Bodegones holandeses con flores y pinturas utilizadas. Exquisita naturaleza muerta holandesa: obras maestras de una vida tranquila
Un fenómeno cultural único XVII siglo se llama la naturaleza muerta floral holandesa, que tuvo una influencia significativa en todo mayor desarrollo pintura en Europa.
Con amor y cuidado, los artistas descubrieron la belleza de la naturaleza y el mundo de las cosas, mostrando su riqueza y diversidad. Ramos de rosas, nomeolvides y tulipanes de Ambrosius Bosschaert el Viejo, quien se convirtió en el fundador de la pintura de bodegones florales como movimiento independiente, encanta y atrae la atención.
ABROSIO BOSCARTO EL ANCIANO 1573-1621
Bosschaert comenzó su carrera en Amberes en 1588. De 1593 a 1613 trabajó en Middelburg, luego en Utrecht (desde 1616) y en Breda.
En los lienzos de Bosshart, a menudo se representan mariposas o conchas junto a ramos de flores. En muchos casos, las flores se marchitan, lo que introduce en los lienzos de Bosshart un motivo alegórico de la fragilidad de la existencia ( vanitas)
Tulipanes, rosas, claveles blancos y rosados, nomeolvides y otras flores en un jarrón.
A primera vista, los ramos parecen pintados de la naturaleza, pero tras una inspección más cercana resulta evidente que están formados por plantas que florecen en diferentes épocas. La impresión de naturalidad y verosimilitud surge del hecho de que las imágenes de colores individuales se basan en "estudios" naturales individuales.
Un fragmento ampliado de un boceto de Jan Van Huysum, que se conserva en el Met.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Sered. siglo 17
Este era el método de trabajo habitual de los pintores de bodegones florales. Los artistas hicieron cuidadosos dibujos en acuarela y gouache, dibujando flores del natural, desde diferentes ángulos y bajo diferente iluminación, y estos dibujos luego les sirvieron repetidamente: los repitieron en pinturas.
Jacob Morrel. "Dos tulipanes"
También se utilizaron como material de trabajo dibujos de otros artistas, grabados de colecciones impresas y atlas botánicos.
Los clientes, nobles y burgueses, apreciaban en los bodegones que las flores representadas eran "como si estuvieran vivas". Pero estas imágenes no eran naturalistas. Son románticos y poéticos. La naturaleza en ellos se transforma mediante la pintura.
Naturaleza muerta con flores en un jarrón. 1619
Se crearon “retratos” de flores, pintados sobre pergamino con acuarela y gouache, para álbumes florísticos en los que los jardineros buscaban inmortalizar plantas extrañas. Las imágenes de tulipanes son especialmente numerosas. Casi todos los bodegones holandeses contienen tulipanes.
Ambrosius Bosshart "Flores en un jarrón" 1619.Rijksmuseum, Ámsterdam.
En el siglo 17 En Holanda hubo un verdadero boom de tulipanes; a veces se hipotecaba una casa por un bulbo de tulipán raro.
Los tulipanes llegaron a Europa en 1554. Fueron enviados a Augsburgo por el embajador alemán ante la corte turca, Busbeck. Durante sus viajes por el país quedó fascinado al ver estas delicadas flores.
Pronto los tulipanes se extendieron a Francia, Inglaterra, Alemania y Holanda. Los propietarios de bulbos de tulipán en aquellos días eran personas verdaderamente ricas: personas de sangre real o cercanas a ellos. En Versalles se celebraron celebraciones especiales en honor al desarrollo de nuevas variedades.
Naturaleza muerta con flores.
No sólo los nobles holandeses, sino también los burgueses comunes y corrientes podían permitirse el lujo de poseer hermosas naturalezas muertas.
El número de bodegones de flores holandeses es enorme, pero esto no les resta valor valor artístico. Después de las subastas, cuando la situación económica de Holanda dejó de ser brillante, las pintorescas colecciones de las casas de los burgueses acabaron en los palacios de los nobles y reyes europeos.
Ramo de flores 1920
En el centro de este ramo vemos un azafrán, pero es enorme. Un poco de información sobre esta flor que nos resulta familiar.
azafrán - planta medicinal, afrodisíaco y tinte. De sus estambres se obtiene una excelente especia: el azafrán, que se añade a los dulces orientales. El lugar de nacimiento del azafrán es Grecia y Asia Menor. Al igual que los jacintos y los lirios, el azafrán se convirtió en un héroe de los mitos de los antiguos griegos y aparecía representado en las pinturas palaciegas.
Según una antigua leyenda, el suelo estaba cubierto de jacintos y azafranes para la boda y la primera noche de bodas Hera y Zeus.
Otra leyenda describe la historia de un joven llamado Crocus, quien con su belleza atrajo la atención de una ninfa, pero permaneció indiferente ante su belleza. Entonces la diosa Afrodita convirtió al joven en flor y a la ninfa en enredadera, creando así una unión inseparable.
Flores en un jarrón de cristal.
El deseo de los artistas de diversificar la composición de sus ramos los obligó a viajar a diferentes ciudades y realizar dibujos a escala real en los jardines de los amantes de las flores en Amsterdam, Utrecht, Bruselas, Haarlem y Leiden. Los artistas también tuvieron que esperar el cambio de estación para capturar la flor deseada.
Flores. 1619
Flores en un jarrón chino.
Flores en una canasta.
Naturaleza muerta con flores en una hornacina.
Flores en un nicho.
En los bodegones de frutas y flores, una combinación aparentemente aleatoria de representantes de la flora y la fauna aparentemente no relacionados encarnaban indirectamente ideas sobre la pecaminosidad perecedera de todas las cosas terrenales y, por el contrario, la incorruptibilidad de la verdadera virtud cristiana.
Casi todos los “personajes” de una naturaleza muerta lenguaje complejo los símbolos denotaban una idea determinada: la mortalidad de todo lo terrenal (por ejemplo, un lagarto o un caracol), estúpida pecaminosidad y fragilidad. vida humana, que podría simbolizar, en particular, el tulipán.
Flores en un jarrón de cristal.1606
Según las ideas de los flamencos y holandeses, esto flor delicada no sólo era una encarnación visible de una belleza que se desvanecía rápidamente, sino que su cultivo era percibido por muchos como una de las profesiones más vanas y egoístas);
Las conchas exóticas de ultramar, que alguna vez fueron un objeto de colección de moda, insinuaban un gasto imprudente de dinero; un mono con un melocotón ha sido considerado tradicionalmente un símbolo del pecado original.
Bodegón con flores en una botella de vidrio verde.
Por otro lado, una mosca sobre el mismo melocotón o rosa solía evocar asociaciones con el simbolismo de la muerte, el mal y el pecado; uvas y rotas nueces- insinuó la Caída y, al mismo tiempo, el sacrificio expiatorio de Cristo en la cruz. Las bayas rojas de una cereza madura son un símbolo del amor divino, mientras que una mariposa revoloteando personifica el alma salvada de los justos.
Cesta.
La dirección artística de Ambrosius Bosschaert continuó siendo desarrollada por sus tres hijos: Ambrosius Bosschaert el Joven, Abraham Bosschaert y Johannes Bosschaert, así como por su yerno Balthasar van der Ast. Sus obras, en general bastante numerosas, son invariablemente. muy demandado en las subastas de arte.
Fuentes.
El surgimiento del género de la “naturaleza muerta” en los Países Bajos es un regalo del protestantismo. En la época católica, el principal cliente de los artistas era la Iglesia y, naturalmente, la pintura se limitaba a temas religiosos y edificantes. El calvinismo no reconoció los íconos ni el arte de la iglesia en general. Los pintores buscaban un nuevo mercado y lo encontraron en las casas de posaderos, comerciantes y agricultores.
En Holanda, las pinturas que representan objetos se llamaban "stilleven", que se puede traducir como "naturaleza tranquila, modelo" y "vida tranquila", que transmite con mucha precisión los detalles. naturaleza muerta holandesa.
El foco de atención de los artistas descendió del cielo a la tierra; ahora no estaban interesados en reflexiones piadosas, sino en un estudio detenido de los detalles del mundo material. Pero en la Creación buscaron al Creador.
“El Señor nos dio dos libros: el libro de las Escrituras y el libro de la Creación. Del primero aprendemos sobre Su misericordia como Salvador, del segundo, sobre la grandeza del Creador”, escribió el filósofo medieval Alan de Lille. La creación participa también en la historia de la salvación: el hombre cayó a través de la manzana, y a través del pan y del vino recupera la salvación. El simbolismo contenido en la imagen también proviene de tradiciones anteriores.
Los primeros alambiques, incluso son sencillos: pan, una copa de vino, fruta, pescado, tocino. Pero todos los objetos que contienen son simbólicos: el pez es un símbolo de Jesucristo; carne - carne mortal; el cuchillo es símbolo de sacrificio; el limón es un símbolo de sed insaciada; unas cuantas nueces con cáscara: un alma atada por el pecado; la manzana recuerda la Caída; el vino o las uvas son símbolo de la Sangre; El pan es símbolo de la Carne de Cristo. Insectos, cráneos humanos, platos rotos y caza muerta, a menudo incluida en la composición de las pinturas. Una concha es una concha dejada por una criatura que alguna vez vivió en ella; las flores marchitas son un símbolo de muerte. Una mariposa nacida de un capullo significa resurrección.
Como resultado de las actividades de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, que equipaba buques mercantes para Lejano Oriente, las tiendas holandesas vendían especias, porcelana china, seda y otros productos exóticos. Además, se formaron colonias holandesas en el Cabo de Buena Esperanza, en Indonesia, Surinam, las Antillas y en toda Asia. Las colonias enriquecieron el país y los bodegones empezaron a llenarse de riquezas terrenales: manteles de alfombra, copas de plata, nácar. La comida sencilla fue sustituida por ostras, jamón, frutas exoticas. El simbolismo da paso a una ingenua admiración por la creación de las manos humanas.
Una característica de la pintura holandesa fue la especialización de los artistas por género. Dentro del género de la naturaleza muerta, incluso había una división en temas separados, y diferentes ciudades tenían sus propios tipos de naturaleza muerta favoritos, y si un pintor se mudaba a otra ciudad, a menudo cambiaba abruptamente su arte y comenzaba a pintar esas variedades. del género que eran populares en ese lugar.
Haarlem se convirtió en la cuna del tipo más característico de naturaleza muerta holandesa: el “desayuno”. Las pinturas de Peter Claes representan una mesa puesta con platos y platos. Un plato de hojalata, un arenque o un jamón, un panecillo, una copa de vino, una servilleta arrugada, un limón o una rama de uva, los cubiertos: la selección escasa y precisa de los elementos crea la impresión de una mesa puesta para una sola persona.
La presencia de una persona está indicada por el desorden "pintoresco" introducido en la disposición de las cosas y la atmósfera de un interior residencial acogedor, logrado mediante la transmisión de un ambiente luminoso. El tono gris-marrón dominante une los objetos en una sola imagen, mientras que la naturaleza muerta se convierte en un reflejo de los gustos y el estilo de vida individuales de cada persona.
Otro residente de Haarlem, Willem Heda, trabajó en la misma línea que Klas. El colorido de sus pinturas aún es en mayor medida subordinado a la unidad tonal, está dominado por un tono gris plateado, fijado por la imagen de utensilios de plata o peltre. Por esta colorida moderación, las pinturas comenzaron a llamarse “desayunos monocromáticos”.
En Utrecht se desarrollaron bodegones florales exuberantes y elegantes. Sus principales representantes son Jan Davids de Heem, Justus van Huysum y su hijo Jan van Huysum, que se hizo especialmente famoso por su cuidada escritura y su color claro.
La Universidad de Leiden creó y mejoró el tipo de naturaleza muerta filosófica "vanitas" (vanidad de vanidades). En las pinturas de Harmen van Steenwijk y Jan Davids de Heem, los objetos que encarnan la gloria y la riqueza terrenales (armaduras, libros, atributos del arte, utensilios preciosos) o placeres sensuales (flores, frutas) se yuxtaponen a una calavera o un reloj de arena como recordatorio. de la fugacidad de la vida.
A mediados de siglo, el tema de los modestos “desayunos” se transformó en lujosos “banquetes” y “postres” en las obras de Willem van Elst, Willem Kalf y Abraham van Beyeren. Las copas doradas, la porcelana china y la loza de Delft, los manteles de alfombra y las frutas del sur subrayan el gusto por la gracia y la riqueza que se impuso en la sociedad holandesa a mediados de siglo. En consecuencia, los desayunos “monocromáticos” están siendo reemplazados por un sabor jugoso, rico en colores y cálido y dorado.
Hoy conoceremos a uno de los mejores maestros del bodegón de lujo holandés, WILLEM KALF 1619-1693.
Willem Kalf fue el sexto hijo de la familia de un rico comerciante de telas de Rotterdam y miembro del ayuntamiento de la ciudad. El padre de Willem murió en 1625, cuando el niño tenía 6 años. La madre continuó el negocio familiar, pero sin mucho éxito.
No hay información sobre con qué artista estudió Kalf; quizás su maestro fue Hendrik Poth de Haarlem, donde vivían los familiares de los Kalf. Poco antes de la muerte de su madre en 1638, Willem abandonó su ciudad natal y se mudó a La Haya, y luego en 1640-41. se instaló en París.
Allí, gracias a su " interiores campesinos", escrito en la tradición flamenca, cercano a la obra de David Teniers y otros. artistas XVII C., Kalf rápidamente ganó reconocimiento.
En sus interiores rústicos figuras humanas estaban más bien en el fondo, y toda la atención del espectador se concentraba en frutas, verduras y verduras bien iluminadas, coloridas y hábilmente distribuidas. diferentes materias artículos para el hogar.
Aquí creó nuevo uniforme una naturaleza muerta ingeniosamente agrupada con objetos caros y ornamentados ( en la mayor parte botellas, platos, vasos) fabricados con materiales que reflejan la luz: oro, plata, estaño o vidrio. La habilidad de este artista alcanzó su punto máximo en el período de Amsterdam de su trabajo en el fascinante " BODEGÓN DE LUJO»
Naturaleza muerta con un cuerno para beber perteneciente al gremio de arqueros de San Sebastián, una langosta y vasos - Willem Kalf. Alrededor de 1653.
Esta naturaleza muerta es una de las más famosas.
Fue creado en 1565 para el gremio de arqueros de Ámsterdam. Cuando el artista trabajó en esta naturaleza muerta, el cuerno todavía se utilizaba durante las reuniones del gremio.
Esta maravillosa vasija está hecha de cuerno de búfalo, el cierre es de plata, si miras de cerca, puedes ver figuras en miniatura de personas en el diseño del cuerno; esta escena nos habla del sufrimiento de San Pedro. Sebastián, patrón de los arqueros.
La tradición de añadir limón pelado al vino del Rin surgió del hecho de que los holandeses consideraban este tipo de vino demasiado dulce.
La langosta, el cuerno de vino con su brillante borde de filigrana plateada, los vasos transparentes, el limón y la alfombra turca están representados con un cuidado tan sorprendente que da la ilusión de que son reales y se pueden tocar con la mano.
La ubicación de cada elemento se elige con tal cuidado que el grupo en su conjunto forme una armonía de color, forma y textura. Luz calida, envolviendo los objetos, dándoles la dignidad de objetos preciosos. joyas, y su rareza, esplendor y fantasía reflejan los gustos refinados de los coleccionistas holandeses del siglo XVII, una época en la que las naturalezas muertas eran extremadamente populares.
Bodegón con jarra y fruta. 1660
En 1646, Willem Kalf regresó por algún tiempo a Rotterdam, luego se mudó a Amsterdam y Hoorn, donde en 1651 se casó. Cornelia Plouvier, hija de un ministro protestante.
Cornelia era una famosa calígrafa y poetisa, era amiga de Constantijn Huygens, el secretario personal de los tres estatúderes de la joven República Holandesa, un poeta respetado y probablemente el experto más experimentado en teatro mundial y arte musical de su época.
En 1653 Pareja casada Se mudó a Amsterdam, donde tuvieron cuatro hijos. A pesar de su riqueza, Kalf nunca adquirió su propia casa.
Naturaleza muerta con tetera.
Durante la época de Amsterdam, Kalf empezó a incluir objetos exóticos en sus perfectas naturalezas muertas: jarrones chinos, conchas y frutas tropicales nunca vistas hasta entonces: naranjas y limones a medio pelar. Estos artículos fueron traídos a los Países Bajos desde América; eran objetos de prestigio favoritos para los burgueses ricos, que hacían alarde de su riqueza.
Bodegón con nautilus y cuenco chino.
Los holandeses amaban y entendían un buen interior, una mesa cómoda, donde todo lo necesario estaba a mano, utensilios convenientes, en el mundo material que rodea a una persona.
En el centro vemos una elegante copa de nautilo hecha de una concha, así como un hermoso jarrón chino. En el exterior está decorado con ocho figuras en relieve, que personifican a los ocho inmortales en el taoísmo, el cono de la tapa es el contorno de un. León budista.
Este bodegón se complementa con una alfombra persa tradicional de Kalfa y un limón con una fina espiral de piel.
La pirámide de objetos se ahoga en la bruma del crepúsculo, a veces sólo los reflejos de la luz indican la forma de las cosas. La naturaleza creó una concha, un artesano la convirtió en una copa, un artista pintó una naturaleza muerta y nosotros disfrutamos de toda esta belleza. Después de todo, poder ver la belleza también es un talento.
Bodegón con copa de cristal y fruta 1655.
Como todas las naturalezas muertas de esa época, las creaciones de Kalf tenían como objetivo expresar la idea iconográfica de la fragilidad: "memento mori" ("recordar la muerte"), para servir como una advertencia de que todas las cosas, vivas e inanimadas, son en última instancia transitorias.
Bodegón con frutas y copa nautilus.1660g
Para Kalf, sin embargo, había algo más importante. Toda su vida tuvo un gran interés por el juego de la luz y los efectos de la luz en varios materiales, empezando por la textura de las alfombras de lana, el brillo de los objetos metálicos de oro, plata o estaño, el suave resplandor de la porcelana y las conchas multicolores, hasta el misterioso brillo de los bordes de los vasos y jarrones más bellos. al estilo veneciano.
Naturaleza muerta con sopera china.
Postre. Ermita.
Antes de ingresar al Hermitage en 1915, el cuadro “Postre” formaba parte de la colección del famoso geógrafo y viajero ruso P. P. Semenov-Tyan-Shansky, un gran conocedor y amante del arte holandés y flamenco.
Un brillante rayo de luz arranca de la penumbra un frutero, un melocotón sobre una bandeja de plata y un mantel blanco arrugado. Las copas de cristal y de plata todavía reflejan la luz, y la fina copa flauta llena de vino casi se funde con el fondo.
El artista transmite magistralmente la textura de cada objeto: un vaso, un plato de loza pintado, una copa dorada, una alfombra oriental, una servilleta blanca como la nieve. Hay un sentimiento en la imagen. Fuerte impacto, que el cuadro de Rembrandt tenía en Kalf: los objetos se muestran sobre un fondo oscuro, luz brillante como si los reviviera, envolviéndolos en la calidez de rayos dorados.
Naturaleza muerta con jarrón de porcelana, aguamanil de plata dorada y vasos
Bodegón Pronk con cuenco Holbein, copa Nautilus, copa de cristal y frutero
La composición de las naturalezas muertas de Kalf, pensada hasta el más mínimo detalle, está garantizada no sólo por reglas específicas, sino también por una dirección única y compleja.Luz.
Objetos de valor (copas cortadas, a menudo medio llenas de vino) aparecen gradualmente desde la oscuridad del fondo, después de un tiempo. A menudo, su forma sólo se adivina sorprendentemente por el reflejo de los rayos de luz. Nadie, excepto Kalf, logró mostrar de forma tan realista la luz que penetra a través del caparazón del nautilo. Con toda razón, a Kalf se le llama el “Vermeer de la pintura de naturalezas muertas”, y en algunos lugares lo superó.
Desde 1663 Kalf escribió menos, se dedicó al comercio del arte y se convirtió en un cotizado experto en arte.
Willem Kalf murió a la edad de 74 años, herido en una caída cuando regresaba de una visita.
Gracias a su singular habilidades visuales junto con una excelente educación y un amplio conocimiento de Ciencias Naturales amplió significativamente las posibilidades ilusionistas de la naturaleza muerta. Sus creaciones son ejemplos insuperables de este arte.
A pesar de que el nombre del género traducido del francés significa "naturaleza muerta". ¿Por qué, en boca de los holandeses, las composiciones de objetos inanimados, expuestos con colores vivos sobre lienzos, significaban vida? Sí, estas imágenes eran tan brillantes, fiables y expresivas que incluso los conocedores más inexpertos admiraron el realismo y la tangibilidad de los detalles. Pero no es sólo eso.
La naturaleza muerta holandesa es un intento de contar cuán vivo y cercano está cada objeto, cada partícula de este mundo está entretejida en mundo complejo persona y participa en ella. Los maestros holandeses crearon composiciones brillantes y pudieron representar con tanta precisión la forma, los matices de color, el volumen y la textura de los objetos que parecían almacenar la dinámica de las acciones humanas. Aquí hay una pluma que aún no se ha enfriado de la mano del poeta con una brillante gota de tinta, aquí hay una granada cortada, goteando jugo de rubí, y aquí hay un pan mordido y arrojado sobre una servilleta arrugada... Y al mismo tiempo, es una invitación a admirar y disfrutar encantadamente el esplendor y la diversidad de la naturaleza.
Temas e imágenes pintorescas.
La naturaleza muerta holandesa es inagotable en su abundancia de temas. Algunos pintores compartían la pasión por las flores y las frutas, otros se especializaban en la tosca verosimilitud de los trozos de carne y pescado, otros creaban con amor utensilios de cocina sobre lienzo y otros se dedicaban al tema de la ciencia y el arte.
La naturaleza muerta holandesa de principios del siglo XVII se distingue por su compromiso con el simbolismo. Los objetos tienen un lugar y un significado estrictamente definidos. La manzana en el centro de la imagen cuenta la historia de la caída del primer hombre, mientras que el racimo de uvas que la cubre cuenta la historia del sacrificio expiatorio de Cristo. Un cascarón vacío que alguna vez sirvió de hogar para molusco de mar, repite sobre la fragilidad de la vida, las flores caídas y secas, sobre la muerte, y una mariposa que sale de un capullo presagia la resurrección y la renovación. Balthasar Ast escribe de esta manera.
Los artistas de la nueva generación han propuesto una naturaleza muerta holandesa ligeramente diferente. La pintura “respira” con el esquivo encanto que se esconde en cosas comunes. Un vaso medio lleno, platos esparcidos sobre la mesa, frutas, un pastel cortado: la autenticidad de los detalles se transmite perfectamente mediante el color, la luz, las sombras, las luces y los reflejos, asociados de manera convincente con la textura de la tela, la plata, el vidrio y alimento. Estas son las pinturas de Pieter Claes Heda.
A principios del siglo XVIII, la naturaleza muerta holandesa gravitaba hacia una impresionante estética del detalle. Aquí reinan los elegantes cuencos de porcelana con dorados, las copas hechas de conchas intrincadamente rizadas y las frutas exquisitamente dispuestas en un plato. Es imposible mirar los lienzos de Willem Kalf o Abraham van Beyeren sin descolorarse. El holandés, capturado de la mano de un maestro, se está generalizando inusualmente, habla un lenguaje especial y sensual e imparte armonía y ritmo a la pintura. Las líneas, tejidos y matices de tallos, capullos e inflorescencias abiertas presentes en la naturaleza muerta parecen crear una sinfonía compleja, que obliga al espectador no solo a admirar, sino también a experimentar con entusiasmo la incomprensible belleza del mundo.
Después de pasar por una serie de etapas, cada una de las cuales tenía su propio significado específico y original, la naturaleza muerta holandesa abrazó ampliamente el mundo de las cosas y la naturaleza orgánica. De la primera etapa en la obra de los artistas de principios de siglo, con el registro de cosas expuestas como si estuvieran en exposición, los pintores de la siguiente generación pasaron a modestos “desayunos” con objetos de metal y vidrio agrupados sobre un mantel blanco. (Klas, Heda). Estos "desayunos" se distinguen por la simplicidad de los objetos representados: un bollo, platos de peltre, recipientes de vidrio: estos son los componentes principales de las imágenes en una paleta de colores grisáceos. Varios peces en las pinturas de Ormea y Putter, un bodegón de cocina de los artistas de Rotterdam, reflejan los modestos gustos puritanos de los estratos democráticos de la primera mitad del siglo.
Pero a medida que se estableció el sistema republicano y el posterior fortalecimiento del poder de la clase burguesa, y luego su gradual aristocratización, los requisitos para el arte también cambiaron. La naturaleza muerta pierde su carácter modesto y sencillo. Los “desayunos” se vuelven más lujosos y exuberantes, llamando la atención por su riqueza de colores. Ahora están construidos sobre una combinación de tonos cálidos de manteles de alfombra y frutas anaranjadas, amarillas y rojas dispuestas en platos de loza de Delft o porcelana china, amenizados por el brillo de copas doradas y vasos de vidrio, en cuya superficie juega la luz. Atestiguando un dominio total de la transferencia de material e iluminación, saturados de color, las naturalezas muertas de Kalf, Beyeren, Streck caracterizan la época del mayor florecimiento de la naturaleza muerta.
No solo el tiempo influyó en el tema y el desarrollo de la naturaleza muerta, sino también mucho más: las características locales, la estructura económica típica de una ciudad en particular, a menudo determinan el tema e incluso la interpretación de la obra. artista local. No es en modo alguno accidental que en Haarlem, en rápido desarrollo y con sus fuertes asociaciones de ciudadanos, se desarrollara por primera vez el tipo de naturaleza muerta tonal, y en el centro de la economía y vida cultural Holanda, Ámsterdam, fue el lugar donde se desarrollaron las actividades de los creadores de los postres lujosos Kalf y Strek. La proximidad de la costa de Scheveningen inspiró a Beyeren, que vive en La Haya, a crear una naturaleza muerta con peces, y en el centro universitario, Leiden, una naturaleza muerta reflexiva con la imagen de una calavera y reloj de arena, que debería recordarnos la fragilidad de la existencia terrena. También estaban muy extendidas las pinturas que representaban a un científico rodeado de tomos, globos terráqueos y otros objetos científicos, que a menudo ocupaban todo el primer plano”.
Una división estricta de las naturalezas muertas en géneros es imposible, ya que a menudo se combinan varios motivos en una imagen, pero se pueden identificar los géneros más comunes.
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Bodegón de flores
En los bodegones de flores, los artistas representaron tulipanes, rosas, gladiolos, jacintos, claveles, lirios, lirios, lirios del valle, nomeolvides, violetas, violas, margaritas, nigella, romero, anémonas, caléndula, alhelíes, malvas y otras flores.
Uno de los primeros artistas del siglo XVII en pintar jarrones con flores fue Jacob (Jacques) de Geyn el Joven (1565-1629). Su obra se caracteriza por el formato vertical alargado de sus pinturas, una disposición de flores en varios niveles con plantas grandes y pequeñas alternadas, así como el uso de técnicas que se volverían muy populares entre los artistas de este género: incrustar un ramo de flores. en un nicho y representa pequeños animales junto a un jarrón.
La aparición de insectos, animales, pájaros y conchas como detalles auxiliares en los bodegones florales es un reflejo de la tradición de utilizar significados ocultos de los objetos representados que tienen significado simbolico. Varios símbolos aparecen en naturalezas muertas de todos los géneros.
Los seguidores de Jacob de Geyn el Joven fueron Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) y Jacob Wouters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg pintó ramos de tulipanes, narcisos, rosas y physalis, mientras que en sus cuadros aparecen motivos de la “vanidad de vanidades” y el clásico “engaño”.
Característica distintiva Las pinturas de Vosmar también presentan un motivo de "vanidad de vanidades" en forma de una rosa caída. A menudo representaba en sus naturalezas muertas una mosca, una mariposa reyezuelo, una mariposa de la col, una libélula y una abeja.
El fundador de toda una dinastía de maestros de naturalezas muertas con flores y frutas fue Ambrosius Bosschaert el Viejo (1573-1621). La dinastía incluía tres hijos (Johannes, Abraham y Ambrosius), dos cuñados (Johannes y Balthasar van der Asty) y un yerno (Hieronymus Swerts).
Bosshart pintó pequeños bodegones con un ramo en un jarrón (en algunos casos era un jarrón de porcelana china), colocado en un nicho o en el alféizar de una ventana. Además de los animales pequeños, en sus cuadros también se utilizan conchas como séquito.
Entre los hijos de Bosschaert, el talento del artista se manifestó más claramente en Johannes Bosschaert (1610/11 - después de 1629). Las características distintivas de su obra son la disposición de los objetos en diagonal en la imagen y el color metálico mate.
Ambrosius Bosschaert el Joven (1609-1645) utilizó las técnicas de modelado de corte de los caravaggistas de Utrecht.
Abraham Bosshart (1612/1613 - 1643) copió las técnicas de sus hermanos.
Los hermanos de la esposa de Ambrosius Bosschaert, Johannes y Balthasar van der Asta, continuaron las tradiciones de Bosschaert.
Sólo se conoce un cuadro de Johannes van der Ast.
De gran importancia para el desarrollo de la naturaleza muerta fue la obra del mayor de los hermanos, Balthasar van der Ast (1593/1594 - 1657), quien dejó un rico legado creativo: más de 125 pinturas. Le gustaba representar una cesta de flores o un plato de frutas sobre la mesa, y en primer plano, a lo largo del borde de la mesa, colocaba conchas, frutas y mariposas. Algunas de sus pinturas representan loros.
Roelant Saverey (1576-1639) pertenece a la escuela de Ambrosius Bosshart el Viejo. Sus naturalezas muertas se basan en el principio de un ramo de flores situado en un nicho. Añadió a sus pinturas motivos de “vanidad de vanidades”; como séquito utilizaba el escarabajo sepulturero, la mosca del estiércol, la mariposa calavera y otros insectos, así como lagartos.
La obra de Ambrosius Bosschaert influyó en artistas como Anthony Claes I (1592-1636), su tocayo Antoni Claes II (1606/1608 - 1652) y el yerno de Ambrosius Bosschaert el Viejo, Hieronymus Swerts.
En las obras de Hans Bollongier (alrededor de 1600 - después de 1670), se utilizaron ampliamente las técnicas del caravaggismo de Utrecht. Utilizando claroscuros, el artista resaltó las flores sobre el fondo del crepúsculo.
Un mayor desarrollo de la naturaleza muerta floral se observó en las obras de los maestros de Middelburg: Christoffel van den Berghe (alrededor de 1590 - después de 1642), quien representó elementos de la "vanidad de las vanidades" en las naturalezas muertas florales: una botella de vino, una caja de rapé, una pipa, naipes y una calavera; y Johannes Goodart, quien utilizó ampliamente insectos y pájaros como entorno.
La escuela de maestros de bodegones florales de Dordrecht incluye a Bartholomeus Abrahams Asstein (1607(?) - 1667 o posterior), Abraham van Kalrath (1642-1722), padre del famoso paisajista y pintor de animales Albert Cuyp, Jacob Gerrits Cuyp ( 1594 - 1651/1652). Su obra se caracteriza por el uso extensivo del claroscuro.
“Mesas servidas” (“Desayunos”, “Postres”, “Banquetes”)
El lugar de nacimiento y centro de las "mesas puestas" fue Haarlem. El requisito previo para la creación de este tipo de naturalezas muertas fue la amplia distribución en el siglo XVI de retratos de miembros de gremios de tiradores durante un banquete. Poco a poco, la imagen de una mesa puesta se convirtió en un género independiente.
El conjunto de objetos que formaban la naturaleza muerta incluía inicialmente productos tradicionales holandeses: queso, jamón, bollos, fruta, cerveza. Sin embargo, posteriormente, en los bodegones, empezaron a aparecer cada vez más platos propios de ocasiones especiales o mesas de gente adinerada: caza, vino, tartas (la más cara era la tarta de moras). Además del tradicional arenque, aparecieron langostas, camarones y ostras.
También comenzaron a utilizarse costosos platos de plata y porcelana china, jarras y tatsas. Atención especial Los artistas utilizaron vasos: Roemer, Berkemeier, vidrio pass, vidrio flauta, vidrio veneciano, vidrio akeley. La más exquisita fue la copa “nautilus”.
Los atributos frecuentes de las naturalezas muertas eran un salero y un cuchillo de mesa. El limón medio pelado se utilizaba a menudo como mancha colorida.
Uno de los primeros bodegones que muestra una mesa holandesa es The Table Set de Nicholas Gillies (c. 1580 - después de 1632). El artista utilizó un punto de vista elevado en sus pinturas.
Las naturalezas muertas de Floris Gerrits van Schoten (hacia 1590 - después de 1655) se caracterizan por la complejidad que utilizó; un gran número de artículos, siendo el elemento principal a menudo un montón de quesos. En varios casos, utilizó la técnica de alejar el énfasis del grupo de naturalezas muertas del centro geométrico de la imagen.
Una figura importante en este tipo de bodegones fue Floris van Dyck (1575-1651). El centro de sus pinturas era una pirámide de quesos, cuyo fondo se disolvía en una neblina.
Clara Peters (1594-1657) se especializó en este mismo tipo de naturalezas muertas. A menudo representaba vajillas, langostas y ostras caras y exquisitas. En algunas de sus naturalezas muertas utilizó un punto de vista más bajo, casi al nivel de la mesa.
Las composiciones cercanas a Peters fueron creadas por Hans van Essen (1587/1589 - después de 1648).
Roelof Coots (1592/1593 - 1655) utilizó la técnica de la negligencia deliberada, en sus cuadros el plato o cuchillo colgaba a medio camino del borde de la mesa. Fue uno de los primeros en crear lienzos que representan no una mesa puesta, sino una mesa con restos del desayuno terminado, introduciendo en las pinturas motivos de "vanidad de vanidades": relojes, libros, uvas caídas.
En Etapa temprana Peter Klas también creó pinturas de este género en su obra.
Naturaleza muerta tonal
La naturaleza muerta tonal holandesa fue realizada por Pieter Claes y Willem Claes Heda, que vivían en Haarlem.
Se ha conservado la tradición de representar a la dueña de la casa, la cocinera o la sirvienta, aunque cada vez más pasaban a un segundo plano. En primer plano estaban los utensilios de cocina y la carne, el pescado y muchas verduras traídas a la cocina: calabaza, nabos, colinabos, coles, zanahorias, guisantes, judías, cebollas y pepinos. Las personas más ricas tenían coliflor, melones, alcachofas y espárragos.
Pieter Cornelis van Ryck (1568-1628) pintó según la tradición del siglo XVI, a veces con escenas bíblicas de fondo.
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643) utilizó un punto de vista elevado y le gustaba colocar los utensilios de cocina en primer plano.
Escribió escenas de cocina y maestro famoso“Mesas puestas” de Floris Gerrits van Schoten, a veces incluía motivos de género en sus naturalezas muertas.
Cornelis Pieters Begi (1631/1632 - 1664) fue aún más lejos al incluir en la naturaleza muerta a un sátiro que iba a visitar a los campesinos.
El pintor de género y retratistas Gottfried Schalken (1643-1706) representó un almacén con barriles de vino y provisiones.
Un grupo de maestros del género cotidiano, los hermanos Cornelis y Hermann Saftleven (1607/1608 - 1681 y 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) y Ecbert van der Poel (1621 -1664) también escribió naturalezas muertas de “cocina” con motivos de género, pero en sus pinturas todavía dominaban los artículos del hogar.
Las naturalezas muertas del famoso maestro de los “desayunos campesinos”, Philips Angel, también están cerca de las obras de los pintores de género de Rotterdam.
A diferencia de los artistas que representaban las cocinas de los burgueses ricos con su limpieza y orden, Francois Reykhals (después de 1600 - 1647) pintó cocinas de campesinos pobres.
El famoso maestro de los bodegones “lujosos”, Willem Kalf, dedicó más de 60 de sus obras al tema de los bodegones de cocina.
Bodegón "pez"
La Haya se convirtió en la cuna de los bodegones con peces. La proximidad de Scheveningen animó a los artistas no sólo a pintar marinos, sino también a crear un tipo especial de naturaleza muerta: pinturas que representan peces y animales marinos.
Los fundadores de este tipo de naturalezas muertas fueron: Pieter de Putter, Pieter van Schijenborg y Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) eligió un punto de vista alto, desde el cual se podía ver claramente la mesa con el pescado, a veces se añadía una red a la naturaleza muerta.
Pieter van Schijenborg (? - después de 1657) pintó peces sobre un fondo gris o marrón amarillento.
Las pinturas de Pieter van Noort (alrededor de 1600 - ?), que transmitía coloridamente el brillo de las escamas, tenían un color especial.
El principal representante de esta dirección de la pintura fue Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), que trabajó en muchos otros géneros de naturaleza muerta y también pintó marinas. Representa peces tanto en la mesa como en la orilla del mar.
Quizás el alumno de van Beyeren fue Isaac van Duinen (1628 - 1677/1681).
El pintor paisajista Albert Cuyp (1620-1691) también se puede contar entre los maestros de la naturaleza muerta con peces.
Los maestros de Utrecht, Willem Ormea (1611-1673) y su alumno Jacob Gillig (alrededor de 1630-1701) eran aficionados a las naturalezas muertas con "peces".
“Vanidad de vanidades” (Vanitas, Memento mori, naturaleza muerta “científica”)
Un lugar importante en la pintura holandesa lo ocupó la naturaleza muerta filosófica y moral, que recibió el nombre latino "vanitas" ("vanidad de vanidades").
"Los fundamentos ideológicos de este movimiento entrelazan de manera única las ideas medievales sobre la fragilidad de todas las cosas terrenales, las tendencias moralizantes del calvinismo y el ideal humanista de un hombre sabio que lucha por la verdad y la belleza".
Los símbolos de mortalidad más comunes en los bodegones de “vanidad de vanidades” eran: una calavera, una vela apagada, un reloj, libros, instrumentos musicales, flores marchitas, platos volcados o rotos, naipes y dados, pipas, pompas de jabón, sellos, globo terráqueo, etc. En ocasiones, el artista incluía en la obra una hoja de pergamino con un dicho en latín sobre el tema “vanidad de vanidades”.
El primero en llegar a nosotros. bodegón XVII siglo, perteneciente al género “vanidad de vanidades”, fue escrito por Jacob de Geyn el Joven.
“En la parte superior de la hornacina, en los capiteles de los pilones que la flanquean, hay imágenes escultóricas de figuras femeninas y masculinas, y en la clave del arco de la hornacina hay un grabado inscripción latina: “HUMANA VANA”, que puede traducirse como “la vanidad humana es en vano”. Este lema permite comprender el simbolismo de las figuras, de las cuales la primera, como advirtiendo sobre lo efímero de la esfera de jabón, la señala con el dedo, y la segunda, como reflexionando sobre la inutilidad de las acciones humanas, la apoya. cabeza apoyada en el brazo doblado a la altura del codo, pensativa. La validez del dicho latino se ve confirmada por la imagen de una calavera, un símbolo de la muerte, que detiene tanto las buenas como las malas acciones humanas, y burbuja de jabón, expresando destino trágico materia natural, condenada a desaparecer en el torbellino de la existencia."
Jacob de Geyn el Joven vivió en Leiden, ciudad en la que se abrió la primera universidad holandesa y que era el centro de la imprenta. Fue Leiden la que se convirtió en el centro de la naturaleza muerta "científica".
El desarrollo de la naturaleza muerta del tipo "vanidad de vanidades" estuvo muy influenciado por las actividades del residente de Leiden David Bayley y los maestros agrupados a su alrededor.
El pionero de un nuevo tipo de género de naturaleza muerta fue Jan Davids de Hem (1606-1684). Se probó a sí mismo en varios generos: bodegones florales, científicos, de cocina. En 1636 el artista se trasladó a Amberes y quedó bajo la influencia pintura flamenca. Comenzó a crear naturalezas muertas lujosas, sobrecargadas de frutas brillantes y coloridas, langostas, loros... Las naturalezas muertas de flores también tenían una clara huella flamenca, que se distinguía por una sinfonía barroca de colores.
Jan Davids de Hem organizó un taller con un gran número de alumnos y asistentes. Además del hijo del maestro, Cornelis de Hem, sus alumnos directos fueron Pieter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Borman, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis y Cornelis Kik. A su vez, Kik crió estudiantes superdotados: Elias van den Broek y Jacob van Walskapelle.
Las técnicas de Jan Davids de Hem fueron bien dominadas por su hijo Cornelis de Hem (1631-1695). Al mismo tiempo, hay más aire en sus cuadros.
El alumno más talentoso de Jan Davids de Hem fue Pieter de Ring (1615-1660). Rasgo distintivo sus naturalezas muertas incluían la indispensable presencia de un anillo de sello, que hacía alusión al apellido del artista (anillo en holandés).
Otro alumno destacado de Jan Davids de Hem fue Nicholas van Gelder (1623/1636 - c. 1676), quien creó sus naturalezas muertas bajo la influencia de la obra de Willem Kalf.
Más simples e íntimas son las naturalezas muertas de los seguidores de Jan Davids de Hem: Johannes Bormann y Martinus Nellius (? - después de 1706).
Simon Lüttihuis (1610 -?) también creó lujosas naturalezas muertas, a las que añadió motivos de “vanidad de vanidades”.
Otro alumno de Jan Davids de Hem, Cornelis Kick (1631/1632 - 1681), utilizó bocetos al aire libre en sus pinturas. Transmitió sus técnicas de plein air a sus alumnos Elias van den Broek (1650-1708) y Jacob van Walskapelle (1644-1727), cuyas naturalezas muertas se caracterizan por una interpretación sutil del entorno luminoso.
Del taller de Jan Davids de Hem también procedieron la maestra de los bodegones de vanidades Maria van Oosterwijk, y dos maestros de los bodegones florales tardíos, Jacob Rotius (1644 - 1681/1682) y Abraham Mignon.
Durante las primeras naturalezas muertas “lujosas” de Jan Davids de Heem, François Reichals también escribió algunas obras sobre este tema.
El deseo de color es característico de las lujosas naturalezas muertas de Abraham van Beyeren. Un atributo indispensable Estas pinturas eran relojes de bolsillo.
A uno de los pocos seguidores de Beyeren, Abraham Susenir, le encantaba representar platos de plata.
Las “lujosas” naturalezas muertas de Willem Kalf (1619-1693) tuvieron una gran influencia en los artistas. En ellos, Kalf solía utilizar vasijas de oro, plata y porcelana china. Al mismo tiempo, las pinturas estaban equipadas con símbolos de la "vanidad de vanidades": un candelabro y un reloj de bolsillo. Kalf eligió a menudo un formato vertical. Su obra se divide en periodos de estancia en Francia y regreso a Amsterdam. Para período tardío caracterizado por una disminución en el número de objetos representados en la imagen y un fondo sombrío.
Los seguidores de Kalf fueron Jurian van Streek, su hijo Hendrik van Streek (1659 -?), Christian Jans Streep (1634-1673) y Barent van der Meer (1659 - hasta 1702).
Otro seguidor de Kalf, Peter Gerrits Rutraten (1627-1698), tomó el camino de acercar las naturalezas muertas “lujosas” a las “engañosas”.
Matthaus Bloom es, junto con Aalst, uno de los pioneros de la naturaleza muerta con trofeos de caza.
Nicholas van Gelder (1623/1636 - alrededor de 1676) realizó varias pinturas sobre este tema.
Melchior de Hondecoeter también representó trofeos de caza.
El tema de la naturaleza muerta de caza fue abordado por el famoso paisajista Jan Baptist Venix (1621-1660), quien representó corzos y cisnes asesinados. Su hijo Jan Weniks pintó al menos un centenar de cuadros con imágenes de liebres sacrificadas con el telón de fondo de un nicho de piedra o el paisaje de un parque.
Otro alumno de Jan Baptist Weenix fue Willem Frederik van Rooyen (1645/1654 - 1742), quien también incorporó imágenes de animales al paisaje.
Dirk de Bray también fue partidario de los bodegones de caza ceremoniales, al igual que Aalst y Royen. Representaba los trofeos de la cetrería, el entretenimiento de los aristócratas y los burgueses ricos.
Junto con los lienzos decorativos de "trofeos de caza", también se generalizaron los bodegones de caza de "cámara". Jan Vonk (¿alrededor de 1630 - 1660?), Cornelis Lelienberg (1626 - después de 1676), Willem Gau Ferguson, alumno de Aalst (alrededor de 1633 - después de 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - después de 1694) y Pieter Harmens Verelst (1618- 1678), así como su hijo Simon Peters Verelst (1644-1721).
Los bodegones de caza de “cámara” fueron creados por pintores que trabajaron en otros géneros de bodegones: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. El famoso paisajista Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), que escribió “Naturaleza muerta con animales muertos” (1661) y “Trofeos de caza” (1662), y el pintor de género, alumno de Adrian van Ostade, Cornelis Dusart ( 1660-1704) rindió homenaje al bodegón de caza.
Naturaleza muerta con animales
Los fundadores del género fueron Otto Marceus van Scrieck (1619/1620 - 1678) y Matthias Withos (1627-1703).
Skrik instaló un terrario en su finca con insectos, arañas, serpientes y otros animales, que representó en sus pinturas. Le encantaba crear composiciones complejas con plantas y animales exóticos, introduciéndoles matices filosóficos. Por ejemplo, en pintura de dresde Las mariposas “Serpiente en el nido del pájaro” recogen el néctar de las flores, un zorzal atrapa mariposas y se las da de comer a su polluelo, otro polluelo es tragado por una serpiente, que es cazada por un armiño.
Vithos prefirió representar en el primer plano de sus cuadros cardos y otras plantas, entre las que se arrastran serpientes, lagartos, arañas e insectos. Como fondo representó paisaje italiano, recuerdo de un viaje a Italia.
Christian Jans Streep pintó Cardos y Topos a la manera de Skrick.
Abraham de Heus representó con mucho cuidado y cerca de la vida varias especies de topos, lagartos, serpientes y mariposas.
Willem van Aalst tiene varias pinturas dedicadas a la representación de animales. Su alumna Rachel Reusch carrera creativa Comenzó imitando a Skrik, pero luego desarrolló su propio estilo, que se caracteriza por la representación de pequeños animales sobre el fondo de un paisaje dorado.
