Cómo distinguir una pintura original de una reproducción. Si las pinturas muestran personas con traseros grandes, puedes estar seguro de que es Rubbens.
Haz el trabajo necesario. Explora la obra, mira las otras obras del autor, compara títulos, míralas de cerca. Mejorar sus conocimientos es esencial para evaluar una pintura y comprender qué buscar para determinar su autenticidad.
Visita el museo y observa la pátina. Si pides ver la parte posterior del cuadro, el personal te ayudará a hacerlo. Aprecie la sensación y el aspecto de las antiguas obras de arte. Evaluar la profundidad y cantidad de capas que se requirieron para lograr el color deseado por el artista.
Observa la pátina de la madera para determinar si es antigua. Determine cómo se ensambla el marco y qué clavos y sujetadores se utilizan.
Busque pelos de cepillo. En las copias de cuadros a veces quedan pelos de pinceles baratos en el propio lienzo.
Usa tu sentido del olfato. Si logras acercarte a él, huélelo. La pintura tarda mucho en secarse; se necesitan años para que una pintura deje de oler por completo.
Decide cómo te hace sentir la pintura. Analizad todo juntos. Por ejemplo, muchas falsificaciones no tienen suficiente profundidad de color o capas. Es posible fotocopiar una obra con facilidad, pero es imposible transmitir las capas de pintura de un cuadro.
Todo debe encajar. Compruebe si todo encaja en el cuadro; por ejemplo, el marco y el lienzo también es difícil falsificar la pátina;
Solicite una evaluación de trabajo. Si realmente te gusta una obra de arte, debes involucrar a un tercero que pueda evaluar la pintura de manera imparcial. ¿Cómo puede estar seguro de que se puede confiar en el tasador? Debe estar certificado por una o más asociaciones profesionales de tasadores de arte y tener experiencia trabajando con un artista específico. Preferiblemente no sea marchante ni corredor de arte. Un ejemplo es http://www.bernardewell.com, que es un experto en Salvador Dalí, cuyos cuadros suelen ser copiados. Explore cómo se venden las pinturas de este artista: en qué casas de subastas¿Se venden, de qué tamaño son, cuándo se venden y con qué agente?
Tenga en cuenta que algunos distribuidores, particularmente aquellos ubicados en cruceros, puede intentar engañar al comprador vendiendo el cuadro a un precio inflado.
Busque la firma y el número; siempre deben estar ahí. Las pinturas sin firma tienen poco interés, porque se pueden hacer muchas copias de este tipo. Explora la galería. Muchas piezas tendrán pegatinas de galería o información en la parte posterior. Mira la galería para ver si esto es cierto. En algunos casos, el marco y la lona deberían mostrar signos de desgaste. Bordes de madera no puede permanecer tan afilado después de 50 o 100 años, el propio marco debe volverse más seco. Investiga la reputación del artista. Descubra que algunos escritores firmaron un formulario en blanco, después de lo cual su firma fue copiada en las pinturas. Este es un signo negativo, y por tanto sus pinturas tienen menos alto precio
. Se sabe que Salvador Dalí hizo esto en ocasiones.
- ¡Vaya, gran foto! – elogió el trabajo e inmediatamente ofendió al artista con terminología incorrecta Probablemente sepan, amigos, que un artista bueno pero impresionable puede ofenderse si le dicen que“pinta” su cuadro
. Es lo mismo que decir que los barcos navegan por el mar... ¡pero todos sabemos que los barcos navegan por el mar!
Aún así, una persona que está lejos de las bellas artes a menudo no puede decir exactamente qué es la pintura, qué es el dibujo y en qué se diferencian entre sí. Por tanto, para él tanto “dibujar” como “escribir” son lo mismo. ¡Pero intenta decirle al maestro que tiene un buen “dibujo” sobre lienzo! No más manera fácil
hiere una naturaleza creativa sensible, aunque un simple espectador no comprenderá de inmediato qué está mal y es ofensivo aquí.
Pintura y dibujo son conceptos cercanos e incluso relacionados, pero claramente separados entre sí. Así como es bien sabido cuándo se pintan los cuadros y cuándo se dibujan. Intentemos resolver esto terminología en bellas artes
. Créame, esto no sólo es importante para quienes son creativos, sino también interesante.
Diferencia entre pintar y dibujar En un lenguaje estrictamente formal, dibujo
- esta es una imagen de cualquier imagen, objeto y fenómeno en un avión. Puedes dibujar con tiza, bolígrafo, lápiz, pinturas, cualquier cosa que deje marcas en una superficie determinada.
En general, incluso rayar un diamante sobre un cristal o, por ejemplo, dibujar con un bolígrafo en una lección y aplicar un tatuaje también es dibujar. Pero - Esta también es una imagen de objetos y fenómenos, pero sólo con el uso de pinturas. Es decir, hablando en un lenguaje seco y formal, la pintura es una de las opciones de dibujo en las que se utiliza el pincel como herramienta y las pinturas son el medio para crear una imagen.
En otras palabras, el dibujo es gráfico y se considera Oficialmente se considera gráfico todo lo que se hace sobre papel y, aunque parezca mentira, también se considera gráfico la acuarela. Aunque muchas obras también se consideran pinturas sobre papel
Entonces, todo lo que está en papel es gráfico y todo lo demás es pintura... sobre lienzo, madera, vidrio, pared.
¿Recuerdas las lecciones de dibujo en la escuela? Allí todo el tema se llamaba así: bellas artes. No hubo lecciones separadas de pintura o dibujo, solo un día enseñaron a trabajar con óleo y otro día, con lápices.
De ahí la creencia común de que la pintura es sólo una variante del dibujo. Formalmente esto es así, en realidad es diferente.
Bellas Artes - El Arte de Captar Imágenes = Bellas Artes, Asociación varios tipos pintura, gráfica, escultura
De hecho, tal jerarquía es una verdadera burocracia. En las artes visuales hoy existe una clara división: cuadro- esto es trabajar con pincel y pintar sobre materiales densos, En un lenguaje estrictamente formal,- este es el uso de todos los demás materiales en papel.
Puede que no sea tan estricto y científico, pero muchos aman el mundo del arte porque no está sujeto a la ciencia y, por lo tanto, sus leyes no necesariamente tienen que corresponder a una clasificación y terminología estrictas.
Hay otro matiz: piensa en la palabra misma "cuadro"- consta de dos partes: "vivir" Y "escribir". Esto se puede interpretar de diferentes maneras, pero muchos artistas dicen que trabajar con pinturas está vivo precisamente porque las propias pinturas, después de ser aplicadas al lienzo, se secan y cambian un poco sus propiedades, es decir, viven su propia vida.
Y la imagen misma adquiere su propia vida dinámica, la imagen resulta estar viva. O representación- escribe de forma viva... En general, la palabra pintura suena elevada y hermosa, en mi opinión.
Mirar y reflexionar sobre pinturas vivas.
Entonces, hemos descubierto esta parte: pintar es trabajar con pinturas, dibujar es utilizar otros medios. Además pintura de caballete, tanto monumentales como decorativos también se diferencian de formas similares de dibujo.
Se aplican pinturas a las paredes. estamos hablando de En cuanto a pintar, los decoran con crayones, esto ya es dibujar.
¿Pintan o dibujan?
Otros, nada menos pregunta espinosa- cómo llamar al proceso de creación de una imagen. Parece que si se crea una imagen, significa que se dibuja. Y si hablan de una letra, normalmente se refieren a texto.
Aquí la terminología tiene profundas raíces históricas. La pintura en Rusia se desarrolló gradualmente a partir de la pintura de iconos, cuando los maestros comenzaron a intentar revivirla y hacerla más vívida. motivos bíblicos, utilizando las mismas técnicas, y luego pasó por completo a pinturas que no tenían nada que ver con la religión.
Pero dado que los íconos fueron originalmente "escribió", luego esta palabra migró a la pintura y hoy también se pintan cuadros al óleo.
A menudo peco y suelo “pintar” mis cuadros.
Si hablamos de dibujo, entonces todas las obras aquí están dibujadas, por muy significativas que sean. Por supuesto, se puede decir que el artista “escribió” un lienzo épico con un lápiz, pero esto no es más que libertad.
¿Es posible pintar sobre lienzo?
En general, se suele decir que pintan sobre lienzo con óleos, pero, por ejemplo, simplemente dibujan sobre papel. Pero éstas no son reglas absolutas.
Por ejemplo, Antes de pintar con pinturas, el artista puede hacer un boceto a lápiz sobre un lienzo. Este es un dibujo, el autor lo dibuja. Y solo cuando se aplican pinturas a este dibujo, se comienza a pintar el cuadro.
Aunque nadie prohibió dibujar con lápices o carboncillo sobre lienzo... la única cuestión es que dibujar sobre un lienzo de tela no es del todo conveniente para las técnicas secas, a menos, por supuesto, que no sea aquí donde se puede utilizar todo.
Lo mismo se aplica a otros conceptos básicos; no sólo la pintura de caballete permite pintar cuadros. Por ejemplo, pintura monumental Implica pintar cuadros con pinturas en varios. objetos arquitectonicos fachada, pintura decorativa - esto es escribir en varios objetos y detalles del interior, - esto es pintar las paredes dentro de la habitación con varios frescos y pinturas falsas
Al mismo tiempo, si cogemos un vaso o jarra y lo pintamos, por ejemplo, con tinta, esto ya quedará pintura decorativa . Esto significa que no depende en modo alguno de si nos dedicamos a pintar o a dibujar. Se trata de los materiales con los que se crea la imagen.
Y por último: no asuma que la pintura es para profesionales y el dibujo para aficionados. ¡De nada! A menudo, los lápices, pasteles o crayones crean obras que no son menos grandiosas y magníficas que las pinturas al óleo o acrílicas.
Y la dificultad de crear obras, por ejemplo, sólo con lápices, es muy grande. Por lo tanto, si te gusta dibujar, no tienes que torturarte y obligarte a pintar con pinturas; es muy posible crear obras maestras con lo que más te guste.
Maestros del retrato en gráfica.
Sólo en este caso, por cierto, Podrás expresarte plenamente a ti mismo y a tus emociones en tu trabajo.¡Ya sea sobre lienzo, papel, vidrio o en la pared! Son los primarios, y los materiales y técnicas son sólo herramientas, entre las que tú eliges la que más te conviene.
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Iniciando un diálogo con la cultura mundial, hombre moderno no dedica ningún esfuerzo a elevarse a su nivel, sino que, por el contrario, intenta llevarla a su nivel. (alguien inteligente)
Antes de la invención de la fotografía, la pintura se consideraba una herramienta para reflejar el entorno con la mayor precisión posible. La pintura se consideraba mejor cuanto más auténticamente representaba. mundo real. Con la aparición de la fotografía en 1839 y del cine en 1895, la comprensión de la pintura se amplió significativamente, aunque otros todavía mantienen una actitud estrictamente funcional.
¿Cuál es la diferencia entre una fotografía y una pintura?
Bato Dugarzhapov "Navidad".
La fotografía captura un momento, es decir, un estado instantáneo y muy específico de un objeto. El artista, por mucho que escriba los detalles de forma detallada y creíble, escribe ante todo lo GENERAL que ve en el modelo, es decir, lo más característico y expresivo.
Por lo tanto, una fotografía (a excepción de obras muy raras de fotógrafos) es una ilustración, similar a una imagen de una enciclopedia: así es una ardilla, niños, y así era el dueño del álbum de fotos. Hace 20 años cuando se bañaba en una bañera.
Bato Dugarzhapov “Crimea”.
El artista moderno ha abandonado la copia de la naturaleza; la fotografía y el cine pueden hacerlo mucho mejor y más rápido. El naturalismo empuja la pintura al callejón sin salida de la repetición y la banalidad. Además, la naturaleza no se puede reproducir. Cuando el espectador percibe sólo el aspecto más superficial de la pintura: la transmisión de información "dónde estaba todo", entonces la comprensión de la pintura se verá extremadamente empobrecida y distorsionada.
Una pintura se diferencia fundamentalmente de una fotografía en la no identidad de lo creado, y esto se ha vuelto diferencia fundamental entre pintoresco y imagen fotográfica. El artista decide por su propia voluntad qué y cómo dejar, qué y cómo resaltar, qué excluir del cuadro, a veces incluso en contra del sentido común superficial.
Bato Dugarzhapov "Terraza".
Una pintura pictórica al óleo sobre lienzo pretende ser una muestra completa y universal del objeto pintado y transmitir la impresión del mismo. De forma incomprensible, sobre un lienzo plano aparece un volumen, vivo y hermoso mundo, creado por el artista.
Podemos entrar en escena y escuchar el canto de los pájaros, oler el olor de un prado en flor, sentir el calor del agua calentada por el sol, ver el movimiento, entendiendo claramente que todo esto sucede solo en nuestra mente y frente a nosotros. y que el autor nos transmitió todo esto.
¿Qué es "alla prima"?
Bato Dugarzhapov “Mañana”.
Si antes era bien recibido el estilo de joyería de escribir los detalles hasta el más mínimo detalle, cuando el cuadro se pintaba durante meses, o incluso años, y luego se barnizaba cuidadosamente, en los siglos XIX y XX apareció el concepto de "alla prima". Del latín “all prima vista” (a primera vista) y significa pintura espontánea con pintura empastada.
La pintura está lista después de la primera sesión. Los colores se mezclan principalmente en la paleta, donde parecen frescos y luminosos. Al escribir al aire libre es muy manera adecuada trabajar.
La pastosidad se manifiesta en el relieve, en las irregularidades de la capa de pintura, en una pincelada plástica y sirve para enfatizar el lado material del objeto e impartir dinamismo. Las pinturas son más voluminosas e informativas que las fotografías; pueden impactar emocionalmente a los espectadores con manchas de color locales, sin aclaraciones ni especificaciones innecesarias de detalles. En ocasiones incluso por la ausencia de esta especificación.
Bato Dugarzhapov “Mediodía. Barcos."
La alternancia de trazos y puntos de luz aparentemente caóticos es mucho más emocional que la fotografía y la forma antigua y pulida transmite movimiento: el juego de las manchas del sol sobre la hierba, el resplandor del agua, el balanceo de las hojas, etc.
Desafortunadamente, el espectador, completamente salvaje en el sentido de la cultura pictórica, al ver obras alla prima, pintadas con amplios trazos y rayas, no se toma la molestia de detenerse a mirar de cerca, sino que hincha las mejillas y, con las palabras "Yo También puede pintar así”, con conciencia de su superioridad va más allá en busca de creaciones lacadas y con escrituras rizadas, donde no es necesario ningún trabajo de imaginación y empatía.
Dejémoslo ir y consideremos, por ejemplo, el cuadro “Plein Air” del artista Bato Dugarzhapov. ¿Qué vemos en esta interesante imagen?
Bato Dugarzhapov “Plein Air”.
Aquellos que quieran ver cómo se hacen los zapatos de los personajes, nada. El espectador, sintonizado con la ola de comprensión, ve en primer lugar mucho luz del sol. Luego vemos a varios artistas con vestidos de verano sobre caballetes y a un artista barbudo con vaqueros y pinceles en la mano. Entonces aparece uno cálido muro de piedra con glicinas trepadoras iluminadas por el sol sobre ellos, cielo azul en los claros del follaje, el parapeto del terraplén y el mar detrás. La razón por la que el follaje no está dibujado en detalle y las venas es que se mueve, se balancea, y la luz también se mueve, las sombras se mueven y el reflejo del mar a lo lejos cambia cada minuto...
El ambiente de la imagen es absolutamente fenomenal, simplemente irradia luz y positividad. Y al mismo tiempo, es imposible señalar con un puntero y explicar: esto es esto y aquí está esto. Sólo necesitas ver esto alejándote un poco de la imagen y mirándola el tiempo suficiente. Además, esto es sólo un archivo, ¡me imagino cuánto debería funcionar en el original!
Bato Dugarzhapov “Sobre bocetos”.
El cuadro “Sobre estudios” “aparece” de manera similar. Primero: manchas caóticas de luz solar y reflejos del mar. Entonces el artista canoso se inclinó hacia el caballete. Luego, el mar mismo: el mar brillante, se mueve, se preocupa, los reflejos del sol en las olas prácticamente ciegan los ojos (cómo se hizo esto es imposible de entender), en el mar hay rocas, piedras y barcos, a la izquierda , nuevamente, una planta trepadora, quizás uvas.
El ambiente de una mañana calurosa (y esto es mañana, porque cuando el sol está alto, el mar no brilla tanto, se vuelve azul), belleza costa sur y admiración por esta belleza.
Bato Dugarzhapov "Tarde del Sur"
Las pinturas de Bato Dugarzhapov están inmersas en un ambiente luminoso especial, que habla de la alta cultura pictórica del artista y de una sutil comprensión del color y las relaciones espaciales. Sus obras se distinguen por su frescura, el rápido ritmo de líneas y manchas de color, la euforia romántica y la sutil percepción de las relaciones luz-espacial.
Con gran facilidad, con grandes trazos, crea una imagen completa e integral de la naturaleza en color, luz y dinámica vital... todo brilla con los rayos del sol, incluso donde hay sombra, los reflejos brillan, lo cual es especialmente sorprendente y agradable. Los colores, lanzados libremente, se superponen y forman una armonía y un ritmo multicolores, en los que el juego de matices cobra especial importancia.
Bato Dugarzhapov “Lago de Como”.
Bato Dugarzhapov nació en 1966 en Chitá. Graduado escuela de arte en Tomsk y el Instituto Académico Estatal de Arte de Moscú que lleva su nombre. V.I. Surikov. Las obras del artista se encuentran en colecciones privadas en Rusia, Estados Unidos, Francia, Italia y España.
K. Yu.
Pintura de cualquier género (desde bodegones hasta pintura religiosa) es imagen artística, creado con la ayuda de la imaginación y la visión personal del mundo del artista. La cosmovisión y la actitud del artista se forman bajo la influencia del entorno: época, estado, sociedad, familia, estilo de vida, etc. El arte de los grandes artistas es siempre un retrato de una época a través del prisma de un autorretrato, una personalidad que atraviesa la realidad circundante y el espíritu de la época. 
Un icono es un fenómeno atemporal; es una revelación de Dios, representada con la ayuda de artes visuales. El principio más importante en la pintura de iconos es seguir los cánones establecidos. Los cánones de la pintura de iconos son tan únicos que una persona que no esté familiarizada con la historia y la teología de la Iglesia puede quedar perpleja: ¿por qué adherirse a los antiguos principios de la imagen? ¿Quizás los maestros que estuvieron en los orígenes de la pintura de iconos simplemente no dominaban la técnica que se desarrolló durante el Renacimiento? Y tal vez deberíamos cambiar los logros civilización europea a esto arte antiguo?
Entonces, ¿en qué se diferencia el ícono de pintura clasica? ¿Y por qué medios técnicos se consigue esa diferencia?
El pintor de iconos no transfiere al icono nada de su cosmovisión personal que sea de alguna manera diferente de la cosmovisión de la Iglesia de Cristo. El pintor de iconos se convierte en una guía para la cosmovisión de la Iglesia. El icono no busca reflejar la realidad temporal circundante; no se preocupa por los problemas de nuestro tiempo, el malestar transitorio de este mundo. Un icono es una ventana a otro mundo eterno. 
La pintura refleja inevitablemente la individualidad del autor; la obra refleja sus características personales y únicas, además, cada artista se esfuerza por lograr su propio estilo distintivo; uno de mayores logros Actividad del autor: la creación de un nuevo estilo, dirección en la pintura. Los lienzos del maestro están indisolublemente ligados a su nombre, imagen y biografía.
La pintura es espiritual, es decir sensual, transmite emociones, ya que el arte representa una forma de entender el mundo a través de los sentimientos.
El ícono es espiritual, impasible y desapasionado. Como canto de la iglesia y leyendo, el icono no acepta formas emocionales impacto.
Una pintura es una forma de interactuar con la personalidad del autor. Un icono es un medio de comunicación con Dios y sus santos.
Un icono, a diferencia de una pintura, sirve directamente a la salvación del alma humana.
Hemos destacado las diferencias internas entre un icono y una pintura, y cuáles diferencias externas¿Podemos rastrear?
En primer lugar, un icono es un testimonio del Dios verdadero; es un fenómeno puramente religioso. Un icono canónico no tiene decoraciones aleatorias que carezcan de significado semántico.
Las principales diferencias entre un icono y una pintura:
1. Convencionalidad, cierta distorsión de las formas y simbolismos reales.
Lo carnal disminuye en el icono y lo espiritual se revela. Proporciones alargadas de la figura, falta de volumen. El icono carece de pesadez, el peso inherente a los objetos de nuestro mundo.
2. Perspectiva inversa.
La imagen se construye según las leyes de la perspectiva directa, el punto de fuga se sitúa en la línea del horizonte y siempre es el mismo. El icono se caracteriza por una perspectiva inversa, donde el punto de fuga no se encuentra en la profundidad del plano, sino en la persona que se encuentra frente al icono. Así encuentra su expresión la idea de la aparición del mundo celestial en nuestro mundo, el mundo de abajo. Y lineas paralelas en el icono no convergen, sino que, por el contrario, se expanden en el espacio del icono.
3. Ausencia fuente externa Luz.
La luz, por así decirlo, desde el interior del icono, desde los rostros y las figuras mismas, desde sus profundidades es la esencia de la santidad. El icono es luminoso y este principio se basa en el testimonio teológico del evangelio sobre la Transfiguración de nuestro Señor en el monte Tabor. El halo ortodoxo es la luz increada de lo Divino, nacida en el corazón de un santo y formando un todo único con su cuerpo transformado.
4. El color en un icono cumple una función puramente simbólica.
El color rojo de los iconos de los mártires simboliza el sacrificio o poder real. El oro es un símbolo de la luz no mercantil, que tiene una naturaleza completamente diferente a la de otras sustancias físicas. Por qué no se puede transmitir con pintura. El oro en los iconos es lo opuesto a la idea del oro y la riqueza terrenales. También hay colores que reemplazan la presencia del oro en el ícono: ocre, rojo y colores blancos. El color negro en los íconos se usa solo en los casos en que es necesario mostrar las fuerzas del mal o el inframundo.
6. No hay tiempo en el ícono. Todos los eventos suceden al mismo tiempo.
A menudo, un icono representa varias escenas diferentes, a veces son escenas de la vida de un santo, que ilustran todo su camino desde el nacimiento hasta el reposo. Así se transmite la implicación del icono en el mundo de la eternidad, donde todo está abierto al mismo tiempo, o mejor dicho, el tiempo simplemente está ausente. En la imagen, por el contrario, sucede en un plano temporal.
Entonces, la diferencia entre un icono canónico y una pintura es obvia.
La tarea principal del icono, a diferencia de la pintura, que transmite el lado sensorial del mundo, es revelar la realidad del mundo espiritual, ayudar a tener una idea de la presencia real del santo. madre de dios o el Señor, para contribuir a la apertura del corazón y al nacimiento de la oración o alabanza arrepentida, a través de la cual se santifica la mente, el corazón y toda la vida de una persona.
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