Análisis de la obra desde el punto de vista del género. Análisis del sistema de arte Análisis de una obra de arte ejemplo.
Este plan será necesario durante todo el año, incluso para los talleres en el museo.
1. Introducción
2. Descripción y análisis de la obra
En cada una de las subpartes se traza una relación entre la técnica formal y la imagen.. Cuando comparaciones la descripción y el análisis proceden de forma secuencial (el segundo trabajo se compara con el primero) o en paralelo.
- tamaño
- formato (alargado vertical y horizontalmente, cuadrado, ovalado, redondo, relación imagen-formato)
- esquemas geométricos
- principales líneas compositivas
- equilibrio, la relación de las partes de la imagen entre sí y con el todo,
- secuencia de visualización
- Perspectiva, puntos de fuga
- planitud y profundidad
- planos espaciales
- la distancia entre el espectador y la obra, el lugar del espectador en el espacio de la imagen o fuera de ella
- punto de vista y presencia de ángulos, línea del horizonte
- volumen y plano
- línea, silueta
- fuentes de luz, hora del día, efectos de iluminación.
- impacto emocional de la luz y la sombra
- predominio de coloración tonal o local
- color cálido o frío
- linealidad o pintoresquismo
- Principales manchas de color, sus relaciones y su papel en la composición.
- tono, valores
- reflejos
- impacto emocional del color
- carácter del trazo (textura abierta, textura suave)
- dirección de los trazos
- tamaño de trazo
- acristalamiento
3. Conclusión
Repetición de las principales conclusiones sobre imagen, significado de la obra.
ANÁLISIS DE OBRAS
ARTES VISUALES
Anzhero - Súdzhensk
DEPARTAMENTO DE EDUCACIÓN Y CIENCIA DE LA REGIÓN DE KEMEROVSK
GOU SPO ANZHERO - COLEGIO PEDAGÓGICO SUJENSKY
ANÁLISIS DE OBRAS
ARTES VISUALES
Consejo de la Institución Educativa Estatal de Educación Secundaria Profesional Anzhero -
"____" ____________ 2009
Presidente de RIS
Crítico:
Enseñando
GOU SPO Anzhero - Colegio Pedagógico Sudzhensky.
Análisis de obras de bellas artes: recomendaciones metodológicas. – Anzhero – Sudzhensk: Institución educativa estatal de educación secundaria profesional Anzhero – Colegio Pedagógico de Sudzhensk, 2009 – p.
Este desarrollo metodológico abarca cuestiones relacionadas con el análisis de obras de arte.
Sus ventajas incluyen la presencia de una aplicación que contiene planes y algoritmos para analizar obras de arte.
©GOU SPO Anzhero-Sudzhensky
colegio de formación de profesores
|
Introducción…..…………………………………………………….. | ||
|
Fundamentos metodológicos para el análisis de obras de bellas artes………………………………………………………….. | ||
|
Literatura……………………………………………………….. | ||
|
Solicitud ………………………………………………………… |
INTRODUCCIÓN
Cómo miramos el mundo
Antes de hablar de analizar obras de arte, pensemos en por qué también se les llama visuales y para qué están destinadas realmente. “¡Para acariciar la mirada, para los ojos!” - dirás y tendrás razón, aunque si hablamos de arquitectura y diseño, entonces pueden acariciar no solo la vista, sino también el cuerpo. Las artes visuales se centran en la percepción visual. Exploremos esta capacidad nuestra de ver.
Entonces, una persona común mira con dos ojos, en cada ojo hay un centro óptico, el punto desde donde se ve más claramente la imagen de los objetos circundantes. Esto significa que nuestra visión tiene dos enfoques. Hagamos un experimento: tome una hoja de papel, haga un pequeño agujero en ella e intente, con el brazo extendido, mirar a través de este agujero hacia un punto distante de la pared (por ejemplo, un interruptor). Sin mover las manos, cerraremos alternativamente los ojos derecho e izquierdo; la imagen del interruptor en el agujero desaparecerá o aparecerá nuevamente. ¿Qué significaría eso?
En el aparato visual humano, solo funciona un foco: el ojo derecho o el izquierdo (dependiendo de qué ojo sea el principal: si la imagen desapareció cuando se cerró el ojo derecho, entonces es el principal, y si el ojo izquierdo es el ojo principal), luego el ojo izquierdo principal. Un ojo ve "de verdad" y el otro realiza una función auxiliar: "espía", ayuda al cerebro a completar la imagen.
Mire atentamente a su interlocutor durante una conversación general. Tu visión fija su ojo derecho (para ti estará en el izquierdo) y claramente solo lo ves a él. El resto de la imagen del interlocutor se va borrando poco a poco desde el centro (desde su ojo derecho) hacia la periferia. ¿Qué significa? El cristalino de nuestro ojo, el cristalino, está dispuesto en forma de esfera. Y la imagen siempre será borrosa en los bordes: el objeto se refleja claramente sólo en un único punto focal. Cuanto más lejos del foco, más borrosa será la imagen.
Está claro que con tales “patéticas posibilidades” de visión, el espacio, la forma de los objetos e incluso los colores están sujetos a una distorsión natural. La paradoja es que no vemos la mayoría de los objetos sino que pensamos, sin ser completamente conscientes de los mecanismos de nuestra visión. Y dado que nuestra visión se entrena imperceptiblemente en el espacio cultural de la sociedad (y durante los últimos seiscientos años esta formación se ha producido principalmente en las perspectivas lineales directas de los clásicos), entonces cosas tan simples que se les ocurren a los fisiólogos o artistas. Y seguimos pensando que el límite del realismo en la imagen está en las obras de los Itinerantes y no en las pinturas de Cézanne.
Llegamos así al tema del análisis de obras de bellas artes. Hay dos maneras de percibir las bellas artes: una a través del corazón y la otra a través de la mente. Esta es la base metodológica para comprender todo el arte.
BASE METODOLÓGICA PARA EL ANÁLISIS DE OBRAS DE BELLAS ARTES
Quienes se enfrentan por primera vez al análisis de cualquier obra de arte tienen casi inmediatamente preguntas lógicas: “¿Es necesario el análisis en el arte? ¿No mata esto la percepción viva, inmediata y emocional del arte? Es necesario si se realiza correctamente.
Un análisis claro no interfiere con el arte emocional, pero ayuda a revelar nuevos aspectos de la obra, mostrando el significado más profundo. Para ello, el análisis no debe detenerse en una simple afirmación de la presencia de un objeto o personaje en el lienzo, en volver a contar la trama, sino ir más allá (o profundizar) en el significado de la imagen.
Pero el significado se expresa a través de una forma externa. En una obra no se nos da directamente un significado, sino sólo una determinada forma. Y debemos “leerlo”, ver el significado que hay detrás. Además, el artista construye la forma de sus obras para que exprese mejor el significado que necesita.
Cada obra de arte tiene varios niveles. Estos son los niveles emocional, temático, argumental, simbólico y el nivel de la estructura interna (microcircuito) de la obra.. Nuestra percepción del arte comienza con las emociones.
Nivel emocional.
Lo primero que “captamos” es la estructura emocional de la obra. Es solemne o lírico, nos resulta divertido o triste. Si el trabajo no nos ha tocado emocionalmente, entonces no se realizarán más análisis.! Por tanto, es muy útil al inicio del análisis intentar captar las emociones que nacen de la comunicación con la obra. Esto es tanto más necesario cuando el trabajo se conoce desde hace mucho tiempo. Después de todo, involuntariamente recordamos esas "viejas" emociones que una vez evocó en nosotros la pintura. Pero ahora somos diferentes, lo que significa que nuestra percepción es diferente. Y ahora tendremos diferentes emociones por una obra antigua y conocida desde hace mucho tiempo. Y al inicio del análisis, es muy útil que los alumnos hagan una pregunta sobre la primera impresión que genera la imagen.
Además, esta primera impresión debe preservarse y respaldarse de todas las formas posibles durante todo el análisis. A menudo es esta primera impresión emocional la que verifica la exactitud de las conclusiones analíticas. Poco a poco, durante el proceso de análisis, se verifica la veracidad de las conclusiones analíticas. Poco a poco, en el proceso de análisis, comenzamos a ver cómo el artista logra tal o cual impresión emocional.
El final del análisis también debe ser emotivo. Al final, no sólo es útil, sino simplemente necesario, volver una vez más a la impresión emocional holística. Sólo que ahora la emoción está respaldada por el conocimiento del significado.
Ejemplos de preguntas para analizar una obra a nivel emocional.
1. ¿Qué impresión produce la obra?
3. ¿Qué sensaciones puede experimentar un visitante (arquitectura)?
4. ¿Cuál es la naturaleza del trabajo?
5. ¿Cómo contribuyen a la impresión emocional la escala de la obra, el formato, la disposición vertical, horizontal o diagonal de las piezas, el uso de formas arquitectónicas, el uso de colores en la imagen y la distribución de la luz?
Nivel de materia.
Refleja lo que se representa directamente. Es a partir de este nivel que comienza directamente el análisis. Cualquier objeto, cualquier personaje o fenómeno es sumamente significativo. No hay cosas aleatorias en las pinturas de los buenos artistas. Por lo tanto, incluso una simple lista de lo que se encuentra en el lienzo ya te hace pensar.
Y aquí a menudo nos encontramos con dificultades.
La atención humana es selectiva y durante bastante tiempo es posible que no notemos ningún detalle importante en el lienzo. Sí, y las cosas históricas a veces cambian hasta quedar irreconocibles. O un traje, que en cualquier época le dice mucho a un contemporáneo sobre una persona; después de todo, es toda una enciclopedia no solo de la vida exterior, sino también de la moral, el carácter y los objetivos de la vida.
Por lo tanto, es necesario establecer como regla comenzar a "leer" una imagen, aclarando cuidadosamente el significado y el propósito de todo lo que se coloca en ella. El mundo objetivo de la imagen son las palabras que componen el "texto que se nos ha dado".
Ya en este nivel, al comienzo de nuestro conocimiento del mundo objetivo de la imagen, notamos muy rápidamente que todos los objetos y rostros no están dispersos caóticamente en el lienzo, sino que forman una especie de unidad. E involuntariamente comenzamos a comprender esta unidad haciendo El primer paso para pintar la composición.. Finalmente lo dominaremos al final. Pero es necesario empezar a notar las características individuales de inmediato. Como regla general, resulta inmediatamente obvio que los elementos más importantes forman formas simples y claras (triángulo, círculo, pirámide, cuadrado...). Estas formas no son elegidas arbitrariamente por el artista; crean una cierta estructura emocional. El círculo y el óvalo son relajantes y completos. Un cuadrado o un rectángulo acostado crea una sensación de estabilidad e inviolabilidad. La pirámide y el triángulo dan al espectador una sensación de aspiración. En esta etapa del análisis, lo principal y lo secundario en la imagen se distinguen fácilmente.
Un objeto separado, un color separado, un trazo separado no ayudan a entender el significado. Sólo sus proporciones son significativas. A través de la relación de colores, sonidos, temas, objetos, volúmenes, es necesario poder “leer” el significado de la obra.
Oposiciones contrastantes, el predominio del movimiento o reposo en el lienzo, la relación entre el fondo y las figuras: todo esto ya se observa en esta etapa del análisis. Aquí notamos que la transmisión del movimiento es un espacio libre diagonal frente a un objeto, una imagen del clímax del movimiento, patrones asimétricos; y la transferencia del descanso es la ausencia de diagonales, espacio libre frente al objeto, poses estáticas, patrones simétricos. Pero todo esto sólo se está anotando por ahora. El verdadero significado de las características de la composición lo adquiriremos sólo al final del análisis.
Ejemplos de preguntas para analizar una obra de arte a nivel de asignatura.
1. ¿Qué (o quién) se muestra en la imagen?
2. ¿Qué ve el visitante frente a la fachada? ¿En interiores?
3. ¿A quién ves en la escultura?
4. ¿Destaca lo principal de lo que viste?
5. Intente explicar por qué esto le parece importante.
6. ¿Con qué medios un artista o arquitecto resalta lo principal?
7. ¿Cómo están dispuestos los objetos en la obra (composición temática)?
8. ¿Cómo se comparan los colores en la obra (composición de colores)?
9. ¿Cómo se comparan los volúmenes y los espacios en una estructura arquitectónica?
Nivel de trama.
Me gustaría advertir inmediatamente sobre el peligro que muy a menudo advierten los investigadores. Este es el deseo de reemplazar la trama presentada por el artista en el lienzo con una trama conocida de la historia, la mitología y las historias sobre el artista. El artista no sólo ilustra la trama, sino que la comprende, yendo a veces mucho más allá del alcance de esta trama. De lo contrario, nacen clichés de la crítica de arte.
La gente suele preguntar: ¿todos los cuadros tienen un argumento? En una pintura de género o histórica, esto suele ser obvio. ¿Qué pasa con los retratos, los paisajes, las naturalezas muertas? ¿Qué pasa con la pintura abstracta? Aquí no todo es tan obvio. La palabra francesa "trama" no significa tanto el desarrollo de los acontecimientos, sino en general el "tema" de la obra o "razón, ocasión, motivo". Y el primer significado de esta palabra es “predispuesto, susceptible”. Así, la trama se nos presenta como relaciones de causa y efecto construidas por el artista sobre el lienzo. En una película histórica o de género, estas conexiones se relacionarán con acontecimientos históricos o cotidianos. En un retrato, la relación entre la individualidad de la persona retratada, lo que es y quién quiere parecer. En la naturaleza muerta, la relación entre las cosas dejadas por una persona y la persona misma "detrás de escena". Y en la pintura abstracta, el artista construye una relación entre líneas, manchas, colores y figuras. Y esta relación no es menos significativa y relacionada con la trama que el gesto de la noble Morozova de Surikov.
De lo anterior se desprenden dos conclusiones.
Primero: la trama debe construirse en base a las realidades de una imagen específica. " El significado no está en la petición misma del hijo pródigo ni en el arrepentimiento mismo, sino en la sorpresa que evoca tal amor paternal, tal perdón.».
Y la segunda conclusión: de una forma u otra, el nivel argumental siempre está presente en el lienzo. Y es simplemente irracional pasarlo por alto en el análisis. Las relaciones de causa y efecto construyen precisamente el espacio y el tiempo especiales de la imagen.
El nivel de la trama también aclara las características compositivas del lienzo. Distinguimos entre un cuadro - una historia y un cuadro - una muestra, hablamos de figuratividad y expresividad en el lienzo. Aquí es donde se determina el género de la obra.
E inmediatamente queda claro que no todos los rostros, objetos y fenómenos aparecen en la imagen en el mismo sentido que en la vida. Algunas de ellas están dotadas de un especial significado simbólico en la cultura que crió al artista. A otros el propio autor les dio el significado de símbolos polisemánticos. Así es como llegamos al siguiente nivel: el simbólico.
Ejemplos de preguntas para analizar una obra a nivel argumental.
1. Intenta contar la trama de la imagen.
2. Intenta imaginar qué acontecimientos pueden ocurrir con más frecuencia en esta obra arquitectónica.
3. ¿Qué puede hacer (o decir) esta escultura si cobra vida?
Nivel simbólico.
En el nivel simbólico, parece que volvemos de nuevo al contenido objetivo de la imagen, pero en un nivel cualitativo diferente. Los objetos de naturaleza muerta de repente empiezan a mostrar significado. Mirar- esto es pasar el tiempo, conchas vacias- vida mortal vacía, sobras- un final repentino de la vida.
Además, cada forma se replantea.
composición circular es un símbolo de la eternidad. Cuadrado (cubo)- Este es un símbolo de la tierra, la existencia terrenal sostenible. Vemos que un artista está construyendo un lienzo, dividiéndolo en partes de izquierda a derecha. Y luego están los valores positivos en el lado derecho y los valores negativos en el izquierdo. El movimiento del ojo de izquierda a derecha nos hace ver el inicio del acontecimiento en la mitad izquierda, y su conclusión en la mitad derecha.
Otro artista resaltará la división vertical del campo pictórico. Y entonces entran en vigor nuestras ideas sobre la cima y la base del mundo que nos rodea. Un horizonte alto, bajo o medio, la “pesadez del color” de la parte superior o inferior del lienzo, la saturación de una u otra parte con figuras, la apertura del espacio, todo esto se convierte en tema de análisis a nivel simbólico.
No debemos olvidar que la composición vertical u horizontal del propio cuadro también es un símbolo significativo. Las construcciones iconográficas se desarrollan verticalmente, mientras que las pinturas de la Nueva Era son casi todas horizontales.
Y aunque una pintura es la disposición de un plano, los artistas siempre se esfuerzan por dominar la profundidad del espacio. La profundidad del espacio se puede revelar de diferentes maneras. Y cada uno de ellos es simbólico. Los objetos cercanos oscurecen los distantes. La profundidad del espacio se "dibuja" a expensas del plano del piso, el suelo: el fondo adquiere el significado principal y pacífico en la imagen. La profundidad se construye con la ayuda de estructuras arquitectónicas. Y la arquitectura comienza a influir activamente en los personajes: elevarlos o aplastarlos, ocultarlos o exhibirlos.
En este nivel de análisis, el color y la luz en una pintura adquieren gran importancia..
Se sabe que en el mundo antiguo y en la Edad Media los colores estaban claramente unidos entre sí de manera apropiada, siendo símbolos brillantes. Y dado que en una obra pictórica el color es el principal medio de construcción del mundo pictórico, ni siquiera los artistas modernos evitan esta influencia simbólica. La luz y la oscuridad siempre han sido algo más que condiciones de vida reales para los humanos. Pero también por oposiciones simbólicas de lo externo y lo interno: un rostro brillante y una iluminación interior; pintura oscura y un camino de vida difícil. Así se va construyendo poco a poco el grandioso sistema del mundo de este lienzo.
Ejemplos de preguntas para analizar una obra a nivel simbólico.
1. ¿Hay objetos en la obra que simbolicen algo?
2. ¿Tienen la composición de la obra y sus elementos principales un carácter simbólico: horizontal, vertical, diagonal, círculo, color, cubo, cúpula, arco, bóveda, chapitel, torre, gesto, pose, vestimenta, ritmo, tenor, etc.? ?
3. ¿Cuál es el título de la obra? ¿Cómo se relaciona con su trama y simbolismo?
A continuación, ascendemos a un nuevo nivel de comprensión de la imagen. Aquí los aspectos individuales del análisis deben unirse para nosotros en un solo mundo de este trabajo en particular.. En este etapa final de análisis No debe quedar ni un solo detalle en la imagen que de alguna manera se salga del todo. Aquí nuevamente debemos hablar de integridad. Y esta integridad a menudo no se comprende de forma lógica, sino emocional. "¡Qué genial y sabio es esto!" - La admiración debería llegarnos como resultado de un análisis cuidadoso. Intenta mover mentalmente las figuras en este formato, apagar algunas y resaltar otras, y verás que esto afecta no solo a la expresividad, sino también al significado mismo de la imagen. En esta etapa, la imagen se vuelve “nuestra”.
Pero este es un sistema de análisis ideal. En realidad, algo no funciona, a veces no lo pensamos bien, a veces no tenemos tiempo para sentirlo adecuadamente. Pero simplemente debemos mostrar a los estudiantes todo el proceso de análisis al menos una vez y guiarlos hacia la comprensión.
En cada trabajo específico podemos aislar un nivel y trabajar con los estudiantes en él. Además, cualquier obra de arte permite su existencia completamente independiente en cada uno de estos niveles. Además, en una obra se resalta claramente el nivel de la trama, en la otra, el simbólico.
Para desarrollar habilidades de análisis, es útil utilizar técnicas privadas.:
Ú una descripción simple de la imagen, es decir, lo que realmente se representa en ella. Estas descripciones son de gran ayuda para centrar la atención en un lienzo determinado y adentrarse en el mundo de la pintura;
Ú colapsar contenido. Aquí el profesor te pide que simplemente vuelvas a contar la imagen, pero cada vez acortando tu historia. Al final, la historia se reduce a unas pocas frases escuetas en las que sólo queda lo más importante;
Ú construyendo jerarquías. Aquí el docente, junto con los alumnos, intenta correlacionar entre sí los valores propuestos por el artista, para responder a la pregunta: “¿Qué es más importante?” - esta técnica es útil a todos los niveles;
Ú creación de un “campo” de análisis. A menudo, el “descubrimiento” del significado se ve favorecido por algún hecho insignificante de la biografía del artista o de una cultura determinada. Lleva nuestra atención a un plano diferente. Envía nuestros pensamientos por un camino diferente. Por lo tanto, necesitamos acumular hechos. Y, como muestra la práctica, cuanto más inusual nos parece un rasgo o evento de personalidad, más creativo contiene para nosotros;
Ú sentimiento contemplativo y motor (empatía). Esta ya es una técnica de actuación: un intento de imaginarse a uno mismo en el mundo de la imagen, intentar adoptar las poses de los personajes, adoptar las expresiones de sus rostros, caminar por los senderos del paisaje. Muchos descubrimientos te esperan a lo largo de este camino. A menudo se recurre a esta técnica cuando el análisis, por alguna razón, ha llegado a un callejón sin salida.
Está claro que las formas de análisis pueden ser diferentes. Estas son preguntas individuales en una lección ordinaria, que enseñan a los niños a sentirse como alguien, a imaginar algo; sumergirse en un entorno u otro. Estas también son preguntas de comparación y comparación. Estos son ejercicios de atención (¿qué ves?). Se trata de construcciones lógicas simples sobre una obra concreta.
Anexo 1
Plan de ANÁLISIS DE PINTURA
1. Título.
2. Pertenencia a una época, estilo cultural e histórico.
4. Historia de la creación de la obra.
5. El significado del nombre. Características de la trama. Afiliación de género.
6. Composición (qué se representa, cómo se disponen los elementos de la imagen, dinámica, ritmo).
7. Medios básicos de expresión artística (color, línea, claroscuro, textura, pincelada).
8. Tus impresiones personales.
MUESTRA
Cuadro de Savrasov “Han llegado las torres”. Savrasov fue un artista asombroso cuyas pinturas nunca te cansas de mirar. Se distinguen por su ligereza y variedad de colores. Fue un artista que revolucionó la pintura paisajística rusa. A diferencia de otros artistas, representó sencillos paisajes rusos. Una de sus obras maestras más famosas es el cuadro "Las torres han llegado".
El cuadro fue pintado a finales de los años 1860-70. En él, el autor representa el comienzo de la primavera, el momento en que llegan los primeros pájaros (grajos) y comienzan a construir nidos en los árboles.
Nos gustaría prestar atención a la paleta de colores del cuadro. Savrasov utiliza la impresión de un paisaje primaveral nublado, pero al mismo tiempo los rayos del sol hacen que el paisaje sea más soleado. Por supuesto, un elemento importante de la imagen es la iglesia. Su silueta añade un toque de poesía a la imagen de un día gris.
Sentir al artista admirando su paisaje con nosotros.
Apéndice 2
Plano de ANÁLISIS DE MONUMENTOS ARQUITECTÓNICOS
1. Nombre.
2. Ubicación.
3. Arquitecto(s).
4. Propósito de la tarea:
un culto;
b) secular:
· alojamiento,
· edificio publico.
5. ¿De qué está construido?. Si es posible, indique el motivo de la elección de este material en particular.
6. Caracteristicas de diseño, mediante el cual se puede determinar el estilo (o los detalles arquitectónicos utilizados, plano, dimensiones, etc.).
7. Inferencia sobre el tipo de tarea, estilo arquitectónico o pertenencia a alguna civilización.
8. ¿Cuál es su actitud hacia el monumento?. Justifica tu opinión.
MUESTRA
1. Pirámide de Zoser.
2. Egipto, Saqqara.
3. Arquitecto Imhotep.
4. El edificio de culto es una tumba.
5. Construcción realizada en piedra.
6. La forma de una pirámide escalonada con una sala de tumbas. Altura 60 m, longitud lateral 120 m.
7. No existe ningún estilo arquitectónico, el edificio pertenece a la civilización del Antiguo Egipto.
8. …
Apéndice 3
Plano de ANÁLISIS DE LA ESCULTURA
1. Nombre.
2. Escultor.
3. Tipo de escultura:
a) por ejecución:
1. ronda;
2. alivio:
· en profundidad,
§ gran alivio.
b) para el fin previsto:
1. culto,
2. secular,
c) por uso:
1. independiente,
2. parte del conjunto arquitectónico,
3. parte de la decoración arquitectónica del edificio;
d) por género:
1. retrato:
§ longitud total;
2. escena de género.
4.El material del que está hecha la obra.
5.El grado de minuciosidad de elaboración y acabado.
6.A qué se le presta más atención (características):
a) similitud,
b) decorativo,
c) mostrar el estado interno de una persona,
d) cualquier idea.
7.¿Corresponde al canon, si lo hubiera?
8.Lugar:
a) fabricación,
b) ¿dónde está ahora?
9. El estilo, dirección o período de desarrollo de la escultura y su manifestación en una obra determinada.
10.¿Cuál es su actitud hacia el monumento?. Justifica tu opinion.
Apéndice 4
MUESTRA
1. Nike de Samotracia.
2. La escultura es desconocida.
3. Tipo de escultura:
A) en diseño - redondo,
b) por propósito - culto,
V) según su uso original - parte del conjunto arquitectónico,
GRAMO) por género: retrato de cuerpo entero de una diosa.
4. Fabricado en mármol.
5. El trabajo es muy minucioso.
6. Se presta atención a la idea de la imparable huida de la Victoria.
7. No había ningún canon.
8. Fabricado en Grecia en el siglo IV. antes de Cristo e., ahora ubicado en el Louvre (París, Francia).
9. Antigua estatua de la época helenística.
10.Me gusta (no me gusta) el monumento porque…
Apéndice 5
ALGORITMOS PARA EL ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE
Algoritmo de análisis de una obra de pintura.
La condición principal para trabajar con este algoritmo es el hecho de que quienes realizan el trabajo no deben conocer el nombre de la pintura.
1. ¿Cómo llamarías a esta imagen?
2. ¿Te gusta la imagen o no? (La respuesta debería ser ambigua).
3. Cuéntanos sobre esta imagen para que la persona que no la conozca pueda hacerse una idea.
4. ¿Cómo te hace sentir esta imagen?
7. ¿Le gustaría agregar o cambiar algo en su respuesta a la primera pregunta?
8. Vuelva a la respuesta a la segunda pregunta. ¿Su valoración sigue siendo la misma o ha cambiado? ¿Por qué valoras tanto esta imagen ahora?
Algoritmo de análisis de obras de pintura.
2. Pertenencia a una época artística.
3. El significado del título del cuadro.
4. Afiliación de género.
5. Características de la trama de la imagen. Razones para pintar. Buscando una respuesta a la pregunta: ¿el autor transmitió su idea al espectador?
6. Características de la composición del cuadro.
7. Medios básicos de la imagen artística: color, dibujo, textura, claroscuro, pincelada.
8. ¿Qué efecto tuvo esta obra de arte en tus sentimientos y estado de ánimo?
10. ¿Dónde se encuentra esta obra de arte?
Apéndice 6
Algoritmo de análisis de una obra de arquitectura.
1. ¿Qué se sabe sobre la historia de la creación de la estructura arquitectónica y su autor?
2. Indique si esta obra pertenece a una época, estilo artístico o movimiento cultural e histórico.
3. ¿Qué encarnación se encontró en esta obra de la fórmula de Vitruvio: fuerza, beneficio, belleza?
4. Señalar los medios y técnicas artísticas para la creación de una imagen arquitectónica (simetría, ritmo, proporciones, modelado de luces y sombras y colores, escala), sistemas tectónicos (poste-viga, arco apuntado, cúpula arqueada).
5. Indique el tipo de arquitectura: estructuras volumétricas (pública: residencial, industrial); paisaje (jardinería o pequeñas formas); planificación urbana.
6. Señalar la conexión entre la apariencia externa e interna de una estructura arquitectónica, la conexión entre el edificio y el relieve, la naturaleza del paisaje.
7. ¿Cómo se utilizan otras formas de arte en el diseño de su apariencia arquitectónica?
8. ¿Qué impresión te causó la obra?
9. ¿Qué asociaciones evoca una imagen artística y por qué?
10. ¿Dónde está ubicada la estructura arquitectónica?
Algoritmo de análisis de obras de escultura.
1. La historia de la creación de la obra.
3. Pertenencia a una época artística.
4. El significado del título de la obra.
5. Perteneciente a los tipos de escultura (monumental, memorial, caballete).
6. Material utilizado y tecnología de procesamiento.
7. Dimensiones de la escultura (si es importante saberlo).
8. Forma y tamaño del pedestal.
9. ¿Dónde está ubicada esta escultura?
10. ¿Qué impresión te causó esta obra?
11. ¿Qué asociaciones evoca una imagen artística y por qué?
LITERATURA
1. Ageev, V.N.. Semiótica [Texto] /. - M.: El mundo entero, 2002.
2. Ivlev, S.A.. Control de los conocimientos de los estudiantes en la enseñanza de la cultura artística mundial [Texto] /. – M., 2001.
3. Innovador Modelos de enseñanza en búsquedas pedagógicas extranjeras [Texto]. – M: Arena, 1994.
4. Krysko, V.. Introducción a la etnopsicología [Texto] /V. Krysko. – M., 2000.
5. Metódico materiales sobre las materias “música”, “MHC”, “Teatro” en el contexto del campo educativo “Arte” [Texto]: colección, para ayudar al docente. – M.: Firma MHC, 2001.
6. Oistrakh, O.G. Cultura artística mundial [Texto]: materiales para profesores del Teatro de Arte de Moscú /, . – M., 2001.
7. Pocheptsov, G. G. Semiótica rusa [Texto] /. – M.: Refl-Buk, K.: “Vakler”, 2001.
8. Solobud, Yu. P. Función formadora de texto de un símbolo en una obra de arte [Texto] // Ciencias filosóficas. – 2002. - N° 2. – Pág.46-55.
Enviar su buen trabajo en la base de conocimientos es sencillo. Utilice el siguiente formulario
Los estudiantes, estudiantes de posgrado y jóvenes científicos que utilicen la base de conocimientos en sus estudios y trabajos le estarán muy agradecidos.
Publicado en http://www.allbest.ru/
Institución Educativa Presupuestaria del Estado Federal de Educación Profesional Superior
Universidad Técnica Estatal de Omsk
Departamento de DTM
Ensayo
Sobre el tema de:
Análisis de una obra de arte a partir del ejemplo del cuadro “El juicio final” de Miguel Ángel Buonarroti.
Completado por: estudiante gr. ZSR-151 A. A. Kareva
Comprobado por: Profesor Gumenyuk A.N.
Introducción
1. La trama de “El Juicio Final”
2. Información general sobre las diferencias entre un cuadro y un icono
3. Composición del fresco del altar de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) “El Juicio Final” (1535-1541)
Conclusión
Lista de literatura usada
Introducción
El Juicio Final es un fresco de Miguel Ángel en el muro del altar de la Capilla Sixtina en el Vaticano. El artista trabajó en el fresco durante cuatro años, de 1537 a 1541. Miguel Ángel regresó a la Capilla Sixtina tres décadas después de terminar de pintar el techo. El fresco de gran tamaño ocupa toda la pared detrás del altar de la Capilla Sixtina. Su tema fue la segunda venida de Cristo y el apocalipsis.
Se considera que "El Juicio Final" es la obra que completó el Renacimiento en el arte, a la que el propio Miguel Ángel rindió homenaje pintando el techo y las bóvedas de la Capilla Sixtina, y abrió un nuevo período de decepción en la filosofía del humanismo antropocéntrico.
1. La trama de "El juicio final"
La segunda venida de Cristo, cuando, según la doctrina cristiana, habrá una resurrección general de los muertos, quienes, junto con los vivos, serán finalmente juzgados, y se determinará para ellos si serán llevados al cielo o arrojados. al infierno. La Sagrada Escritura habla de esto muchas veces, pero la autoridad principal es el discurso de Cristo a los discípulos, contado por Mateo: “Cuando el Hijo del Hombre venga en su gloria, y todos los santos ángeles con él, se sentará sobre el trono de su gloria, y todas las naciones serán reunidas delante de él; y separar los unos de los otros, como el pastor separa las ovejas de los cabritos; Y pondrá las ovejas a su derecha y las cabras a su izquierda. Serán juzgados según las obras de misericordia que realizaron en su vida terrenal. Los pecadores tendrán que ir al “tormento eterno”.
La segunda venida de Cristo (o el reinado de Cristo en la tierra) se esperaba con confianza en el año 1000, y cuando estas expectativas no se hicieron realidad, la Iglesia comenzó a otorgar cada vez más importancia a la doctrina de las "Cuatro Últimas Obras": la muerte. , juicio, cielo, infierno.
A partir de ese momento, comenzaron a aparecer imágenes del Juicio Final (principalmente en los siglos XII-XIII) en los frontones occidentales esculpidos de las catedrales francesas.
Esta es una gran historia que consta de varias partes. Cristo juez es la figura central. A ambos lados de él están los apóstoles que estuvieron con él en la Última Cena: “Y os sentaréis en tronos juzgando a las 12 tribus de Israel”.
A continuación se muestran los muertos que se levantan de sus tumbas o de la tierra o del mar: “Y muchos de los que duermen en el polvo de la tierra despertarán, algunos para vida eterna, otros para desprecio y vergüenza eternos”. “Entonces el mar entregó los muertos que había en ellos; y cada uno fue juzgado según sus obras”. El Arcángel Miguel sostiene una balanza en la que pesa las almas. Los justos están a la derecha de Cristo, escoltados al cielo por los ángeles; a su izquierda, abajo, los pecadores son escoltados al infierno, donde son representados en un terrible tormento. (Salón D. Diccionario de tramas y símbolos en el art. M, 1996)
2. Son comunesinformación sobre las diferencias entre una pintura y un icono
La pintura afecta principalmente a la esfera emocional. El icono es para la mente y la intuición. La pintura refleja el estado de ánimo, el icono refleja el estado del individuo. La imagen tiene límites, marcos argumentales; icono: incluye lo ilimitado. Algunos creen que los antiguos pintores de iconos no conocían las leyes de la perspectiva directa y la simetría del cuerpo humano, es decir. No estaban familiarizados con el atlas anatómico. Sin embargo, los artistas de esa época observaban las proporciones exactas del cuerpo humano cuando hacían estatuas o esculturas en general (las imágenes tridimensionales no se usaban en la Iglesia Oriental, sino que solo se utilizaban en el arte secular). La ausencia de una perspectiva directa indica otras dimensiones espaciales, la capacidad del hombre para dominar el espacio. El espacio deja de ser un obstáculo. Un objeto distante no se vuelve ilusoriamente más pequeño. Las cantidades en los íconos no son de naturaleza espacial, sino axiológica, expresando el grado de dignidad. Por ejemplo, los demonios se representan más pequeños que los ángeles; Cristo entre los discípulos se eleva por encima de ellos, etc.
La imagen se puede ver analíticamente. Puedes hablar sobre fragmentos individuales de la imagen, indicar lo que te gusta y lo que no te gusta de ella. Pero un icono no se puede dividir en células, en fragmentos, en detalles; se percibe sintéticamente por un sentimiento religioso interno. Un ícono es hermoso cuando llama a una persona a la oración, cuando el alma siente un campo dinámico de energías y fuerzas emitidas a través del ícono desde el Reino de la Luz Eterna. En el icono, las figuras están inmóviles, como si se hubieran congelado. Pero éste no es el frío de la muerte; aquí se enfatiza la vida interior, la dinámica interior. Los santos están en un rápido vuelo espiritual, en un eterno movimiento hacia lo Divino, donde no hay lugar para poses pretenciosas, inquietudes y expresiones externas.
Una persona abrumada por un sentimiento profundo o inmersa en pensamientos también cambia a lo interno, y esta desconexión de lo externo indica la intensidad y la intensidad de su espíritu. Por el contrario, la dinámica externa, la huella de las emociones como estados temporales, sugiere que aquel a quien querían representar en el icono no está en la eternidad, sino en el tiempo, en el poder de lo sensual y transitorio.
La pintura del Juicio Final en la Capilla Sixtina, creada por Miguel Ángel, se considera una de las cumbres del arte occidental. Las figuras están ejecutadas con un conocimiento asombroso de las proporciones del cuerpo humano y las leyes de la armonía. Puedes usarlos para estudiar anatomía. Cada persona tiene su propia personalidad y características psicológicas únicas. Al mismo tiempo, el significado religioso de esta imagen es nulo. Además, se trata de una recaída del paganismo que ha surgido en el corazón mismo del mundo católico. El tema del cuadro “El Juicio Final” encarna las tradiciones paganas y judías. Caronte transporta las almas de los muertos a través de las aguas de la Estigia. La imagen está tomada de la mitología antigua. La resurrección de los muertos tiene lugar en el valle de Josafat, como cuenta la tradición talmúdica.
La pintura está realizada en un estilo claramente naturalista. Miguel Ángel representó cuerpos desnudos. Cuando el Papa Pablo III, examinando la pintura de la Capilla Sixtina, preguntó al maestro de ceremonias de la corte papal, Biagio da Cesena, si le gustaba la pintura, respondió: “Santidad, estas figuras serían apropiadas en algún lugar de una taberna, y no en tu capilla”. (“Sobre el lenguaje del icono ortodoxo”. Archimandrita Rafael (Karelin), 1997)
Nos referimos a la pintura de Europa occidental para enfatizar su diferencia fundamental con el arte ortodoxo. Éste es un claro ejemplo de que la forma no coincide con el contenido, por brillante que sea en sí mismo. Hay un error metodológico en la llamada pintura religiosa del Renacimiento. Los pintores prueban a través del arte mimético, es decir. una imagen saturada de emociones y pasiones, para transferir el plano celestial al terrenal, pero logran lo contrario: transfieren materialidad no regenerada a la esfera del cielo; con lo terrenal y sensual suplantan lo espiritual y eterno (o mejor dicho, no hay lugar para el cielo, todo allí ha sido ocupado y tragado por la tierra), su corazón; figura ligeramente inclinada, sumisión a la voluntad de Dios, etc.
Una pintura católica es unidimensional, un icono ortodoxo es multidimensional. En un icono, los planos se cruzan, coexisten o se compenetran, sin fusionarse ni disolverse unos en otros. La pintura registra el tiempo como un momento detenido por la voluntad del artista, como por un flash fotográfico. En el icono, el tiempo es condicional, por lo que los eventos en discrepancia cronológica se pueden representar en el campo del icono. El icono es similar al plano interno y al dibujo de eventos. Los iconos se caracterizan por la simultaneidad de la imagen: todos los eventos ocurren a la vez. icono del fresco miguel ángel sixtina
La pintura es una imitación de la realidad con elementos de fantasía, que también toma material para sus estados de ánimo de las realidades terrenas. Un icono es la encarnación de la contemplación espiritual, que se da en una experiencia mística, en un estado de comunión con Dios, pero la contemplación se transmite y objetiva a través del lenguaje simbólico de líneas y colores. Un icono es un libro teológico escrito con pincel y pinturas. En el icono, la imagen de dos esferas, la celestial y la terrenal, no se da según el principio de paralelismo, sino según el principio de simetría. En una pintura de tema religioso, incorrectamente llamada icono, o no hay diferencias ni demarcaciones entre lo celestial y lo terrenal, o están conectados por “líneas paralelas” de la historia, como una sola existencia en el tiempo y el espacio.
La pintura se basa en el principio de perspectiva lineal directa, dando la ilusión de volumen y tridimensionalidad en la representación de entidades materiales y espirituales. Lo espiritual no aparece en el cuadro, sino que es reemplazado en él por formas y cuerpos materiales, volumétricos, y desaparece en estas formas que le son ajenas. Lo espiritual en el cuadro deja de ser suprasensible, para convertirse en “natural”; aquí se produce una profanación de lo sagrado. Los iconoclastas lo señalaron con razón, negando los retratos sobre temas religiosos, pero generalizando injustamente y con un mal método todas las posibilidades de las bellas artes - en este caso, la pintura de iconos - que abre el mundo espiritual, sin identificarlo con el infinito como una extensión infinita. con las realidades del mundo material ubicadas bajo el poder de la muerte y la decadencia.
Los iconoclastas identificaron el icono con un retrato mimético, con una fantasía o una alegoría, pero el icono, como símbolo sagrado, fue ignorado o malinterpretado por ellos. En el icono no sólo existe la oposición de las dos esferas del tiempo y la eternidad, sino que en sus ritmos está la iglesia del tiempo, su atracción por la eternidad. (“Sobre el lenguaje del icono ortodoxo”. Archimandrita Rafael (Karelin), 1997)
3. Composición del fresco del altar de la Capilla SixtinaMiguel Ángel Buonarroti(1475-1564) "El Juicio Final" (1535-1541)
La inusual decisión del autor al construir la composición preserva los elementos tradicionales más importantes de la iconografía. El espacio se divide en dos planos principales: el celestial - con Cristo juez, la Madre de Dios y los santos, y el terrenal - con escenas de la resurrección de los muertos y su división en justos y pecadores.
Los ángeles que tocan las trompetas anuncian el comienzo del Juicio Final. Se ha abierto un libro en el que están escritas todas las acciones humanas. Cristo mismo no es un redentor misericordioso, sino un Maestro castigador. El gesto del Juez pone en marcha un lento pero inexorable movimiento circular que atrae a las filas de los justos y de los pecadores. La Madre de Dios, sentada junto a Cristo, se alejó de lo que estaba sucediendo.
Abandona su papel tradicional de intercesora y escucha con temor el veredicto final. Hay santos alrededor: apóstoles, profetas. En manos de los mártires hay instrumentos de tortura, símbolos del sufrimiento que soportaron por su fe.
Los muertos, abriendo los ojos con esperanza y horror, se levantan de sus tumbas y van al juicio de Dios. Algunos se elevan fácil y libremente, otros más lentamente, dependiendo de la gravedad de sus propios pecados. Los fuertes de espíritu ayudan a los necesitados a levantarse.
Los rostros de quienes tienen que bajar a limpiarse están llenos de horror. Anticipando un terrible tormento, los pecadores no quieren ir al infierno. Pero las fuerzas destinadas a mantener la justicia los empujan hacia donde deberían estar las personas que causaron el sufrimiento. Y los demonios los atraen hacia Minos, quien, con la cola enrollada alrededor del cuerpo, indica el círculo del infierno al que debe descender el pecador. (El artista le dio al juez de las almas muertas los rasgos faciales del maestro de ceremonias, el Papa Biagio da Cesena, quien a menudo se quejaba de la desnudez de las figuras representadas. Sus orejas de burro son un símbolo de ignorancia.) Y cerca hay una barcaza conducida por el barquero Caronte. Con un movimiento se lleva las almas pecadoras. Su desesperación y furia se transmiten con una fuerza asombrosa. A la izquierda de la barcaza hay un abismo infernal: está la entrada al purgatorio, donde los demonios esperan a nuevos pecadores. Parece que se escuchan los gritos de horror y el crujir de dientes de los infortunados.
Arriba, fuera del poderoso remolino, ángeles sin alas con símbolos del sufrimiento del propio Redentor se elevan sobre las almas que esperan la salvación. En la parte superior derecha, criaturas jóvenes y hermosas llevan los atributos de salvar a los pecadores. (Smirnova I.A. Pintura monumental del Renacimiento italiano. M.: Bellas Artes, 1987)
Conclusión
Este ensayo examinó el fresco de Miguel Ángel "El Juicio Final" en comparación con el icono "El Juicio Final" (década de 1580). Tanto el icono como el fresco están pintados sobre el mismo tema: la segunda venida de Cristo y el terrible juicio sobre los pecados de la humanidad. Tienen una composición similar: Cristo está representado en el centro y los apóstoles están ubicados en su mano izquierda y derecha. Dios está por encima de ellos. Bajo Cristo hay pecadores a quienes se les promete el infierno. Ambas imágenes están en perspectiva inversa. Pero al mismo tiempo, el icono utiliza colores menos brillantes que en el fresco de Miguel Ángel. El icono contiene muchas imágenes simbólicas (una palma con un bebé - "almas justas en la mano de Dios", y aquí, una balanza - es decir, "la medida de las obras humanas").
En los tiempos modernos, la creación de estas obras fue popular entre personas con opiniones escatológicas, por lo que estas imágenes justificaron su propósito no con el objetivo de asustar a la humanidad, sino para transmitirles la idea de vivir una vida justa, similar a la terrenal. vida sin pecado de Jesucristo.
Lista de literatura usada
1. Sala D. Diccionario de tramas y símbolos en el arte. M, 1996
2. "Sobre el lenguaje del icono ortodoxo". Archimandrita Rafail (Karelin) 1997
3. Smirnova I.A. Pintura monumental del Renacimiento italiano. M.: Bellas Artes, 1987
4. Buslaev F.I. Imágenes del Juicio Final según originales rusos // Buslaev F.I. Ensayos. T. 2. San Petersburgo, 1910.
5. Alekseev S. Verdad visible. Enciclopedia de iconos ortodoxos. 2003
Publicado en Allbest.ru
Documentos similares
La trama de "El Juicio Final". Información general sobre las diferencias entre una pintura y un icono. Composición del fresco del altar de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel Buonarroti "El Juicio Final". Características del ícono del Juicio Final. Sobre la perspectiva hacia adelante y hacia atrás. Claroscuro y simbolismo del color.
resumen, añadido el 18/03/2012
Análisis del arte y del humanismo en Florencia durante la época de Lorenzo el Magnífico. Biografía y obra de Miguel Ángel Buonarroti. La estructura psicológica de la personalidad y las ideas del maestro, los rasgos característicos de sus esculturas y pinturas. Pintura de la Capilla Sixtina en el Vaticano.
tesis, añadido el 10/12/2017
Estudio de las características de la obra de Miguel Ángel Buonarroti, escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano. Rasgos distintivos de la obra del Alto Renacimiento. David. Famoso fresco de la pintura Sixtina de Miguel Ángel: La creación de Adán.
presentación, añadido el 24/10/2014
Breve biografía de Michelangelo Buonarotti, un gran escultor y artista. Sus logros creativos: las esculturas de Vahka y Pieta, la imagen de mármol de David, los frescos "La batalla de Cascina" y "La batalla de Anghiar". Historia de la pintura de la Capilla Sixtina.
presentación, añadido el 21/12/2010
Biografía, apariencia y carácter de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), el gran arquitecto genio del Renacimiento en Italia, así como una descripción de obras tempranas y tardías, terminadas e inacabadas. Análisis de la relación entre Miguel Ángel y Vittoria Colonna.
resumen, añadido el 14/11/2010
Cultura de los pueblos indígenas de Italia y sus estados predecesores. Períodos de la historia de la cultura italiana. Las obras de Leonardo da Vinci. Imagen de la joven Mona Lisa florentina. Pintura del techo de la Capilla Sixtina del Vaticano de Miguel Ángel.
presentación, agregado 14/01/2014
Los principales acontecimientos de la biografía de Miguel Ángel Buonarroti, escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano. Una expresión creativa de los ideales del Alto Renacimiento y la trágica sensación de crisis de la cosmovisión humanista durante el Renacimiento tardío.
resumen, añadido el 12/11/2011
Un estudio de la historia de la construcción de la Capilla Sixtina, la antigua iglesia en casa del Vaticano. Descripciones de una sala con bóveda ovalada, escenas del Libro del Génesis, ubicada desde el altar hasta la entrada. Cónclaves celebrados en la Capilla. Un ciclo de frescos de Miguel Ángel que decoraban el techo.
presentación, añadido el 23/04/2013
El ambiente espiritual y moral de Italia XIV-XVI. Análisis de la formación de la creatividad de Buonarroti y su reflejo en la sociedad moderna. Estructura psicológica de las ideas de Miguel Ángel. Análisis de la relación entre genio y poder. Obras maestras del cincel y el pincel. Patrimonio poético.
tesis, agregada el 29/04/2017
Análisis de la creatividad artística de Leonardo da Vinci en las obras de científicos nacionales. Información biográfica sobre el titán del Renacimiento. Composición y trama del fresco "La Última Cena". La contribución del gran artista y científico al desarrollo de la cultura, la ciencia y la tecnología mundiales.
Institución presupuestaria municipal
educación adicional
"Escuela de Artes Infantiles del Sur"
Tarea creativa - ensayo sobre el tema:
“Análisis de una obra de arte a partir del ejemplo de una pintura”
Desarrollador:
maestroartísticodepartamentos
MBU DO "Yuzhskaya DSHI"Demidova A.A.
Yuzha 2016
Completar una tarea creativa: un ensayo sobre el tema: "Análisis de una obra de arte usando el ejemplo de una pintura" es una forma de probar conocimientos y habilidades en la segunda mitad del año (al implementar el programa durante 1 año) de estudiantes del programa adicional de educación general preprofesional en el campo de las bellas artes “Pintura” en la asignatura académica Conversaciones sobre arte.
Hay 1 lección en el aula por asignación de programa.
Antes de escribir el trabajo, a los estudiantes se les muestran pinturas de grandes maestros de la pintura, que conocen en el aula y en las tareas. Deben elegir una pintura del artista y escribir un ensayo creativo.
Una tarea creativa: un ensayo sobre el tema: "Análisis de una obra de arte usando el ejemplo de una pintura" debe realizarse de acuerdo con el siguiente esquema de ejecución, esto ayuda significativamente a los estudiantes a orientarse y realizarla correctamente.
El trabajo de los estudiantes se califica según los criterios que se enumeran a continuación.
“5” excelente: el estudiante muestra un alto nivel de preparación, la tarea está completamente revelada y completada en su totalidad;
“4” bueno: el estudiante comprende la tarea completada, pero comete errores menores y el tema del ensayo no está completamente desarrollado;
"3" es satisfactorio: el estudiante está mal orientado en el material, se confunde y comete errores.
Esquema para la ejecución de un ensayo creativo “Análisis de una obra de arte a partir del ejemplo de una pintura”
2. ¿Qué técnica se utilizó para pintar el cuadro? (pinturas al óleo, acuarelas, pasteles).
3. ¿A qué tipo de cuadro pertenece el cuadro?(caballete, monumental, pintura).
4. Determinar el género de la pintura.(género cotidiano, género de batalla,retrato, paisaje, naturaleza muerta,Marina, género mitológico) .
5. Mira la imagen y determina su dirección estilística.(realismo, abstraccionismo, decorativaismo).
6. Determinar el esquema de composición.
7.Describe la trama de la imagen, ¿cuál es la característica de la composición?
8. ¿Cuál es el centro compositivo, qué se representa en él?
9. Describe qué figuras son las principales de la composición y cuáles son las secundarias.
10. ¿Qué medio artístico de expresión utiliza el artista para resaltar lo principal de la imagen?(tono de color)
11. Características pintorescas del cuadro:
Describe la combinación de colores general de la pintura.(cálido, frío, mixto, polar, monocromático);
Describe la armonía cromática de la pintura.(monocolor, polar, tricolor, multicolor);
Describe el color del cuadro, qué estado de ánimo transmite el cuadro.(tristeza, alegría, felicidad, etc.).
12. Escriba su impresión personal al ver la imagen. ¿Qué sentimientos evoca el cuadro?
Anexo 1.
Análisis de una obra de arte basado en un algoritmo:
“¿Cómo se pueden analizar las obras de arte?”
¿creatividad?
2. Pertenencia a un género: histórico, cotidiano, de batalla, retrato,
paisaje, naturaleza muerta, interior.
3. Medios básicos para crear una imagen artística: colorear, dibujar,
claroscuro, textura, estilo de escritura.
4. El significado del nombre. Características de la trama y composición.
5. Pertenencia a una época, estilo o movimiento artístico e histórico cultural.
6. ¿Cuáles son tus impresiones personales de las pinturas?
Apéndice 2.
1 Grupo “Pinceles ardientes de los románticos” (GUÍAS TURÍSTICOS) En la historia de la pintura mundial, el romanticismo constituyó una era brillante y brillante.
La palabra "romanticismo" se remonta al latín romanus, romano, es decir, que surge de la cultura romana o está estrechamente asociado con ella.
El mundo de los sentimientos y experiencias humanas. La pintura del romanticismo se caracterizó por una “sed de crear en todos los sentidos posibles”. Los medios de pintura eran: colores vivos y brillantes, iluminación contrastante, estilo emocional.
¿Cómo es una persona de la generación romántica? A menudo es testigo de crueles derramamientos de sangre y guerras, del destino trágico de naciones enteras. Realiza actos heroicos que pueden inspirar a otros. Los románticos se sintieron atraídos por los acontecimientos históricos, de los que extrajeron argumentos para muchas de sus obras.
1. Un destacado representante del movimiento romanticismo en la pintura fue el artista español Francisco Goya (1746-1828). Dominó todos los géneros de la pintura. Tenía pinturas de temas religiosos y retratos de la corte.
R. Fue testigo de las guerras napoleónicas que devastaron y arruinaron a España. En 1808, en respuesta a las brutales represiones de la ocupación napoleónica, estalló un levantamiento popular en Madrid. Durante estos años difíciles, Francisco Goya estuvo con su pueblo. El cuadro “Ejecución de los rebeldes en la noche del 3 de mayo de 1808”, pintado en 1814 y expuesto en el Museo del Prado de Madrid, fue la denuncia del mal y la violencia por parte del artista. Sintió claramente la verdadera magnitud de la tragedia del pueblo.
La pintura representa el comienzo de la lucha de liberación española contra los ocupantes franceses, es decir, el escenario de la ejecución de los rebeldes españoles por las tropas ocupantes francesas. Goya representa a los rebeldes españoles y a los soldados franceses como dos grupos opuestos: unos pocos artesanos madrileños desarmados y una línea de soldados con las armas en alto. Goya representa con bastante claridad los rostros y las poses de los españoles (patriotismo, coraje, ira, valentía, etc.), mientras que los soldados franceses están representados con fluidez y parecen fundirse en una masa sin rostro.
B. “Retrato de la Familia Real de Carlos VI”
De izquierda a derecha: Don Carlos el Viejo, futuro rey Fernando VII de España, hermana de Carlos IV María Josefa Carmela, mujer desconocida, María Isabel, esposa de Carlos IV, la reina María Luisa de Parma, Francisco de Paula de Borbón, el rey Carlos IV, su hermano Antonio Pascual, Cartola Joaquina (solo se ve una parte de la cabeza), Luis I con su esposa María Luisa, sosteniendo a su hijo, Carlos II, futuro duque de Parma. Al fondo, entre las sombras, Goya se retrataba a sí mismo. Los colores mágicos y brillantes no pueden ocultar la arrogancia, la estupidez, la miseria moral y mental de los personajes.
2. Un contemporáneo del gran español, Théodore Géricault, también mostró un profundo interés por el mundo interior del hombre. La obra de Géricault se caracteriza por el dramatismo extremo, la intensidad de las pasiones y el contraste de colores. Mientras servía en los mosqueteros reales, Géricault pintó principalmente escenas de batalla, pero después de viajar a Italia en 1817-19. realizó un cuadro grande y complejo “La balsa de la Medusa”
(ubicado en el Louvre, París). La novedad de la trama, el profundo dramatismo de la composición y la verdad vital de esta obra magistralmente escrita no fueron apreciadas de inmediato, pero pronto ganó reconocimiento y le dio al artista la fama de un innovador talentoso y valiente.
No tuvo mucho tiempo para disfrutar de la fama: apenas tuvo tiempo de regresar a París desde Inglaterra, donde el tema principal de sus estudios era el estudio de los caballos, fue a la tumba como resultado de un accidente: caerse de un caballo.
La trama de la película se basa en un incidente real ocurrido el 2 de julio de 1816 frente a las costas de Senegal. Luego, en el banco de Argen, a 40 leguas de la costa africana, se estrelló la fragata Medusa. 140 pasajeros y tripulantes intentaron escapar subiendo a la balsa. Sólo 15 de ellos sobrevivieron y al duodécimo día de su peregrinación fueron recogidos por el bergantín Argus. Los detalles del viaje de los supervivientes conmocionaron a la opinión pública moderna, y el hundimiento en sí se convirtió en un escándalo en el gobierno francés debido a la incompetencia del capitán del barco y los intentos insuficientes de rescatar a las víctimas.
Además del cuadro “La balsa de la Medusa”, el Louvre alberga siete cuadros de batallas y seis dibujos de este artista. Sus pinturas están llenas de confusión y ansiedad.
3. Eugène Delacroix (1798-1863) también escribió de manera similar a Théodore Géricault.
R. Se caracterizó por la atención a los temas orientales. Una de sus creaciones más llamativas es el cuadro “Masacre en Quíos”, que muestra episodios de la guerra greco-turca. Así llamaron los historiadores a la brutal masacre de los habitantes de la isla de Quíos el 11 de abril de 1822 por parte de los turcos porque los isleños apoyaban a los luchadores por la independencia griega. De los 155.000 habitantes de la isla, sólo unos
2000. Hasta 25.000 fueron masacrados, el resto fue esclavizado o acabó en el exilio.
La Gran Revolución Francesa y las posteriores campañas agresivas de Naoleón, las brutales represiones políticas y ejecuciones, los interminables cambios de gobierno en 1830 plantearon con especial urgencia la cuestión del papel del pueblo y del individuo en la historia.
B. Delacroix se caracterizó por el patetismo político. En 1830, el artista completó el lienzo "La libertad guiando al pueblo". Delacroix creó el cuadro basado en la Revolución de julio de 1830, que puso fin al régimen de Restauración de la monarquía borbónica. Después de numerosos bocetos preparatorios, sólo necesitó tres meses para pintar el cuadro. En una carta a su hermano del 12 de octubre de 1830, Delacroix escribe: “Si no luché por mi patria, al menos escribiré por ella”. “La libertad guiando al pueblo” se exhibió por primera vez en el Salón de París en mayo de 1831, donde el cuadro fue recibido con entusiasmo e inmediatamente adquirido por el Estado. Debido a su tema revolucionario, la pintura no se exhibió en público durante aproximadamente 25 años. A través de la sangre, el sufrimiento y la muerte, una hermosa mujer con un estandarte tricolor en la mano lleva al pueblo a la victoria. El pecho desnudo simboliza la dedicación de los franceses de esa época, que iban con el torso desnudo contra el enemigo. Entre la multitud se ven pobres armados, habitantes de barrios marginales, un estudiante y el pequeño Gavroche con pistolas. El artista se representó a sí mismo como un hombre con sombrero de copa a la izquierda del personaje principal. A veces la imagen se asocia erróneamente con los acontecimientos de la gran Revolución Francesa.
Los contemporáneos llamaron a la pintura "La Marsellesa de la pintura francesa" y las autoridades declararon a Delacroix un artista peligroso.
Apéndice 3.
Grupo 2 “Necesitamos manizar el arte” (EXPERTOS – NIÑOS DEL ARTE) El realismo es un movimiento en el arte de la segunda mitad del siglo XIX. El concepto latino de realismo, realis, significa reflejo profundo de la realidad. A mediados del siglo XIX, el realismo se convirtió en la dirección artística líder y más influyente.
¿Qué nuevas tareas planteaba ahora el arte?
1. Destacado maestro de la litografía (un tipo de impresión gráfica que modela la superficie de una piedra), el artista francés Honoré Daumier, siendo un hombre que odiaba toda opresión y violencia, siempre respondió a los problemas apremiantes de su tiempo, dándoles su propia valoración. Inició su labor como caricaturista, realizando dibujos satíricos para una revista. Sus litografías se agotaron instantáneamente, eran conocidas por todos.
Los contemporáneos percibieron la famosa litografía “Calle Transnonen” como una protesta contra el terror y el derramamiento de sangre que se produjo después de la Revolución de Julio (1834). La base histórica de este trabajo fueron los hechos de abril de 1834 asociados con la dispersión de manifestaciones políticas por parte de las tropas gubernamentales. Desde la casa número 12 de la calle Transnonen, desde alguna ventana cubierta con persianas, disparan contra los soldados que dispersan la manifestación. En respuesta, los soldados irrumpieron en la casa y mataron a todos los residentes. Daumier quería que la litografía no provocara lástima, sino ira. Así es exactamente como lo percibieron sus contemporáneos: "esto no es una caricatura, no una caricatura, esta es una página sangrienta de la historia moderna, una página creada por una mano viva y dictada por una noble indignación".
Daumier, un caricaturista, era muy conocido por el público, pero no muchos sabían que se dedicaba a la pintura. Los lienzos se han acumulado en el pequeño estudio del artista. Un lugar especial pertenece a las pinturas sobre Don Quijote. Un caballero sin miedo ni reproche, vagando en busca del bien y la justicia, atrajo a Daumier con su fuerza de espíritu. Detrás de apariencias divertidas y acciones ridículas se esconde nobleza, grandeza y compasión por las personas.
2. Gustave Courbet Pintor, paisajista, pintor de género y retratista francés. Se le considera uno de los finalistas del romanticismo y los fundadores del realismo en la pintura. Uno de los artistas más importantes de Francia durante el siglo XIX, figura clave del realismo francés.
Nacido en Francia, su entrada en la pintura francesa fue escandalosa. Algunos criticaron furiosamente sus obras, calificándolas de feas, mientras que otros, por el contrario, le auguraban un gran futuro. En París, en 1855 inauguró la exposición “Pabellón del Realismo”. Courbet buscó retratar a las personas tal como son, tan feas y groseras como él las ve. La gran atención al mundo circundante, la naturaleza, las relaciones sociales y las características individuales del hombre determinaron la esencia del movimiento realista en el arte.
En su cuadro “Trituradora de piedras”, un viejo trabajador con ropas toscas remendadas y zapatos de madera agrietados, arrodillado, rompe con un martillo piedras preparadas para la construcción. Un joven vestido con harapos difícilmente puede sostener una canasta pesada en sus manos. En los periódicos el artista fue acusado de glorificar lo feo, pero basta mirar el cuadro “Windwinners” para comprender con qué respeto Courbet pintaba a los trabajadores.
3. “Pintor campesino”: este es el apodo de Jean Millet, un artista francés. El mundo del campo francés se convirtió en una fuente inagotable de su creatividad. Ya artista famoso, continuó dedicándose al trabajo campesino, dedicando su tiempo libre a la pintura.
En 1857 se presentó su lienzo “Recolectores de orejas”. A los recolectores se les permitió caminar por los campos al amanecer y recoger las espiguillas perdidas por los cortacéspedes. En este lienzo, el artista representó a tres de ellos inclinados sobre el suelo en una reverencia baja: solo así logran recoger las mazorcas de maíz que quedan después de la cosecha... En ellos, Millet mostró tres fases de movimiento pesado, que las mujeres tenían que repetir constantemente una y otra vez: doblar, recoger la espiguilla con el grano y enderezarla nuevamente. Los pequeños racimos en sus manos contrastan con la rica cosecha que se ve al fondo. Hay montones de heno, gavillas, un carro y una multitud de segadores ocupados en el trabajo.
El artista supo transmitir con mucha precisión el arduo trabajo de los campesinos, su pobreza y humildad. Sin embargo, la obra provocó valoraciones diferentes por parte del público y la crítica, lo que obligó a Millet a recurrir temporalmente a lados más poéticos de la vida campesina.
Apéndice 4.
Grupo 3 “Salón de los Rechazados” (ARTISTAS IMPRESIONISTAS) París, 1863, Palacio de la Industria: El jurado del famoso Salón de la exposición de arte que se celebra aquí anualmente rechaza alrededor del setenta por ciento de las obras presentadas... El propio emperador Napoleón III tuvo que intervenir en el escándalo que estalló. Habiendo conocido las pinturas rechazadas, permitió gentilmente que fueran presentadas en otra parte del Palacio de Industria. Así, el 15 de mayo de 1863 se inauguró una exposición que inmediatamente recibió el nombre de “Salón de los Rechazados”.
El final del siglo XIX y principios del XX fueron una época de cambios. El progreso científico y tecnológico y los cataclismos políticos provocaron cambios serios en el arte e identificaron caminos de desarrollo nuevos y originales. El arte del siglo XIX se percibe como un rechazo de las antiguas tradiciones artísticas, un intento de repensar creativamente la herencia clásica del pasado. Aparecen innovaciones y experimentos audaces, ilimitados por cualquier marco o convención. El artista quedó liberado y libre en su creatividad. Se guiaba por sus propios gustos y preferencias.
Impresionismo: la palabra francesa impresión se traduce como impresión.
A diferencia de los románticos y los realistas, los impresionistas no buscaban representar el pasado histórico; su esfera de interés era el presente.
Habiendo propuesto sus propios principios de percepción y visualización del mundo circundante, crearon un nuevo lenguaje pictórico. Lo importante para ellos no era la trama en sí, sino su percepción sensorial, la impresión que podía causar en el espectador. Los impresionistas intentaron transmitir "momentos", sensaciones momentáneas en la pintura. Estas sensaciones destruyeron las formas habituales y los diseños estándar. Su visión era puramente individual.
1. El representante más destacado del impresionismo y uno de sus fundadores es Edouard Manet, quien queda impresionado por su cuadro "Retrato de Emile Zola".
La luz del sol brillante y el estado de ánimo feliz de una persona son los medios de expresión del artista. El centro de la atención general fue el cuadro de Edouard Manet “Almuerzo sobre la hierba”.
Utilizando y reinterpretando los temas y motivos de las pinturas de los viejos maestros, Manet buscó llenarlos con un sonido moderno y agudo, introduciendo polémicamente la imagen del hombre moderno en famosas composiciones clásicas. El camino de Manet hacia la fama resultó ser largo y difícil; el jurado del Salón rechazaba invariablemente sus cuadros y sólo unos pocos se atrevían a defender al artista. Entre ellos se encontraba Emile Zola, que escribió en el periódico: “El lugar del señor Manet en el Louvre ya está asegurado”.
“Retrato de Emile Zola”: el artista representa a su amigo en su estudio junto a un escritorio lleno de papeles y libros. El interior demuestra los gustos del propietario: un biombo japonés con un paisaje fantástico, una reproducción de un cuadro de Manet. La apariencia del escritor revela una personalidad fuerte, una individualidad brillante.
"Desayuno sobre la hierba", que provocó una tormenta de emociones, duras críticas y un veredicto unánime de que este "desayuno" es absolutamente "incomible". El público estaba especialmente indignado por el hecho de que en un claro del bosque se habían reunido hombres con corbatas y bastones, vestidos y calzados decentemente, y junto a ellos brillaban cuerpos femeninos desnudos. El título del cuadro adquiere un significado picante, sobre todo porque en realidad no se representa nada comestible. En la esquina izquierda del primer plano hay un leve indicio de comida, pero se ve claramente que en un trozo de tela, tal vez el vestido de alguien, hay una canasta medio vacía con varios hongos, y en las hojas verdes cercanas se ven varias bayas. . Eso es todo el desayuno. Dos hombres bastante jóvenes, tumbados libremente sobre la hierba, hablan animadamente de algo. El de la derecha, gesticulando, cuenta algo interesante, divertido, porque el interlocutor sonríe dulcemente. Una sonrisa avergonzada también brilla en el rostro de la mujer sentada a su lado. Debajo hay una tela azul claro arrugada, la mujer en sí está sentada en una postura relajada y relajada, completamente desnuda, no demasiado joven, un poco gordita. La pareja sentada uno al lado del otro tiene el mismo color de pelo, tienen la misma edad, quizás cónyuges. La segunda mujer, con una camisa blanca, holgada y ligera, se ve un poco más lejos, pero puede oír la conversación, se ve claramente que escucha y también sonríe. La imagen está llena de paz brillante y cálida dicha.
Zola llamó al lienzo carne sólida, modelada por corrientes de luz de manera simple, veraz y perspicaz.
2. Pero los impresionistas realmente se dieron a conocer en 1874 con una exposición conjunta. Todo un movimiento recibió el título basado en el cuadro de Claude Monet “Impresión”. Amanecer” (después de todo, en francés “impresión” es “imprisión”).
El término “impresionismo” surgió de la mano ligera del crítico de la revista “Le Charivari” Louis Leroy, quien tituló su feuilleton sobre el Salón de los Rechazados “Exposición de los Impresionistas”, tomando como base el título de este cuadro de Claude Monet.
Monet, un refinado paisajista enamorado de los suburbios de París, era un apasionado del elemento agua.
Claude Monet introdujo la práctica de crear una serie de pinturas con diferente iluminación, por ejemplo, “La Catedral de Rouen”. Durante dos años viajó a Rouen y observó el juego de luces. Monet pintó más de 20 vistas de la catedral en diferentes momentos del día: bajo los rayos del sol de la mañana, en el deslumbrante mediodía, en el crepúsculo de la tarde. El público empezó a hablar de la monotonía de sus cuadros.
3. Camille Pissarro comenzó a pintar cualquiera de sus cuadros desde el cielo, creyendo que el cielo le da profundidad y movimiento. Esto dijo Pissarro sobre la creación de sus cuadros. “Solo veo manchas. Cuando empiezo un cuadro, lo primero que hago es... establecer una proporción. Sin duda existe una cierta relación entre este cielo, tierra y agua, y esta relación no puede ser otra que armoniosa. Ésta es la principal dificultad de pintar. Cada vez me interesa menos el lado material de la pintura (es decir, las líneas). Lo más importante es reducir todos, hasta el más mínimo detalle, a la armonía del todo, es decir, a la coherencia”. El lienzo “Boulevard Montmartre en París” nos traslada a una transitada autopista. Muchos carruajes se mueven en diferentes direcciones, los transeúntes se apresuran. Todo está envuelto en una neblina lila transparente. El artista pinta con trazo rápido, sin apenas tocar el lienzo con el pincel.
Pero de estos puntos y trazos surge la imagen de un día soleado de primavera, vivaz y bullente.
4. A Auguste Renoir se le llama el mago de la luz. Los destellos de luz animan la imagen y la ponen en movimiento. Las obras se distinguen por una composición animada y conmovedora. Renoir escribió: “Me encantan los cuadros que me dan ganas de adentrarme en sus profundidades, si es un paisaje, o tocarlo con la mano, si es la imagen de una mujer…”. La mayoría de las veces, Renoir pinta mujeres y niños, considerándolos las creaciones más perfectas de la naturaleza. No le atraen las frías bellezas seculares, sino las francesas "reales" alegres y vivaces. Pero para el retrato "Chica con abanico" se creó una imagen completamente diferente. Una chica joven y divertida. La cara está pintada en tonos delicados, el espeso cabello negro es de color lila y morado. Los reflejos rojizos de la silla se reflejan en la lona blanca del abanico.
5. La técnica del pastel abrió enormes posibilidades en el uso del color (p.
pastel) - pintar con lápices de colores y polvos de colores. A Edgar Degas le encantaba especialmente trabajar allí. La textura de los pasteles es aterciopelada, capaz de transmitir la vibración del color, que parece brillar desde dentro. En la película "Bailarines azules"
La técnica del pastel se utiliza para realzar el efecto decorativo y el sonido ligero de la composición. El snob de la luz brillante que inunda la imagen ayuda a crear una atmósfera festiva especial de danza del ballet; parece que aquí la luz reemplaza completamente el dibujo, organiza y conduce a un significado único de una compleja sinfonía de colores. Con tutús de color azul brillante y flores en el pelo, las bailarinas parecen hermosas hadas participando en un espectáculo mágico.
La pintura se conserva en el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A. S. Pushkin en Moscú, que fue recibida en 1948 del Museo Estatal de Nuevo Arte Occidental; Hasta 1918 estuvo en la colección de Sergei Ivanovich Shchukin en Moscú; después de pintar, la pintura se guardó en la colección Durand-Ruel en París.
Apéndice 5.
Grupo 4 “Encontrar tu propio camino” (VISITANTES DE LA EXPOSICIÓN) A finales del siglo XIX, los artistas Paul Cezanne y Vincent Van Gogh se dieron a conocer a gritos. Se unieron en un grupo que dio nombre al nuevo movimiento artístico, el postimpresionismo. El postimpresionismo (postimpresionismo francés) es un movimiento de bellas artes. Surgió en los años 80 del siglo XIX. Los artistas de este movimiento no se adhirieron sólo a las impresiones visuales, sino que buscaron transmitir libre y generalmente la materialidad del mundo y recurrieron a la estilización decorativa. El inicio del postimpresionismo recae en la crisis del impresionismo de finales del siglo XIX.
1. La búsqueda incansable de una nueva solución compositiva para las pinturas, métodos de transmisión del color y la luz es característica de la obra de Paul Cezanne.
Pintó naturalezas muertas con frutas; lo que menos le preocupaba era su similitud con el original. Lo inusual en la obra de Cézanne fue el uso del color; el artista creía que los colores fríos (azul y verde) tienen la propiedad de penetrar más profundamente en la imagen, haciéndola tridimensional.
2. Vincent Van Gogh: artista postimpresionista holandés de fama mundial. Desde su primera exposición de pinturas a finales de la década de 1880, la fama de Van Gogh ha crecido constantemente entre sus pares, críticos de arte, marchantes y coleccionistas. Tras su muerte, se organizaron exposiciones conmemorativas en Bruselas, París, La Haya y Amberes.
“Girasoles” es el nombre de dos ciclos de pinturas del artista holandés Vincent van Gogh. La primera serie se realizó en París en 1887. Está dedicado a las flores tumbadas. La segunda serie se completó un año después, en Arles. Representa un ramo de girasoles en un jarrón. El amigo de Van Gogh, Paul Gauguin, adquirió dos cuadros parisinos.
Los “lirios” fueron pintados por el artista mientras vivía en el hospital del Mausoleo de San Pablo cerca de Saint-Rémy-de-Provence, un año antes de su muerte en 1890. La película carece de la alta tensión que aparece en sus trabajos posteriores. Llamó a la pintura "un pararrayos para mi enfermedad" porque sintió que podía mantener a raya su enfermedad mientras seguía pintando.
Durante los dos últimos meses de su vida, de mayo a julio de 1890, Van Gogh vivió en Auvers-sur-Oise, cerca de París, donde, entre otras cosas, pintó varios cuadros con flores. “Pink Roses” es una de las mejores pinturas de esta serie. Es característico de la obra tardía del artista. En contraste con los naranjas y amarillos brillantes que usó en Arles (por ejemplo, en el ciclo de los Girasoles), aquí Van Gogh usa una combinación de colores más suave y melancólica, hablando del clima más fértil y húmedo del norte. Esta pintura también es típica del último período de la obra de Vincent van Gogh en el sentido de que prácticamente no hay gravedad (a primera vista parece que la pintura se puede voltear, pero el efecto no cambiará) y espacialidad (las flores parecen ser empujado fuera del plano de la imagen hacia el espacio, donde se encuentra el espectador). Van Gogh logró transmitir al observador la sensación de proximidad de las rosas. La ubicación de la pintura en la parte inferior se indica mediante el cuenco casi invisible debajo de las flores, y la profundidad se insinúa sólo por la forma ligeramente cambiante de los trazos y un ligero cambio en los tonos de verde. Los contornos nítidos de color azul oscuro de las hojas y tallos de las rosas, así como las líneas vibrantes y retorcidas, son un ejemplo de la influencia de la talla de madera japonesa en el artista. Aunque estas técnicas recuerdan el estilo de Paul Gauguin y Emile Bernard, Van Gogh las utiliza a su manera, indescriptible.
El cuadro "Viñedos rojos en Arles" fue pintado por Van Gogh en 1888.
Viviendo en el sur de Francia, el artista se inspiró infinitamente en las vistas urbanas y rurales, los colores brillantes de la naturaleza y la luz del sol. Este período es el más productivo en la obra de Van Gogh.
Gauguin lo visitó en Arles y un día, al regresar a casa desde las afueras de la ciudad, los artistas presenciaron una pintura inusual:
el sol poniente iluminaba el viñedo con sus rayos, pintando las hojas de un color rojo carmesí, y la gente y la tierra en tonos lila ceniza. Poco después, Van Gogh comenzó a trabajar en un cuadro que representaba la vendimia en las cercanías de Montmajour. El artista representó no solo un paisaje, sino una especie de parábola, donde todo tiene un significado simbólico. El sol enorme y ardiente en el cielo amarillo proyecta reflejos verdes y naranjas. Todo lo que hay en el suelo parece derretirse debajo de él.
Las hojas de vid se vuelven de un brillo rojo y el suelo debajo de ellas adquiere un tono púrpura. El lado derecho de la imagen está dedicado al agua, que refleja el cielo amarillo ardiente.
Las personas que recogen uvas son un símbolo de vida. Van Gogh entendió su trabajo diario como algo que permite a una persona convertirse en parte integral del universo.
La pintura se convirtió en una de las pocas obras vendidas durante la vida de Van Gogh. Ahora se encuentra en el Museo Pushkin de Moscú.
Apéndice 6.
Música en el siglo XIX.
Los compositores de la primera mitad del siglo XIX fueron F. Liszt, F. Chopin, F. Schubert, R. Schumann. Los compositores de esta escuela se caracterizaron por una tendencia hacia las formas pequeñas. Su música es lírica y melódica y predominantemente música de cámara.
Al mismo tiempo, la ópera italiana vivía su apogeo. Sus representantes más brillantes son G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. En la ópera italiana, dos direcciones estaban en conflicto: una gravitaba hacia la ópera buffa tradicional (es decir,
comedia), otro indicó una tendencia hacia la formación de una ópera nacional.
El representante de este último fue G. Verdi (1813-1901). Fue autor de las óperas “Regoleto”, “La Traviata”, “Otelo”, “Macbeth”, “Aida”, “Falstaff”, “Il Trovatore” y otras. Las arias de sus óperas se convirtieron en canciones populares e himnos nacionales que llamaban a los italianos a luchar por la independencia.
J. Bizet y R. Wagner emprendieron una seria reforma de la ópera. Bizet, autor de una de las óperas más populares, Carmen, defendió una trama extremadamente realista y una melodía que expresa con franqueza los sentimientos humanos. R. Wagner destruyó la estructura habitual de la ópera, introduciendo en ella elementos de una representación dramática y un concierto sinfónico. Había mucho concierto sinfónico en sus óperas. Sus óperas tuvieron muchas inserciones sinfónicas y recitativos.
“La reforma de la música sinfónica estuvo a cargo del compositor francés C. Debussy. Debussy abandonó las melodías habituales por la música sinfónica. Intentó reflejar sentimientos destruyendo formas musicales establecidas.
Franz Schubert es un compositor austriaco, uno de los fundadores del romanticismo en la música, autor de unas 600 canciones, nueve sinfonías y una gran cantidad de música de cámara y piano solo. (escuchando un fragmento de la grabación “El rey del bosque”) Frederic Chopin es autor de numerosas obras para piano.
El mayor representante del arte musical polaco. Interpretó muchos géneros de una manera nueva: revivió el preludio sobre una base romántica, creó una balada para piano, poetizó y dramatizó bailes: mazurca, polonesa, vals; convirtió el scherzo en una obra independiente.
Giuseppe Verdi es un gran compositor italiano, cuya obra es uno de los mayores logros de la ópera mundial y la culminación del desarrollo de la ópera italiana del siglo XIX. El compositor creó más de 26 óperas y un réquiem. Las mejores óperas del compositor: Un ballo in maschera, Rigoletto, Trovatore, La Traviata. El pináculo de la creatividad son las últimas óperas: "Aida", "Otelo".
Georges Bizet es un compositor francés del período romántico, autor de obras orquestales, romances, piezas para piano y óperas, la más famosa de las cuales fue Carmen.
Claude Debussy no sólo fue uno de los compositores franceses más importantes, sino también una de las figuras más importantes de la música de principios de los siglos XIX y XX; su música representa una forma de transición de la música romántica tardía al modernismo en la música del siglo XX.
