότι η εμβάπτιση στη σφαίρα της καλλιτεχνικής εξερεύνησης του κόσμου είναι από μόνη της θεραπευτική και ευεργετική. Και όχι μόνο για ένα άτομο που αναγνωρίζεται ως άρρωστο.

Αυτό επιβεβαιώνεται τόσο από την επιστήμη όσο και από την παιδαγωγική πράξη. Έτσι, εγχώριες και ξένες έρευνες στον τομέα της μουσικής ψυχολογίας αποκαλύπτουν τις ευεργετικές επιδράσεις της μουσικής σε προσωπικούς και πνευματικούς όρους ((4)· (5)), και κάνουν λόγο για ολιστική θετική επίδραση στο παιδί, ξεκινώντας από την προγεννητική περίοδο ( 6). Τα εντατικά μαθήματα εικαστικών τεχνών όχι μόνο εντείνουν τη γενική νοητική ανάπτυξη των εφήβων, αλλά και διορθώνουν τις στρεβλώσεις στη σφαίρα αξιών (7), αυξάνουν τη νοητική δραστηριότητα και τη συνολική ακαδημαϊκή επίδοση των μαθητών (8). Είναι γνωστό ότι σε εκείνα τα εκπαιδευτικά ιδρύματα όπου δίνεται άξια προσοχής τουλάχιστον σε κάποιο είδος καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, ο συναισθηματικός τόνος των παιδιών αυξάνεται, αρχίζουν να έχουν καλύτερη στάση απέναντι στη μάθηση και το ίδιο το σχολείο, υποφέρουν λιγότερο από την περιβόητη υπερφόρτωση και σχολικές νευρώσεις, αρρωσταίνουν λιγότερο συχνά και μαθαίνουν καλύτερα.

Ήρθε λοιπόν η ώρα να μιλήσουμε όχι μόνο για τη θεραπεία τέχνης για όσους τη χρειάζονται ήδη, αλλά και για τη γενική «προφύλαξη από την τέχνη» - και η πρόληψη, όπως γνωρίζουμε, είναι από κάθε άποψη καλύτερη από τη θεραπεία. Εν αναμονή της ώρας που κάτι παρόμοιο θα καταστεί δυνατό στην εγχώρια γενική εκπαίδευση, θα προσπαθήσουμε να καταλάβουμε πώς η εμπειρία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας και η επικοινωνία με την τέχνη μπορεί να έχει θεραπευτική επίδραση στην ανθρώπινη προσωπικότητα.

Πρέπει να ξεκινήσουμε από μακριά. Αλλά πρώτα ας κάνουμε μερικές σημαντικές επιφυλάξεις.

Το πρώτο από αυτά είναι απαραίτητο για να αποτραπεί μια πολύ προφανής αντίρρηση. Πολλά φαινόμενα τέχνης των τελευταίων εποχών, ειδικά των ημερών μας (μιλάω για τέχνη σοβαρού επαγγελματικού επιπέδου), για να το θέσω ήπια, δεν είναι φορείς και «γεννήτριες». ψυχική υγεία; σχετικά με εσωτερική κατάστασηκαι τη μοίρα ορισμένων ταλαντούχων ανθρώπων στις τέχνες, δεν θα το ευχόσουν αυτό στα παιδιά και τους μαθητές σου. Ποιοι είναι οι λόγοι για να ισχυριστεί κανείς ότι η ψυχική υγεία είναι τόσο στενά συνδεδεμένη με την καλλιτεχνική δημιουργικότητα; Θα πω αμέσως: οι σκιώδεις πλευρές του σύγχρονου πολιτισμού, συμπεριλαμβανομένης της καλλιτεχνικής κουλτούρας, είναι αρκετά πραγματικές, αλλά η συζήτησή τους πρέπει να διεξαχθεί ξεκινώντας, κυριολεκτικά και μεταφορικά, «από τον Αδάμ». Δεν μπορούμε να αναλάβουμε κάτι παρόμοιο στο πλαίσιο αυτής της εργασίας, και ως εκ τούτου, έχοντας υπόψη αυτή την πτυχή του θέματος, θα μιλήσουμε άνευ όρων θετικές πλευρέςκαλλιτεχνική δημιουργικότητα του ανθρώπου, που αναμφίβολα κυριαρχούν στην κλίμακα της πολιτιστικής ιστορίας. Επιπλέον, η παραπάνω ένσταση ισχύει αποκλειστικά για το επαγγελματικό καλλιτεχνικό περιβάλλον ορισμένης ιστορικής περιόδου. Μιλάμε πλέον για την τέχνη στη γενική εκπαίδευση και εδώ ο θετικός της ρόλος είναι αναμφισβήτητος και επιβεβαιώνεται από τα παραδείγματα που αναφέρθηκαν παραπάνω. Όσον αφορά τις διαφορές μεταξύ της «καθολικής ανθρώπινης» και της επαγγελματικής καλλιτεχνικής εμπειρίας, αυτό το θέμα απαιτεί επίσης μια ειδική σε βάθος συζήτηση. Ας περιοριστούμε προς το παρόν σε μια σύντομη υπόδειξη: στη σύγχρονη εκκοσμικευμένη και εξαιρετικά εξειδικευμένη κουλτούρα, αυτές οι δύο σφαίρες διαφέρουν σχεδόν με τον ίδιο τρόπο με τα μαθήματα φυσικής αγωγής, που είναι ωφέλιμα για όλους, και τα ελίτ αθλήματα, γεμάτα ψυχολογικούς και σωματικούς τραυματισμούς.

Και η δεύτερη αποποίηση ευθύνης. Οι σκέψεις που παρουσιάζονται παρακάτω δεν προσποιούνται ότι είναι οριστικές με την παραδοσιακή, «αυστηρά επιστημονική» έννοια της λέξης. Όπως όλα στην «ξένη επιστημονική», ανθρωπιστική σφαίρα της γνώσης, προσπαθούν όχι για «ακρίβεια γνώσης», αλλά για «βάθος διείσδυσης» (9) και απευθύνονται στην ολιστική, όχι πλήρως λεκτική εμπειρία του αναγνώστη ως εταίρος στο διάλογο.

Λοιπόν, πρώτα απ 'όλα: ποιες είναι οι πιο κοινές, βαθιές και μη-κατάσταση αιτίες της ψυχολογικής μας δυσφορίας και της πιθανής ψυχικής μας ασθένειας; Μεταφορικά, το ένα βρίσκεται στην «οριζόντια», το άλλο στην «κάθετη» διάσταση της ύπαρξης, ενώ ο ίδιος ο άνθρωπος με τις συνειδητές και ασυνείδητες δυσκολίες και αντιφάσεις του βρίσκεται συνεχώς στο σημείο τομής τους.

Το πρόβλημα «οριζόντια» έχει τις ρίζες του στο γεγονός ότι το συνειδητό «εγώ» μας, που ξεχωρίζει στην αρχή της ζωής από την πρωταρχική αδιαφοροποίητη ακεραιότητα, αναγκαστικά εναντιώνεται στον περιβάλλοντα κόσμο ως κάποιο είδος «όχι εγώ» και, στις συνθήκες Ο σύγχρονος εξορθολογισμένος πολιτισμός «στερεοποιείται» σε αυτή τη φυσική, αλλά μονόπλευρη αντίθεση. «περιφράσσει» την επικράτειά της, σαν να περικλείεται σε ένα διάφανο αλλά αδιαπέραστο ψυχολογικό κέλυφος αποξένωσης από τον κόσμο, σαν αρχικά εξωτερικό και ξένο προς αυτόν. Αφορίζεται από τη συμμετοχή στο ενιαίο ον.

Τόσο διανοητικά όσο και συναισθηματικά, ένα άτομο αναπτύσσει μια εικόνα ενός απαρχής και ατελείωτου κόσμου, που ζει σύμφωνα με τους δικούς του, καθαρά αντικειμενικούς φυσικούς και κοινωνικούς νόμους και αδιαφορώντας για τη φευγαλέα ύπαρξή του. Ένας κόσμος απρόσωπων σχέσεων αιτίου-αποτελέσματος που καθορίζουν ένα άτομο, στον οποίο είναι δυνατή μόνο προσωρινή προσαρμογή. Από αυτή την άποψη, οι θεωρητικοί προβληματίζονται για την «τελική εξατομίκευση της συνείδησης του σύγχρονου ατόμου» ή (όπως ο ψυχολόγος S.L. Rubinstein) λένε ότι σε έναν τέτοιο κόσμο δεν υπάρχει θέση για τον άνθρωπο ως τέτοιο. Οι ποιητές έρχονται με την εικόνα της «έρημου του κόσμου», την οποία (ας θυμηθούμε για αργότερα!) η δημιουργικότητα μας βοηθά να την ξεπεράσουμε.

Φυσικά, δεν θα επιδοθεί κάθε άνθρωπος, πόσο μάλλον ένα παιδί, σε έναν τέτοιο προβληματισμό. Αλλά όταν η ασυνείδητη μνήμη ενός ατόμου της δικής του ακεραιότητας και της οικουμενικής φύσης του, της αρχικής οντολογικής ενότητας με τον κόσμο, η ανάγκη του να βεβαιωθεί ότι «στην έρημο του κόσμου δεν είμαι μόνος» (Ο. Μάντελσταμ) δεν λαμβάνει απάντηση και επιβεβαίωση, αυτό δημιουργεί μια σταθερά κοινά σημείαψυχολογική ασθένεια, μη αναγώγιμη σε συγκεκριμένα καθημερινά προβλήματα και καταστάσεις.

Ο αξιόλογος εθνογράφος W. Turner περιέγραψε μια αρχαϊκή αλλά αποτελεσματική μορφή υπέρβασης ή μάλλον πρόληψης αυτής της ασθένειας ως μια κυκλική, ρυθμιζόμενη αλλαγή με δύο τρόπους ύπαρξης σε μια παραδοσιακή κοινωνία, την οποία όρισε ως «δομή» και «κοινότητα» (δηλ. κοινότητα, ένταξη (10) . ΠλέονΣτη ζωή, κάθε μέλος μιας αυστηρά ιεραρχικής και δομημένης κοινωνίας κατοικεί στη δική του ηλικία, φύλο, «επαγγελματικό» κύτταρο και ενεργεί αυστηρά σύμφωνα με το σύστημα των κοινωνικών προσδοκιών. Αλλά σε ορισμένες περιόδουςαυτή η δομή καταργείται για μικρό χρονικό διάστημα και όλοι βυθίζονται τελετουργικά στην άμεση εμπειρία της ενότητας, η οποία αγκαλιάζει τους άλλους ανθρώπους, τη φύση και τον κόσμο συνολικά. Έχοντας αγγίξει τη μοναδική θεμελιώδη αρχή της ύπαρξης, οι άνθρωποι μπορούν να επιστρέψουν στην καθημερινή λειτουργία στην κατακερματισμένη κοινωνική τους δομή χωρίς απειλή για την ψυχική υγεία.

Είναι προφανές ότι σε άλλες ιστορικές και πολιτιστικές συνθήκες το φαινόμενο του communitas σε αυτή τη μορφή δεν μπορεί να αναπαραχθεί, αλλά έχει πολλά ανάλογα: από την κουλτούρα του καρναβαλιού μέχρι τις παραδόσεις του χορωδιακού τραγουδιού, από τα αρχαία μυστήρια έως τη συμμετοχή σε θρησκευτικά μυστήρια (ωστόσο, σε αυτήν την περίπτωση η «κάθετη» διάσταση του υπό συζήτηση προβλήματος, η οποία θα συζητηθεί περαιτέρω). Αλλά τώρα είναι σημαντικό να τονίσουμε κάτι άλλο: ένα άτομο, χωρίς να το συνειδητοποιεί, αναζητά τη συμμετοχή σε κάτι «μεγαλύτερο από τον εαυτό του». Και η απουσία μιας τέτοιας εμπειρίας - θετικής, κοινωνικά εγκεκριμένης - μετατρέπεται σε παράλογες, μερικές φορές καταστροφικές και παθολογικές ανακαλύψεις της μπλοκαρισμένης ανάγκης του «ατομοποιημένου ατόμου» να ξεφύγει από τις «σημαίες» της ατομικότητάς του και να ενταχθεί σε ένα συγκεκριμένο «εμείς». (Ας θυμηθούμε τον αντίκτυπο ορισμένων κατευθύνσεων στους ακροατές σύγχρονη μουσική, για τη συμπεριφορά των οπαδών του ποδοσφαίρου και για πολλές πολύ πιο σκοτεινές εκδηλώσεις ψυχολογίας του πλήθους, και από την άλλη, για την κατάθλιψη και την αυτοκτονία λόγω ψυχολογικής μοναξιάς.)

Τι θεραπευτική ή καλύτερα προληπτική σημασία μπορεί να έχει η εμπειρία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας σε αυτό το θέμα;

Το γεγονός είναι ότι η βάση της ίδιας της δυνατότητας δεν είναι ατομικές αισθητηριακές ή οποιεσδήποτε άλλες ικανότητες που σχετίζονται με την υλοποίηση δραστηριοτήτων σε μια ή την άλλη μορφή τέχνης, αλλά μια ειδική ολιστική στάση ενός ατόμου στον κόσμο και στον εαυτό του στον κόσμο. το οποίο είναι ιδιαίτερα ανεπτυγμένο μεταξύ των καλλιτεχνών, αλλά είναι δυνητικά χαρακτηριστικό κάθε ανθρώπου και δραστηριοποιείται με ιδιαίτερη επιτυχία σε Παιδική ηλικία. Το ψυχολογικό περιεχόμενο αυτής της αισθητικής στάσης έχει περιγραφεί επανειλημμένα από εκπροσώπους διαφορετικών τύπων τέχνης, διαφορετικές εποχέςκαι λαών. Και το κύριο χαρακτηριστικό του είναι ακριβώς ότι στην αισθητική εμπειρία εξαφανίζεται το αόρατο φράγμα που απομονώνει το εγκλειστό «εγώ» από τον υπόλοιπο κόσμο και ο άνθρωπος βιώνει άμεσα και συνειδητά την οντολογική του ενότητα με το θέμα της αισθητικής στάσης και ακόμη και με το κόσμο ως σύνολο. Τότε η μοναδική αισθησιακή εμφάνιση των πραγμάτων του αποκαλύπτεται με έναν ιδιαίτερο τρόπο: η «εξωτερική τους μορφή» αποδεικνύεται ότι είναι ένας διαφανής φορέας της ψυχής, μια άμεση έκφραση της εσωτερικής ζωής, που σχετίζεται και είναι κατανοητή στον άνθρωπο. Γι' αυτό νιώθει τον εαυτό του, έστω για λίγο, εμπλεκόμενο στην ύπαρξη όλου του κόσμου και στην αιωνιότητα του.

«Προσπάθησα», λέει ο Β. Γκαίτε στο αυτοβιογραφικό του έργο, να κοιτάξω με αγάπη τι συμβαίνει έξω και να εκτεθώ στην επιρροή όλων των όντων, το καθένα με τον δικό του τρόπο, ξεκινώντας από τον άνθρωπο και πιο κάτω. το βαθμό με ποιον τρόπο ήταν κατανοητά για μένα. Από εδώ προέκυψε μια θαυμάσια συγγένεια με επιμέρους φυσικά φαινόμενα, εσωτερική συνεννόηση με αυτήν, συμμετοχή στη χορωδία του κατανυκτικού συνόλου» (11, σελ. 456)

«Και μόνο επειδή είμαστε συγγενείς με όλο τον κόσμο», λέει ο μεγάλος συγγραφέας και στοχαστής μας Μ.Μ. Prishvin, με τη δύναμη της συγγενικής προσοχής αποκαθιστούμε τη γενική σύνδεση και ανακαλύπτουμε τα δικά μας προσωπικά σε ανθρώπους διαφορετικού τρόπου ζωής, ακόμα και σε ζώα, ακόμα και φυτά, ακόμα και σε πράγματα» (12, σελ. 7). Δημιουργοί τέχνης, που έζησαν σε διαφορετικές εποχές και συχνά δεν γνώριζαν τίποτα ο ένας για τον άλλον, μαρτυρούν ότι μόνο με βάση μια τέτοια εμπειρία μπορεί να γεννηθεί ένα πραγματικά καλλιτεχνικό έργο.

Έτσι, η αισθητική εμπειρία, που -τονίζουμε- σε κατάλληλες παιδαγωγικές συνθήκες μπορεί να αποκτήσει κάθε παιδί, βοηθά στην επούλωση της οντολογικής ρωγμής και στην αποκατάσταση της ενότητας του ανθρώπου με τον κόσμο «οριζόντια». Σε κάθε περίπτωση, να δώσει σε ένα άτομο να βιώσει τη δυνατότητα, την πραγματικότητα αυτής της ενότητας. Και μια τέτοια εμπειρία, ακόμα κι αν είναι σπάνια, δεν αντανακλάται πλήρως, δεν διατηρείται στη συνείδηση, σίγουρα θα παραμείνει στο ασυνείδητο, ή μάλλον, στο υπερσυνείδητο επίπεδο και θα υποστηρίζει συνεχώς ένα άτομο στις όσες περίπλοκες σχέσεις κι αν είναι με τον έξω κόσμο.

Σημείωση: έπρεπε να αναφέρουμε την υπερσυνείδηση, και αυτό σημαίνει ότι έχουμε φτάσει στη γραμμή πέρα ​​από την οποία οι σκέψεις μας κινούνται στο «κάθετο» επίπεδο του θέματος που συζητάμε.

Η απόλυτη έκφραση της αισθητικής εμπειρίας που έχει συζητηθεί μέχρι τώρα μπορεί να θεωρηθεί η περίφημη γραμμή του F.I. Tyutchev: "Τα πάντα είναι μέσα μου, και είμαι σε όλα!" Δεν είναι δύσκολο να καταλάβουμε ότι αυτές οι λέξεις εκφράζουν όχι μόνο μια συγκεκριμένη ιδιαίτερη στάση απέναντι στον κόσμο, αλλά καλύτερα να πούμε - με τον κόσμο, "οριζόντια" εξαπλωμένη γύρω μας. Εδώ, διακρίνεται ένα διαφορετικό επίπεδο αυτογνωσίας και αυτογνωσίας ενός ατόμου, η παρουσία ενός διαφορετικού, μεγαλύτερου «εγώ», ανάλογο με το «όλα», ικανό να περιέχει «τα πάντα» και χάρη σε αυτό, ο λόγος γιατί τα εσωτερικά μας προβλήματα, που βρίσκονται στην «κάθετη» διάσταση της ύπαρξης, σκιαγραφούνται ξεκάθαρα.

Στη θρησκευτική και φιλοσοφική λογοτεχνία, στα έργα πολλών ψυχολόγων, στην πνευματική και πρακτική εμπειρία ανθρώπων διαφορετικών εποχών και εθνών, καθώς και στην εμπειρία της αυτοπαρατήρησης πολλών δημιουργικά προικισμένων ανθρώπων, βρίσκουμε στοιχεία ότι, μαζί με το εμπειρικό «εγώ» της καθημερινής μας αυτογνωσίας, υπάρχει πράγματι κάτι άλλο, «ο ανώτερος εαυτός», που φέρει μέσα του την πληρότητα των δυνατοτήτων, που εν μέρει πραγματοποιούμε στον χωροχρόνο της επίγειας ζωής και σε συνθήκες περιορισμένης κοινωνικοπολιτισμικό περιβάλλον. Χωρίς να μπορώ να συζητήσω αυτό το θέμα λεπτομερώς στο πλαίσιο αυτού του άρθρου, θα σημειώσω μόνο ότι χωρίς μια τέτοια υπόθεση είναι αδύνατο να μιλήσουμε σοβαρά για τη δημιουργικότητα φαινόμενα όπως η αυτοεκπαίδευση, η αυτοβελτίωση κ.λπ.

Αυτή η υπέρτατη «αυθεντία» της ατομικής ανθρώπινης ύπαρξης ονομάζεται διαφορετικά: το ανώτερο «εγώ» - σε αντίθεση με το καθημερινό, «αληθινό» - σε αντίθεση με το απατηλό και μεταβλητό, «αιώνιο» - σε αντίθεση με το θνητό, παροδικό, « δωρεάν» - σε διαφορά από το ότι καθορίζεται από ένα σύνολο βιοκοινωνικών ή οποιωνδήποτε άλλων «αντικειμενικών» παραγόντων, «πνευματικό» «εγώ» (13), «δημιουργικό «εγώ» (14) κ.λπ.

Ερχόμενος σε επαφή με αυτό το «εγώ» της υπερσυνείδησης στα μονοπάτια της πνευματικής αυτοβελτίωσης, ή στη διαδικασία της δημιουργικότητας σε έναν ή τον άλλο τομέα, ή λαμβάνοντας το σαν «δωρεάν» στη ροή Καθημερινή ζωή, ένα άτομο αισθάνεται τον εαυτό του με μια προηγουμένως άγνωστη σαφήνεια, ένταση, βεβαιότητα και πληρότητα. Φυσικά, τέτοιες αιχμές, όπως οι εμπειρίες ενότητας με τον κόσμο για τις οποίες μιλήσαμε νωρίτερα, δεν μπορούν να γίνουν δικές μας. σταθερή κατάσταση, αλλά η απουσία ή η βαθιά λήθη μιας τέτοιας εμπειρίας - αυτό, μεταφορικά, το «κάθετο χάσμα» - γίνεται η αιτία της βαθιάς εσωτερικής διαταραχής ενός ατόμου, η οποία δεν μπορεί να εξαλειφθεί με οποιεσδήποτε αλλαγές στην εξωτερική του ζωή ή με ιδιωτικές συστάσεις ενός συμβούλου ψυχολόγου ότι δεν επηρεάζουν την ουσία του θέματος.

Ο φιλόσοφος θα ορίσει αυτό το χάσμα ως «την ασυμφωνία μεταξύ της ουσίας και της ύπαρξης του ανθρώπου». ανθρωπιστής ψυχολόγος - ως έλλειψη αυτοπραγμάτωσης, ως «στέρηση ανώτερων αναγκών» (A. Maslow). ένας ψυχοθεραπευτής μπορεί με επαρκή λόγο να δει σε αυτό τον λόγο για την απώλεια του νοήματος στη ζωή - τη ρίζα όλων των ασθενειών (V. Frankl). Σε κάθε περίπτωση, το θέμα είναι ότι όχι μόνο δεν είμαστε στην πραγματικότητα «ο εαυτός μας», κάτι που μπορεί να μην είναι εφικτό στο σύνολό του, αλλά ζούμε στη μακρινή περιφέρεια του εαυτού μας, χωρίς να προσπαθούμε να αποκαταστήσουμε τη χαμένη σύνδεση με το δικό μας αληθινό «εγώ». "", πλησιάστε τον. Δεν ζούμε μόνο σε έναν εξωγήινο κόσμο, αλλά ουσιαστικά ξένοι στον εαυτό μας.

Και πάλι τίθεται το ίδιο ερώτημα: πώς μπορεί η πρώιμη (ή και όχι μόνο πρώιμη) εμπειρία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας να βοηθήσει έναν άνθρωπο σε αυτή την κατάσταση;

Ας πάμε λίγο πίσω. Στην αισθητική εμπειρία, ένα άτομο, μερικές φορές απροσδόκητα για τον εαυτό του, ξεπερνά τα συνήθη όρια του «εγώ» του, ζει μια κοινή ζωή με μεγάλος κόσμος, και αυτό δημιουργεί πρόσφορο έδαφος για ένα είδος αποκάλυψης για τον εαυτό του, για μια «συνάντηση» με έναν μεγαλύτερο εαυτό, ανάλογο με αυτόν τον κόσμο. Ένας άντρας, σύμφωνα με τα λόγια του ποιητή Walt Whitman, ανακαλύπτει ξαφνικά με χαρά ότι είναι μεγαλύτερος και καλύτερος από όσο νόμιζε, ότι δεν χωράει «ανάμεσα στα παπούτσια του και στο καπέλο του»...

Αυτού του είδους η «συνάντηση» βιώνεται και καταγράφεται στις μνήμες πολλών δασκάλων της τέχνης. Τότε έχουν ιδέες που ξεπερνούν ξεκάθαρα τα όριά τους. συνήθεις δυνατότητες, και, ωστόσο, ενσαρκώνονται. Στη διαδικασία δημιουργίας ή εκτέλεσης ενός έργου, ένα άτομο αισθάνεται σαν ένα «όργανο» στο χέρι «κάποιου» πολύ πιο ισχυρού και διορατικού, και μερικές φορές αντιλαμβάνεται το αποτέλεσμα αποστασιοποιημένα, ως κάτι με το οποίο δεν έχει άμεση σχέση. Τέτοιες αυτοαναφορές συνήθως χαρακτηρίζονται από αξιόπιστη νηφαλιότητα και έλλειψη στοργής. Το επίπεδο συνειδητοποίησης αυτής της εμπειρίας είναι διαφορετικό - από την εμπειρία της συναισθηματικής και ενεργητικής έξαρσης, της δημιουργικής τόλμης, της υπέρβασης των ορίων σε μια συνειδητή, σχεδόν σε επίπεδο μεθοδολογίας, έλξη του «δημιουργικού εαυτού» στη συνεργασία - όπως, για παράδειγμα, στην πρακτική του μεγάλου Ρώσου ηθοποιού Μ. Τσέχοφ (15) . Δεν θα προσπαθήσω να ερμηνεύσω με κανέναν τρόπο αυτά τα ψυχολογικά φαινόμενα, η ίδια η ύπαρξη των οποίων είναι αναμφισβήτητη. Κάτι άλλο είναι σημαντικό για εμάς τώρα: η καλλιτεχνική και δημιουργική εμπειρία (και, πιθανώς, οποιαδήποτε αληθινά δημιουργική εμπειρία) είναι, σε κάποιο βαθμό, η εμπειρία του «να είσαι ο εαυτός σου». Σας επιτρέπει να ξεπεράσετε, τουλάχιστον προσωρινά, το «κάθετο χάσμα»: να βιώσετε τη στιγμή της ενότητας του καθημερινού – και του ανώτερου, δημιουργικού εαυτού. τουλάχιστον - να θυμηθεί και να βιώσει το ίδιο το γεγονός της ύπαρξής του.

Επιτρέψτε μου να σημειώσω: όταν μιλώ για δημιουργικότητα, δεν εννοώ «να δημιουργήσω κάτι νέο», είναι μόνο μια συνέπεια, μια εξωτερική απόδειξη της δημιουργικής διαδικασίας, και τα στοιχεία δεν είναι πάντα σαφή και αδιαμφισβήτητα. Ως δημιουργικότητα, καταλαβαίνω, πρώτα απ 'όλα, την εκδήλωση της «εσωτερικής δραστηριότητας της ψυχής» (16), η οποία πραγματοποιείται ως η ελεύθερη (μη καθορισμένη από έξω) δημιουργία και ενσάρκωση του σχεδίου κάποιου σε έναν ή τον άλλο τομέα ζωή και πολιτισμός.

Υπάρχουν πολλά στοιχεία, από θεολογικά έως πειραματικά και παιδαγωγικά, που επιβεβαιώνουν ότι ο άνθρωπος - κάθε άνθρωπος - είναι από τη φύση του δημιουργός. Η ανάγκη να δημιουργείς με τη γενικότερη έννοια της λέξης, «να ζεις από μέσα προς τα έξω» (Μητροπολίτης Αντώνιος του Sourozh) χαρακτηρίζει πιο στενά την ίδια την ουσία του ανθρώπου. Και η συνειδητοποίηση αυτής της ανάγκης είναι απαραίτητη προϋπόθεση για την ψυχική υγεία και η παρεμπόδισή της, που είναι τόσο χαρακτηριστικό, ιδιαίτερα, της σύγχρονης γενικής εκπαίδευσης, αποτελεί πηγή άρρητου αλλά σοβαρού κινδύνου για την ανθρώπινη ψυχή. Όπως λέει ο σύγχρονος ερευνητής V. Bazarny, ένα άτομο μπορεί να είναι είτε δημιουργικό είτε άρρωστο.

Επιστρέφοντας στις εικονιστικές και συμβολικές συντεταγμένες της παρουσίασής μας, μπορούμε να πούμε ότι η αληθινή δημιουργικότητα γεννιέται ακριβώς στο σταυροδρόμι των οριζόντιων και κάθετων αξόνων - η αποκατεστημένη σχέση ενός ατόμου με τον εαυτό του και με τον κόσμο. Όταν ένα άτομο βλέπει τον σχετικό κόσμο γύρω του μέσα από τα μάτια ενός ανώτερου, δημιουργικού εαυτού και συνειδητοποιεί τις δυνατότητες του δημιουργικού εαυτού στις εικόνες, τη γλώσσα και την υλικότητα του γύρω κόσμου. Αυτή η αρμονία ενσωματώνεται σε κάθε αληθινά καλλιτεχνικό έργο (ανεξάρτητα από το πόσο περίπλοκο ή τραγικό μπορεί να είναι το συγκεκριμένο περιεχόμενό του) και επηρεάζει άμεσα τον θεατή, αναγνώστη ή ακροατή, ξυπνώντας μέσα του τη μνήμη, αν και ασαφή, της αρχικής ενότητας με τον κόσμο και του ο μεγάλος «εσωτερικός άνθρωπος».

Εδώ τίθεται φυσικά ένα ερώτημα. Είναι προφανές ότι η δημιουργικότητα και η καλλιτεχνική δημιουργικότητα δεν είναι σε καμία περίπτωση συνώνυμα, ότι η δημιουργική αυτοπραγμάτωση είναι δυνατή σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης δραστηριότητας και σε όλες τις σχέσεις του με τον κόσμο. Γιατί τονίζουμε τόσο τη σημασία της τέχνης και της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας για την ψυχική υγεία ενός ατόμου και ιδιαίτερα ενός αναπτυσσόμενου ανθρώπου;

Μιλάμε καταρχήν για την ηλικιακή προτεραιότητα της τέχνης. Σε αυτόν τον τομέα, σχεδόν όλα τα παιδιά προσχολικής, πρωτοβάθμιας και πρώιμης εφηβείας μπορούν, σε ευνοϊκές παιδαγωγικές συνθήκες, να αποκτήσουν μια συναισθηματικά θετική και επιτυχημένη εμπειρία της δημιουργικότητας ως τέτοιας, της δημιουργίας και υλοποίησης των δικών τους ιδεών.

Περαιτέρω. Υπάρχει άλλος τομέας πολιτισμού στον οποίο παιδιά 9, 7, 4 ετών μπορούν να δημιουργήσουν κάτι που αναγνωρίζεται ως πολύτιμο από την κοινωνία και την υψηλότερη επαγγελματική ελίτ; Πολύτιμο όχι επειδή το έκανε ένα παιδί, αλλά πολύτιμο ως ανεξάρτητο γεγονός πολιτισμού; Και στην τέχνη αυτό ακριβώς συμβαίνει: οι εξέχοντες δεξιοτέχνες όλων των ειδών τέχνης για περισσότερα από εκατό χρόνια βλέπουν στα παιδιά τους νεότερους συναδέλφους τους ικανούς να δημιουργήσουν αισθητικές αξίες και δεν είναι καν απεχθής να μάθουν κάτι από αυτούς. Ακόμη ένα πράγμα. Ένας νεαρός (αλλά όχι 4 ή 7 χρονών!) φυσικός ή μαθηματικός κάνει, καταρχήν, το ίδιο πράγμα με έναν ενήλικο επιστήμονα, μόνο πολλά χρόνια νωρίτερα: δεν υπάρχει «παιδική επιστήμη». Όμως η παιδική τέχνη υπάρχει: όντας καλλιτεχνικά πολύτιμο, το έργο ενός παιδιού φέρει ταυτόχρονα έντονο ηλικιακό σημάδι, εύκολα αναγνωρίσιμο και αναπόσπαστο από την καλλιτεχνική αξία του έργου. Αυτό μιλάει, κατά την άποψή μου, για τη βαθιά «φυσική συμμόρφωση» της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας: ένα παιδί αποκτά πλήρη δημιουργική εμπειρία με τις πιο κατάλληλες για την ηλικία του μορφές.

Υπάρχουν, ωστόσο, δύσκολα εξηγήσιμα φαινόμενα όταν ένα παιδί δημιουργεί ένα κείμενο ή ένα σχέδιο που δεν φέρει κανένα ηλικιακό σημάδι είτε με τη συναισθηματική και ουσιαστική έννοια, είτε ακόμη και από την άποψη της τελειότητας της υλοποίησης του σχέδιο και θα μπορούσε να ανήκει σε έναν ενήλικα καλλιτέχνη. Δεν είμαι έτοιμος να συζητήσω και να εξηγήσω λεπτομερώς αυτό το εκπληκτικό φαινόμενο - θα σας υπενθυμίσω μόνο ότι ακόμη και ένας ενήλικος καλλιτέχνης στο έργο του μπορεί να είναι «μεγαλύτερος από τον εαυτό του». Ή ακόμα καλύτερα, μπορεί να είναι «ο εαυτός του».

Α. Μελίκ-Πασάγιεφ

Βιβλιογραφία

1. Ιδέες αισθητική αγωγή. Ανθολογία σε 2 τόμους. Τ.1, Μ.: «Τέχνη», 1973
2. Αριστοτέλης. Ποιητική. (Για την τέχνη της ποίησης.) Μ.: Κρατικός Εκδοτικός Οίκος Μυθιστορήματος, 1957.
3. Krasny Yu.E. Η ΤΕΧΝΗ είναι πάντα θεραπεία. Μ.: Εκδοτικός οίκος LLC Διαπεριφερειακό Κέντρο Διοίκησης και Πολιτικής Συμβουλευτικής, 2006.
4. Toropova A.V. Ανάπτυξη της ακεραιότητας της προσωπικότητας μέσω της αισθητηριακής πλήρωσης της μουσικής συνείδησης του παιδιού. / Μεθοδολογία παιδαγωγικής μουσική παιδεία(επιστημονική σχολή E.B. Abdullin). – M., MPGU, 2007. Σ. 167-180.
5. Kirnarskaya D.K. Μουσικές ικανότητες. M.: Talents-XXI αιώνας, 2004.
6. Lazarev M. Νέο παράδειγμα εκπαίδευσης. Η τέχνη στο σχολείο, Νο 3, 2011
7. Sitnova E.N. Η επίδραση της καλλιτεχνικής και αισθητικής αγωγής στην ανάπτυξη της προσωπικότητας στην εφηβεία και τη νεολαία. Περίληψη του συγγραφέα. Διδακτορική διατριβή, Μ., 2005
8. Kashekova I. Αριθμοί και μόνο αριθμοί. Η τέχνη στο σχολείο, Νο 4, 2007
9. Bakhtin M.M. Αισθητική της λεκτικής δημιουργικότητας Μ.: Τέχνη, 1979.
10. Turner, W. Symbol and ritual M.: Nauka, 1983.
11. Goethe, V. Ποίηση και αλήθεια, τ. 3. Εκδοτικός οίκος, 1976.
12. Prishvin M.M. Η δύναμη της σχετικής προσοχής. Μ.: Η τέχνη στο σχολείο, Μ., 1996.
13. Florenskaya T.A. Διάλογος στην πρακτική ψυχολογία. Μ.:, 1991
14. Melik-Pashaev A.A. Ο κόσμος του καλλιτέχνη. Μ.: Πρόοδος-παράδοση, 2000.
15. Chekhov M.A. Λογοτεχνική κληρονομιά σε 2 τόμους. Μ.: Τέχνη, 1995
16. Zenkovsky V.V. Το πρόβλημα της ψυχικής αιτιότητας. Κίεβο, 1914

Ο συγγραφέας αυτού του κειμένου είναι ο Leonid Aleksandrovich Tishkov - Ρώσος καλλιτέχνης— σκιτσογράφος. Το κείμενο που προσφέρεται για ανάλυση αντιπροσωπεύει τις σκέψεις του συγγραφέα σχετικά με το εάν υπάρχουν όρια για την πραγματική τέχνη.

Ο συγγραφέας είναι πεπεισμένος ότι μέσα από τη δημιουργικότητα μπορεί κανείς να βρει νόημα και υποστήριξη στη ζωή. Πιστεύει ότι η καλλιτεχνική δημιουργικότητα δεν είναι απλώς ένας τρόπος αυτοέκφρασης. Μερικές φορές μπορεί να γίνει ένα σωτήριο άχυρο, με την προσκόλληση στο οποίο ένα άτομο μπορεί να περάσει από πολλά και να επιβιώσει. Η εσωτερική γαλήνη, η φαντασία και η δημιουργικότητα έσωσαν πολλές ζωές σε δύσκολες στιγμές. Ο Leonid Tishkov είναι σίγουρος ότι η τέχνη απελευθερώνει, απελευθερώνει στην ελευθερία και μπορεί να δώσει σε ένα άτομο μια αίσθηση εσωτερικής ελευθερίας, ακόμα κι αν στην πραγματικότητα του στερείται.

Νομίζω ότι ο Leonid Tishkov έχει δίκιο. Η τέχνη βοηθά να επιβιώσει, βοηθά τους ανθρώπους να κατανοήσουν την κατάσταση, να δουν τα πράγματα σωστά, μερικές φορές χωρίς καν να υποψιαστούν την πραγματική της δύναμη. Πολλά παραδείγματα μπορούν να δοθούν για να επιβεβαιωθεί η ιδέα που εκφράζεται.

Στάλινγκραντ. Γίνονται οδομαχίες. Η μια πλευρά του δρόμου είναι κατειλημμένη από τους αγωνιστές μας, την άλλη από τους φασίστες. Η φωτιά δεν σταματά ούτε μέρα ούτε νύχτα. Αλλά μια μέρα, το βράδυ, ένας λοχίας βγαίνει από την πόρτα του σπιτιού στο δρόμο. Κατευθύνεται προς τη μέση της διασταύρωσης, όπου ανάμεσα στα ερείπια μπορεί κανείς να δει ένα πιάνο καλυμμένο με σκόνη από τούβλα, αλλά κατά κάποιο τρόπο διατηρημένο ως εκ θαύματος. Οι στρατιώτες μας κοιτάζουν τον λοχία με σύγχυση και ανησυχία. Όλα θα μπορούσαν να τελειώσουν ανά πάσα στιγμή... Οι άνθρωποι από την άλλη πλευρά κοιτάζουν επίσης σαστισμένοι.

Ο λοχίας παίρνει το δρόμο προς το πιάνο, σηκώνει το καπάκι και αρχίζει να παίζει. Ούτε μια βολή δεν σπάει τη σιωπή. Όλα αυτά φαίνονται σαν κάποιο είδος απίστευτης μαγείας, κάποιου είδους θαύμα. Σαν από μια παλιά ειρηνική ζωή, οι ήχοι του «Βαλς» του Φρίντερικ Σοπέν έφτασαν στους στρατιώτες. Όλοι ακούν σαν μαγεμένοι. Οι μηχανές σώπασαν.

Αποδεικνύεται ότι η δύναμη της μουσικής είναι μεγαλύτερη από τη δύναμη του πολέμου. Τι είναι όμως αυτή η δύναμη; Είναι ένα υπέροχο σύμβολο ειρήνης και ζωής. Αυτή είναι η δύναμή της. Ας είναι για λίγο, αλλά Ομορφη μουσικήσταμάτησε τη μάχη. Αυτό σημαίνει ότι ο Fyodor Mikhailovich Dostoevsky είχε δίκιο όταν έλεγε ότι η ομορφιά θα σώσει τον κόσμο.

Η τέχνη εμπλουτίζει πνευματικός κόσμοςένα άτομο και έτσι τον ανεβάζει σε ένα άλλο υψηλότερο επίπεδο. Ο D. Likhachev είπε σχετικά: «Φωτίζει και ταυτόχρονα αγιάζει τη ζωή ενός ανθρώπου. Τον κάνει πιο ευγενικό και επομένως πιο χαρούμενο».

Ακόμη και στις πιο απελπιστικές στιγμές, χάρη στην τέχνη, η ελπίδα επιστρέφει στον άνθρωπο. Αυτός είναι ο σκοπός και η δύναμη της τέχνης.

Valeria Gumovskaya©

ΚΑΛΛΙΤΕΧΝΙΚΗ ΔΗΜΙΟΥΡΓΙΚΟΤΗΤΑ - η διαδικασία δημιουργίας νέων αισθητικών αξιών καλλιτεχνικής δημιουργικότητας είναι στοιχείο όλων των τύπων κοινωνικής και παραγωγικής δραστηριότητας ενός ατόμου, αλλά στην πλήρη ποιότητά του βρίσκει έκφραση στη δημιουργία και απόδοση έργων τέχνης. Ο ιδεολογικός και αισθητικός προσανατολισμός της δημιουργικότητας καθορίζεται από την κοινωνική και ταξική θέση του καλλιτέχνη, την κοσμοθεωρία και το αισθητικό του ιδανικό.

Η δημιουργικότητα στην τέχνη είναι καινοτομία τόσο στο περιεχόμενο όσο και στη μορφή των καλλιτεχνικών έργων. Η ικανότητα να σκέφτεσαι παραγωγικά είναι σίγουρα ένα υποχρεωτικό σημάδι ταλέντου. Όμως η καινοτομία δεν είναι αυτοσκοπός. Η δημιουργικότητα είναι απαραίτητη προκειμένου το προϊόν της αισθητικής δραστηριότητας να έχει καινοτομία και κοινωνική σημασία. ώστε η δημιουργία και ο τρόπος χρήσης του να ανταποκρίνονται στα ενδιαφέροντα των προχωρημένων τάξεων και να συμβάλλουν στην κοινωνικοπολιτιστική πρόοδο. Σε αντίθεση με τους φορμαλιστές αισθητικούς, που θεωρούν τη δημιουργικότητα πρωτίστως μόνο ως κατασκευή νέων μορφών και δομών, οι μαρξιστές αισθητικοί προέρχονται από το γεγονός ότι το ευρετικό έργο στην τέχνη χαρακτηρίζεται από τη δημιουργία νέων κοινωνικών αξιών στο πλαίσιο τέτοιων δομών.

Η καλλιτεχνική δημιουργικότητα είναι αδιαχώριστη από την ανάπτυξη της πολιτιστικής κληρονομιάς, από την οποία ο καλλιτέχνης επιλέγει αυθόρμητα ή συνειδητά παραδόσεις που έχουν προοδευτικό νόημα και αντιστοιχούν στην ατομικότητά του. Η δημιουργικότητα, αφενός, προϋποθέτει την αποδοχή και ανάπτυξη ορισμένων παραδόσεων, αφετέρου την απόρριψη κάποιων από αυτές, την υπέρβασή τους. Η δημιουργική διαδικασία είναι μια διαλεκτική ενότητα δημιουργίας και άρνησης. Το κύριο πράγμα σε αυτή την ενότητα είναι η δημιουργία. Το κήρυγμα της αυτοκατευθυνόμενης καταστροφής, χαρακτηριστικό πολλών θεωρητικών της παρακμής και του μοντερνισμού, μετατρέπεται σε ψευδο-καινοτομία, στραγγίζοντας τις δημιουργικές δυνατότητες του καλλιτέχνη. Για να προχωρήσετε στην τέχνη χωρίς να επαναλάβετε κανέναν, πρέπει να γνωρίζετε καλά τα επιτεύγματα των προκατόχων σας.

Από την άποψη της κοινωνικο-γνωστικής δημιουργικότητας είναι μια εικονιστική αντανάκλαση του αντικειμενικού κόσμου, του νέου του οράματος και κατανόησής του από τον καλλιτέχνη. Λειτουργεί επίσης ως πραγματοποίηση της προσωπικότητας και της εμπειρίας ζωής του καλλιτέχνη. Η αυτοέκφραση, υποκειμενικής φύσης, δεν αντιτίθεται στο αντικειμενικό, αλλά είναι μια μορφή αντανάκλασής του σε ένα έργο τέχνης. Σε αυτή την περίπτωση, αυτή η αυτοέκφραση αποδεικνύεται ταυτόχρονα έκφραση γενικά έγκυρων, λαϊκών και ταξικών ιδεών.

Η ελευθερία της φαντασίας, η φαντασία και η διαίσθηση, το εύρος της προοπτικής, η επιθυμία για μια ολοκληρωμένη γνώση της ύπαρξης είναι απαραίτητα συστατικά της δημιουργικότητας. Ταυτόχρονα, ο καλλιτέχνης χρειάζεται επίσης αυτοσυγκράτηση στην επιλογή και ερμηνεία του υλικού ζωής, συγκέντρωση και επιλεκτικότητα της προσοχής, αυστηρή πειθαρχία του νου και της καρδιάς. Μια ολιστική καλλιτεχνική εικόνα, στην οποία προκύπτει η δημιουργική διαδικασία, γεννιέται μόνο όταν ο καλλιτέχνης είναι σε θέση να δει και να κατανοήσει βαθιά ό,τι είναι φυσικό και τυπικό μέσα από καταστάσεις ζωής και γεγονότα της δικής του βιογραφίας. Υπό αυτή την ιδιότητα, η καλλιτεχνική δημιουργικότητα λειτουργεί ως δημιουργικότητα σύμφωνα με τους «νόμους της ομορφιάς» (Κ. Μαρξ).

Η δημιουργικότητα στην τέχνη είναι η δημιουργία κάτι που αντανακλά τον πραγματικό κόσμο, γύρω από ένα άτομο. Χωρίζεται σε τύπους σύμφωνα με τις μεθόδους υλοποίησης υλικού. Η δημιουργικότητα στην τέχνη ενώνεται με ένα καθήκον - την εξυπηρέτηση της κοινωνίας.

Ταξινόμηση

Το σύγχρονο σύστημα διαίρεσης της τέχνης, καθώς και εκείνων που συνδέονται με αυτήν, περιλαμβάνει τρεις ξεχωριστές κατηγορίες.

Η πρώτη ομάδα περιλαμβάνει είδη τέχνης που γίνονται αντιληπτά οπτικά. Αυτά περιλαμβάνουν:

• Δημιουργικότητα τέχνης και χειροτεχνίας.
• Η τέχνη της αρχιτεκτονικής.
• Δημιουργικότητα στις εικαστικές τέχνες.
• Η τέχνη των γλυπτικών εικόνων.
• Ζωγραφική.
• Η καλλιτεχνική φωτογραφία ως μορφή δημιουργικότητας.

Η δεύτερη ομάδα περιλαμβάνει είδη τέχνης μακροπρόθεσμου χαρακτήρα. Αυτό:

• Η μυθοπλασία ως ένα τεράστιο στρώμα πολιτισμού, που αποτελείται από πολυάριθμες δημιουργικές μεθόδους δημιουργίας έργων.
• Η μουσική σε όλη της την ποικιλομορφία ως αντανάκλαση δημιουργικές διαδικασίεςστην τέχνη.

Μερικοί τύποι μπορούν να συσχετιστούν μεταξύ τους, όπως, για παράδειγμα, μια μουσική όπερα συντίθεται με τη λογοτεχνία όταν δημιουργείται ένα λιμπρέτο.

Η τρίτη ομάδα αποτελείται από χωροχρονικούς τύπους δημιουργικότητας, που γίνονται αντιληπτοί τόσο οπτικά όσο και ακουστικά:

• Θεατρικές τέχνες.
• Η τέχνη της χορογραφίας, του μιούζικαλ, του μπαλέτου.
• Κινηματογραφική τέχνη.
• Είδος παράστασης τσίρκου.

Δημιουργικότητα στην τέχνη των μεμονωμένων μορφών

Περιεκτικός ζωγραφική τέχνηςδεν μπορεί να δημιουργηθεί με βάση ένα είδος τέχνης. Ακόμη και τέτοιες ακαδημαϊκές μορφές όπως η ζωγραφική ή η γλυπτική απαιτούν πρόσθετα μέσα - οι πίνακες πρέπει να τοποθετούνται σε ένα όμορφο πλαίσιο και το γλυπτό πρέπει να φωτίζεται σωστά.

Ως εκ τούτου, προκύπτει ένα αρκετά ευρύ πεδίο για τη χρήση διαφόρων δημιουργικών διαδικασιών στην τέχνη, άλλες μπορεί να είναι θεμελιώδεις, άλλες βοηθητικές, αλλά σε κάθε περίπτωση, και οι δύο θα είναι χρήσιμες. Παραδείγματα δημιουργικότητας στην τέχνη μπορούν να δοθούν ατελείωτα. Υπάρχουν πολλές διαβαθμίσεις εδώ, αλλά όλες ακολουθούν μια γενική διατύπωση: η μεγάλη τέχνη απαιτεί υψηλά πρότυπα δημιουργικότητας, πολιτιστικές κατηγορίεςΟι μικρότεροι ικανοποιούνται με χαμηλότερο δημιουργικό επίπεδο.

Η κατάσταση είναι διαφορετική στον τομέα της επιστήμης. Ένα χαμηλό επίπεδο επαγγελματισμού είναι απολύτως απαράδεκτο εκεί. και η τέχνη είναι ασύγκριτα πράγματα. Η επιστήμη δεν συγχωρεί τα λάθη και η τέχνη μπορεί να μετατρέψει τις όποιες σχετικές ελλείψεις σε καλό.

Ταλέντο και τεχνολογία

Η δημιουργικότητα στην τέχνη των μικρών μορφών, όπως οι μικρές πλαστικές τέχνες στις τέχνες και οι χειροτεχνίες ή τα σκηνικά σκίτσα στο θέατρο, δεν απαιτεί υψηλή επαγγελματική κατάρτιση. Για να πετύχετε σε αυτό το είδος δημιουργικότητας, αρκεί να έχετε ένα ορισμένο ταλέντο και να κατέχετε τις τεχνολογίες για την κατασκευή καλλιτεχνικών προϊόντων ή να έχετε την ικανότητα να θεατρικές παραγωγές. Στη λογοτεχνία, για να γράψεις ένα διήγημα ή ένα δοκίμιο, δεν χρειάζεται να είσαι συγγραφέας, αρκεί να έχεις καλό γούστο και να μπορείς να εκφράσεις τις σκέψεις σου με ικανοποίηση.

Ένας από τους τομείς του πολιτισμού όπου ένα άτομο μπορεί να εφαρμόσει με επιτυχία το δημιουργικό του δυναμικό είναι Καλλιτεχνική αξίατα προϊόντα λαϊκών τεχνών και χειροτεχνίας μπορεί να είναι αρκετά υψηλά εάν οι μάστορες της χειροτεχνίας τους δουλεύουν. Εκτός από την αριστοτεχνική κατασκευή χειροτεχνιών, πρέπει πρώτα να επιλέξετε απαιτούμενο υλικό, και μόνο ένας έμπειρος τεχνίτης μπορεί να αντιμετωπίσει αυτό το έργο.

Χρησιμότητα

Η δημιουργικότητα στην τέχνη ενός διακοσμητικού και εφαρμοσμένου καλλιτέχνη είναι η δημιουργία καλλιτεχνικού είδη οικιακής χρήσης. Κατά κανόνα, τα προϊόντα αυτά ανήκουν στη λαογραφία, ανεξάρτητα από το αν χρησιμοποιούνται για τον προορισμό τους ή τοποθετούνται ως εκθέματα σε μια έκθεση. Στην κατασκευή διακοσμητικών ειδών χρησιμοποιούνται φυσικά υλικά: κόκκαλο, πέτρα, ξύλο, πηλός.

Οι μέθοδοι επεξεργασίας των πρώτων υλών είναι επίσης σχετικά απλές - είναι χειρωνακτική εργασία χρησιμοποιώντας απλά εργαλεία και τεχνική, που χρησιμοποιείται σήμερα, μπήκε σύγχρονος κόσμοςαπό το μακρινό παρελθόν.

Τοπική υπαγωγή

Οι λαϊκές τέχνες και χειροτεχνίες, που αποτελούν τη βάση των διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών στη Ρωσία, διανέμονται ανά περιοχή, κάθε τύπος ανήκει σε μια συγκεκριμένη περιοχή:

• σκάλισμα οστών - Kholmogory, Khotkovo;
• κέντημα - Βλαντιμίρ χρυσοκέντημα?
• μεταλλικά προϊόντα τέχνης - κόκκινο ασήμι του Veliky Ustyug.
• - Σάλια Pavlovo Posad
• ύφανση δαντέλας - Vologda, Mikhailovskoe;
• Ρωσικά κεραμικά - Gzhel, Skopino, Dymkovo παιχνίδι, Kargopol.
• γραφικές μινιατούρες - Palekh, Mstera, Kholui.
• ξύλινα σκαλίσματα - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya.
• ζωγραφική σε ξύλο - Khokhloma, Gorodetskaya, Fedoskino.

Γλυπτική

Η τέχνη της δημιουργίας ανάγλυφων γλυπτών έχει τις ρίζες της στον Μεσαίωνα. Η γλυπτική ως ωραία τέχνη ενσαρκώνει τον πραγματικό κόσμο σε καλλιτεχνικές εικόνες. Τα υλικά που χρησιμοποιούνται για τη δημιουργία γλυπτών είναι πέτρα, μπρούτζος, μάρμαρο, γρανίτης, ξύλο. Σε ιδιαίτερα μεγάλης κλίμακας έργα, χρησιμοποιούνται σκυρόδεμα, οπλισμός χάλυβα και διάφορα πλαστικοποιημένα πληρωτικά.

Τα γλυπτά χωρίζονται συμβατικά σε δύο τύπους: ανάγλυφα και τρισδιάστατα τρισδιάστατα. Και τα δύο χρησιμοποιούνται ευρέως για τη δημιουργία μνημείων, μνημείων και μνημείων. Τα ανάγλυφα γλυπτά, με τη σειρά τους, χωρίζονται σε τρεις υποκατηγορίες:

• ανάγλυφο - χαμηλή ή μεσαία ανάγλυφη εικόνα.
• υψηλή ανακούφιση - υψηλή ανακούφιση?
• αντί-ανάγλυφο - ένθετη εικόνα.

Κάθε γλυπτό μπορεί να ταξινομηθεί και να κατηγοριοποιηθεί ως καβαλέτο, διακοσμητικό ή μνημειακό. Τα γλυπτά καβαλέτο είναι, κατά κανόνα, μουσειακά εκθέματα. Βρίσκονται σε εσωτερικούς χώρους. Τοποθετούνται διακοσμητικά σε δημόσιους χώρους, πάρκα, πλατείες, οικόπεδα κήπου. στέκεστε πάντα σε δημόσιους χώρους που επισκέπτεστε συχνά, σε πλατείες πόλεων, κεντρικούς δρόμους και σε κοντινή απόσταση από κυβερνητικά ιδρύματα.

Αρχιτεκτονική

Η χρηστική αρχιτεκτονική εμφανίστηκε πριν από περίπου τέσσερις χιλιάδες χρόνια και άρχισε να αποκτά σημάδια καλλιτεχνίας λίγο πριν τη Γέννηση του Χριστού. Η αρχιτεκτονική θεωρείται ανεξάρτητη μορφή τέχνης από τις αρχές του δωδέκατου αιώνα, όταν οι αρχιτέκτονες άρχισαν να χτίζουν γοτθικά κτίρια στις ευρωπαϊκές χώρες.

Η δημιουργικότητα στην τέχνη της αρχιτεκτονικής είναι η δημιουργία κτιρίων που είναι μοναδικά από καλλιτεχνική άποψη. Ένα καλό παράδειγμαΤα έργα του Ισπανού αρχιτέκτονα Antonio Gaudi, τα οποία βρίσκονται στη Βαρκελώνη, μπορούν να θεωρηθούν δημιουργικότητα στην κατασκευή κτιρίων κατοικιών.

Βιβλιογραφία

Οι χωροχρονικές ποικιλίες τέχνης είναι οι πιο περιζήτητες και δημοφιλείς κατηγορίες αποδεκτές στην κοινωνία. Η λογοτεχνία είναι ένα είδος δημιουργικότητας στην οποία ο θεμελιώδης παράγοντας είναι η καλλιτεχνική λέξη. Ρωσικός πολιτισμόςο δέκατος όγδοος-19ος αιώνας γνώριζε πολλούς λαμπρούς συγγραφείςκαι ποιητές.

Η δημιουργικότητα στην τέχνη του Αλεξάντερ Σεργκέεβιτς Πούσκιν, του μεγάλου Ρώσου ποιητή, ήταν εξαιρετικά γόνιμη, γιατί σύντομη ζωήδημιούργησε μια ολόκληρη σειρά αθάνατα έργαστην ποίηση και την πεζογραφία. Σχεδόν όλα θεωρούνται αριστουργήματα της λογοτεχνίας. Κάποια περιλαμβάνονται στη λίστα με τις λαμπρές δημιουργίες παγκόσμιας σημασίας.

Η δημιουργικότητα του Lermontov στην τέχνη άφησε επίσης αξιοσημείωτο σημάδι. Τα έργα του είναι σχολικά, κλασικά στην ουσία. Ο ποιητής πέθανε επίσης νωρίς, σε ηλικία είκοσι έξι ετών. Κατάφερε όμως να αφήσει πίσω του μια ανεκτίμητη κληρονομιά, αριστουργηματικά ποιήματα και πολλά ποιήματα.

Ο λαμπρός Ρώσος συγγραφέας Νικολάι Βασίλιεβιτς Γκόγκολ άφησε το στίγμα του στη ρωσική λογοτεχνία του δέκατου ένατου αιώνα. Ο συγγραφέας έζησε και εργάστηκε στα χρόνια της ακμής του Ρωσική κοινωνία. Η τέχνη στα έργα του Γκόγκολ αντιπροσωπεύεται από πολλά έργα υψηλής τέχνης που περιλαμβάνονται στο Χρυσό Ταμείο του ρωσικού πολιτισμού.

Χορογραφία και μπαλέτο

Η τέχνη του χορού ξεκίνησε στη Ρωσία στην αρχαιότητα. Οι άνθρωποι άρχισαν να επικοινωνούν αρχικά στη γλώσσα του χορού κατά τη διάρκεια των εορτασμών. Στη συνέχεια οι χοροί πήραν τη μορφή θεατρικών παραστάσεων και εμφανίστηκαν επαγγελματίες χορευτές και μπαλαρίνες. Στην αρχή, η πίστα ήταν η σκηνή ενός θαλάμου ή η αρένα μιας σκηνής τσίρκου. Στη συνέχεια άρχισαν να ανοίγουν στούντιο, στα οποία γίνονταν πρόβες και παραστάσεις μπαλέτου. Ο όρος «χορογραφία» έχει μπει σε χρήση, που σημαίνει «η τέχνη του χορού».

Το μπαλέτο έγινε γρήγορα μια δημοφιλής μορφή δημιουργικότητας, ειδικά αφού ο χορός συνοδευόταν απαραίτητα από μουσική, πιο συχνά κλασική. Το κοινό του θεάτρου χωρίστηκε σε δύο στρατόπεδα: τους λάτρεις των δραματικών παραστάσεων ή της όπερας και εκείνους που προτιμούν να παρακολουθήσουν μια παράσταση χορού στο θεατρική σκηνήμε μουσική συνοδεία.

Κινηματογραφική τέχνη

Το πιο δημοφιλές και σε μαζική μορφήη τέχνη είναι κινηματογράφος. Τον τελευταίο μισό αιώνα έχει αντικατασταθεί από την τηλεόραση, αλλά εκατομμύρια άνθρωποι εξακολουθούν να πηγαίνουν στους κινηματογράφους. Τι εξηγεί την τόσο μεγάλη ζήτηση για τον κινηματογράφο; Πρώτα απ 'όλα, η ευελιξία αυτής της μορφής τέχνης. Οποιοδήποτε λογοτεχνικό έργο μπορεί να κινηματογραφηθεί και θα γίνει ακόμα πιο ενδιαφέρον σε μια νέα ανάγνωση. Παραστάσεις μπαλέτου, δημοφιλείς επιστημονικές ιστορίες - όλα αυτά μπορούν επίσης να προβληθούν στους κινηματογραφόφιλους.

Υπάρχει μια ολόκληρη βιομηχανία παραγωγής ταινιών, η βάση της οποίας αποτελείται από μεγάλα κινηματογραφικά στούντιο, όπως το Metro-Goldwyn-Mayer, η 20th Century Fox, η Paramount Pictures και αρκετά άλλα. Όλες οι μεγάλες εταιρείες παραγωγής ταινιών βρίσκονται στο Χόλιγουντ, μια ειδική περιοχή της αμερικανικής πόλης του Λος Άντζελες. Εκατοντάδες μικρότερα κινηματογραφικά στούντιο είναι διάσπαρτα σε όλο τον κόσμο. Το «Dream Factory» είναι αυτό που ονομάζεται παγκόσμιος κινηματογράφος και αυτός είναι ένας πολύ ακριβής ορισμός.