Chardin Jean Baptiste Simeon: biografía, hechos de la vida, fotografías, antecedentes. Jean Baptiste Simeon Chardin - biografía y pinturas Jean Baptiste Chardin: pinturas

¿Quién dijo que un artista debería pintar sólo a monarcas y nobles majestuosos con ropas lujosas y una expresión arrogante en sus rostros, o plasmar en lienzo escenas bíblicas cuyos personajes nadie ha visto nunca, o representar escenas pastorales con escenografía teatral y mimos? ¿Es la vida cotidiana con objetos familiares que conforman el mundo cotidiano que nos rodea menos colorida y pintoresca? No pasó nada, y esto confirma el talento y la habilidad de Jean Baptiste Simeon Chardin, un pintor francés, uno de los artistas notables y famosos del siglo XVIII, que ganó fama y popularidad como uno de los mejores coloristas de la pintura mundial. Sus obras en el campo de la naturaleza muerta y los bocetos de género adornan las mejores galerías de arte y museos del mundo.

Biografía de Chardin Jean Baptiste Simeon (11.02.1699 - 12.06.1779) brevemente

Chardin nació el 2 de noviembre de 1699 en el barrio parisino de Saint-Germain-des-Prés en la familia de un carpintero. Vivió en su barrio natal toda su vida; sus biógrafos creen que nunca abandonó la capital. Su aprendizaje tuvo lugar en el taller de los artistas parisinos P.-J. Kaz y Noel Coipel. Como asistente de Coypel, Chardin realizó pequeños detalles en sus pinturas y dominó el inusual arte de representar todo tipo de objetos inanimados. El artista decidió dedicar toda su creatividad a esto.

Chardin - maestro de la naturaleza muerta

Incluso las primeras obras independientes del artista fueron ejecutadas con extraordinaria habilidad y fueron confundidas con obras de famosos maestros flamencos y holandeses. Al comienzo de su obra, Chardin pintó principalmente naturalezas muertas con frutas, verduras, flores, utensilios domésticos y atributos de caza. Por lo tanto, Chardin se hizo conocido entre el público parisino principalmente como un magnífico maestro de la naturaleza muerta. Pero en sus pinturas, incluso desde la primera época, no hay ningún atisbo de pretensión.

Sus naturalezas muertas están conectadas orgánicamente por el aspecto cotidiano. Todos los objetos y detalles, a pesar de su carácter prosaico, crean la impresión de poesía y, al mismo tiempo, se perciben como realidad. Como en el cuadro "Naturaleza muerta con vaso de cristal y fruta". Está claro que utilizan una jarra de cristal, que no brilla con su transparencia original. Las frutas crecieron en un jardín real, sólo quieres morder una pera. "Se ve que está jugoso y maduro, incluso hay un gusano que ya ha intentado hacerlo. Y la vasija de plata es más bien un objeto ceremonial, todo brilla, o tal vez la sirvienta es muy concienzuda, o el ama de casa. Hay mucho celo en esta casa.

En las composiciones de Chardin, los elementos domésticos más comunes son ollas viejas, un tanque de agua de cocina, una jarra de barro y verduras. A veces se pueden encontrar atributos de arte más elevados u objetos de carácter científico, pero están presentes sólo con fines decorativos. La principal ventaja de estas pinturas no está en el valor material de los objetos representados en ellas, que era más bien característico de los artistas holandeses, sino en la poesía espiritual de la vida cotidiana, en el equilibrio de la composición, que crea una imagen de armonía. de la vida cotidiana, el confort y la paz del hogar familiar.

Chardin - retratista

Desde 1739, Chardin ha ampliado el espectro de sus temas con retratos y escenas de la vida doméstica de la gente pobre. Estas escenas de género son cercanas y comprensibles para Chardin, que nació y creció entre esas personas. Los retratos ocultos, la vida cotidiana de la gente corriente del tercer estado, se transmiten con calma, sinceridad, veracidad y naturalidad. El estilo de Chardin como artista marcó el nacimiento del realismo en el siglo XVIII, continuó la tradición de los bodegones y artistas de la vida cotidiana flamencos y holandeses del siglo XVII, enriqueció esta tradición e introdujo en su obra un toque no sólo de naturalidad, sino también de gracia. propio trabajo.

La sutileza emocional y la capacidad de análisis psicológico fueron evidentes en los últimos trabajos al pastel de Chardin. Un excelente ejemplo es su "Autorretrato con gafas" o "Retrato de Madame Chardin", pintado poco antes de su muerte. Diderot escribió muy poéticamente sobre las obras de Chardin, comparándolo con un mago que no moja sus pinceles en pintura, sino que toma aire en su punta y luz, y los plasma sobre lienzo.Chardin murió el 6 de diciembre de 1779.

Chardin Jean Baptiste (realismo)

En los años 60-70, bajo la indudable influencia de la burguesía, surgió en el arte el interés por el realismo holandés. Bajo la influencia de estas ideas estéticas se desarrolló el arte del artista francés Jean Baptiste Simeon Chardin.

En esencia, Chardin creó un nuevo sistema pictórico. Comenzó con naturalezas muertas, que hasta entonces habían estado poco desarrolladas en Francia: naturalezas muertas con aves sacrificadas, comida y frutas.

Entonces encuentra su tema: se trata de artículos de cocina llenos de encanto tranquilo, que viven su propia “vida tranquila”: calderas, ollas, tanques. El mundo de las cosas simples, reducido al mínimo, está desprovisto de toda pretensión, pero está lleno del poder penetrante de la maestría pictórica.

Chardin es igual de sincero, confiable y sutilmente pintoresco en la pintura de género. En contraste con las festividades galantes y los idilios pastorales, Chardin, expresando los gustos de la burguesía, comienza a representar la regularidad, el orden y la comodidad de la vida burguesa. La integridad y el trabajo duro fueron glorificados por Chardin sin enseñar ni moralizar, sin patetismo ni efectos, proclamando “medida y orden” como modelo de vida. Su asombrosa habilidad pictórica y sus tonos puros hacen de sus pinturas pequeñas obras maestras.

Chardin también aborda los retratos de una manera nueva. Los modelos de sus retratos son sencillos, sinceros y carentes de manierismos. El artista ve en una persona, ante todo, a sí mismo, su esencia, y no el lugar que ocupa en la vida.

En general, podemos decir que Chardin descubrió un género cotidiano que glorifica la vida humilde de una persona común, revelando sus mejores rasgos: trabajo duro, limpieza, la capacidad de encontrar alegría en las cosas simples.

Cocinero limpiando colinabos (1778)

En el centro de la imagen, la cocinera, sentada en una silla, pensaba en algo, sus manos trabajadoras se detuvieron. Frente a ella hay un caldero con verduras peladas, una sartén de cobre brillante, un caldero oscuro y ahumado, al lado de un enorme bloque para picar carne, con un hacha encima. Cada elemento de la imagen está pintado con amor e interés. Uno siente que la cocinera no se siente agobiada por su trabajo pausado, cocina y fríe con gusto y sus pensamientos son simples y comprensibles. La imagen está llena de sabiduría especial, alegría tranquila; ella glorificará el trabajo duro, la bondad y la nobleza espiritual.

Pompas de jabón (1775)

El propio artista llama así al cuadro: “La vanidad de un joven haciendo pompas de jabón”. La pintura está imbuida de un espíritu moralizante, el artista condena al joven libertino que se divierte con diversión infantil en lugar de trabajar duro. La chaqueta rota dice que el joven es de una familia pobre, su camiseta se ve a través del agujero, las mangas de la chaqueta son cortas. Está claro que sus padres no pueden comprar ropa nueva y él mismo no tiene prisa por ganar dinero. Al mismo tiempo, el joven holgazán claramente presta atención a su apariencia, rizando su cabello a tiempo. La actividad del joven es observada con curiosidad por un niño pequeño para quien esta actividad sería perfecta.

Copa de plata (c.1750)

En la naturaleza muerta con una taza, los profundos y armoniosos tonos marrones, el rico fondo verde oliva, los reflejos marrón rojizos en el cuenco y las manzanas combinan los utensilios, las verduras y la mesa en un solo todo. Todo adquiere valor y significado duraderos bajo el pincel del maestro.

Autorretrato (1775)

El mejor retrato de Chardin. El artista se representó a sí mismo de forma sencilla: con un gorro de dormir con visera azul, una chaqueta de casa marrón y un pañuelo al cuello, y unos quevedos deslizándose por su nariz. Y con mucha más fuerza, en contraste con el aspecto andrajoso, afecta al espectador la mirada penetrante y joven de los ojos seniles por encima de los quevedos. Ésta es la visión de un artista que, en su vejez, ha alcanzado la pureza, la fuerza y la libertad de su arte.

Buhonero (1739)

Ante nosotros hay un vendedor ambulante que entrega comida a domicilio. Y ahora trajo pan y gallinas. La mujer está vestida con un vestido elegante, un delantal y una gorra, y en su mano derecha hay una bolsa con un pájaro golpeado. Hay panes y una vasija de barro sobre la mesa, y botellas barrigonas de vidrio oscuro y grueso en el suelo. A la izquierda hay una puerta abierta a otra habitación, donde hay un gran tanque de agua de cobre, y al fondo hay otra puerta, con una figura femenina al fondo. Chardin crea una imagen poética de la vida cotidiana, donde lo importante no son las mujeres, el pan y las botellas por separado, sino su interconexión. Con deleite y amor, Chardin representa cada objeto como si fuera una imagen animada.

Atributos de las artes.

Señora bebiendo té

chica con una carta

Institutriz (1739)

cocinar lavando platos

Chico sexual en el sótano

Tanque de agua de cobre

Olla de cobre y tres huevos.

Oración antes del almuerzo

joven profesor

Naturaleza muerta con atributos de las artes.

Bodegón con tetera, uvas y vino (1779)

Naturaleza muerta con flores en un jarrón (1763)

Naturaleza muerta con melocotones

Lavandera (1737)

La doncella diligente (1747)

La madre trabajadora (1740)

Mujer sacando agua de un tanque (1737)

El siglo XVIII fue una época de brillante florecimiento de la cultura francesa. La Francia prerrevolucionaria fue para toda Europa un innegable creador de tendencias en modas y gustos, pasatiempos literarios y filosóficos y estilos de vida. Todo esto fue arrasado por la revolución de 1789. En aquellos días surgió un dicho: quien no vivió en Francia antes de la revolución no sabe lo que es la vida real. Esto significaba todo tipo de placeres, estéticos y otros, que alcanzaron una especial sofisticación en el período prerrevolucionario.

El alto nivel profesional del arte se demostraba anualmente en exposiciones llamadas Salones, para las cuales las obras eran seleccionadas por un estricto jurado académico. La caprichosa decoración interior evolucionó hacia el estilo rococó, que abarcaba varios tipos y géneros de bellas artes y artes aplicadas incluidas en el conjunto de decoración interior. No es difícil para un extraordinario maestro de las composiciones académicas perderse en esta diversidad y brillantez. Pero Chardin, que nunca pintó cuadros históricos, retratos ceremoniales o escenas galantes rocaille, limitándose a los géneros "más bajos": naturaleza muerta y vida cotidiana, no solo no se perdió, sino que resultó ser más alto y más significativo que todos. Este brillante oropel del rococó y del academicismo de salón, se convirtió en la figura central de la pintura francesa del siglo XVIII y en uno de los artistas más destacados de Europa occidental.

Chardin provenía de un entorno artesanal parisino; su padre era un artesano especializado en la fabricación de mesas de billar. Este ambiente se distinguía por la estricta moral y el trabajo duro, el marido se levantaba temprano y desde la mañana hasta la noche preparaba productos por encargo o para la venta, logrando la más alta calidad, y la esposa estaba a cargo del hogar. Vivieron piadosamente, en austeridad, económica y sobriamente, sabiamente y trabajadores, y toda su vida estuvo coloreada por el amor al hogar, a las personas cercanas, a las tradiciones familiares, al alto patetismo de la dignidad humana, que se manifiesta nada menos que en la humildad y el trabajo piadoso. que en duelos aristocráticos y hazañas militares.

Esta forma de entorno artesanal se convertirá a la vez en el tema de la imagen de Chardin y en el espíritu que alimenta su creatividad y moldea su sorprendente estilo. El padre del artista trabajó duro, puliendo diligentemente la superficie de la mesa de billar, el más mínimo desnivel que la convertía en una mesa de cocina barata, que no valía la pena los materiales gastados. Con la misma tenacidad y celo significativo, Chardin estudió minuciosamente sus pequeños cuadros desde su juventud hasta su muerte en la vejez. Los escribí durante mucho tiempo, con amor, diligencia y cuidado.

Habiendo estudiado con pintores académicos, maestros de la pintura histórica Vanloo y Coypel, Chardin, sin embargo, se abstuvo de pintar cuadros históricos. Toda su vida se lamentó de no tener una educación adecuada, no conocía la mitología, la historia y la literatura y, por lo tanto, no podía abordar de manera competente una trama histórica. Por eso escribió lo que conocía bien: los objetos que rodeaban al comerciante parisino, los acogedores interiores en los que vivía.

Las primeras obras del artista fueron naturalezas muertas, trofeos de cocina y de caza (no sin la influencia de Vanloo), en las que intentaba situarse “de puntillas” en el género inferior de la naturaleza muerta, dándole un carácter aristocrático de caza o un carácter exuberante. barroco si se tratara de artículos de cocina. Sus primeras pinturas tuvieron éxito en el entorno profesional y, tras una breve estancia en la modesta Academia secundaria de San Lucas, Chardin, de veintinueve años, fue aceptado en la Real Academia de las Artes en 1628, especializándose en "naturaleza muerta". .” En la Academia, Chardin, como persona modesta, concienzuda y benévola, echó raíces y fue su tesorero permanente y presidente de reuniones. De sus declaraciones surge un llamado: “Más gentileza, señores, más gentileza”, - no hay necesidad, dicen, de criticarse unos a otros, el oficio del artista es muy difícil, pocos de los que estudiaron durante décadas logran el éxito, muchos nunca se convirtieron en artistas, se dieron por vencidos, es algo difícil de hacer, convertirse en soldados o actores; Incluso detrás de un cuadro mediocre hay décadas de estudio y años de minucioso trabajo sobre este lienzo. Con tanta gentileza, Chardin no era, sin embargo, del todo inofensivo. En la exposición del Salón, podía colgar pinturas de académicos para resaltar discretamente sus defectos; pero en sus declaraciones fue sumamente cuidadoso y benevolente.

Mención especial merece el Salón. Se trata de una muestra anual de las mejores obras creadas por los mejores artistas de Francia, cuyas obras fueron seleccionadas con la ayuda de un jurado competente. Estas exposiciones, con una selección meticulosa y cualificada, son una condición importante para el desarrollo del arte: si el arte fuera juzgado sólo por los clientes, entonces el arte nunca sobresaldría de retratos similares, paisajes dulces y pinturas de altar ideológicamente coherentes. Los salones sirvieron para mantener un alto nivel profesional. Las obras seleccionadas por el jurado, por muy académicas y “de salón” que fueran, tenían una ventaja importante: eran obras magistrales y profesionales. Y un aficionado talentoso podría desarrollarse, teniendo el nivel de estos salones como diapasón de sus actividades. Para producir “genios” se necesita un entorno de fuertes profesionales mediocres.

Habiéndose convertido en académico y recibiendo lucrativas órdenes permanentes, Chardin mejoró en los géneros que había elegido de una vez por todas. Pinta naturalezas muertas en las que, alcanzando la perfección pictórica, pasa de las primeras composiciones polisilábicas a escenarios cada vez más simples y modestos de tres a cinco de los objetos más comunes, que en su obra pasan de una naturaleza muerta a otra: un vaso, un espejo torcido. aparece una botella de vidrio oscuro, un mortero de cobre, un cuenco de barro, a veces una jarra de porcelana; a los utensilios añade un racimo de uvas y una granada rota, y más a menudo una manzana, una patata, una cebolla, un par de huevos, una mosca y una cucaracha, habituales en los interiores de cocina. Cuanto más simple es la producción de los objetos más comunes, más complejas se vuelven la pintura y la composición. Una composición no es una puesta en escena; se pueden poner en escena los objetos más lujosos, los escenarios arquitectónicos más complejos y los modelos más bellos y numerosos con trajes variados y caros, pero la composición de esta lujosa puesta en escena puede resultar primitiva, banal, aburrida. , y más bien no complejo, sino más bien aburrido. Por el contrario, con el conjunto de objetos más modesto, la composición, como la pintura, puede resultar extremadamente compleja y perfecta. La composición no es un arreglo, como a veces se entiende y traduce incorrectamente este término latino, sino una “comparación”, es decir, una correlación, que establece conexiones en una obra entre sus elementos, logrando la unidad y armonía de las partes.

Pero no se puede decir que los objetos simples sean un material pobre para un pintor. Puedes viajar alrededor del mundo o puedes viajar a lo largo de la superficie de una manzana; Se puede mirar a través de un telescopio los mundos astronómicos, o se puede mirar a través de un microscopio una célula vegetal y en ambos casos hacer descubrimientos y crear teorías científicas de gran importancia. Es lo mismo en el arte. No es el naturalismo lo que logra Chardin; Sí, se esfuerza por crear una ilusión, mirando dentro de un tanque de cobre torcido, pero lo que sale es algo más: riqueza pintoresca y plástica, se desarrolla un perfecto lenguaje pictórico. Muchos pintores lograron su éxito gracias a temas interesantes, y sólo se puede entender su trabajo limpiando estas capas externas, buscando el subtexto cifrado. Chardin, debido a su “ignorancia”, inicialmente rechaza inmediatamente y para siempre los “temas interesantes”, y para él el tema más interesante sigue siendo la pintura misma. Se trata de uno de los pintores más “puros” de toda la historia del arte. Otro parecido sólo puede llamarse Cezanne.

“¿Quién te dijo que se escribe con pinturas? ¡Pintan con sentimientos, pero sólo usan pinturas! - La famosa exclamación de Chardin. Sin confiar en el razonamiento sobre el arte y las reglas escolares, Chardin prefiere confiar en la intuición, confiar en el ojo inteligente del artista, sentir el tema de la imagen y pintar cuando todas las fuerzas del alma están en la punta del pincel. Chardin no formuló teorías, no intentó expresar con palabras las características de su método creativo. Estaba por encima de todas las teorías de su tiempo, de los desvaríos de los rubensistas y poussinistas. Comprendió lo difícil que era lograr un resultado artístico digno y no perdió el tiempo en hablar.

El estilo de vida riguroso y espiritual de los hábiles artesanos, que subyace tanto en la personalidad como en el arte de Chardin, también fue el tema de sus imágenes. Creó una serie de pinturas de género, construidas exactamente de la misma manera que una naturaleza muerta: escenas interiores: comidas, juegos infantiles, cocina, lavado de ropa, madre e hijos. Chardin estaba felizmente casado. Cuando murió su primera esposa, después de diez años de viudez, se casó con una anciana rica que honraba a su marido, trabajador y persona digna, respetada por todos, y rodeó su vejez de cuidados y atenciones. Chardin siguió estrictamente el estilo de vida de su padre, carpintero, su abuelo, artesano y toda esta clase. Vivió una vida cómoda, en abundancia, sin el esplendor externo que a veces buscaban los artistas de moda cada vez más ricos, imitando a los personajes aristocráticos en sus retratos.

Es característico el título de uno de los cuadros de género de Chardin: “Oración antes de cenar”: la madre enseña a los niños a dar gracias a Dios antes de la comida y a recordar que no sólo de pan vive el hombre.

“La lavandera” es una de las obras maestras de Chardin, un artista en general muy equilibrado que logró un alto resultado artístico en casi todas sus obras. Pero esta imagen sigue siendo especialmente buena. En una habitación con poca luz, el cuarto de servicio de una casa parisina promedio, una criada lava la ropa en una artesa y un bebé está sentado en el suelo y hace algo emocionante: sopla intensamente pompas de jabón. Una mujer ocupada lavando la ropa mira con placer y aprobación al pequeño, cuidándolo. En las profundidades oscuras hay una puerta entreabierta que da a otra habitación luminosa, donde también se realiza el lavado; Una luz dorada “envuelve” la figura de la lavandera, el taburete y el abrevadero.

Contar sólo la trama es decir nada o casi nada de Chardin. Qué equilibrio clásico están distribuidos los objetos: como en una naturaleza muerta hay ollas y cuencos sobre la mesa, así también hay figuras y muebles en el suelo de la habitación; cómo la luz arranca de las profundidades oscuras sólo lo que da a la composición un principio organizador adicional; como color que da un color local a los objetos y un color característico de la iluminación, forma un sistema de color con la penetración de colores primarios y adicionales en todas partes; cómo se crea la ilusión de la textura de la madera, diferentes tipos de tela, la superficie del cuerpo y, al mismo tiempo, se construye un sistema de color reflexivo y claramente organizado.

Si comparamos las naturalezas muertas y las pinturas cotidianas de Chardin con las pinturas holandesas y flamencas del siglo XVII, donde ejércitos enteros de artistas se especializaron en estos géneros y, compitiendo y compitiendo, lograron en ellos brillo y perfección, resulta que el modesto Chardin fue el siguiente para ellos es más complejo y convincente que los holandeses con todas sus copas de joyería y loza de Delft, abundancia de frutas exóticas, caza y extraños peces marinos; parecen más esquemáticos y escasos que las coloridas sinfonías de Chardin, escritas sobre unas patatas sucias.

En relación con Chardin, resulta exagerado comparar sus ideas con las declaraciones y teorías de los filósofos de la Ilustración. Parece ser programáticamente “antiintelectual”, enfatiza su falta de educación y evita todas las teorías. Pero su conexión más profunda con la cultura de la Ilustración está en su método creativo, que formuló con pincel más que con palabras. Y cuando se compara su obra con los ídolos de la vida intelectual del siglo XVIII, los enciclopedistas y educadores franceses, la obra de Chardin no parece menos significativa, profunda e intelectual que las obras de los filósofos y escritores Diderot, Voltaire y Rousseau.

El Chardin “ilecto” es una de las cimas de la gran cultura francesa del Siglo de las Luces.

Chardin, Jean Baptiste Simeón

(1699—1779)

retrato del artista por Maurice Quentin de La Tour.1761

Jean Baptiste Simeon Chardin es un gran artista francés del siglo XVIII. Se hizo más conocido como un maestro insuperable de la naturaleza muerta y la pintura de género. La obra de Chardin tuvo una gran influencia en el surgimiento del realismo en el siglo XVIII.

Autorretrato.1771

Dos autorretratos de Chardin, separados por nueve años, que se encuentran en el Louvre. ¡¡¡Es interesante que el tocado, el ángulo y la apariencia son casi iguales, aunque ya han pasado 9 años!!!

Autorretrato.1779

El pintor francés Jean Baptiste Simeon Chardin nació en 1699. Vivió toda su vida en París, en el barrio de Saint-Germain-des-Prés. Los maestros del artista fueron Pierre Jacques Case (1676-1754) y Noël Nicolas Coypel (1690-1734). Se hizo famoso tras la “Exposición de Debutantes” de 1728, donde presentó varios de sus cuadros. Posteriormente fue aceptado en la Academia como “representante de flores, frutas y escenas de género”. Los contemporáneos del artista, así como los conocedores de la pintura de los años siguientes, siempre admiraron la capacidad de Chardin para ver la esencia de los objetos y transmitir todo el espectro de colores y matices. Esta característica del artista le permitió crear lienzos inusualmente realistas y profundos. Sus pinturas se caracterizan por la sutileza emocional, elaboración de detalles, claridad de imagen, armonía y riqueza de colores. Los personajes principales de sus retratos son personas corrientes del tercer estado que se ocupan de los asuntos cotidianos.

“Oración antes de la cena” (1744, State Hermitage)

En 1728, Jean Baptiste Simeon Chardin fue admitido en la Academia de las Artes de París. Desde 1737 participó habitualmente en los Salones de París. En 1743 se convirtió en asesor de la Academia de las Artes y en 1750 en tesorero de la Academia. Desde 1765 fue miembro de la Academia de Ciencias, Letras y Bellas Artes de Ruan. El gran artista francés murió el 6 de diciembre de 1779. Jean Baptiste Simeon Chardin dejó un rico legado. Sus pinturas se encuentran en los principales museos del mundo, incluido el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo.

Autorretrato con gafas. 1775 Óleo sobre lienzo. París, Louvre

Y con mucha más fuerza, en contraste con el aspecto andrajoso, afecta al espectador la mirada penetrante y joven de los ojos seniles por encima de los quevedos. Ésta es la visión de un artista que, en su vejez, ha alcanzado la pureza, la fuerza y la libertad de su arte.

Retrato de Fran?oise Marguerite Pouget (1

retrato de un niño

Retrato de una joven (1777)

Violinista/Joven con violín (Retrato de Charles Theodose Godefroy) (c.1735)

chico con un top

Pequeño dibujante. Lienzo, óleo. 0,68x0,76. París, Louvre

NIÑO JUGANDO CON CARTAS

Castillo de naipes

Chica con raqueta y volante.

Canario

Mujer sacando agua de un tanque (1737)

chica con una carta

Chica pelando verduras

La madre trabajadora (1740)

cocinar lavando platos

Vendedor ambulante. 1739 Óleo sobre lienzo. París, Louvre

Burbuja de jabón

Institutriz (1739)

niñera cariñosa

pequeña maestra
Lienzo, óleo.
Londres. galería Nacional

El bordador (1736)

Señora bebiendo té

NATURALEZA MUERTA

Naturaleza muerta con atributos de arte. 1766 Óleo sobre lienzo. 112x140,5. Museo Estatal del Hermitage

Naturaleza muerta con atributos de las artes.

Bodegón con tetera de porcelana (1763)

Naturaleza muerta con melocotones

Naturaleza muerta con tarro de aceitunas (1760)

Olla de cobre y tres huevos.

Naturaleza muerta

Una dieta magra con utensilios de cocina (1731)

Pastel La Brioche

La mesa del mayordomo (1756)

Los atributos de las ciencias (1731)

Tanque de agua de cobre

La copa de plata (c.1728)

Naturaleza muerta con pipa y jarra (c.1737)

Copa de plata (c.1750)

Tarro de Albaricoques (1758)

Canasta de fresas Canasta de fresas (c.1760)

Naturaleza muerta con maja, cuenco, caldero de cobre, cebollas y cuchillo

Bodegón con tetera, uvas y vino (1779)

Cesta de ciruelas (c.1759)

Naturaleza muerta: Menú del día rápido (1731)

Naturaleza muerta con arenques (c.1731)

Bodegón de caza con perro de caza (c.1730)

CHARDIN - LA SOPERA DE PLATA, 1728, ACEITE SOBRE LIENZO

Naturaleza muerta con gato y pez (1728)

Pato de cuello verde con naranja de Sevilla

El rayo, 1728 Óleo sobre lienzo, 115 x 146 cm Musee d

Naturaleza muerta con gato y raya (c.1728)

Naturaleza muerta con flores en un jarrón (1763)

Chardin Jean-Baptiste Simeon, pintor francés (1699-1779). Un famoso maestro de la naturaleza muerta y las escenas cotidianas, uno de los creadores de un nuevo concepto de retrato en la pintura europea del Siglo de las Luces. Estudió con P.Zh. Kaza, N.N. Kuapel y J.B. Vanloo, trabajó en París. Las primeras obras de Chardin se caracterizaron por la vistosidad decorativa y el entretenimiento de la trama, pero en la década de 1730 Chardin estaba desarrollando su propio estilo, que se distinguía por la noble moderación, la claridad y la simplicidad de estilo.

Autorretrato con visera,
1775, Museo del Louvre, París

Chica con raqueta y volante.
1740, Galería de los Uffizi, Florencia

Señora Chardin, 1775,
Museo del Louvre, París

Las obras de género del artista Chardin están imbuidas de un lirismo sutil, una afirmación discreta de la dignidad de las personas del "tercer estado" ("El vendedor ambulante", 1739, Louvre, París, "Oración antes de cenar", 1744, Museo Estatal del Hermitage , San Petersburgo); Las imágenes de niños ("Niño con top", 1738, Louvre, París) y retratos de adultos (Retrato de una esposa, pastel, 1775, Louvre, París) están marcadas por la espontaneidad vital y la sinceridad de la atmósfera.

Un brillante maestro de la naturaleza muerta, Chardin creó composiciones con un modesto conjunto de objetos, rigor y consideración en la construcción, materialidad y suavidad de la textura pictórica, creando una sensación de conexión orgánica entre el mundo de las cosas y la vida humana. Tales son, por ejemplo, las pinturas: "Pipa y jarra", alrededor de 1760-1763, Louvre, París; "Naturaleza muerta con atributos artísticos", 1766, Hermitage, San Petersburgo. Las pinturas de Chardin se caracterizan por la unidad de tonos gris plateado y marrón, una riqueza de reflejos y matices sutiles que armonizan las transiciones de la luz a la sombra.

Oración antes del almuerzo
Década de 1740, Museo del Louvre

joven dibujante,
1737, Museo del Louvre

joven profesor
Década de 1730, Museo del Louvre

En el arte francés de la segunda mitad del siglo XVIII, la dirección democrática recibió un poderoso desarrollo y su artista más significativo fue Chardin. Junto con estos nuevos héroes del arte, aparecieron en la pintura imágenes de cosas sencillas y cotidianas que rodeaban a una persona: artículos para el hogar: vajillas y cocina; suministros de alimentos: caza, verduras y frutas; así como objetos utilizados por personas de actividad intelectual y artística: arquitectos, artistas, músicos, científicos.

La naturaleza muerta era el género favorito de Chardin. Con su obra, el artista la estableció en el arte francés como un tipo de pintura independiente. Normalmente el conjunto de objetos en las naturalezas muertas de Chardin es pequeño, pero el artista reflexiona profundamente sobre su combinación y disposición, revelando sutilmente su conexión con la persona que los utiliza. "Naturaleza muerta con atributos artísticos" es hasta cierto punto "autobiográfica": en una mesa larga se representan cosas relacionadas con la obra del artista. Se trata de un molde de yeso de la cabeza del dios Mercurio, varios libros, rollos de hojas con grabados, una mesa de dibujo y un transportador. Su disposición es relajada y libre, pero hay en ella un patrón estricto y armonía. Al señalar el don de Chardin para el color, Diderot escribió: “¡Oh, Chardin! No frotas pinturas blancas, rojas y negras en tu paleta: tomas la misma materia, el mismo aire y la misma luz en la punta de tu pincel y los pones sobre el lienzo”. La naturaleza muerta está pintada en colores claros y claros con un sorprendente sentido de los más finos matices de color. La cabeza blanca de Mercurio, que destaca sobre un fondo claro, introduce una nota solemne, eleva el mundo de los objetos por encima de lo cotidiano, dándole un sonido orgulloso y sublime.

Nacido con precisión simbólica en el último año del “gran siglo” que transcurría, Chardin comenzó su carrera como aprendiz pintando accesorios en escenas de caza. Pero mucho antes de su muerte, que le sobrevino a la edad de ochenta años, Chardin se ganó el respeto universal como artista-filósofo, algo impensable entre los pintores del siglo XVIII. La fama póstuma de Chardin superó la de su vida. En el siglo XIX, la naturaleza muerta, que gracias a él se convirtió en un género primario, siguió siendo una forma de creatividad, llena de pensamiento profundo, contrariamente a su objetivo habitual: seguir siendo simplemente pintura como tal. Los bodegones de Chardin nos vienen inmediatamente a la mente cuando miramos los grandes bodegones de Cézanne, pintados por él -una importante coincidencia- también en el último año del siglo saliente, en 1899. Estas naturalezas muertas ocuparon una posición clave en el objetivo principal del arte del siglo XX: superar la ilusión, toda ilusión como tal. Sólo después de esto se podrá considerar agotado el impacto del potencial contenido en el arte de Chardin.

Pintura de Jean-Baptiste Simeon Chardin "Joven maestro".
La trama de la imagen es simple: una niña le enseña a leer a un niño. Pintada con mucha sinceridad, franqueza y espontaneidad, la imagen transmitirá la inextricable conexión emocional que une a ambas figuras. Los antecedentes se tratan de forma general, sin detalles especiales; Los trazos densos y uniformes crean la impresión de profundidad y estabilidad. Se trata de una pintura silenciosa, con una sensación de tiempo infinito, similar a la obra de Johannes Vermeer. Sólo la imagen de una llave en uno de los cajones del escritorio perturba la mágica atmósfera de serenidad y paz. Chardin fue un destacado maestro de la pintura de género y la naturaleza muerta en la Francia del siglo XVIII. Sus composiciones sencillas y nada sentimentales se distinguen por una profundidad de sentimiento; una combinación de colores tranquila y reflexiva da testimonio de una aguda observación y comprensión de la forma. En nuestro siglo, la obra de Chardin ha recuperado popularidad debido al carácter casi abstracto de la interpretación de las formas. Muchos lo consideran el mayor maestro de la pintura de género de su tiempo. Una serie de imágenes de género de Chardin, dedicadas al tema del trabajo duro femenino, y otra serie paralela, que cuenta una vida dedicada al entretenimiento, ya sean adolescentes de familias nobles o sus abuelas, son una misma realidad, revelada en diferentes formas. Así, por ejemplo, en el cuadro “El buhonero” de Chardin, una mujer regresa del mercado, cargada más de lo debido, y se detiene un minuto a descansar en el pasillo entre el salón y la cocina, un poco pensativa y triste; Junto a ella, parecemos hacer una pausa y esperar tranquilamente, y durante este minuto tenemos tiempo para pensar en lo que estamos mirando. Imbuidos de simpatía por esta imagen, nos acercamos y miramos la imagen. Ante nosotros hay una capa granulada de pintura, y este color aterciopelado es a la vez la verdadera materia de la vida y una especie de encendido de luz, que envuelve suavemente todo el entorno representado. El color lo abarca todo y listo. A través de la puerta se abre otra habitación: la cocina, y allí, en un fresco mosaico gris de transiciones espaciales, vemos a una criada con su comportamiento especial y su postura esbelta, una tinaja de cobre para agua potable y luego otra pared. Ante nosotros está el espacio mismo y un cierto esquema de zonas espaciales; El color, actuando como portador material de la pintura, se encuentra nuevamente en el papel de intermediario entre los medios del arte y la vida misma.

Y a los setenta y seis años, el sentido que Chardin tenía de sí mismo y de su oficio era a la vez alegre y modesto; su habilidad permaneció sin cambios, pero al mismo tiempo parecía esconderse en las sombras. La declaración de Cézanne (fechada el 27 de junio de 1904) sobre la libertad con la que Chardin utilizaba los planos para representar la nariz puede que no se entienda inmediatamente, pero revela bien la cercanía de las actitudes creativas de estos dos maestros. Se puede objetar que abordamos a Chardin como un artista moderno, pero citemos a su contemporáneo, el filósofo Denis Diderot, quien describió el cuadro “Brioche” (Postre): “Éste es un hombre que realmente es un pintor; es un verdadero colorista... Este tipo de magia está más allá de la comprensión. En la superficie se ven numerosas capas de color, unas sobre otras, y su efecto espacial proviene de las profundidades..."
Una comprensión tan profunda de los procesos artísticos como la que demuestra Diderot es única en sí misma. Captó el momento del agotamiento del estilo, cuando éste tomó una dirección equivocada y perdió claridad de expresión. Diderot también comprendió profundamente que la posición de Chardin “entre la naturaleza y el arte”, a pesar de su popularidad en los círculos artísticos, aún no había sido apreciada en todas sus posibilidades. Diderot previó que el significado verdaderamente filosófico de la obra de Chardin aún estaba por descubrir: sus valores más profundos pertenecían al futuro de la pintura.