Qué es el abstraccionismo en la pintura. pinturas abstractas famosas
El arte abstracto o arte no objetivo es uno de los muchos movimientos artísticos que surgieron a principios del siglo XX. En el marco del abstraccionismo, se rechaza la representación de fenómenos y objetos reales. En el lienzo vemos una combinación de líneas, formas geométricas, texturas y manchas de color.
Es importante entender que el abstraccionismo no surgió de la nada: el rechazo del tema en la pintura es una etapa natural en el desarrollo del arte, que comenzó en el siglo XIX (con la llegada de la fotografía, surgió la necesidad de hacer una descripción detallada la imagen desaparece).
El arte occidental, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se basó en la lógica de la perspectiva y fue un intento de reproducir la ilusión de la realidad visible. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear una nueva forma de arte que abarcara los cambios fundamentales que estaban ocurriendo en la sociedad.
Wassily Kandinsky. "Improvisación 28". Lienzo, óleo. Museo Solomon Guggenheim, Nueva York. 1912
El resultado de los rápidos cambios en el mundo (incluso como resultado de la industrialización global) fue el rápido alejamiento de los artistas de las imágenes obsoletas de modelos desnudas, paisajes realistas y escenas de batalla. Todo esto fue respaldado por tratados filosóficos, como “Sobre lo espiritual en el arte” de Wassily Kandinsky (1910). La cosmovisión de Kandinsky, expuesta por él en el libro "Sobre lo espiritual en el arte", está relacionada con las obras teosóficas y antroposóficas de Helena Blavatsky y Rudolf Steiner, cuya obra estudió Vasily Vasilyevich.
Kandinsky creía que los colores evocan emociones. Red estaba vivaz y confiada; verde - tranquilo, con fuerza interior; azul - profundo y sobrenatural; el amarillo puede ser cálido, excitante, inquietante o francamente loco; y el blanco parecía silencioso, pero lleno de posibilidades. También asignó tonos instrumentales a cada color. El rojo sonaba como una trompeta, el verde como un violín en posición media, el azul como una flauta, el azul oscuro como un violonchelo, el amarillo como una fanfarria, el blanco como una pausa en una melodía armoniosa.
Estas analogías sonoras surgieron del amor de Kandinsky por la música, especialmente por las obras del compositor vienés moderno Arnold Schoenberg (1874-1951). Los títulos de Kandinsky a menudo hacen referencia a los colores de una composición o a la música, como "Improvisación 28" y "Composición II".
Representantes destacados del movimiento fueron M. Larionov, P. Mondrian, V. Kandinsky, K. Malevich y muchos otros. El primer lienzo pintado con la nueva técnica es una acuarela de Wassily Kandinsky (1910).
Wassily Kandinsky. "Intitulado". 49x64 cm. Centro Georges Pompidou, París. 1910
Se puede considerar que uno de los objetivos del arte no objetivo es lograr la armonía en la creación de determinadas combinaciones de colores de formas geométricas para lograr diversas asociaciones en el espectador. La desviación de la representación exacta en la abstracción puede ser menor, parcial o completa. La abstracción absoluta no tiene la más mínima relación con nada reconocible. Los artistas se esfuerzan por ser objetivos y permitir que el espectador interprete el significado de cada obra a su manera. Así, el arte abstracto no es una visión exagerada o distorsionada del mundo, como vemos en las pinturas cubistas de Paul Cézanne y Pablo Picasso. En cambio, la forma y el color se convierten en el foco y tema de la pieza.
Todas las formas y combinaciones de colores que se ubican dentro del perímetro de la imagen tienen una idea, una expresión y un significado propios. No importa lo que le parezca al espectador, mirando una imagen donde no hay nada más que líneas y borrones, todo en abstracción está sujeto a ciertas reglas de expresión.
Roberto Delaunay. "Ventanas sincrónicas". Museo Solomon Guggenheim, Nueva York 55x46 cm.
Desde principios de siglo, las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas se volvieron extremadamente activas mientras buscaban crear una forma de arte a la altura de las altas aspiraciones del modernismo.
Un nuevo movimiento artístico surgió paralelamente en varios países a principios de la década de 1910. Así, los representantes del abstraccionismo en Rusia fueron Wassily Kandinsky (que trabajaba en Alemania en ese momento), Mikhail Larionov y Natalya Goncharova (que fundaron el rayonismo, una de las primeras direcciones del abstraccionismo), Kazimir Malevich (que mejoró la abstracción hasta el suprematismo, completamente no -objetividad). Como símbolo del comienzo de una nueva era, el arte abstracto incluía: arte no objetivo, rayonismo, neoplasticismo, suprematismo, tachismo.
De 1909 a 1913, varios artistas crearon numerosas obras experimentales en busca de este "arte puro": Francis Picabia pintó "Caucho" (1909), "Primavera" (1912), "Procesión de Sevilla" (1912), Wassily Kandinsky pintó "Sin título" (1913), Frantisek Kupka escribió las obras "Orphist", "Newton's Disk" (1912), "Amorpha" (1912), Robert Delaunay escribió las series "Windows" y "Forms" (1912-13). ), Leopold Survage creó "Color Rhythm" (1913), Piet Mondrian escribe "Composición nº 11" (1913).
Piet Mondrian. "Composición nº 11". 1913
Aunque tendemos a asociar el arte abstracto con la pintura y la escultura, se puede aplicar a cualquier medio visual, incluidos el ensamblaje y la fotografía. Sin embargo, son los artistas los que reciben la mayor atención en este movimiento.
La actitud hacia el arte abstracto no siempre fue clara: durante mucho tiempo estuvo en el underground, como suele ser el caso, el nuevo género fue ridiculizado y condenado como un arte que no tenía significado. Con el tiempo, la situación ha cambiado: en el siglo XXI, la abstracción se percibe en igualdad de condiciones con otras formas de pintura.
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El surgimiento del arte abstracto:
El abstraccionismo como movimiento surgió a principios del siglo XX. simultáneamente en varios países europeos. Los fundadores e inspiradores reconocidos de este movimiento son los artistas Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka y Robert Delaunay, quienes esbozaron los principios fundamentales del arte abstracto en sus trabajos teóricos y declaraciones políticas. Al diferir en metas y objetivos, sus enseñanzas estaban unidas en una cosa: el abstraccionismo, como etapa más alta del desarrollo de la creatividad visual, crea formas inherentes únicamente al arte. “Liberado” de copiar la realidad, se convierte en un medio para transmitir a través de diversas imágenes pictóricas el incomprensible principio espiritual del universo, las eternas “esencias espirituales”, las “fuerzas cósmicas”.
Como fenómeno artístico, el abstraccionismo tuvo una gran influencia en la formación y desarrollo del estilo arquitectónico moderno, el diseño y las artes industriales, aplicadas y decorativas.
Características del arte abstracto:
El abstraccionismo (del latín Abstractus - abstracto) es uno de los principales movimientos artísticos del arte del siglo XX, en el que la estructura de la obra se basa únicamente en elementos formales: línea, mancha de color, configuración abstracta. Las obras de arte abstracto están separadas de las formas de vida misma: las composiciones no objetivas encarnan las impresiones y fantasías subjetivas del artista, la corriente de su conciencia, dan lugar a asociaciones libres, movimiento de pensamiento y empatía emocional;
Desde la aparición del Arte Abstracto, en él han surgido dos líneas principales:
- Primero – geométrico, o abstracción lógica, creando espacio combinando formas geométricas, planos de colores, líneas rectas y quebradas. Está encarnado en el suprematismo de K. Malevich, el neoplasticismo de P. Mondrian, el orfismo de R. Delaunay, en la obra de los maestros de la abstracción pospictórica y el op art;
- El segundo es la abstracción lírico-emocional., en el que las composiciones se organizan a partir de formas y ritmos que fluyen libremente, está representada por la obra de V. Kandinsky, las obras de maestros del expresionismo abstracto, el tachismo y el arte informal.
Maestros del Arte Abstracto:
Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers y otros.
Pinturas de artistas:
¡Abstracción en el arte!
¡Abstraccionismo!
abstraccionismo- Esta es una tendencia en la pintura que se resalta con un estilo especial.
La pintura abstracta, el arte abstracto o el género abstracto, implica una negativa a representar cosas y formas reales.
El abstraccionismo tiene como objetivo evocar ciertas emociones y asociaciones en una persona. Para estos fines, las pinturas de estilo abstracto intentan expresar la armonía de colores, formas, líneas, manchas, etc. Todas las formas y combinaciones de colores que se ubican dentro del perímetro de la imagen tienen una idea, una expresión y un significado propios. No importa lo que le parezca al espectador, mirando una imagen donde no hay nada más que líneas y borrones, todo en la abstracción está sujeto a ciertas reglas de expresión, la llamada "composición abstracta".
¡Abstracción en el arte!
El abstraccionismo, como movimiento en la pintura, surgió a principios del siglo XX simultáneamente en varios países europeos.
Se cree que la pintura abstracta fue inventada y desarrollada por el gran artista ruso Wassily Kandinsky.
Los fundadores e inspiradores reconocidos del abstraccionismo son los artistas Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka y Robert Delaunay, quienes en sus trabajos teóricos dieron forma a enfoques para la definición del "abstraccionismo". Al diferir en metas y objetivos, su investigación estaba unida en una cosa: el abstraccionismo, como etapa más alta del desarrollo de la creatividad visual, crea formas inherentes únicamente al arte. El artista, “liberado” de copiar la realidad, piensa en imágenes pictóricas especiales del incomprensible principio espiritual del universo, las eternas “esencias espirituales”, las “fuerzas cósmicas”.
La pintura abstracta, que literalmente hizo estallar el mundo del arte, se convirtió en un símbolo del comienzo de una nueva era en la pintura. Esta era significa una transición completa de marcos y restricciones a una completa libertad de expresión. El artista ya no está atado a nada, puede pintar no sólo personas, escenas cotidianas y de género, sino también pensamientos, emociones, sensaciones y utilizar para ello cualquier forma de expresión.
Hoy en día, la abstracción en el arte es tan amplia y variada que ella misma se divide en muchos tipos, estilos y géneros. Cada artista o grupo de artistas intenta crear algo propio, algo especial que pueda alcanzar mejor los sentimientos y sensaciones de una persona. Lograr esto sin utilizar figuras y objetos reconocibles es muy difícil. Por ello, los lienzos de artistas abstractos, que verdaderamente evocan sensaciones especiales y hacen maravillarse ante la belleza y expresividad de una composición abstracta, merecen un gran respeto, y el propio artista es considerado un auténtico genio de la pintura.
¡Pintura abstracta!
Desde la aparición del Arte Abstracto, en él han surgido dos líneas principales.
La primera es la abstracción geométrica o lógica, que crea espacio combinando formas geométricas, planos de colores, líneas rectas y quebradas. Está encarnado en el suprematismo de K. Malevich, el neoplasticismo de P. Mondrian, el orfismo de R. Delaunay, en la obra de los maestros de la abstracción pospictórica y el op art.
El segundo es la abstracción lírico-emocional, en la que las composiciones se organizan a partir de formas y ritmos que fluyen libremente, representados por la obra de V. Kandinsky, las obras de los maestros del expresionismo abstracto, el tachismo y el arte informal.
¡Pintura abstracta!
El arte abstracto, como pintura de una expresión personal especial, estuvo inicialmente durante mucho tiempo en el underground. El arte abstracto, como muchos otros géneros en la historia de la pintura, fue ridiculizado e incluso condenado y censurado como arte sin significado alguno. Sin embargo, con el tiempo, la posición de la abstracción ha cambiado y ahora existe a la par con todas las demás formas de arte.
Como fenómeno artístico, el abstraccionismo tuvo una gran influencia en la formación y desarrollo del estilo arquitectónico moderno, el diseño y las artes industriales, aplicadas y decorativas.
Maestros reconocidos del Arte Abstracto: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers.
¡Abstraccionismo moderno en la pintura!
En las bellas artes modernas, el abstraccionismo se ha convertido en un lenguaje importante de profunda comunicación emocional entre el artista y el espectador.
En el abstraccionismo moderno, están surgiendo nuevas direcciones interesantes que utilizan, por ejemplo, imágenes especiales de varias formas de color. Así, en las obras de Andrei Krasulin, Valery Orlov y Leonid Pelikh, el espacio blanco, la tensión más alta del color, generalmente está lleno de infinitas posibilidades variables, lo que permite el uso de ideas metafísicas sobre las leyes espirituales y ópticas de la luz. reflexión.
En el abstraccionismo moderno, el espacio comienza a desempeñar nuevos roles y forma diferentes cargas semánticas. Por ejemplo, hay espacios de signos y símbolos que surgen de lo más profundo de la conciencia arcaica.
En el abstraccionismo moderno, la dirección de la trama también se está desarrollando. En este caso, manteniendo la no objetividad, la imagen abstracta se construye de tal manera que evoca asociaciones específicas, en diferentes niveles de abstracción.
El abstraccionismo moderno es infinito en sus límites: desde la situación objetiva hasta el nivel filosófico de las categorías abstractas figurativas. Por otro lado, en la pintura abstracta moderna, la imagen puede parecer una imagen de algún tipo de mundo fantástico, por ejemplo, el surrealismo abstracto.
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Desde la antigüedad, la belleza del mundo circundante, las experiencias y los acontecimientos importantes de la vida han animado a las personas a transmitir imágenes visuales con la ayuda de pinturas. La pintura ha recorrido un largo camino desde pinturas rupestres y frescos antiguos hasta obras de arte únicas que sorprenden por su realismo.
Hacia finales del siglo XIX, algunos artistas comenzaron a buscar nuevas formas de expresión, tratando de aportar una visión poco convencional y una nueva filosofía a sus obras. A partir de ese momento, dominar la técnica a la perfección ya no fue suficiente.
Así, a principios de siglo apareció un movimiento llamado “modernismo” con su inherente revisión del arte clásico, un desafío a los cánones estéticos establecidos. En su marco, se desarrolló un movimiento completamente especial: el abstraccionismo.
Definición del concepto
La palabra latina abstractio se traduce al ruso como "distracción". Se utilizó para definir un nuevo estilo de pintura que surgió a principios del siglo XX. No fue utilizado por casualidad, ya que los artistas abstractos, sin dar mucha importancia al nivel de ejecución, pusieron en primer plano la visión especial del autor y los nuevos medios de expresión.
En otras palabras, el abstraccionismo es un tipo específico de bellas artes que se niega a transmitir formas y objetos reales. Por lo tanto, a menudo se lo caracteriza como arte no figurativo o no objetivo.
En lugar de transmitir imágenes visuales, los abstraccionistas se centran en mostrar patrones internos e intuitivos de comprensión del mundo que se esconden detrás de los objetos visibles.
Por esta razón, es imposible encontrar en sus obras asociaciones con cosas familiares. El papel principal aquí lo juega la relación de colores, manchas, formas geométricas y líneas. Además de los artistas, algunos escultores, arquitectos, diseñadores, músicos, fotógrafos e incluso poetas se interesaron por el arte de la abstracción.
Hitos históricos
Wassily Kandinsky es considerado el fundador del arte abstracto. En 1910 pintó su primer cuadro en Alemania utilizando una técnica nueva en aquel momento. Además, en 1911 se publicó en Munich el libro de Kandinsky "Sobre el arte espiritual".
En él esbozó su filosofía estética, que se formó bajo la influencia de las obras de R. Steiner y E. Blavatsky. El libro fue un gran éxito y un nuevo movimiento en la pintura se llamó "abstraccionismo". Este se convirtió en el punto de partida: ahora el enfoque no objetivo de la creatividad ha ganado popularidad en varios tipos de bellas artes.
A pesar de que los orígenes del arte abstracto fueron artistas rusos como V. Kandinsky y K. Malevich, en la Unión Soviética de los años 30 la nueva dirección fue condenada al ostracismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se convirtió en el centro del arte abstracto, donde muchos de sus representantes emigraron desde Europa. Aquí, allá por 1937, se inauguró el Museo de Pintura No Objetiva.
El arte abstracto de la posguerra pasó por varias etapas de desarrollo, incluido el resurgimiento del arte no figurativo en Rusia con el comienzo de la perestroika. Los artistas finalmente tuvieron la oportunidad de crear pinturas en diferentes direcciones. Transfirieron sus experiencias subjetivas personales a los lienzos con la ayuda del color, especialmente el blanco, que se convirtió en uno de los componentes principales del arte no figurativo moderno.
Direcciones del abstraccionismo
Desde los primeros años del surgimiento de un nuevo tipo de creatividad visual, en su marco comenzaron a desarrollarse dos direcciones principales: geométrica y lírica. El primero se reflejó en las obras de Kazimir Malevich, Peter Mondrian, Robert Delaunay y otros. La dirección lírica fue desarrollada por Wassily Kandinsky, Jackson Pollock, Hans Hartung, etc.
El abstraccionismo geométrico utiliza figuras, planos y líneas ordenadas, mientras que el abstraccionismo lírico, por el contrario, opera con manchas de color caóticamente dispersas. A su vez, a partir de estas dos direcciones se formaron otros movimientos, asociados al abstraccionismo por un solo concepto estético: sistematismo, constructivismo, suprematismo, orfismo, tachismo, neoplasticismo, rayonismo.
Rayonismo y letras
Los descubrimientos en el campo de la física a principios del siglo XX sirvieron de impulso para el surgimiento de un movimiento dentro de la dirección geométrica como el rayonismo. Sus orígenes fueron los artistas rusos M. Larionov y N. Goncharova. Según su idea, cualquier objeto es una suma de rayos que se transmiten sobre el lienzo mediante líneas oblicuas de colores. La tarea del artista es crear a partir de ellos una forma de acuerdo con su propia visión estética.
Y en los años 50 del siglo pasado, la abstracción geométrica, incluido el rayonismo, dio paso temporalmente a la dirección lírica. Se caracteriza por la improvisación, así como por una apelación al estado emocional del artista. En otras palabras, el abstraccionismo lírico es una especie de instantánea de las experiencias emocionales de una persona, realizada sin representar objetos ni formas.
El lirismo geométrico de Kandinsky
Como ya se señaló, el estilo del arte abstracto debe su aparición a V. Kandinsky. Mientras se preparaba para su carrera como abogado, posteriormente se interesó por la pintura y, tras pasar por etapas de fascinación por diversas tendencias del modernismo, creó su propio y único tipo de pintura abstracta.
Habiendo proclamado un alejamiento de la naturaleza hacia la esencia de los fenómenos, Kandinsky abordó los problemas de unir color y música. Además, en su obra es claramente visible la influencia del simbolismo en relación a la interpretación del color.
En diferentes períodos de su vida, al artista le gustó la dirección geométrica o lírica. Como resultado, el abstraccionismo en la pintura de Kandinsky, especialmente en el período tardío, combina los principios de ambos movimientos.
Neoplasticismo de Peter Mondrian
El holandés P. Mondrian, junto con V. Kandinsky, es considerado uno de los fundadores del arte abstracto. Junto con sus seguidores, el artista fundó en 1917 la sociedad “Style”, que publicó una revista del mismo nombre.
Las opiniones estéticas de Mondrian formaron la base de una nueva dirección: el neoplasticismo. Su rasgo característico es el uso de grandes planos rectangulares, pintados con los colores primarios del espectro. Sin duda, esto se puede clasificar como arte abstracto geométrico.
Las pinturas de Mondrian P., obsesionado con el equilibrio entre horizontales y verticales, son lienzos formados por rectángulos de distintos tamaños y distintos colores, separados por gruesas líneas negras.
El neoplasticismo tuvo una notable influencia en la arquitectura, el mobiliario y el diseño de interiores, así como en el arte tipográfico.
El suprematismo de Malevich
El abstraccionismo en el arte de Kazimir Malevich se caracteriza por una determinada técnica de superposición de dos capas de pintura para obtener un tipo especial de mancha de color. El nombre del artista está asociado con el surgimiento del suprematismo, un movimiento que combina las formas geométricas más simples de diferentes colores.
Malevich creó su propio sistema único de bellas artes abstractas. Su famoso “Cuadrado Negro”, pintado sobre un fondo blanco, sigue siendo una de las pinturas más comentadas de artistas abstractos.
Al final de su vida, Malevich volvió de la pintura no figurativa a la pintura figurativa. Es cierto que en algunas pinturas el artista todavía intentó combinar las técnicas del realismo y el suprematismo, como se puede ver en el cuadro "La niña con un palo".
Contribución innegable
Las actitudes hacia la pintura no objetiva varían ampliamente: desde el rechazo categórico hasta la admiración sincera. Sin embargo, no se puede negar la influencia que el género del arte abstracto ha tenido en el arte moderno. Los artistas crearon nuevas direcciones, de las cuales arquitectos, escultores y diseñadores extrajeron nuevas ideas.
Y esta tendencia continúa. Por ejemplo, en la pintura moderna no objetiva se desarrolla una dirección argumental, que se caracteriza por la construcción de una imagen que evoca ciertas asociaciones.
A veces ni siquiera nos damos cuenta de la cantidad de objetos realizados con esta técnica que nos rodean: muebles y sus tapizados, joyas, papel pintado, etc. Las técnicas abstractas también se utilizan mucho en Photoshop y en la infografía.
Por tanto, el abstraccionismo es un fenómeno artístico en el arte que, independientemente de nuestra actitud hacia él, ocupa un lugar importante en la sociedad moderna.
Una de las principales tendencias del arte de vanguardia. El principio fundamental del arte abstracto es la negativa a imitar la realidad visible y operar con sus elementos en el proceso de creación de una obra. El objeto de arte, en lugar de las realidades del mundo circundante, se convierte en herramientas de la creatividad artística: color, línea, forma. La trama es sustituida por una idea plástica. El papel del principio asociativo en el proceso artístico aumenta muchas veces, y también se hace posible expresar los sentimientos y estados de ánimo del creador en imágenes abstractas, limpias de la capa exterior, que son capaces de concentrar el principio espiritual de los fenómenos y siendo sus portadores (obras teóricas de V.V. Kandinsky).
Se pueden identificar elementos aleatorios de abstracción en el arte mundial a lo largo de todo su desarrollo, comenzando por las pinturas rupestres. Pero el origen de este estilo hay que buscarlo en la pintura de los impresionistas, que intentaron descomponer el color en elementos individuales. El fauvismo desarrolló conscientemente esta tendencia, “revelando” el color, enfatizando su independencia y convirtiéndolo en objeto de la imagen. De los fauvistas, Franz Marc y Henri Matisse fueron los que más se acercaron a la abstracción (sus palabras son sintomáticas: “todo arte es abstracto”), y los cubistas franceses (especialmente Albert Gleizes y Jean Metzinger) y los futuristas italianos (Giacomo Balla y Gino Severini) también avanzó por este camino. Pero ninguno de ellos pudo o quiso superar la frontera figurativa. “Admitimos, sin embargo, que algún recordatorio de las formas existentes no debería ser completamente desterrado, al menos en la actualidad” (A. Glaize, J. Metzinger. About Cubism. San Petersburgo, 1913. p. 14).
Las primeras obras abstractas aparecieron a finales del siglo XX y principios de la década de 1910 en la obra de Kandinsky mientras trabajaba en el texto "Sobre lo espiritual en el arte", y se considera que su primera pintura abstracta fue "Pintar con un círculo" (1911. NMG). Su razonamiento se remonta a esta época: “<...>sólo esa forma es correcta que<...>materializa el contenido en consecuencia. Todo tipo de consideraciones secundarias, y entre ellas la correspondencia de la forma con la llamada "naturaleza", es decir. de naturaleza externa, son insignificantes y dañinos, ya que distraen de la única tarea de la forma: la encarnación del contenido. La forma es la expresión material del contenido abstracto” (Contenido y forma. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. P.84).
En una etapa temprana, el arte abstracto, representado por Kandinsky, absolutizó el color. En el estudio del color, práctico y teórico, Kandinsky desarrolló la teoría del color de Johann Wolfgang Goethe y sentó las bases para la teoría del color en la pintura (entre los artistas rusos, M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun y otros estudiaron la teoría del color) .
En Rusia, en 1912-1915, se crearon los sistemas de pintura abstracta del rayonismo (M.F. Larionov, 1912) y el suprematismo (K.S. Malevich, 1915), que determinaron en gran medida la evolución posterior del arte abstracto. Un acercamiento al arte abstracto se puede encontrar en el cubofuturismo y el alogismo. Un avance hacia la abstracción fue el cuadro "El vacío" de N.S. Goncharova (1914. Galería Tretyakov), pero este tema no se desarrolló más en la obra del artista. Otro aspecto no realizado de la abstracción rusa es la pintura en color de O.V. Rozanova (ver: Arte no objetivo).
Durante los mismos años, el checo Frantisek Kupka, los franceses Robert Delaunay y Jacques Villon, el holandés Piet Mondrian y los estadounidenses Stanton MacDonald-Wright y Morgan Russell siguieron sus propios caminos hacia la abstracción pictórica en estos mismos años. Las primeras estructuras espaciales abstractas fueron los contrarrelieves de V.E. Tatlin (1914).
El rechazo del isomorfismo y la apelación al principio espiritual dieron motivos para asociar el arte abstracto con la teosofía, la antroposofía e incluso el ocultismo. Pero los propios artistas no expresaron tales ideas en las primeras etapas del desarrollo del arte abstracto.
Después de la Primera Guerra Mundial, la pintura abstracta fue ganando gradualmente una posición dominante en Europa y se convirtió en una ideología artística universal. Se trata de un poderoso movimiento artístico que, en sus aspiraciones, va mucho más allá de las tareas pictóricas y plásticas y demuestra la capacidad de crear sistemas estéticos y filosóficos y resolver problemas sociales (por ejemplo, la "Ciudad suprematista" de Malevich basada en los principios de la vida). -edificio). En la década de 1920, basándose en su ideología, surgieron institutos de investigación como la Bauhaus o Gienkhuk. El constructivismo también surgió de la abstracción.
La versión rusa de la abstracción se llama arte no objetivo.
Muchos principios y técnicas del arte abstracto, que se convirtieron en clásicos en el siglo XX, se utilizan ampliamente en el diseño, las artes teatrales y decorativas, el cine, la televisión y la infografía.
El concepto de arte abstracto ha ido cambiando con el tiempo. Hasta la década de 1910, este término se utilizó en relación con la pintura, donde las formas se representaban de manera generalizada y simplificada, es decir. "abstracto" frente a una descripción más detallada o naturalista. En este sentido, el término se aplicó principalmente a las artes decorativas o a composiciones de formas aplanadas.
Pero desde la década de 1910, se ha utilizado “abstracto” para describir obras en las que una forma o composición se representa desde un ángulo tal que el tema original cambia casi hasta quedar irreconocible. Muy a menudo, este término denota un estilo de arte que se basa únicamente en la disposición de elementos visuales: forma, color, estructura, mientras que no es en absoluto necesario que tengan una imagen iniciadora en el mundo material.
El concepto de significado en el arte abstracto (tanto en su significado temprano como en su significado posterior) es una cuestión compleja que se debate constantemente. Las formas abstractas también pueden referirse a fenómenos no visuales como el amor, la velocidad o las leyes de la física, asociándose con una entidad derivada (“esencialismo”), con lo imaginario u otra forma de separarse de lo detallado, detallado y no esencial, aleatorio. A pesar de la ausencia de un tema representativo, una obra abstracta puede acumular una enorme expresión, y elementos semánticamente ricos como el ritmo, la repetición y el simbolismo del color indican una participación en ideas o eventos específicos fuera de la imagen misma.
Literatura:
- M. Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. París, 1949;
- M. Brión. El arte abstracto. París, 1956; D.Vallier. El arte abstracto. París, 1967;
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- C.Blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900-1960. Colonia, 1975;
- Señor Schapiro. Naturaleza del arte abstracto (1937) // M. Schapiro. Arte Moderno. Artículos seleccionados. Nueva York, 1978;
- Hacia un arte nuevo: ensayos sobre los antecedentes de la pintura abstracta 1910-1920. Ed. Señor Compton. Londres, 1980;
- Lo espiritual en el arte. Pintura abstracta 1890–1985. Museo de Artes del Condado de Los Ángeles. 1986/1987;
- Texto de M. Tuchman; B. Altshuler. La Vanguardia en Exposición. Arte nuevo en el siglo XX. Nueva York, 1994;
- Abstracción en Rusia. Siglo XX. T. 1–2. Museo Estatal Ruso [Catálogo] San Petersburgo, 2001;
- Inutilidad y abstracción. Se sentó. artículos. Reps. ed. G.F. Kovalenko. M., 2011;
