Pinturas de Robert Longo. Qué tienen en común Goya, Eisenstein y Longo: la guía del artista para la exposición en Garage

Robert Longo nació en 1953 en Brooklyn, Nueva York, y creció en Long Island. De niño lo miraba gran influencia influenciado por la cultura popular: cine, televisión, revistas y cómics, que moldearon en gran medida su estilo artístico.

A finales de la década de 1970, Longo interpretó música punk experimental en clubes de rock de Nueva York en el proyecto "Menthol Wars" (Menthol Wars de Robert Longo). Es cofundador del grupo de vanguardia X-Patsys (junto con su esposa Barbara Zukova, Jon Kessler, Knox Chandler, Sean Conley, Jonathan Kane y Anthony Coleman).

Durante la década de 1980, Longo dirigió varios vídeos musicales, incluido "The One I Love" de R.E.M. , Bizarre Love Triangle de New Order y Peace Sells de Megadeth .

En 1992, el artista dirigió uno de los episodios de la serie "Tales from the Crypt" titulado "This'll Kill Ya". El más famoso de obras del director Longo - película de 1995

Conservador jefe del museo arte contemporáneo"Cochera"
Kate Fowle y Robert Longo

Roberto Longo,

con quien se reunió Posta-Magazine en la instalación de la exposición, habló sobre lo que se esconde bajo la capa colorida de las pinturas de Rembrandt, el poder de la imagen, así como lo "primitivo" y lo "alto" del arte.

Al observar los gráficos hiperrealistas de Robert Longo, es difícil creer que no sean fotografías. Y sin embargo es así: imágenes monumentales ciudad moderna, la naturaleza o los desastres están dibujados con carboncillo sobre papel. Son casi táctiles, tan elaborados y detallados, y durante mucho tiempo llaman la atención con su escala épica.

Longo tiene una voz tranquila pero segura. Después de escuchar la pregunta, piensa un segundo y luego habla, confidencialmente, como si fuera un viejo conocido. Las categorías abstractas complejas en su historia ganan claridad e incluso parecen aptitud fisica. Y al final de nuestra conversación, entiendo por qué.

Inna Logunova: Después de mirar la parte montada de la exposición, quedé impresionado por la monumentalidad de sus imágenes. Es sorprendente lo modernos y arquetípicos que son al mismo tiempo. ¿Tu objetivo como artista es capturar la esencia del tiempo?

Roberto Longo: Nosotros, los artistas, somos reporteros del tiempo en que vivimos. Nadie me paga, ni el gobierno ni la iglesia, puedo decir con razón: mi trabajo es cómo veo el mundo que me rodea. Si tomamos algún ejemplo de la historia del arte, digamos las pinturas de Rembrandt o Caravaggio, veremos en ellas un modelo de la vida, tal como era en esa época. Creo que esto es lo realmente importante. Porque en cierto sentido el arte es una religión, una forma de separar nuestras ideas sobre las cosas de las de ellos. verdadera esencia, de lo que realmente son. este es el suyo enorme fuerza. Como artista, no les vendo nada, no les hablo de Cristo ni de política; solo trato de comprender algo sobre la vida, haciendo preguntas que hacen que el espectador piense y dude de algunas verdades generalmente aceptadas.

Y la imagen, por definición, es arquetípica; el mecanismo de su influencia está conectado con nuestros fundamentos más profundos. Dibujo con carboncillo - el material más antiguo hombre prehistórico. La ironía es que en esta exposición, tecnológicamente, mis obras son las más primitivas. Goya trabajó en complejo, hasta ahora tecnología moderna Grabado, Eisenstein hacía películas y yo sólo dibujo con carboncillo.

Es decir, ¿utilizas material primitivo para sacar a la luz algún principio antiguo?

Sí, siempre me ha interesado el inconsciente colectivo. Hubo un tiempo en que simplemente estaba obsesionado con la idea de encontrar y capturar sus imágenes y, para acercarme de alguna manera a esto, hacía un dibujo todos los días. Soy estadounidense, mi esposa es europea, ella se formó en una cultura visual diferente y fue ella quien me ayudó a comprender hasta qué punto yo soy un producto del sistema de imágenes de mi sociedad. Consumimos estas imágenes todos los días sin siquiera darnos cuenta de que son parte de nuestra carne y sangre. Para mí, el proceso de dibujar en sí es una forma de darme cuenta de qué, de todo este ruido visual, es realmente tuyo y qué te impone desde fuera. En realidad, un dibujo, en principio, es una huella del inconsciente: casi todo el mundo dibuja algo mientras habla por teléfono o piensa. Por ello, tanto Goya como Eisenstein están representados en la exposición con dibujos.

¿De dónde sacaste este? interés especial a las obras de Goya y Eisenstein?

En mi juventud constantemente dibujaba algo, hacía esculturas, pero no tenía el coraje de considerarme artista y no me veía en esa capacidad. Me sacudieron de un lado a otro: quería ser biólogo, músico o deportista. En general, tenía ciertas inclinaciones en cada una de estas áreas, pero en realidad lo único que realmente se me daba bien era el arte. Pensé que podría dedicarme a la historia del arte o a la restauración y me fui a estudiar a Europa (a la Academia bellas artes en Florencia. - Aprox. auth.), donde observé y estudié mucho y con entusiasmo a los viejos maestros. Y en cierto momento algo pareció hacer clic en mí: basta, quiero responderles con algo mío.

Vi por primera vez las pinturas y grabados de Goya en 1972 y me impresionaron por su calidad cinematográfica. Después de todo, crecí viendo televisión y cine, mi percepción era predominantemente visual; en mi juventud apenas leía, los libros llegaron a mi vida después de los treinta. Además, era televisión en blanco y negro y las imágenes de Goya conectaban en mi mente con mi propio pasado, mis recuerdos. También me impresionó el fuerte componente político de su obra. Al fin y al cabo, pertenezco a una generación para la que la política forma parte de la vida. Ante mis ojos, fue asesinado a tiros durante las protestas estudiantiles. amigo íntimo. La política se convirtió en un obstáculo en nuestra familia: mis padres eran conservadores acérrimos y yo era liberal.

En cuanto a Eisenstein, siempre admiré la consideración de sus imágenes y su magistral trabajo de cámara. Él me influyó mucho. En la década de 1980, recurrí constantemente a su teoría del montaje. En aquel entonces me interesaba especialmente el collage: cómo la combinación o colisión de dos elementos da lugar a algo completamente nuevo. Digamos que los coches que chocan entre sí ya no son dos objetos materiales, sino algo tercero: un accidente automovilístico.

Goya fue artista político. ¿Es tu arte político?

No es que estuviera profundamente involucrado en política, pero ciertas situaciones de la vida me obligaron a tomar posición política. Entonces, en la escuela secundaria solo me interesaban las chicas, los deportes y el rock and roll. Y entonces la policía disparó a mi amigo y ya no pude quedarme quieto. Sentí una necesidad interna de hablar de ello, o mejor dicho, de mostrarlo, pero no tanto a través de los acontecimientos en sí, sino a través de sus consecuencias, ralentizándolas y ampliándolas.

Y hoy lo principal para mí es detener el flujo de imágenes, cuyo número aumenta constantemente. Pasan ante nuestros ojos a una velocidad increíble y por tanto pierden todo significado. Siento que tengo que detenerlos, llenarlos de contenido. Después de todo, la percepción del arte difiere de una mirada cotidiana y deslizante a las cosas: requiere concentración y, por lo tanto, te hace detenerte.

¿Fue tu idea combinar a Robert Longo, Francisco Goya y Sergei Eisenstein en una sola exposición?

Por supuesto que no. Goya y Eisenstein son titanes y genios, ni siquiera pretendo estar al lado de ellos. La idea fue de Kate (Kate Fowle, curadora jefe del Museo Garage de Arte Contemporáneo y curadora de la exposición - nota del autor), que quería poner en escena mi obra. últimos años en algún contexto. Al principio estaba muy confundido por su idea. Pero ella dijo: “Traten de verlos como amigos, no como monstruos sagrados, y establezcan un diálogo con ellos”. Cuando finalmente me decidí, surgió otra dificultad: estaba claro que no podríamos traer a Goya de España. Pero luego vi los gráficos de Eisenstein y recordé los grabados de Goya que tanto me impresionaron en mi juventud, y entonces me di cuenta de lo que los tres teníamos en común: el dibujo. Y blanco y negro. Y comenzamos a trabajar en esta dirección. Seleccioné los dibujos de Eisenstein y los grabados de Kate y Goya. Ella descubrió cómo organizar el espacio de exposición; para ser honesto, yo mismo me sentí un poco perdido cuando lo vi, no entendía en absoluto cómo trabajar con él.

Entre las obras presentadas en la exposición se encuentran dos obras basadas en fotografías de rayos X de las pinturas de Rembrandt “Cabeza de Cristo” y “Batsabé”. ¿Qué verdad especial buscabas dentro de estas pinturas? ¿Qué encontraste?

Hace varios años se celebró en Filadelfia una exposición titulada “Rembrandt y los rostros de Cristo”. Al encontrarme entre estas pinturas, de repente me di cuenta: así es como se ve lo invisible; después de todo, la religión, en esencia, se basa en la creencia en lo invisible. Le pedí a un artista restaurador amigo mío que me mostrara radiografías de otras pinturas de Rembrandt. Y este sentimiento de que ves lo invisible sólo se fortalece. Porque las imágenes de rayos X lo representaban a él mismo. proceso creativo. Lo que es interesante: mientras trabajaba en la imagen de Jesús, Rembrandt pintó toda una serie de retratos de judíos locales, pero al final el rostro de Cristo carece de rasgos semíticos: sigue siendo un europeo. Y en una radiografía, donde más primeras versiones imagen, generalmente parece árabe.

En “Batsabé” me ocupaba otro punto. Rembrandt la describió resignada a su destino: se ve obligada a compartir el lecho con el rey David, que la deseaba, y así salvar a su marido, quien, si ella se niega, lo enviará inmediatamente a la guerra a una muerte segura. La radiografía muestra que al principio Betsabé tiene una expresión completamente diferente en su rostro, como si incluso estuviera esperando con ansias la noche con David. Todo esto es increíblemente interesante y excita la imaginación.

Y si tu trabajo fuera radiografiado, ¿qué veríamos en estas fotografías?

Estaba bastante enojado cuando era joven; todavía lo estoy ahora, pero menos. Debajo de mis dibujos escribí cosas terribles: a quién odiaba, cuya muerte deseaba. Afortunadamente, como me dijo un amigo crítico de arte, los dibujos al carboncillo no suelen someterse a rayos X.

Y si hablamos de la capa exterior, la gente que no mira con atención mis obras las confunde con fotografías. Pero cuanto más se acercan a ellos, más se pierden: esto no es pintura figurativa tradicional ni abstracción modernista, sino algo intermedio. Al ser extremadamente detallados, mis dibujos siempre quedan inestables y un poco inacabados, por lo que nunca podrían ser fotografías.

¿Qué es lo primero para ti como artista: la forma o el contenido, la idea?

Me influenciaron los artistas conceptuales, ellos eran mis héroes. Y para ellos la idea es primordial. Es imposible ignorar la forma, pero la idea es sumamente importante. Desde que el arte dejó de servir a la Iglesia y al Estado, el artista una y otra vez debe responder por sí mismo a la pregunta: ¿qué diablos estoy haciendo? En la década de 1970, buscaba dolorosamente una forma en la que pudiera trabajar. Podría elegir cualquiera: artistas conceptuales y minimalistas lo deconstruyeron todo formas posibles creando arte. Cualquier cosa puede ser arte. Mi generación se dedicó a la apropiación de imágenes; las imágenes de imágenes se convirtieron en nuestro material. Tomé fotografías y videos, monté representaciones, hice esculturas. Con el tiempo, me di cuenta de que el dibujo está entre el arte “elevado” (escultura y pintura) y algo completamente marginal, incluso despreciado. Y pensé: ¿y si cogemos y ampliamos el dibujo a la escala de un gran lienzo, lo convertimos en algo grandioso, como una escultura? Mis dibujos tienen peso, interactúan físicamente con el espacio y el espectador. Por un lado, estas son las abstracciones más perfectas; por otro, el mundo en el que vivo.

Robert Longo y Kate Fowle en los Archivos Estatales Rusos
literatura y arte

Detalles de la revista Posta
La exposición está abierta del 30 de septiembre al 5 de febrero.
Museo de Arte Contemporáneo "Garage", st. Krymsky Val, 9, edificio 32
Sobre otros proyectos de la temporada: http://garagemca.org/

En el Museo de Arte Moderno "Cochera" exposición abierta “Testimonio”: Francisco Goya, Sergei Eisenstein, Robert Longo. Fotogramas de las películas de Eisenstein, los grabados de Goya y los dibujos al carboncillo de Longo formaron una mezcla posmoderna en blanco y negro. Por otra parte, en la exposición se pueden ver cuarenta y tres dibujos de Eisenstein de la colección del artista ruso. archivo estatal literatura y arte expuestos por primera vez, así como grabados de Francisco Goya de la colección Museo Estatal historia moderna Rusia. ARTANDHOUSES habló con el famoso artista americano Roberto Longo sobre lo difícil que fue estar a la par de los gigantes de la historia del arte, sobre la autosuficiencia de la juventud y sus experiencias en el cine.

¿Cómo surgió la idea de la exposición? ¿Qué tienen en común los artistas Longo, Goya y Eisenstein?

La cocuradora de la exposición, Kate Fowle, me escuchó hablar sobre estos artistas, cómo me inspiraron y cuánto admiraba su trabajo. Ella me sugirió que juntara nuestras obras y hiciera esta exposición.

Siempre me han interesado los artistas que fueron testigos de su tiempo y documentaron todo lo que pasó. Creo que es importante que en las obras de Eisenstein y Goya veamos evidencia de las épocas en las que vivieron.

Mientras trabajaba en la exposición, visitó los archivos estatales rusos. ¿Qué fue lo más interesante de trabajar con materiales de archivo?

El increíble equipo del museo me dio acceso a lugares a los que nunca hubiera podido ir por mi cuenta. Me sorprendió el archivo de literatura y arte, sus enormes salas con archivadores. Mientras caminábamos por los interminables pasillos, constantemente preguntaba a los empleados qué había en esas cajas, qué había en aquellas. Una vez dijeron: "¡Y en estas cajas tenemos a Chéjov!" Me llamó la atención la idea misma de Chéjov en una caja.

También se reunió con el principal experto en la obra de Eisenstein, Naum Kleiman...

Fui a Kleiman para pedir algún tipo de permiso. Le pregunté qué pensaría Eisenstein sobre lo que estábamos haciendo. Porque sentí que la exposición fue concebida con bastante audacia. Pero Kleiman se mostró muy entusiasmado con el proyecto. Podemos decir que en cierta manera aprobó lo que estábamos haciendo. Es una persona increíblemente vivaz que habla un inglés brillante, aunque al principio afirmó que apenas lo hablaba.

¿Le resulta difícil compararse con Goya y Eisenstein? ¿Es difícil estar a la altura de los genios del pasado?

Cuando Kate me preguntó si quería participar en una exposición así, pensé: ¿qué papel me darían? Probablemente auxiliar. ¡Estos son verdaderos gigantes de la historia del arte! Pero, al final, todos somos artistas, cada uno vivió su propia época y la representó. Es muy importante entender que esto fue idea de Kate, no mía. Y el lugar que ocuparé en la historia lo sabremos dentro de cien años.

En tus entrevistas sueles decir que robas fotografías. ¿Qué quieres decir?

Vivimos en un mundo sobresaturado de imágenes y podemos decir que penetran en nosotros. Entonces ¿qué estoy haciendo? Tomo prestadas "imágenes" de este loco flujo de imágenes y las coloco en un contexto completamente diferente: el arte. yo elijo Imágenes de arquetipo, mientras los ralentiza deliberadamente para que la gente pueda detenerse y pensar en ellos. Podemos decir que todo medio que nos rodea es una calle con tráfico unidireccional. No se nos da la oportunidad de reaccionar de alguna manera. Y estoy tratando de responder a esta diversidad. Busco imágenes que sean arquetípicas de la antigüedad. Miro las obras de Goya y Eisenstein y me sorprende que inconscientemente utilice en mis obras motivos que también se encuentran en sus obras.

Entraste en la historia del arte como artista de la Generación de las Imágenes. ¿Qué te motivó cuando empezaste a tomar prestadas imágenes de los medios? ¿Fue una protesta contra el modernismo?

Fue un intento de resistir la cantidad de imágenes que nos rodeaban en Estados Unidos. Había tantas imágenes que la gente perdió el sentido de la realidad. Pertenezco a una generación que creció viendo televisión. La televisión era mi niñera. El arte es un reflejo de aquello con lo que crecimos, lo que nos rodeó en la infancia. ¿Conoce a Anselm Kiefer? Creció en la Alemania de la posguerra, que estaba en ruinas. Y todo esto lo vemos en su arte. En mi arte vemos imágenes en blanco y negro que parecen sacadas directamente de la pantalla de televisión con la que crecí.

¿Cuál fue el papel del crítico Douglas Crimp en la organización de la legendaria exposición Pictures en 1977, en la que usted participó junto con Sherri Levine, Jack Goldstein y otros, tras la cual se hizo famoso?

Reunió artistas. Nos conoció a Goldstein y a mí por primera vez y se dio cuenta de que algo interesante estaba sucediendo. Y tuvo la idea de viajar por América y encontrar artistas que trabajaran en la misma dirección. Descubrió muchos nombres nuevos. Fue un regalo del destino para mí que a tan temprana edad me encontrara un gran intelectual que escribiera sobre mi obra. (El artículo de Douglas Crimp sobre la nueva generación de artistas fue publicado en una influyente revista estadounidenseOctubre. -E.F.). Era importante que pusiera en palabras lo que queríamos expresar. Porque estábamos haciendo arte, pero no podíamos encontrar las palabras para explicar lo que estábamos representando.

A menudo representas escenas apocalípticas: explosiones atómicas, tiburones con la boca abierta, cazas sumergidos. ¿Qué te atrae del tema del desastre?

En el arte hay toda una dirección en la representación de desastres. Para mí, un ejemplo de este género es el cuadro de Géricault “La balsa de la Medusa”. Mis pinturas basadas en desastres son algo así como un intento de desarme. A través del arte me gustaría deshacerme del sentimiento de miedo que generan estos fenómenos. Quizás mi trabajo más llamativo sobre este tema sea el trabajo con una marca de bala, que se inspiró en los acontecimientos en torno a la revista Charlie Hebdo. Por un lado, es muy hermoso, pero por otro, es la encarnación de la crueldad. Para mí, esta es una manera de decir: “¡No te tengo miedo! ¡Puedes dispararme, pero seguiré trabajando! ¡Y te irías al infierno!

Haces películas, videoclips, tocas en un grupo musical y pintas cuadros. ¿Quién te sientes más: un director, un artista o un músico?

Un artista. Esta es la profesión más libre de todas. Cuando haces una película, la gente paga dinero y cree que puede decirte qué hacer.

¿No estás muy contento con tu experiencia cinematográfica?

Tuve una experiencia difícil con el rodaje. « Johnny el Mnemotécnico." Al principio quería hacer una pequeña película de ciencia ficción en blanco y negro, pero los productores siguieron interfiriendo. Al final, salió entre un 50 y un 70 por ciento como me hubiera gustado que fuera. Tenía un plan: para el 25º aniversario de la película, la editaría, la haría en blanco y negro, la volvería a editar y la subiría a Internet. ¡Este sería mi acto de venganza contra la compañía cinematográfica!

Formaste parte del arte y la música underground de los años 1970 y 1980. ¿Cómo recuerdas esos tiempos?

A medida que envejeces, te das cuenta de que no estás entrando en el futuro, sino que el futuro se acerca a ti. El pasado cambia constantemente en nuestras mentes. Cuando leo ahora sobre los acontecimientos de los años 70 y 80, creo que todo fue completamente diferente. El pasado no es tan color de rosa como parece. También hubo dificultades. Estábamos sin dinero. Tuve trabajos terribles, incluido el de taxista. Y sin embargo fue gran momento, cuando la música y el arte estaban estrechamente vinculados. Y realmente queríamos crear algo nuevo.

Si pudieras retroceder en el tiempo, cuando eras joven, ¿qué cambiarías?

Yo no consumiría drogas. Si ahora estuviera hablando con mi yo más joven, diría que para ampliar los límites de la conciencia no se necesitan estimulantes, es necesario trabajar activamente. Es fácil ser joven, es mucho más difícil vivir hasta la vejez. Y sea relevante para su tiempo. La idea de destrucción puede parecer genial cuando eres joven, pero no lo es. Y ahora hace más de veinte años que no bebo ni tomo estimulantes.

Roberto Longo(Inglés) Roberto Longo, r. 1953) es un artista estadounidense contemporáneo conocido por su trabajo en diversos géneros.

Biografía

Roberto Longo Nació el 7 de enero de 1953 en Brooklyn (Nueva York), Estados Unidos. Estudió en la Universidad del Norte de Texas (Denton), pero abandonó. Posteriormente estudió escultura de la mano de Leonda Finke. En 1972 recibió una beca para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Florencia y partió hacia Italia. Después de regresar a los Estados Unidos, asistió a Buffalo State College y se graduó con una licenciatura en 1975. Al mismo tiempo, conoció a la fotógrafa Cindy Sherman.

A finales de los 70, Robert Longo se interesó por organizar actuaciones (por ejemplo, Sound Distance of a Good Man). Estas obras solían ir acompañadas de la creación de una serie de fotografías y vídeos, que luego se mostraban como obras individuales y como parte de instalaciones. Al mismo tiempo, Longo tocó en varias bandas de punk rock de Nueva York e incluso cofundó la galería Hallwalls. En 1979-81 el artista también trabajó en una serie de obras gráficas "People in Cities".

En 1987, Longo presentó una serie de esculturas conceptuales llamadas Object Ghosts. Las obras de esta serie son un intento de repensar y estilizar objetos de películas de ciencia ficción (por ejemplo, "Nostromo", así se llamaba el barco en la película Alien). Una idea similar (pero implementada con accesorios reales que se utilizaron en el set) se puede encontrar en el trabajo de Dora Budor.

En 1988, Longo comenzó a trabajar en la serie Black Flag. La primera obra de la serie fue una bandera estadounidense pintada en grafito y visualmente similar a una caja de madera pintada. Las obras posteriores fueron imágenes escultóricas de la bandera de los Estados Unidos hechas de bronce, cada una de las cuales iba acompañada de un título-firma (por ejemplo, "devuélvenos nuestro sufrimiento" - "devuélvenos nuestro sufrimiento").

A finales de los 80, Robert Longo también empezó a rodar cortometrajes(por ejemplo, Arena Brains - "Smart Guys in the Arena", 1987). En 1995, Longo actuó como director de la película de ciencia ficción Johnny Mnemonic. La película es considerada una película de culto del género cyberpunk. El papel principal lo desempeñó Keanu Reeves.

En los años 90 y 2000, Robert Longo continuó creando sus imágenes hiperrealistas. Las obras de las series Superhéroes (1998) u Ofelia (2002) parecen fotografías o esculturas, pero son pinturas a tinta. Los cuadros de las series Balcón (2008-09) y Los Misterios (2009) están escritos al carboncillo.

En 2010, Robert Longo creó una serie de fotografías al estilo “People in Cities” para la marca italiana Bottega Veneta.

En 2016-17 En el Museo Garage de Arte Contemporáneo se celebró la exposición “Testimonios”, durante la cual se mostraron al público algunas de las obras de Robert Longo.

Robert Longo vive actualmente en Nueva York, Estados Unidos. Desde 1994 está casado con la actriz alemana Barbara Sukowa. La pareja tiene tres hijos.

El estudio es un análisis de la película Johnny Mnemonic, único largometraje dirigido por el artista Robert Longo.

Alejandro Ursul

Al familiarizarse con la imagen, surgen una serie de preguntas. ¿Cómo podría un hombre que se hizo famoso por sus dibujos al carboncillo, en particular la serie Hombres en las ciudades, involucrarse en la dirección? ¿Y también dirigir una superproducción así con un reparto repleto de estrellas? Roberto Longo , por supuesto, un artista comercial. Sus gráficos están de moda, muestran cómo el estilo domina hoy todo y, lo más importante, la vida y la muerte. Robert Longo es un posmodernista. Y por tanto puede funcionar con todo, absolutamente todo. Pero ¿por qué eligió ciencia ficción para la autoexpresión? ¿Y para una adaptación cinematográfica, una obra del género cyberpunk? ¿Qué resultó de esto? ¿Es esta película un fenómeno notable o pasajero?

Primero, veamos qué experiencia tuvo Longo con el vídeo antes de Mnemonic. En los años 1980 dirigió varios vídeos musicales: el vídeo de la canción Bizarre Love Triangle banda de rock británica New Order (ver más abajo), video de Peace Sells de la banda estadounidense de thrash metal Megadeth, video del éxito banda de rock americana MOVIMIENTO RÁPIDO DEL OJO. – el indicado Me encanta, etc. El creador de vídeos de larga duración utiliza activamente herramientas de edición: doble exposición, cambios rápidos de fotogramas que pueden durar menos de un segundo, etc. El contenido de los clips tiene toques de surrealismo: por ejemplo, un hombre con un traje que vuela en caída libre, pero no puede caer, etc. En el vídeo de Megadeth, el director disfruta del primer plano de los labios cantando - no, gritando - del artista - ya veremos más adelante primeros planos labios y dientes apretados del personaje principal Johnny Mnemonic. Los clips se transmitieron periódicamente en canales de televisión como MTV.

El amor de Longo por la música no deja de tener razón: en su juventud organizó la banda de punk Menthol Wars, que a finales de los años 70 actuaba en clubes de rock de Nueva York. Puedes escuchar una de las composiciones aquí:

En 1987, el artista realizó un cortometraje (34 min.) sobre un grupo de neoyorquinos: Arena Brains. No pude encontrar este trabajo en Internet. Pero hay una obra del mismo nombre del artista Longo (ver apéndice), donde la cabeza de un hombre, claramente gritando, con los dientes expuestos (repetida en la obra de Longo imagen visual), donde se encuentra el cerebro, se añade una imagen de fuego. ¿Tu cerebro está en llamas?

(Fotogramas del vídeo musical Peace Sells de la banda de metal Megadeth)

(Fotograma de Johnny Mnemonic)

(La obra de Longo llamada Arena Brains)

El siguiente paso en la carrera de Longo como director fue trabajar en la segunda serie. cuarta temporada proyecto "Cuentos de la cripta" (Cuentos desde Crypt, serie de This'll Kill Ya) del canal estadounidense HBO. “Tales from the Crypt” es una serie de culto en ciertos círculos, basada en cómics. Cada episodio de 30 minutos es una historia diferente en la que las personas cometen malas acciones y se les paga por ellos. A lo largo de varios años se rodaron 93 episodios de la película de terror, uno de los cuales fue confiado a Robert Longo. El asistente del director era el sobrino del artista, Christopher Longo (futuro ingeniero de sonido en Hollywood).

"Yo morí y este hombre me mató": estas son una de las primeras palabras pronunciadas en este "cuento". La serie "This Will Kill You" está dedicada a cierto laboratorio en el que se está desarrollando un nuevo fármaco: el h24. Dos científicos, Sophie y Peck, están bajo el liderazgo del advenedizo y seguro de sí mismo George. Un día, en lugar del medicamento que George necesita, sus colegas le inyectan accidentalmente suero h24, pero el nuevo medicamento aún no ha sido probado en humanos. El episodio contiene sexo con un ex, triangulo amoroso, paranoia, visiones alucinógenas de personas cubiertas de burbujas y asesinatos.

En cuanto a , se puede observar que Longo a menudo inclina la cámara hacia un lado para obtener ángulos inusuales. De la misma manera estará presente en Johnny Mnemonic. También se utiliza activamente la doble exposición. Algunos planos están diseñados con predominio de un color, por ejemplo, el azul (compárese con el uso de carboncillo en los dibujos del artista).

Un par de clips, un cortometraje y un episodio: esta es toda la experiencia de Longo en la creación de vídeos (antes de "Mnemonic"). Bastante pequeño. Pero ya podemos sacar conclusiones de ello. Los grupos para los que el artista hizo vídeos, aunque trabajan en géneros “jóvenes” y son inicialmente clandestinos, adquieren éxito comercial. Esta serie de Cuentos de la cripta, al igual que los vídeos musicales de Longo, nos parece claramente perteneciente a la cultura popular. Sin embargo, queda la pregunta de si Longo jugó con el estilo en estas obras, si se apropió de él o si simplemente trabajó por placer en una nueva especialidad, ganando dinero.

Ahora finalmente comenzaremos a analizar la película "Johnny Mnemonic"..

¿Qué hay en la superficie? Éxito de taquilla 1995. Género: ciberpunk. Presupuesto – 26 millones de dólares. Reparto estelar: Keanu Reeves (que se hizo famoso en ese momento por la película "Speed"), Dolph Lundgren (actor de acción), Takeshi Kitano (el mismo actor y director japonés), Ice-T (actor y rapero), Barbara Zukova ( esposa de Robert Longo, protagonizó la Alexanderplatz de Berlín de Fassbinder), Udo Kier (interpretó a muchos antihéroes carismáticos en películas de Hollywood) y otros. acompañamiento musical del creador de la banda sonora de Terminator, Brad Fidel. El guionista fue uno de los fundadores del género cyberpunk en la literatura: William Gibson, autor de la historia original "Johnny Mnemonic" y buen amigo Longo.

Inicialmente, Gibson y Longo querían hacer, según sus palabras, una película de autor con un presupuesto de no más de uno o dos millones de dólares, pero nadie les dio esa cantidad de dinero. La película ha estado en desarrollo durante más de cinco años. Gibson bromeó diciendo que su educación superior lo consiguió más rápido de lo que hicieron la película. En algún momento, según los autores, se les ocurrió la idea de hacer una película con un precio de 26 millones de dólares, y entonces estuvieron dispuestos a conocerlos.

(Ilustraciones a continuación: bocetos de Longo y metraje de la propia película de Johnny Mnemonic)

¿De qué trata este “cuento de la era de la información”, como lo llama el escritor de ciencia ficción Gibson?
Al comienzo de la película, se nos presenta la situación a través de un texto que va de abajo hacia arriba. En un futuro próximo, en 2021, el poder en el mundo pertenecerá a poderosas corporaciones transnacionales. En un mundo completamente dependiente de la tecnología electrónica, la humanidad sufre una nueva plaga: el síndrome de agotamiento nervioso o fiebre negra. La enfermedad es mortal. A la dictadura de las corporaciones se oponen opositores que se hacen llamar "Lotex": piratas informáticos, piratas, etc. Las corporaciones, a su vez, contratan a la Yakuza (mafia japonesa) para luchar contra los rebeldes. Hay una guerra de información en marcha.

En un mundo completamente cibernético, la información es producto principal. Los datos más valiosos se confían a los mensajeros: los mnemotécnicos. Un mnemotécnico es una persona con un implante en el cerebro que es capaz de transportar gigabytes de información en su cabeza. personaje principal– mnemónico John Smith – no sabe dónde está su casa. Una vez borró sus recuerdos para liberar espacio en su cerebro cibernético. Ahora su cabeza sirve como disco duro o incluso como unidad flash para otros. John, por supuesto, quiere recuperar su memoria. Su jefe sugiere último tiempo Trabaja como mensajero para conseguir suficiente dinero para recuperar tu memoria. Por supuesto, el héroe se mete en problemas: la cantidad de información que ha asumido se duplica. Si no elimina estos datos dentro de las 24 horas, desaparecerá. Y detrás del héroe están los asesinos profesionales: los Yakuza.

Un héroe sin pasado. Con traje negro y camisa blanca con corbata. En la cabeza hay un enchufe: un conector para cables. Estandarización más estética.

Están buscando su cabeza, en el sentido literal: quieren cortarle la cabeza para obtener la información. El héroe debe correr hacia la meta: debe entregar la información robada de la corporación Farmakom.

Con la ayuda de guantes especiales y un casco, Johnny se vuelve uno con la tecnología y penetra en la red cibernética, la Internet del futuro.

Longo parece jugar con el género. Hay muchos clichés aquí: el héroe se despierta en la cama con otra mujer al azar, Mnemonic golpea a los enemigos con el mango de una toalla, los villanos se ríen como el infierno con sombreros de vaquero, la desaparición de un salvador al azar en el momento en que el héroe se da la vuelta. durante un par de segundos, dos guardias tontos que no se dan cuenta de los enemigos, ni de la traición. historia de amor y un final feliz con un beso con el telón de fondo de un edificio en llamas.

Por lo tanto, es mejor, cuando mires, no tomártelo en serio, sino simplemente disfrutar de la acción.

Por un lado, la película parece una completa basura. Aquí tienes un yakuza con un láser en el dedo y un predicador loco, un cyborg, con un enorme cuchillo en forma de cruz (aquí recuerdo la serie de Longo "Crosses" - Crosses, 1992). Pero por otro lado, hay un sutil trabajo con el estilo. Longo sabe lo que hace. No todo es tan simple: aquí hay algo que apreciar.
Un Yakuza con un láser llamado Shinji: ¿por qué le acabó faltando un dedo? Ud. mafia japonesa Hay una regla: si has hecho algo mal ante tu jefe, debes cortarte el dedo. Entonces, este asesino, persiguiendo a Johnny, convirtió su desventaja en una ventaja. La falange del dedo fue reemplazada por una punta artificial, de la cual el villano saca un hilo molecular que puede desmembrarse instantáneamente. cuerpo humano(que, por cierto, sucede en el cuadro de vez en cuando).

La película también muestra el enfrentamiento entre lo nuevo y lo viejo. El jefe yakuza, interpretado por Takeshi Kitano, hace honor a las tradiciones, sabe japonés a la perfección, tiene una armadura samurái en su oficina y hasta zapatillas. cualidades humanas- compasión y conciencia. Y su sucesor, el asesino Shinji, es inmoral, deshonesto y no sabe idioma japonés, y traiciona a su jefe por el poder.

El predicador que mata por dinero para nuevos implantes, brillantemente encarnado por Dolph Lundgren, es la apropiación imagen característica un villano fanático de la animación japonesa (ver apéndice). No en vano, en una de las escenas iniciales, la escena en la que se bombea información a la cabeza de Johnny y el tiroteo, va a la televisión anime "Shinjuku - Hell City" (Ciudad Demonio Shinjuku). En general, en la película aquí y allá ven dibujos animados, películas del género negro, etc. Longo admitió una vez que le encanta ver dibujos animados; así lo confirma su serie sobre superhéroes (Superheroes, 1998).

El tema de la vida modificada y el tema de los cyborgs fueron abordados por el artista más adelante en el proyecto Yingxiong (Heroes), 2009. Por cierto, tenga en cuenta que el episodio lleva el nombre de una palabra china que se traduce como "héroe". influencia asiática en progreso técnico reconocido como artista.

Longo crea una ciudad loca en la que el sol nunca brilla (el medio ambiente es malo, hay una cúpula especial sobre la ciudad), la sociedad está dividida entre empleados exitosos de corporaciones y mendigos de los barrios marginales que mueren de enfermedades.

Los personajes utilizan una variedad de armas, desde enormes pistolas futuristas, cuchillos y ballestas hasta lanzagranadas. Arma - tema importante para Robert Longo (recordemos su proyecto Bodyhammers and Death Star, 1993).

Visualmente, la película es agradable a la vista. Hay planos elegantes y llenos de basura de los túneles humeantes y las calles de las ciudades del futuro. Puedes ver lo espeluznante y tiro interesante con dedos cortados y verduras sobre una tabla para cortar. O una montaña de pantallas de televisión encendidas, que personifican la locura de la sociedad de la información.

Una toma de una fila de televisores con estática, frente a los cuales hay marcos vacíos, me hace pensar: el televisor ahora está en el marco del arte. El artista Longo hace algo a partir de piezas cultura popular. En una entrevista dice que a finales de los 70, principios de los 80 galerías de arte Eran espacios muertos, el lugar de donde se inspiraba eran los clubes de rock y los cines antiguos. Esta cultura fue la fuente de nutrición de la época del artista.

Una de las escenas muestra club nocturno del futuro: peinados cursis, maquillajes extravagantes, gente extraña bailando un aria de rock, guardaespaldas andróginos, un barman con un brazo mecánico de hierro, etc. Los rebeldes de Lotex también tienen un aspecto ridículo: llevan rastas, tatuajes en la cara, ellos mismos son sucios e insociables. Y en su base tienen un delfín inteligente llamado Jones (por cierto, este delfín inteligente era originalmente un drogadicto, pero luego se cortó la escena con el delfín consumiendo drogas). Sí, en algunos lugares es basura desenfrenada, pero encaja en la atmósfera de la película, en la atmósfera del cyberpunk.

Incluso puedes intentar analizar la película usando . Johnny Mnemonic quiere descubrir quién es. Recordar. Despertar. Al final, Johnny se enfrenta a una elección: descubre que en su cabeza hay una fórmula para curar la fiebre negra que puede salvar millones de vidas.

El monólogo clave del personaje de Keanu Reeves, Johnny: “Toda mi vida traté de no salir de mi rincón, no tuve ningún problema. ¡Ya tuve suficiente! No quiero estar en un montón de basura, entre los periódicos del año pasado y los perros callejeros. ¡Quiero un buen servicio! ¡Quiero una camisa lavada de un hotel de Tokio! Johnny logra arreglárselas consigo mismo, salva a la humanidad, encuentra a su amor: la hermosa guerrera de rock cyborg Jane (Dina Meyer), vestida con una cota de malla, y descubre quién es. Su memoria regresó. Dejó de ser un recipiente ciego para el conocimiento ajeno.

La madre de Johnny resulta ser Anna Kalman, la fundadora de la corporación Farmakom, que murió hace varios años, pero sigue viviendo en la cibernet. La madre de Johnny fue interpretada por la esposa de Robert Longo, Barbara Zukova. Así, Longo, como director, es aún más justificadamente el padre del héroe cinematográfico.

La cuestión de los trabajadores administrativos -gente de oficina- ya ha sido abordada por Longo en su proyecto famoso- “Gente en las ciudades”. Johnny puede ser visto como uno de esos "chicos de ciudad".

La película tuvo una promoción muy activa: se vendieron los productos que la acompañaban (camisetas, etc.), se lanzó un sitio web en Internet y juego de computadora Basado en la película, Gibson incluso apareció en varias reuniones con jugadores y espectadores. Sin embargo, esto ni siquiera ayudó a recuperar el presupuesto. En su gran estreno en Estados Unidos, Johnny Mnemonic recaudó 19 millones de dólares. ¿Es verdad? película de culto"Blade Runner" de Ridley Scott también fracasó en taquilla.

La película "Johnny Mnemonic", nos parece, hito importante. Más tarde, los hermanos Wachowski lo citarían al crear su trilogía “Matrix” (el apellido “Smith”, trajes negros, ciberespacio, Keanu Reeves en papel principal– pelear, huir, utilizar la meditación, prácticas zen, etc.).

William Gibson comparó la experiencia de hacer la película con darse una ducha con un impermeable y tratar de filosofar en código Morse. Longo dice en una entrevista que fue una experiencia útil, pero muchas veces no sabía cómo montar esas “malditas cámaras”, y tenía que mostrar lo que quería de los actores sobre sí mismo delante de todos. set de filmación de 50 personas.

Lo curioso es que la mayoría de la gente del segmento de Internet de habla rusa conoce a Longo sólo por esta película. Aquí, por ejemplo, uno de los comentarios típicos sobre “mnemónicos”: “ La película fue dirigida por Robert Longo, quien aparte de esto no hizo nada más, pero su nombre no puede olvidarse debido a esta película.».

Longo, como posmodernista, se niega a distinguir entre. Lleva el género cyberpunk, anteriormente clandestino, a la corriente principal. Johnny Mnemonic es un hermoso y atmosférico ejemplo de cyberpunk. Esta es una película convencional bien hecha. Pero no es tan estúpido como parece a primera vista.

Solicitud:

Imágenes de sacerdotes asesinos.

1. Predicador Carl, el cyborg de Johnny Mnemonic.

1. Alexander Anderson, personaje creado por mangaka (autor cómics japoneses) Koto Hirano. Anderson es un agente del decimotercer departamento del Vaticano, la organización Iscariote en el universo del manga y anime "Hellsing". Carácter negativo.

1. Nicholas D. Wolfwood, conocido como Nicholas the Punisher, es un personaje creado por el artista de manga Yasuhiro Naito, autor del manga Trigun. Un sacerdote que empuña un arma grande en forma de cruz. Carácter positivo.