Διάσημες μορφές του ρωσικού πολιτισμού του 19ου αιώνα. Ξένοι καλλιτέχνες του 19ου αιώνα: οι πιο εξέχουσες μορφές της καλών τεχνών και η κληρονομιά τους

Ρωσική τέχνη του πρώτου ημιχρόνου XIX αιώνας. Η εθνική έξαρση που σχετίζεται με τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812. Ο πόλεμος και η εξέγερση των Δεκεμβριστών στη ρωσική κουλτούρα του πρώτου τρίτου του αιώνα Οξείες αντιφάσεις της εποχής του 40. Ρομαντικά μοτίβα στη λογοτεχνία και την τέχνη, όπως είναι φυσικό για τη Ρωσία, η οποία εμπλέκεται στην πανευρωπαϊκή πολιτιστική διαδικασία για περισσότερο από έναν αιώνα.

Η διαδρομή από τον κλασικισμό στον κριτικό ρεαλισμό μέσω του ρομαντισμού.

Ο αυξημένος κοινωνικός ρόλος του καλλιτέχνη, η σημασία της προσωπικότητάς του, το δικαίωμα στην ελευθερία της δημιουργικότητας, στο οποίο τίθενται όλο και περισσότερο κοινωνικά και ηθικά προβλήματα.

η δημιουργία καλλιτεχνικών εταιρειών και ειδικών περιοδικών («Ελεύθερη Εταιρεία Λοτρών της Λογοτεχνίας, της Επιστήμης και των Τεχνών», «Εφημερίδα Καλών Τεχνών», «Εταιρεία για την Ενθάρρυνση των Καλλιτεχνών», «Ρωσικό Μουσείο», «Ρωσική Πινακοθήκη»), επαρχιακές σχολές τέχνης Το κυρίαρχο στυλ αυτής της εποχής ήταν ο ώριμος, ή υψηλός, ο κλασικισμός (στυλ της Ρωσικής Αυτοκρατορίας). Η αρχιτεκτονική του πρώτου τρίτου του αιώνα αποτελεί λύση σε μεγάλα πολεοδομικά προβλήματα. Στην Αγία Πετρούπολη ολοκληρώνεται η διάταξη των κεντρικών πλατειών της πρωτεύουσας: των πλατειών Ντβορτσοβάγια και Γερουσίας. Μετά την πυρκαγιά του 1812, η Μόσχα χτίστηκε ιδιαίτερα εντατικά. Η αρχαιότητα στην ελληνική (και μάλιστα αρχαϊκή) εκδοχή της γίνεται η ιδανική. Χρησιμοποιείται η δωρική (ή τοσκανική) τάξη, αυστηρή και λακωνική. Η γλυπτική, η οποία έχει ένα ορισμένο σημασιολογικό νόημα, παίζει τεράστιο ρόλο στη συνολική εμφάνιση του κτιρίου. Το χρώμα αποφασίζει πολύ συνήθως η αρχιτεκτονική του υψηλού κλασικισμού είναι δίχρωμη: οι κολώνες και τα αγάλματα από γυψομάρμαρο είναι λευκά, το φόντο είναι κίτρινο ή σκουλαρίκια. Μεταξύ των κτιρίων, η κύρια θέση καταλαμβάνεται από δημόσια κτίρια: θέατρα, τμήματα, εκπαιδευτικά ιδρύματα και ναοί χτίζονται πολύ λιγότερο. Α. Βορονίχιν - κορυφαίος αρχιτέκτονας της Αγίας Πετρούπολης του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. («Ρωσική Αυτοκρατορία στυλ»), «σκέψη σε σύνολα»: ένα παλάτι ή ένα θέατρο μετατράπηκε σε πολεοδομικό κόμβο πλατειών και νέων δρόμων (Παλάτι Μιχαηλόφσκι, τώρα Ρωσικό Μουσείο, το κτίριο του θεάτρου Αλεξάνδρεια, το κτίριο της Γερουσίας στο η περίφημη πλατεία της Γερουσίας). «Ο πιο αυστηρός» από όλους τους αρχιτέκτονες του ύστερου κλασικισμού Β. Στάσο V(στρατώνες Pavlovsk στο Πεδίο του Άρη, το «Στάβλο Τμήμα» στο ανάχωμα Moika, ο καθεδρικός ναός του συντάγματος Izmailovsky, οι θριαμβευτικές πύλες Narva και Moscow, οι εσωτερικοί χώροι του Χειμερινού Παλατιού μετά τη φωτιά), που παντού τονίζει τη μάζα , την πλαστική του βαρύτητα, στατικότητα, εντυπωσιασμό και βαρύτητα. Ο καθεδρικός ναός του Αγίου Ισαάκ στην Αγία Πετρούπολη (A. Montferrand) είναι ένα από τα τελευταία εξαιρετικά μνημεία θρησκευτικής αρχιτεκτονικής στην Ευρώπη του 19ου αιώνα, που ένωσε τις καλύτερες δυνάμεις αρχιτεκτόνων, γλυπτών, ζωγράφων, κτιστών και χυτηρίων, ένα παράδειγμα κλασικισμού χάνει την αρμονία, τη βαρύτητα και την πολυπλοκότητά του.

Η σύνδεση μεταξύ της γλυπτικής του πρώτου μισού του αιώνα και της ανάπτυξης της αρχιτεκτονικής: τα αγάλματα του Barclay de Tolly και του Kutuzov στον Καθεδρικό Ναό του Καζάν (B. Orlovsky), που έδωσαν στα σύμβολα της ηρωικής αντίστασης ένα όμορφο αρχιτεκτονικό πλαίσιο Ρωσική γλυπτική της δεκαετίας 30-40 του 19ου αιώνα. (“The Guy Playing Knuckles” του N. Pimenov, “The Guy Playing Pile” του A. Loganovsky Δύο κατευθύνσεις στη γλυπτική των μέσων του αιώνα: η μία, προερχόμενη από τα κλασικά, αλλά έρχεται σε στεγνό ακαδημαϊσμό). Το άλλο αποκαλύπτει μια επιθυμία για μια πιο άμεση και πολύπλευρη αντανάκλαση της πραγματικότητας, έγινε ευρέως διαδεδομένη στο δεύτερο μισό του αιώνα, αλλά και οι δύο κατευθύνσεις έχασαν σταδιακά τα χαρακτηριστικά του μνημειακού στυλ.

Οι πραγματικές επιτυχίες της ζωγραφικής στον ρομαντισμό. Στο είδος του πορτραίτου, την πρωταγωνιστική θέση κατέχουν Ο. Κιπρένσκι (ο πίνακας «Dmitry Donskoy αφού κέρδισε τη νίκη επί του Mamai», που έδωσε το δικαίωμα στο ταξίδι ενός συνταξιούχου στο εξωτερικό· πορτρέτα του E. Rostopchin, D. Khvostov, του αγοριού Chelishchev, Συνταγματάρχης της Ζωής των Ουσάρων E. Davydov - μια συλλογική εικόνα του ήρωα του πολέμου του 1812).

Ο ρομαντισμός βρίσκει την έκφρασή του στο τοπίο. S. Shchedrin (“View of Naples on a Moonlit Night”) ήταν ο πρώτος που ανακάλυψε την plein air ζωγραφική για τη Ρωσία: ζωγράφισε σκίτσα στο ύπαιθρο και ολοκλήρωσε τον πίνακα (“διακοσμημένο”) στο στούντιο.

Στα τελευταία έργα του Shchedrin, το ενδιαφέρον του για τα εφέ φωτός και σκιάς γινόταν όλο και πιο εμφανές. Όπως ο προσωπογράφος Kiprensky και ο ζωγράφος μάχης Orlovsky, ο τοπιογράφος Shchedrin ζωγράφιζε συχνά σκηνές του είδους. Διάθλαση του καθημερινού είδους σε πορτρέτα (πορτρέτο του γιου του Arseny, πορτρέτο του Bulakhov), ενός καλλιτέχνη που απελευθερώθηκε από τη δουλοπαροικία μόλις σε ηλικία 45 ετών. Τα καλύτερα από τα πορτρέτα του Tropinin χαρακτηρίζονται από υψηλή καλλιτεχνική τελειότητα, ειλικρίνεια των εικόνων, ζωντάνια και αυθορμητισμό, που τονίζονται από τον επιδέξιο φωτισμό.

Ο Tropinin εισήγαγε μόνο ένα στοιχείο του είδους στο πορτρέτο. "Ο πατέρας του ρωσικού καθημερινού είδους" - Α. Βενετσιάνοφ

(«Θεριστές», «Άνοιξη. Στο οργωμένο χωράφι», «Χωρική με κενταύριο», «Πρωί του γαιοκτήμονα»), ο οποίος συνδύαζε στο έργο του στοιχεία κλασικισμού, ρομαντισμού, συναισθηματισμού και νατουραλισμού, π.χ. Όλα τα «ζωντανά» καλλιτεχνικά κινήματα στις αρχές του 19ου αιώνα δεν αποκάλυψε τις οξείες συγκρούσεις στη ζωή ενός χωρικού, δεν έθεσε «ακανθώδη ζητήματα» της εποχής μας. Ζωγράφισε την πατριαρχική ζωή, αλλά δεν εισήγαγε την ποίηση απ' έξω, δεν την επινόησε, αλλά την άντλησε από την ίδια τη ζωή των ανθρώπων. Η ανάπτυξη της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής της δεκαετίας του 30-40 υπό το σημάδι του ρομαντισμού. «Η ιδιοφυΐα του συμβιβασμού» μεταξύ των ιδανικών του κλασικισμού και των καινοτομιών του ρομαντισμού - K. Bryullov (Ο «Νάρκισσος» είναι ένα σκίτσο που μετατράπηκε σε πίνακα· «Η τελευταία μέρα της Πομπηίας» είναι το κύριο έργο του καλλιτέχνη, που δείχνει το μεγαλείο και την αξιοπρέπεια του ανθρώπου μπροστά στο θάνατο. Η κεντρική φιγούρα στη ζωγραφική του μέσου αιώνα). Α. Ιβάνοφ

(ο πίνακας «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», που αντικατοπτρίζει την παθιασμένη πίστη του καλλιτέχνη στην ηθική μεταμόρφωση των ανθρώπων, στη βελτίωση του ανθρώπου που αναζητά την ελευθερία και την αλήθεια). Οι κύριες πηγές για τη ζωγραφική του είδους του δεύτερου μισού του αιώνα βρίσκονται στη δημιουργικότητα Π. Φεντότοβα

, ο οποίος κατάφερε να εκφράσει το πνεύμα της Ρωσίας στη δεκαετία του '40 Η διαδρομή από την απλή καθημερινή ζωή στην εφαρμογή των προβλημάτων της ρωσικής ζωής: «Το Major's Matchmaking» (εκθέτοντας τους γάμους εξαθλιωμένων ευγενών με εμπορικές «τσάντες με χρήματα». ), «The Picky Bride» (μια σάτιρα για τους κανονισμένους γάμους), «Aristocrat’s Breakfast» (εκθέτοντας το κενό ενός κοινωνικού που ρίχνει σκόνη στα μάτια), «Άγκυρα, περισσότερη άγκυρα!» (τραγική αίσθηση του ανούσιου της ύπαρξης), “Fresh Cavalier”...Η τέχνη του Fedotov ολοκληρώνει την ανάπτυξη της ζωγραφικής στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. και ανοίγει ένα νέο στάδιο - την τέχνη του κριτικού (δημοκρατικού) ρεαλισμού. XIX Ρωσική τέχνη του δεύτερου ημιχρόνου . Η γλυπτική και η αρχιτεκτονική αναπτύχθηκαν λιγότερο γρήγορα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Τα μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης του κλασικισμού έρχονται σε αντίθεση με τα καθήκοντα που έθεσε η αρχιτεκτονική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Ο ιστορικισμός (αναδρομική στιλοποίηση, εκλεκτικισμός) ως αντίδραση στην κανονικότητα του κλασικιστικού στυλ. Οι νέοι τύποι κτιρίων της καπιταλιστικής περιόδου απαιτούσαν νέες και ποικίλες συνθετικές λύσεις, τις οποίες οι αρχιτέκτονες άρχισαν να αναζητούν στις διακοσμητικές μορφές του παρελθόντος, χρησιμοποιώντας γοτθικά, αναγεννησιακά, μπαρόκ και ροκοκό μοτίβα.

Δεκαετία 1840: πάθος για την Αναγέννηση, Μπαρόκ, Ροκοκό. Ορισμένοι εσωτερικοί χώροι, συμπεριλαμβανομένου του παλατιού Νικολάεφσκι, είναι σχεδιασμένοι στο πνεύμα του νεομπαρόκ και της νεοαναγέννησης. Στη δεκαετία του 70-80, οι κλασικιστικές παραδόσεις στην αρχιτεκτονική εξαφανίστηκαν. Η εισαγωγή μεταλλικών επικαλύψεων και κατασκευών από μεταλλικό σκελετό ζωντάνεψε την ορθολογική αρχιτεκτονική με τις νέες λειτουργικές και εποικοδομητικές της έννοιες.

Τεχνική και λειτουργική σκοπιμότητα στην κατασκευή νέων τύπων κτιρίων: βιομηχανικά και διοικητικά, σταθμοί, περάσματα, αγορές, νοσοκομεία, τράπεζες, γέφυρες, θεατρικές και ψυχαγωγικές εγκαταστάσεις.

Η κρίση του μνημειοκρατισμού επηρέασε και την ανάπτυξη της μνημειακής γλυπτικής. Τα μνημεία γίνονται υπερβολικά αξιολύπητα, κλασματικά στη σιλουέτα, λεπτομερή (μνημείο της Αικατερίνης Β' στην Αγία Πετρούπολη) ή οικεία στο πνεύμα (μνημείο του Πούσκιν στη Μόσχα στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα). Η γλυπτική καβαλέτο αναπτύσσεται, κυρίως είδος, αφήγηση, μοιάζει με ζωγραφική είδους μεταφρασμένη σε γλυπτική (M. Chizhov «A Peasant in Trouble», V. Beklemishev «Country Love»). Αναπτύσσεται το ζωϊκό είδος (E. Lancer και A. Aubert), το οποίο έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη της ρωσικής ρεαλιστικής γλυπτικής μικρών μορφών.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η κριτική στάση απέναντι στην πραγματικότητα, οι έντονες πολιτικές και ηθικές θέσεις και ο οξύς κοινωνικός προσανατολισμός ήταν επίσης χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, στην οποία διαμορφώθηκε ένα νέο καλλιτεχνικό σύστημα όρασης, που εκφραζόταν με κριτικό ρεαλισμό μεταξύ ζωγραφικής και λογοτεχνίας. Καλλιτέχνες ως εικονογράφοι, απλοί ερμηνευτές οξέων κοινωνικών προβλημάτων της ρωσικής κοινωνίας. Η ψυχή της κριτικής κίνησης στη ζωγραφική , που έπιασε το έργο του Φεντότοφ και κατάφερε να δείξει απλά και οδυνηρά πτυχές της απλής καθημερινότητας: την αντιαισθητική εμφάνιση του κλήρου («Αγροτική πομπή το Πάσχα»), την απελπιστική ζωή των Ρώσων αγροτών («Αποχαιρετισμός στους νεκρούς»), ζωή των φτωχών των πόλεων («Τρόικα») και της διανόησης («Η άφιξη της κυβερνήτη στο σπίτι του εμπόρου»).

Ο αγώνας για το δικαίωμα της τέχνης να στραφεί στην πραγματική, πραγματική ζωή στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης («η εξέγερση των 14»). Ένας σύλλογος αποφοίτων της Ακαδημίας που αρνήθηκαν να γράψουν μια προγραμματική εικόνα για ένα θέμα του σκανδιναβικού έπους (υπάρχουν τόσα πολλά σύγχρονα προβλήματα τριγύρω!), στο Ένωση Περιοδευτικών Εκθέσεων Τέχνης

(1870-1923). Αυτές οι εκθέσεις ονομάστηκαν ταξιδιωτικές επειδή οργανώθηκαν στην Αγία Πετρούπολη, στη Μόσχα, στις επαρχίες («πηγαίνω στους ανθρώπους» κάθε έκθεση των «Πλανητών» ήταν σαν ένα τεράστιο γεγονός. Το ιδεολογικό πρόγραμμα της Σύμπραξης: μια αντανάκλαση της ζωής με όλα τα οξέα κοινωνικά προβλήματα, σε όλη της τη σημασία Η τέχνη των περιπλανώμενων ως έκφραση επαναστατικών δημοκρατικών ιδεών στην καλλιτεχνική κουλτούρα του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα δημιουργήθηκε με πρωτοβουλία του Myasoedov, με την υποστήριξη των Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, αδελφών Makovsky. Αργότερα προστέθηκαν νέοι καλλιτέχνες. Ρέπιν, Σουρίκοφ, Βασνέτσοφ, Γιαροσένκο. Από τα μέσα της δεκαετίας του '80, οι Serov, Levitan και Polenov έχουν λάβει μέρος σε εκθέσεις. Ηγέτης και θεωρητικός του Περιπλανώμενου Κινήματος I. Kramskoy.

Είδος μάχης στη δεκαετία του 70-80. V.Vereshchagin («Αποθέωση Πολέμου») ως κοντά στις δραστηριότητές της στους Πλανόδιους (οργανωτικά δεν ανήκε σε αυτούς). Οργάνωσε τις εκθέσεις του σε διάφορα μέρη του κόσμου και υλοποίησε την ιδέα του να ταξιδέψει σε πολύ μεγάλη κλίμακα. Η δημοκρατία στο είδος του τοπίου. Το τοπίο της Κεντρικής Ρωσίας δεν είναι πολύ εντυπωσιακό στην εμφάνιση, η σκληρή βόρεια φύση είναι το κύριο θέμα των ζωγράφων. Α. Σαβρασόφ (“Moscow Yard”, “Christ and the Sinner”) δούλεψε πολύ με καθημερινά και ιστορικά είδη, στα οποία το τοπίο έπαιξε τεράστιο ρόλο. Ο Polenov είναι ένας πραγματικός μεταρρυθμιστής της ρωσικής ζωγραφικής, αναπτύσσοντάς την στο μονοπάτι του plein airism. Η κατανόηση του σκίτσου ως ανεξάρτητου έργου τέχνης είχε μεγάλη επιρροή στους ζωγράφους των επόμενων εποχών. Ι. Λεβιτάν ως διάδοχος των παραδόσεων του Savrasov και του Vasiliev ("Birch Grove", "Evening Bells", "At the Pool", "March", "Golden Autumn"), "ένα τεράστιο, πρωτότυπο, πρωτότυπο ταλέντο", "το καλύτερο Ρώσος τοπιογράφος».

Η κορυφή του δημοκρατικού ρεαλισμού στη ρωσική ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Δικαίως θεωρείται το έργο του Ρέπιν και του Σουρίκοφ, που ο καθένας με τον τρόπο του δημιούργησε μια μνημειώδη ηρωική εικόνα του λαού. Ι. Ρέπιν ("Μεταφορείς φορτηγίδων στο Βόλγα", "Θρησκευτική πομπή στην επαρχία Κουρσκ", "Σύλληψη του προπαγανδιστή", "Άρνηση εξομολόγησης", "Δεν περίμεναν") - ένας "μεγάλος ρεαλιστής" που εργάστηκε σε μια ποικιλία των ειδών, από τη λαογραφία μέχρι την προσωπογραφία, που ήταν σε θέση να εκφράσει Τα εθνικά χαρακτηριστικά της ρωσικής ζωής είναι πιο φωτεινά από άλλους ζωγράφους. Ο καλλιτεχνικός του κόσμος είναι πλήρης, γιατί «φωτίζεται» από μια σκέψη, μια αγάπη - αγάπη για τη δημιουργικότητα Β. Σουρίκοβα («Το πρωί της εκτέλεσης του Στρέλτσι», «Μενσίκοφ στο Μπερέζοβο», «Μπογιαρίνα Μορόζοβα», «Η κατάκτηση της Σιβηρίας από τον Ερμάκ», «Η σύλληψη της χιονισμένης πόλης») η ιστορική ζωγραφική απέκτησε τη σύγχρονη κατανόησή της. Ο Σουρίκοφ, ως «μάρτυρας του παρελθόντος», μπόρεσε να δείξει «τα τρομερά πράγματα του παρελθόντος, παρουσίασε στην ανθρωπότητα στις εικόνες του την ηρωική ψυχή του λαού του δίπλα στον Σούρικοφ στο ρωσικό ιστορικό είδος του δεύτερου μισού». τον 19ο αιώνα. Δούλεψαν και άλλοι καλλιτέχνες. Στη δημιουργικότητα Β. Βασνέτσοβα κυριαρχεί η παραμυθένια, λαογραφική ή θρυλική εικόνα («Alyonushka», «Ο Ιππότης στο σταυροδρόμι», «Bogatyrs»).

Ρωσική τέχνη του τέλους XIX -ξεκίνησε XX Ρωσική τέχνη του δεύτερου ημιχρόνου . Με την κρίση του λαϊκιστικού κινήματος στη δεκαετία του '90, η «αναλυτική μέθοδος του ρεαλισμού του 19ου αιώνα» κατέστη παρωχημένη. Η δημιουργική παρακμή των καλλιτεχνών Peredvizhniki, που υποχώρησαν στα «μικροπρεπή θέματα» των διασκεδαστικών ζωγραφικών ειδών. Οι παραδόσεις του Perov διατηρήθηκαν στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Όλα τα είδη τέχνης - ζωγραφική, θέατρο, μουσική, αρχιτεκτονική στέκονται για την ανανέωση της καλλιτεχνικής γλώσσας, για τον υψηλό επαγγελματισμό.

Οι ζωγράφοι της αλλαγής του αιώνα χαρακτηρίζονται από διαφορετικούς τρόπους έκφρασης από εκείνους των Wanderers, άλλες μορφές καλλιτεχνικής δημιουργικότητας - σε εικόνες που είναι αντιφατικές, περίπλοκες και αντανακλούν τη νεωτερικότητα χωρίς παραστατικότητα ή αφήγηση.

Οι καλλιτέχνες αναζητούν οδυνηρά την αρμονία και την ομορφιά σε έναν κόσμο που είναι θεμελιωδώς ξένος τόσο στην αρμονία όσο και στην ομορφιά. Γι' αυτό πολλοί είδαν την αποστολή τους στην καλλιέργεια της αίσθησης της ομορφιάς. Αυτή η εποχή των «παραμονών», των προσδοκιών για αλλαγές στη δημόσια ζωή, προκάλεσε πολλά κινήματα, συνειρμούς και ομαδοποιήσεις. Ο ρόλος των καλλιτεχνών του συλλόγου "Κόσμος της Τέχνης"

στην εκλαΐκευση της εγχώριας και δυτικοευρωπαϊκής τέχνης.

Το «Miriskusniki» (Benois, Somov, Bakst, Lanceray, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) συνέβαλε στην εδραίωση των καλλιτεχνικών δυνάμεων, της «Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών». Σημασία για τη διαμόρφωση της ενοποίησης της προσωπικότητας του Ντιαγκίλεφ, φιλάνθρωπου, διοργανωτή εκθέσεων, ιμπρεσάριο περιοδειών ρωσικού μπαλέτου και όπερας στο εξωτερικό («Ρωσικές εποχές»). Οι κύριες διατάξεις του "Mirskusniki": αυτονομία της τέχνης, προβλήματα καλλιτεχνικής μορφής, το κύριο καθήκον της τέχνης είναι η εκπαίδευση των αισθητικών προτιμήσεων της ρωσικής κοινωνίας μέσω της γνωριμίας με έργα παγκόσμιας τέχνης. Η γέννηση του στυλ Art Nouveau, που επηρέασε όλες τις πλαστικές τέχνες, από την αρχιτεκτονική μέχρι τα γραφικά Αυτό το φαινόμενο δεν είναι μονοσήμαντο, περιέχει επίσης παρακμιακή επιτηδειότητα, επιτηδευματισμό, σχεδιασμένη για αστικά γούστα, αλλά υπάρχει και η επιθυμία για ενότητα του στυλ. είναι από μόνη της σημαντική. Χαρακτηριστικά της Art Nouveau: στη γλυπτική - ρευστότητα των μορφών, ιδιαίτερη εκφραστικότητα της σιλουέτας, δυναμική σύνθεση. στη ζωγραφική - ο συμβολισμός των εικόνων, μια προτίμηση για αλληγορίες. Η εμφάνιση της νεωτερικότητας δεν σήμαινε την κατάρρευση των ιδεών του πλανόδιου κινήματος, το οποίο εξελίσσεται διαφορετικά: το αγροτικό θέμα αποκαλύπτεται με νέο τρόπο (Σ. Κόροβιν, Α. Αρχίποφ).

Μ. Νεστέροφ , αλλά η εικόνα του Rus εμφανίζεται στους πίνακές του ως ένας ιδανικός, μαγεμένος κόσμος, σε αρμονία με τη φύση, αλλά εξαφανίστηκε όπως η θρυλική πόλη Kitezh («Όραμα για τη Νεολαία Βαρθολομαίο»). , ο οποίος άρχισε να ζωγραφίζει εντελώς νωρίς τα γαλλικά τοπία του («Φώτα του Παρισιού») είναι ήδη αρκετά ιμπρεσιονιστική γραφή. Αιχμηρές, στιγμιαίες εντυπώσεις από τη ζωή μιας μεγαλούπολης: ήσυχοι δρόμοι σε διαφορετικές ώρες της ημέρας, αντικείμενα διαλυμένα σε περιβάλλον με φως-αέρα - χαρακτηριστικά που θυμίζουν τα τοπία του Μανέ και του Πισαρό. Ο Korovin διατηρεί ιμπρεσιονιστικά σκίτσα, γραφική μαεστρία και καλλιτεχνία σε πορτρέτα και νεκρές φύσεις, σε διακοσμητικά πάνελ και σε θεατρικά σκηνικά.

Καινοτόμος της ρωσικής ζωγραφικής στις αρχές του αιώνα V. Serov ("Κορίτσι με ροδάκινα", "Κορίτσι που φωτίζεται από τον ήλιο") - μια ολόκληρη σκηνή στη ρωσική ζωγραφική. Πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση, καθημερινή, ιστορική ζωγραφική. λάδι, γκουάς, τέμπερα, κάρβουνο - είναι δύσκολο να βρεις είδη στα οποία ο Σερόφ δεν θα λειτουργούσε Ένα ιδιαίτερο θέμα στη δουλειά του είναι το χωριάτικο, στο οποίο δεν υπάρχει περιπλανώμενο κοινωνικό επίκεντρο, αλλά υπάρχει μια αίσθηση ομορφιάς και αρμονίας. αγροτική ζωή, θαυμασμός για την υγιή ομορφιά του ρωσικού λαού.

"Αγγελιοφόρος των άλλων κόσμων" M.Vrubel , ο οποίος προκάλεσε σύγχυση ως άτομο και αγανάκτηση ως καλλιτέχνης («Παν», «Η Πριγκίπισσα του Κύκνου», «Καθισμένος Δαίμονας», «Μάντισσα», «Λιλά»). Ο πρώτος συμβολιστής (;), «καθολικός στην τέχνη», του οποίου οι αναζητήσεις συγκρίνονται με τη μέθοδο του Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Βρούμπελ «πέφτει» πολύ γρήγορα από την «παραδοσιακή» ζωγραφική, εντυπωσιάζοντας με ένα πρωτότυπο στυλ ζωγραφικής γεμάτο μυστήριο και σχεδόν δαιμονική δύναμη, που αποδείχτηκε προφητική για τις νέες καλλιτεχνικές τάσεις του 20ού αιώνα...

"Miriskusnik" N. Roerich .

Ένας ειδικός στη φιλοσοφία και την εθνογραφία της Ανατολής, ο αρχαιολόγος-επιστήμονας Roerich είχε κοινά με τους ανθρώπους του «World of Art» την αγάπη του για την αναδρομή, για την παγανιστική σλαβική και σκανδιναβική αρχαιότητα («The Messenger», «The Elders Converge», « The Sinister Ones»). Ο Roerich συνδέθηκε στενά με τη φιλοσοφία και την αισθητική του ρωσικού συμβολισμού, αλλά η τέχνη του δεν ταίριαζε στο πλαίσιο των υπαρχουσών τάσεων, επειδή, σύμφωνα με την κοσμοθεωρία του καλλιτέχνη, απευθυνόταν σε όλη την ανθρωπότητα με ένα κάλεσμα για μια φιλική ένωση όλων των λαών . Αργότερα, τα ιστορικά θέματα δίνουν τη θέση τους σε θρησκευτικούς θρύλους (“Heavenly Battle”). Το διακοσμητικό του πάνελ "The Battle of Kerzhenets" εκτέθηκε κατά τη διάρκεια της παράστασης ενός ομώνυμου τμήματος από την όπερα του Rimsky-Korsakov "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" στις παρισινές "Russian Seasons". , μαθητής του Ρέπιν, ο οποίος χαρακτηρίζεται από στυλιζαρισμό, αλλά πρόκειται για στυλιζάρισμα λαϊκών λαϊκών εκτυπώσεων («Εκθέσεις», «Μασλένιτσα», «Μπαλαγκάνς», «Η γυναίκα του εμπόρου στο τσάι»).

1903, εμφάνιση του συλλόγου "Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών" , που περιλαμβάνει φιγούρες από τον «Κόσμο της Τέχνης» - Μπενουά, Μπακστ, Σόμοφ, Ντομουζίνσκι, Σερόφ, και συμμετέχοντες στις πρώτες εκθέσεις ήταν οι Βρούμπελ, Μπορίσοφ-Μουσάτοφ. Οι εμπνευστές της δημιουργίας του συλλόγου ήταν καλλιτέχνες της Μόσχας που συνδέονταν με τον «Κόσμο της Τέχνης», αλλά που επιβαρύνονταν από την προγραμματική αισθητική των κατοίκων της Αγίας Πετρούπολης. Ο Κ. Κοροβίν θεωρούνταν αρχηγός της «Ένωσης».

1910, δημιουργία του συλλόγου "Jack of Diamonds" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), ο οποίος μίλησε κατά της ασάφειας, του αμετάφραστου, των αποχρώσεων της συμβολικής γλώσσας του «The Blue Rose» και του αισθητικού στυλ του «The World of Τέχνη".

Το "Valentine of Diamonds" δήλωνε ένα ξεκάθαρο σχέδιο της εικόνας, τόνισε την αντικειμενικότητα της φόρμας, την ένταση και το πλήρες χρώμα. Η νεκρή φύση ως αγαπημένο είδος των "Valetovites". «Μοναχική και μοναδική» δημιουργικότητα P. Filonova , που έθεσε ως στόχο την κατανόηση της μεταφυσικής του σύμπαντος μέσω των μέσων της ζωγραφικής, δημιουργώντας κρυστάλλινες μορφές ως πρωταρχικά στοιχεία του σύμπαντος («Γιορτή Βασιλέων», «Αγία Οικογένεια» Η ζωτικότητα των εθνικών παραδόσεων, η μεγάλη αρχαία). Ρωσική ζωγραφική στη δημιουργικότητα Κ. Πέτροβα-Βότκινα

, καλλιτέχνης-στοχαστής ("Λούζοντας το κόκκινο άλογο" ως οπτική μεταφορά, "Κορίτσια στο Βόλγα" - προσανατολισμός στις παραδόσεις της ρωσικής τέχνης).

Η εποχή του ιδιαίτερα ανεπτυγμένου βιομηχανικού καπιταλισμού και οι αλλαγές στην αρχιτεκτονική της πόλης. Νέοι τύποι κτιρίων: εργοστάσια και εργοστάσια, σιδηροδρομικοί σταθμοί, καταστήματα, τράπεζες, κινηματογράφοι. Νέα οικοδομικά υλικά - οπλισμένο σκυρόδεμα και μεταλλικές κατασκευές, που καθιστούν δυνατή την κάλυψη γιγάντων χώρων και τη δημιουργία τεράστιων βιτρινών καταστημάτων.

Ο ρωσικός πολιτισμός αποδέχτηκε τα καλύτερα επιτεύγματα των πολιτισμών άλλων χωρών και λαών, χωρίς να χάσει την πρωτοτυπία του και, με τη σειρά του, να επηρεάσει την ανάπτυξη άλλων πολιτισμών. Για παράδειγμα, η ρωσική θρησκευτική σκέψη άφησε σημαντικό σημάδι στην ιστορία των ευρωπαϊκών λαών. Η ρωσική φιλοσοφία και θεολογία επηρέασαν τον δυτικοευρωπαϊκό πολιτισμό στο πρώτο μισό του 20ού αιώνα. χάρη στα έργα των V. Solovyov, S. Bulgakov, P. Florensky, N. Berdyaev, M. Bakunin και πολλών άλλων. Τέλος, ο πιο σημαντικός παράγοντας που έδωσε ισχυρή ώθηση στην ανάπτυξη του ρωσικού πολιτισμού ήταν η «καταιγίδα του δωδέκατου έτους». Η άνοδος του «πατριωτισμού σε σχέση με τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812 συνέβαλε όχι μόνο στην ανάπτυξη της εθνικής αυτογνωσίας και στη διαμόρφωση του Δεκεμβρισμού, αλλά και στην ανάπτυξη του ρωσικού εθνικού πολιτισμού», έγραψε ο V. Belinsky: «Το έτος 1812, αφού συγκλόνισε όλη τη Ρωσία, προκάλεσε τη συνείδηση του λαού και την υπερηφάνεια των ανθρώπων.

Η διανόηση, που αρχικά απαρτιζόταν από μορφωμένους ανθρώπους δύο προνομιούχων τάξεων - τον κλήρο και τους ευγενείς, συμμετέχει όλο και περισσότερο στη διαμόρφωση της ρωσικής εθνικής κουλτούρας. Στο πρώτο μισό του 18ου αιώνα. εμφανίστηκαν κοινοί διανοούμενοι και στο δεύτερο μισό αυτού του αιώνα εμφανίστηκε μια ειδική κοινωνική ομάδα - η δουλοπάροικη διανόηση (ηθοποιοί, ζωγράφοι, αρχιτέκτονες, μουσικοί, ποιητές). Εάν το XVIII - το πρώτο μισό του XIX αιώνα. Ο πρωταγωνιστικός ρόλος στον πολιτισμό ανήκει στην ευγενή διανόηση, τότε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. - κοινοί. Άνθρωποι από αγροτικές καταβολές εντάχθηκαν στις τάξεις της διανόησης (ιδιαίτερα μετά την κατάργηση της δουλοπαροικίας). Γενικά, οι Ραζνοτσίντσι περιλάμβαναν μορφωμένους εκπροσώπους της φιλελεύθερης και δημοκρατικής αστικής τάξης, που δεν ανήκαν στους ευγενείς, αλλά στους γραφειοκράτες, τους φιλισταίους, τους εμπόρους και τους αγρότες. Αυτό εξηγεί ένα τόσο σημαντικό χαρακτηριστικό του πολιτισμού της Ρωσίας τον 19ο αιώνα ως την αρχή της διαδικασίας εκδημοκρατισμού της. Εκδηλώνεται επίσης. ότι όχι μόνο εκπρόσωποι των προνομιούχων τάξεων γίνονται σταδιακά πολιτιστικά πρόσωπα, αν και συνεχίζουν να κατέχουν ηγετική θέση. Ο αριθμός των συγγραφέων, ποιητών, καλλιτεχνών, συνθετών, επιστημόνων από μη προνομιούχες τάξεις, ιδιαίτερα από τη δουλοπαροικία, αλλά κυρίως από τους απλούς, αυξάνεται.

Τον 19ο αιώνα Η λογοτεχνία έγινε η κορυφαία περιοχή του ρωσικού πολιτισμού, η οποία διευκολύνθηκε κυρίως από τη στενή σύνδεσή της με την προοδευτική απελευθερωτική ιδεολογία. Η ωδή «Ελευθερία» του Πούσκιν, το «Μήνυμα στη Σιβηρία» στους Δεκεμβριστές και η «Απάντηση» σε αυτό το μήνυμα του Ντεκεμπριστή Οντογιέφσκι, η σάτιρα του Ράιλεεφ «Στον προσωρινό εργάτη» (Αρακτσέεφ), το ποίημα του Λερμόντοφ «Για τον θάνατο ενός ποιητή», Η επιστολή του Μπελίνσκι προς τον Γκόγκολ ήταν, στην ουσία, πολιτικά φυλλάδια, μαχητικές, επαναστατικές εκκλήσεις που ενέπνευσαν την προοδευτική νεολαία. Το πνεύμα της αντίθεσης και του αγώνα που ενυπάρχουν στα έργα των προοδευτικών συγγραφέων στη Ρωσία έκανε τη ρωσική λογοτεχνία εκείνης της εποχής μια από τις ενεργές κοινωνικές δυνάμεις.

Μία από τις πιο διάσημες πολιτιστικές προσωπικότητες του δέκατου ένατου αιώνα είναι ο Alexander Sergeevich Pushkin.

Ο πρώτος Ρώσος εθνικός ποιητής, ο ιδρυτής όλης της μετέπειτα ρωσικής λογοτεχνίας, η αρχή όλων των απαρχών της - αυτή είναι η αρκετά και με ακρίβεια αναγνωρισμένη θέση και σημασία του Alexander Sergeevich Pushkin στην ανάπτυξη της ρωσικής τέχνης του λόγου. Ο Πούσκιν επίσης για πρώτη φορά -στο υψηλότερο αισθητικό επίπεδο που πέτυχε- ανέβασε τις δημιουργίες του στο προηγμένο επίπεδο του διαφωτισμού του αιώνα, της ευρωπαϊκής πνευματικής ζωής του 19ου αιώνα, και έτσι δικαίως εισήγαγε τη ρωσική λογοτεχνία ως μια άλλη και πιο σημαντική εθνικά πρωτότυπη λογοτεχνία στην οικογένεια των πιο ανεπτυγμένων δυτικών λογοτεχνιών εκείνη την εποχή.

Η μεγάλη ανακάλυψη του Πούσκιν ήταν η κυριαρχία της πραγματικότητας σε όλη της την ποικιλομορφία ως πηγή και υλικό για την ποιητική δημιουργικότητα. Λένε ότι ο Πούσκιν άνοιξε ένα παράθυρο στον κόσμο στη λογοτεχνία. Όχι, αυτό το παράθυρο άνοιξε στη ρωσική ποίηση μπροστά του. Κατέστρεψε όλα τα χωρίσματα, όλα τα μεσοθωράκια που χώριζαν την ποίηση από τη ζωή. Από τότε, δεν υπάρχει τίποτα στον κόσμο, στην κοινωνία, στη φύση, στη ζωή της ανθρώπινης ψυχής που να μην είχε γίνει αντικείμενο τέχνης. Ανακάλυψε επίσης μια μέθοδο ποιητικής δημιουργικότητας που επέτρεπε στον ποιητή να μην είναι «ηχώ» που επαναλαμβάνει κάθε ήχο (δεν υπάρχει τίποτα πιο λάθος από μια τόσο επίπεδη κατανόηση της βαθιάς και εμπνευσμένης δήλωσης του Πούσκιν). Η σφαίρα της ποίησης υπό τον Πούσκιν έγινε η πιο ουσιαστική στη ζωή ενός ατόμου - πολιτικά και πατριωτικά κατορθώματα, όνειρα, η θλίψη των ανθρώπων, οι στίχοι της φύσης και της αγάπης. Ο ποιητής φώτισε τα πάντα με μια μεγάλη σκέψη. Γι' αυτό η ποίηση του Πούσκιν γίνεται αντιληπτή από εμάς ως μια αναπόσπαστη ενότητα της ζωής, ως μια μοναδική και μεγαλειώδης καλλιτεχνική εικόνα του κόσμου.

Η ποίηση του Πούσκιν αντανακλούσε όλες τις «εντυπώσεις της ζωής». Απηχούσε τις ηρωικές και τραγικές στιγμές του, τις αντανακλάσεις των μαχών του εθνικοαπελευθερωτικού πολέμου και τις φιλοδοξίες των ανταρτών στην πλατεία της Γερουσίας. Το πνεύμα των ευρωπαϊκών επαναστάσεων, των αγροτικών εξεγέρσεων - με μια λέξη, μια εποχή

Η τρέχουσα προσέγγιση στην ερμηνεία της εικόνας του ποιητή λαμβάνει υπόψη ολόκληρη την εμπειρία της μελέτης και της ερμηνείας της προσωπικότητας και της κληρονομιάς του. Επιπλέον, αυτή η εμπειρία δεν περιορίζεται στη χώρα μας. Η έρευνα για τις διεθνείς αντιλήψεις και ερμηνείες του Πούσκιν διευρύνεται. Οι δυτικοί επιστήμονες, οι βιογράφοι και οι αναγνώστες του ποιητή έλκονται όλο και περισσότερο από τις ιδιαιτερότητες της ιστορικής σκέψης του Πούσκιν, τα φιλοσοφικά κίνητρα του έργου του, το ανεξάντλητο της ιδιοφυΐας του και τον εκπληκτικό πρωτεϊσμό του. Ενώ μια σειρά από ερμηνείες που προσφέρονται από δυτικούς ερευνητές και σχολιαστές σχετικά με τη δημιουργικότητα είναι σαφείς και αμφιλεγόμενες, έλκονται από το μυστήριο του πνεύματος του Πούσκιν. Η προσοχή στην καλλιτεχνική κληρονομιά και τα μεμονωμένα έργα συνδυάζεται με μια ολοένα και πιο εμφανή επιθυμία να κατανοήσουμε τον ποιητή ως άνθρωπο. Στη μοναδικότητα της ιδιοφυΐας, ο δυτικός κόσμος ανακαλύπτει τις ιδιαιτερότητες του ρωσικού χαρακτήρα, ένα παράδειγμα δημιουργικής και ηθικής τελειότητας.

«...κατά τη διάρκεια δύο αιώνων, ο Πούσκιν δεν έχει γίνει παρελθόν, ο χθεσινός ποιητής δεν έχει μετατραπεί σε «λογοτεχνική κληρονομιά», σύμφωνα με τον ορισμό του Μ. Λότμαν, ο Πούσκιν διατηρεί τις ιδιότητες ενός ζωντανού συνομιλητή. Όσοι έρχονται σε επαφή μαζί του, σημειώνει ο επιστήμονας, είναι σαν τη σκιά του πατέρα του Άμλετ: «προχωρούν και τους καλούν. Ο Πούσκιν είναι πάντα όπως τον χρειάζεται μια νέα γενιά αναγνωστών, αλλά δεν τον εξαντλεί αυτό, παραμένει κάτι περισσότερο, με τα δικά του μυστικά, κάτι μυστηριώδες και ελκυστικό».

Ο Πούσκιν έζησε και εργάστηκε τον 19ο αιώνα και ο εικοστός αιώνας είχε τους πιο διακεκριμένους συγγραφείς του, για παράδειγμα, τον Μιχαήλ Αλεξάμντροβιτς Σόλοχοφ.

Ο λογοτεχνικός κόσμος του M. Sholokhov, που καταστράφηκε από τους «δημοκρατικούς κριτικούς» ως έγκλημα του «διαβόητου σοσιαλιστικού ρεαλισμού», είναι πολύ πλουσιότερος από τη σοσιαλιστική ιδεολογία και κάτι περισσότερο από αυτήν.

Η στάση απέναντι στον Sholokhov και τη σοβιετική λογοτεχνία καθορίστηκε σε μεγάλο βαθμό από τη λαϊκή άποψη ότι στη νέα Ρωσία το ίδιο το έδαφος που γεννά μεγάλους καλλιτέχνες είχε νοκ άουτ, και κάτω από την εξουσία των μπολσεβίκων μόνο «οι απόγονοι του Demyan Bedny, του «φωτιστή του προλετάριου πολιτισμός»», απρόσωπη μετριότητα, προσαρμόσιμη και ανάγουσα την ωραία λογοτεχνία σε προπαγανδιστικές ιδέες και πρωτόγονη λαϊκή προπαγάνδα. «Μια άτυχη χώρα... ανίκανη να ξεχωρίσει, αν όχι τους Τολστόι και τους Τουργκένιεφ, τουλάχιστον έντιμους ανθρώπους που τολμούν να έχουν τη δική τους κρίση», θρηνούσε η Ε. Κούσκοβα. «Ακόμη και ο μεγάλος τους συγγραφέας Sholokhov αρνείται να το έχει». Αγέλη. Ακόμα ένα κοπάδι του Οκτώβρη... Τι στεναχώρια είναι αυτή. Και τι κρίμα για μια μεγάλη χώρα...»

Το όνομα του Sholokhov, που ανέβηκε από τα κάτω και προσωποποίησε τον πυθμένα, με τη Ρωσία του λαού του, «εξ ορισμού» που στερήθηκε όχι μόνο τις δεξιότητες της δημοκρατικής ζωής και της ελεύθερης σκέψης, αλλά και από όλα τα σημάδια και τα βασικά στοιχεία του πολιτισμού, γίνεται εμβληματικό. οι κύκλοι της μεταναστευτικής πολιτικής και καλλιτεχνικής ελίτ. Η άφιξή του γίνεται πολύ αισθητή από όλους, αλλά όχι ως όφελος για τον εαυτό του, αλλά ως ενόχληση, ακόμη και ως απειλή για την ίδια του την ύπαρξη, γιατί το «Quiet Don» δεν είναι μόνο μια βαθιά αμφιβολία για το απαραβίαστο της υπάρχουσας ιεραρχίας των κοινωνικών προτιμήσεων. και τις προτεραιότητες, αλλά και την αποφασιστική πραγματική αναθεώρησή τους. Ως εκ τούτου, ο Sholokhov πρέπει είτε να σιωπά, είτε να μιλάει για αυτόν περιστασιακά, σαν να μιλάμε για ένα ενοχλητικό εμπόδιο ανάξιο προσοχής, ή, τέλος, να προσπαθήσει να αποκηρύξει το φαινόμενο του αναφέροντας το λάθος της «οπτικής αντίληψης» - δεν είναι αυτός για τον οποίο τον δεχόμαστε, γιατί από όπου ήρθε δεν μπορεί να είναι. «...Μπορεί κανείς να περιμένει ένα τέτοιο αριστούργημα από έναν απλό Κοζάκο που πέρασε τα νιάτα του στο χωριό, και μάλιστα κατά τη διάρκεια του εμφυλίου», ρώτησε τον κόσμο με πάθος κάποιος I.S.G, χωρίς να αμφιβάλλει για την απάντηση. «Μια δευτερεύουσα μονάδα μάχης» της τραγικής εποχής μας, είπε με αμοιβαία εμπιστοσύνη ο Γ. Τεραπιάνο για τον Σολόχοφ.

Το 1965, ο Sholokhov τιμήθηκε με το βραβείο Νόμπελ, αλλά δεν έλαβε ποτέ αναγνώριση στη Σοβιετική Ρωσία. Είπαν ότι ο Sholokhov «σε καμία περίπτωση» δεν μπορούσε να εκπροσωπήσει τη ρωσική διανόηση, τον λαό και τη Ρωσία μπροστά στο «πρόσωπο» της Επιτροπής Νόμπελ και του Ιδρύματος. Επιπλέον, όπως διαβεβαίωσε η «παγκόσμια κοινότητα» από τον «Γκράνι», ο συγγραφέας του «Ήσυχος Ντον» «συμμορφώνεται με το μεγαλείο και την αρχοντιά του ρωσικού λαού» και ως εκ τούτου «ντροπιάζει τόσο το μεγαλείο όσο και την ευγένειά του» και, φυσικά , γι' αυτό το λόγο «η σύγχρονη ρωσική διανόηση» «δεν θα συγχωρήσει ποτέ τη δυτική κουλτούρα για την απονομή του βραβείου Νόμπελ στον Sholokhov...»

Μορφές του ρωσικού πολιτισμού του 19ου αιώνα. Ονομάστε οποιαδήποτε φιγούρα

Ένας σημαντικός παράγοντας που συνέβαλε στην εντατική ανάπτυξη του ρωσικού πολιτισμού ήταν η στενή επικοινωνία και η αλληλεπίδρασή του με άλλους πολιτισμούς. Η παγκόσμια επαναστατική διαδικασία και η προηγμένη δυτικοευρωπαϊκή κοινωνική σκέψη είχαν ισχυρή επιρροή στη ρωσική κουλτούρα. Αυτή ήταν η ακμή της γερμανικής κλασικής φιλοσοφίας και του γαλλικού ουτοπικού σοσιαλισμού, οι ιδέες του οποίου ήταν ευρέως δημοφιλείς στη Ρωσία. Δεν πρέπει να ξεχνάμε την επίδραση της κληρονομιάς της Μοσχοβίτικης Ρωσίας στον πολιτισμό του 19ου αιώνα. : η αφομοίωση των παλιών παραδόσεων κατέστησε δυνατή την ανάδυση νέων βλαστών δημιουργικότητας στη λογοτεχνία, την ποίηση, τη ζωγραφική και άλλους τομείς του πολιτισμού. Οι N. Gogol, N. Leskov, P. Melnikov-Pechersky, F. Dostoevsky και άλλοι δημιούργησαν τα έργα τους στις παραδόσεις του αρχαίου ρωσικού θρησκευτικού πολιτισμού. Αλλά το έργο άλλων μεγαλοφυιών της ρωσικής λογοτεχνίας, των οποίων η στάση απέναντι στον ορθόδοξο πολιτισμό είναι πιο αμφιλεγόμενη, από τον Α. Πούσκιν και τον Λ. Τολστόι μέχρι τον Α. Μπλοκ, φέρει μια ανεξίτηλη σφραγίδα που μαρτυρεί ορθόδοξες ρίζες. Ακόμη και ο δύσπιστος I. Turgenev έδωσε μια εικόνα της ρωσικής λαϊκής αγιότητας στην ιστορία Living Relics. Μεγάλο ενδιαφέρον παρουσιάζουν οι πίνακες των M. Nesterov, M. Vrubel, K. Petrov-Vodkin, οι απαρχές της δημιουργικότητας των οποίων ανάγονται στην ορθόδοξη εικονογραφία. Το αρχαίο εκκλησιαστικό τραγούδι (το περίφημο άσμα), καθώς και τα μεταγενέστερα πειράματα των D. Bortnyansky, P. Tchaikovsky και S. Rachmaninov, έγιναν εντυπωσιακά φαινόμενα στην ιστορία του μουσικού πολιτισμού.
Τον 19ο και τις αρχές του 20ου αιώνα. Η ρωσική επιστήμη έχει σημειώσει σημαντική επιτυχία: στα μαθηματικά, τη φυσική, τη χημεία, την ιατρική, τη γεωπονία, τη βιολογία, την αστρονομία, τη γεωγραφία και στον τομέα της ανθρωπιστικής έρευνας. Αυτό αποδεικνύεται ακόμη και από μια απλή λίστα των ονομάτων λαμπρών και εξαιρετικών επιστημόνων που έχουν συνεισφέρει σημαντικά στην εγχώρια και παγκόσμια επιστήμη: S. M. Solovyov, T. N. Granovsky, I. I. Sreznevsky, F. I. Buslaev, N. I. Pirogov , I. I. Mechnikov, I. M. Pavlov, P. L. Chebyshev, M. V. Ostrogradsky, N. I. Lobachevsky, N. N. Zinin, A. M. Butlerov, D I. Mendeleev, E. H. Lenz, B. S. Jacobi, V. V. Petrov, K. M. Baer, V. Dokuchaev, V.
Στην ιστορία του ρωσικού πολιτισμού, τα τέλη του 19ου αιώνα και οι αρχές του 20ου αιώνα. έλαβε το όνομα της αργυρής εποχής του ρωσικού πολιτισμού, η οποία ξεκινά με τον κόσμο της τέχνης και τελειώνει με τον ακμεϊσμό. Ο Κόσμος της Τέχνης είναι ένας οργανισμός που εμφανίστηκε το 1898 και ένωσε δασκάλους της υψηλότερης καλλιτεχνικής κουλτούρας, την καλλιτεχνική ελίτ της Ρωσίας εκείνης της εποχής. Σε αυτό έλαβαν μέρος σχεδόν όλοι οι διάσημοι καλλιτέχνες A. Benois, K. Somov, L. Bakst, E. Lanceray, A. Golovin, M. Dobuzhinsky, M. Vrubel, V. Serov, K. Korovin, I. Levitan, M. σύλλογος Nesterov, N. Roerich, B. Kustodiev, K. Petrov-Vodkin, F. Malyavin, M. Larionov, N. Goncharova και άλλοι. , είχε μεγάλη σημασία για τη διαμόρφωση του World of Arts περιοδείες του ρωσικού μπαλέτου και της όπερας στο εξωτερικό, τις λεγόμενες ρωσικές εποχές.
Λογοτεχνία: Γκόγκολ, Πούσκιν, Λερμόντοφ, Νεκράσοφ και άλλοι.
Ζωγραφική: Aivazovsky και άλλοι.
Επικοινωνήστε με τις μηχανές αναζήτησης.
δεν υπάρχουν απαραίτητες πληροφορίες!
Ο καλλιτεχνικός προσανατολισμός του Κόσμου της Τέχνης συνδέθηκε με την Art Nouveau
και συμβολισμός. Σε αντίθεση με τις ιδέες των Περιπλανώμενων, καλλιτεχνών
Ο κόσμος της τέχνης έχει διακηρύξει την προτεραιότητα της αισθητικής αρχής
τέχνη. Μέλη του Art World υποστήριξαν ότι η τέχνη
πρώτα απ' όλα έκφραση της προσωπικότητας του καλλιτέχνη. Σε ένα από τα πρώτα τεύχη
Το περιοδικό S. Diaghilev έγραψε: Ένα έργο τέχνης δεν είναι σημαντικό για αυτό
η ίδια, αλλά μόνο ως έκφραση της προσωπικότητας του δημιουργού. Πιστεύοντας ότι το σύγχρονο
Ο πολιτισμός είναι ανταγωνιστικός με τον πολιτισμό, οι καλλιτέχνες του κόσμου αναζητούσαν ένα ιδανικό
τέχνη του παρελθόντος. Καλλιτέχνες και συγγραφείς, στους πίνακές τους και μετά
σελίδες περιοδικών, αποκάλυψαν ελάχιστα στη ρωσική κοινωνία εκείνη την εποχή
εκτίμησε την ομορφιά της μεσαιωνικής αρχιτεκτονικής και της ρωσικής αρχαίας
αγιογραφία, η χάρη της κλασικής Αγίας Πετρούπολης και της γύρω περιοχής
παλάτια, μας έκαναν να σκεφτούμε τον σύγχρονο ήχο των αρχαίων
πολιτισμούς και να επαναξιολογήσουν τα δικά τους καλλιτεχνικά και
λογοτεχνική κληρονομιά.
Απόλαυσαν εκθέσεις τέχνης που διοργανώθηκαν από τον Κόσμο της Τέχνης
ηχηρή επιτυχία. Το 1899, ο Ντιαγκίλεφ οργανώθηκε πραγματικά στην Αγία Πετρούπολη
διεθνής έκθεση, στην οποία με έργα Ρώσων
εκτέθηκαν πίνακες 42 Ευρωπαίων καλλιτεχνών, στο
συμπεριλαμβανομένων των Bklin, Moreau, Whistler, Puvis de Chavannes, Degas και Monet. Το 1901
στην Αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης και στο Stroganovsky
Το Ινστιτούτο στη Μόσχα φιλοξένησε εκθέσεις στις οποίες, μεταξύ άλλων, συμμετείχαν
Οι πιο στενοί φίλοι του Ντιαγκίλεφ είναι οι Μπακστ, Μπενουά και Σόμοβ. Ομαδικές εκθέσεις
Οργανώθηκαν επίσης κόσμοι τέχνης στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα
Νοέμβριος 1903
Σταδιακά οι διαφωνίες που βασίλευαν μέσα στην ομάδα οδήγησαν στη διάλυση και
κίνημα και περιοδικό, που έπαψε να υπάρχει στα τέλη του 1904.
Ο S. Diaghilev δύο χρόνια μετά τη διακοπή της έκδοσης του περιοδικού, την παραμονή
η αναχώρησή του στο Παρίσι, διοργάνωσε μια άλλη, αποχαιρετιστήρια έκθεση
World of Art, που πραγματοποιήθηκε στην Αγία Πετρούπολη τον Φεβρουάριο-Μάρτιο 1906,
παρουσιάζοντας πάνω της τα καλύτερα δείγματα εκείνης της τέχνης, για την άνθηση της οποίας
προηγούμενες δραστηριότητες του Κόσμου της Τέχνης έχουν δημιουργήσει μια πολύ ευνοϊκή
κλίμα. Μαζί εκτέθηκαν έργα από όλους τους πυλώνες της ομάδας
επιλεγμένα έργα των M. Vrubel, V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov,
Ν. Σαπούνοβα, Ν. Μηλιώτη. Τα νέα ονόματα ήταν N. Feofilaktov, M. Saryan και
Μ. Λαριόνοφ.
Στη δεκαετία του 1910, παρά το γεγονός ότι οι ιδέες των φοιτητών του Κόσμου των Τεχνών εκείνη την εποχή
έχουν χάσει σε μεγάλο βαθμό τη σημασία τους, την ενοποίηση
Ο κόσμος της τέχνης αναβίωσε και οι εκθέσεις του συνεχίστηκαν μέχρι
μέχρι τη δεκαετία του 1920
Ηθοποιοί, συγγραφείς, ποιητές, συνθέτες, καλλιτέχνες.
Γκόγκολ
Σας ευχαριστώ
Τσέχοφ!

Φιοντόρ Μιχαήλοβιτς Ντοστογιέφσκι (1821-1881)

Παρά τη μεγάλη δημοτικότητα του Φιοντόρ Ντοστογιέφσκι στη Ρωσία, η παγκόσμια αναγνώριση και ενδιαφέρον για το έργο του ήρθε μετά τον θάνατό του. Όλοι παρατήρησαν τη βαθιά ψυχολογία και το πάθος του στην απεικόνιση των «ταπεινωμένων και προσβεβλημένων». Ο Γερμανός φιλόσοφος Φρίντριχ Νίτσε έγραψε ότι ο Ντοστογιέφσκι ήταν ο μόνος ψυχολόγος από τον οποίο έμαθε οτιδήποτε. Τα έργα του Φιοντόρ Μιχαήλοβιτς είχαν αξιοσημείωτη επιρροή στους συγγραφείς: τον Αυστριακό Στέφαν Τσβάιχ, τον Γάλλο Μαρσέλ Προυστ, τον Άγγλο Όσκαρ Ουάιλντ, τους Γερμανούς Τόμας και Χάινριχ Μαν.

Στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα, το όνομα του Καρλ Μαρξ έγινε σύμβολο του αγώνα για την απελευθέρωση της εργατικής τάξης. Ανέπτυξε τις αρχές μιας διαλεκτικής και υλιστικής κατανόησης της πορείας της ιστορίας, μίλησε για την ανάγκη εξάλειψης της ιδιωτικής ιδιοκτησίας και πρότεινε τη θέση για το αναπόφευκτο του θανάτου του καπιταλισμού και τη νίκη του κομμουνισμού. Το κύριο έργο του, το Κεφάλαιο, και η θεωρία της υπεραξίας επηρέασαν την εσωτερική πολιτική ζωή πολλών χωρών στην Ευρώπη και τον κόσμο. Όμως η περαιτέρω πολιτική, οικονομική, επιστημονική και τεχνική ανάπτυξη της κοινωνίας έδειξε την πλάνη και τη ματαιότητα πολλών από τις ιδέες και τις έννοιές της.

Επικεφαλίδα: |

Ο Nikolai Ivanovich Pirogov εργάστηκε για ώρες στο ανατομικό θέατρο, κόβοντας μαλακούς ιστούς, εξετάζοντας άρρωστα όργανα, πριονίζοντας οστά και αναζητώντας αντικαταστάσεις για κατεστραμμένες αρθρώσεις. Η ανατομία έγινε για αυτόν πρακτική σχολή, θέτοντας τα θεμέλια για την περαιτέρω επιτυχημένη χειρουργική του δραστηριότητα. Ο Pirogov ήταν ο πρώτος που σκέφτηκε την ιδέα της πλαστικής χειρουργικής, χρησιμοποίησε αναισθησία στη στρατιωτική χειρουργική πεδίου, ήταν ο πρώτος που εφάρμοσε γύψο στο πεδίο και πρότεινε την ύπαρξη παθογόνων μικροοργανισμών που προκαλούν εξόγκωση τραυμάτων. Τα έργα του και οι διάφοροι ιατρικοί άτλαντες έφεραν τη ρωσική χειρουργική σε ένα από τα πρώτα μέρη στον κόσμο.

Επικεφαλίδα: |

Ο διάσημος Άγγλος περιηγητής, φυσιοδίφης και ερευνητής Κάρολος Δαρβίνος ήταν ένας από τους πρώτους που πρότεινε τη θεωρία της εξέλιξης των ζωντανών οργανισμών. Υποστήριξε ότι όλα τα έμβια όντα έχουν κοινούς προγόνους, από τους οποίους κληρονομούν ορισμένες ιδιότητες που αλλάζουν κατά την ανάπτυξη. Το 1859 δημοσίευσε το βιβλίο «The Origin of Species», όπου έδειξε με πολλά παραδείγματα ότι η κινητήρια δύναμη της εξέλιξης είναι η φυσική επιλογή και η μεταβλητότητα. Οι ιδέες και οι ανακαλύψεις του χρησίμευσαν σε μεγάλο βαθμό ως το θεμέλιο της σύγχρονης θεωρίας της εξέλιξης, αλλά δεν την αναγνωρίζουν όλοι ως θεμελιώδη.

Επικεφαλίδα: |

Ο εξαιρετικός Γερμανός καθηγητής οργανικής χημείας, Justus Liebig, πέρασε όλη του τη ζωή ερευνώντας μεθόδους διατροφής των φυτών και λύνοντας ζητήματα ορθολογικής χρήσης λιπασμάτων. Έκανε πολλά για να αυξήσει την αγροτική παραγωγικότητα. Η Ρωσία, για τη βοήθεια που παρείχε στην άνοδο της γεωργίας, απένειμε στον επιστήμονα δύο Τάγματα της Αγίας Άννας, στην Αγγλία, τον έκανε επίτιμο πολίτη και στη Γερμανία έλαβε τον τίτλο του βαρόνου. Του πιστώνεται η δημιουργία συμπυκνωμάτων τροφίμων. Ανέπτυξε μια τεχνολογία για την παραγωγή εκχυλίσματος κρέατος, το οποίο σήμερα ονομάζεται «κύβος ζωμού». Η Γερμανική Χημική Εταιρεία του έστησε ένα μνημείο στο Μόναχο.

Επικεφαλίδα: |

Ο Αλέξανδρος Δουμάς ονομαζόταν στενογράφος κατά τη διάρκεια της ζωής του έγραψε 647 έργα για διάφορα θέματα. Τον ενδιέφεραν τα πάντα: ιστορία, εγκλήματα, εξαιρετικοί άνθρωποι ακόμα και συνταγές για ξένη κουζίνα. Προσπάθησε να είναι μέσα στα πιο σημαντικά γεγονότα, ταξίδεψε σε διάφορες χώρες της Ευρώπης, βγήκε με τους αντάρτες στους δρόμους του Παρισιού, όπου παραλίγο να σκοτωθεί. Επιστρέφοντας σπίτι, κάθισε στο τραπέζι και έγραφε και έγραφε ξεχνώντας τα πάντα. Τα περιπετειώδη μυθιστορήματά του μεταφράστηκαν σε πολλές γλώσσες του κόσμου, λειτούργησαν ως βάση για πολυάριθμες θεατρικές παραγωγές και ταινίες μεγάλου μήκους. Το ενδιαφέρον για το έργο του δεν έχει ξεθωριάσει στον 21ο αιώνα.

Κλασσικότης, ένα καλλιτεχνικό στυλ στην ευρωπαϊκή τέχνη του 17ου–αρχών του 19ου αιώνα, ένα από τα σημαντικότερα χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η έλξη στις μορφές της αρχαίας τέχνης ως ιδανικό αισθητικό και ηθικό πρότυπο. Ο κλασικισμός, που αναπτύχθηκε σε έντονη πολεμική αλληλεπίδραση με το μπαρόκ, διαμορφώθηκε σε ένα αναπόσπαστο στυλιστικό σύστημα στη γαλλική καλλιτεχνική κουλτούρα του 17ου αιώνα.

Ο κλασικισμός του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα (στην ξένη ιστορία της τέχνης ονομάζεται συχνά νεοκλασικισμός), που έγινε πανευρωπαϊκό στυλ, διαμορφώθηκε επίσης κυρίως στους κόλπους του γαλλικού πολιτισμού, υπό την ισχυρή επίδραση των ιδεών του Διαφωτισμού. Στην αρχιτεκτονική, ορίστηκαν νέοι τύποι κομψού αρχοντικού, τελετουργικού δημόσιου κτιρίου, ανοιχτής πλατείας πόλης (Gabriel Jacques Ange και Soufflot Jacques Germain), η αναζήτηση νέων, ακατάστατων μορφών αρχιτεκτονικής, η επιθυμία για αυστηρή απλότητα στο έργο του Ο Ledoux Claude Nicolas πρόβλεψε την αρχιτεκτονική του τελευταίου σταδίου του κλασικισμού - Αυτοκρατορίας. Το αστικό πάθος και ο λυρισμός συνδυάστηκαν στην πλαστική τέχνη (Pigal Jean Baptiste και Houdon Jean Antoine), στα διακοσμητικά τοπία (Robert Hubert). Ο θαρραλέος δραματισμός των ιστορικών και πορτραίτων εικόνων είναι εγγενής στα έργα του επικεφαλής του γαλλικού κλασικισμού, του ζωγράφου Jacques Louis David. Τον 19ο αιώνα, η ζωγραφική του κλασικισμού, παρά τις δραστηριότητες μεμονωμένων μεγάλων δασκάλων, όπως ο Jean Auguste Dominique Ingres, εκφυλίστηκε σε επίσημη απολογητική ή επιτηδευμένη ερωτική τέχνη του σαλονιού. Το διεθνές κέντρο του ευρωπαϊκού κλασικισμού του 18ου και των αρχών του 19ου αιώνα ήταν η Ρώμη, όπου οι παραδόσεις του ακαδημαϊσμού με τον χαρακτηριστικό συνδυασμό ευγένειας των μορφών και ψυχρής εξιδανίκευσης (Γερμανός ζωγράφος Anton Raphael Mengs, γλύπτες: Ιταλός Canova Antonio και Dane Thorvaldsen Bertel) σε μεγάλο βαθμό κυριάρχησε. Η αρχιτεκτονική του γερμανικού κλασικισμού χαρακτηρίζεται από την αυστηρή μνημειακότητα των κτηρίων του Karl Friedrich Schinkel, ενώ η στοχαστική και ελεγειακή ζωγραφική και γλυπτική χαρακτηρίζονται από τα πορτρέτα του August και του Wilhelm Tischbein και το γλυπτό του Johann Gottfried Schadow. Στον αγγλικό κλασικισμό ξεχωρίζουν οι αντίκες δομές του Ρόμπερτ Άνταμ, τα πάρκα παλλαδικού τύπου κτήματα του William Chambers, τα εξαιρετικά λιτά σχέδια του J. Flaxman και τα κεραμικά του J. Wedgwood. Οι δικές τους εκδοχές του κλασικισμού αναπτύχθηκαν στην καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιταλίας, της Ισπανίας, του Βελγίου, των Σκανδιναβικών χωρών και των ΗΠΑ. Ο ρωσικός κλασικισμός της δεκαετίας 1760-1840 κατέχει εξέχουσα θέση στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης.

Μέχρι το τέλος του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα, ο ηγετικός ρόλος του κλασικισμού σχεδόν παντού αντικαταστάθηκε από διάφορες μορφές αρχιτεκτονικού εκλεκτικισμού. Η καλλιτεχνική παράδοση του κλασικισμού ζωντανεύει στον νεοκλασικισμό του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Γάλλος καλλιτέχνης, γενικά αναγνωρισμένος ηγέτης του ευρωπαϊκού ακαδημαϊσμού του 19ου αιώνα.
Στο έργο του Ingres υπάρχει μια αναζήτηση της καθαρής αρμονίας.
Σπούδασε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Τουλούζης. Μετά την αποφοίτησή του από την ακαδημία, μετακόμισε στο Παρίσι, όπου το 1797 έγινε μαθητής του Jacques-Louis David. Το 1806-1820 σπούδασε και εργάστηκε στη Ρώμη, στη συνέχεια μετακόμισε στη Φλωρεντία, όπου πέρασε άλλα τέσσερα χρόνια. Το 1824 επέστρεψε στο Παρίσι και άνοιξε σχολή ζωγραφικής. Το 1835 επέστρεψε στη Ρώμη και πάλι ως διευθυντής της Γαλλικής Ακαδημίας. Από το 1841 μέχρι το τέλος της ζωής του έζησε στο Παρίσι.

Ο ακαδημαϊκισμός (γαλλικά academisme) είναι μια κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική του 17ου-19ου αιώνα. Η ακαδημαϊκή ζωγραφική προέκυψε κατά την περίοδο ανάπτυξης των ακαδημιών τέχνης στην Ευρώπη. Η στυλιστική βάση της ακαδημαϊκής ζωγραφικής στις αρχές του 19ου αιώνα ήταν ο κλασικισμός, και στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - ο εκλεκτικισμός.
Ο ακαδημαϊσμός αναπτύχθηκε ακολουθώντας τις εξωτερικές μορφές της κλασικής τέχνης. Οι οπαδοί χαρακτήρισαν αυτό το στυλ ως προβληματισμό για τη μορφή τέχνης του αρχαίου αρχαίου κόσμου και της Αναγέννησης.

Εγγρ. Πορτρέτα της οικογένειας Riviere. 1804-05

Ρομαντισμός

Ρομαντισμός- φαινόμενο που δημιουργείται από το αστικό σύστημα. Ως κοσμοθεωρία και στυλ καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, αντανακλά τις αντιφάσεις της: το χάσμα μεταξύ αυτού που θα έπρεπε να είναι και αυτού που είναι, του ιδανικού και της πραγματικότητας. Η επίγνωση της μη πραγματοποίησης των ανθρωπιστικών ιδεωδών και αξιών του Διαφωτισμού οδήγησε σε δύο εναλλακτικές ιδεολογικές θέσεις. Η ουσία του πρώτου είναι να περιφρονεί την βασική πραγματικότητα και να αποσύρεται στο κέλυφος των αγνών ιδανικών. Η ουσία του δεύτερου είναι να αναγνωρίσουμε την εμπειρική πραγματικότητα και να απορρίψουμε κάθε εικασία για το ιδανικό. Το σημείο εκκίνησης της ρομαντικής κοσμοθεωρίας είναι η ανοιχτή απόρριψη της πραγματικότητας, η αναγνώριση του ανυπέρβλητου χάσματος μεταξύ των ιδανικών και της πραγματικής ύπαρξης, το παράλογο του κόσμου των πραγμάτων.

Χαρακτηρίζεται από αρνητική στάση απέναντι στην πραγματικότητα, απαισιοδοξία, ερμηνεία των ιστορικών δυνάμεων ως έξω από την πραγματική καθημερινή πραγματικότητα, μυστικοποίηση και μυθοποίηση. Όλα αυτά ώθησαν την αναζήτηση επίλυσης αντιφάσεων όχι στον πραγματικό κόσμο, αλλά στον κόσμο της φαντασίας.

Η ρομαντική κοσμοθεωρία κάλυψε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής - επιστήμη, φιλοσοφία, τέχνη, θρησκεία. Εκφράστηκε με δύο τρόπους:

Το πρώτο - σε αυτό ο κόσμος εμφανίστηκε ως μια ατελείωτη, απρόσωπη, κοσμική υποκειμενικότητα. Η δημιουργική ενέργεια του πνεύματος ενεργεί εδώ ως η αρχή που δημιουργεί την παγκόσμια αρμονία. Αυτή η εκδοχή της ρομαντικής κοσμοθεωρίας χαρακτηρίζεται από μια πανθεϊστική εικόνα του κόσμου, αισιοδοξία και υπέροχα συναισθήματα.

Το δεύτερο είναι ότι η ανθρώπινη υποκειμενικότητα θεωρείται ατομικά και προσωπικά, κατανοητή ως ο εσωτερικός, αυτοαπορροφημένος κόσμος ενός ατόμου σε σύγκρουση με τον έξω κόσμο. Αυτή η στάση χαρακτηρίζεται από απαισιοδοξία, μια λυρικά θλιβερή στάση απέναντι στον κόσμο.

Η αρχική αρχή του ρομαντισμού ήταν «δύο κόσμοι»: σύγκριση και αντίθεση του πραγματικού και του φανταστικού κόσμου. Ο τρόπος έκφρασης αυτού του διπλού κόσμου ήταν ο συμβολισμός.

Ο ρομαντικός συμβολισμός αντιπροσώπευε έναν οργανικό συνδυασμό του ψευδαισθητικού και του πραγματικού κόσμου, ο οποίος εκδηλώθηκε με την εμφάνιση μεταφοράς, υπερβολής και ποιητικές συγκρίσεις. Ο ρομαντισμός, παρά τη στενή του σχέση με τη θρησκεία, χαρακτηριζόταν από χιούμορ, ειρωνεία και ονειροπόληση. Ο ρομαντισμός ανακήρυξε τη μουσική πρότυπο και κανόνα για όλους τους τομείς της τέχνης, στους οποίους, σύμφωνα με τους ρομαντικούς, ακουγόταν το ίδιο το στοιχείο της ζωής, το στοιχείο της ελευθερίας και ο θρίαμβος των συναισθημάτων.

Η εμφάνιση του ρομαντισμού οφειλόταν σε μια σειρά παραγόντων. Πρώτον, κοινωνικοπολιτικό: η Γαλλική Επανάσταση του 1769-1793, οι Ναπολεόντειοι Πόλεμοι, ο Πόλεμος της Ανεξαρτησίας της Λατινικής Αμερικής. Δεύτερον, οικονομική: η βιομηχανική επανάσταση, η ανάπτυξη του καπιταλισμού. Τρίτον, σχηματίστηκε υπό την επίδραση της κλασικής γερμανικής φιλοσοφίας. Τέταρτον, αναπτύχθηκε στη βάση και στο πλαίσιο των υπαρχόντων λογοτεχνικών στυλ: διαφωτισμός, συναισθηματισμός.

Ο ρομαντισμός άκμασε μεταξύ 1795 και 1830. - η περίοδος των ευρωπαϊκών επαναστάσεων και των εθνικοαπελευθερωτικών κινημάτων και ο ρομαντισμός εκδηλώθηκε ιδιαίτερα καθαρά στον πολιτισμό της Γερμανίας, της Αγγλίας, της Ρωσίας, της Ιταλίας, της Γαλλίας και της Ισπανίας.

Η ρομαντική τάση είχε μεγάλη επιρροή στις ανθρωπιστικές επιστήμες και η θετικιστική τάση στις φυσικές επιστήμες, την τεχνολογία και την πρακτική.

Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Μαθητής για ένα σύντομο χρονικό διάστημα του C. Vernet (1808-1810) και στη συνέχεια του P. Guerin (1810-1811), ο οποίος ήταν αναστατωμένος από τις μεθόδους του να μεταφέρει τη φύση που δεν ήταν σύμφωνες με τις αρχές της σχολής του Jacques-Louis David. και το πάθος του για τον Ρούμπενς, αλλά στη συνέχεια αναγνώρισε τις φιλοδοξίες ορθολογισμού του Gericault.
Ενώ υπηρετούσε στους βασιλικούς σωματοφύλακες, ο Gericault ζωγράφισε κυρίως σκηνές μάχης, αλλά αφού ταξίδεψε στην Ιταλία το 1817-19. εκτέλεσε έναν μεγάλο και περίπλοκο πίνακα «Η σχεδία της Μέδουσας» (βρίσκεται στο Λούβρο, Παρίσι), που έγινε μια πλήρης άρνηση της σκηνοθεσίας του Δαυίδ και ένα εύγλωττο κήρυγμα του ρεαλισμού. Η καινοτομία της πλοκής, το βαθύ δράμα της σύνθεσης και η ζωτική αλήθεια αυτού του αριστοτεχνικά γραμμένου έργου δεν εκτιμήθηκαν αμέσως, αλλά σύντομα έλαβε αναγνώριση ακόμη και από οπαδούς του ακαδημαϊκού στυλ και έφερε στον καλλιτέχνη τη φήμη ενός ταλαντούχου και θαρραλέου καινοτόμου .

Τραγική ένταση και δράμα Το 1818, ο Géricault εργάστηκε στον πίνακα «The Raft of the Medusa», ο οποίος σηματοδότησε την αρχή του γαλλικού ρομαντισμού. Ο Ντελακρουά, ποζάροντας για τον φίλο του, είδε τη γέννηση μιας σύνθεσης που σπάει όλες τις συνηθισμένες ιδέες για τη ζωγραφική. Ο Ντελακρουά θυμήθηκε αργότερα ότι όταν είδε τον τελειωμένο πίνακα, «από χαρά άρχισε να τρέχει σαν τρελός και δεν μπορούσε να σταματήσει μέχρι το σπίτι».
Η υπόθεση της ταινίας βασίζεται σε ένα πραγματικό περιστατικό που συνέβη στις 2 Ιουλίου 1816 στα ανοιχτά της Σενεγάλης. Στη συνέχεια, στο Argen Shoal, 40 λεύγες από τις αφρικανικές ακτές, συνετρίβη η φρεγάτα Medusa. 140 επιβάτες και μέλη του πληρώματος προσπάθησαν να διαφύγουν επιβιβαζόμενοι στη σχεδία. Μόνο 15 από αυτούς επέζησαν και τη δωδέκατη μέρα της περιπλάνησής τους τους παρέλαβε ο ταξίαρχος Άργκους. Οι λεπτομέρειες του ταξιδιού των επιζώντων συγκλόνισαν τη σύγχρονη κοινή γνώμη και η ίδια η βύθιση μετατράπηκε σε σκάνδαλο στη γαλλική κυβέρνηση λόγω της ανικανότητας του καπετάνιου του πλοίου και των ανεπαρκών προσπαθειών για διάσωση των θυμάτων.

Εικονιστική λύση
Ο γιγαντιαίος καμβάς εντυπωσιάζει με την εκφραστική του δύναμη. Ο Gericault κατάφερε να δημιουργήσει μια ζωντανή εικόνα, συνδυάζοντας σε μια εικόνα τους νεκρούς και τους ζωντανούς, την ελπίδα και την απόγνωση. Της ταινίας προηγήθηκε ένας τεράστιος όγκος προπαρασκευαστικών εργασιών. Ο Gericault έκανε πολυάριθμα σκίτσα με ετοιμοθάνατους στα νοσοκομεία και πτώματα εκτελεσθέντων. Το «The Raft of the Medusa» ήταν το τελευταίο από τα ολοκληρωμένα έργα του Gericault.
Το 1818, όταν ο Géricault δούλευε στον πίνακα «The Raft of the Medusa», που σηματοδότησε την αρχή του γαλλικού ρομαντισμού, ο Eugene Delacroix, ποζάροντας για τον φίλο του, είδε τη γέννηση μιας σύνθεσης που έσπασε όλες τις συνήθεις ιδέες για τη ζωγραφική. Ο Ντελακρουά θυμήθηκε αργότερα ότι όταν είδε τον τελειωμένο πίνακα, «από χαρά άρχισε να τρέχει σαν τρελός και δεν μπορούσε να σταματήσει μέχρι το σπίτι».

Αντίδραση του κοινού
Όταν ο Géricault εξέθεσε τη «Σχεδία της Μέδουσας» στο Σαλόνι το 1819, ο πίνακας προκάλεσε την αγανάκτηση του κοινού, καθώς ο καλλιτέχνης, αντίθετα με τα ακαδημαϊκά πρότυπα της εποχής, δεν χρησιμοποίησε τόσο μεγάλο σχήμα για να απεικονίσει ένα ηρωικό, ηθικολογικό ή κλασικό. θέμα.
Ο πίνακας αποκτήθηκε το 1824 και σήμερα βρίσκεται στο δωμάτιο 77 στον 1ο όροφο της γκαλερί Denon στο Λούβρο.

Ευγένιος Ντελακρουά(1798 - 1863) - Γάλλος ζωγράφος και γραφίστας, επικεφαλής του ρομαντικού κινήματος στην ευρωπαϊκή ζωγραφική.
Όμως τα πραγματικά πανεπιστήμια για τον Ντελακρουά ήταν το Λούβρο και η επικοινωνία με τον νεαρό ζωγράφο Theodore Gericault. Στο Λούβρο γοητεύτηκε από τα έργα των παλιών δασκάλων. Εκείνη την εποχή, μπορούσε κανείς να δει πολλούς πίνακες που αιχμαλωτίστηκαν κατά τη διάρκεια των Ναπολεόντειων Πολέμων και δεν είχαν επιστραφεί ακόμη στους ιδιοκτήτες τους. Ο επίδοξος καλλιτέχνης ελκύθηκε περισσότερο από τους μεγάλους χρωματιστές - Rubens, Veronese και Titian. Αλλά ο Theodore Gericault είχε τη μεγαλύτερη επιρροή στον Ντελακρουά.

Τον Ιούλιο του 1830, το Παρίσι επαναστάτησε ενάντια στη μοναρχία των Βουρβόνων. Ο Ντελακρουά συμπαθούσε τους αντάρτες και αυτό αντικατοπτρίστηκε στο «Liberty Leading the People» (στη χώρα μας το έργο αυτό είναι γνωστό και ως «Liberty on the Barricades»). Ο πίνακας που εκτέθηκε στο Salon του 1831, προκάλεσε την έντονη αποδοχή του κοινού. Η νέα κυβέρνηση αγόρασε τον πίνακα, αλλά διέταξε αμέσως την αφαίρεσή του.