Dibujos raros de Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci – biografía y pinturas del artista en el género del Alto Renacimiento – Art Challenge
Hombre de Vitruvio - Leonardo da Vinci. Dibujos con pluma, acuarela y lápiz metálico en los diarios del maestro. 1490. 34,3 x 24,5 cm.
Este no es sólo uno de los dibujos más conocidos de Leonardo da Vinci, sino el más replicado. medios de comunicación en masa imagen. A menudo se encuentra en una variedad de libros de texto, se utiliza en anuncios y carteles, incluso aparece en películas; basta recordar la controvertida acogida por parte del público y la crítica de El código Da Vinci. Esta fama se debe a de la máxima calidad La imagen y su significado para el hombre moderno.
"El Hombre de Vitruvio" también es una obra maestra Artes visuales y fruto de la investigación científica. Este dibujo fue creado como ilustración para el libro de Leonardo dedicado a una de las obras de Vitruvio, el famoso arquitecto romano. Como el propio Leonardo, Vitruvio era un hombre extraordinariamente talentoso y con amplios intereses. Conocía bien la mecánica y tenía conocimientos enciclopédicos. El interés de Leonardo por este hombre extraordinario es comprensible, ya que él mismo era una persona muy polifacética y estaba interesado no solo en el arte en sus diversas manifestaciones, sino también en la ciencia.
"El Hombre de Vitruvio" es una forma ingeniosa e innovadora para su época de demostrar proporciones perfectas Figura humana. El dibujo representa la figura de un hombre en dos posiciones. En este caso, los contornos de las imágenes se superponen entre sí y se inscriben, respectivamente, en un cuadrado y un círculo. Ambos figuras geometricas tener puntos de contacto comunes. Esta imagen muestra cuáles deben ser las proporciones correctas del cuerpo de un hombre según la descripción que dejó Vitruvio en su libro De Arquitectura. EN En un amplio sentido El concepto de arquitectura también se puede aplicar a los principios de la construcción. cuerpo humano, que fue demostrado con éxito por Leonardo da Vinci.
El papel del “Hombre de Vitruvio” en el desarrollo del arte y su florecimiento Renacimiento italiano extremadamente largo. Tras la caída del Imperio Romano, numerosos conocimientos de generaciones anteriores sobre proporciones humanas y la estructura corporal se perdieron y gradualmente se olvidaron. EN arte medieval Las imágenes de las personas eran marcadamente diferentes a las de la antigüedad. Leonardo pudo demostrar cómo el plan divino se refleja realmente en la estructura del cuerpo humano. Su dibujo se convirtió en modelo para artistas de todos los tiempos. Incluso el gran Le Corbusier lo utilizó para crear sus propias creaciones, que influyeron en la arquitectura de todo el siglo XX. Debido al simbolismo de la imagen, muchos consideran que es un reflejo de la estructura de todo el universo (el ombligo de la figura es el centro del círculo, lo que evoca asociaciones con el centro del Universo).
Además de su enorme patrimonio histórico y importancia científica“El Hombre de Vitruvio” también conlleva una importante carga estética. El dibujo está realizado con líneas finas y precisas que transmiten perfectamente formas humanas. La imagen creada por Leonardo es muy expresiva y memorable. Es casi imposible encontrar una persona civilizada que no haya visto esta imagen y no conozca a su autor.
El Hombre de Vitruvio es un dibujo dibujado por Leonardo da Vinci alrededor de 1490-92 como ilustración para un libro dedicado a las obras de Vitruvio y colocado en uno de sus diarios. Representa la figura de un hombre desnudo en dos posiciones superpuestas: con los brazos y las piernas extendidos hacia los lados, inscritos en un círculo; con los brazos separados y las piernas juntas, inscrito en un cuadrado. El dibujo y sus explicaciones a veces se denominan proporciones canónicas.
Este no es sólo uno de los dibujos más conocidos de Leonardo da Vinci, sino la imagen más difundida en los medios. A menudo se encuentra en diversos materiales didácticos, se utiliza en vídeos y carteles publicitarios e incluso aparece en películas; basta recordar la controvertida recepción por parte del público y los críticos de El Código Da Vinci. Esta fama se debe a la más alta calidad de la imagen y su importancia para la gente moderna.
"El Hombre de Vitruvio" es a la vez una obra maestra de bellas artes y el fruto de una investigación científica.
Este dibujo fue creado como ilustración para el libro de Leonardo dedicado a una de las obras de Vitruvio, el famoso arquitecto romano. Como el propio Leonardo, Vitruvio era un hombre extraordinariamente talentoso y con amplios intereses. Conocía bien la mecánica y tenía conocimientos enciclopédicos. El interés de Leonardo por este hombre extraordinario es comprensible, ya que él mismo era una persona muy polifacética y estaba interesado no solo en el arte en sus diversas manifestaciones, sino también en la ciencia. 
Realizando el dibujo
Dibujo realizado a pluma, tinta y acuarela utilizando lapiz metalico, las dimensiones del cuadro son 34,3x24,5 centímetros. Actualmente en la colección de la Galería de la Academia de Venecia.
Hombre de Vitruvio. Dibujo dibujado por Leonardo da Vinci.
El papel del “Hombre de Vitruvio” en el desarrollo del arte y el florecimiento del Renacimiento italiano es sumamente importante
. Después de la caída del Imperio Romano, gran parte del conocimiento de las generaciones anteriores sobre las proporciones humanas y la estructura corporal se perdió y gradualmente se olvidó. En el arte medieval, las imágenes de personas eran marcadamente diferentes a las de la antigüedad. Leonardo pudo demostrar cómo el plan divino se refleja realmente en la estructura del cuerpo humano. Su dibujo se convirtió en modelo para artistas de todos los tiempos. Incluso el gran Le Corbusier lo utilizó para crear sus propias creaciones, que influyeron en la arquitectura de todo el siglo XX. Debido al simbolismo de la imagen, muchos consideran que es un reflejo de la estructura de todo el universo (el ombligo de la figura es el centro del círculo, lo que evoca asociaciones con el centro del Universo).
El dibujo es a la vez un trabajo científico y una obra de arte.
, también ejemplifica el interés de Leonardo por las proporciones.proporciones del cuerpo humano
Según las notas adjuntas de Leonardo, fue creado para determinar las proporciones del cuerpo humano (masculino), como se describe en los tratados del antiguo arquitecto romano Vitruvio, quien escribió lo siguiente sobre el cuerpo humano.
Además de su enorme importancia histórica y científica, el "Hombre de Vitruvio" también tiene un importante significado estético. El dibujo está realizado con líneas finas y precisas que transmiten a la perfección las formas humanas. La imagen creada por Leonardo es muy expresiva y memorable. Es casi imposible encontrar una persona civilizada que no haya visto esta imagen y no conozca a su autor.
El mundo entero conoce a Leonardo da Vinci como un pintor talentoso y un científico de renombre. Pero durante toda su vida adulta, el italiano fue un apasionado de la anatomía, y la obra anatómica que escribió a lo largo de su vida nunca fue completada ni publicada. Tecnologías modernas permitió a los científicos británicos digitalizar las notas de los científicos, y ahora el mundo entero puede ver los dibujos anatómicos de Leonardo da Vinci, llenos de realismo y detallados hasta el más mínimo detalle.
Cómo todo empezó...
Cuando todavía era aprendiz del famoso maestro de pintura italiano Andrea Verrocchio, el joven Leonardo se interesó por las obras de Antonio del Pollaiolo, el primer pintor de la historia que estudió la estructura de los músculos humanos. Las pinturas de Antonio, que el aspirante a artista estudió en detalle, se convirtieron en el primer paso para comprender la anatomía.
El primer trabajo sobre anatomía.
El primer manuscrito científico sobre anatomía salió de manos de Leonardo en 1484, y ya entonces dejó de considerar la anatomía como disciplina auxiliar a la escultura y la pintura. Pero los primeros bocetos anatómicos de Leonardo da Vinci aparecieron seis años antes, en 1478.
Código de Windsor
La enorme obra manuscrita de Da Vinci, que consta de 234 hojas, contiene 600 dibujos a lápiz que se relacionan directamente con estructura anatómica persona. Empecé a coleccionar estos bocetos en finales del XVI siglos de Pompeo Leoni, y ahora este buen trabajo conservado en la Biblioteca de Windsor.
permiso para abrir
El científico comenzó a estudiar anatomía de manera más activa en 1510-1511 y, después de recibir permiso para realizar una autopsia, comenzó a trabajar en hospitales del norte de Italia en colaboración con Torre, un médico y anatomista profesional.
De ese período de la vida del gran científico quedan más de 300 dibujos, contenidos en 13 volúmenes de obras manuscritas.
Dibujo de calavera
Tradicionalmente, Leonardo comenzó sus estudios de anatomía con la cabeza y el 2 de abril de 1489 apareció un dibujo detallado de un cráneo humano. Una innovación en la ciencia fue que el artista fue el primero en representar el seno frontal, haciendo así una contribución significativa a la historia del desarrollo de la anatomía.
Leonardo prestó gran atención al estudio del corazón. Fue el primero de los médicos y anatomistas de aquella época en definir claramente su función y finalidad. Lo evaluó como un órgano muscular denso alimentado por arterias y venas.
También se opuso categóricamente a dividir el corazón en dos ventrículos. Su investigación se basó en conocimientos prácticos y el científico afirmó que este órgano más importante está dividido por válvulas en cuatro secciones desiguales.
Como artista, Leonardo estaba interesado en la estructura del cuerpo humano, especialmente la columna y las articulaciones. Su dibujo de la columna es tan preciso y único para esa época, porque los científicos pudieron estudiar a fondo la columna solo con la llegada de los rayos X y la resonancia magnética.
Leonardo, el primer anatomista de esa época, determinó con precisión el número de vértebras humanas y dibujó claramente toda la columna vertebral.
Anatomía y mecánica.
Fascinado por la mecánica, Da Vinci prestó mucha atención al estudio de la estructura de los músculos y la mayoría de sus dibujos están dedicados a este tema.
El genio del científico y artista se manifestó en la creación de un modelo de vidrio del cuerpo humano, en el que se veía claramente el movimiento de la sangre. Y aquí dibujo famoso El Hombre de Vitruvio representa con precisión las proporciones del cuerpo humano. Aunque es el Hombre de Vitruvio quien aún guarda muchos secretos y misterios.
Feto en el útero de la madre.
Quizás el dibujo más famoso de Leonardo en la actualidad, que representa a un feto en el supuesto útero de una mujer.
Dejando de lado algunas inexactitudes, el artista representó con tanta habilidad la vida emergente que el dibujo todavía se encuentra como ilustración en las páginas de los libros de texto de anatomía.
dibujos con notas
Muchas ilustraciones fueron además de textos científicos Y algunos, por el contrario, describieron en detalle todas las acciones del gran científico. Como se desprende de estas notas y dibujos, la anatomía era la pasión del artista y científico, a la que dedicó mayoría tu vida brillante.
Fundador de la anatomía dinámica.
En aquellos tiempos lejanos era difícil encontrar una persona que estudiara tan a fondo y los detalles más pequeños Conocía la estructura del cuerpo humano. Acompañó todos sus dibujos con comentarios detallados y, sin saberlo, se convirtió en el fundador de la anatomía dinámica.
Además de la estructura de los músculos y el esqueleto, estudió la ubicación de los órganos de los sentidos, aunque se equivocó en algunas cuestiones sobre su finalidad y ubicación. Leonardo da Vinci plasmó perfectamente sus conocimientos de anatomía en sus pinturas, que se convirtieron en auténticas obras maestras de la pintura.
Lo más valioso para ciencia moderna y, en general, comprensión del desarrollo. el conocimiento científico Edad Media, presentan ilustraciones de órganos y partes del cuerpo humano en corte transversal. Esto lo demuestra una vez más. Que el artista y científico siempre intentó llegar a la esencia misma, iluminar el objeto de su estudio por todos lados.
ciencia anatómica moderna
Desde el punto de vista del conocimiento actual, se puede decir con seguridad que los dibujos anatómicos de Leonardo da Vinci supusieron un gran avance en la medicina de la Edad Media.
Muchos científicos ahora cuestionan la exactitud de sus pinturas y llegan a la conclusión de que su conocimiento de la anatomía estaba muy adelantado a su tiempo, y Leonardo pudo ver lo que los científicos recién ahora están descubriendo con la ayuda de gráficos tridimensionales y nuevas tecnologías.
Herencia
Después de la muerte de Leonardo da Vinci, todos los manuscritos del científico fueron heredados por su alumno y colega Francesco Melzi. Melzi comenzó a sistematizar sus obras, pero sus conocimientos sólo le alcanzaban para tomar notas sobre el arte.
El resto del patrimonio se ha extendido a colecciones privadas, y sólo en Siglo XVIII Se inició la sistematización de trabajos sobre anatomía y medicina. De particular interés fueron los Quaderni d'Anatomia (Cuadernos anatómicos) y el llamado Códice de Windsor, publicado sólo en 1901.
Modernidad
Hoy en día, se han digitalizado extensas obras sobre anatomía, al igual que otros manuscritos del gran hombre, en buena calidad y están disponibles para su visualización. Junto a las obras maestras de la pintura del maestro, los dibujos anatómicos también son de gran interés, tanto desde el punto de vista estético como punto científico visión.
Finalmente
Se puede discutir durante mucho tiempo sobre las inexactitudes que cometió Da Vinci en sus manuscritos anatómicos, pero uno no puede evitar sorprenderse por el deseo del científico de llegar al fondo de las cosas, de conocer la naturaleza y esencia del cuerpo humano.
Si aún no ha leído el artículo sobre el sitio publicado en nuestro sitio web, ¡asegúrese de hacerlo! Resulta que muchas cosas cotidianas que utilizamos son inventos de un gran maestro.
Muchos logros científicos del talentoso pintor, inventor y científico, incluidos magníficos dibujos anatómicos llenos de detalles, demuestran una vez más que este hombre estaba muy adelantado a la época en la que vivió y trabajó.
Ecología de la vida. ¿Alguna vez te has preguntado cómo maestros como Leonardo da Vinci, Jan van Eyck o Alberto Durero crearon gráficos similares a los de lápiz?
¿Alguna vez te has preguntado cómo maestros como Leonardo da Vinci, Jan van Eyck o Alberto Durero crearon gráficos similares a los de lápiz? Por alguna razón nunca me pregunté qué era exactamente hasta que encontré un libro de Susan Dorothea White.
Entre otras técnicas para la creación de gráficos, considera la técnica de la aguja plateada. Estaba seguro de que todos los dibujos que parecían hechos a lápiz estaban hechos a lápiz. Pero no estaba ahí. Muchos fueron creados por artesanos utilizando una aguja de plata. Solo con la llegada de conveniente lapices simples La llamada técnica del lápiz plateado se ha olvidado con éxito.
Leonardo da Vinci, Busto de guerrero de perfil
Su significado era que la superficie de una sábana o lienzo se cubría con una solución especial para que ésta, la superficie, quedara algo suelta. Por lo general, era una capa de una mezcla de huesos de animales, cola de gelatina, yeso, tiza y yema de huevo. El yeso y la yema de huevo contienen azufre. Por lo tanto, cuando se rayaba un diseño con una punta plateada redondeada (delgada como una aguja), gradualmente se oscurecía o se volvía marrón. Simplemente el azufre reaccionó con la plata. Era necesario trabajar con mucha precisión. No se puede utilizar una goma de borrar sobre una capa base de masa suelta.
Hoy tenemos todas las posibilidades de revivir la tecnología. Para artistas contemporáneos Venden kits especiales con químicos para la capa base. Y se incluyen lápices plateados, pero más sencillos. Por ejemplo, los lápices de plata del Renacimiento eran piezas de bronce o cobre. La plata estaba fundida en la punta finamente afilada. El mango en sí estaba bellamente acabado y decorado, e incluso le pusieron un anillo a modo de cordón para que un instrumento tan caro pudiera atarse a un cinturón y no perderse. Entonces, en las profundidades de Internet, desenterré una leve apariencia del esplendor de siglos pasados.
Y estos son lápices plateados modernos. Lo que más me hizo sonreír fue la marca de la cuchara de plata.
La mezcla para la capa base también se puede hacer con materiales que se encuentran en las tiendas de arte: mezcle goma arábiga con gouache de zinc normal.
Ahora miro las obras de los viejos maestros con aún mayor respeto. Es cierto que si me preguntas por qué no me gustó un simple lápiz, no podré responder nada. Porque se le priva de la oportunidad de probar rápidamente la técnica de la aguja plateada. Pero las personas experimentadas dicen que usar un lápiz plateado sobre papel (o cualquier otra superficie tratada) produce efectos muy hermosos, además de duplicar el placer del proceso. publicado
Hacia 1514-1515 se refiere a la creación de la obra maestra del gran maestro: "La Gioconda".
Hasta hace poco se pensaba que este retrato había sido pintado mucho antes, en Florencia, hacia 1503. Creían en la historia de Vasari, que escribió: “Leonardo se propuso hacer para Francesco del Gioconda un retrato de Monna Lisa, su esposa, y, habiendo Trabajé en ello durante cuatro años y lo dejó sin terminar. Esta obra está ahora en posesión del rey francés en Fontainebleau. Por cierto, Leonardo recurrió a próxima cita: como Madonna Lisa era muy hermosa, mientras pintaba el retrato sostenía personas que tocaban la lira o cantaban, y siempre había bufones que la mantenían alegre y le quitaban la melancolía que la pintura suele impartir a los retratos que se pintan”.
Toda esta historia está mal de principio a fin. Según Venturi, “Monna Lisa, más tarde Gioconda, fue la creación de la fantasía del cuentista y biógrafo de Aretina, Giorgio Vasari”. Venturi en 1925 sugirió que “La Gioconda” es un retrato de la duquesa Costanza d'Avalos, la viuda de Federigo del Balzo, glorificada en un pequeño poema de Eneo Irpino, que también menciona que su retrato pintado por Leonardo Costanza era la amante. Giuliano de' Medici, quien, tras su matrimonio con Filibertia de Saboya, devolvió el retrato a Leonardo.
En el mismo Últimamente Pedretti propuso una nueva hipótesis: el retrato del Louvre representa a la viuda de Giovanni Antonio Brandano, llamada Pacífica, que también fue amante de Giuliano de' Medici y le dio un hijo, Ippolito, en 1511.
Sea como fuere, la versión de Vasari es cuestionable simplemente porque no explica de ninguna manera por qué el retrato de la esposa de Francesco del Giocondo permaneció en manos de Leonardo y fue llevado por él a Francia.
2. Dama del armiño ca. 1488-1490
Óleo sobre el panel.
54,8x40,3cm
Museo Czartor, Cracovia, Polonia
"La dama del armiño" es la inmortal Cecilia Gallerani, de diecisiete años, la favorita de Lodovico Sforza. Hija del siglo XV. Hechicera astuta. Favorito del Palacio de Milán. Tierna y sabia, tímida y frívola, aparece ante nosotros. Simple y complejo. Misteriosamente atractiva, con un rostro casi estático, aún posee el magnetismo de un movimiento extraordinario y oculto. Pero, ¿qué es lo que da esa mágica vivacidad a la apariencia de la joven? Sonrisa. Apenas tocó las comisuras de sus castos labios. Se escondía en los hoyuelos de niña ligeramente hinchados cerca de la boca y, como un relámpago, destellaba en respuesta en las pupilas oscuras y dilatadas, cubiertas por párpados redondeados en forma de cebolla. Mire más de cerca los rasgos sutiles y espirituales de la "Dama del armiño", su postura digna, su ropa estricta pero elegante, y el Renacimiento con sus magníficas creaciones aparecerá instantáneamente ante usted. maestros brillantes letras Cecilia Gallerani. Ella, como un pequeño planeta, reflejaba el resplandor del cruel, feo y hermoso, único siglo XV.
3. Fresco La Última Cena 1494 -1498
Óleo y temple sobre yeso.
460x880cm
Santa María del Grazia, Milán, Italia
De izquierda a derecha, una mesa con comida ocupa todo el ancho de la imagen. Doce personajes se sientan a la mesa frente a nosotros en grupos de tres con Cristo en el centro. Los apóstoles conversan animadamente. ¿De qué están hablando y de qué se trata la imagen? Del testimonio de Ammoreti se debe concluir que el cuadro " Última cena"fue terminado en 1497. Desafortunadamente, Leonardo da Vinci lo pintó con pinturas, algunas de las cuales resultaron ser muy frágiles. Cincuenta años después de su finalización, la pintura, según Vasari, estaba en las condiciones más lamentables. Sin embargo, si en ese momento En ese momento se pudo cumplir el deseo del rey Francisco I, expresado dieciséis años después de la finalización de la pintura, y, después de derribar el muro, trasladar la pintura a Francia, entonces tal vez se habría conservado. Pero esto no pudo ser. Realizado en 1500, el agua que inundó la comida destruyó por completo el muro. Además, en 1652, la puerta del muro bajo el rostro del Salvador se rompió, destruyendo las piernas de esta figura. En 1796, después de que los franceses cruzaron los Alpes, Napoleón dio órdenes estrictas de ahorrar comida. Los generales que lo seguían, sin prestar atención a su orden, convirtieron este lugar en un establo y, posteriormente, en un almacén de heno.
4. Retrato de Ginevra de Benci c. 1475 - 1478
Temple y óleo sobre tabla
38,1x37cm
Galería Nacional de Arte, Washington
Esta pintura, ahora en la Galería Nacional de Arte de Washington, representa a una joven con el telón de fondo de un paisaje montañoso, con los reflejos del río jugando en él. Existir varios puntos opiniones sobre la identificación de la persona retratada; Las opiniones de los expertos sobre la datación de esta obra también están divididas. Algunos lo atribuyen al primero. periodo florentino creatividad de Leonardo, otros, por el contrario, a los milaneses. La mayoría de los investigadores sostienen la hipótesis de que el retrato representa a Ginevra Benci (su nombre se insinúa por las ramas del enebro, ginepro, que son visibles en el fondo de la composición). Fue realizado durante el período en que Leonardo se liberó de su aprendizaje del arte de Verrocchio, es decir, hacia 1475.
5. Retrato de un músico 1485-1490
Óleo sobre el panel.
43x31cm
Biblioteca Ambrosiano, Milán, Italia
Los retratos atribuidos a Leonardo contienen características comunes: su fondo está oscurecido, una imagen semifigurada del modelo, generalmente en un giro de tres cuartos, ayuda a presentarlo al espectador en todo su carácter individual. Los nombres de los retratados se desconocen, a pesar de todos los esfuerzos de los historiadores del arte por revelarlos, y de las pruebas documentales de las actividades del maestro. Varios retratos de Leonardo están asociados con la atmósfera de la corte Sforza, donde la glorificación del individuo, que refleja la gloria de la corte, jugó un papel decisivo. La pureza de las formas, la dignidad de las poses, combinadas con una profunda percepción del carácter del modelo, acercan los retratos del artista a los logros más avanzados del arte de esa época. este genero arte – con obras de Antonello da Messina. Van mucho más allá del formalismo memorial de los maestros del siglo XV, desarrollando un tipo de retrato que encarna el estado de ánimo del personaje y permite profundizar significativamente en la caracterización de la imagen. En el llamado Retrato de un músico de la Ambrosiana de Milán, su modelo es a veces identificado con el regente de la catedral de Milán, Franchino Gaffurio, pero en realidad muestra simplemente a un joven con una partitura de papel. También podemos discernir cierto geométrico en la interpretación de los volúmenes plásticos, revelando la influencia toscana. El gorro en la cabeza y la masa de cabello rizado forman dos hemisferios a los lados del rostro; la nitidez de los contornos y los claroscuros ya indican la familiaridad del maestro con las tradiciones lombardas y los retratos de Antonello da Messina. Profundamente restaurado, reescrito y tal vez incluso dejado inacabado, aunque en una etapa bastante avanzada de trabajo, este es el único de Leonardo. retrato masculino- si realmente es obra del propio artista - representa a una persona de mirada inteligente y firme. Sin dejarse llevar por la glorificación retórica del individuo, Leonardo transmite en la luz interior del rostro y la mirada del retratado su fuerza moral inherente.
6. Virgen con una flor ( Madonna Benoît) 1478 - 1480
Óleo transferido de tabla a lienzo.
48x31,5cm
Ermita, San Petersburgo, Rusia
El joven artista Leonardo da Vinci, recién finalizado sus estudios, pintó este cuadro en Florencia a finales de los años setenta del siglo XV. Fue recibido con entusiasmo, se hicieron muchas copias y a principios del siglo XVI... se perdió.
Trescientos años después, una compañía de actores ambulantes realizó una gira por Astracán. Uno de los sirvientes de Melpómene sugirió que el fanático de las musas locales y el comerciante más rico de la ciudad, Alexander Sapozhnikov, comprara un cuadro, oscurecido por el tiempo, escrito en una pizarra. El trato se completó.
Muchos años después, se casó su nieta María. El lujoso complemento incluía una creación de un italiano desconocido, a la que al principio poca gente prestó atención. Se desconoce qué habría sido de él si el exitoso arquitecto y futuro presidente de la Academia de las Artes Leonty Benois (hijo de un arquitecto aún más famoso) no se hubiera convertido en el marido de María Alexandrovna y si su hermano menor no hubiera sido Artista famoso, crítico de arte y organizador de la asociación World of Art Alexander. “Atendiendo a las insistentes peticiones de mi hermano Leonty y su esposa”, recuerda, “tuve que quedarme en Berlín. El caso es que me encargaron que le mostrara un cuadro que poseían al famoso Bode." (Entre paréntesis, señalamos que Bode es una de las principales autoridades en historia arte europeo, Director de Estado museos de berlín). Él estuvo ausente, pero en el museo se encontraban varios especialistas de fama mundial. Su veredicto fue duro: el cuadro no era obra de Leonardo; más bien fue pintado por uno de sus compañeros de estudios en el taller de Verrocchio. Más tarde, el propio Bode confirmó esta conclusión”.
La "Madonna" permaneció durante todo un año en la casa de los Sapozhnikov en el apartamento parisino de Alexander Nikolaevich, y luego él la llevó de regreso a San Petersburgo y la devolvió a sus propietarios. Sin embargo, después de ocho años (ya en 1914), cuando estaba en medio del bullicio y los problemas asociados con la preparación de la exposición rusa en París, le dieron tarjeta de visita con el nombre de uno de los especialistas berlineses: “Profesor Moller Walde”.
“Ni siquiera tuve tiempo de aceptarlo”, dijo Alejandro Benois, - mientras su propia persona volaba hacia mí con un grito: "¡Ahora estoy firmemente convencido de que tu Virgen es Leonardo!" Inmediatamente, sin sentarse, sin dejarme recobrar el sentido, rojo de excitación, empezó a sacar de un maletín enorme y bien relleno un montón de fotografías de aquellos indudables dibujos de Leonardo, que estaban ante sus ojos (y en realidad ) confirmación de su confianza en la autoría del gran maestro.
Benois rechazó la propuesta de vender la obra maestra a los museos de Berlín y la transfirió a la colección del Imperial Hermitage. Allí permanece el cuadro hasta el día de hoy, conocido en todo el mundo con el nombre de “Madonna Benois”.
7. Virgen en la Gruta 1483-1486
Óleo sobre tabla (transferido a lienzo)
199x122cm
Louvre, París, Francia
La pintura estaba destinada a decorar el altar (el marco de la pintura era un altar de madera tallada) en la Capilla Inmaculada de la Iglesia de San Francisco Grande en Milán. El 25 de abril de 1483, los miembros de la Hermandad de la Santísima Concepción encargaron pinturas (la composición central es la Virgen y el Niño, las composiciones laterales son Ángeles tocando música) de Leonardo, a quien se le encomendó la ejecución de la parte más importante de la altar, así como por los hermanos Ambrogio y Evangelista de Predis. Actualmente, los historiadores del arte opinan que ambos lienzos sobre el mismo tema, uno de los cuales se conserva en el Louvre y el otro en la National Gallery de Londres, son versiones de la pintura realizadas con el mismo propósito. La Virgen de las Rocas firmada de París (Louvre) decoraba originalmente el altar de la Iglesia de San Francisco Grande; tal vez fue entregado por el propio Leonardo al rey francés Luis XII como muestra de agradecimiento por la mediación en el conflicto entre clientes y artistas sobre el pago de las pinturas. Fue reemplazada en el altar por una composición que ahora se encuentra en Londres. Por primera vez, Leonardo pudo resolver el problema de la fusión. figuras humanas con el paisaje, que poco a poco fue ocupando lugar líder en su programa de arte.
8. Juan el Bautista 1512
Óleo sobre tabla
69x57cm
Louvre, París
Se podría pensar que la primera idea del artista fue representar un ángel del evangelio, siempre que esto concuerde con una figura extraña que evoca en el espectador un sentimiento de incomodidad más que de asombro extático. En él se percibe el mismo espíritu de ironía que caracteriza a Gioconda, pero no hay paisaje sobre el que proyectarse esta ironía, reflejando más conexiones complejas entre el hombre y la naturaleza. Debido a esto, Juan Bautista causa una impresión extraña, incluso ambigua, en el espectador. Mientras tanto, el cuadro ciertamente pertenece al círculo de las obras de Leonardo, y en su diseño es uno de los más innovadores, ya que en la figura de San Juan el maestro sintetizó su búsqueda de medios para expresar los sentimientos y la naturaleza del hombre en general. . Cargada de simbolismo e ilusión, esta imagen parece existir al borde del misterio y la realidad.
9. Leda con un cisne 1508 - 1515
Óleo sobre el panel.
130 x 77,5
Galería Ufizi, Florencia, Italia
La Mona Lisa fue creada en un momento en que Leonardo Vinci estaba tan absorto en estudiar la estructura. Cuerpo de mujer, anatomía y problemas asociados al parto, que separa su trayectoria artística y intereses científicos casi imposible. Durante estos años dibujó un embrión humano en el útero y creó la última de varias versiones del cuadro "Leda" sobre el tema. mito antiguo sobre el nacimiento de Castor y Pólux de la unión de la niña mortal Leda y Zeus, que tomó la forma de un cisne. leonardo estaba estudiando anatomía comparativa y estaba interesado en las analogías entre todas las formas orgánicas.
10. Autorretrato 1514 - 1516
Rojo sanguina (tiza).
33,3x21,3cm
galería Nacional en Turín, Italia
A años recientes La vida incluye el autorretrato de Leonardo en Turín.
Y la descripción de Lomazzo aparentemente también se aplica a este autorretrato: “Tenía la cabeza cubierta pelo largo, sus cejas eran tan pobladas y su barba tan larga que parecía una verdadera personificación del noble saber, como ya lo habían sido el druida Hermes y el antiguo Prometeo.
Los antiguos biógrafos de Leonardo da Vinci pintan de la manera más características atractivas su apariencia:
Según Vasari:
“Con el brillo de su apariencia, que revelaba la más alta belleza, devolvió la claridad a cada alma entristecida”.
Según Anónimo:
“Era guapo, de complexión proporcional, elegante y de rostro atractivo. Llevaba una capa roja que le llegaba hasta las rodillas, aunque entonces estaban de moda las prendas largas. Una hermosa barba, rizada y bien peinada, caía hasta la mitad del pecho”.
BES Brockhaus y Efron:
"Vinci era guapo, bellamente formado, tenía una enorme fuerza física, era conocedor de las artes de caballería, equitación, danza, esgrima, etc.
Basado en materiales de abc-people.com
