Biwa. Música japonesa los viernes.

Una vez prometí hablar sobre instrumentos musicales japoneses. Ese momento ha llegado. Biva llegó a mis manos por casualidad, pero le tocó a ella abrir el tema :)

Hoy nuestra atención será captada por los sonidos mágicos, aunque no suaves ni aireados, sino más bien duros, metálicos y rítmicos, de un instrumento musical tradicional japonés llamado biwa.
Biwa es un tipo japonés de laúd o mandolina, llegó a Japón desde China en el siglo VII, en China un instrumento similar se llama pipa, pero llegó a China desde Persia en el siglo IV d.C.
Y las raíces del laúd europeo también se remontan a Asia Central.
En Japón, a lo largo de más de mil años de desarrollo del biwa, han aparecido muchos modelos, muchas escuelas de interpretación y canto.

(Este es un tipo de concierto para biwa con orquesta. Gion shoja. Compositor Hirohisa Akigishi
La grabación incluye el prólogo de "The tale"s of Heike" (la historia de Heike, que también se llama "Taira monogatari"). Esta es la principal obra moderna que se interpreta en la biwa. Esta grabación fue realizada en Seúl. , en 2004 en el centro Sejong)

La forma del instrumento es similar a una nuez de almendra apuntando hacia arriba. La pared frontal del cuerpo está ligeramente curvada hacia adelante, la espalda es plana. Las paredes, es decir, dos tablas de madera, no están muy separadas entre sí y el instrumento es bastante plano. Hay tres agujeros en la pared frontal.
La biwa tiene cuatro o cinco hilos hechos con los mejores hilos de seda pegados con cola de arroz. En el mástil hay cinco trastes muy altos.

Las cuerdas están bastante flojas, es decir, no están muy tensas. El músico, al presionar la cuerda con más fuerza, cambia su tensión, es decir, aumenta el tono. Podemos decir que el instrumento no está afinado en absoluto en el sentido de la palabra en Europa occidental, pero el músico puede tocar ciertas notas cambiando la fuerza con la que se presionan las cuerdas.
Pero el objetivo del juego no es dar con la nota correcta. Por lo tanto, no hay un agarre mortal en la cuerda; el dedo cambia de presión todo el tiempo, lo que hace que el sonido flote. Además, puedes mover la cuerda a lo largo de los trastes anchos con el dedo, lo que hace que la cuerda zumbe, como en los instrumentos de cuerda indios como el sitar o la veena.

La biva se sostiene verticalmente y al jugar se utiliza un pico triangular de madera, con forma de pequeño abanico. Uno de sus lados alcanza los 30 centímetros de largo, es una especie de espátula. Hacer estas palas es un gran arte, deben ser duras y elásticas al mismo tiempo. La madera para el pico se seca durante diez años. Está claro que la madera utilizada es una especie rara.
Con una púa puedes golpear no solo las cuerdas, sino también el cuerpo, y también rayar las cuerdas, sin embargo, los maestros dicen que esta es una técnica moderna que nunca antes había sucedido;
Pero está claro que hay más de una manera de golpear una cuerda con una púa tan grande, y esto, por supuesto, se oye perfectamente.

BIWA (Registros del Rey, 1990)
El CD contiene dos pistas instrumentales y cuatro pistas vocal-instrumentales. La más impresionante es la canción épica "Kawanakajima" ("Isla entre dos ríos") interpretada por Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui murió en 1978 y nació en el siglo XIX. Fue uno de los famosos maestros biwa de la era anterior a la Segunda Guerra Mundial.
En el siglo XIX y en la primera mitad del XX, el arte del biwa experimentó un renacimiento; sólo en Tokio había 30 maestros fabricando instrumentos musicales, después de la guerra sólo quedó uno en todo Japón y en todo el mundo; . Este arte tenía la posibilidad de desaparecer para siempre, porque las letras estaban imbuidas del espíritu samurái que se había vuelto políticamente incorrecto.
Comparada con la nueva generación de cantantes, la voz de Enomoto Shizuya suena más trágica, más histérica y, yo diría, más despiadada.
La isla a la que está dedicada esta canción es una franja de tierra entre dos ríos. En este lugar tuvieron lugar varias batallas en el siglo XVI entre los ejércitos de dos líderes militares.
No puedo creer que sea música entretenida que la gente escucha por la noche cuando está cansada de cosas importantes que hacer. No, no, esta música recuerda claramente a los samuráis su deber y enciende su espíritu de lucha.

Otra cosa famosa es Atsumori, y también hay una biwa en la imagen.

Los golpes metálicos agudos, como el golpe de una espada, contrastan con la voz que se desarrolla lentamente del cantante. Las vocales se prolongan durante mucho tiempo, el ritmo es libre, hay muchas pausas en la música, pero en ningún caso se puede llamar lenta. Está muy tensa y concentrada.
Por cierto, las pausas, los vacíos, los momentos de silencio en la tradición japonesa también se consideran un elemento acústico, es decir, sonido. Se llama la palabra "ma". El silencio puede ser breve o largo, tenso o tranquilo, inesperado o lógico. El silencio enfatiza ciertos sonidos y cambia el énfasis en una frase musical.

En la historia de la biwa hubo dos corrientes paralelas: en primer lugar, la biwa formaba parte de la orquesta de la corte. Una antigua biwa yacía horizontalmente en el suelo y se tocaba con un pequeño pico. Era un instrumento de percusión.
En la Edad Media, la biva la tocaban los aristócratas y sus vasallos. Se cree que esta música era puramente instrumental. En la literatura clásica, se han conservado muchas descripciones del solo biwa medieval, su sonido elegante y refinado y sus sublimes melodías que vinieron de China, pero hasta el día de hoy, en la tradición de la música de la corte, el solo biwa no se ha conservado. En la orquesta Gagaku, la parte biwa es tan simple que es imposible evitar la impresión de que algo importante se ha perdido a través de los tiempos.
La tradición del biwa como instrumento solista se interrumpió en el siglo XIII y no revivió hasta el XX.

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Ejecución europea, como es fácil de ver

Pero la función principal de la biwa es acompañar largas canciones e historias.
Hasta el siglo XX, la biwa la tocaban casi exclusivamente músicos ciegos; Algunos de ellos eran monjes budistas y recitaban sutras e himnos, pero la mayoría de los cantantes narraban guerras y batallas de héroes legendarios.
La epopeya heroica más famosa del repertorio biwahoshi es Heike Monogatari.
Este es un poema enorme y bastante sangriento sobre cómo el clan Heike (también conocido como Taire), después de un breve apogeo, fue derrotado por el clan Genji (también conocido como Minamoto) en la segunda mitad del siglo XII.
El poema tiene 200 episodios, de los cuales 176 son ordinarios, 19 son secretos y los 5 restantes son ultrasecretos.

(Perdón por la calidad de la imagen y el sonido. Interpretado por Yukihiro Goto)
Todas las historias de una forma u otra ilustran las ideas budistas de causa y efecto, así como la impermanencia del destino.
Hoy en día, el Heike Monogatari lo interpretan sólo unos pocos intérpretes de biwa. Todos los demás tienen un repertorio mucho más moderno.
Sin embargo, existe la opinión de que las canciones heroicas interpretadas por los monjes ciegos en la Edad Media desaparecieron, al igual que la tradición de la biva instrumental de la corte. La tradición del canto heroico revivió varias veces, pero probablemente no en la forma en que existía hace 700 años.
Aunque la historia del instrumento se remonta al siglo VII, la música que ha sobrevivido hasta nuestros días aparentemente ya no tiene nada que ver con la Edad Media; el estilo, que hoy se llama antiguo y clásico, no se formó hace mucho tiempo; .
Un punto importante en la historia de biwa es el siglo XVI.
Luego se creó un nuevo instrumento, el Satsuma biwa: el líder del clan Satsuma dio la orden de mejorar el modesto y de baja potencia de los monjes ciegos para que se convirtiera en un instrumento ruidoso con un sonido impresionante y agudo. Biwa se hizo más grande y su cuerpo estaba hecho de madera más dura. Su sonido se ha vuelto más masculino, si no agresivo.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(mejor sonido, pero está prohibido incrustarlo)
También se compusieron nuevas canciones. El propósito de esta acción era educativo y propagandístico: los jóvenes que recibían entrenamiento militar, es decir, futuros samuráis, debían fortalecer su espíritu y aprender los conceptos básicos del valor caballeresco mientras escuchaban estas canciones.
Entonces no existía el canon de tocar y cantar: cualquier samurái podía gritar un texto heroico y, para mayor expresividad, tocar las cuerdas de vez en cuando. Las canciones no sólo llamaban a los jóvenes a realizar hazañas heroicas, los samuráis que sobrevivieron a la guerra también hablaban de sus campañas al son de biwa.
Con el tiempo, la población civil empezó a interesarse mucho por esta música militarista. En consecuencia, apareció un estilo para los civiles: machi fu (estilo urbano) - y para los militares: shi fu (estilo samurái).
Aparecieron nuevas variedades de instrumentos. Digamos que chikuzen biwa (chikuzen-biwa) apareció en el siglo XIX, tiene uno adicional: una cuerda alta. Por eso, esta biwa se considera femenina, más suave. En consecuencia, las mujeres lo juegan.

En todas las canciones épicas cantadas con el acompañamiento de una biwa, el texto es prosa rítmica intercalada con breves pasajes poéticos. Algunas frases se cantan con melodías canónicas, seguidas de breves pasajes instrumentales. Pero, por regla general, suena uno o dos golpes en las cuerdas del biwa al final de cada frase o estrofa. Estos ritmos difieren en timbre: el biwa tiene muchas más posibilidades que el tambor.
Si los sonidos de un biwa ilustran lo que canta el narrador, entonces solo por el timbre: un sonido débil o sordo, suena metálico o sibilante... El texto está cantado en japonés clásico, los oyentes deben entender lo que se dice. : la entonación, el ritmo y el color del sonido están relacionados con el contenido del drama.
Esta es música para escuchar directamente, para aquellos que empatizan con la acción y quedan completamente cautivados por ella.
Nosotros, sin conocer el idioma, aparentemente simplemente no percibimos mucho en esta música, pero, sorprendentemente, esto no la hace exótica, extraña o fantástica. No, no, conserva su significado y su capacidad de persuasión.
También es interesante que se trata de una música muy emotiva, muy intensa, abierta. Y los japoneses -como todos los demás budistas- parecen evitar mostrar sus sentimientos.

En Japón, la fuerza que mueve el universo se llama ki. Es una fuerza espiritual similar al pneuma griego.
La expresión ki tiene la máxima prioridad en todas las artes japonesas. En el macrocosmos, el ki corresponde a los vientos; en el microcosmos, corresponde a la respiración humana. Hay muchas palabras relacionadas con el ki en japonés: ki-shф (clima), ki-haku (espíritu).
La base de la voz cantada es la respiración, por lo tanto, el canto es una de las manifestaciones del ki.
Los antiguos japoneses creían que al hablar, o mejor aún, exhalar una palabra, realizaban un acto espiritual. Y en el idioma ruso, las palabras "aliento" y "espíritu" no son en absoluto ajenas entre sí.
La tradición japonesa del canto está directamente relacionada con esta actitud hacia la palabra como un soplo cargado de significado.

Y esta breve grabación no es sólo un fragmento musical, es Gagaku, la música ceremonial del palacio imperial japonés.

El canto europeo, como el resto de la música, se basa en el tono y la duración de los sonidos. En el antiguo Japón, el canto fusionaba elementos acústicos como el color, la energía, el volumen y la calidad del sonido en un único jeroglífico sonoro.
Esto es mucho más que la nota correcta.
Y la música biwa es, en muchos aspectos, diferente a la música de Europa occidental. El instrumento japonés asume una actitud completamente diferente hacia el sonido y el ritmo.
El compositor modernista japonés Toru Takemitsu escribió varias obras que utilizan biwa además de una orquesta sinfónica. Existe una forma tradicional de grabar música biwa; en comparación con la europea occidental, parece muy aproximada.

Música Kwaidan, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Esto está dedicado a Toru Takemitsu.

Cuando la intérprete de la parte biwa en una de sus composiciones se ofreció como voluntaria para estudiar la notación de Europa occidental, Takemitsu se lo prohibió. “Esto es lo último que esperaría de usted”, dijo el compositor. - Yo mismo estudiaré la notación tradicional de la música biwa y aprenderé a usarla, no necesitarás notas occidentales. Hoy en día, el sentido tradicional del sonido está desapareciendo debido al sistema occidental de afinar los instrumentos musicales y anotar la música”.

Un día, el emperador Tennoh perdió una antigua biwa de su palacio. Su nombre era Genjo. No tenía precio, era muy cara. El Emperador no pudo encontrar un lugar para sí mismo. Si fue robado, el ladrón tuvo que romperlo; era imposible venderlo. El Emperador estaba seguro de que le habían robado su biwa para oscurecer su alma.
Minamoto no Hiromasa era un aristócrata y un excelente músico. También se mostró muy triste por la pérdida.
Una noche escuchó el sonido de una cuerda; no podía haber ninguna duda: era la biwa de Genjo. Hiromasa despertó al sirviente y fueron a atrapar al ladrón. Se acercaron al sonido, pero éste siguió alejándose. Algún espíritu tocaba en el biwa; sólo Hiromasa podía oír los sonidos de las cuerdas.
Siguió el sonido hasta llegar al punto más al sur de Kioto: la siniestra Puerta Rashomon. Hiromasa y su sirviente estaban debajo de la puerta, los sonidos de un laúd se podían escuchar desde arriba. "Esto no es una persona", susurró Hiromasa, "esto es un demonio".
Levantó la voz: “¡Oye, quién interpreta a Genjo ahí! El emperador Tenno ha estado buscando el instrumento desde que desapareció. ¡Sé que estás aquí, te seguí desde el palacio!
La música se detuvo, algo cayó desde arriba y quedó colgado en el pasillo. Hiromasa retrocedió - pensó que era un demonio. Pero colgando de una cuerda arriba estaba el laúd de Genjo.
El Emperador estaba muy feliz por el regreso de Genjo; nadie tenía dudas de que fue el demonio quien robó el tesoro y luego lo regaló. Hiromasa fue generosamente recompensada.
Genjo todavía está en el palacio imperial. Esto no es sólo un laúd, es algo vivo con carácter propio. Si un músico incompetente lo coge, no emite ningún sonido.
Un día hubo un incendio en el palacio. Todos salieron corriendo y nadie pensó en salvar a Genjo. Pero, misteriosamente, fue encontrada en el césped frente al palacio, ¡donde aparentemente llegó a sí misma!

Instrumento musical: laúd

En la era de las velocidades supersónicas y la nanotecnología, a veces uno realmente quiere relajarse, alejarse de todo el bullicio del mundo y encontrarse en algún otro mundo donde no hay agitación moderna, por ejemplo, en la era romántica del Renacimiento. Hoy en día, no hace falta inventar una máquina del tiempo para ello, sino simplemente asistir a un concierto de música auténtica en algún lugar del Kremlin de Izmailovo o del Palacio Sheremetyev. Allí no sólo escuchará hermosas melodías que lo transportarán mentalmente a tiempos pasados, sino que también conocerá interesantes instrumentos musicales con los que nuestros ancestros lejanos tocaban música hace varios siglos. El interés por la música antigua está creciendo hoy en día; los intérpretes modernos dominan con entusiasmo los instrumentos de épocas pasadas, entre los que se incluyen la flauta traversa, viola de gamba, viola aguda, violín contrabajo barroco, clave y, sin duda, el laúd es un instrumento de clases privilegiadas y merece especial atención. En la Edad Media, los árabes la llamaban con razón la reina de los instrumentos musicales.

Sonido

El laúd pertenece a la familia de los instrumentos de cuerda pulsada; la naturaleza de su sonido es un poco parecida a la de una guitarra, sin embargo, su voz es mucho más suave y gentil, y su timbre es aterciopelado y tembloroso, ya que está más saturado de matices. La fuente del sonido en un laúd son las cuerdas emparejadas y sueltas, que el intérprete pulsa con la mano derecha y presiona los trastes con la izquierda, cambiando su longitud y cambiando así el tono.

El texto musical del instrumento se escribió utilizando letras en una línea de seis líneas, y la duración de los sonidos se indicaba mediante notas colocadas encima de las letras. Rango El instrumento tiene aproximadamente 3 octavas. La herramienta no tiene una configuración estándar específica.

Foto:

Datos interesantes

Para muchos pueblos, la imagen de un laúd sirvió como símbolo de armonía, juventud y amor. Para los chinos, significaba sabiduría, así como coherencia en la familia y la sociedad. Para los budistas, la armonía en el mundo de los dioses, para los cristianos, un laúd en manos de los ángeles significaba la belleza del cielo y la reconciliación de las fuerzas naturales. En el arte del Renacimiento, simbolizaba la música, y un instrumento con cuerdas rotas indicaba desacuerdo y discordia.
El laúd era un emblema, una imagen simbólica de los amantes.
Durante el Renacimiento, el laúd aparecía muy a menudo en las pinturas; incluso Orfeo y Apolo fueron pintados por artistas de la época no con una lira, sino con un laúd. Y no se puede imaginar una composición más armoniosa que la de una niña o un niño con este romántico instrumento.
Hubo un tiempo en que el laúd, muy popular, era considerado un instrumento privilegiado del círculo secular, la nobleza y la realeza. En Oriente se le llamaba el Sultán de los Instrumentos, y en los países europeos se decía que el órgano era "el rey de todos los instrumentos" y el laúd era "el instrumento de todos los reyes".
El gran poeta y dramaturgo inglés W. Shakespeare mencionó muy a menudo el laúd en sus obras. Admiraba su sonido y le atribuía la capacidad de llevar a los oyentes a un estado de éxtasis.
El mayor escultor, artista, poeta y pensador italiano, Miguel Ángel Buonarroti, admirando la actuación del famoso laudista Francesco da Milano, dijo que estaba divinamente inspirado por la música y que todos sus pensamientos en ese momento estaban dirigidos al cielo.
El laudista se llama laudista y el artesano que fabrica los instrumentos se llama luthier.
Los instrumentos de los maestros boloñeses, los luthiers L. Mahler y G. Frey, así como los representantes de la familia de artesanos Tiffenbrucker de Venecia y Padua, creada en los siglos XVII y XVIII, cuestan dinero astronómico según esos estándares.
Aprender a tocar el laúd no fue tan difícil, pero afinar el instrumento, que tenía muchas cuerdas hechas de materiales naturales, pero que no aguantaba bien la afinación debido a los cambios de temperatura y humedad, sí era problemático. Había un chiste muy famoso: un músico que toca un laúd pasa dos tercios de su tiempo afinando el instrumento y un tercio tocando música en un instrumento desafinado.

Diseño

El diseño muy elegante del laúd incluye cuerpo y mástil, finalizando con un bloque de afinación. El cuerpo en forma de pera incluye una plataforma y un cuerpo que actúa como resonador.

El cuerpo está formado por segmentos curvos y semiesféricos de madera dura: ébano, palo de rosa, cerezo o arce.
La cubierta es la parte frontal del cuerpo que cubre el cuerpo. Es plano, de forma ovalada y generalmente está hecho de abeto resonador. Hay un soporte en la parte inferior de la plataforma y en el medio hay una boca de sonido con la forma de un elegante patrón intrincado o una hermosa flor.

El mástil del laúd, relativamente ancho pero corto, está fijado al cuerpo al mismo nivel que la tapa armónica. Se le pega un diapasón de ébano y también se le colocan topes de traste de catgut. En la parte superior del mástil hay una cejilla que influye en la altura de la tensión de la cuerda.

El bloque de afinación del laúd, en el que se encuentran las clavijas de ajuste de la tensión de las cuerdas, también tiene su propia característica distintiva. Consiste en el hecho de que el bloque está ubicado en relación con el cuello en un ángulo bastante grande, casi recto.

El número de cuerdas emparejadas en diferentes laúdes varía mucho: de 5 a 16 y, a veces, 24.

Peso el instrumento es muy pequeño y pesa aproximadamente 400 g., longitud instrumento - unos 80 cm.

Variedades

El laúd, muy popular en su época, evolucionó de forma muy intensa. Los maestros musicales experimentaron constantemente con su forma, número de cuerdas y afinación. Como resultado, surgió un número bastante significativo de variedades de instrumentos. Por ejemplo, los laúdes renacentistas, además de los instrumentos tradicionales, incluidos los instrumentos con un número diferente de cuerdas emparejadas (coros), tenían tipos de diferentes tamaños que eran similares a los registros de la voz humana: octava pequeña, agudos pequeños, agudos, alto, tenor, bajo y bajo de octava. Además, la familia del laúd incluye el laúd barroco, al-ud, archilaúd, torban, kobza, theorba, kittaron, cítara, bandora, laúd cantabile, orpharion, laúd vandervogel, mandora, mandola.

Solicitud

Los historiadores del arte consideran que el laúd no sólo es uno de los instrumentos más interesantes, sino también de fundamental importancia en la historia de la música europea de los siglos XVI y XVII. Ha recibido el reconocimiento de diversos ámbitos de la vida, desde plebeyos hasta la realeza, y se ha utilizado como instrumento de acompañamiento, solista y conjunto. La creciente popularidad del laúd requería constantemente una reposición y actualización del repertorio. Muy a menudo, los compositores de las obras también eran intérpretes, razón por la cual apareció en los países europeos toda una galaxia de maravillosos compositores de laúd. En Italia: F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. En España - L. Milán, M. Fuenllana. En Alemania: H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. En Inglaterra: D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. En Polonia: V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. En Francia: E. Gautier, D. Gautier, F. Dufau, R. Wiese. También cabe señalar que incluso grandes maestros como ES. Llevar una vida de soltero, A. Vivaldi, G. Händel, J. Haydn prestó atención al laúd, enriqueciendo su repertorio con sus obras.

En la actualidad, el interés por la música antigua, y al mismo tiempo por el laúd, no decae. Su sonido se escucha cada vez más en los escenarios de las salas de conciertos. Entre los compositores modernos que hoy componen para instrumento, cabe destacar muchas obras interesantes de I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Artistas famosos

Extraordinariamente de moda en el Renacimiento y el Barroco, pero suplantado por otros instrumentos e injustamente olvidado, el laúd vuelve a despertar hoy un gran interés, y no sólo entre los músicos auténticos. Su sonido ahora se puede escuchar cada vez más en diversas salas de conciertos, no sólo en solitario, sino también en conjunto con otros hermosos instrumentos musicales antiguos. En el siglo XXI, los virtuosos más famosos que hacen mucho para popularizar el instrumento son V. Kaminik (Rusia), P. O'Dette (EE. UU.), O. Timofeev (Rusia), A. Krylov (Rusia, Canadá). , A. Suetin (Rusia), B. Yang (China), Y. Imamura (Japón), R. Lislevand (Noruega), E. Karamazov (Croacia), J. Held (Alemania), L. Kirchhoff (Alemania), E. Eguez (Argentina), H. Smith (Estados Unidos), J. Lindberg (Suecia), R. Barto (Estados Unidos), M. Lowe (Inglaterra), N. North (Inglaterra), J. van Lennep (Países Bajos) y muchos otros .

Historia

Es imposible rastrear toda la historia de la aparición del laúd, que en los países orientales se consideraba uno de los instrumentos más avanzados. Estos instrumentos ya estaban muy extendidos en muchos países del mundo hace cuatro mil años. Se jugaron en Egipto, Mesopotamia, China, India, Persia, Asiria, la Antigua Grecia y Roma. Sin embargo, los estudiosos del arte sugieren que el laúd tuvo un predecesor inmediato, el oud, un instrumento que todavía es muy venerado en Oriente Medio, afirmando que es el resultado de la creación del nieto del Profeta. El oud tenía un cuerpo en forma de pera, hecho de madera de nogal o peral, una tapa armónica de pino, un mástil corto y una cabeza curvada hacia atrás. El sonido se extrajo mediante una púa.

La conquista de Europa por el laúd comenzó en el siglo VIII desde España y Cataluña, después de que los moros conquistaran la Península Ibérica. El instrumento no sólo se fusionó muy rápidamente con las culturas de estos países, sino que también, como resultado de las Cruzadas, comenzó a extenderse rápidamente por otros países europeos: Italia. Francia, Alemania, desplazando a otros instrumentos que estaban en uso en esa época, como la cistra y la pandura. El laúd, que estaba ganando popularidad, fue objeto constantemente de diversas mejoras. Los artesanos hicieron cambios en el diseño del instrumento, modificaron el cuerpo y el mástil y agregaron cuerdas. Si inicialmente tenía de 4 a 5 cuerdas emparejadas: coros, posteriormente el número aumentó gradualmente. En el siglo XIV, el laúd en Europa no sólo estaba completamente formado, sino que también se convirtió en uno de los instrumentos más populares no sólo en la corte, sino también en la música casera. Ya no se utilizaba sólo como instrumento de acompañamiento, sino también como instrumento solista. Compusieron muchos tipos diferentes de música para laúd, haciendo arreglos no sólo de canciones y danzas populares, sino también de música sacra. En el siglo XV, la popularidad del instrumento aumentó aún más; los pintores lo representaban a menudo en sus lienzos artísticos. Los compositores continúan enriqueciendo intensamente su repertorio. Los intérpretes abandonan la púa y prefieren el método de extracción con los dedos, que amplió significativamente las capacidades técnicas, permitiendo la interpretación tanto de acompañamiento armónico como de música polifónica. Los laúdes siguieron mejorando y los instrumentos de seis cuerdas emparejadas se convirtieron en los más populares.

En el siglo XVI, la popularidad del laúd alcanzó su apogeo. Dominó tanto entre los músicos profesionales como entre los aficionados. El instrumento sonaba en los palacios de los reyes y la alta nobleza, así como en los hogares de los ciudadanos comunes y corrientes. Se utilizó para interpretar obras solistas y en conjunto, acompañar a vocalistas y coros y, además, incorporarse a orquestas. Se crearon escuelas para la producción de instrumentos de laúd en diferentes países, la más famosa de ellas estaba ubicada en Italia en Bolonia. Los instrumentos se modificaron constantemente, el número de cuerdas emparejadas aumentó: primero diez, luego catorce, y posteriormente su número llegó a 36, lo que en consecuencia requirió cambios en el diseño del instrumento. Había muchas variedades de laúd, entre ellas había siete que correspondían a la tesitura de la voz humana, desde la discoteca hasta el bajo.

A finales del siglo XVII, la popularidad del laúd comenzó a declinar notablemente, a medida que fue reemplazado gradualmente por instrumentos como guitarra, clave, y un poco más tarde el piano. En el siglo XVIII ya no se utilizaba, a excepción de algunas variedades que existían en Suecia, Ucrania y Alemania. Y sólo a principios del siglo XIX y XX, debido al renovado interés por los instrumentos antiguos de los entusiastas ingleses, liderados por el fabricante de instrumentos, músico profesional y musicólogo Arnold Dolmich, la atención al laúd volvió a aumentar considerablemente.

El laúd es un instrumento musical antiguo, elegante, con una voz hermosa y suave, que en un momento quedó fuera de uso y se olvidó injustamente. Pasó el tiempo, los músicos se acordaron de él, se interesaron y nuevamente lo llevaron al escenario del concierto para cautivar a los oyentes con su sofisticado sonido. Hoy en día, el laúd suele participar en auténticos conciertos de música, tanto como instrumento solista como de conjunto.

Vídeo: escucha el laúd.

Dutar. Du - dos. Alquitrán - hilo. Instrumento con trastes fijos y dos cuerdas tendinosas. ¿Crees que cuantas menos cuerdas, más fácil es tocar?

Bueno, entonces escuche la interpretación de uno de los mejores intérpretes de dutar: Abdurakhim Khait, un uigur de Xinjiang, China.
También hay un dutar turcomano. Las cuerdas y los trastes del dutar turcomano son de metal, el cuerpo está ahuecado, hecho de una sola pieza de madera, el sonido es muy brillante y sonoro. El dutar turcomano ha sido uno de mis instrumentos favoritos durante los últimos tres años, y el dutar que se muestra en la foto me lo trajeron desde Tashkent hace poco. ¡Herramienta increíble!

Saz azerbaiyano. Las nueve cuerdas se dividen en tres grupos, cada uno de los cuales está afinado al unísono. Un instrumento similar en Turquía se llama baglama.

No dejes de escuchar cómo suena este instrumento en manos de un maestro. Si tienes poco tiempo, míralo al menos a partir de las 2:30.
Del saz y el baglama surgió el instrumento griego bouzouki y su versión irlandesa.

Oud o al-ud, si se llama a este instrumento en árabe. Del nombre árabe de este instrumento proviene el nombre del laúd europeo. Al-ud - laúd, laúd - ¿oyes? Un oud normal no tiene trastes; los trastes de este ejemplo de mi colección aparecieron por iniciativa mía.

Escuche cómo un maestro de Marruecos toca el oud.

Del violín chino erhu de dos cuerdas con un cuerpo resonador simple y una pequeña membrana de cuero surgió el gijak de Asia Central, que en el Cáucaso y Turquía se llamaba kemancha.

Escuche cómo suena la kemancha cuando la toca Imamyar Khasanov.

Rubab tiene cinco cuerdas. Los primeros cuatro están doblados, cada par está afinado al unísono y hay una cuerda de bajo. El mástil largo tiene trastes correspondientes a la escala cromática de casi dos octavas y un pequeño resonador con membrana de cuero. ¿Qué crees que significan las bocinas curvadas hacia abajo que van desde el mástil hacia el instrumento? ¿No os recuerda su forma a la cabeza de un carnero? Pero bueno, ¡qué sonido! ¡Deberías haber escuchado el sonido de este instrumento! Vibra y tiembla incluso con su enorme cuello; llena todo el espacio a su alrededor con su sonido.

Escuche el sonido del rubab de Kashgar. Pero mi rubab suena mejor, sinceramente.

El alquitrán iraní tiene un cuerpo doble ahuecado hecho de una sola pieza de madera y una membrana hecha de fina piel de pescado. Seis cuerdas emparejadas: dos de acero, luego una combinación de acero y cobre fino, y el siguiente par está afinado en una octava; la cuerda gruesa de cobre se afina una octava por debajo del acero fino. El alquitrán iraní tiene intrusivos trastes hechos de venas.

Escuche cómo suena el alquitrán iraní.
El alquitrán iraní es el antepasado de varios instrumentos. Uno de ellos es el setar indio (se - tres, tar - cuerda), y de los otros dos hablaré a continuación.

El alquitrán de Azerbaiyán no tiene seis, sino once hilos. Seis son iguales al tar iraní, otro bajo adicional y cuatro cuerdas que no se tocan, pero resuenan al tocarlas, añadiendo eco al sonido y haciendo que el sonido dure más. El alquitrán y la kemancha son quizás los dos instrumentos principales de la música azerbaiyana.

Escuche durante unos minutos a partir de las 10:30 o al menos a partir de la 1:50. Usted nunca ha escuchado esto y no podría imaginar que tal interpretación sea posible con este instrumento. Lo interpreta el hermano de Imamyar Khasanov, Rufat.

Existe la hipótesis de que el alquitrán es el antepasado de la guitarra europea moderna.

Recientemente, cuando hablé del caldero eléctrico, me reprocharon que estaba sacando el alma del caldero. Probablemente, más o menos lo mismo le dijeron al hombre que hace 90 años adivinó ponerle una pastilla a una guitarra acústica. Unos treinta años después, se crearon las mejores guitarras eléctricas y siguen siendo el estándar hasta el día de hoy. Una década después aparecieron los Beatles, los Rolling Stones y, tras ellos, Pink Floyd.
Y todo este progreso no ha obstaculizado a los fabricantes de guitarras acústicas ni a los guitarristas clásicos.

Pero los instrumentos musicales no siempre se extendieron de este a oeste. Por ejemplo, el acordeón se convirtió en un instrumento muy popular en Azerbaiyán en el siglo XIX, cuando llegaron allí los primeros colonos alemanes.

Mi acordeón fue hecho por el mismo maestro que creó instrumentos para Aftandil Israfilov. Escuche cómo suena un instrumento así.

El mundo de los instrumentos musicales orientales es amplio y diverso. Ni siquiera os he mostrado parte de mi colección y está lejos de estar completa. Pero definitivamente debo hablarles de dos herramientas más.
Una pipa con una campana en la parte superior se llama zurna. Y el instrumento que está debajo se llama duduk o balaban.

Las celebraciones y bodas comienzan con los sonidos de zurna en el Cáucaso, Turquía e Irán.

Así es como se ve un instrumento similar en Uzbekistán.

En Uzbekistán y Tayikistán, la zurna se llama surnay. En Asia Central e Irán, los sonidos persistentes de otro instrumento, el karnay, se añaden necesariamente a los sonidos del surnay y las panderetas. Karnai-surnai es una frase estable que denota el comienzo de la festividad.

Es interesante que en los Cárpatos exista un instrumento relacionado con el carnai, y su nombre resulta familiar para muchos: trembita.

Y la segunda pipa, que se muestra en mi fotografía, se llama balaban o duduk. En Turquía e Irán, este instrumento también se llama mei.

Escuche cómo Alikhan Samedov toca el balaban.

Volveremos al balaban, pero por ahora quiero hablar de lo que vi en Beijing.
Como comprenderás, colecciono instrumentos musicales. Y tan pronto como tuve un minuto libre durante mi viaje a Beijing, fui inmediatamente a una tienda de instrumentos musicales. Lo que me compré en esta tienda, os lo contaré en otra ocasión. Y ahora sobre lo que no compré y de lo que me arrepiento muchísimo.
En la vitrina había una pipa con una campana, cuyo diseño recordaba exactamente a una zurna.
- ¿Cómo se llama? - pregunté a través del traductor.
“Sona”, me respondieron.
- Qué parecido es con “sorna - surnay - zurna” - pensé en voz alta. Y el traductor confirmó mi suposición:
- Los chinos no pronuncian la letra r en medio de una palabra.

Puedes conocer más sobre la variedad china de zurna.
Pero ya sabes, zurna y balaban van de la mano. Su diseño tiene mucho en común, tal vez por eso. ¿Y, qué piensas? Junto al instrumento son había otro instrumento: guan o guanji. Así es como se veía:

Así es como se ve. Chicos, camaradas, señores, ¡esto es lo que es duduk!
¿Cuándo llegó allí? En el siglo VIII. Por lo tanto, podemos suponer que vino de China: el momento y la geografía coinciden.
Hasta ahora, todo lo que está documentado es que este instrumento se extendió hacia el este desde Xinjiang. Bueno, ¿cómo se toca este instrumento en el Xinjiang moderno?

¡Mira y escucha desde el segundo 18! Simplemente escuche el sonido lujoso del balaman uigur; sí, aquí se llama exactamente igual que en el idioma azerbaiyano (también existe esa pronunciación del nombre).

Busquemos información adicional en fuentes independientes, por ejemplo, en la enciclopedia Iranica:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
Instrumento de viento de doble lengüeta, de calibre cilíndrico, de unos 35 cm de largo, con siete orificios para los dedos y uno para el pulgar, que se toca en el este de Azerbaiyán, en Irán y en la República de Azerbaiyán.

¿O Iranika simpatiza con los azerbaiyanos? Bueno, la TSB también dice que la palabra duduk es de origen turco.
¿Sobornaron azerbaiyanos y uzbekos a los compiladores?
Bueno, está bien, ¡definitivamente no sospecharás que los búlgaros simpatizan con los turcos!
en un sitio web búlgaro muy serio sobre la palabra duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dyudyuk (del turco düdük), pishchalka, svorche, glasnik, adicional: instrumento musical popular del tipo de aerofonita, trubi semicerrado.
Nuevamente señalan el origen turco de la palabra y la llaman su instrumento popular.
Resultó que este instrumento está muy extendido principalmente entre los pueblos turcos o entre los pueblos que estuvieron en contacto con los turcos. Y cada nación lo considera, con razón, su instrumento popular y nacional. Pero sólo uno se atribuye el mérito de su creación.

Después de todo, sólo los perezosos no han oído que "el duduk es un antiguo instrumento armenio". Al mismo tiempo, insinúan que el duduk fue creado hace tres mil años, es decir, en un pasado indemostrable. Pero los hechos y la lógica elemental demuestran que no es así.

Vuelva al principio de este artículo y eche otro vistazo a los instrumentos musicales. Casi todos estos instrumentos también se tocan en Armenia. Pero está absolutamente claro que todos estos instrumentos aparecieron entre pueblos mucho más numerosos con una historia clara y comprensible, entre los que vivían los armenios. Imaginemos un pueblo pequeño que vive disperso entre otras naciones con sus propios estados e imperios. ¿Crearán esas personas un conjunto completo de instrumentos musicales para toda una orquesta?
Debo admitir que también pensé: "Está bien, esos eran instrumentos grandes y complejos, dejémoslos de lado, pero ¿podrían los armenios siquiera inventar una pipa?". Pero resulta que no, no se les ocurrió. Si se les hubiera ocurrido, entonces esta pipa tendría un nombre puramente armenio, y no el poético y metafórico tsiranopokh (alma del albaricoquero), sino algo más simple, más popular, con una raíz, o incluso onomatopéyico. Mientras tanto, todas las fuentes apuntan a la etimología turca del nombre de este instrumento musical, y la geografía y las fechas de distribución muestran que el duduk comenzó su difusión desde Asia Central.
Bueno, está bien, hagamos una suposición más y digamos que los duduk llegaron a Xinjiang desde la antigua Armenia. ¿Pero cómo? ¿Quién lo trajo allí? ¿Qué pueblos se trasladaron del Cáucaso a Asia Central a principios del primer milenio? ¡No existen tales naciones! Pero los turcos se movían constantemente desde Asia Central hacia el oeste. Bien podrían haber difundido este instrumento en el Cáucaso, en el territorio de la actual Turquía e incluso en Bulgaria, como indican los documentos.

Preveo otro argumento de los defensores de la versión del origen armenio del duduk. Dicen que el verdadero duduk se elabora únicamente con madera de albaricoque, que en latín se llama Prúnus armeniáca. Pero, en primer lugar, los albaricoques no son menos comunes en Asia Central que en el Cáucaso. El nombre latino no indica que este árbol se haya extendido por todo el mundo desde el territorio del área que lleva el nombre geográfico de Armenia. Simplemente desde allí penetró en Europa y fue descrito por los botánicos hace unos trescientos años. Por el contrario, existe una versión de que el albaricoque se extendió desde Tien Shan, parte del cual se encuentra en China y parte en Asia Central. En segundo lugar, la experiencia de pueblos muy talentosos demuestra que este instrumento se puede fabricar incluso con bambú. Y mi balaban favorito está hecho de morera y suena mucho mejor que los de albaricoque, que también tengo y fueron hechos en Armenia.

Escuche cómo aprendí a tocar este instrumento en un par de años. A la grabación asistieron el Artista del Pueblo de Turkmenistán Hasan Mamedov (violín) y el Artista del Pueblo de Ucrania, mi compañero residente en Fergana, Enver Izmailov (guitarra).

Con todo esto quiero rendir homenaje al gran jugador armenio de duduk Jivan Gasparyan. Fue este hombre quien hizo del duduk un instrumento de fama mundial; gracias a su trabajo surgió en Armenia una maravillosa escuela de tocar el duduk.
Pero es legítimo decir "duduk armenio" sólo sobre instrumentos específicos, si están hechos en Armenia, o sobre el tipo de música que surgió gracias a J. Gasparyan. Sólo aquellas personas que se permiten declaraciones sin fundamento pueden señalar el origen armenio del duduk.

Tenga en cuenta que yo mismo no indico ni el lugar exacto ni la hora exacta de aparición del duduk. Probablemente sea imposible establecer esto y el prototipo del duduk es más antiguo que cualquiera de los pueblos vivos. Pero estoy construyendo mi hipótesis sobre la difusión del duduk, basándome en hechos y en una lógica elemental. Si alguien quiere objetarme, me gustaría preguntarle de antemano: por favor, al construir hipótesis, confíe de la misma manera en hechos demostrables y verificados de fuentes independientes, no rehuya la lógica y trate de encontrar otra explicación inteligible. por los hechos enumerados.

Xi Jinping, Presidente de la República Popular China, hablando en un simposio con motivo del 69º aniversario de la victoria sobre los invasores japoneses durante la Segunda Guerra Mundial, pidió a Japón que adopte un enfoque más responsable a la hora de evaluar...

añadido: 04 de marzo de 2014

Música e instrumentos nacionales japoneses.

La Tierra del Sol Naciente Japón tiene una cultura distintiva y única. El patrimonio de una gran nación está íntimamente ligado a la música. La música nacional japonesa es el mismo fenómeno original que se debió al aislamiento del país.

El pueblo de Japón siempre trata los monumentos culturales de su tierra natal con cuidado y respeto. Cualquier música es imposible sin instrumentos musicales. La cultura musical japonesa tiene su propio género único. Esto explica la variedad de instrumentos que se utilizan para crear obras maestras musicales.

Instrumentos musicales famosos

Uno de los instrumentos musicales japoneses más famosos es shamisen, que es análogo a un laúd. Pertenece a la categoría de instrumentos pulsados de tres cuerdas. Él vino de sansina, que a su vez provino de sanxian, cuya patria es China.

La música y la danza japonesas no pueden prescindir del shamisen, que todavía es venerado en las islas japonesas y se utiliza a menudo en el teatro japonés. Bunraku y Kabuki. También es importante que el juego del shamisen esté incluido en el programa de entrenamiento para geishas: maiko.

La música nacional japonesa también está indisolublemente ligada a las flautas. Instrumento musical combustible Pertenece a una familia de flautas conocidas por su sonido agudo. Están hechos de bambú. Esta flauta vino de una pipa china - “ paixiao«.

La flauta más famosa de la familia fue es shakuhachi, que es utilizado como instrumento musical por los monjes budistas zen. Según la leyenda, el shakuhachi fue inventado por un campesino corriente. Cuando estaba transportando bambú, escuchó una maravillosa melodía que provenía del bambú cuando el viento soplaba en él.

La flauta fue, al igual que el shamisen, se utiliza a menudo como acompañamiento en los teatros Banraku y Kabuki, y en diversos tipos de conjuntos. Algunos de los fouet pueden afinarse al estilo occidental y así convertirse en solistas. Es interesante que anteriormente tocar el fue era característico sólo de los monjes errantes japoneses.

Suikinkutsu

Otro instrumento que representa la cultura japonesa es suikinkutsu. Tiene la forma de una jarra invertida de la que fluye agua desde arriba. Al entrar a través de ciertos agujeros, hace que el instrumento emita un sonido muy similar al repique de una campana. Este instrumento se toca antes de la ceremonia del té y también se utiliza como atributo de un jardín tradicional japonés.

Por cierto, por conveniencia, la ceremonia del té se puede realizar en el jardín. El sonido del instrumento sumerge a la persona en una inexplicable sensación de relajación y crea un estado de ánimo contemplativo. Este estado es muy adecuado para la inmersión en el Zen, ya que relajarse en el jardín durante la ceremonia del té forma parte de la tradición Zen.

La herramienta es más comprensible para nuestra percepción. taiko,que traducido al ruso significa "tambor". Por cierto, Taiko se hizo famoso en los asuntos militares, al igual que sus homólogos de otros países. Como dicen, en las crónicas de Gunji Yeshu, nueve por nueve golpes significaban un llamado a la batalla, y a su vez, nueve por tres significaban que había que perseguir al enemigo.

Hay que tener en cuenta que durante la actuación de un baterista se presta atención a la estética de la interpretación que ofrece, ya que no solo son importantes la melodía y el ritmo de la interpretación, sino también la apariencia del instrumento en el que se toca la melodía. .

Géneros de música japonesa.

La música folclórica japonesa ha recorrido un largo camino en su desarrollo. Sus orígenes fueron canciones mágicas; posteriormente, el confucianismo y el budismo influyeron en el desarrollo y formación del género musical. Así, la música japonesa está, de una forma u otra, asociada a rituales, fiestas tradicionales, representaciones teatrales y otras actividades. La música étnica japonesa, que en el mundo moderno se puede escuchar en línea en cualquier momento del día y en cualquier lugar, se ha convertido en una parte importante del patrimonio cultural del país.

Hay dos tipos principales y más populares de música nacional japonesa.

El primero es siomyo, que representa cantos budistas.
Segundo - gagaku, que es música de corte orquestal.

Pero también hay géneros que no tienen raíces antiguas. pertenecen a Yasugi Bushi y Enka.

El género más popular de canciones populares japonesas es Yasugi Bushi, que lleva el nombre de la ciudad de Yasugi. La temática del género está relacionada con la historia antigua y los cuentos míticos y poéticos. Pero Yasugi Bushi no es sólo canciones, sino también danza. dojo sukui, así como el arte de hacer malabarismos con la música. Zeni Daiko, que utiliza tallos de bambú llenos de monedas como instrumento musical.

Enca, como género, surgió relativamente recientemente, en el período de posguerra. En él, los motivos folclóricos japoneses se entrelazan con el jazz y el blues. Por tanto, la música japonesa tiene sus propias características nacionales y, por tanto, se diferencia de otros géneros musicales de otros países. Entonces, hay instrumentos musicales llamados pozos cantantes, que no verás en ningún lugar de la tierra, excepto quizás en el Tíbet.

La música japonesa se caracteriza por cambios constantes de tempo y ritmo. Muchas veces no hay talla. La música japonesa se acerca a los sonidos de la naturaleza, lo que la hace aún más misteriosa e inusual.

Vídeo: música japonesa en línea

Con la ayuda de los cuales se acompañaron narradores o cantantes japoneses durante la actuación. El análogo europeo más cercano al shamisen es. Shamisen junto con flautas hayashi y shakuhachi, tambor tsuzumi y. Se refiere a instrumentos musicales tradicionales japoneses.

El nombre contrasta con el género de música bunraku y kabuki: nagauta (canción larga). El estilo de actuación más conocido y complejo es el Gidayu, que lleva el nombre de Takemoto Gidayu (1651-1714), una figura del teatro de marionetas bunraku de Osaka. Los instrumentos y púas de Gidayu son los más grandes, y el propio Gidayu es a la vez cantante y comentarista de lo que sucede en el escenario. El trabajo del narrador es tan complejo que en mitad de la actuación el guidayu cambia. El narrador debe conocer el texto y la melodía con absoluta precisión. Desde el siglo XIX también aparecieron las onna-gidayu, narradoras.

Origen

Shamisen en su forma original se originó en las profundidades de Asia occidental, de allí llegó a China (siglo XIII), donde recibió el nombre de "sansian", luego se trasladó a las islas Ryukyu (actual Okinawa) y solo desde allí llegó a Japón. . Este acontecimiento está muy claramente indicado en la historia, a diferencia de la época de la aparición de otros instrumentos musicales, y se remonta a 1562.

El predecesor del shamisen fue el sanshin, que se jugaba en el Reino de Ryukyu, que en aquella época se convirtió en una prefectura. Sanshin, a su vez, proviene del instrumento chino sanjian, que evolucionó a partir de instrumentos de Asia Central.

El shamisen también fue un instrumento esencial para los músicos gojo ciegos viajeros que surgieron a principios del shogunato Tokugawa.

A diferencia de Europa, donde los instrumentos tradicionales/antiguos no reciben mucha atención, el shamisen y otros instrumentos tradicionales en Japón son ampliamente conocidos y amados. La popularidad se debe no sólo al respeto de los japoneses por su cultura e historia, sino también al uso de instrumentos nacionales, en particular el shamisen, en el teatro tradicional japonés, principalmente en el teatro Kabuki y Bunraku.

El shamisen adquirió mayor difusión durante la era Tokugawa, y la habilidad de tocarlo se incluyó en el programa de entrenamiento obligatorio para las maiko, estudiantes de geishas. Es por eso que los “barrios alegres” a menudo se llamaban “barrios donde el shamisen nunca se detiene”.

Variedades y aplicaciones.

Existen varios tipos de instrumentos que se diferencian entre sí por el grosor del mástil.

Herramientas con cuello estrecho son llamados hosozao y se utilizan principalmente en la música nagauta.

Herramientas con diapasón medio Los espesores se llaman chuzao y se utilizan en géneros musicales como kiyomoto, tokiwazu, jiuta etc.

En el norte de Japón, especialmente en el área de Tsugaru (parte occidental de la prefectura de Aomori), una un tipo de shamisen con cuello grueso — Tsugarujamisen, tocar que requiere un virtuosismo especial. El Tsugarujamisen con la barra más gruesa se llama futozao y se utiliza en joruri.

Dispositivo

El cuerpo del shamisen es un marco de madera cubierto herméticamente con cuero. En las islas Ryukyu, por ejemplo, se utilizaba piel de serpiente, y en el propio Japón se utilizaba para este fin piel de gato o de perro. El cuerpo está cubierto de cuero por ambos lados, además se pega un pequeño trozo de cuero a la membrana frontal para protegerlo de los golpes de la púa (bati).

Entre las clavijas y el extremo inferior del diapasón, que sobresale del centro del cuerpo inferior, se tensan tres cuerdas de distintos grosores. Las cuerdas están hechas de seda, nailon y tetlón. La longitud del shamisen es de unos 100 cm.

El shamisen se toca con una gran púa “bachi”, que está hecha de materiales como madera, marfil, caparazón de tortuga, cuerno de búfalo y plástico. Los bati de nagaut y dziut son triángulos casi regulares, con bordes muy afilados.

Tsugarujamisen sugiere una púa más pequeña, que recuerda más a la hoja de un árbol de ginkgo.

Técnica de juego Shamisen

Han surgido tres estilos de tocar el shamisen:

Uta-mono es un estilo de canción. Uno de los principales géneros de acompañamiento musical para representaciones teatrales. kabuki. Este género está representado por largos interludios musicales interpretados por el conjunto Hayashi (este conjunto suele acompañar a las representaciones teatrales y consta de una flauta y tres tipos de tambores).

Katari-mono – estilo fantástico. Es más característico de la música tradicional japonesa y está representado por un tipo específico de canto.

Minyo es una canción popular.

Cuando el shamisen apareció por primera vez en Japón, las cuerdas se pulsaban con una púa pequeña (yubikake), y solo con el tiempo los músicos comenzaron a utilizar una púa, lo que amplió significativamente las capacidades tímbricas del instrumento. Cada vez que se pulsa la cuerda inferior, además de su sonido, se escuchan matices y un ligero ruido, este fenómeno se llama “sawari” (“toque”). Los savaris también aparecen cuando otras cuerdas resuenan con la cuerda más baja, especialmente cuando el intervalo de tono entre las cuerdas es una octava (dos octavas, tres, una quinta, etc.). La capacidad de utilizar este sonido adicional es un signo de la gran habilidad del intérprete, y el efecto acústico en sí está estrictamente controlado por los fabricantes de shamisen.

La púa se sostiene en la mano derecha y, en el momento adecuado, tres dedos de la mano izquierda detienen el sonido de las cuerdas en el mástil sin trastes. El pulgar y el meñique no se utilizan en el juego. La técnica más característica de tocar el shamisen es el golpe simultáneo de la púa sobre la membrana y la cuerda. Además, hay muchos otros factores importantes que determinan el sonido específico, por ejemplo, el grosor de las cuerdas, el mástil, el parche, el lugar donde la púa golpea las cuerdas, etc. También puedes pulsar las cuerdas con la mano izquierda del shamisen, lo que da como resultado un timbre más elegante. Esta capacidad de cambiar el timbre es una de las características del shamisen.

Además del método de ejecución, el timbre del instrumento se puede cambiar variando la longitud de la cuerda, el mástil o la púa, así como su tamaño, grosor, peso, material: ¡indicadores de masa! Hay casi dos docenas de shamisen, que se diferencian en tono y timbre, y los músicos seleccionan el instrumento que más se adapta a su género musical o lo vuelven a afinar inmediatamente antes de la actuación.

En la música para shamisen, la línea de la voz prácticamente coincide con la que se toca en el instrumento: la voz está solo ligeramente por delante de la melodía, lo que permite escuchar y comprender el texto, y también enfatiza el contraste entre el sonido de la voz. y el shamisen.

Shamisen en la música moderna

Shamisen, debido a su sonido específico, se utiliza a menudo para realzar el sonido "nacional" en algunas películas y animes japoneses (muy parecido a lo que ocurre en Rusia). Así, suena shamisen en la banda sonora de la serie anime Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu juega al estilo New Age.

Lo utilizan representantes de la vanguardia musical europea (por ejemplo, Henri Pousseur).

Las composiciones interpretadas por los hermanos Yoshida son bastante populares;

Michiro Sato realiza improvisaciones sobre el shamisen, y el pianista de jazz Glenn Horiuchi insertó fragmentos de shamisen en sus composiciones.

El guitarrista Kevin Kmetz lidera la banda californiana God of Shamisen, en la que toca el tsugarujamisen.

Vídeo: Shamisen en vídeo + sonido

Gracias a estos vídeos podrás familiarizarte con el instrumento, ver un juego real con él, escuchar su sonido y sentir las particularidades de la técnica:

Venta: ¿dónde comprar/pedir?

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