Cómo distinguir una pintura original de una reproducción. Si las pinturas muestran personas con traseros grandes, puedes estar seguro de que es Rubbens.
Iniciando un diálogo con la cultura mundial, hombre moderno no desperdicia esfuerzos para alcanzar su nivel, sino que, por el contrario, intenta rebajarla al suyo. (alguien inteligente)
Antes de la invención de la fotografía, la pintura se consideraba una herramienta para reflejar quizás más claramente el entorno. La pintura se consideraba mejor cuanto más auténtica se mostraba. mundo real. Con la llegada de la fotografía en 1839 y el cine en 1895, el conocimiento de la pintura se expandió significativamente, aunque otros se adhieren actualmente a una actividad estrictamente funcional.
¿Cuál es la diferencia entre una fotografía y una pintura?
Bato Dugarzhapov "Navidad".
Una fotografía captura un momento, es decir, un estado momentáneo muy específico de un objeto. El pintor, por muy cuidadoso y creíble que escriba los detalles, primero escribe lo GENERAL que ve en el modelo, es decir, lo más característico y expresivo.
Por lo tanto, una fotografía (a excepción de las muy raras obras de fotógrafos) es una ilustración, similar a una imagen de una enciclopedia: así se ve una ardilla, niños, y así se veía el dueño del álbum de fotos hace 20 años. cuando lo bañaron en una bañera.
Bato Dugarzhapov “Crimea”.
El pintor moderno ha abandonado la copia de la naturaleza: la fotografía y el cine lo harán aún mejor y más rápido. El naturalismo empuja la pintura al callejón sin salida de la repetición y la banalidad. Además, la naturaleza no se puede reproducir. Cuando el espectador acepta sólo el matiz más superficial de la pintura: la transmisión de información "dónde estaba todo", entonces la conciencia de la pintura quedará muy empobrecida y distorsionada.
Una pintura se diferencia fundamentalmente de una fotografía en que no son idénticas, y esto se ha convertido en la diferencia fundamental entre colorido y imagen fotográfica. El pintor decide por su propia voluntad qué y cómo omitir, qué y cómo resaltar, qué excluir del cuadro, de vez en cuando incluso en contra del sentido común superficial.
Bato Dugarzhapov "Terraza".
Una pintura colorida sobre lienzo pretende ser una muestra completa y universal del objeto pintado y transmitir recuerdos del mismo. De forma incomprensible, sobre un lienzo plano aparece un volumen, vivo y mundo hermoso, realizado por el artista.
Podemos entrar en escena y escuchar el canto de los pájaros, oler el aroma de un prado en flor, sentir el calor del agua calentada por el sol, ver el movimiento, entendiendo claramente que todo esto sucede exclusivamente en nuestra conciencia y frente a nosotros. y que el creador nos lo dio todo.
¿Qué es "alla prima"?
Bato Dugarzhapov “Mañana”.
Si antes era bien recibido el estilo joyero de escribir los detalles hasta el más mínimo detalle, cuando el cuadro se pintaba durante meses o incluso años y luego se barnizaba minuciosamente, en los siglos XIX y XX apareció el concepto de "alla prima". - del latín “all prima vista” (1- y mirada) y significa pintura espontánea con pintura empastada.
La pintura está lista después de la primera sesión. Los colores se mezclan principalmente en una escala en la que parecen frescos y luminosos. Al pintar al aire libre, este es un método de trabajo muy adecuado.
La pastosidad se manifiesta en el relieve, la convexidad de la capa brillante, en una pincelada plástica y sirve para enfatizar el lado material del objeto e impartir dinamismo. Las pinturas son más grandes y más informativas que las fotografías; pueden influir sensualmente en los espectadores con manchas de color locales, sin aclaraciones ni especificaciones innecesarias de detalles. De vez en cuando, incluso por la ausencia de esta especificación.
Bato Dugarzhapov “Mediodía. Barcos."
La alternancia de trazos aparentemente aleatorios y puntos de luz a primera vista es mucho más emocional que una fotografía y la forma antigua y lamida transmite movimiento: el juego de las manchas del sol sobre la hierba, el resplandor del agua, el balanceo de las hojas, etc.
Desafortunadamente, el espectador, que se ha vuelto completamente loco en términos de cultura colorida, después de haber visto las obras alla prima, pintadas con amplios trazos y rayas, no se molesta en detenerse a mirar de cerca, sino que infla las mejillas y, con las palabras " Yo también puedo pintarlo así”, con conciencia de su propio beneficio va más allá en busca de creaciones lacadas con escritura rizada, donde no es necesario ningún trabajo de imaginación y empatía.
Dejémoslo ir y luego veremos, por ejemplo, el cuadro "Plein Air" del artista Bato Dugarzhapov. ¿Qué vemos en esta fascinante imagen?
Bato Dugarzhapov “Plein Air”.
Aquellos que quieran ver cómo se hacen los zapatos de los personajes, nada. El espectador, sintonizado con la ola de conciencia, primero ve mucho luz de sol. Luego vemos a varios artistas con vestidos de verano frente a sus caballetes y a un artista barbudo con vaqueros y pinceles en la mano. Luego aparece un cálido muro de piedra con glicinias trepadoras iluminadas por el sol sobre ellos, cielo azul en los claros del follaje, el parapeto del terraplén y el mar detrás. Por eso el follaje no se escribe en detalles y vetas, porque se mueve, se balancea, y la luz también se mueve, las sombras se mueven y el reflejo del mar a lo lejos cambia a cada minuto...
El ambiente de la imagen es absolutamente fenomenal, simplemente irradia luz y positividad. Y al mismo tiempo, es imposible señalar con un puntero y explicar: esto es esto y aquí está esto. Sólo hace falta ver esto alejándose un poco de la imagen y mirándola durante bastante tiempo. Además, esto es sólo un archivo, ¡puedo imaginarme cómo debería actuar en el original!
Bato Dugarzhapov “Sobre bocetos”.
El cuadro “Sobre estudios” “aparece” de manera similar. Al principio, caóticas manchas de luz solar y reflejos del mar. Entonces el pintor canoso se inclinó hacia el caballete. Luego, el mar mismo: el mar abierto, se mueve, está inquieto, el resplandor del sol entre las olas realmente ciega los ojos (es imposible comprender cómo está hecho), en el mar hay montañas, guijarros y barcos, a la izquierda de nuevo una planta trepadora, tal vez uvas.
La atmósfera de una mañana calurosa se transmite indescriptiblemente (y esto es la mañana, porque cuando el sol está alto, el mar no brilla tanto, se vuelve azul), la belleza Costa sur y admiración por esta belleza.
Bato Dugarzhapov "Tarde del Sur"
Las pinturas de Bato Dugarzhapov están inmersas en un entorno luminoso extraordinario, que habla de la más alta cultura colorida del artista, de una estrecha conciencia del color y las relaciones espaciales. Sus obras se distinguen por la frescura, el ritmo rápido de líneas y manchas de color, la euforia romántica y una percepción estrecha de las relaciones luz-espacial.
Con particular facilidad, con grandes trazos, crea una imagen completa e integral de la naturaleza en color, luz y dinámica real... todo brilla con los rayos del sol, incluso donde hay sombra, los reflejos brillan, lo cual es especialmente llamativo y divertido. Los colores, lanzados libremente, se superponen y forman una armonía y un ritmo multicolores, en los que el juego de colores tiene una importancia especial.
Bato Dugarzhapov “Lago de Como”.
Bato Dugarzhapov nació en 1966 en Chitá. Se graduó en la escuela de arte de Tomsk y en el Instituto de Arte Académico Municipal Metropolitano. Y EN. Surikov. Las obras del artista se encuentran en colecciones personales en Rusia, Estados Unidos, Francia, Italia y España.
K. Yu.
- ¡Vaya, gran foto! – elogió el trabajo e inmediatamente ofendió al artista con terminología incorrecta
Probablemente sepan, amigos, que un artista bueno pero impresionable puede ofenderse si le dicen que “pinta” su cuadro. Es lo mismo que decir que los barcos navegan por el mar... ¡pero todos sabemos que los barcos navegan por el mar!
Aún así, una persona que está lejos de las bellas artes a menudo no puede decir exactamente qué es la pintura, qué es el dibujo y en qué se diferencian entre sí. Por tanto, para él tanto “dibujar” como “escribir” son lo mismo. ¡Pero intenta decirle al maestro que tiene un buen “dibujo” sobre lienzo!
No más camino fácil hiere una naturaleza creativa sensible, aunque un simple espectador no comprenderá de inmediato qué está mal y es ofensivo.
Pintura y dibujo son conceptos cercanos e incluso relacionados, pero claramente separados entre sí. Así como es bien sabido cuándo se pintan los cuadros y cuándo se dibujan.
Intentemos resolver esto terminología en Bellas Artes . Créame, esto no sólo es importante para quienes son creativos, sino también interesante.
Diferencia entre pintar y dibujar
En un lenguaje estrictamente formal, dibujo - esta es una imagen de cualquier imagen, objeto y fenómeno en un avión. Puedes dibujar con tiza, bolígrafo, lápiz, pinturas, cualquier cosa que deje marcas en una superficie determinada.
En general, incluso rayar un diamante sobre un cristal o, por ejemplo, dibujar con un bolígrafo en una lección y aplicar un tatuaje también es dibujo.
Y aquí cuadro - Esta también es una imagen de objetos y fenómenos, pero sólo con el uso de pinturas. Es decir, hablando en un lenguaje seco y formal, la pintura es una de las opciones de dibujo en las que se utiliza el pincel como herramienta, y la pintura es el medio que crea la imagen.
En otras palabras, el dibujo es gráfico y se considera Oficialmente se considera gráfico todo lo que se hace sobre papel y, aunque parezca mentira, también se considera gráfico la acuarela. Aunque muchas obras también se consideran pinturas sobre papel
Entonces, todo lo que está en papel es gráfico y todo lo demás es pintura... sobre lienzo, madera, vidrio, pared.
¿Recuerdas las lecciones de dibujo en la escuela? Allí todo el tema se llamaba así: bellas artes. No hubo lecciones separadas de pintura o dibujo, solo un día enseñaron a trabajar con óleo y otro día, con lápices.
De ahí la creencia común de que la pintura es sólo una variante del dibujo. Formalmente esto es así, en realidad es diferente.
Bellas Artes - El Arte de Captar Imágenes = Bellas Artes, Asociación varios tipos pintura, gráfica, escultura
De hecho, tal jerarquía es una verdadera burocracia. En las artes visuales hoy existe una clara división: cuadro- esto es trabajar con pincel y pintar sobre materiales densos, dibujo- este es el uso de todos los demás materiales en papel.
Puede que no sea tan estricto y científico, pero muchos aman el mundo del arte porque no está sujeto a la ciencia y, por lo tanto, sus leyes no necesariamente tienen que corresponder a una clasificación y terminología estrictas.
Hay otro matiz: piensa en la palabra misma "cuadro"- Está formado por dos partes: "vivir" Y "escribir". Esto se puede interpretar de diferentes maneras, pero muchos artistas dicen que trabajar con pinturas está vivo precisamente porque las propias pinturas, después de ser aplicadas sobre el lienzo, se secan y cambian un poco sus propiedades, es decir, viven su propia vida.
Y la imagen misma adquiere su propia vida dinámica, la imagen resulta estar viva. O representación- escribir de forma animada... En general, la palabra pintura suena elevada y hermosa, en mi opinión.
Mirar y reflexionar sobre pinturas vivas.
Entonces, hemos descubierto esta parte: pintar es trabajar con pinturas, dibujar es utilizar otros medios. Además, la pintura de caballete, tanto monumental como decorativa, también se diferencia de formas similares de dibujo.
Se aplican pinturas a las paredes. estamos hablando acerca de En cuanto a pintar, los decoran con crayones, esto ya es dibujar.
¿Pintan o dibujan?
Otros, nada menos tema candente- cómo llamar al proceso de creación de una imagen. Parece que si se crea una imagen, significa que se dibuja. Y si hablan de una letra, normalmente se refieren a texto.
Aquí la terminología tiene profundas raíces históricas. La pintura en Rusia se desarrolló gradualmente a partir de la pintura de iconos, cuando los maestros comenzaron a intentar revivir y hacer más vívidos los motivos bíblicos, utilizando las mismas técnicas, y luego cambiaron por completo a pinturas que no tenían nada que ver con la religión.
Pero dado que los íconos fueron originalmente "escribió", luego esta palabra migró a la pintura y hoy también se pintan cuadros al óleo.
A menudo peco y suelo “pintar” mis cuadros.
Si hablamos de dibujo, entonces todas las obras aquí están dibujadas, por muy significativas que sean. Por supuesto, se puede decir que el artista “escribió” un lienzo épico con un lápiz, pero esto no es más que libertad.
¿Es posible pintar sobre lienzo?
En general, se suele decir que pintan sobre lienzo con óleo, pero, por ejemplo, simplemente dibujan sobre papel. Pero éstas no son reglas absolutas.
Por ejemplo, Antes de pintar con pinturas, el artista puede hacer un boceto a lápiz sobre un lienzo. Este es un dibujo, el autor lo dibuja. Y solo cuando se aplican pinturas a este dibujo, se comienza a pintar el cuadro.
Aunque nadie prohibió dibujar con lápices o carboncillo sobre lienzo... la única pregunta es que dibujar sobre un lienzo de tela no es del todo conveniente para las técnicas secas, a menos, por supuesto, que no sea aquí donde se puede utilizar todo.
Lo mismo se aplica a otros conceptos básicos; no sólo la pintura de caballete permite pintar cuadros. Por ejemplo, pintura monumental Implica pintar cuadros con pinturas en varios. objetos arquitectonicos fachada, pintura decorativa - esto es escribir en varios objetos y detalles del interior, - esto es pintar las paredes dentro de la habitación con varios frescos y pinturas falsas
Al mismo tiempo, si cogemos un vaso o jarra y lo pintamos, por ejemplo, con tinta, esto ya quedará pintura decorativa . Esto significa que no depende en modo alguno de si nos dedicamos a pintar o a dibujar. Se trata de los materiales con los que se crea la imagen.
Y por último: no asuma que la pintura es para profesionales y el dibujo para aficionados. ¡De nada! A menudo, los lápices, pasteles o crayones crean obras que no son menos grandiosas y magníficas que las pinturas al óleo o acrílicas.
Y la dificultad de crear obras, por ejemplo, sólo con lápices, es muy grande. Por lo tanto, si te gusta dibujar, no tienes que torturarte y obligarte a pintar con pinturas; es muy posible crear obras maestras con lo que más te guste.
Maestros del retrato en gráfica.
Sólo en este caso, por cierto, Podrás expresarte plenamente a ti mismo y a tus emociones en tu trabajo.¡Ya sea sobre lienzo, papel, vidrio o en la pared! Son los primarios, y los materiales y técnicas son sólo herramientas, entre las que tú eliges la que más te conviene.
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Para muchos, recordar a los artistas y sus pinturas parece una tarea imposible. Durante cientos de años, la historia ha escrito los nombres de muchos artistas cuyos nombres son muy conocidos, a diferencia de sus pinturas. ¿Cómo recordar la personalidad y el estilo del artista? Hemos preparado breve descripción para aquellos que quieran entender bellas artes:
Si las pinturas muestran personas con traseros grandes, puedes estar seguro de que es Rubbens.
Si la gente con ropa bonita se relaja en la naturaleza - Watteau
Si los hombres parecen mujeres de pelo rizado y ojos peludos - Así es Caravaggio
Si un cuadro con fondo oscuro muestra a una persona con expresión beatífica o un mártir - Tiziano
Si el cuadro contiene composiciones de varias figuras, muchas personas, objetos, motivos cristianos y surrealistas, este es el Bosco.
Si la pintura contiene composiciones de múltiples figuras y tramas complejas, pero parecen más realistas que las pinturas de El Bosco, tenga la seguridad de que se trata de Bruegel.
Si ves el retrato de una persona sobre un fondo oscuro y con una luz amarilla tenue - Rembrandt
Escenas bíblicas y mitológicas que representan varios cupidos regordetes - Francois Boucher
Cuerpos desnudos y animados, formas perfectas - Miguel Ángel
Se dibujan bailarinas, este es Degas.
Imagen contrastada y nítida con rostros demacrados y barbudos - El Greco
Si el cuadro muestra a una niña con uniceja, esta es Frida
Trazos rápidos y ligeros, colores brillantes y representaciones de la naturaleza – Monet
Colores claros y gente alegre – Renoir
Brillante, colorido y rico - Van Gogh
Colores oscuros, contornos negros y gente triste - Manet
El fondo es como el de la película “El Señor de los Anillos”, con una niebla azul claro. El cabello ondulado y la nariz aristocrática de Madonna - Da Vinci
Si el cuerpo representado en el cuadro tiene una forma inusual - Picasso
Cuadrados de colores como un documento de Excel – Mondrian
“Hace mucho tiempo me di cuenta de que para los críticos de arte la autoexpresión es más importante que la sustancia”.
Eldar Riazanov
“¿Por qué yo, hijo de un famoso pintor moscovita, paso mi infancia y juventud entre artistas, en cuya colección más pintura y gráficos que en otros museo regional, ¿debería escuchar a los críticos de arte que ni siquiera tuvieron un pincel en la mano?
Alexander Gremitskikh
Wikipedia define el término "imagen" en relación con la pintura como "una obra de arte que tiene un carácter completo (a diferencia de un boceto o boceto) e independiente". valor artístico". Los conceptos de "estudio", "boceto" y "boceto" en relación con la pintura generalmente se agrupan en Wikipedia y se reducen a un solo concepto: boceto, material preparatorio para la pintura real del artista.
Veamos si esto es cierto en la práctica:
Hay que decir que toda la terminología artística se desarrolló allá por el siglo XIX, si no antes. En aquella época, no sólo aquí, sino en toda Europa, la gente decente debía hablar exclusivamente en francés, como lo demuestra la terminología que todavía se utiliza en la pintura. Entonces, la palabra "estudio" proviene del francés "étude" y "sketch", del francés "esquisse", por ejemplo. Los clientes de los pintores vivían en su mayoría en locales muy espaciosos, por decir lo menos, que requerían una decoración con enormes lienzos, que naturalmente eran imposibles de pintar del natural. Está claro que en tales condiciones sólo se valoraba el producto final, el panorama general (pero, dicho sea de paso, se pagaba exclusivamente). Como a nadie se le ocurrió colgar en la pared las obras del natural, al que pertenecen estrictamente los bocetos, era imposible conseguir dinero para ellas y, por tanto, si se pintaban, era sólo como apoyo visual. material para algunos cuadro grande y tenían incluso menos importancia que los bocetos, que estaban cuidadosamente redactados ya que debían presentarse al cliente para su aprobación.
Aquí es donde, desde “los tiempos de Ochakov y la conquista de Crimea”, migraron definiciones obsoletas hace mucho tiempo. términos artísticos a Wikipedia! Sí, y a otros diccionarios, por desgracia, también, y de allí a nuestras cabezas.
Sin embargo, por finales del siglo XIX siglo, con la democratización de la sociedad, las opiniones sobre cuál puede ser, por así decirlo, el producto final de la pintura, han cambiado drásticamente. Si impresionistas franceses todavía criticaban lo esquemático de sus obras, entonces A.K. Savrasov animó a sus alumnos a "aprender de la naturaleza". De los artistas rusos, Konstantin Korovin, por ejemplo, se hizo famoso precisamente por sus bocetos del natural; prácticamente no pintó cuadros temáticos; Ya vivimos en el siglo XXI, pero en relación a la pintura seguimos utilizando una comprensión de su terminología de hace 200 años, una paradoja, ¡y eso es todo!
La mala comprensión de los términos más simples de la pintura, utilizados en el habla cotidiana, sobre la base de una comprensión tan antigua de ellos, impuesta deliberadamente al público en general por respetados críticos de arte que, como es bastante obvio, PROFESIONALMENTE no entienden nada sobre arte, puede poner una persona ordinaria a un callejón sin salida. Por ello, en este artículo me gustaría considerar los principales términos comúnmente utilizados en pintura en relación con nuestra situación contemporánea.
SIGNIFICADOS DE LA PALABRA “ESCRIBIR”(con énfasis en la segunda sílaba, por supuesto)
En ruso, la palabra "escribir" tiene el significado básico de "escribir letras y números". En pintura, los profesionales utilizan la palabra “pintar un cuadro” como término. Si un artista dice: "Pinté un cuadro", entonces en este caso no utiliza terminología profesional, sino que simplemente habla en el lenguaje cotidiano, como la gente común, no relacionado con actividad artística. En el sentido terminológico, pintan con carboncillo, sanguina, lápiz, pastel, pero no con pintura al óleo. “Este cuadro del artista está pintado al óleo”, sólo puede decir una persona alejada de la pintura. Y no tiene nada de malo, no es tan importante. Tampoco importa que no sepas qué es el rojo kraplak o el amarillo cadmio y que nunca hayas oído hablar de ningún tono ámbar o siena tostado. Títulos pinturas artísticas, que denotan con precisión ciertos colores (después de todo, el rojo, el amarillo y el azul son diferentes), no es absolutamente necesario que un no especialista lo sepa, y los historiadores del arte no invaden términos precisos tan estrictamente profesionales.
Pero estos señores que “conocen el arte”, o, más simplemente, los críticos, es decir, los periodistas que escriben sobre arte, han logrado imponer a todas las demás personas la falsa idea de que el arte, dicen, “necesita ser comprendido”. ¿Quién sabe de arte? ¡Por supuesto, nadie excepto los críticos de arte!
Así, nos explicaron con éxito que en las artes visuales sabemos y no entendemos nada. ¡Y lo más interesante es que estamos completamente de acuerdo con esto! A quién le puedes preguntar: “No entiendo de pintura”, “No entiendo de arte”..., y cosas así.
¿Qué hay realmente que entender? El arte, incluidas las bellas artes, se crea para nosotros, la gente común, y no para “especialistas”, apela a la estética que todos tenemos por naturaleza. En el arte, para el espectador, lector y oyente, sólo existen dos criterios: agrado y disgusto. ¿Leerás un libro aburrido? Mirar mala pelicula o una obra de teatro? ¿Escucharás ópera, música o una canción que no te gusta? ¿Crees que Kazimir Malevich un artista brillante y Velimir Khlebnikov - un poeta brillante? ¿No? ¡Bravo! ¡Tienes un gran conocimiento del arte!
Pero para que usted y yo podamos, como dije Pedro I, "ser reconocidos entre otros tontos ignorantes", todavía es necesario comprender varios términos comunes que se encuentran a menudo en el habla cotidiana, relacionados en este caso con la pintura. .
MATERIAL PARA LA PINTURA DEL ARTISTA
Los no profesionales, por sugerencia de esos mismos críticos de arte, suelen creer que imagen real La pintura al óleo debe pintarse exclusivamente sobre lienzo y otras bases, como el cartón artístico, generalmente no merecen atención. Entonces la “Mona Lisa” ni siquiera debería considerarse una pintura, porque Leonardo utilizó tablas de tilo para su obra.
Sorprendentemente es conveniente para el cartón, imprimado para que las pinturas no sean absorbidas, con un compuesto blanco, la llamada imprimación que consiste en tiza y pegamento, o una imprimación de color si el artista lo requiere, es decir, un cartón artístico especial. trabajando, especialmente al aire libre. El cartón es un material compacto y bastante denso que, a diferencia del lienzo, no se recupera bajo la presión del pincel. El lienzo, bajo la influencia de los cambios de temperatura y humedad en la habitación, se hunde o se estira, por lo que las pinturas se desmoronan con el tiempo, pero no sobre el cartón; Pintar sobre cartón es tan duradero como el propio cartón, y el cartón incluso supera al lienzo en durabilidad.
Lo mismo puede decirse de los tableros duros, aunque son mucho más pesados que el cartón. Los artistas soviéticos a menudo imprimaban ellos mismos los tableros prensados, o incluso simplemente, para que fuera más conveniente pintar y que el pincel no retrocediera, pegaban especialmente el lienzo imprimado sobre los tableros prensados. Ahí tienes ejemplo brillante, una naturaleza muerta con lilas tamaño de imagen bastante:
¿Qué pasa con el lienzo? Los artistas están exclusivamente con él. Imperio ruso Trabajó hasta 1862, cuando la industria rusa comenzó a producir cartón artístico.
El lienzo requiere un bastidor pesado y una buena extensión del lienzo sobre él. En este caso, hay que esperar mucho tiempo para que la pintura se seque después de terminar el trabajo, de lo contrario el lienzo no se puede enrollar, ya que las pinturas húmedas se pegarán y la pintura se arruinará por completo. Las pinturas pueden tardar un mes entero en secarse. Aquí es donde el artista comienza a tener tiempos de inactividad forzados. Para el transporte, el cuadro, si es grande, se retira del bastidor y se enrolla con cuidado sobre un carrete grande con el cuadro hacia arriba para no dañarlo. El siguiente paso es, tras la entrega en obra, volver a estirar el lienzo sobre el bastidor, correctamente, sin deformaciones, arrugas en las esquinas y hundimientos, pero también sin tensiones excesivas (todo esto también puede dañar la capa pictórica). Y con el tiempo, el lienzo estirado sobre una camilla, bajo la influencia de los cambios de humedad y temperatura, puede combarse o, por el contrario, estirarse demasiado, lo que incluso puede amenazar con romper el lienzo. Esto, a su vez, puede provocar que la capa de pintura se caiga, destruyendo o arruinando la pintura. Por eso en los pasillos y almacenes Museos de arte por eso controlan estrictamente la constancia de la humedad y la temperatura.
El cartón artístico tiene muchas ventajas. Es liviano y cuando se sale al aire libre se puede colocar en un marco de madera especial con abrazaderas, que tiene un asa para cinturón en la parte superior para transportarlo. Una idea de este útil dispositivo la da un dibujo conservado en los papeles de mi padre de un marco para bocetos, que mi padre encargó a un carpintero. Aquí está el dibujo:
A veces un pintor lleva consigo dos cartones para realizar los bocetos. Se usa uno primero y luego si
la iluminación o el ambiente ha cambiado, o algún otro motivo ha llamado la atención, el artista toma una segunda cartulina y escribe en ella. Una vez finalizado el trabajo, gira los cartones, todavía crudos de pintura, dentro del marco y los fija con abrazaderas. Los cartones no se tocan. La pintura permanece intacta e ilesa. Se secará en el taller.
Por lo tanto, después de 1862, cuando se estableció producción industrial Con el cartón artístico imprimado, los pintores empezaron a utilizar cada vez más el cartón al aire libre.
Señores críticos de arte, que no saben nada de esto y no han escrito ni un solo boceto, tratan con desprecio el cartón artístico, considerando por alguna razón que la pintura sobre cartón está obviamente inacabada, basándose únicamente en el hecho de que está escrito principalmente. sobre bocetos en cartón, que, como veremos a continuación, son trabajos siempre acabados, cuidadosamente elaborados y que muchas veces requieren de mucho trabajo. Además, también se inventó la palabra “estudio”, utilizada como sinónimo de inconclusión, negligencia y… ¡incompletitud! Pero permítanme preguntar, ¿qué tiene que ver el descuido de la ejecución o lo incompleto del cuadro con la superficie pintada? ¿Y no hay bocetos sobre lienzo?
Por cierto, la pintura es de estilo realismo socialista. artista soviético Nikolai Ovchinnikov "On the Shop Floor", que en septiembre de 2016 V.V. Putin le dio a D.A. como regalo de cumpleaños. Medvedev está escrito en cartón.
Estrictamente hablando, esto no es una pintura, sino un boceto a escala real realizado por el artista directamente en el taller de la fábrica, pero esta terminología se analizará a continuación.
Lo más importante no es el material sobre el que se aplica la pintura, sino cómo el artista supo reflejar la realidad, el estado de ánimo, sus sentimientos y transmitirlos al espectador. El material base, ya sea lona, cartón, tableros duros, papel, cartón o incluso hierro galvanizado fino, no tiene nada que ver con esto. Lo que importa es el talento, la experiencia, el buen escuela de Arte. Dicen que en Abramtsevo S.I. Mamontov una vez cambió el techo de su casa. MAMÁ. Vrubel tomó un trozo de hierro para tejados y escribió en él lilas. Entonces, ¿este no es Vrubel?
Aquí está el “Retrato de D.P. Smirnova, trabajadora de la fábrica Trekhgornaya, diputada del Sóviet Supremo de la URSS”.
obras del artista soviético Sergei Fedorovich Solovyov. También está fabricado en hierro galvanizado. El retrato, debido a sus más que modestas dimensiones de 37,5 x 31,5 cm y a su título oficial, es claramente un estudio a escala real para un gran retrato encargado de un protagonista en producción. Al parecer, cuando la modelo llegó al estudio del artista para posar, este no tenía nada más a mano, por lo que pintó una pequeña obra completamente terminada. retrato femenino, que luego, quizás con algunos cambios menores, fue trasladado a un gran lienzo.A veces, debido a la escasez de todo en aquella época, los artistas soviéticos pintaban pinturas de aceite incluso en un papel que no estaba destinado en absoluto a esto. Esto es lo que hacía a veces mi padre en particular. Luego, tras la muerte de mi padre, tuve que pegar este papel sobre cartón. (Papel "Snow Fell" sobre cartón, óleo; 61,5x82; 1969)
¡Hasta escribieron en la arpillera de las bolsas rotas! ¡Y funcionó bien!
Por ejemplo, el trabajo de mi padre es "Presidente". Su historia es la siguiente: su padre recibió un viaje de negocios a una de las granjas colectivas de Altai, cerca de Biysk, con la tarea de escribirle al presidente de allí, un héroe del trabajo socialista. En la granja colectiva, naturalmente, no había lienzo, y mucho menos imprimado, así que mi padre abrió un saco enorme, lo estiró sobre una camilla improvisada que inmediatamente armaron, imprimaron la arpillera y pintaron un retrato del presidente. Posteriormente, 50 años después de los hechos, tuve que arrastrar esta obra sobre una camilla ya normal.
O aquí paisaje de otoño“Crimson Autumn”, escrita por mi padre en algún lugar de una aldea remota, también utilizando una tecnología similar:
Por lo tanto: SI ESTÁS PINTANDO UN CUADRO ENORME DE MULTIMETROS, quieras o no tendrás que pintarlo sobre lienzo EXCLUSIVAMENTE POR CONSIDERACIONES DE TRANSPORTE POSTERIOR, ¡y no para que tenga valor artístico!
En otros casos, no importa en qué escribir, de lo contrario, los primeros que compre P.M. Tretyakov dos ESTUDIOS de M.A. Vrubel EN CARTÓN, no importa valor artístico No tenia idea.
BOCETOS Y BOCETOS
Un boceto es, al fin y al cabo, digas lo que digas, un objeto completamente acabado y de tamaño relativamente pequeño. Escala completa trabajo que se realiza al aire libre (paisaje) o, digamos, en el estudio (naturaleza muerta, retrato) y es bastante un trabajo independiente. Sin embargo, los bocetos también podrán servir en el futuro para pintar un cuadro grande, a veces incluso un lienzo enorme de varios metros, lo que sólo es posible en el taller. Un boceto, especialmente para paisajes, suele tener unas dimensiones, en términos generales, que no superan los 60 por 80 cm, es decir, un tamaño conveniente para que lo lleve una sola persona. A continuación se muestra un ejemplo de un boceto a escala real:
El boceto puede ser un estudio de una sola sesión, escrito en una sesión, es decir, en un día. Pero esto sucede muy raramente, mucho más a menudo el estudio requiere varias, o incluso muchas sesiones. Un boceto de varias sesiones, especialmente si se trata de un paisaje a escala real, a veces requiere varios años de trabajo. Esto suele suceder cuando el clima cambia bruscamente y durante mucho tiempo, y la condición deseada aparecerá el próximo año. Bueno, por ejemplo, escribes otoño de oro Bajo un sol radiante, aún quedan un par de sesiones, pero aquí llueve durante un mes entero, e inevitablemente tendremos que venir a este lugar el año que viene.
De este modo, un boceto es una obra a escala real, una obra de arte terminada en la que el pintor dedicó bastante trabajo, es decir, en el lenguaje cotidiano, una pintura al óleo terminada es relativamente talla grande.
Por supuesto, también hay bocetos sin terminar, pero un cuadro de varios metros de tamaño también puede estar sin terminar. Entonces, como vemos, la idea de los críticos de arte respetados de que un boceto es ciertamente algo inacabado y de valor artístico insignificante, que, lamentablemente, se nos ha arraigado firmemente en la cabeza, y lo que se refleja, lamentablemente, incluso en los diccionarios. , hoy hace tiempo que no tiene el más mínimo fundamento.
BOSQUEJO
Un boceto se diferencia de un boceto en que siempre se realiza únicamente como preparación para una pintura temática de gran tamaño ( composición de varias figuras sobre un tema específico. "La mañana de la ejecución de Streltsy" de Surikov, por ejemplo). La integridad no siempre está presente en el boceto y, en este caso, tiene el carácter de un boceto. Comparemos dos bocetos con grandes trabajos La artista soviética Claudia Tutevol. En el primer caso, el boceto lo hizo uno mismo, como material de trabajo (Boceto de un panel para el pabellón espacial en VDNKh)
En el segundo caso (Bosquejo del techo del Teatro de Ópera y Ballet Abay de Almaty), el boceto se hizo para la aprobación del consejo artístico, como lo demuestran las firmas y sellos en las partes inferior y superior izquierda del boceto. Por lo tanto, está completamente terminado y acabado, sin bocetos, es decir. Aquí no huele a negligencia ni a trabajo inacabado. En arquitectura, por ejemplo, éste sería un modelo de la estructura arquitectónica correspondiente.
Un boceto para una pintura puede ser una imagen completamente terminada, e incluso cuidadosamente dibujada o dibujada, de una mano, pierna, oreja, rostro, figura o cabeza de una persona, caballo, perro, otros animales o incluso un tractor, camión, cualquier objeto, o una prenda de vestir, todo lo que actualmente interesa al pintor, en general, cualquier cosa que pueda incluirse en el futuro cuadro grande artista. Además, todo esto a veces puede caber en el mismo lienzo, cartón o tablero prensado.
Estos bocetos, a veces inacabados, ejecutados descuidadamente y apresuradamente, también se denominan bocetos, es decir, lo que el artista, en el proceso de concebir una gran composición de múltiples figuras, "dibuja" en una hoja de papel, cartón, lienzo, etc.
Además, también se llaman bocetos bocetos rápidos realizados por el artista de forma espontánea, bajo la influencia del momento. Un ejemplo es el boceto de V.G. Gremitskikh "Away" 25,5x17 papel, lápiz; Década de 1940.
V.G. Gremitskikh "Away" papel, lápiz; 25,5x17; década de 1940 |
Como vemos, el artista, en el primer papel de regalo que tuvo a mano, sólo para él, esbozó con un simple lápiz, aparentemente también se había topado con una escena de género que estaba observando.
Pero el artista moscovita Igor Radoman pintó a mi padre descansando en una cama en algún lugar de la casa de artistas "Dacha Académica":
Artistas de todo tipo, numerosos en tiempo soviético En las reuniones y reuniones en general, nos aburríamos constantemente y nos divertíamos haciéndonos bocetos a lápiz unos de otros. Tengo muchos bocetos similares en mi colección de varios artistas.
Un boceto se puede hacer no sólo con lápiz, sino también con óleo, sanguina, pastel, carboncillo, bolígrafo y cualquier cosa, incluso con bolígrafo, porque un verdadero artista no puede vivir ni un minuto sin su profesión. Para los artistas realistas, esto es simplemente una especie de manía profesional al nivel de un reflejo condicionado, que requiere un entrenamiento constante, una mejora de habilidades, lo que, de hecho, distingue a un verdadero artista que dedica toda su vida al arte todos los días y cada hora. , de los llamados artistas "modernos" y de vanguardia que No es necesario poder hacer nada y, por lo tanto, no se requiere formación: no hay habilidad, no hay nada que perfeccionar, solo pintar cuadrados y ¡triangulos!
Por cierto, un boceto, dependiendo del tiempo que tenga el artista para realizarlo, puede convertirse en un dibujo completamente terminado. Aquí tenemos un completamente terminado. retrato infantil a lápiz “Volodya jugando” del pintor de Murom Vasily Vasilyevich Serov, pero aun así, ¡esto es un boceto!
Los bocetos son una ayuda en el proceso de trabajo del artista a gran escala. imagen temática. Los bocetos se realizan no solo al óleo, sino también a carboncillo o lápiz, témpera, etc. Además, el boceto puede contener todo el futuro grande. pintura de varias figuras artista.
Como ejemplo, podemos citar dos bocetos para un gran cuadro temático “Comandantes Guerra civil"del artista soviético Grigory Gordon, que es un retrato grupal de los comandantes rojos más famosos de la Guerra Civil.
Al principio, el pintor decidió simplemente alinearlos todos sobre el fondo de una pancarta roja,
pero entonces esta composición le pareció aburrida y decidió complicarla un poco:
Como vemos, en este caso los bocetos fueron realizados al temple, y además, a pesar de lo abocetado de ambas obras, es decir. Lo incompleto y el aparente descuido en la ejecución, todos los héroes del futuro panorama general son bastante reconocibles. Vemos claramente a Voroshilov, Budyonny, Shchors, Frunze, Chapaev, Parkhomenko, etc.
Y aquí hay un boceto del gran cuadro temático "El arresto de Alexander Ulyanov" del ya mencionado artista de Murom V.V. Serova:
Por supuesto, lo más probable es que el resultado difiera del plan original. Un verdadero artista, por regla general, Cosa nueva No puedo sacármelo de la cabeza. Está constantemente ahondando en el tema que le interesa. Lo piensa, cambia de opinión, observa mucho, lee literatura relevante. Si el futuro cuadro temático contiene un paisaje, se escriben los correspondientes bocetos de la naturaleza, que posteriormente, generalmente en una forma ligeramente modificada, se transfieren al cuadro. A veces, los detalles individuales de varios bocetos a gran escala se transfieren a la vez a una imagen más grande.
Sin embargo, un boceto a escala real, a diferencia de un boceto y un boceto, es una obra, como ya hemos visto, independiente y necesariamente completamente terminada. Aquí tienes un ejemplo vívido. Después de recibir un encargo para un gran cuadro temático “Lenin y Gorky en Gorki”, mi padre viajó muchas veces especialmente en la primavera de 1952 a Leninskie Gorki, cerca de Moscú, y pintó allí dos grandes bocetos, ambos sobre lienzo. Primero, “Gorki. Primavera. lienzo, óleo; 60x80cm",
y luego - “En Gorki Leninsky, óleo sobre lienzo; 78,5x57cm."
Posteriormente, en el gran cuadro final, mi padre tomó como base el segundo boceto, retrocedió un poco los escalones y colocó frente a ellos a Máximo Gorki hablando con Lenin. Del boceto “Gorki. Primavera." tomó el estado anterior de la naturaleza en el fondo, reduciendo significativamente el paisaje en sí con un mirador en comparación con figuras centrales. Sin embargo, ambos bocetos, cada uno en sí mismo, representan un paisaje de parque independiente y completamente terminado, que no se diferencia de otros numerosos paisajes naturales de mi padre. Si no hubiera contado esta historia aquí, incluso si hubieras sido crítico de arte tres veces, nunca habrías adivinado que ambas obras se utilizaron para crear una pintura de realismo socialista, ¿verdad? Entonces, ¿cómo podemos decir que los bocetos no tienen un carácter completo y un significado artístico independiente? (Recuerde la definición en Wikipedia).
Una gran pintura temática de múltiples figuras requiere un trabajo enorme y prolongado, la presencia cantidad inmensa bocetos y estudios. Se pinta exclusivamente en el estudio, a menudo durante muchos años. Tomemos al menos A. A. Ivanov con su una imagen enorme"La aparición de Cristo al pueblo", en la que el artista trabajó durante veinte años, de 1837 a 1857, o Vasily Surikov, que trabajó en cada una de sus pinturas durante tres a cinco años.
¿CUÁL ES LA DIFERENCIA entre la IMAGEN y el ESTUDIO?
El boceto, siendo independiente y completamente terminado. un trabajo de arte, se diferencia de una pintura principalmente en que está pintada del natural. El cuadro está pintado exclusivamente en el estudio a partir de una gran cantidad de material: estudios, bocetos, bocetos, bocetos a lápiz y fotografías. A veces hay que estudiar un gran número de literatura y publicaciones periódicas, mientras que la trama, es decir, el tema de la imagen, la inventa el propio artista o la dicta el cliente. Y lo que es más importante, la pintura siempre encarna la INTENCIÓN PRELIMINAR DEL ARTISTA, mientras que el boceto SE ESCRIBE PRINCIPALMENTE DE FORMA ESPONTÁNEA: el artista toma el cuaderno de bocetos y va a buscar un motivo, es decir. el tipo que escribirá. Donde lo vio, se detuvo allí y escribió.
Los estudios escritos específicamente para la creación de grandes pinturas temáticas no son una excepción. En el caso del que hablé anteriormente, mi padre primero encontró un mirador en Leninsky Gorki, decidió que pondría a Lenin y Gorky frente a él, y solo entonces pintó dos bocetos de la vida con este mirador.
Básicamente se puede decir que todo lo que está escrito de la vida es un boceto, ya sea paisaje, naturaleza muerta o retrato, y todo lo que requiera un plan previo, un trabajo a largo plazo con numerosos y variados materiales preparatorios- Esto es una foto .
Definitivamente, una pintura puede considerarse un lienzo que hace época, de tamaño grande y, a veces, simplemente enorme. Existió tal artista Henryk Ippolitovich Semiradsky. Así que pintó cuadros tan grandes que en el estudio colgaban del techo y llegaban hasta el suelo, y, fíjate, esto no sucedió en un Jruschov. Por lo tanto, el académico y profesor de la Academia Imperial de las Artes tenía que subir escaleras constantemente, a veces tenía obras tan enormes. En G.I. Semiradsky tenía en su mayoría grandes pinturas de fantasía. temas antiguos, cuyas tramas se quitó de la cabeza, porque vida real Antigua Grecia Naturalmente, no pudo observar Roma durante la época del emperador Nerón con sus propios ojos.
Sin embargo, la pintura puede tener un tamaño bastante modesto, especialmente en el caso de pinturas de género, es decir, pinturas de artistas que representan escenas cotidianas. Por ejemplo, el famoso "El casamentero de un mayor" de Pavel Fedotov tiene un tamaño de boceto bastante grande: solo 58,3x75 cm. Pero, como comprenderá, claramente no fue pintado del natural directamente en la sala de estar de un comerciante.
Una imagen histórica en general es algo exclusivamente de fantasía. Los dos hermanos Vasnetsov, por ejemplo, escribieron sobre material histórico, pero muy diferente. Uno recreó la vida y la arquitectura de Moscú en los siglos XIV y Siglos XVII, el otro tomó a los rusos como base cuentos populares y epopeyas. Pero si Apolinar, en serio, nivel científico, que se dedicaba a la historia y la arqueología, era miembro de varias sociedades históricas y arqueológicas, era un apasionado partidario de la difusión del conocimiento de la historia, se esforzaba por recrear la vida y las vistas del Moscú medieval "tal como era" sobre la base de documentos antiguos y resultados de excavaciones arqueológicas, en las que en ocasiones participó personalmente, las pinturas de su hermano mayor, Víctor, ya eran de carácter puramente fantástico.
Las pinturas de batalla entran en la misma categoría. Pintarlos del natural directamente en el campo de batalla, como imaginan algunas damas de la historia del arte, es simplemente ridículo. El famoso pintor de batallas ruso V.V. Vereshchagin, que observó personalmente muchas batallas y, a veces, incluso participó directamente en ellas, pintó sus cuadros únicamente de memoria, naturalmente en el estudio, basándose en numerosos bocetos que hizo en los teatros de operaciones militares. Además, Vasily Vasilyevich leyó mucho, entrevistó a testigos presenciales, gastó mucho dinero en accesorios: compró armas, uniformes y equipos, que luego dibujó de la vida real, preparando así bocetos para las pinturas que tenía en mente.
Los grandes cuadros que representan paisajes tampoco son cosas reales, sino que fueron inventados por el artista a partir de su imaginación y hechos a partir de bocetos de la naturaleza. Una vez vi un boceto, de aproximadamente 60 por 80 cm de tamaño, en cuya base I.I. Shishkin pintó su famoso cuadro de gran tamaño "Centeno", que ya medía 107 por 187 cm. El boceto estaba sobre lienzo y representaba todo igual que en la imagen, solo que el camino no iba directamente desde el espectador a los pinos, sino un poco de lado y. el número de pinos era diferente. En este caso, el boceto del natural sirvió claramente de base para crear un gran cuadro con un paisaje, pero en sí mismo representa una obra completamente terminada y cuidadosamente elaborada.
Así, podemos hablar no sólo de un boceto de una pintura, sino también de un boceto de una pintura, si el boceto está escrito específicamente para ello. La mayoría de las veces se trata del paisaje. Si I.I. Shishkin se limitó al boceto mencionado anteriormente y, por alguna razón, no escribió una obra a gran escala basada en él, ahora los críticos de arte lo harían. Galería Tretiakov se jactó del cuadro de I.I. Shishkina “Rye” 60x80 cm, sin sospechar que se trata de un boceto a escala real.
RESUMEN:
Una pintura, a diferencia de un boceto, requiere necesariamente un plan preliminar por parte del artista, un pensamiento a largo plazo y siempre se distingue por una ejecución cuidadosa y un acabado, por así decirlo, escrito. Un cuadro de cualquier tamaño siempre es pintado por el artista en el estudio a partir de una amplia variedad de materiales: fotografías, bocetos preparatorios y bocetos y, si es necesario, a partir de bocetos preescritos de la naturaleza. Un cuadro, incluso uno pequeño, y mucho menos uno grande, siempre no se pinta al aire libre, incluso si se trata de un paisaje (¡intenta llevar un coloso así contigo a un campo o bosque!), sino en el estudio del artista. Un cuadro de gran tamaño ciertamente está pintado sobre lienzo, lo que se debe únicamente a la excepcional comodidad de los lienzos de gran tamaño para su transporte.
Una pintura temática, como sugiere el propio término, es una pintura sobre un tema específico. La mayoría de las veces se trata de una gran composición de varias figuras. Este término ya apareció en la historia del arte soviético, por lo que se aplica con mayor frecuencia a obras del llamado realismo socialista, por ejemplo, sobre el tema de la Civil, Great guerra patriótica, o, digamos, “Lenin en octubre”. Dado que el tamaño de estas obras suele ser simplemente enorme, el artista naturalmente trabaja en un cuadro de este tipo en su estudio y lo pinta sobre lienzo. “Los cosacos escriben una carta. al sultán turco" ES DECIR. Repin, cuyo tamaño es de 2,03 por 3,58 metros, en principio también se puede llamar una pintura temática, aunque realismo socialista allí no hay olor. También fue escrito por Ilya Efimovich en el taller sobre la base de muchos bocetos y bocetos, así como, por ejemplo, "Barge Haulers on the Volga" (1,31 por 2,81 m).
Pintura de género: el nombre proviene de Palabra francesa"género" es trabajo generalmente
Pequeño pieza de conversación Se puede realizar no solo sobre lienzo, sino también sobre cartón o tableros prensados. Este material comenzó a difundirse ampliamente ya en el siglo XX.
También existe un concepto como retrato de género. Un retrato es simplemente un retrato de una persona sobre un fondo neutro, pero cuando hay un fondo que representa objetos, personas o incluso un paisaje industrial que sugiere al espectador, por ejemplo, la ocupación de la persona retratada, entonces esto es Ya es un retrato de género. Un ejemplo es el género retrato femenino “Veterana”. trabajo de minero"obras de la artista soviética Klavdia Aleksandrovna Tutevol, ya mencionadas aquí:
Un boceto, como dijimos anteriormente, es un trabajo independiente y completamente terminado, pero ciertamente del natural. Es una obra de arte completamente independiente, pero también puede actuar como material auxiliar para un cuadro de gran tamaño del artista, lo que en ningún caso resta valor artístico. Puede ser una naturaleza muerta, un retrato, un paisaje, un interior. El boceto, debido a su tamaño relativamente pequeño, está pintado sobre todos los materiales anteriores, pero lo principal en él, por supuesto, es la calidad del trabajo del pintor, su capacidad para construir una composición en una naturaleza muerta, reflejar la carácter del modelo en un retrato, transmiten la emoción o la paz del mar, el frío bosque de invierno, la belleza de una puesta de sol, la belleza de un otoño dorado o el ambiente primaveral de la naturaleza en el paisaje.
Un boceto es un trabajo auxiliar, su finalidad es dejar constancia de la idea de la futura composición.
imagen temática. Como ejemplo, tomemos un boceto para el cuadro "Tierras vírgenes" de E. D. Ishmametov. En él, el artista desarrolló la composición y el color, los personajes, las poses de los personajes y luego pintó un gran cuadro sobre este tema. El pintor siempre piensa con mucho cuidado el boceto de un cuadro. Por lo general, un boceto se caracteriza por algún tipo de estado incompleto, incompleto. Esto se debe al hecho de que la mayoría de las veces el artista no necesita terminarlo; le queda otra tarea: desarrollar opciones de composición; pintura futura, refinamiento de su plan original. Por lo tanto, el boceto suele tener el carácter de un boceto. Pero también puede tratarse de una obra completamente acabada y cuidadosamente dibujada, sobre todo cuando el boceto está destinado a la aprobación del comité de selección, como ya hemos visto en el ejemplo del boceto del techo del teatro. Abai en Almaty por Claudia Tutevol.Un boceto, si se realiza en el proceso de trabajar en una pintura, es también un trabajo puramente auxiliar, inacabado, no dibujado en detalle.
Está escrito o dibujado rápidamente, pero el descuido buenos artistas no sucede en él. Puedes esbozar rápidamente, por ejemplo, la cabeza de un modelo, que luego se convertirá en un magnífico retrato terminado, o puedes hacer un boceto rápido de alguna figura que luego puede ser necesaria para crear la composición de una pintura grande, y el El boceto seguirá siendo un trabajo independiente, interesante para coleccionistas y aficionados. Aquí, por ejemplo, hay un boceto de V.G. "Danza" de Gremitsky:Sin embargo, como vimos anteriormente, los bocetos también pueden ser completamente independientes.
Un boceto también suele tener el carácter de un boceto, pero un boceto es esencialmente un plan para una pintura futura, su composición completa, mientras que un boceto para una pintura es bosquejo rápido algo que podría, en principio, incluirse en una futura película.
SOBRE ALGUNOS OTROS TÉRMINOS COMUNES EN PINTURA:
Una vez me sorprendió mucho saber que Staffage es “una pintura al óleo sin una representación clara de figuras de personas o animales”. De hecho, los staffage son pequeñas figuras de personas o animales, inscritas por el artista en el paisaje para revivirlo.
Otro término de pintura de paisaje- diapasón. Se trata de un punto luminoso que contrasta con el fondo general del paisaje. Por lo general, se trata de algún tipo de personal. Un ejemplo es el trabajo de un artista de Tashkent.
V.M. Kovinina " paisaje de montaña"con la figura de una niña vestida con ropa nacional de color rojo brillante.
Es extraño cuando llaman a cualquiera. pintura al óleo, incluso de tamaño pequeño, e incluso escritos en cartulina. “El lino es una tela de lino suave y densa del tejido más simple; las variedades más finas se llamaban batista, las más toscas se llamaban lienzo, lienzo, igualducto, etc.” (Wikipedia). Así, el lienzo no puede ser ni cartón ni cartón duro en relación con la pintura, es definitivamente lienzo;
En pintura, los lienzos son pinturas de enorme tamaño y, por lo general, sobre algún tema que hace época. Por lo tanto, podemos decir que del pincel de Vasily Surikov solo salieron lienzos, pero Konstantin Korovin se hizo famoso principalmente por sus bocetos. Si "La novena ola" de Aivazovsky bien se puede llamar un lienzo, entonces en relación con la pequeña obra ya mencionada "Fresh Cavalier" de Fedotov será simplemente divertido, a pesar de que también está pintada sobre lienzo.
Un poco más sobre suelos: ¿Qué es el yeso? Se trata de una imprimación especial, también a base de tiza, que se utiliza para recubrir una tabla de madera. Anteriormente en Europa Oriental A menudo se pintaban cuadros en tablas y en Rusia, iconos, y siempre. Este es un material extremadamente incómodo. En Holanda, hubo un tiempo en que las tablas se secaban durante 50 años y solo después se ponían a trabajar. Hoy en día, los artistas rara vez usan yeso, ya que la pintura, junto con una capa gruesa de imprimación, se desprende fácilmente con el tiempo o con un ligero golpe. Y los pintores de iconos modernos lo utilizan cada vez menos.
En conclusión, aquí hay algunas ilustraciones más para mayor claridad:
Obra de V.G. Gremitskikh, que se llama "Etude". Se trata esencialmente, como sugiere el nombre, de un retrato de género a escala real, de una sola sesión, de una trabajadora, pintado en su lugar de trabajo en la construcción de la central hidroeléctrica de Kuibyshev.
Y aquí hay un retrato de género del artista de Taskent Valery Kovinin:
Evidentemente no se trata de un retrato de una sola sesión; aquí el artista atormentó claramente a su colega que le sirvió de modelo, con varias sesiones, lo que se desprende tanto de la cuidadosa ejecución de la obra como de su tamaño. Pero sin embargo esto retrato masculino no una pintura, sino un boceto de la naturaleza de varias sesiones, que en modo alguno resta valor artístico.
Para probar esta última afirmación, consideremos el famoso retrato femenino “Niña iluminada por el sol”. Su prima, María Simonovich V.A. Serov pintó en la naturaleza durante todo el verano de 1888, captando cada día soleado (en los días nublados pintó el paisaje "Estanque cubierto de maleza"). Plan preliminar (dijimos arriba que tenemos Artista famoso También estuvo ausente, sólo quería, según sus palabras, “escribir algo alegre”.
Por lo tanto, aquí no se trata más que de un típico boceto de la naturaleza de varias sesiones, escrito por capricho, según un deseo que surge instantáneamente. Por suerte para P.M. Tretyakov, que adquirió esta obra, aún no sabía que “un estudio de bellas artes es un boceto preparatorio para una obra futura”. (Wikipedia) Y Valentin Serov mostró un grado extremo de falta de profesionalismo y dedicó hasta 90 días a solo dos bocetos preparatorios: ¡un retrato de una niña y un paisaje con un estanque!
Podría dar muchos más ejemplos similares, pero me temo que ya he cansado mucho al lector. Espero haber podido hacer mi modesta contribución para explicar al público en general algunos de los términos artísticos más utilizados, en los que a veces, para ser honesto, incluso los propios artistas se confunden.
Alexander Gremitskikh
Avatar: V.M. Kovinin "Al mercado dominical. Karakalpakstán". óleo sobre lienzo 98x178. 1971 (Esta es una típica imagen de género de gran tamaño)
