Tabla de géneros de obras de la literatura. Géneros épicos de la literatura.

tipos de literatura- Se trata de una comunidad de obras verbales y artísticas según el tipo de actitud del autor hacia el conjunto artístico.

En literatura se definen tres tipos: drama, épica, lírica.

Épico- (traducido del griego antiguo - palabra, narrativa) - una imagen objetiva de la realidad, una historia sobre los acontecimientos, el destino de los héroes, sus acciones y aventuras, una imagen del lado externo de lo que está sucediendo. El texto tiene una estructura principalmente descriptiva-narrativa. El autor expresa directamente su actitud ante los hechos descritos.

Drama- (del griego antiguo - acción) - representación de eventos y relaciones entre personajes en el escenario en acciones, enfrentamientos, conflictos; Las características son: expresión de la posición del autor a través de acotaciones escénicas (explicaciones), creación de personajes a través de comentarios de los héroes, monólogo y discurso dialógico.

Letra(del griego antiguo “interpretado al son de la lira, sensitivo”) experimentar eventos; representación de sentimientos, mundo interior, estado emocional; el sentimiento se convierte en el acontecimiento principal; la vida exterior se presenta subjetivamente, a través de la percepción del héroe lírico. Las letras tienen una organización lingüística especial (ritmo, rima, métrica).

Cada tipo de literatura incluye a su vez una serie de géneros.

Género- característico de un determinado género. Se trata de un grupo de obras históricamente establecido, unidas por características comunes de contenido y forma. Los géneros literarios se dividen en épico, dramático y lírico.

Géneros épicos:

• novela épica: una descripción completa de la vida de las personas en un punto de inflexión de la historia;
• una novela es una descripción de la vida en toda su plenitud y diversidad;
• historia: una descripción de los acontecimientos en su secuencia natural;
• ensayo: una descripción documental de acontecimientos en la vida de una persona;
• cuento: una historia llena de acción con un final inesperado;
• un cuento es una obra breve con un número limitado de personajes;
• una parábola es una lección moral en forma alegórica.

Géneros dramáticos:

• tragedia - traducción literal - canto de cabra, un conflicto insoluble que causa sufrimiento y muerte a los héroes en el final;
• drama: combina lo trágico y lo cómico. En esencia, hay un conflicto agudo pero que tiene solución.

Géneros líricos:

• oda - (género clasicista) un poema, un canto de alabanza, que glorifica los logros y virtudes de una persona destacada, un héroe;
• elegía: un poema triste y lúgubre que contiene reflexiones filosóficas sobre el significado de la vida;
• soneto: un poema lírico de forma estricta (14 líneas);
• canción: un poema que consta de varios versos y un coro;
• mensaje: una carta poética dirigida a una persona;
• epigrama, epitálamo, madrigal, epitafio, etc.: pequeñas formas de poemas breves adecuados dedicados a los objetivos específicos del escritor.

Géneros lírico-épicos: obras que combinan elementos de poesía y épica:

• balada: un poema argumental sobre un tema histórico legendario;
• poema: un poema voluminoso con una trama detallada, con una gran cantidad de personajes, con digresiones líricas;
• novela en verso: una novela en forma poética.

Los géneros, al ser categorías históricas, aparecen, se desarrollan y eventualmente “salen” del “stock activo” de artistas dependiendo de la época histórica: los antiguos letristas no conocían el soneto; hoy en día, la oda, nacida en la antigüedad y popular en los siglos XVII-XVIII, se ha convertido en un género arcaico; El romanticismo del siglo XIX dio origen a la literatura policial, etc.

PEQUEÑOS GÉNEROS LITERARIOS

El género (del género francés - género, tipo) es un tipo de obra de arte en desarrollo y desarrollo histórico.

Se distinguen pequeños géneros literarios:

Por forma

Novela
Oh sí
Opus
Artículo principal
Historia
Bosquejo
Ensayo
Ejercicio musical
Bosquejo

Parábola
Farsa
Vodevil
Atracción secundaria
Parodia

Por nacimiento:
épico
Fábula
Bylina
Balada
Mito
lírico

poema lírico
Elegía
Mensaje
Epigrama
Soneto
Estrofas

Romance
Madrigal

Pequeñas formas poéticas de otros pueblos:
haikus
gacela
Airéns
Rubai (cuarteto)
tanque
Limerick (limrick)

Cuento de hadas
Canción

Pequeños géneros de folclore.
Misterio
Proverbio
Proverbio
Tamborileo
Cancioneta

DIFERENCIA EN FORMA

NOVELA

Un cuento (novela italiana - noticia), como un cuento, pertenece al género de la ficción breve.
Boccaccio estableció el cuento como género literario en el siglo XIV. Esto sugiere que la novela es mucho más antigua que la historia. Es decir, un concepto más o menos claro que define qué es una "historia" surgió en la literatura rusa en el siglo XVIII. Pero no hay límites obvios entre una historia y una novela, excepto que esta última al principio parecía más una anécdota, es decir, un breve y divertido resumen de la vida. La novela ha conservado algunas de las características inherentes a ella en la Edad Media hasta el día de hoy.
Se diferencia de un cuento sólo en que siempre tiene un final inesperado (El regalo de los magos de O'Henry), aunque en general los límites entre estos dos géneros son muy arbitrarios.
A diferencia de un cuento, la trama de un cuento es aguda, centrípeta, a menudo paradójica, sin carácter descriptivo ni rigor compositivo; En cualquier cuento, el centro de la narración está dominado por el azar; aquí el material vital está encerrado en el marco de un evento (las primeras historias de A. Chéjov y N. Gogol pueden clasificarse como cuentos).
Se remonta a los géneros folclóricos del recuento oral en forma de leyendas o alegorías y parábolas instructivas. En comparación con formas narrativas más desarrolladas, una historia corta no involucra muchos personajes, una historia (raramente varias) y un problema.
Un representante de la escuela del formalismo, B. M. Eikhenbaum, distinguió entre los conceptos de cuento e historia, diciendo que un cuento tiene una trama y una historia es más psicológica y más cercana a un ensayo sin trama. Goethe también destacó la naturaleza llena de acción de la novela, quien creía que la novela era "un evento inaudito que había sucedido".
Utilizando el ejemplo de la obra de O. Henry, Eikhenbaum identificó las siguientes características del cuento en su forma más pura y "despejada": brevedad, trama aguda, estilo de presentación neutral, falta de psicologismo, desenlace inesperado. Una historia, en opinión de Eikhenbaum, no se diferencia de una historia corta en volumen, pero sí en estructura: a los personajes o acontecimientos se les dan características psicológicas detalladas, y la textura visual y verbal pasa a primer plano.
Para Edgar Poe, una novela corta es una historia de ficción que se puede leer de una sola vez; para H.G. Wells, en menos de una hora.

OH SÍ
Una oda es una obra poética escrita en un estilo sublime. Generalmente este género de literatura está dedicado a un evento particular o a un personaje específico. Respondiendo a la pregunta de qué es una oda, podemos decir que es un canto de alabanza o un poema de alabanza que eleva a una determinada persona por encima del resto del mundo.

En la antigüedad, el término “oda” (del latín oda) no definía ningún género poético, sino que generalmente significaba “canción” o “poema”. Los autores antiguos utilizaron este término en relación con varios tipos de poemas líricos y dividieron las odas en "loables", "lamentables", "danzantes", etc. De las formaciones líricas antiguas, las odas de Píndaro son las de mayor importancia para las odas como género. de la literatura europea (ver. ) y Horacio (ver).
La oda en la antigua Grecia solía ser interpretada por un coro de baile acompañado de música compleja. Se caracteriza por una rica ornamentación verbal, cuyo objetivo era profundizar la impresión de solemnidad, enfatizar la grandilocuencia y una débil conexión de las partes.
La Edad Media desconocía por completo el género de las odas como tal. Apareció en la literatura europea durante el Renacimiento, en el siglo XVI. En Francia, el fundador de la oda fue el poeta Ronsard, quien introdujo el propio término.
En ese momento, la trama de la oda debía haber tenido un importante significado "estatal" (victorias sobre enemigos externos e internos, restauración del "orden", etc.). El principal sentimiento que la inspira es el deleite. El tono principal es el elogio de los líderes y héroes de la monarquía: el rey y las personas de la casa real. De ahí la euforia general solemne del estilo, retórico tanto por su naturaleza como por su propia función discursiva (la oda estaba destinada, ante todo, a un pronunciamiento solemne), construida sobre la constante alternancia de entonaciones exclamativas e interrogativas, la grandeza del imagen, la “sublimidad” abstracta del lenguaje, dotada de términos mitológicos, personificaciones, etc.
Los primeros intentos de introducir el género de la oda en la poesía rusa pertenecieron a Kantemir, pero el término en sí fue introducido por primera vez por Tredyakovsky en su "Oda solemne a la rendición de la ciudad de Gdansk". Posteriormente, Tredyakovsky compuso una serie de "odas divinas y loables".
Sin embargo, el verdadero fundador de la oda rusa, que la estableció como el principal género lírico de la literatura noble feudal del siglo XVIII, fue Lomonosov. El propósito de las odas de Lomonosov es servir a la exaltación de la monarquía noble-feudal del siglo XVIII. en la persona de sus líderes y héroes. Debido a esto, el tipo principal cultivado por Lomonósov fue la solemne oda pindárica; cuyos elementos de estilo deberían servir para identificar el sentimiento principal: sorpresa entusiasta, mezclada con asombro ante la grandeza y el poder del poder estatal y sus portadores.
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, la oda se convirtió en el segundo género principal de la literatura rusa. La obra de Derzhavin, que marcó el mayor florecimiento del género de las odas en suelo ruso, se distingue por su excepcional diversidad. De particular importancia son sus odas acusatorias ("Noble", "A los gobernantes y jueces", etc.).
Dmitriev escribió odas solemnes. Fue con las odas solemnes que comenzaron las actividades de Zhukovsky, Tyutchev y el joven Pushkin.
Pero con el tiempo, la oda en la literatura perdió su significado anterior y fue reemplazada por baladas y elegías. Hoy en día, pocas personas utilizan este género para exaltar un héroe o un acontecimiento; como género, se ha vuelto impopular, pero las mejores odas quedan para siempre en la historia de la literatura;

OPUS (latín opus - literalmente, obra, composición) es un término utilizado para la numeración en serie de las obras del compositor. (Ejemplo: sonata de Beethoven, opus 57).
En todo el mundo, esta palabra hace referencia a una obra literaria o musical. Sin embargo, en Rusia este término, por alguna razón, adquirió un significado burlón. Esto es lo que dicen cuando quieren burlarse o menospreciar la obra de algún autor.
Ejemplos: “Qué obra tan espesa escribió”. “Permítanme presentarles mi primera obra”.

Un ensayo es una de todas las variedades de una pequeña forma de literatura épica: una historia que se diferencia de su otra forma, un cuento, en ausencia de un conflicto único, agudo y rápidamente resuelto y en el mayor desarrollo de una imagen descriptiva. Ambas diferencias dependen de los temas específicos del ensayo. La literatura ensayística no aborda los problemas del desarrollo del carácter de un individuo en sus conflictos con el entorno social establecido, como es inherente al cuento (y la novela), sino los problemas del estado civil y moral del “entorno” ( generalmente encarnado en individuos individuales) - problemas “descriptivos morales”; Tiene una gran diversidad cognitiva. La literatura ensayística suele combinar rasgos de ficción y periodismo.
Tipos de ensayos:

Boceto de retrato. El autor explora la personalidad del héroe, su mundo interior. A través de esta descripción, el lector intuye el trasfondo sociopsicológico de las acciones cometidas. Es necesario indicar los detalles que hacen dramático el carácter de esta persona y lo elevan por encima de todos los demás personajes. En las publicaciones rusas modernas, el boceto del retrato se ve diferente. La mayoría de las veces se trata de un breve resumen de una biografía, un conjunto de cualidades humanas clásicas. Por tanto, el retrato ensayo es más un género literario que periodístico.

Ensayo del problema. La principal tarea del autor es la cobertura periodística del problema. Entra en diálogo con el lector. Primero identifica una situación problemática, y luego sus pensamientos al respecto, apoyándolos en sus propios conocimientos, datos oficiales y medios artísticos y visuales. Este género es más popular en las revistas periódicas, ya que supera en tamaño y profundidad a los artículos analíticos de los periódicos.

Ensayo de viaje. Tomó forma mucho antes que otro tipo de ensayos. Se basa en la historia del autor sobre el viaje, sobre todo lo que vio y escuchó. Muchos escritores rusos recurrieron a este género: A. S. Pushkin, A. N. Radishchev (“El viaje de San Petersburgo a Moscú”), A. A. Bestuzhev, A. P. Chejov y otros. Puede incluir elementos de otros ensayos. Por ejemplo, el retrato se utiliza para describir las personas y sus costumbres que el autor conoció durante sus viajes. O se pueden utilizar elementos de un ensayo de problema para analizar la situación en diferentes ciudades y pueblos.

Bosquejo histórico. Presentación cronológica y con base científica de la historia del tema de investigación. Por ejemplo, "Bosquejo histórico de la región de Vyatka", 1870. El ensayo presenta y analiza hechos y fenómenos reales de la vida social, normalmente acompañados de una interpretación directa de los mismos por parte del autor.

La historia es una pequeña forma de ficción de género épico con énfasis en el pequeño volumen y la unidad del evento artístico.
Como regla general, la historia está dedicada a un destino específico, habla de un evento separado en la vida de una persona y se agrupa en torno a un episodio específico. Ésta es su diferencia con una historia, que es una forma más detallada de contar historias y generalmente describe varios episodios, un segmento de la vida del héroe. Pero la cuestión no está en el número de páginas (hay historias cortas y relativamente largas), ni siquiera en el número de acontecimientos de la trama, sino en la atención del autor a la extrema brevedad. Por lo tanto, la historia de Chéjov "Ionych" tiene un contenido cercano ni siquiera a una historia, sino a una novela (se rastrea casi toda la vida del héroe). Pero todos los episodios se presentan de forma muy breve; el objetivo del autor es el mismo: mostrar la degradación espiritual del doctor Startsev. Según Jack London, "una historia es... una unidad de estado de ánimo, situación y acción".
El pequeño volumen de la historia determina también su unidad estilística. La narración suele ser contada por una sola persona. Puede ser el autor, el narrador o el héroe. Pero en la historia, mucho más a menudo que en los géneros "grandes", la pluma pasa, por así decirlo, al héroe, quien él mismo cuenta su historia. A menudo tenemos ante nosotros un cuento de hadas: la historia de cierta persona ficticia que tiene su propio estilo de habla claramente expresado (cuentos de Leskov, en el siglo XX, de Remizov, Zoshchenko, Bazhov, etc.).

Un sinónimo de la palabra "boceto" es la palabra "boceto". En realidad, traducido del inglés, "sketch" es un boceto. Un boceto se puede llamar boceto, boceto, plantilla. La palabra "boceto" tiene otra definición.
Un sketch es una representación breve de contenido ligero y humorístico, diseñada para lograr un efecto externo y generalmente representada en escenarios abiertos, circos y salas de música (teatro). Dibujo acrobático de excéntricos.

El ensayo (del francés essai “intento, prueba, experiencia”) es un género literario, una composición en prosa de pequeño volumen y composición libre. Por eso, en las escuelas extranjeras, el ensayo es un ejercicio común que permite a los estudiantes no solo mostrar el nivel de sus conocimientos, sino también expresarse. Por otro lado, el ensayo es un género en toda regla, en cuyo arsenal hay muchas obras brillantes que pertenecen a escritores, científicos, médicos, profesores y gente corriente.
El ensayo expresa las impresiones y pensamientos individuales del autor sobre un tema o tema específico y no pretende ser una interpretación exhaustiva o definitiva del tema. En cuanto a volumen y función, roza, por un lado, con un artículo científico y un ensayo literario (con el que a menudo se confunde el ensayo), y por otro, con un tratado filosófico.
El estilo ensayístico se caracteriza por imágenes, fluidez de asociaciones, aforismo, énfasis en la franqueza íntima y entonación conversacional. Los propósitos principales de un ensayo son informar, persuadir y entretener al lector, expresar la personalidad del autor o una combinación de uno o más propósitos. El tema del ensayo debe contener una pregunta, un problema y motivar el pensamiento. Al escribir un ensayo, el autor debe liberar completamente sus pensamientos y sentimientos, sin pensar ni mirar a las autoridades.
Tres reglas simples que Viktor Krotov desarrolló para escritores principiantes te ayudarán a escribir un ensayo.

En primer lugar, debes escribir sobre lo que realmente te interesa, es decir, elegir un TEMA interesante.
En segundo lugar, debes escribir sobre lo que realmente sientes y piensas, es decir, decidir
con PENSAMIENTOS.
En tercer lugar, debe escribir de la manera que desee, sin depender de ejemplos y muestras existentes, es decir
debes elegir tu propia ENTONACIÓN.

El ensayo tiene muchas variedades. Puede presentarse en forma de reflexión, boceto, relato, boceto, ensayo o investigación.
El género ensayístico no era típico de la literatura rusa. Se encuentran ejemplos de estilo ensayístico en A. N. Radishchev (“Viaje de San Petersburgo a Moscú”), A. I. Herzen (“Desde la otra orilla”), F. M. Dostoievski (“El diario de un escritor”). A principios del siglo XX, V. I. Ivanov, D. S. Merezhkovsky, Andrei Bely, Lev Shestov, V. V. Rozanov recurrieron al género del ensayo y, más tarde, Ilya Erenburg, Yuri Olesha, Viktor Shklovsky, Konstantin Paustovsky, Joseph Brodsky. Las valoraciones literarias críticas de los críticos modernos, por regla general, se materializan en una variación del género ensayístico.

Un boceto es una obra de arte realizada a partir de la naturaleza con el fin de estudiarla y suele servir como desarrollo preliminar de una obra o parte de ella, así como del proceso de creación de dicha obra.

Boceto - en bellas artes - un boceto preparatorio para una obra futura.
Un estudio es una pieza musical.
Etude es uno de los tipos de composición de ajedrez.
Etude - en pedagogía teatral - un ejercicio para mejorar la técnica actoral.

Bosquejo

Lo que no está terminado sólo se esboza en términos generales (sobre una obra literaria, un informe, un dibujo o una pintura).

DIFERENCIA EN CONTENIDO

Una parábola es una historia corta en verso o prosa en forma alegórica y edificante. La realidad en la parábola se da fuera de signos cronológicos y territoriales, sin indicar los nombres históricos concretos de los personajes. Una parábola debe incluir una explicación de la alegoría para que el significado de la alegoría quede claro para el lector. Una parábola se diferencia de una fábula en que extrae su material artístico de la vida humana (parábolas evangélicas, parábolas de Salomón).

Farsa
La palabra "farsa" (según el diccionario de Efremova) tiene los siguientes significados:
1.
- Una obra teatral de contenido ligero, lúdico y a menudo frívolo con un amplio uso de efectos cómicos externos.
- la actuación de un actor, en la que el efecto cómico se consigue únicamente mediante técnicas externas, así como técnicas externas con cuya ayuda se consigue la comedia.

2. Espectáculo indecente, vergonzoso y cínico.
3. Una broma grosera, una broma bufonesca.

Diccionario explicativo de la gran lengua rusa viva de V. Dahl:
Farsa - (francés) una broma, una broma divertida, una broma divertida de un bromista. Hacer farsa, derribar, hacer tonterías, imitar, hacer reír, hacer chistes o cosas.

Vodevil

Vaudeville - (vaudeville francés), género de obra o actuación de comedia ligera con una intriga entretenida o una trama anecdótica, acompañada de música, coplas y bailes.
El vodevil se originó y desarrolló en Francia. En el siglo 16 “vaudeville” era el nombre que se le daba a las canciones burlonas callejeras de la ciudad, generalmente ridiculizando a los señores feudales que se convirtieron en los principales enemigos del poder monárquico en la era del absolutismo. A mediados del siglo XVIII. El vodevil se convirtió en un género teatral independiente.
El vodevil francés impulsó el desarrollo del género en muchos países y tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la comedia europea en el siglo XIX. Los principios básicos de la estructura del género son el ritmo rápido, la facilidad de diálogo, la comunicación viva con el público, el brillo y expresividad de los personajes, los números vocales y de baile.
En Rusia, el vodevil apareció a principios del siglo XIX como un género que se desarrolló sobre la base de la ópera cómica. A. Griboedov, A. Pisarev, N. Nekrasov, F. Koni, D. Lensky, V. Sollogub y otros contribuyeron a la formación de la escuela dramática rusa de vodevil. El vodevil está prácticamente desapareciendo del escenario ruso, suplantado tanto por el rápido desarrollo del teatro realista como, por otro lado, por el no menos rápido desarrollo de la opereta. A principios del siglo XIX y XX, quizás el único fenómeno notable de este género fueran diez obras de un acto de A. Chéjov (El oso, La propuesta, Aniversario, Boda, etc.).
Hoy en día, el género de vodevil no se ha desarrollado. Ahora, otros géneros de comedia más complejos, la comedia y la tragicomedia, se han convertido en los más populares.

Atracción secundaria

Interludio - (del latín intermedius - ubicado en el medio), una escena insertada (cómica, musical, de danza, etc.) que no está directamente relacionada con la acción principal de la obra. Los interludios se pueden realizar tanto durante el intermedio que separa las partes de la actuación principal como directamente incluidos en la acción en forma de una especie de excursión, tanto temática (dentro de un género) como de género (inserciones de payasos en las tragedias de Shakespeare).
El espectáculo ganó gran popularidad durante el Renacimiento, especialmente en comedias basadas en la improvisación. Este género fue muy utilizado en sus obras por Moliere, Shakespeare, Cervantes, Lope de Vega, Goldoni, Gozzi y otros grandes dramaturgos.
En Rusia, el espectáculo apareció en el siglo XVI en el teatro de la corte rusa y generalmente lo representaban bufones, “personajes tontos”.
En el arte pop y teatral moderno, los interludios a menudo adquieren el carácter de una especie de "espectáculo de repollo", se basan en la comunicación directa con el público y tienen un enfoque temático.

Una parodia es una obra de arte que tiene como objetivo crear un efecto cómico en el lector (espectador, oyente) repitiendo deliberadamente las características únicas de una obra ya conocida en una forma especialmente modificada. En otras palabras, una parodia es una “obra de burla” basada en una obra conocida ya existente. Se pueden crear parodias en diversos géneros y áreas del arte, incluida la literatura (prosa y poesía), la música, el cine, el arte pop y otros. Se puede parodiar una obra específica, las obras de un determinado autor, las obras de un determinado género o estilo, la forma de interpretación y las características externas características del intérprete (si hablamos de un actor o artista pop).
En sentido figurado, la parodia también se llama imitación inepta (lo que implica que al intentar crear una apariencia de algo digno, el resultado fue algo que sólo podía hacerte reír).
La parodia se originó en la literatura antigua. El primer ejemplo conocido del género es la Batracomiomaquia (“La guerra de los ratones y las ranas”), que parodia el elevado estilo poético de la Ilíada de Homero. Al escribir "La guerra de los ratones y las ranas", se utilizó la técnica de la parodia: un tema bajo (un ratón y una rana) se narra en un estilo elevado.
El género de la parodia ha sobrevivido durante siglos y ha sobrevivido hasta nuestros días.
La comedia de una parodia generalmente se logra mediante una combinación de métodos bastante estándar, los más comunes son:

Violación de la unidad de estilo y tema de presentación. Ejemplos típicos son la parodia y el burlesco, cuando la comedia se logra cambiando el estilo de presentación "alto" o "bajo" tradicionalmente aceptado de los temas descritos por el estilo opuesto. Esto puede incluir, por ejemplo, la representación parodia de poesía, cuando textos lúgubres y solemnes, que implican una lectura seria y solemne, se leen a la manera de canciones infantiles en una sesión matinal.

Hiperbolización. Los rasgos característicos de la obra o género que se parodia, los clichés ampliamente utilizados en ella, se enfatizan y repiten fuertemente, hasta el punto del absurdo.

- “Voltear” la obra. Los rasgos característicos de la obra se reemplazan en una parodia por exactamente lo contrario (Ejemplo: el libro de Zhvalevsky y Mytko "Porry Gutter and the Stone Philosopher", que parodia los libros sobre Harry Potter).

Desplazamiento del contexto. El contexto se cambia de tal manera que aspectos exactamente repetidos de la obra original se vuelven absurdos y divertidos.

DIFERENCIA POR GÉNERO:

1. PEQUEÑOS GÉNEROS ÉPICOS

Una fábula es una historia breve, a menudo poética y moralizante. Los héroes de las fábulas pueden ser no solo personas, sino también animales, plantas y objetos dotados de determinadas cualidades humanas. La narración de fábula suele ser alegórica, sin embargo, siempre se conserva su carácter moralizante. Cualquier fábula tiene una moraleja, que puede darse al principio o al final de la obra. Por lo general, es por esta moraleja que se escribe una fábula.
Las primeras fábulas se conocieron en la antigüedad. Se cree que los primeros fabulistas griegos antiguos fueron Hesíodo (finales del siglo IX-VIII a. C.) y Estesichorus (siglo VI a. C.).
El fabulista más famoso de la antigüedad es Esopo, que vivió en el siglo VI a.C. Sus obras se han convertido en clásicos y han sido traducidas a muchos idiomas del mundo. Esopo es un personaje semilegendario, sobre cuya vida hubo muchas historias que mezclaban verdad y ficción. Tradicionalmente, su tierra natal se llama Frigia, una región de Asia Menor. Se cree que fue un esclavo que pasó de un amo a otro varias veces y sufrió muchas desventuras.
Las fábulas de Esopo fueron escritas en prosa, ingeniosas, claras y sencillas. Las obras del esclavo frigio o las que se le atribuyen fueron recopiladas en colecciones llamadas Fábulas de Esopo. Fueron copiados, estudiados en las escuelas y aprendidos de memoria. Las fábulas de Esopo se convirtieron en una de las obras más populares del mundo antiguo. Sus historias influyeron en la literatura siria, armenia, árabe, judía e india.
Es con el nombre del fabulista griego que se asocia el concepto de “lengua de Esopo”, que comenzó a ser ampliamente utilizado en Rusia desde finales del siglo XVIII. El lenguaje de Esopo fue utilizado por autores que querían ocultar sus ideas a la censura, pero al mismo tiempo transmitirlas a los lectores de una forma bastante accesible y comprensible.
El más famoso de los fabulistas de Europa occidental es Jean de La Fontaine (1621-1695). Este poeta francés pasó la mayor parte de su vida en París. A pesar de su popularidad en los círculos de la corte, La Fontaine nunca obtuvo acceso a la corte, ya que Luis XIV estaba irritado por su naturaleza despreocupada y su completo abandono de las responsabilidades tanto oficiales como familiares. Además, el primer mecenas de La Fontaine fue el intendente de finanzas, Nicolas Fouquet, y la desgracia que le sobrevino a este todopoderoso ministro perjudicó al poeta ante los ojos del rey.
En Rusia, el desarrollo del género de fábulas se produjo en la era pospetrina. El primer hombre de letras del siglo XVIII que escribió seis imitaciones de Esopo fue Antíoco Cantemir (1708-1744). Al mismo tiempo, V.K. Trediakovsky (1703-1769) publicó varias fábulas de Esopo escritas en hexámetro. Después de Kantemir y Trediakovsky, la fábula se convirtió en uno de los géneros favoritos de los poetas del siglo XVIII. Muchas fábulas fueron escritas por A.P. Sumarokov (1718-1777), quien las llamó fábulas-parábolas. En total, creó 334 fábulas, algunas de las cuales son traducciones libres de La Fontaine, pero la mayoría son obras originales.
Pero todos los fabulistas de los siglos XVIII y XIX. eclipsado por I.A. Krylov (1768-1844). Las fábulas de Krylov están escritas en un lenguaje popular brillante y acertado, cautivando por sus imágenes y sorpresa. A pesar de que Krylov tradujo a Esopo y La Fontaine, la mayoría de sus obras son completamente originales. Algunas de sus fábulas fueron escritas por una razón u otra, relacionadas con un evento político o social específico, pero durante mucho tiempo han ido más allá del alcance de las obras "sobre el tema del día".
A partir de mediados - segunda mitad del siglo XIX. El género de fábula es cada vez más raro, tanto en Rusia como en Europa occidental. Narraciones morales e irónicas, imágenes alegóricas, moralidad que concluye la historia: todas estas características del género de fábulas comienzan a parecer obsoletas y las obras satíricas comenzaron a tomar formas completamente diferentes.
Hoy en día, los poetas satíricos soviéticos, por ejemplo Demyan Bedny o S.V. Mikhalkov, intentaron revivir el género de las fábulas.

El término “epopeya” fue introducido por primera vez por Iván Sajarov en la colección “Canciones del pueblo ruso” en 1839. El nombre popular de estas obras es viejo, viejo, viejo. Esta es la palabra que usaron los narradores. En la antigüedad, se interpretaban canciones antiguas con el acompañamiento del gusli, pero con el tiempo esta tradición quedó en el pasado.
Según la clasificación, las epopeyas se dividen tradicionalmente en dos grandes ciclos: Kiev y Novgorod. Al mismo tiempo, al primero se le asocia un número significativamente mayor de personajes y tramas. Los acontecimientos de las epopeyas del ciclo de Kiev se limitan a la ciudad capital de Kiev y a la corte del príncipe Vladimir. Los héroes de estas antigüedades: Ilya Muromets, Dobrynya Nikitich, Alyosha Popovich y otros. El ciclo de Novgorod incluye historias sobre Sadka y Vasily Buslaev. También hay una división en héroes "mayores" y "jóvenes". Los "ancianos", Svyatogor y Volga (a veces también Mikula Selyaninovich), representan los restos de una epopeya de la época del sistema tribal, personifican a los antiguos dioses y las fuerzas de la naturaleza, poderosas y a menudo destructivas. Cuando pasa el tiempo de estos gigantes, son reemplazados por héroes “más jóvenes”. Esto se refleja simbólicamente en la epopeya "Ilya Muromets y Svyatogor": el antiguo guerrero muere e Ilya, habiéndolo enterrado, va a servir al príncipe Vladimir.
En los siglos XIX y XX. Las epopeyas han desaparecido por completo de nuestra literatura y ahora son sólo un majestuoso patrimonio cultural del pasado. Ya en la época soviética se intentó adaptar el género épico a las condiciones y exigencias de nuestro tiempo. Así apareció, por ejemplo, el lamento sobre Lenin "Kamennaya Moscú lloró por todas partes", grabado por la narradora Marfa Semyonovna Kryukova. Pero una combinación tan asombrosa de forma antigua y contenido nuevo y relevante no echó raíces en el arte popular.

Una balada (de la balada francesa, - bailar) es una obra lírico-épica, es decir, una historia contada en forma poética, de carácter histórico, mítico o heroico. La trama de una balada suele tomarse prestada del folclore. Las baladas suelen tener música.
La balada apareció entre los pueblos romances del sur alrededor del siglo XII. Se trata de un pequeño poema lírico que consta de cuatro estrofas, ocho, diez o doce estrofas, intercaladas con un estribillo (estribillo), y que suele contener una queja amorosa. Originalmente se cantaba para acompañar el baile.
En Italia, las baladas fueron compuestas por Petrarca y Dante.
En Francia, la Provenza es considerada la cuna de la balada. A los trovadores provenzales les encantaba utilizar esta forma de poema épico breve. Bajo Carlos VI, Alain Chartier y el duque Carlos de Orleans se hicieron famosos por componer baladas. Hacia 1390, un grupo de poetas nobles del séquito de Luis de Orleans compiló el Libro de las cien baladas, basado en la primera colección del senescal Jean d'E.
En el siglo XVII, el famoso fabulista La Fontaine escribió baladas. Bajo su pluma, B. se distinguió por su sencillez e ingenio.
En Inglaterra, la balada se conoce desde hace mucho tiempo. En el siglo XIX, había motivos para creer que la balada fue traída por los conquistadores normandos, pero aquí solo recibió el sabor de un misterio sombrío. La propia naturaleza de Inglaterra, especialmente en Escocia, inspiró a los bardos de estos países un estado de ánimo que se reflejó en la representación de sangrientas batallas y terribles tormentas. Los bardos en sus baladas cantaban sobre las batallas y fiestas de Odín y sus camaradas; Más tarde, poetas de este tipo cantaron las hazañas de Douglas, Percy y otros héroes de Escocia. También hay baladas sobre Robin Hood, sobre la bella Rosamund y sobre el rey Eduardo IV. Robert Burns proporcionó adaptaciones literarias de muchas baladas. Reprodujo magistralmente antiguas leyendas escocesas. La obra ejemplar de Burns en este tipo de obras es The Beggar's Song.
Walter Scott, Southey, Campbell y algunos otros escritores ingleses de primer nivel también utilizaron la forma poética de la balada. Walter Scott es dueño de la balada "Smalholm Castle", traducida por V. A. Zhukovsky, que cautivó a los amantes rusos del romanticismo.
La primera balada rusa y, además, original tanto en contenido como en forma: "Gromval" de G. P. Kamenev. Pero el principal representante de este tipo de poesía en la literatura rusa fue V. A. Zhukovsky, a quien sus contemporáneos le pusieron el sobrenombre de "baladista". (Batyushkov) . Su primera balada "Lyudmila" (1808) fue una adaptación de Burger ("Lenore"). Causó una fuerte impresión en sus contemporáneos. Zhukovsky también tradujo al ruso las mejores baladas de Schiller, Goethe, Moore y W. Scott. Su balada original "Svetlana" (1813) fue reconocida como su mejor obra, por lo que los críticos y redactores de palabras de la época lo llamaron "el cantante de Svetlana".
Después de Zhukovsky, la balada estuvo representada por muestras como "Song of the Prophetic Oleg", "Demons" y "Drowned Man" (A.S. Pushkin), "Airship" (M.Yu. Lermontov), ​​​​"Sol y Luna". , “Bosque” "(Polonsky), etc. Encontramos secciones enteras de baladas en los poemas del Conde A.K. Tolstoi (principalmente sobre temas rusos antiguos) y en A.A. Fet.

Mito (del griego mitos - leyenda).

Un mito es una historia. Esta es una expresión simbólica de ciertos acontecimientos que tuvieron lugar entre ciertos pueblos en un momento determinado, en los albores de su historia.
En los mitos, los eventos se consideran en secuencia temporal, pero a menudo el momento específico del evento no importa, solo es importante el punto de partida para el comienzo de la historia. Los mitos han servido durante mucho tiempo como la fuente más importante de información sobre el pasado, constituyendo una gran parte de algunas obras históricas de la antigüedad (por ejemplo, Heródoto y Tito Livio).
Dado que la mitología refleja la realidad en formas de narración figurativa, tiene un significado cercano a la ficción e históricamente tuvo una gran influencia en su desarrollo inicial.
El desarrollo del arte de crear mitos se puede rastrear más fácilmente a través del material de la literatura antigua. Como saben, la mitología griega constituía no sólo el arsenal del arte griego, sino también su "suelo". Esto se puede atribuir, en primer lugar, a la epopeya homérica ("Ilíada", "Odisea"). Más tarde aparecieron los Vedas, el Mahabharata, el Ramayana, los Puranas en la India, el Avesta en Irán, los Edda en el mundo germano-escandinavo y otros mitos.
La poesía romana ofrece nuevos tipos de actitudes hacia los mitos. Virgilio conecta los mitos con una comprensión filosófica de la historia, creando una nueva estructura de una imagen mitológica asociada con la religión. Ovidio, por el contrario, separa la mitología del contenido religioso.
La poesía medieval continuó la actitud de Virgilio hacia los mitos, mientras que el Renacimiento continuó la de Ovidio.
A partir del Renacimiento tardío, las imágenes no antiguas de la religión cristiana y los romances de caballería se traducen al sistema figurativo de la mitología antigua, entendida como un lenguaje universal (“Jerusalén liberada” de T. Tasso, los idilios de F. Spe, alabando Cristo bajo el nombre de Dafnis). El alegorismo y el culto a las convenciones alcanzan su apogeo en el siglo XVIII.
En el siglo XVII, el filósofo inglés Francis Bacon, en su ensayo "Sobre la sabiduría de los antiguos", argumentó que "los mitos en forma poética preservan la filosofía, máximas morales o verdades científicas más antiguas, cuyo significado se esconde bajo la portada de símbolos y alegorías”.
Los escritores modernos se caracterizan no por una admiración deliberada y pomposa por los mitos (como era el caso de los románticos tardíos y los simbolistas), sino por una actitud libre hacia ellos, que se complementa con la ironía, la parodia y el análisis, y los patrones de los mitos son a veces se encuentra en objetos simples y cotidianos.

2. PEQUEÑOS GÉNEROS LÍRICOS

Un poema lírico es una forma de lirismo de pequeño género, escrito ya sea en nombre del autor (“Te amaba” de Pushkin) o en nombre de un héroe lírico ficticio (“Me mataron cerca de Rzhev...” de Tvardovsky).
Poesía lírica (del griego;;;;;;;; - “interpretada al son de la lira, sensible, lírica”) - reproduce el sentimiento o estado de ánimo personal subjetivo del autor. Según el diccionario de Ozhegov, lirismo significa sensibilidad en las experiencias, en los estados de ánimo, suavidad y sutileza del comienzo emocional.
En todos los siglos, las personas han buscado expresar sus sentimientos y emociones a través de diversos tipos de arte. Estatuas majestuosas, edificios lujosos, pinturas fascinantes... La lista de obras maestras creadas por el hombre es interminable. Desafortunadamente, no todas las creaciones artísticas han sobrevivido hasta el día de hoy. Pero se han conservado poemas creados hace varios siglos. Las líneas rimadas creadas por los talentos de su época pasaron de boca en boca. Con el tiempo, cualquier poema combinado con música podría convertirse en un romance o una canción que aún hoy conocemos.

En el primer período de la antigua Grecia, la poesía lírica se cantaba principalmente con el acompañamiento de la flauta y, más tarde, con la guitarra.
La poesía lírica europea recibió un desarrollo particular en Italia en el siglo XIV. Allá por el siglo XIII, bajo la influencia de los provenzales, comenzaron a aparecer trovadores italianos; Especialmente hubo muchos de ellos en la corte del poeta-emperador Federico II.
Los poetas de la llamada escuela siciliana prepararon el futuro florecimiento de la poesía lírica italiana y desarrollaron sus dos formas principales: la canzone y el soneto. Al mismo tiempo, en el centro de Italia se desarrollaron letras espirituales: laude, cantos de alabanza a Dios, imbuidos de un misticismo extremo.

La elegía (del griego eleos - canción quejumbrosa) es una pequeña forma lírica, un poema imbuido de un estado de ánimo de tristeza y tristeza. Como regla general, el contenido de las elegías consiste en reflexiones filosóficas, pensamientos tristes y dolor.
En la poesía antigua temprana, un poema escrito en dístico elegíaco, independientemente del contenido; más tarde (Calímaco, Ovidio), un poema con carácter de tristeza reflexiva. En la poesía europea moderna, la elegía conserva rasgos estables: intimidad, motivos de desilusión, amor infeliz, soledad y fragilidad de la existencia terrenal.
En la poesía rusa, Zhukovsky fue el primero en introducir el género de la elegía en la literatura. También introdujo nuevas técnicas de versificación y se convirtió en el fundador de la poesía sentimental rusa y uno de sus grandes representantes. Escribió muchos poemas con espíritu y forma de elegía, llenos de reflexiones lúgubres.
Estos son “Tarde”, “Slavyanka”, “Sobre la muerte de Cor. Wirtembergskaya". Su "Teón y Esquines" también se considera una elegía (más precisamente, una elegía-balada). Zhukovsky llamó elegía a su poema "El mar".
En la primera mitad del siglo XIX se puso de moda llamar elegías a los poemas. Batyushkov, Baratynsky, Yazykov y otros llamaron especialmente a sus obras elegías. Sin embargo, esto pasó de moda. Sin embargo, los poemas de muchos poetas rusos están imbuidos de un tono elegíaco.
Autores como Pavel Fonvizin, Bogdanovich, Ablesimov, Naryshkin, Nartov, Davydov y otros intentaron escribir elegías en Rusia antes que Zhukovsky.

Un mensaje (del griego epístola - carta) es una pequeña forma lírica, un género poético muy extendido en la primera mitad del siglo XIX. Esta es una carta en verso.
Su contenido es muy diverso, desde reflexiones filosóficas hasta pinturas satíricas y narrativas épicas. Al dirigirse a una persona conocida o imaginada, el autor del mensaje le habla en el habitual estilo epistolar, que unas veces alcanza la solemnidad y el patetismo, otras -lo que es más característico del mensaje- desciende hasta un tono sencillo y amistoso, de acuerdo con con la persona a quien va dirigido.
La poética antigua consideraba que la gracia, el ingenio y la ligereza del verso eran especialmente característicos del estilo del mensaje. Los metros más comunes son el hexámetro y el verso alejandrino, pero también se permiten otros. Pushkin utilizó a menudo el trímetro yámbico original en sus mensajes.
En la literatura rusa del siglo XVIII, la forma de epístolas (también llamada “carta, epístola, poesía”) era muy común; Durante esta época casi no hay ningún poeta destacado que no haya escrito un mensaje.
Particularmente dignos de mención son los mensajes de Zhukovsky, quien dejó muchos de ellos; Entre ellos hay mensajes reales al estilo antiguo y notas en verso inspiradas y simplemente humorísticas.
Karamzin (“A Pleshcheev”, “A las mujeres”, “Al poeta pobre”), Gnedich (“del peruano al español”) y otros también escribieron mensajes.
Las epístolas de Pushkin son excelentes ejemplos de esta forma literaria; son profundamente sinceros, libres y sencillos, como una carta corriente, elegante e ingeniosa, alejados del estilo convencional de los mensajes clásicos; el mensaje a Delvig (“Calavera”) se intercala en una carta sencilla y se intercala con prosa; Otros mensajes tampoco estaban originalmente destinados a ser impresos, sino solo al destinatario. En las letras de Pushkin, los mensajes ocupan un lugar destacado, especialmente los mensajes a Batyushkov, Galich, Pushchin, Delvig, Gorchakov, V. Pushkin Zhukovsky, Chaadaev, Yazykov, Rodzianko. De carácter especial son los mensajes “A Siberia” y “Ovidio”.
En un mayor desarrollo, los mensajes esencialmente pierden cualquier diferencia con los poemas líricos ordinarios. "Valerik" de Lermontov, una carta en verso, ya no tiene nada que ver con el modelo de un mensaje clásico. El mismo carácter libre imprime los mensajes de Tyutchev ("A A. N. Muravyov", "A Ganka", "Al Príncipe A. A. Suvorov"), Nekrasov ("A Turgenev" y "Saltykov"), Maykov, Polonsky, Nadson ("Carta a M.V.V."

Un epigrama (del griego epigramma - inscripción) es una pequeña forma lírica, un poema que ridiculiza a una persona específica. El espectro emocional del epigrama es muy amplio, desde el ridículo amistoso hasta la denuncia enojada. Los rasgos característicos son el ingenio y la brevedad.
Un ejemplo es uno de los epigramas de Derzhavin:

Un burro seguirá siendo un burro.
Incluso si lo colmas de estrellas,
¿Dónde se debe actuar con la mente?
Él simplemente mueve las orejas.

Un soneto (del italiano soneto - canción) es una pequeña forma lírica. Poema lírico compuesto por catorce versos, construidos y ordenados en un orden especial. Una forma estricta que requiere el cumplimiento de muchas condiciones. El soneto está escrito principalmente en pentámetro o hexámetro yámbico; El tetrámetro yámbico se utiliza con menos frecuencia. Los 14 versos del soneto se agrupan en dos cuartetas y dos tercetos (terzettos). En dos cuartetas, en la primera mitad de un soneto, por regla general, debe haber dos rimas: una femenina y otra masculina. En los dos tercetos de la segunda mitad del soneto hay diferentes rimas, de las que puede haber dos o tres.
El soneto es una forma poética sólida. William Shakespeare hizo una contribución particularmente grande al desarrollo de este género. A continuación se muestra uno de sus sonetos.

Cuando tu frente está surcada
Huellas profundas de cuarenta inviernos,
¿Quién recordará el traje real?
¿Despreciando tu patética basura?

Y a la pregunta: “¿Dónde se esconden ahora?
¿Restos de la belleza de años felices?" -
¿Qué dices? ¿En el fondo de los ojos descoloridos?
Pero vuestra respuesta será una burla malvada.

Palabras más valiosas serían:
"Miren a mis hijos.
Mi antigua frescura está viva en ellos,
Son la justificación de mi vejez."

Deja que la sangre se enfríe a lo largo de los años.
¡Vuelve a arder en tu heredero!

Las estrofas son una obra lírico-épica que consta de estrofas compositivamente completas, aisladas entre sí. Esto se expresa en la prohibición de transferencias semánticas de una estrofa a otra y en la obligatoriedad de rimas independientes que no se repiten en otras estrofas.

En un sentido más cercano, las estrofas eran una estrofa tradicional en forma de una octava de 5 o 6 pies yámbicos, también conocida como octava. Las estrofas son una forma clásica de poesía épica (Ariosto, Tasso, Camões) les dieron un brillo incomparable (Don Juan, Childe Harold). Octavas rusas: “Aul Bastundzhi” de Lermontov, “La casita en Kolomna” de Pushkin.

Monostich (una línea, una línea)

Forma literaria: poema que consta de un verso. En general, se acepta que los poemas de una línea ya aparecieron en la poesía antigua, aunque no hay evidencia absolutamente confiable de esto: la mayoría de los textos de una línea de autores griegos y romanos antiguos que nos han llegado son, aparentemente, fragmentos de poemas que no se han conservado por completo.
En Rusia, autores tan diferentes como Konstantin Balmont, Daniil Kharms, Ilya Selvinsky, Lev Ozerov y otros recurrieron al monostich. El poeta Vladimir Vishnevsky incluso creó su propio género de autor basado en el monostich, lo que le dio gran popularidad tanto al autor como a la forma que utilizó.
Ejemplos:
- joven Bryusov “Oh, cierra tus pálidas piernas”, famoso monostich (poema de una línea) de Valery Bryusov. La única línea del poema termina con un punto, no hay coma después de la “O”.

Texto de una línea de Vladimir Vishnevsky “Y durante mucho tiempo seré tan amable y con esto…”.

Algunos expertos prefieren el término "de una sola línea" al término "monostich". Fuera de la literatura científica, un monostich también se llama monostich; Sin embargo, en terminología poética, esta palabra se usa más a menudo para designar un verso aislado (separado del resto del texto por interrupciones) en un poema de varias líneas.

El término "romance", que se originó en la España medieval, originalmente se refería a una canción común en el idioma español (romano). Romance - en español. El contenido del poema musicalizado solía ser amoroso y lírico. Este término luego se extendió a otros países.
El romance es similar a la canción. Pero su diferencia con una canción es su melodía especial y su melodía clara y prominente. Un romance no suele tener estribillo (estribillo), aunque hay excepciones. En la música romántica, a diferencia de las canciones, se presta más atención al estado de ánimo (que al ritmo, por ejemplo). La esencia del romance está en el contenido de los poemas y la melodía, y no en el acompañamiento. Los romances suelen ser música de cámara (cantar con el acompañamiento de un instrumento, normalmente el piano). Pero aquí, por supuesto, hay excepciones: el acompañamiento orquestal.

Características del género romántico:
- En un romance las palabras, la música y la voz son importantes al mismo tiempo.

Un romance es una obra más íntima que una canción, por lo que sólo puede ser lírica, mientras que una canción puede ser patriótica, heroica, etc.

Debido a que un romance suele expresar un sentimiento de amor, el destinatario siempre está presente o implícito en él, es decir. un romance, en cierto sentido, debe tener un diálogo, aunque sea interno.

Las obras instrumentales “canciones sin letra” se acercan al romance, en las que predomina la línea melódica. Las más famosas son "Canciones sin palabras" de F. Mendelssohn. Los versos románticos suelen ser melódicos, melodiosos, conmovedores y tiernos, o trágicos.
El romance ruso surgió como género en la primera mitad del siglo XIX; esto se asoció con el florecimiento del romanticismo en la literatura mundial, incluida la rusa. Los compositores A. Alyabyev, A. Varlamov y A. Gurilev desempeñaron un papel importante en el desarrollo del romance ruso. Entre las mejores y más famosas obras de Alyabyev se encuentran el romance "El ruiseñor" (1826) con las palabras de A. Delvig, "Winter Road", "Dos cuervos" con los poemas de A. Pushkin, "Evening Bells" con los palabras de I. Kozlov.
Muchos romances rusos tenían un sabor gitano tanto en contenido como en música. Por la literatura clásica rusa sabemos que el canto gitano era el pasatiempo favorito de la nobleza rusa.
Principios del siglo XX llamada la “edad de oro” del romance ruso. Luego los oyentes quedaron cautivados por el talento de A. Vertinsky, V. Panina, A. Vyaltseva, N. Plevitskaya y más tarde de Piotr Leshchenko, Isabella Yuryeva, Tamara Tsereteli y Vadim Kozin.
En la época soviética, especialmente desde finales de la década de 1930, el romance era perseguido como una reliquia de la era zarista, perjudicial para los constructores de un futuro socialista. Muchos artistas famosos guardaron silencio, algunos fueron reprimidos. El resurgimiento del romance ruso no comenzó hasta la década de 1970. En este momento, Valentin Baglaenko, Nikolai Slichenko, Valentina Ponomareva, Nani Bregvadze, Boris Shtokolov y otros se convirtieron en destacados intérpretes de romances.

MADRIGAL - (Madrigal francés, del griego mandra rebaño, porque antes del madrigal era un canto de pastor).
Un madrigal en la poesía clásica es un pequeño poema-elogio lírico, un poema de contenido laudatorio.
Originariamente un género musical y poético del Renacimiento. En los siglos XIV-XVI, los madrigales poéticos se crearon, por regla general, para la encarnación musical. Posteriormente, el madrigal literario no estuvo asociado a la música y fue un género de poesía de salón y de álbum.
Los ejemplos de madrigales en la poesía rusa están representados por las obras de A.P. Sumarokov, I.I Dmitriev, V.L. Pushkin y, más tarde, por K.N. Los nombres de los verdaderos destinatarios, por regla general, fueron reemplazados por los convencionalmente poéticos Alina, Laisa, Selina, Lila y similares. Un ejemplo de madrigal de V. I. Tumansky:

Tienes todo lo que el sexo gentil está orgulloso.
Los placeres, la belleza y la frescura de la juventud.
El que conoce tu mente se maravillará,
El que conoce el corazón te da el suyo.

A menudo se repensaba paródicamente la forma del madrigal y el epigrama se designaba con esta definición de género. Un ejemplo de tal "madrigal" es "Madrigal a la dama del regimiento" de N. S. Gumilyov:

Como Guria en mahometano
Edén, en rosas y seda.
Entonces estás en los salvavidas de Uhlan.
Regimiento de Su Majestad.

PEQUEÑAS FORMAS POÉTICAS DE OTROS PUEBLOS

Tradicionalmente, un haiku consta de tres líneas, 5+7+5=17 sílabas. La mayoría de los haiku constan de dos partes de oraciones, 12+5 o 5+12. Estas partes están separadas por una palabra separadora especial que actúa como signo de puntuación. A menudo no hay ninguna palabra que los separe y los haiku en sí generalmente se escriben en japonés como una sola columna vertical. En este caso, el desglose simplemente está implícito según el patrón clásico de 5 + 7 + 5 (de manera muy similar a como cuando se escribe poesía rusa en una línea, se puede suponer que las palabras rimadas están al final de las líneas) . En general, al ser de origen “estrofas iniciales”, los haiku a menudo tienen un “aspecto inacabado”, es decir, no representan oraciones gramaticalmente completas.

Ejemplos:
Noche Blanca -
¿Cuánto tiempo suena el teléfono?
en casa de un vecino

alexei andreev

Hay estrellas claras sobre mí
el mundo entero esta durmiendo
Los dos miramos hacia arriba.

Gacela (gacela)

Una forma poética especial en la que el final de cada verso par es una repetición del final del primer verso.
Se trata de una forma poética, que es un pequeño poema lírico (normalmente de amor o de paisaje) en la poesía de los pueblos de Oriente.
El ghazal se originó en el siglo VII y se interpretaba con el acompañamiento de un instrumento de cuerda.

Un ghazal consta de una serie de beits (un beit es un pareado que consta de dos versos poéticos conectados por un único pensamiento completo), de los cuales no suele haber más de 12, con una sola rima para todo el poema.
Junto con la rima, ghazal también usa redif (redif es una palabra o una serie de palabras que se repiten después de la rima y cierran la línea).

Esta forma alcanzó especial perfección en el poeta del siglo XII Nizami (1141-1203).

En mi alma siempre hay un mercado listo para mi querida,
De suspiros tejí una funda para mi querida.

Me derrito como el azúcar sobre las lalas de azúcar,
Estoy listo para llevar la carga de grilletes para mi querida.

La mujer infiel rompió sus votos,
Y realmente no tengo palabras para mi querida...

Los poetas persas Saadi (1184-1291) y Hafiz también fueron reconocidos maestros de este tipo de poesía. (1300-1389).

Airens es una forma poética monostrófica de poesía medieval armenia. Consta de cuatro versos de 15 sílabas. En la Armenia medieval, los airens se interpretaban en forma de canción.

Airens es el pináculo de la poesía amorosa armenia de los siglos XIV al XVI y tiene sus raíces en el folclore. El amor, el amargo destino del vagabundo - pandukhta, los pensamientos filosóficos son los motivos principales de los airens, la mayoría de ellos poemas de una estrofa, que son el equivalente funcional armenio de un soneto. Los Airens se caracterizan por el culto al sentimiento de amor, el culto al amado como santuario. A veces se utilizan imágenes y motivos bíblicos, pero se incluyen en la representación del amor verdadero. En muchas películas se aparta de la descripción tradicionalmente exuberante de la belleza femenina y se revela el gusto artístico más sutil del autor.

Con su profundidad psicológica y versatilidad, los airens enriquecieron significativamente las letras de amor armenias. Los airens más poderosos son los poemas sobre el sufrimiento, la amargura y la separación. El amor airens reflejó todo el humanismo de los poetas. La fe de los poetas en el hombre era tan profunda que ni siquiera en sus pensamientos permitían la traición en el amor, que se comparaba con una nevada en pleno verano. Estas opiniones sobre el amor estaban en conflicto con las costumbres de la sociedad feudal, que pisoteaba los sentimientos libres del hombre.

Airen suele constar de cuatro versos de quince sílabas (ocasionalmente cinco). Cada línea está claramente dividida por una cesura en dos medias líneas. El pie de dos y tres sílabas se alterna estrictamente. Por lo tanto, las sílabas 2, 5, 7, 10, 12 y 15 se acentúan en cada línea. La rima es masculina, generalmente completa (las terminaciones de las cuatro líneas son consonantes). A veces hay una rima adicional: algunas líneas medias, indicadas por una cesura, riman entre sí, o con el final de una línea propia o adyacente. De acuerdo con estas características, algunos traductores rusos (por ejemplo, V.Ya. Bryusov, P.G. Antokolsky, V.K. Zvyagintseva) representaron las airens en cuartetas y algunas en octágonos.

Ejemplos:

1 Dijiste: "¡Soy tuyo!" ¿Es esto realmente una mentira?
¡Te has arrepentido de amar! ¿O encontrarás algo más?
Será tal pena para mí que te aferres a otra persona.
¡Y acercarás sus labios a las huellas de mis besos!

2. “¡Caminas erguido, saluda a mi querida, luna!”
- “Voy a saludar a mi querida, pero no sé dónde está.”
- “¿Ves el árbol en el jardín donde hay un muro alto?
Ella bebe de una taza azul debajo del árbol.
Y en lengua armenia glorifica la dulzura del afecto y del vino".

Nahapet Kuchak
(siglo XVI)

Rubai (cuarteto)

Rubai es una cuarteta persa. Un género especial de poesía son las cuartetas con un esquema de rima AABA. Cada uno de ellos contiene al menos una pizca de humor y (o) sabiduría.
Rubai es un género poético exclusivamente persa, originario del pueblo, no tomado prestado de la literatura árabe.
Al parecer, Rudaki fue el primero en introducir este tipo de cuartetas en la poesía escrita. Omar Khayyam aprobó las leyes internas del rubaiyat, talló y transformó esta forma en un nuevo género poético filosófico y aforístico. Cada una de sus cuartetas es un pequeño poema. Posteriormente, bajo la influencia de la cultura persa, este género fue adaptado y utilizado en otros países.

Ejemplos:
1

Aquí nuevamente el día ha desaparecido, como un ligero gemido del viento,
Ha desaparecido de nuestras vidas, amigo, para siempre.
Pero mientras esté vivo, no me preocuparé
Del día que ha pasado y del día que no nace.

¿De dónde vinimos? ¿Hacia dónde vamos en nuestro camino?
¿Cuál es el significado de nuestra vida? Él es incomprensible para nosotros.
¿Cuántas almas puras hay bajo la rueda azul?
Se reduce a cenizas, a polvo, y ¿dónde, dime, está el humo?

Omar Khayyam (1048-1123).

Según el canon clásico, el tanka debería constar de dos estrofas. La primera estrofa contiene tres líneas de 5-7-5 sílabas, respectivamente, y la segunda, dos líneas de 7-7 sílabas. El total es un verso de cinco versos de 31 sílabas. De esto se trata la forma. No debemos olvidar que un verso y una estrofa son cosas diferentes.
El contenido debería ser así. La primera estrofa presenta una imagen natural, la segunda, el sentimiento o sensación que evoca esta imagen. O viceversa.

Oh, no puedo dormir
Solo en una cama fría.
Y luego esta lluvia
Toca tanto que aunque sea por un momento
Es imposible cerrar los ojos.

akazome-emon
traductor: T. Sokolova-Delyusina

Pensé todo en él
Y en una siesta accidental lo olvidé.
Y entonces lo vi.
Oh, desearía poder darme cuenta de que esto es un sueño.
¡¿Me habría despertado?!

Floreció en vano
La flor de cerezo ha pasado.
¡Oh, mi vida es corta!
Sin mover los párpados miro
Una mirada tan larga como la lluvia.
Tanka de la poetisa Ono no Komachi.
Traductor V. Sanovich

Limerick (limrick)

Este género apareció por primera vez en Inglaterra en el siglo XVIII. Pero ya en el siglo XX, las quintillas originales se extendieron por toda Europa.
En Rusia, el género de la quintilla se está desarrollando activamente gracias a los poetas ironistas, en particular Anatoly Belkin, Igor Irtenev, Sergei Satin, Sergei Shorgin, Olga Arefieva y muchos otros.

Tradicionalmente, una quintilla tiene cinco líneas, construidas según el esquema AABBA, y en forma canónica el final de la última línea repite el final de la primera. La trama de la quintilla está estructurada de la siguiente manera: la primera línea dice quién y dónde, la segunda, qué hicieron y luego, qué resultó de ello. La mayoría de las veces, una quintilla está escrita en anapest (las líneas 1, 2 y 5 están en trímetro, la tercera y cuarta en dos pies), con menos frecuencia en anfibraquio y aún más raramente en dáctilo.

Ejemplos de quintillas:

Eduardo Lear (1872)

Había un joven de Ayr, vivía una linda dama,
Cuya cabeza era notablemente cuadrada: Parece completamente cuadrada,
En la cima, cuando hace buen tiempo, quien la encuentre,
Llevaba una pluma de oro; Admiré desde el fondo de mi corazón:
Lo que deslumbró a la gente de Ayr. ¡Qué simpática es esta señora!
Traducción de Grigory Kruzhkov (1993)

Anatoli Belkin:

Miembro del Folketing de Dinamarca
Sobresalió en Cabalá y adivinación.
Y amigos del parlamento
Por páginas de reglamento
Predice el resultado de la reunión.

Géneros folclóricos del arte popular oral.

Cuento de hadas
Una narrativa épica, predominantemente de carácter prosaico, con un enfoque en la ficción; refleja las antiguas ideas de la gente sobre la vida y la muerte, sobre el bien y el mal; está diseñado para la transmisión oral, por lo que una misma trama tiene varias versiones (Kolobok, Linden Leg, Vasilisa la Sabia, El Zorro y la Grulla, La cabaña de Zayushkina).

Canción
Forma de arte musical y poético; expresa una cierta actitud ideológica y emocional hacia la vida humana (Canciones sobre S. Razin, E. Pugachev)

Pequeños géneros de folclore.
Misterio
Descripción poética de un objeto o fenómeno, basada en la similitud o contigüidad con otro objeto, caracterizada por la brevedad y la claridad compositiva. “El colador cuelga, no se retuerce con las manos” (web).

Proverbio
Una expresión popular breve, figurativa y organizada rítmicamente que tiene la capacidad de usarse en múltiples significados en el habla según el principio de analogía (“Siete no esperen a uno”).

Proverbio
Una expresión que define en sentido figurado la esencia de cualquier fenómeno de la vida y le da una valoración emocional; no contiene un pensamiento completo (“Fácil a la vista”).

Tamborileo
Una expresión humorística construida deliberadamente a partir de una combinación de palabras difíciles de pronunciar juntas.
("El griego cruzaba el río, vio al griego en el río con un cangrejo, metió la mano del griego en el río: el cangrejo agarró la mano del griego").

Cancioneta
Una canción corta que rima y cantada a un ritmo rápido, una respuesta poética rápida a un evento de naturaleza cotidiana o social.

"Iré a bailar
En casa no hay nada que morder
Bizcochos y costras,
Y hay soportes en las piernas".
Genrikh Uzhegov

Los principales géneros literarios son grupos de obras idénticas formalmente y en estilo de presentación. Incluso en la época de Aristóteles, la literatura estaba dividida en géneros; prueba de ello es la “Poética”, un tratado sobre la evolución literaria escrito trescientos años antes del nacimiento de Cristo.

¿En literatura?

La literatura se remonta a los tiempos bíblicos; la gente siempre ha escrito y leído. contener al menos algún texto ya es literatura, porque lo que está escrito son los pensamientos de una persona, un reflejo de sus deseos y aspiraciones. Se escribieron en abundancia informes, peticiones y textos de la iglesia, y así apareció el primer género literario: la corteza de abedul. Con el desarrollo de la escritura surgió el género de la crónica. La mayoría de las veces, lo escrito ya tenía algunas características literarias, elegantes figuras retóricas y alegorías figurativas.

El siguiente género literario fueron las epopeyas, los cuentos épicos sobre héroes y otros héroes de temas históricos. La literatura religiosa, las descripciones de eventos bíblicos y las vidas del más alto clero pueden considerarse por separado.

La llegada de la imprenta en el siglo XVI marcó el comienzo del rápido desarrollo de la literatura. A lo largo del siglo XVII se fueron formando estilos y géneros.

literatura del siglo XVIII

A la pregunta de qué géneros son, se puede responder inequívocamente que la literatura de esa época se divide condicionalmente en tres direcciones principales: drama, narración y poesía poética. Las obras dramáticas a menudo tomaban la forma de una tragedia, cuando los héroes de la trama morían y la lucha entre el bien y el mal se volvía cada vez más mortal. Desgraciadamente, las condiciones del mercado literario dictaban sus condiciones incluso entonces. El género de la narración tranquila también encontró a su lector. Las novelas, los cuentos y los cuentos se consideraban el "nivel medio", mientras que las tragedias, los poemas y las odas pertenecían al género literario "alto", y las obras satíricas, fábulas y comedias, al "bajo".

Virshi es una forma primitiva de poesía que se usaba en bailes, eventos sociales y otros eventos de la más alta nobleza metropolitana. Los poemas del género verso tenían signos de silogística; el verso estaba dividido en segmentos rítmicos. El estilo mecánico, mortal para la verdadera poesía, dictó la moda durante mucho tiempo.

LiteraturaSiglos XIX-XX

La literatura del siglo XIX y la primera mitad del XX se distingue por varios géneros, la mayor demanda en la época dorada de Pushkin-Gogol, y luego en la edad de plata de Alexander Blok y Sergei Yesenin. Drama, épica y lirismo: estos son los géneros de la literatura del pasado y de los siglos pasados.

La letra debía tener una connotación emocional, ser significativa y decidida. Sus categorías eran oda y elegía, y oda, con sorpresa entusiasta, glorificación y elevación al rango de héroes.

La elegía lírica se construyó sobre el principio de la tonalidad triste del verso, la tristeza, como resultado de las experiencias del héroe, independientemente de cuál fuera la causa, o la falta de armonía del universo.

¿Qué son los géneros en la literatura moderna?

Hay bastantes géneros en la literatura moderna, entre ellos se pueden identificar los más populares, demandados por un amplio número de lectores:

• La tragedia es un tipo de género dramático literario, caracterizado por una tensión emocional extrema, con la muerte obligatoria de los héroes.
• La comedia es otro tipo de género dramático, lo opuesto a la tragedia, con una trama divertida y un final feliz.
• El género de los cuentos de hadas es una dirección literaria para los niños y su desarrollo creativo. Hay muchas obras maestras literarias en el género.
• La epopeya es un género literario de sentido histórico, describe eventos individuales de épocas pasadas en el estilo del heroísmo y se distingue por una gran cantidad de personajes.
• El género de la novela es una narrativa extensa, con varias tramas, que describe en detalle la vida de cada personaje individualmente y en conjunto, y se distingue por una tendencia a analizar los acontecimientos actuales.
• La historia es un género de forma media, escrita según el mismo esquema que la novela, pero en un contexto más condensado. En una historia, un personaje generalmente se destaca como el principal, el resto se describe en relación con él.
• Una historia corta es un género de narración breve, un breve resumen de un evento. Su trama no puede tener continuación, representa la quintaesencia del pensamiento del autor y siempre tiene una forma acabada.
• Un cuento es un género similar a un cuento, la única diferencia es la nitidez de la trama. La novela tiene un final inesperado e impredecible. Este género se presta bien a los thrillers.
• El género del ensayo es la misma historia, pero en una forma de presentación no ficticia. No hay frases floridas, frases pomposas o patetismo en el ensayo.
• La sátira como género literario es rara; su carácter acusatorio no contribuye a su popularidad, aunque las obras satíricas en producciones teatrales son bien recibidas.
• El género policial es la corriente literaria más popular de los últimos tiempos. Millones de libros de bolsillo de autores populares como Alexandra Marinina, Daria Dontsova, Polina Dashkova y decenas más se han convertido en libros de referencia para muchos lectores rusos.

Conclusión

Son diversos, cada uno contiene el potencial para un mayor desarrollo creativo, que sin duda será aprovechado por los escritores y poetas modernos.

Históricamente, en la literatura se han desarrollado tres tipos de literatura: épica, dramática y lírica. Estos son grupos de géneros que tienen características estructurales similares. Si la epopeya de la historia fija la realidad externa (eventos, hechos, etc.), entonces el drama hace lo mismo en el formato de una conversación, no en nombre del autor, y la letra describe la realidad interior de una persona. Por supuesto, la división es arbitraria y hasta cierto punto artificial, pero, sin embargo, nuestro conocimiento del libro comienza cuando vemos en la portada el género, género o combinación de ellos y sacamos las primeras conclusiones. Por ejemplo, a una persona sólo le gusta ver obras de teatro, lo que significa que no necesita un volumen de Moliere y pasará por él sin perder el tiempo. El conocimiento de los principios básicos de la crítica literaria también ayuda durante la lectura, cuando se quiere comprender al autor, penetrar en su laboratorio creativo y comprender por qué su plan se materializó de esta manera y no de otra manera.

Cada género tiene un ejemplo y justificación teórica, la más concisa y sencilla.

la novela es una gran forma del género épico, una obra con temas ampliados y muchos temas. Normalmente, una novela clásica muestra a personas que participan en diversos procesos de la vida que dan lugar a conflictos externos e internos. Los eventos en la novela no siempre se describen secuencialmente, por ejemplo, Lermontov en la novela "Un héroe de nuestro tiempo" rompe deliberadamente la secuencia.

Por base temática novelas. se dividen en autobiográficas ("La oscuridad cae sobre los viejos escalones" de Chudakov), filosóficas ("Demonios" de Dostoievski), aventuras ("Robinson Crusoe" de Dafoe), fantásticas ("Metro 2033" de Glukhovsky"), satíricas ("Elogio de la estupidez" de Rotterdam "), histórico (Pikul “Tengo el honor”), aventurero (Merezhko “Sonka la mano dorada”), etc.

Según la estructura de las novelas. se dividen en una novela en verso ("Eugene Onegin" de Pushkin), una novela-folleto ("Los viajes de Gulliver" de Swift), una novela-parábola ("El viejo y el mar" de Hemingway), una novela-feuilleton ("El Condesa de Salisbury" de Dumas), una novela epistolar ( Rousseau “Julia o la nueva Eloísa”) y otras.

Una novela épica es una novela con una descripción panorámica de la vida del pueblo en momentos decisivos de la historia (“Guerra y paz” de Tolstoi).

La historia es una obra épica de tamaño medio (entre un cuento y una novela), en la que la narración de un acontecimiento particular se presenta en una secuencia natural (“El Pozo” de Kuprin). ¿En qué se diferencia una historia de una novela? Al menos en el sentido de que el material de la historia se presenta de forma crónica, y no por la composición llena de acción de la novela. Además, la historia no plantea problemas de carácter histórico global. En la historia, el autor es más restringido, todos sus inventos están subordinados a la acción principal, pero en la novela el escritor se deja llevar por los recuerdos, las digresiones y el análisis de los personajes.

La historia es pequeña forma de prosa épica. La obra tiene un número limitado de personajes, un problema y un evento (Turgenev “Mumu”). ¿En qué se diferencia una novela corta de un cuento? Los límites entre estos dos géneros son muy arbitrarios, pero en el cuento el final suele desarrollarse de forma impredecible (O'Henry "El regalo de los magos").

El ensayo es Pequeña forma de prosa épica (muchos la clasifican como un tipo de relato). El ensayo suele abordar cuestiones sociales y tiende a ser descriptivo.

La parábola es enseñanza moral en forma alegórica. ¿En qué se diferencia una parábola de una fábula? Una parábola se basa principalmente en la vida, mientras que una fábula se basa en argumentos ficticios, a veces fantásticos (parábolas evangélicas).

Los géneros líricos son...

Un poema lírico es una pequeña forma de género de letras escritas en nombre del autor (Pushkin "Te amaba") o en nombre del héroe lírico (Tvardovsky "Me mataron cerca de Rzhev").

La elegía es una pequeña forma lírica, un poema imbuido de un estado de ánimo de tristeza y melancolía. Pensamientos tristes, tristeza, reflexiones tristes componen el repertorio de elegías (la elegía de Pushkin “Sobre las rocas, sobre las colinas”).

El mensaje es carta poética. Según el contenido de los mensajes, se pueden dividir en amigables, satíricos, líricos, etc. Pueden estar dedicados a una persona o a un grupo de personas (el “Mensaje a Federico” de Voltaire).

Epigrama es un poema que se burla de una persona específica (desde la burla amistosa hasta el sarcasmo) (Gaft “Epigrama sobre Oleg Dahl”). Características: ingenio y brevedad.

La oda es un poema que se distingue por su tono solemne y contenido sublime (Lomonosov “Oda al día del ascenso al trono de Isabel Petrovna, 1747”).

Un soneto es un poema de 14 versos (“Veinte sonetos a Sasha Zapoeva” de Timur Kibirov). El soneto es una de las formas estrictas. Un soneto suele estar formado por 14 versos, formando 2 cuartetas (con 2 rimas) y 2 tercetos (con 2 o 3 rimas).

el poema es la forma lírico-épica promedio, en la que hay una trama detallada y se encarnan varias experiencias, es decir, la atención al mundo interior del héroe lírico ("Mtsyri" de Lermontov).

La balada es Forma media lírico-épica, relato en verso. A menudo, una balada tiene una trama tensa (“Lyudmila” de Zhukovsky).

Los géneros dramáticos son...

La comedia es un tipo de drama en el que el contenido se presenta de forma divertida y los personajes y circunstancias son cómicos. ¿Qué tipos de comedias hay? Lírico ("El huerto de los cerezos" de Chéjov), alto ("Ay de Wit" de Griboyedov), satírico ("El inspector general" de Gogol).

La tragedia es un tipo de drama basado en un agudo conflicto vital que conlleva el sufrimiento y la muerte de los héroes (“Hamlet” de Shakespeare).

El drama es una obra con un conflicto agudo que es ordinario, no tan sublime y resoluble (por ejemplo, Gorky "At the Depths"). ¿En qué se diferencia de la tragedia o la comedia? En primer lugar, el material utilizado es moderno, no antiguo, y en segundo lugar, aparece en el drama un nuevo héroe que se rebela contra las circunstancias.

Tragifars - una obra dramática que combina elementos trágicos y cómicos (Ionesco, “El cantante calvo”). Este es un género posmoderno que apareció hace relativamente poco tiempo.

Un género en la literatura es una selección de textos que tienen una estructura similar y un contenido similar. Hay bastantes, pero hay una división por tipo, forma y contenido.

Clasificación de géneros en la literatura.

División por género

Con tal clasificación, se debe considerar la actitud del propio autor hacia el texto de interés para el lector. Fue el primero en intentar dividir las obras literarias en cuatro géneros, cada uno con sus propias divisiones internas:

• épica (novelas, cuentos, epopeyas, cuentos, cuentos, cuentos de hadas, epopeyas),
• lírico (odas, elegías, mensajes, epigramas),
• dramático (dramas, comedias, tragedias),
• lírico-épico (baladas, poemas).

División por contenido

A partir de este principio de división surgieron tres grupos:

• Comedia,
• tragedias
• Dramas.

Los dos últimos grupos hablan de un destino trágico, del conflicto en la obra. Y las comedias deberían dividirse en subgrupos más pequeños: parodia, farsa, vodevil, comedia de situación, espectáculo secundario.

Separación por forma

El grupo es diverso y numeroso. Hay trece géneros en este grupo:

• épico
• épico,
• novedoso,
• historia,
• novela corta,
• historia,
• bosquejo,
• jugar,
• artículo principal,
• ensayo,
• opus,
• visiones.

En prosa no existe una división tan clara.

No es fácil determinar de inmediato a qué género pertenece una obra en particular. ¿Cómo afecta al lector la obra que lees? ¿Qué sentimientos evoca? ¿Está presente el autor, presenta sus experiencias personales, hay una narración simple sin agregar análisis de los eventos descritos? Todas estas preguntas requieren respuestas específicas para poder emitir un veredicto final sobre si el texto pertenece a un determinado tipo de género literario.

Los géneros cuentan su historia.

Para comenzar a comprender la diversidad de géneros de la literatura, conviene conocer las características de cada uno de ellos.

1. Los grupos de formación son quizás los más interesantes. Una obra de teatro es una obra escrita específicamente para el escenario. Un cuento es una obra narrativa prosaica de pequeño volumen. La novela se distingue por su escala. Una historia es un género intermedio, entre un cuento y una novela, que cuenta sobre el destino de un héroe.
2. Los grupos de contenidos son reducidos en número, por lo que es muy fácil recordarlos. La comedia tiene un carácter humorístico y satírico. Las tragedias siempre terminan de manera inesperadamente desagradable. El drama se basa en el conflicto entre la vida humana y la sociedad.
3. La tipología de géneros por género contiene solo tres estructuras:
   1. La epopeya habla del pasado sin expresar la opinión personal sobre lo que está sucediendo.
   2. Las letras siempre contienen los sentimientos y vivencias del héroe lírico, es decir, el propio autor.
   3. El drama revela su trama a través de la comunicación de los personajes entre sí.