Pinturas de flores de artistas holandeses. Signos secretos de la naturaleza muerta holandesa
La naturaleza muerta holandesa también inspira a los artistas modernos; en un momento fue una especie de avance que no podía pasar desapercibido. La naturaleza muerta holandesa es interesante no sólo para los conocedores del arte, los invito a disfrutar de las pinturas y la historia.
Los bodegones holandeses tenían varias direcciones, por ejemplo, las imágenes de caza y pájaros muertos eran muy populares; pertenecían a la categoría "trofeos de caza". Ahora me parece que estos bodegones no son muy agradables de ver para los "aficionados". en cadáveres de animales, pero en el siglo XVII esto se veía de manera más simple.
Melchior de Hondecoeter "Trofeos de caza"
Otra dirección de la naturaleza muerta holandesa es “Desayuno” y “Postres”, en las pinturas se pueden ver imágenes de comida cocinada, que a menudo es más agradable; mariscos, aves y abundantes frutas.
BALTHASAR VAN DER AST “Plato con frutas y conchas” 1630 g
El movimiento más agradable de la naturaleza muerta holandesa del siglo XVII son Flores y frutas, que podrían representarse juntas en un solo cuadro; casi siempre las pinturas contienen imágenes de insectos, a menudo mariposas.
BALTHASAR VAN DER AST “Bodegón con frutas”
La naturaleza muerta holandesa tenía un significado simbólico, no era solo una imagen de productos, flores, etc. la idea principal que era característica de la naturaleza muerta holandesa de esa época era la fugacidad de todo lo terrenal y la inevitabilidad de la muerte. Con la ayuda de objetos simbólicos como: un reloj, rosas marchitas, una vela, los artistas dijeron que nada dura para siempre en este mundo. Además, algunos objetos apuntaban a hábitos condenados por la moral, como fumar en pipa, o a la intriga. a través de la escritura, instrumentos musicales, etc. Desafortunadamente, en la pintura moderna el simbolismo se pierde e incluso los expertos en pintura no pueden explicar el significado de todos los símbolos de la pintura holandesa del siglo XVII. Y en aquellos tiempos lejanos, los holandeses se reunían por las tardes. en la casa del dueño de la naturaleza muerta, la miraron y discutieron qué significa tal o cual otro símbolo: una corona de laurel descolorida, la fugacidad de la gloria, monedas, vanidad, etc.
Jan Davids de Heem 
Jan Davids de Heem
Tenga en cuenta que en las pinturas de los artistas holandeses del siglo XVII las flores parecen sacadas de la vida, pero no siempre fue así, porque las composiciones consisten en plantas que florecen y fructifican en diferentes momentos durante el período de floración de la planta. , los artistas lo pintaron cuidadosamente en diferentes condiciones de iluminación, desde diferentes ángulos, etc., este era un espacio en blanco que los artistas luego usaron repetidamente en sus naturalezas muertas. Para enriquecer sus naturalezas muertas, los artistas holandeses fueron a hacer dibujos de flores en los jardines. de famosos amantes de las flores en Ámsterdam, Bruselas, Leiden, etc.
Los bodegones florales en Holanda eran populares entre los nobles y la nobleza; casi todos los bodegones florales del siglo XVII en Holanda incluían tulipanes, en ese momento el país estaba experimentando un auge de los tulipanes. Se podía hipotecar una casa por un bulbo de tulipán raro; cultivar tulipanes se consideraba un privilegio de los aristócratas. Se conoce un caso en el que un molinero cambió su molino por un bulbo de tulipán; en aquella época los tulipanes se consideraban una buena dote. monocolor, con menos frecuencia bicolor. Ahora puedes entender por qué los tulipanes se encuentran a menudo en las naturalezas muertas de los artistas holandeses.
Jan Davids de Heem 
Jan Davids de Heem
Uno de los artistas más famosos que pintó bodegones holandeses fue Jan Davids de Heem; sus pinturas fueron muy populares. Sus pinturas se distinguían por la riqueza de colores, el realismo y un alto grado de transparencia del color.
Algunas de las naturalezas muertas holandesas más bellas de Jan Davids de Heem.
Un fenómeno cultural único XVII siglo se llama la naturaleza muerta floral holandesa, que tuvo una influencia significativa en todo el desarrollo posterior de la pintura en Europa.
Con amor y cuidado, los artistas descubrieron la belleza de la naturaleza y el mundo de las cosas, mostrando su riqueza y diversidad. Ramos de rosas, nomeolvides y tulipanes de Ambrosius Bosschaert el Viejo, quien se convirtió en el fundador de la pintura de bodegones florales como movimiento independiente, encanta y atrae la atención.
ABROSIO BOSCARTO EL ANCIANO 1573-1621
Bosschaert comenzó su carrera en Amberes en 1588. De 1593 a 1613 trabajó en Middelburg, luego en Utrecht (desde 1616) y en Breda.
En los lienzos de Bosshart, a menudo se representan mariposas o conchas junto a ramos de flores. En muchos casos, las flores se marchitan, lo que introduce un motivo alegórico de la fragilidad de la existencia en las pinturas de Bosshart ( vanitas)
Tulipanes, rosas, claveles blancos y rosados, nomeolvides y otras flores en un jarrón.
A primera vista, los ramos parecen pintados de la naturaleza, pero tras una inspección más cercana resulta evidente que están formados por plantas que florecen en diferentes épocas. La impresión de naturalidad y verosimilitud surge del hecho de que las imágenes de colores individuales se basan en "estudios" naturales individuales.
Un fragmento ampliado de un boceto de Jan Van Huysum, que se conserva en el Met.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Sered. siglo 17
Este era el método de trabajo habitual de los pintores de bodegones florales. Los artistas hicieron cuidadosos dibujos en acuarela y gouache, dibujando flores del natural, desde diferentes ángulos y bajo diferente iluminación, y estos dibujos luego les sirvieron repetidamente: los repitieron en pinturas.
Jacob Morrel. "Dos tulipanes"
También se utilizaron como material de trabajo dibujos de otros artistas, grabados de colecciones impresas y atlas botánicos.
Los clientes, nobles y burgueses, apreciaban en los bodegones que las flores representadas eran “como si estuvieran vivas”. Pero estas imágenes no eran naturalistas. Son románticos y poéticos. La naturaleza en ellos se transforma mediante la pintura.
Naturaleza muerta con flores en un jarrón. 1619
Se crearon “retratos” de flores, pintados sobre pergamino con acuarela y gouache, para álbumes florísticos en los que los jardineros buscaban inmortalizar plantas extrañas. Las imágenes de tulipanes son especialmente numerosas. Casi todos los bodegones holandeses contienen tulipanes.
Ambrosius Bosshart "Flores en un jarrón" 1619.Rijksmuseum, Ámsterdam.
En el siglo 17 En Holanda hubo un verdadero boom de tulipanes; a veces se hipotecaba una casa por un bulbo de tulipán raro.
Los tulipanes llegaron a Europa en 1554. Fueron enviados a Augsburgo por el embajador alemán ante la corte turca, Busbeck. Durante sus viajes por el país quedó fascinado al ver estas delicadas flores.
Pronto los tulipanes se extendieron a Francia, Inglaterra, Alemania y Holanda. Los propietarios de bulbos de tulipán en aquellos días eran personas verdaderamente ricas: personas de sangre real o personas cercanas a ellos. En Versalles se celebraron celebraciones especiales en honor al desarrollo de nuevas variedades.
Naturaleza muerta con flores.
No sólo los nobles holandeses, sino también los burgueses comunes y corrientes podían permitirse el lujo de poseer hermosas naturalezas muertas.
El número de bodegones de flores holandeses es enorme, pero esto no resta valor artístico. Después de las subastas, cuando la situación económica de Holanda dejó de ser brillante, las pintorescas colecciones de las casas de los burgueses terminaron en los palacios de los nobles y reyes europeos.
Ramo de flores 1920
En el centro de este ramo vemos un azafrán, pero es enorme. Un poco de información sobre esta flor que nos resulta familiar.
El azafrán es una planta medicinal, afrodisíaca y colorante. De sus estambres se obtiene una excelente especia: el azafrán, que se añade a los dulces orientales. El lugar de nacimiento del azafrán es Grecia y Asia Menor. Al igual que los jacintos y los lirios, el azafrán se convirtió en un héroe de los mitos de los antiguos griegos y aparecía representado en las pinturas palaciegas.
Según una antigua leyenda, la tierra se cubrió de jacintos y azafranes para la boda y la primera noche de bodas de Hera y Zeus.
Otra leyenda describe la historia de un joven llamado Crocus, quien con su belleza atrajo la atención de una ninfa, pero permaneció indiferente ante su belleza. Entonces la diosa Afrodita convirtió al joven en flor y a la ninfa en enredadera, creando así una unión inseparable.
Flores en un jarrón de cristal.
El deseo de los artistas de diversificar la composición de sus ramos los obligó a viajar a diferentes ciudades y realizar dibujos a escala real en los jardines de los amantes de las flores en Amsterdam, Utrecht, Bruselas, Haarlem y Leiden. Los artistas también tuvieron que esperar el cambio de estación para capturar la flor deseada.
Flores. 1619
Flores en un jarrón chino.
Flores en una canasta.
Naturaleza muerta con flores en una hornacina.
Flores en un nicho.
En los bodegones de frutas y flores, una combinación aparentemente aleatoria de representantes de la flora y la fauna aparentemente no relacionados encarnaban indirectamente ideas sobre la pecaminosidad perecedera de todas las cosas terrenales y, por el contrario, la incorruptibilidad de la verdadera virtud cristiana.
Casi todos los "personajes" de la naturaleza muerta en un lenguaje complejo de símbolos denotaban una idea determinada: la mortalidad de todo lo terrenal (por ejemplo, un lagarto o un caracol), la estúpida pecaminosidad y fragilidad de la vida humana, que un tulipán, en particular, podría simbolizar.
Flores en un jarrón de cristal.1606
Según las ideas de los flamencos y los holandeses, esta delicada flor no sólo era la encarnación visible de una belleza que se desvanecía rápidamente, sino que su cultivo también era percibido por muchos como una de las profesiones más vanas y egoístas);
Las conchas exóticas de ultramar, que alguna vez fueron un objeto de colección de moda, insinuaban un gasto imprudente de dinero; un mono con un melocotón ha sido considerado tradicionalmente un símbolo del pecado original.
Bodegón con flores en una botella de vidrio verde.
Por otro lado, una mosca sobre el mismo melocotón o rosa solía evocar asociaciones con el simbolismo de la muerte, el mal y el pecado; uvas y nueces rotas - insinúan la Caída y, al mismo tiempo, el sacrificio expiatorio de Cristo en la cruz, bayas rojas de cerezas maduras - símbolo del amor divino, mientras que una mariposa revoloteando personifica el alma salvada de los justos.
Cesta.
La dirección artística de Ambrosius Bosschaert continuó siendo desarrollada por sus tres hijos: Ambrosius Bosschaert el Joven, Abraham Bosschaert y Johannes Bosschaert, así como por su yerno Balthasar van der Ast. Sus obras, en general bastante numerosas, son invariablemente. muy demandado en las subastas de arte.
Fuentes.
A pesar de que el nombre del género traducido del francés significa "naturaleza muerta". ¿Por qué, en boca de los holandeses, las composiciones de objetos inanimados, expuestos con colores vivos sobre lienzos, significaban vida? Sí, estas imágenes eran tan brillantes, fiables y expresivas que incluso los conocedores más inexpertos admiraron el realismo y la tangibilidad de los detalles. Pero no es sólo eso.
La naturaleza muerta holandesa es un intento de hablar de cuán vivo y cercano está cada objeto, cada partícula de este mundo está entretejida en el complejo mundo del hombre y participa en él. Los maestros holandeses crearon composiciones ingeniosas y pudieron representar con tanta precisión la forma, los matices de color, el volumen y la textura de los objetos que parecían almacenar la dinámica de las acciones humanas. Aquí hay una pluma que aún no se ha enfriado de la mano del poeta con una brillante gota de tinta, aquí hay una granada cortada, goteando jugo de rubí, y aquí hay un pan mordido y arrojado sobre una servilleta arrugada... Y al mismo tiempo, es una invitación a admirar y disfrutar encantadamente el esplendor y la diversidad de la naturaleza.
Temas e imágenes pintorescas.
La naturaleza muerta holandesa es inagotable en su abundancia de temas. Algunos pintores compartían la pasión por las flores y las frutas, otros se especializaban en la tosca verosimilitud de los trozos de carne y pescado, otros creaban con amor utensilios de cocina sobre lienzo y otros se dedicaban al tema de la ciencia y el arte.
La naturaleza muerta holandesa de principios del siglo XVII se distingue por su compromiso con el simbolismo. Los objetos tienen un lugar y un significado estrictamente definidos. La manzana en el centro de la imagen cuenta la historia de la caída del primer hombre, mientras que el racimo de uvas que la cubre cuenta la historia del sacrificio expiatorio de Cristo. Una concha vacía, que una vez sirvió de hogar para un molusco marino, habla de la fragilidad de la vida, las flores caídas y secas, de la muerte, y una mariposa revoloteando fuera de un capullo presagia la resurrección y la renovación. Balthasar Ast escribe de esta manera.
Los artistas de la nueva generación han propuesto una naturaleza muerta holandesa ligeramente diferente. La pintura “respira” con el encanto esquivo que se esconde en las cosas ordinarias. Un vaso medio lleno, platos esparcidos sobre la mesa, frutas, un pastel cortado: la autenticidad de los detalles se transmite perfectamente mediante el color, la luz, las sombras, las luces y los reflejos, asociados de manera convincente con la textura de la tela, la plata, el vidrio y alimento. Estas son las pinturas de Pieter Claes Heda.
A principios del siglo XVIII, la naturaleza muerta holandesa gravitaba hacia una impresionante estética del detalle. Aquí reinan los elegantes cuencos de porcelana con dorados, las copas hechas de conchas intrincadamente rizadas y las frutas exquisitamente dispuestas en un plato. Es imposible mirar los lienzos de Willem Kalf o Abraham van Beyeren sin descolorarse. El holandés, capturado de la mano de un maestro, se está generalizando inusualmente, habla un lenguaje especial y sensual e imparte armonía y ritmo a la pintura. Las líneas, tejidos y matices de tallos, capullos e inflorescencias abiertas presentes en la naturaleza muerta parecen crear una sinfonía compleja, que obliga al espectador no solo a admirar, sino también a experimentar con entusiasmo la incomprensible belleza del mundo.
Hoy conoceremos a uno de los mejores maestros del bodegón de lujo holandés, WILLEM KALF 1619-1693.
Willem Kalf fue el sexto hijo de la familia de un rico comerciante de telas de Rotterdam y miembro del ayuntamiento de la ciudad. El padre de Willem murió en 1625, cuando el niño tenía 6 años. La madre continuó el negocio familiar, pero sin mucho éxito.
No hay información sobre con qué artista estudió Kalf; quizás su maestro fue Hendrik Poth de Haarlem, donde vivían los familiares de los Kalf. Poco antes de la muerte de su madre en 1638, Willem abandonó su ciudad natal y se mudó a La Haya, y luego en 1640-41. se instaló en París.
Allí, gracias a su " interiores campesinos", escrito en la tradición flamenca, cercano a la obra de David Teniers y otros artistas del siglo XVII, Kalf rápidamente ganó reconocimiento.
En sus interiores rústicos, las figuras humanas estaban más en segundo plano y toda la atención del espectador se concentraba en frutas, verduras y diversos artículos del hogar bien iluminados, coloridos y artísticamente dispuestos.
Aquí creó una nueva forma de naturaleza muerta ingeniosamente agrupada con objetos caros y ricamente decorados (principalmente botellas, platos, vasos) hechos de materiales que reflejan la luz: oro, plata, estaño o vidrio. La habilidad de este artista alcanzó su punto máximo en el período de Amsterdam de su trabajo en el fascinante " BODEGÓN DE LUJO»
Naturaleza muerta con un cuerno para beber perteneciente al gremio de arqueros de San Sebastián, una langosta y vasos - Willem Kalf. Alrededor de 1653.
Esta naturaleza muerta es una de las más famosas.
Fue creado en 1565 para el gremio de arqueros de Ámsterdam. Cuando el artista trabajó en esta naturaleza muerta, el cuerno todavía se utilizaba durante las reuniones del gremio.
Esta maravillosa vasija está hecha de cuerno de búfalo, el cierre es de plata, si miras de cerca, puedes ver figuras en miniatura de personas en el diseño del cuerno; esta escena nos habla del sufrimiento de San Pedro. Sebastián, patrón de los arqueros.
La tradición de añadir limón pelado al vino del Rin surgió del hecho de que los holandeses consideraban este tipo de vino demasiado dulce.
La langosta, el cuerno de vino con su brillante borde de filigrana plateada, los vasos transparentes, el limón y la alfombra turca están representados con un cuidado tan sorprendente que da la ilusión de que son reales y se pueden tocar con la mano.
La ubicación de cada elemento se elige con tal cuidado que el grupo en su conjunto forme una armonía de color, forma y textura. La cálida luz que envuelve los objetos les confiere la dignidad de joyas preciosas, y su rareza, esplendor y fantasía reflejan los gustos refinados de los coleccionistas holandeses del siglo XVII, una época en la que las naturalezas muertas eran extremadamente populares.
Bodegón con jarra y fruta. 1660
En 1646, Willem Kalf regresó por algún tiempo a Rotterdam, luego se mudó a Amsterdam y Hoorn, donde en 1651 se casó. Cornelia Plouvier, hija de un ministro protestante.
Cornelia era una famosa calígrafa y poetisa, era amiga de Constantijn Huygens, el secretario personal de los tres estatúderes de la joven República Holandesa, un poeta respetado y probablemente el experto más experimentado en las artes teatrales y musicales mundiales de su tiempo.
En 1653, la pareja se mudó a Ámsterdam, donde tuvieron cuatro hijos. A pesar de su riqueza, Kalf nunca adquirió su propia casa.
Naturaleza muerta con tetera.
Durante la época de Amsterdam, Kalf empezó a incluir objetos exóticos en sus perfectas naturalezas muertas: jarrones chinos, conchas y frutas tropicales nunca vistas hasta entonces: naranjas y limones a medio pelar. Estos artículos fueron traídos a los Países Bajos desde América; eran objetos de prestigio favoritos para los burgueses ricos, que hacían alarde de su riqueza.
Bodegón con nautilus y cuenco chino.
Los holandeses amaban y entendían un buen interior, una mesa cómoda, donde todo lo necesario estaba a mano, utensilios convenientes, en el mundo material que rodea a una persona.
En el centro vemos una elegante copa de nautilo hecha de una concha, así como un hermoso jarrón chino. En el exterior está decorado con ocho figuras en relieve, que personifican a los ocho inmortales en el taoísmo, el cono de la tapa es el contorno de un. León budista.
Este bodegón se complementa con una alfombra persa tradicional de Kalfa y un limón con una fina espiral de piel.
La pirámide de objetos se ahoga en la bruma del crepúsculo, a veces sólo los reflejos de la luz indican la forma de las cosas. La naturaleza creó una concha, un artesano la convirtió en una copa, un artista pintó una naturaleza muerta y nosotros disfrutamos de toda esta belleza. Después de todo, poder ver la belleza también es un talento.
Bodegón con copa de cristal y fruta 1655.
Como todas las naturalezas muertas de esa época, las creaciones de Kalf tenían como objetivo expresar la idea iconográfica de la fragilidad: "memento mori" ("recordar la muerte"), para servir como una advertencia de que todas las cosas, vivas e inanimadas, son en última instancia transitorias.
Bodegón con frutas y copa nautilus.1660g
Para Kalf, sin embargo, había algo más importante. Toda su vida tuvo un gran interés por el juego de luces y efectos de luz sobre diversos materiales, desde la textura de las alfombras de lana, el brillo de los objetos metálicos de oro, plata o estaño, el suave resplandor de la porcelana y los colores. conchas y terminando con el misterioso brillo de los bordes de los más bellos vasos y jarrones de estilo veneciano.
Naturaleza muerta con sopera china.
Postre. Ermita.
Antes de ingresar al Hermitage en 1915, el cuadro "Postre" formaba parte de la colección del famoso geógrafo y viajero ruso P. P. Semenov-Tyan-Shansky, un gran conocedor y amante del arte holandés y flamenco.
Un brillante rayo de luz arranca de la penumbra un frutero, un melocotón sobre una bandeja de plata y un mantel blanco arrugado. Las copas de cristal y de plata todavía reflejan la luz, y la fina copa flauta llena de vino casi se funde con el fondo.
El artista transmite magistralmente la textura de cada objeto: un vaso, un plato de loza pintado, una copa dorada, una alfombra oriental, una servilleta blanca como la nieve. En la imagen se puede sentir la fuerte influencia que la pintura de Rembrandt tuvo en Kalfa: los objetos se muestran sobre un fondo oscuro, la luz brillante parece revivirlos, envolviéndolos en la calidez de los rayos dorados.
Naturaleza muerta con jarrón de porcelana, aguamanil de plata dorada y vasos
Bodegón Pronk con cuenco Holbein, copa Nautilus, copa de cristal y frutero
La composición de las naturalezas muertas de Kalf, pensada hasta el más mínimo detalle, está garantizada no sólo por reglas específicas, sino también por una dirección única y compleja.Luz.
Objetos de valor (copas cortadas, a menudo medio llenas de vino) aparecen gradualmente desde la oscuridad del fondo, después de un tiempo. A menudo, su forma sólo se adivina sorprendentemente por el reflejo de los rayos de luz. Nadie, excepto Kalf, logró mostrar de forma tan realista la luz que penetra a través del caparazón del nautilo. Con toda razón, a Kalf se le llama el “Vermeer de la pintura de naturalezas muertas”, y en algunos lugares lo superó.
Desde 1663, Kalf escribió menos, se dedicó al comercio del arte y se convirtió en un cotizado experto en arte.
Willem Kalf murió a la edad de 74 años, herido en una caída cuando regresaba de una visita.
Gracias a sus habilidades visuales únicas, junto con su excelente educación y amplio conocimiento de las ciencias naturales, amplió significativamente las posibilidades ilusionistas de la naturaleza muerta. Sus creaciones son ejemplos insuperables de este arte.
Willem Claes Hedda. Naturaleza muerta con pastel, 1627
La época “dorada” de la naturaleza muerta fue el siglo XVII, cuando finalmente tomó forma como un género pictórico independiente, especialmente en las obras de artistas holandeses y flamencos. Al mismo tiempo, el término “vida tranquila y congelada” (stilleven holandés, stilleben alemán, still-life inglés) parecía referirse a naturalezas muertas. Los primeros "stillevens" tenían una trama simple, pero incluso entonces los objetos representados en ellos también tenían una carga semántica: pan, una copa de vino, pescado - símbolos de Cristo, un cuchillo - símbolo del sacrificio, limón - símbolo de sed insaciada; nueces con cáscara: un alma encadenada por el pecado; la manzana recuerda al otoño.
Poco a poco, el lenguaje simbólico del cuadro se fue enriqueciendo.
Franciscus Geysbrechts, siglo XVII.
Los símbolos encontrados en los lienzos pretendían recordarnos la fragilidad de la vida humana y la fugacidad de los placeres y logros:
La calavera es un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte.
Las frutas podridas son un símbolo del envejecimiento.
Los frutos maduros simbolizan fertilidad, abundancia, en sentido figurado riqueza y prosperidad.
Varias frutas tienen su propio significado: el Otoño está representado por las peras, los tomates, los cítricos, las uvas, los melocotones y las cerezas y, por supuesto, la manzana. Los higos, ciruelas, cerezas, manzanas o melocotones tienen connotaciones eróticas.
Los brotes de grano, las ramas de hiedra o laurel (raramente) son un símbolo del renacimiento y del ciclo de la vida.
Conchas marinas, a veces caracoles vivos: una concha de molusco son los restos de un animal que alguna vez estuvo vivo y significa muerte y mortalidad;
El caracol rastrero es la personificación del pecado mortal de la pereza.
Las almejas grandes denotan dualidad de la naturaleza, símbolo de la lujuria, otro de los pecados capitales.
Pompas de jabón: la brevedad de la vida y lo repentino de la muerte; una referencia a la expresión homo bulla - "una persona es una pompa de jabón".
Una vela moribunda y humeante (ceniza) o una lámpara de aceite; gorro para apagar velas: una vela encendida es un símbolo del alma humana, su extinción simboliza la partida.
Las tazas, los naipes o los dados, el ajedrez (rara vez) son un signo de un objetivo de vida erróneo, una búsqueda de placer y una vida pecaminosa. La igualdad de oportunidades en el juego también significaba un anonimato reprobable.
Una pipa para fumar es un símbolo de placeres terrenales fugaces y esquivos.
Una máscara de carnaval es señal de la ausencia de una persona en su interior. También destinado a mascaradas festivas, placer irresponsable.
Espejos, bolas de vidrio (espejos): un espejo es un símbolo de vanidad, además, también es un signo de reflejo, sombra y no un fenómeno real.
Beyeren. Bodegón con langosta, 1667
Platos rotos, normalmente vasos de cristal. Un vaso vacío frente a uno lleno simboliza la muerte.
El vidrio simboliza la fragilidad, la porcelana blanca como la nieve simboliza la pureza.
El mortero y la maja son símbolos de la sexualidad masculina y femenina.
La botella es un símbolo del pecado de la embriaguez.
Un cuchillo nos recuerda la vulnerabilidad y la mortalidad humanas.
Relojes de arena y relojes mecánicos: la fugacidad del tiempo.
Instrumentos musicales, notas: la brevedad y la naturaleza efímera de la vida, símbolo de las artes.
Libros y mapas geográficos (mappa mundi), un bolígrafo es un símbolo de la ciencia. El globo, tanto la tierra como el cielo estrellado.
Una paleta con borlas y una corona de laurel (normalmente en la cabeza de una calavera) son símbolos de la pintura y la poesía.
Las letras simbolizan las relaciones humanas.
Los instrumentos médicos son un recordatorio de las enfermedades y la fragilidad del cuerpo humano.
Carteras con monedas, cajas con joyas: las joyas y los cosméticos están destinados a crear belleza, atractivo femenino, al mismo tiempo que se asocian con la vanidad, el narcisismo y el pecado mortal de la arrogancia. También señalan la ausencia de sus dueños en la lona.
Las armas y armaduras son un símbolo de poder y poder, una designación de lo que no puedes llevarte a la tumba.
Coronas y tiaras papales, cetros y orbes, coronas de hojas son signos de una dominación terrena transitoria, que se opone al orden mundial celestial. Como máscaras, simbolizan la ausencia de quienes las llevaban.
Llaves: simbolizan el poder del ama de casa que gestiona los suministros.
Las ruinas simbolizan la vida transitoria de quienes alguna vez las habitaron.
Las naturalezas muertas a menudo representaban insectos, pájaros y animales. Las moscas y las arañas, por ejemplo, eran consideradas símbolos de tacañería y maldad, mientras que las lagartijas y las serpientes eran símbolos del engaño. Los cangrejos de río o las langostas representaban la adversidad o la sabiduría.
Jacques André Joseph Aved. Alrededor de 1670.
El libro es la tragedia de Sófocles "Electra"; en este caso, el símbolo tiene múltiples valores. Al colocarlo en la composición, el artista recuerda la inevitabilidad de la retribución por cada crimen, no en la tierra, sino en el cielo, ya que es precisamente este pensamiento el que impregna la tragedia. El motivo antiguo de estas naturalezas muertas simbolizaba a menudo la continuidad del arte. En la portada está el nombre del traductor, el famoso poeta holandés Joost van den Vondel, cuyas obras sobre temas antiguos y bíblicos eran tan actuales que incluso fue perseguido. Es poco probable que el artista haya colocado a Vondel por casualidad; es posible que, hablando de la vanidad del mundo, decidiera mencionar la vanidad del poder.
La espada y el casco son el emblema de la gloria militar transitoria.
El penacho blanco y rojo es el centro compositivo del cuadro. Las plumas siempre significan vanidad y vanidad. La pintura está fechada basándose en el casco emplumado. Lodewijk van der Helst lo representó con ese casco en su retrato póstumo del almirante Stirlingwerf en 1670. El casco del almirante está presente en varias naturalezas muertas más de van Streck.
Retrato de una sanguínea. A diferencia del óleo, la sanguina está muy mal conservada, al igual que el papel, a diferencia del lienzo. Esta lámina habla de la inutilidad de los esfuerzos del artista; los bordes deshilachados y rasgados pretenden reforzar esta idea.
La franja dorada es la vanidad del lujo.
La calavera es un atributo de Kronos (Saturno) en la cultura antigua, es decir, un símbolo del tiempo. La Rueda de la Fortuna también estaba representada con una calavera. Para los cristianos, es un signo de vanidad mundana, de contemplación mental de la muerte, un atributo de la vida de un ermitaño. Junto a él estaban representados San Francisco de Asís, San Jerónimo, María Magdalena y el apóstol Pablo. La calavera es también un símbolo de la vida eterna de Cristo, crucificado en el Gólgota, donde, según la leyenda, fue enterrada la calavera de Adán. La oreja envuelta alrededor del cráneo es un símbolo de la inmortalidad del alma (“Yo soy el pan de vida” - Juan 6:48), esperanza de vida eterna.
Un montón de papeles viejos es la vanidad del conocimiento.
Un cuerno de pólvora colgado de una cadena es un tema muy característico de la naturaleza muerta holandesa. Aquí, aparentemente, debería interpretarse como algo que trae la muerte, en contraste con la cornucopia.
Adrian van Utrecht."Vanitas". 1642.
lirios del valle, violetas, nomeolvides rodeados de rosas, claveles, anémonas, símbolos de modestia y pureza;
una gran flor en el centro de la composición es la “corona de la virtud”;
los pétalos desmenuzados cerca del jarrón son signos de fragilidad;
una flor marchita es un indicio de la desaparición de los sentimientos;
los lirios son un signo de la Virgen María;
las rosas blancas son amor platónico y símbolo de pureza;
las rosas rojas son símbolo del amor apasionado y símbolo de la Virgen María;
las flores rojas son un símbolo del sacrificio expiatorio de Cristo;
El lirio blanco no sólo es una hermosa flor, sino también un símbolo de la pureza de la Virgen María;
las flores azules y azul oscuro recuerdan el cielo azul;
el cardo es un símbolo del mal;
clavel: símbolo de la sangre derramada de Cristo;
amapola: una alegoría del sueño, el olvido, un símbolo de uno de los pecados capitales: la pereza;
anémona - ayuda en caso de enfermedad;
los tulipanes son un símbolo de una belleza que desaparece rápidamente; el cultivo de estas flores se consideraba una de las actividades más vanas e inútiles; el tulipán también simboliza el amor, la simpatía y la comprensión mutua; un tulipán blanco es un amor falso, un tulipán rojo es un amor apasionado (en Europa y América, el tulipán se asocia con la primavera, la luz, la vida, los colores y se considera una flor acogedora y acogedora). ; en Irán, Turquía y otros países de Oriente, el tulipán se asocia a sentimientos de amor y erotismo).
