Pintura rusa de artistas del siglo XIX. Artistas extranjeros del siglo XIX: las figuras más destacadas de las bellas artes y su legado.

La pintura en Rusia en el siglo XIX es rica e interesante.

El siglo XIX suele denominarse la “edad de oro de la cultura rusa”. La pintura rusa experimentó un extraordinario florecimiento.

De vez en cuando, una estrella nueva, brillante y original aparecía en el cielo, formando constelaciones de artistas talentosos. Cada uno de ellos tenía su propia letra, que era imposible no reconocer o confundir.

Artista de la “Rusia bajista”

Orest Adamovich Kiprensky (24 de marzo de 1782 - 17 de octubre de 1836) Los venerables profesores de pintura italianos al principio no creían que los retratos realizados con una técnica excelente, que transmitieran el carácter, el estado de ánimo y el estado mental de la persona representada, no pertenecieran a nadie. Artista famoso Orest Kiprensky de la Rusia salvaje.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

La maestría de las pinturas de Kiprensky, ex hijo ilegítimo terrateniente y campesina sierva, de ninguna manera inferior a amos como Rubens o Van Dyck. Este pintor es considerado, con razón, el mejor retratista del siglo XIX. Es una lástima que en su propio país no fuera apreciado como se merecía. El retrato de A.S Pushkin de Kiprensky se imprimió en una edición tal que, quizás, ningún otro artista.

Pintor de la vida popular.

Aleksey Gavrilovich Venetsianov (18 de febrero de 1780 - 16 de diciembre de 1847), cansado de doce años de copiar pinturas académicas en el Hermitage, partió hacia el pueblo de Safonkovo, provincia de Tver. Comienza a escribir la vida de los campesinos a su manera única. Abundancia de luz solar, corrientes de aire, extraordinaria ligereza en los lienzos del fundador de la pintura de género y paisaje rusa.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

Espacios abiertos rusos y paz en cuadros famosos” Sobre tierras cultivables. Primavera” y “En la cosecha. Verano". "Carlomagno" Este fue el nombre que recibieron los estudiantes y muchos contemporáneos del gran artista ruso, representante de la pintura monumental, Karl Pavlovich Bryullov (23 de diciembre de 1799 - 23 de junio de 1852). Sus pinturas fueron consideradas un fenómeno sorprendente en la pintura. del siglo XIX. Su cuadro más famoso, "El último día de Pompeya", se convirtió en un triunfo del arte ruso. Y la aristocrática “Amazona” o toda la muchacha del pueblo impregnada de luz solar en el cuadro “ mediodía italiano“Excita y despierta sentimientos románticos.

"Reclusa romana"

Alexander Andreevich Ivanov (28 de julio de 1806-15 de julio de 1858) es un fenómeno controvertido en la pintura rusa. Escribió de manera estrictamente académica. Los temas de sus pinturas son mitos bíblicos y antiguos. El más famoso de ellos es "La aparición de Cristo al pueblo". Este lienzo, de dimensiones grandiosas, todavía atrae al espectador y no le permite simplemente mirar y alejarse.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

Ésta es la genialidad de este pintor, que no abandonó su taller romano durante un cuarto de siglo por temor a la pérdida de libertad personal e independencia del artista al regresar a su tierra natal. Estaba muy por delante no sólo de sus contemporáneos, sino también de las generaciones posteriores en su capacidad para transmitir magistralmente no sólo el contenido externo sino también el interno. Desde Ivanov, los hilos de la continuidad se extienden hasta Surikov, Ge, Vrubel, Korin.

¿Cómo vive la gente en el mundo...?

Cantante del género cotidiano: así se puede definir el trabajo del artista Pavel Andreevich Fedotov (4 de julio de 1815 - 26 de noviembre de 1852), que vivió una vida muy corta pero muy fructífera. Los temas de todas sus pocas pinturas son literalmente un evento, a menudo bastante breve en el tiempo. Pero puedes usarlo para escribir una historia completa no sólo sobre el presente, sino también sobre el pasado y el futuro.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

Y esto a pesar de que las pinturas de Fedotov nunca estuvieron sobrecargadas de detalles. ¡El misterio de un verdadero artista talentoso! Y triste destino trágico cuando el verdadero reconocimiento llega sólo después de la muerte.

Es tiempo de un cambio

Los cambios que se produjeron en la sociedad rusa en la segunda mitad del siglo XIX dieron lugar no sólo a nuevos movimientos políticos, sino también a tendencias artísticas. El realismo está reemplazando al academicismo. Habiendo absorbido todo las mejores tradiciones sus predecesores, la nueva generación de pintores prefiere trabajar en el estilo del realismo.

Rebeldes
El 9 de noviembre de 1863, catorce estudiantes graduados de la Academia de las Artes protestaron contra la negativa a permitirles escribir. trabajos de competencia en tema libre, dejó la Academia. El iniciador de la revuelta académica fue Ivan Nikolaevich Kramskoy (8 de junio de 1837 - 5 de abril de 1887). Excelente retratista y autor de un extraordinario lienzo filosófico y moral, "Cristo en el desierto". Los rebeldes organizaron su propia "Asociación de Exposiciones de Arte Itinerantes".

Pintura en Rusia del siglo XIX.

La composición social de los "Peredvizhniki" era muy diversa: plebeyos, hijos de campesinos y artesanos, soldados retirados, sacristán rurales y funcionarios menores. Buscaban servir a su pueblo con el poder de su talento. Vasily Grigorievich Perov (21 de diciembre de 1833 - 29 de mayo de 1882) ideólogo y mentor espiritual de los Peredvizhniki.

Sus pinturas están llenas de tragedia de la dura suerte de la gente, "Ver a los muertos", y al mismo tiempo crea lienzos llenos de humor y amor por la naturaleza. ("Cazadores en reposo") Alexey Kondratievich Savrasov pintó en 1871 un cuadro de pequeño tamaño "Las torres han llegado" y se convirtió en el fundador de la pintura de paisajes rusa. El famoso cuadro se encuentra en una de las salas de la Galería Tretyakov y se considera un símbolo pictórico de Rusia.

Nueva era de la pintura rusa.

El mundo de la necesidad, la anarquía y la opresión aparece ante el espectador en las pinturas del gran artista ruso Ilya Efimovich Repin (5 de agosto de 1844 - 29 de septiembre de 1930). Su famosa "Barge Haulers on the Volga" no es sólo una imagen de. un trabajo duro y agotador, pero también una celebración de la fuerza y ​​el poder del pueblo, de su carácter rebelde. Isaac Ilyich Levitan (30 de agosto de 1860 - 4 de agosto de 1900) sigue siendo un maestro insuperable del paisaje ruso.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

Alumno de Savrasov, percibe y representa la naturaleza de una manera completamente diferente. La abundancia de sol, aire e infinitos espacios abiertos en cualquier época del año en los lienzos de Levitan crean un ambiente de paz, tranquilidad y tranquila felicidad. El alma se toma un descanso de estos encantadores recodos de los ríos rusos, praderas acuáticas y bosques otoñales.

Cronistas

Los temas históricos atrajeron a los pintores por su dramatismo, la intensidad de sus pasiones y su deseo de representar personajes famosos. personajes historicos. Nikolai Nikolaevich Ge (27 de febrero de 1831 - 13 de junio de 1894), un pintor único, sumamente sincero, artista, pensador y filósofo, complejo, contradictorio y muy emotivo.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

Consideraba la pintura como una elevada misión moral, que abría el camino al conocimiento y la historia. Creía que el artista no está obligado a dar al espectador sólo placer, sino que debe ser capaz de hacerlo llorar. ¡Qué fuerza, qué tragedia, qué poder de pasión en su lienzo más famoso, que representa la escena en la que Pedro I interroga a su hijo Alexei!

Pintura en Rusia del siglo XIX.

V. Surikov pintando la foto del cruce de los Alpes de Suvorov

Vasily Ivanovich Surikov (24 de enero de 1848 - 19 de marzo de 1916) cosaco hereditario, siberiano. Estudió en la Academia de las Artes a expensas de un comerciante y filántropo de Krasnoyarsk. Su gran talento como pintor fue impulsado por un profundo patriotismo y un gran civismo. Por tanto, sus lienzos tema historico Admiran no sólo su habilidad y alta tecnología, sino que también llenan de orgullo al espectador por el coraje y la valentía del pueblo ruso.

Pintura en Rusia del siglo XIX.

Viktor Mikhailovich Vasnetsov (15 de mayo de 1848 - 23 de julio de 1926), pintor famoso, buscó en sus obras combinar temas míticos y de cuentos de hadas con rasgos nacionales Gente rusa. Se llamó a sí mismo un narrador, un escritor épico y un guslar pintoresco. Por lo tanto, tanto "Alyonushka" como "Tres héroes" se han convertido desde hace mucho tiempo en símbolos del pueblo ruso y de Rusia.

Dato interesante

La legendaria Budenovka y el abrigo de ala larga de los combatientes del Primer Ejército de Caballería de Budyonny fueron inventados por el artista Viktor Vasnetsov. El tocado se parecía al casco de los antiguos guerreros rusos, y el abrigo "con conversaciones" (rayas transversales cosidas en el pecho) era similar al caftán Streltsy.

En una de las etapas de su desarrollo, una persona abandonó el objetivo de actuar solo por funcionalidad y conveniencia y comenzó a prestar atención a la belleza. Así surgió el arte, algo que alegra la vida cotidiana, evoca emociones y se conserva durante siglos. El arte es una forma de transmitir la historia de generación en generación.

Entre la gran cantidad de ramas, cada género se distingue por sus propias características y matices, formas de evocar impresiones, originalidad e independencia. Esto también es pintura, que ha deleitado al ojo humano durante muchos siglos. Abarca muchos estilos y tendencias, lo que nos permite hablar de la pintura como una fuente ilimitada de inspiración y emociones profundas. Al mirar la imagen, todos encuentran en ella algo propio, notan pequeñas cosas a las que, quizás, el autor no le dio ningún significado. Éste es el valor del arte visual.

Las pinturas del siglo XIX, junto con las modernas, son capaces de evocar una amplia variedad de emociones, a menudo contradictorias, que golpean el cerebro y trastornan el significado habitual de las cosas.

pintura del siglo XIX

El final del siglo XVIII y principios del XIX se refleja en la historia como el predominio alto clasicismo en todas las formas de arte, incluida la pintura. Este período está lleno del deseo de los artistas de transmitir romance, singularidad e individualidad de belleza en sus creaciones. Las pinturas del siglo XIX son algo que te hace fijar la mirada en cada pincelada y admirarla como parte de un gran lienzo vivo. Esta vez volvió a revelar al mundo la belleza del retrato, su capacidad de mostrar no sólo las cualidades individuales del retratado y las nuevas técnicas de pintura, sino también parte del propio artista, su forma de ver el mundo.

Además, las pinturas del siglo XIX están llenas de una gradación de dos colores de tono similar, que añaden vida y realidad a las pinturas. Más tarde, en los años 50, la sublimidad y el romanticismo de las pinturas cambiaron a un reflejo de la vida sin exageraciones ni adornos: al realismo. Pero aún así, a pesar de las tendencias generales, los artistas pintaron lo que vieron, lo que sintieron y lo que querían transmitir. Periodo de tiempo genero popular o la tecnología prioritaria no influyó en ellos, porque es difícil meter a una persona creativa, un maestro en su oficio, en un formato determinado.

Pinturas de Ivan Aivazovsky

Si dices solo dos palabras: "mar" y "pintura", el primero que te viene a la mente será Ivan Aivazovsky. La forma en que transmitió el elemento agua no se puede comparar con nada. En sus cuadros, el agua, como una persona, está llena de pensamientos, emociones y vivencias. Cada una de sus pinturas es una imagen del mundo del siglo XIX, donde los barcos luchan con los elementos, donde la luz y la oscuridad encuentran su contraste en cada rincón de la vida, donde los sentimientos se desbordan, como si el último día ya hubiera llegado.

Sus obras, como "Batallas", "Tormenta y naufragio", "Crimea y alrededores", son un portal a través del cual se puede llegar al lugar representado en el lienzo y convertirse en parte integral del mismo. Ivan Aivazovsky, que dedicó mucho esfuerzo y tiempo a los paisajes, también creó retratos. Algunos de ellos son "Retrato del Vicealmirante M. P. Lazarev", "Retrato de A. I. Kaznacheev" y otros.

Karl Bryullov y sus creaciones.

Las pinturas rusas del siglo XIX son una colección de las obras más bellas de un gran número de maestros, entre los que destaca Karl Bryullov con especial amor por el arte. Habiendo recibido de su padre la capacidad de apreciar la belleza, Karl, incluso desde la infancia, superó con creces a muchos de sus compañeros de clase en habilidad. En sus actividades, operó con una gran lista de técnicas. Óleo, acuarela, sepia o dibujo: sus pinturas reflejan el interés inquebrantable del autor por todas las facetas del arte.

Bryullov, inspirado en las obras de los mejores maestros de todos los tiempos, supo transmitir plasticidad, un sentido especial de la forma y una comprensión individual de la pintura. La obra más significativa de este artista es la monumental pintura historica El último día de Pompeya tardó seis años en completarse. Todo herencia creativa Bryullov está incluido en el "fondo de oro" no sólo de la pintura rusa, sino también de la mundial.

Viktor Vasnetsov y sus pinturas del siglo XIX.

Muchas de las obras de Viktor Vasnetsov se conocen en la escuela. Este artista se destacó por su pasión por el folclore, los temas históricos y de cuentos de hadas, la importancia historia nacional. "Bogatyrs", "Knight at the Crossroads", "Tsar Ivan Vasilyevich the Terrible": todas estas obras, como lugares de concentración de energía figurativa, evocan un fuerte impulso interno.

En las pinturas de Vasnetsov, la escena y la trama son importantes, y el color juega, aunque un papel secundario, pero extremadamente importante, porque es gracias a la selección precisa de los colores y la dulce inquietud, la belleza espiritual de lo representado que sus pinturas son capaces de llenar el alma de agradable calidez y admiración.

Pintura de Arkhip Kuindzhi

Sencillo pero emocionante; Parecía poco exigente pero impresionante: así es el arte del siglo XIX. Las pinturas de Arkhip Kuindzhi encajan perfectamente en la atmósfera de esa época. La ausencia de una trama en sus obras debería haber reducido su valor y haber quitado el interés entusiasta con el que se miran, pero aún así estas imágenes atrapan y transportan a las profundidades lejanas de la conciencia.

Se trata del color. La plenitud con la que Arkhip Kuindzhi transmite la sencillez de su entorno hace imposible no admirar sus obras. "Picos nevados", "Amanecer", "Bosque": todo esto ejemplos vívidos gran habilidad de Arkhip Ivanovich, gracias a la cual puedes ver la belleza y la armonía del mundo circundante.

El mundo a través de los ojos de Isaac Levitan

Todas las pinturas de artistas del siglo XIX son fascinantes y conmovedoras a su manera, y entre ellas ocupan las obras de Isaac Levitan. En el marco de un lienzo, el artista mostró muchos matices, gracias a los cuales se logró la especial sensualidad de sus pinturas.

El artista amaba apasionadamente la vida y todas sus facetas. Sus obras son paisajes sencillos y, a primera vista, sin pretensiones, como “Sobre la paz eterna”, “ orilla boscosa“, pero es en su brevedad donde se esconde la expresividad emocional.

Para ruso Artes visuales El romanticismo y el realismo eran característicos. Sin embargo, el método oficialmente reconocido fue el clasicismo. La Academia de las Artes se convirtió en una institución conservadora e inerte que obstaculizó cualquier intento de libertad creativa. Exigió un estricto cumplimiento de los cánones del clasicismo, alentó la pintura de temas bíblicos y historias mitologicas. Los jóvenes artistas rusos con talento no estaban satisfechos con el marco académico. Por lo tanto, recurrieron con mayor frecuencia a género de retrato.
La pintura encarna los ideales románticos de la era del levantamiento nacional. Habiendo rechazado los principios estrictos y no desviados del clasicismo, los artistas descubrieron la diversidad y singularidad del mundo circundante. Esto no sólo se reflejó en los géneros ya familiares (retrato y paisaje), sino que también impulsó el nacimiento. pintura del hogar, que se convirtió en el centro de atención de los maestros de la segunda mitad del siglo. Mientras tanto, el campeonato quedó en manos de genero historico. Sin embargo, fue el último refugio del clasicismo, incluso aquí, detrás de la “fachada” formalmente clasicista. ideas romanticas y temas.
Romanticismo - (romantisme francés), movimiento ideológico y artístico en la cultura espiritual europea y americana de finales del siglo XVIII - primera mitad. siglos XIX Reflejando decepción en los resultados. revolución Francesa finales del siglo XVIII, en la ideología de la Ilustración y el progreso social. El romanticismo contrastó el utilitarismo y la nivelación del individuo con aspiraciones de libertad ilimitada y lo “infinito”, una sed de perfección y renovación, y el patetismo de la independencia personal y civil. La dolorosa discordia entre el ideal y la realidad social es la base de la cosmovisión y el arte románticos. La afirmación del valor intrínseco de la vida espiritual y creativa del individuo, la imagen de pasiones fuertes, la imagen de pasiones fuertes, la naturaleza espiritualizada y curativa, para muchos románticos: los actos heroicos de protesta o lucha coexisten con los motivos del "dolor mundial". ”, “el mal mundial”, el lado “nocturno” del alma, revestido de formas de ironía, grotesco, poética de dos mundos. Interés por el pasado nacional (a menudo su idealización), las tradiciones del folclore y la cultura propia y ajena, el deseo de crear una imagen universal del mundo (principalmente historia y literatura), la idea de una síntesis de las artes. encontró expresión en la ideología y la práctica del romanticismo.
En las bellas artes, el romanticismo se manifestó más claramente en la pintura y la gráfica, menos claramente en la escultura y la arquitectura (por ejemplo, el falso gótico). La mayoría de las escuelas nacionales de romanticismo en las bellas artes surgieron en la lucha contra el clasicismo académico oficial.
En lo más profundo de la cultura oficial del Estado hay una capa notable de cultura de “élite”, que sirve a la clase dominante (la aristocracia y la corte real) y tiene una especial receptividad a las innovaciones extranjeras. Baste recordar las pinturas románticas de O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov y otros artistas importantes del siglo XIX.
Kiprensky Orest Adamovich, artista ruso. Un destacado maestro de las bellas artes rusas del romanticismo, conocido como un maravilloso retratista. En el cuadro “Dmitry Donskoy en el campo de Kulikovo” (1805, Museo Ruso) demostró un conocimiento seguro de los cánones de la pintura histórica académica. Pero desde el principio, el área donde su talento se reveló con mayor naturalidad y sin esfuerzo fue el retrato. Su primer retrato pictórico (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibíd.), escrito al estilo “Rembrandt”, destaca por su expresiva y dramática estructura de claroscuros. Con el paso de los años, su habilidad, que se manifiesta en la capacidad de crear, ante todo, imágenes únicas y características individualmente, seleccionando medios plásticos especiales para resaltar esta característica, se fortalece. Lleno de una vitalidad impresionante: un retrato del niño A. A. Chelishchev (hacia 1810-11), imágenes pareadas de los cónyuges F. V. y E. P. Rostopchin (1809) y V. S. y D. N. Khvostov (1814, todos - Galería Tretiakov). El artista juega cada vez más con las posibilidades del color y los contrastes de luces y sombras, fondos de paisajes, detalles simbólicos(“E. S. Avdulina”, alrededor de 1822, ibíd.). El artista sabe cómo realizar incluso grandes retratos ceremoniales de forma lírica, casi íntimamente relajada (“Retrato de la vida del coronel húsar Evgraf Davydov”, 1809, Museo Ruso). Su retrato del joven A.S., cubierto de gloria poética. Pushkin es uno de los mejores en crear una imagen romántica. En Kiprensky, Pushkin parece solemne y romántico, con un aura de gloria poética. "Me halagas, Orestes", suspiró Pushkin, mirando el lienzo terminado. Kiprensky también fue un dibujante virtuoso que creó (principalmente utilizando la técnica italiana del lápiz y el pastel) ejemplos de habilidad gráfica, a menudo superando a sus retratos pintados en su emotividad abierta y excitantemente ligera. Se trata de tipos cotidianos (“El músico ciego”, 1809, Museo Ruso; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Galería Tretyakov) y la famosa serie de retratos a lápiz de los participantes en la Guerra Patriótica de 1812 (dibujos que representan a E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, el mismo dibujo con el poeta Batyushkov y otros 1813-15, Galería Tretyakov y otras colecciones); el comienzo heroico adquiere aquí una connotación sincera. Una gran cantidad de bocetos y evidencia textual muestran que el artista a lo largo de su período de madurez gravitó hacia la creación de una pintura grande (en sus propias palabras de una carta a A. N. Olenin en 1834), "espectacular o, en ruso, sorprendente y mágica". donde los resultados se representarían en forma alegórica historia europea, así como el propósito de Rusia. “Lectores de periódicos en Nápoles” (1831, Galería Tretyakov) - en apariencia solo un retrato de grupo; de hecho, hay una respuesta secretamente simbólica a los acontecimientos revolucionarios en Europa.
Sin embargo, la más ambiciosa de las alegorías pictóricas de Kiprensky quedó sin realizarse o desapareció (como la "Tumba de Anacreonte", terminada en 1821). Estas búsquedas románticas, sin embargo, tuvieron una continuación a gran escala en las obras de K. P. Bryullov y A. A. Ivanov.
manera realista reflejó las obras de V.A. Tropinina. Los primeros retratos de Tropinin, pintados en colores sobrios ( retratos familiares Counts Morkov, 1813 y 1815, ambos en la Galería Tretyakov), todavía pertenecen enteramente a la tradición del Siglo de las Luces: el modelo es en ellos el centro incondicional y estable de la imagen. Más tarde, el color de la pintura de Tropinin se vuelve más intenso, los volúmenes suelen estar esculpidos de forma más clara y escultórica, pero lo más importante es que crece insinuantemente el sentimiento puramente romántico del elemento en movimiento de la vida, del cual el héroe del retrato parece ser sólo un parte, un fragmento (“Bulakhov”, 1823; “K. G. Ravich”, 1823; autorretrato, alrededor de 1824; los tres, en el mismo lugar). Así es A. S. Pushkin en retrato famoso 1827 (Museo Panruso de A.S. Pushkin, Pushkin): el poeta, colocando su mano sobre una pila de papeles, como si "escuchara a la musa", escucha el sueño creativo que rodea la imagen con un halo invisible. También pintó un retrato de A.S. Pushkin. Al espectador se le presenta un hombre sabio por experiencia de vida y no muy feliz. En el retrato de Tropinin, el poeta es encantador y hogareño. De las obras de Tropinin emana una calidez y un confort especiales del viejo Moscú. Hasta los 47 años estuvo en cautiverio. Probablemente por eso los rostros de sus lienzos son tan frescos e inspirados. la gente común. Y la juventud y el encanto de su “Lacemaker” son infinitos. Muy a menudo, V.A. Tropinin recurrió a la representación de personas del pueblo ("La encajera", "Retrato de un hijo", etc.).
Artístico y búsqueda ideológica Pensamiento social ruso, la expectativa de cambio se reflejó en las pinturas de K.P. Bryullov "El último día de Pompeya" y A.A. Ivanov "La aparición de Cristo al pueblo".
Una gran obra de arte es el cuadro "El último día de Pompeya" de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). En 1830 durante las excavaciones. ciudad antigua El artista ruso Karl Pavlovich Bryullov visitó Pompeya. Caminó por las antiguas aceras, admiró los frescos y en su imaginación noche trágica Agosto 79 d.C. e., cuando la ciudad estaba cubierta de ceniza caliente y piedra pómez del Vesubio despierto. Tres años después, el cuadro "El último día de Pompeya" hizo un viaje triunfal desde Italia a Rusia. El artista encontró colores sorprendentes para representar la tragedia de la antigua ciudad, muriendo bajo la lava y las cenizas del Vesubio en erupción. La imagen está imbuida de altos ideales humanistas. Muestra el coraje de las personas, su dedicación, demostrada durante un terrible desastre. Bryullov estaba en Italia en un viaje de negocios a la Academia de las Artes. Esta institución educativa brindó una buena formación en técnicas de pintura y dibujo. Sin embargo, la Academia se centró claramente en herencia antigua y temas heroicos. La pintura académica se caracterizó por los paisajes decorativos y la teatralidad. composición general. Las escenas de la vida moderna y los paisajes rusos corrientes se consideraban indignos del pincel del artista. El clasicismo en la pintura recibió el nombre de academicismo. Bryullov estuvo asociado con la Academia con toda su creatividad.
Tenía una imaginación poderosa, un ojo agudo y una mano fiel, y dio a luz creaciones vivas acordes con los cánones del academicismo. En verdad, con la gracia de Pushkin, supo plasmar en el lienzo tanto la belleza de un cuerpo humano desnudo como el temblor de un rayo de sol sobre una hoja verde. Sus lienzos "La amazona", "Batsabé", "Mañana italiana", "Tarde italiana" y numerosos retratos ceremoniales e íntimos seguirán siendo para siempre obras maestras imperecederas de la pintura rusa. Sin embargo, el artista siempre se ha inclinado hacia grandes temas históricos, hacia la representación de acontecimientos importantes de la historia de la humanidad. Muchos de sus planes a este respecto no se realizaron. Bryullov nunca abandonó la idea de crear un lienzo épico basado en una trama de la historia rusa. Comienza con el cuadro “El asedio de Pskov por las tropas del rey Stefan Batory”. Muestra clímax el asedio de 1581, cuando los guerreros de Pskov y. Los habitantes se apresuran a atacar a los polacos que irrumpieron en la ciudad y los arrojan detrás de los muros. Pero la pintura quedó inacabada, y la tarea de crear pinturas históricas verdaderamente nacionales no la llevó a cabo Bryullov, sino la siguiente generación de artistas rusos. Bryullov, de la misma edad que Pushkin, le sobrevivió 15 años. Ha estado enfermo en los últimos años. A partir de un autorretrato pintado en esa época, nos mira un hombre rojizo, de rasgos faciales delicados y mirada tranquila y pensativa.
En la primera mitad del siglo XIX. Vivió y trabajó el artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Dedicó toda su vida creativa a la idea del despertar espiritual del pueblo, encarnándola en la película "La aparición de Cristo al pueblo". Durante más de 20 años trabajó en el cuadro “La aparición de Cristo al pueblo”, en el que puso todo el poder y brillo de su talento. En el primer plano de su grandioso lienzo, llama la atención la valiente figura de Juan Bautista, señalando a la gente hacia Cristo que se acerca. Su figura se muestra a lo lejos. Aún no ha llegado, ya viene, seguro que vendrá, afirma el artista. Y los rostros y las almas de quienes esperan al Salvador se iluminan y se aclaran. En esta imagen mostraba, como dijo más tarde I. E. Repin, “un pueblo oprimido que anhela la palabra de libertad”.
En la primera mitad del siglo XIX. La pintura rusa incluye historia cotidiana.
Uno de los primeros en recurrir a él fue Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Dedicó su obra a representar la vida de los campesinos. Muestra esta vida de forma idealizada y embellecida, rindiendo homenaje al sentimentalismo entonces de moda. Sin embargo, las pinturas de Venetsianov "The Threshing Barn", "At the Harvest". Verano", "En la tierra cultivable. Primavera", "Mujer campesina con acianos", "Zakharka", "Mañana del terrateniente", que refleja la belleza y la nobleza del pueblo ruso común, sirvieron para afirmar la dignidad de una persona, independientemente de su estatus social.
Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) continuó sus tradiciones. Sus lienzos son realistas, llenos de contenido satírico, exponiendo la moral mercantil, la vida y las costumbres de la élite de la sociedad ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", etc.). Inició su camino como artista satírico como oficial de guardia. Luego hizo bocetos divertidos y traviesos de la vida militar. En 1848, su cuadro "Fresh Cavalier" se presentó en una exposición académica. Fue una burla atrevida no sólo de la burocracia estúpida y complaciente, sino también de las tradiciones académicas. La túnica sucia con la que vestía el personaje principal de la imagen recordaba mucho a una toga antigua. Bryullov permaneció largo rato delante del lienzo y luego le dijo al autor, medio en broma, medio en serio: “Felicitaciones, me has derrotado”. Otras películas de Fedotov ("El desayuno de un aristócrata", "Major's Matchmaking") también son de naturaleza cómica y satírica. Sus últimos cuadros son muy tristes (“¡Ancla, más ancla!”, “Viuda”). Los contemporáneos compararon con razón a P.A. Fedotov pintando con N.V. Gogol en la literatura. Exponer los males de la Rusia feudal es el tema principal de la obra de Pavel Andreevich Fedotov.

Pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX.

Segunda mitad del siglo XIX. estuvo marcado por el florecimiento de las bellas artes rusas. Se convirtió en un verdadero gran arte, estuvo imbuido del patetismo de la lucha de liberación del pueblo, respondió a las exigencias de la vida y la invadió activamente. En las bellas artes finalmente se estableció el realismo: un reflejo veraz y completo de la vida de las personas, el deseo de reconstruir esta vida sobre los principios de igualdad y justicia.
A finales de los años 50 surgió un giro consciente de la nueva pintura rusa hacia el realismo democrático, la nacionalidad y la modernidad, junto con la situación revolucionaria del país, con la maduración social de la intelectualidad de las distintas clases, con la ilustración revolucionaria de Chernyshevsky, Dobrolyubov. , Saltykov-Shchedrin, con la poesía popular de Nekrasov. En “Ensayos sobre el período de Gogol” (en 1856), Chernyshevsky escribió: “Si la pintura se encuentra actualmente en una situación bastante lamentable, la razón principal Además, hay que considerar la alienación de este arte de las aspiraciones modernas”. La misma idea se presentó en muchos artículos de la revista Sovremennik.
Tema central el arte se ha convertido en un pueblo, no sólo de los oprimidos y los que sufren, sino también en un pueblo: el creador de la historia, un pueblo luchador, el creador de todo lo mejor que hay en la vida.
El establecimiento del realismo en el arte se produjo en una tenaz lucha con la dirección oficial, cuyo representante era la dirección de la Academia de las Artes. Los líderes de la academia inculcaron a sus estudiantes la idea de que el arte es superior a la vida y propusieron sólo temas bíblicos y mitológicos para la creatividad de los artistas.
Pero la pintura ya empezaba a sumarse a las aspiraciones modernas, sobre todo en Moscú. escuela de moscú y no disfrutaba de los privilegios de la Academia de Artes de San Petersburgo ni en una décima parte, pero dependía menos de sus dogmas arraigados y la atmósfera en ella era más animada. Aunque los profesores de la Escuela son en su mayoría académicos, los académicos son secundarios y vacilantes: no reprimieron con su autoridad tanto como en la Academia a F. Bruni, el pilar de la vieja escuela, que en un momento compitió con la pintura de Bryullov ". La serpiente de cobre”.
En 1862, el Consejo de la Academia de las Artes de San Petersburgo decidió igualar los derechos de todos los géneros, aboliendo la primacía de la pintura histórica. La medalla de oro ahora se otorga independientemente del tema de la imagen, teniendo en cuenta únicamente sus méritos. Sin embargo, las “libertades” dentro de los muros de la academia no duraron mucho.
En 1863, jóvenes artistas que participaban en un concurso académico presentaron una petición “solicitando permiso para elegir libremente los temas que deseen, además del tema dado”. El Consejo de la Academia se negó. Lo que ocurrió después se denomina en la historia del arte ruso la “revuelta de los catorce”. Catorce estudiantes de la clase de historia no quisieron pintar cuadros sobre el tema propuesto de la mitología escandinava: "La fiesta en Valgaal" y presentaron deliberadamente una petición para abandonar la academia. Al encontrarse sin talleres y sin dinero, los rebeldes se unieron en una especie de comuna, similar al tipo de comuna descrita por Chernyshevsky en la novela "¿Qué hacer?", el Artel de los Artistas, encabezado por el pintor Ivan Nikolaevich Kramskoy. . Los trabajadores del artel aceptaron órdenes para la ejecución de diversas obras de arte, vivieron en la misma casa y se reunieron en una sala común para conversar, discutir pinturas y leer libros.
Siete años después, Artel se disolvió. En ese momento, en los años 70, por iniciativa del artista Grigory Grigorievich Myasoedov, surgió una asociación: la "Asociación de Inserciones Artísticas Móviles", una asociación profesional y comercial de artistas que tenían posiciones ideológicas similares.
La Asociación de Itinerantes, a diferencia de muchas asociaciones posteriores, prescindió de declaraciones o manifiestos. Sus estatutos sólo establecían que los miembros de la Asociación debían gestionar sus propios asuntos financieros, sin depender de nadie a este respecto, y también organizar ellos mismos exposiciones y llevarlas a diferentes ciudades (“moverse” por Rusia) para presentar el país a Arte ruso. Ambos puntos fueron de gran importancia, afirmando la independencia del arte de las autoridades y la voluntad de los artistas de comunicarse ampliamente con la gente no solo en la capital. el papel principal En la creación de la Asociación y el desarrollo de sus estatutos pertenecieron, además de Kramskoy, a Myasoedov, Ge, de San Petersburgo y de los moscovitas, a Perov, Pryanishnikov y Savrasov.
Los Peredvizhniki estaban unidos en su rechazo del “academicismo” con su mitología, sus paisajes decorativos y su pomposa teatralidad. querían retratar viviendo la vida. Las escenas de género (cotidianas) ocuparon un lugar destacado en su obra. El campesinado gozaba de especial simpatía por los "itinerantes". Mostraron su situación de necesidad, sufrimiento y opresión. En ese momento, en los años 60-70. Siglo XIX: el lado ideológico del arte se valoraba más que el estético. Sólo con el tiempo los artistas recordaron el valor intrínseco de la pintura.
Quizás el mayor homenaje a la ideología lo rindió Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Baste recordar cuadros suyos como "La llegada del jefe de investigación", "La fiesta del té en Mytishchi". Algunas de las obras de Perov están imbuidas de una auténtica tragedia ("Troika", "Viejos padres en la tumba de su hijo"). Perov pintó varios retratos de sus contemporáneos famosos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoievski).
Algunas de las pinturas de los "Itinerantes", pintadas del natural o inspiradas en escenas reales, han enriquecido nuestras ideas sobre la vida campesina. La película "Sobre el mundo" de S. A. Korovin muestra un enfrentamiento en una reunión rural entre un hombre rico y un hombre pobre. V. M. Maksimov capturó la rabia, las lágrimas y el dolor. sección familiar. La solemne festividad del trabajo campesino se refleja en el cuadro "Segadoras" de G. G. Myasoedov.
En la obra de Kramskoy, el lugar principal lo ocupaba pintura de retrato. Escribió Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Posee uno de los mejores retratos de León Tolstoi. La mirada del escritor no abandona al espectador, sin importar desde qué punto mire el lienzo. Una de las obras más poderosas de Kramskoy es el cuadro "Cristo en el desierto".
La primera exposición de los “Itinerantes”, inaugurada en 1871, demostró de manera convincente la existencia de una nueva dirección que tomó forma a lo largo de los años 60. Sólo hubo 46 exposiciones (a diferencia de las engorrosas exposiciones de la Academia), pero seleccionadas cuidadosamente, y aunque la exposición no fue deliberadamente programática, el programa general no escrito surgió con bastante claridad. Estuvieron representados todos los géneros (histórico, cotidiano, retratos de paisajes) y el público pudo juzgar qué novedades les aportaron los "Wanderers". Sólo la escultura tuvo mala suerte (hubo una, e incluso entonces una escultura un poco notable de F. Kamensky), pero este tipo de arte tuvo "mala suerte" durante mucho tiempo, de hecho, toda la segunda mitad del siglo.
A principios de los años 90, entre los jóvenes artistas de la escuela de Moscú había, sin embargo, aquellos que continuaban digna y seriamente la tradición cívica itinerante: S. Ivanov con su ciclo de pinturas sobre inmigrantes, S. Korovin, el autor de la pintura "Sobre el mundo", donde es interesante y se revelan cuidadosamente los conflictos dramáticos (¡realmente dramáticos!) de la aldea anterior a la reforma. Pero no marcaron la pauta: se acercaba la entrada a la vanguardia del “Mundo del Arte”, igualmente lejos de los Wanderers y de la Academia. ¿Cómo era la Academia en ese momento? Sus antiguas actitudes artísticas rigoristas se desvanecieron; requisitos estrictos El neoclasicismo, basado en la notoria jerarquía de géneros, era bastante tolerante con el género cotidiano, solo prefería que fuera "hermoso" en lugar de "campesino" (un ejemplo de obras "hermosas" no académicas son las escenas de vida antigua entonces popular S. Bakalovich). En su mayor parte, la producción no académica, como en otros países, era un salón burgués, su “belleza” era una belleza vulgar. Pero no se puede decir que no presentó talentos: G. Semiradsky, mencionado anteriormente, tenía mucho talento, V. Smirnov, que murió temprano (que logró crear una impresionante cuadro grande"La muerte de Nerón"); No se pueden negar ciertos méritos artísticos de las pinturas de A. Svedomsky y V. Kotarbinsky. Habló con aprobación de estos artistas, considerándolos portadores del “espíritu helénico”. Años despues Repin, impresionaron a Vrubel, al igual que Aivazovsky, también un artista "académico". Por otro lado, nada menos que Semiradsky, durante la reorganización de la Academia, se pronunció decisivamente a favor del género cotidiano, señalando tanto ejemplo positivo sobre Perov, Repin y V. Mayakovsky. Entonces había suficientes puntos de convergencia entre los "Itinerantes" y la Academia, y el entonces vicepresidente de la Academia I.I. Tolstoi, por cuya iniciativa se llamó a enseñar a los principales "Itinerantes".
Pero lo principal que no nos permite descartar por completo el papel de la Academia de las Artes, en primer lugar, como institución educativa, en la segunda mitad del siglo, es el simple hecho de que de sus muros surgieron muchos artistas destacados. Estos son Repin, Surikov, Polenov, Vasnetsov y, más tarde, Serov y Vrubel. Además, no repitieron la “revuelta de los catorce” y, aparentemente, se beneficiaron de su aprendizaje.
El respeto por el dibujo, por la forma constructiva construida, tiene sus raíces en el arte ruso. La orientación general de la cultura rusa hacia el realismo se convirtió en la razón de la popularidad del método Chistyakov: de una forma u otra, los pintores rusos, hasta Serov, Nesterov y Vrubel inclusive, honraron las "leyes eternas e inmutables de la forma" y desconfiaron de la "desmaterialización". ” o subordinación del elemento colorido y amorfo, por mucho que amaran el color.
Entre los Peredvizhniki invitados a la Academia se encontraban dos paisajistas: Shishkin y Kuindzhi. Fue precisamente en ese momento cuando comenzó la hegemonía del paisaje en el arte como género independiente, donde reinaba Levitan, y como elemento igual de la pintura cotidiana, histórica y en parte retratista. Contrariamente a las previsiones de Stasov, que cree que el papel del paisaje disminuirá, en los años 90 aumentó más que nunca. Prevaleció el “paisaje anímico” lírico, cuyo origen se remonta a Savrasov y Polenov.
El grupo Peredvizhniki hizo verdaderos descubrimientos en la pintura de paisajes. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) logró mostrar la belleza y el lirismo sutil de un sencillo paisaje ruso. Su cuadro "Las torres han llegado" (1871) hizo que muchos contemporáneos miraran con nuevos ojos su naturaleza nativa.
Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) vivió corta vida. Su obra, interrumpida desde el principio, enriqueció la pintura rusa con una serie de paisajes dinámicos y apasionantes. El artista era especialmente bueno en los estados de transición de la naturaleza: del sol a la lluvia, de la calma a la tormenta.
El cantante del bosque ruso, la amplitud épica de la naturaleza rusa, fue Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) se sintió atraído por el pintoresco juego de luces y aire. La misteriosa luz de la luna en las nubes raras, los reflejos rojos del amanecer en las paredes blancas de las chozas ucranianas, los rayos oblicuos de la mañana que atraviesan la niebla y juegan en los charcos en un camino embarrado: estos y muchos otros descubrimientos pintorescos están plasmados en sus lienzos.
La pintura de paisajes rusa del siglo XIX alcanzó su apogeo con la obra del alumno de Savrasov, Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan es un maestro de los paisajes tranquilos y silenciosos. Un hombre muy tímido, tímido y vulnerable, sólo sabía relajarse a solas con la naturaleza, imbuido del ambiente de su paisaje favorito.
Un día llegó al Volga para pintar el sol, el aire y las extensiones fluviales. Pero no había sol, interminables nubes se arrastraban por el cielo y las lluvias apagadas cesaron. El artista estaba nervioso hasta que se vio envuelto en este clima y descubrió un encanto especial colores lilas Mal tiempo ruso. Desde entonces, el Alto Volga y la ciudad provincial de Ples se han arraigado firmemente en su obra. En esos lugares creó sus obras "lluviosas": "After the Rain", "Gloomy Day", "Above Eternal Peace". Allí también se pintaron tranquilos paisajes nocturnos: “Tarde en el Volga”, “Tarde. Alcance Dorado", " llamada vespertina, campana vespertina", "Morada tranquila".
En los últimos años de su vida, Levitan llamó la atención sobre las obras de los artistas impresionistas franceses (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Se dio cuenta de que tenía mucho en común con ellos, que sus búsquedas creativas iban en la misma dirección. Como ellos, prefería trabajar no en el estudio, sino al aire (al aire libre, como dicen los artistas). Como ellos, aligeró la paleta, desterrando los colores oscuros y terrosos. Como ellos, buscó capturar la naturaleza fugaz de la existencia, transmitir los movimientos de la luz y el aire. En esto fueron más lejos que él, pero casi disolvieron formas volumétricas (casas, árboles) en corrientes de aire ligero. Lo evitó.
“Las pinturas de Levitan requieren una visión lenta”, escribió K. G. Paustovsky, un gran conocedor de su obra, “no aturden la vista. Son modestas y precisas, como las historias de Chéjov, pero cuanto más las miras, más dulce se vuelve el silencio de las ciudades de provincia, los ríos familiares y los caminos rurales”.
En el segundo mitad del XIX v. tengo que florecimiento creativo I. E. Repin, V. I. Surikov y V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nació en la ciudad de Chuguev, en la familia de un colono militar. Logró ingresar a la Academia de las Artes, donde su maestro fue P. P. Chistyakov, quien formó a toda una galaxia de artistas famosos (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin también aprendió mucho de Kramskoy. En 1870, el joven artista hizo un viaje por el Volga. Para el cuadro “Transportadores de barcazas en el Volga” (1872) utilizó numerosos bocetos traídos de sus viajes. Causó una fuerte impresión en el público. El autor inmediatamente ascendió a las filas de los maestros más famosos.
Repin fue un artista muy versátil. Su pincel pertenece a una serie de monumentales pinturas de genero. Quizás no menos impresionante que “Transportadores de barcazas” sea la “Procesión religiosa en la provincia de Kursk”. El cielo azul brillante, las nubes de polvo de la carretera atravesadas por el sol, el resplandor dorado de cruces y vestimentas, la policía, la gente corriente y los lisiados: todo cabe en este lienzo: la grandeza, la fuerza, la debilidad y el dolor de Rusia.
Muchas de las películas de Repin trataron temas revolucionarios ("La negativa a confesar", "No esperaban", "Arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus cuadros se comportan con sencillez y naturalidad, evitando poses y gestos teatrales. En el cuadro “La negativa a confesar”, el condenado a muerte parecía haber escondido deliberadamente las manos en las mangas. El artista claramente simpatizaba con los personajes de sus cuadros.
Varias pinturas de Repin fueron escritas sobre temas históricos ("Iván el Terrible y su hijo Iván", "Los cosacos redactan una carta al sultán turco", etc.). Repin creó toda una galería de retratos. Pintó retratos de científicos (Pirogov y Sechenov), escritores Tolstoi, Turgenev y Garshin, compositores Glinka y Mussorgsky, artistas Kramskoy y Surikov. A principios del siglo XX. recibió un encargo para el cuadro “La reunión ceremonial del Consejo de Estado”. El artista logró no solo colocar tal composición en el lienzo. Número grande los presentes, sino también para dar características psicológicas a muchos de ellos. Entre ellos se encontraban figuras tan famosas como S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nicolás II apenas se nota en la imagen, pero está representado de forma muy sutil.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nació en Krasnoyarsk, en una familia cosaca. El apogeo de su creatividad se produjo en los años 80, cuando creó tres de sus más famosos. pinturas historicas: “La mañana de la ejecución de Streltsy”, “Menshikov en Berezovo” y “Boyaryna Morozova”.
Surikov conocía bien la vida y las costumbres de épocas pasadas y supo transmitir vívidamente características psicológicas. Además, era un excelente colorista (maestro del color). Baste recordar la nieve deslumbrantemente fresca y brillante de la película "Boyaryna Morozova". Si te acercas al lienzo, la nieve parece “desmoronarse” en pinceladas azules, celestes y rosas. Esta técnica pictórica, cuando dos o tres trazos diferentes se fusionan a distancia y dan color deseado, muy utilizado por los impresionistas franceses.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), hijo del compositor, pintó paisajes, lienzos sobre temas históricos y trabajó como artista teatral. Pero fueron principalmente sus retratos los que le dieron fama.
En 1887, Serov, de 22 años, estaba de vacaciones en Abramtsevo, la dacha del filántropo S.I. Mamontov, cerca de Moscú. Entre sus muchos hijos, el joven artista era su propio hombre, un participante en sus ruidosos juegos. Un día, después del almuerzo, dos personas se quedaron accidentalmente en el comedor: Serov y Verusha Mamontova, de 12 años. Se sentaron a la mesa en la que había melocotones, y durante la conversación Verusha no se dio cuenta de cómo el artista comenzaba a dibujar su retrato. El trabajo duró un mes y Verusha estaba enojada porque Anton (como llamaban a Serov en casa) la obligaba a sentarse en el comedor durante horas.
A principios de septiembre se completó "La chica de los melocotones". A pesar de su pequeño tamaño, el cuadro, pintado en tonos rosa dorado, parecía muy “espacioso”. Había mucha luz y aire en él. La niña, que se sentó a la mesa por lo que pareció un minuto y fijó su mirada en el espectador, encantó con su claridad y espiritualidad. Y todo el lienzo estaba cubierto de una percepción puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no es consciente de sí misma y hay toda una vida por delante.
Los habitantes de la casa Abramtsevo, por supuesto, entendieron que había ocurrido un milagro ante sus ojos. Pero sólo el tiempo da valoraciones finales. Colocó a “La muchacha de los melocotones” entre los mejores retratos de la pintura rusa y mundial.
Al año siguiente, Serov logró casi repetir su magia. Pintó un retrato de su hermana Maria Simonović (“Niña iluminada por el sol”). El nombre es algo inexacto: la niña está sentada a la sombra y los rayos del sol de la mañana iluminan el claro del fondo. Pero en la imagen todo está tan unido, tan unido: la mañana, el sol, el verano, la juventud y la belleza, que mejor nombre es difícil de encontrar.
Serov se convirtió en un retratista de moda. posaron frente a el escritores famosos, artistas, artistas, empresarios, aristócratas, incluso reyes. Aparentemente, no todos los que escribió tenían el corazón puesto en ello. Algunos retratos de la alta sociedad, a pesar de su técnica de ejecución en filigrana, resultaron fríos.
Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un profesor exigente. Serov, oponente de las formas congeladas de pintura, creía al mismo tiempo que las búsquedas creativas debían basarse en un sólido dominio de las técnicas del dibujo y la escritura pictórica. Muchos maestros destacados se consideraban alumnos de Serov. Esta es la Sra. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Muchas pinturas de Repin, Surikov, Levitan, Serov y los "Vagabundos" terminaron en la colección de Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), representante de una antigua familia de comerciantes de Moscú, era una persona inusual. Delgado y alto, con una espesa barba y una voz tranquila, parecía más un santo que un comerciante. Comenzó a coleccionar pinturas de artistas rusos en 1856. Su afición se convirtió en el principal negocio de su vida. A principios de los 90. la colección alcanzó el nivel de un museo, absorbiendo casi toda la fortuna del coleccionista. Posteriormente pasó a ser propiedad de Moscú. La Galería Tretyakov se ha convertido en un referente mundial. museo famoso Pintura, gráfica y escultura rusas.
En 1898, se inauguró el Museo Ruso en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsky (creación de K. Rossi). Recibió obras de artistas rusos del Hermitage, la Academia de las Artes y algunos palacios imperiales. La apertura de estos dos museos pareció coronar los logros de la pintura rusa del siglo XIX.

La primera mitad del siglo XIX fue una página brillante en la cultura rusa. Todas las direcciones: literatura, arquitectura, pintura de esta época están marcadas por toda una constelación de nombres que trajeron el arte ruso. fama mundial. En el siglo XVIII, el estilo clasicista dominó la pintura rusa. Papel significativo El clasicismo jugó a principios del siglo XIX. Sin embargo, hacia 1830 esta direccion está perdiendo gradualmente su importancia pública, y se está convirtiendo cada vez más en un sistema de cánones y tradiciones formales. Esta pintura tradicional se convierte en un arte frío y oficial, apoyado y controlado por la Academia de las Artes de San Petersburgo. Posteriormente, se empezó a utilizar el concepto de “academicismo” para designar el arte inerte, divorciado de la vida.
El romanticismo, un movimiento europeo que surgió a finales de los siglos XVIII y XIX, aportó novedad al arte ruso. Uno de los principales postulados del romanticismo, frente al clasicismo, es la afirmación de la personalidad de una persona, sus pensamientos y su cosmovisión como valor principal En arte. Garantizar el derecho de una persona a la independencia personal generó un interés especial por su mundo interior y, al mismo tiempo, presuponía la libertad de creatividad del artista. En Rusia, el romanticismo adquirió su propia peculiaridad: a principios de siglo tenía una connotación heroica, y durante los años de la reacción de Nicolás tuvo una connotación trágica. Al mismo tiempo, el romanticismo en Rusia siempre ha sido una forma pensamiento artístico, cercano en espíritu a sentimientos revolucionarios y amantes de la libertad.
La pintura de la primera mitad del siglo XIX adquirió una importancia mucho mayor en la vida de la sociedad que en el siglo XVIII. Desarrollo identidad nacional, provocado por la victoria en la Guerra Patria de 1812, aumentó el interés de la gente por Cultura nacional e historia, hasta talentos nacionales. Como resultado, durante el primer cuarto de siglo surgieron por primera vez organizaciones públicas cuya principal tarea era el desarrollo de las artes. Entre estas organizaciones se encontraban la Sociedad Libre de Amantes de la Literatura, las Ciencias y las Artes y la Sociedad para el Fomento de los Artistas. Aparecieron revistas especiales y se hicieron los primeros intentos de coleccionar y exhibir arte ruso. Así, el pequeño "Museo Ruso" privado de P. Svinin se hizo famoso en los círculos educados, y en 1825 se creó la Galería Rusa en el Hermitage Imperial. Desde principios de siglo, la Academia de las Artes incluía exposiciones periódicas que atraían a muchos visitantes. Al mismo tiempo, un gran logro fue la admisión a estas exposiciones en ciertos días de la gente común, lo que, sin embargo, provocó objeciones por parte de algunos. críticos de revistas. Bajo el espíritu de la época, debido al creciente interés de la sociedad por todo lo nacional, los temas educativos y papeles de graduacion en la Academia de las Artes de San Petersburgo: a los estudiantes se les empezaron a impartir temas de la vida cotidiana y los temas de la historia rusa se hicieron frecuentes.
Una de las obras famosas de principios de siglo sobre un tema histórico es el cuadro "Marfa Posadnitsa" de Dmitry Ivanovich Ivanov, pintado en 1808. El artista recurre a la historia antigua Rusia, el período de la lucha del principado de Novgorod con el creciente principado de Moscú. La pintura representa a Miroslav, que se prepara para liderar a los novgorodianos en la lucha contra Moscú, y recibe la espada de Ratmir de manos del ermitaño Teodosio Boretsky. Miroslav fue llevado al ermitaño por la hija de Teodosio, Marta, quien encabeza la oposición de Novgorod. Tanto la naturaleza de la trama como la lenguaje artístico pinturas. La falta de profundidad del espacio y el “triángulo” estable en la disposición de los personajes hacen composición artística estricto y equilibrado. Los rostros son solemnes y tranquilos, los valientes sentimientos de los héroes se expresan sólo con la ayuda de gestos. En esta imagen, como en la mayoría de las obras de D. Ivanov, predominan los tonos marrón oscuro. En general, los clasicistas asignaron al color un lugar secundario en la pintura, dando preferencia al lado gráfico de la imagen, que, en su opinión, formaba la base del cuadro. Majestuosa sencillez, armonía de formas: todo esto debe corresponder a la grandeza de los pensamientos heroicos: esto es por lo que se esforzó D. Ivanov. Sin embargo, la obra revela la abstracción propia del clasicismo y las convenciones retóricas de la imagen, perceptibles en los rostros y gestos de los personajes. Fueron estas características las que llevarían a la pintura clasicista a decaer en la segunda mitad del siglo XIX.
El retrato se caracteriza por logros destacados del arte ruso de principios del siglo XIX. A lo largo del siglo, el retrato ruso será el género pictórico que más directamente conectó a los artistas con la sociedad, con contemporáneos destacados. Después de todo, como sabes, un gran número de Los artistas recibieron pedidos de particulares específicamente para retratos.
La pintura del siglo XIX dio origen al desarrollo de tales habilidades. artistas famosos, como Vladimir Lukich Borovikovsky, Orest Adamovich Kiprensky, Alexander Osipovich Orlovsky, Vasily Andreevich Tropinin y muchos otros.