¿Por qué Shakespeare es humanista? Humanismo shakesperiano Humanismo renacentista

A mediados del siglo XIV, apareció en Europa una nueva corriente filosófica: el humanismo, que marcó una nueva era en el desarrollo de la sociedad humana llamada Renacimiento. La Europa medieval en aquellos días estaba bajo una pesada carga de prejuicios eclesiásticos,

Todo pensamiento libre fue brutalmente reprimido. Fue en ese momento cuando surgió en Florencia una enseñanza filosófica que nos obligaba a mirar la corona de la creación de Dios de una manera nueva.

El humanismo renacentista es un conjunto de enseñanzas que representan a una persona pensante que sabe no solo dejarse llevar, sino también la capacidad de resistir y actuar de forma independiente. Su foco principal es el interés por cada individuo, la fe en sus capacidades espirituales y físicas. Fue el humanismo del Renacimiento el que proclamó diferentes principios para la formación de la personalidad. El hombre en esta enseñanza se presenta como un creador, es un individuo.

Y no pasivo en sus pensamientos y acciones.

La nueva dirección filosófica tomó como base la cultura, el arte y la literatura antiguos, centrándose en la esencia espiritual del hombre. En la Edad Media, la ciencia y la cultura eran prerrogativa de la Iglesia, que se mostraba muy reacia a compartir sus conocimientos y logros acumulados. El humanismo renacentista levantó este velo. Primero en Italia, y luego gradualmente en toda Europa, comenzaron a formarse universidades en las que, junto con las ciencias teosóficas, comenzaron a estudiar materias seculares: matemáticas, anatomía, música y humanidades.

Los humanistas más famosos del Renacimiento italiano son: Pico della Mirandola, Dante Alighieri, Giovanni Boccaccio, Francesco Petrarca, Leonardo da Vinci, Raphael Santi y Michelangelo Buanarrotti. Inglaterra dio al mundo gigantes como William Shakespeare y Francis Bacon. Francia dio a Michel de Montaigne y François Rabelais, España a Miguel de Cervantes y Alemania a Erasmo de Rotterdam, Alberto Durero y Ulrich von Hutten. Todos estos grandes científicos, educadores y artistas cambiaron para siempre la cosmovisión y la conciencia de las personas y mostraron a una persona razonable, hermosa de alma y pensamiento. Es a ellos a quienes todas las generaciones siguientes están en deuda por el regalo de la oportunidad de mirar el mundo de otra manera.

El humanismo en el Renacimiento puso las virtudes que posee una persona al frente de todo y demostró la posibilidad de su desarrollo en una persona (por sí solo o con la participación de mentores).

El antropocentrismo se diferencia del humanismo en que el hombre, según esta tendencia, es el centro del universo, y todo lo que se encuentra a su alrededor debe servirle. Muchos cristianos, armados de esta enseñanza, proclamaron al hombre como la criatura más elevada, al mismo tiempo que le imponían la mayor carga de responsabilidad. El antropocentrismo y el humanismo del Renacimiento difieren significativamente entre sí, por lo que es necesario poder distinguir claramente entre estos conceptos. Un antropocentrista es una persona que es consumidor. Cree que todo el mundo le debe algo, justifica la explotación y no piensa en la destrucción de la naturaleza viva. Su principio fundamental es el siguiente: una persona tiene derecho a vivir como quiera y el resto del mundo está obligado a servirle.

El antropocentrismo y el humanismo del Renacimiento fueron utilizados posteriormente por muchos filósofos y científicos, como Descartes, Leibniz, Locke, Hobbes y otros. Estas dos definiciones han sido tomadas repetidamente como base en diversas escuelas y movimientos. El más significativo, por supuesto, para todas las generaciones posteriores fue el humanismo, que en el Renacimiento sembró las semillas de la bondad, la ilustración y la razón, que todavía, varios siglos después, consideramos las más importantes para el Homo sapiens. Nosotros, los descendientes, disfrutamos hoy de los grandes logros de la literatura y el arte del Renacimiento, y la ciencia moderna se basa en muchas enseñanzas y descubrimientos que se originaron en el siglo XIV y aún existen hoy. El humanismo renacentista intentó mejorar a la persona, enseñarle a respetarse a sí misma y a los demás, y nuestra tarea es poder preservar y potenciar sus mejores principios.

Humanismo- la ideología del Renacimiento, que se desarrolló en el siglo XIV en Italia (F. Petrarca, D. Boccaccio, etc.). Los humanistas, en busca de apoyo para una nueva visión del mundo, recurren a la antigüedad y estudian las obras de pensadores antiguos. Pero esto no es sólo un retorno a los valores anteriores. El humanismo se caracteriza por una combinación del antropocentrismo antiguo ("El hombre es la medida de todas las cosas"), que se aplicaba sólo a las personas libres, con la idea medieval de igualdad que surge del teocentrismo ("Todas las personas son iguales ante Dios"). Pico de la Mirandola consideraba al hombre no sólo la medida de todas las cosas, sino un milagro de la naturaleza. Esta idea la repite el Hamlet de Shakespeare: “¡Qué milagro de la naturaleza es el hombre! ¡Cuán noblemente habla! ¡Con qué capacidades ilimitadas! ¡Qué preciso y sorprendente en composición y movimientos! ¡En acciones qué cerca de un ángel! ¡Cuán cerca de Dios en sus puntos de vista! ¡La belleza del universo! ¡La corona de todos los seres vivos!”, pero termina así: “¿Qué es para mí esta quintaesencia de polvo?” (“Hamlet”, d. 2, sc. 2, trad. B. Pasternak). Las características polares del hombre, desde la "corona de todos los seres vivos" hasta la "quintaesencia del polvo", indican que a principios del siglo XVII el concepto humanista del mundo y del hombre se encontraba en un estado de crisis. Posteriormente, la crisis se profundizó (por ejemplo, en el arte barroco, en el prerromanticismo, en el modernismo), o el humanismo revivió en nuevas formas (por ejemplo, en Corneille y Racine, en el arte de la Ilustración, en los románticos, en el realismo del siglo XX, etc.).

La glorificación del hombre en el humanismo renacentista también tuvo sus desventajas, que A. F. Losev escribió en detalle, con una gran cantidad de ejemplos, en "La estética del Renacimiento". La aparición de una galaxia de genios, titanes del pensamiento linda con el egoísmo desenfrenado, la libertad de cualquier restricción moral, la crueldad, el engaño y las atrocidades inimaginables. La otra cara del titanismo renacentista se puede juzgar a partir del famoso libro del humanista italiano Nicolás Maquiavelo "El Príncipe", que describe al gobernante ideal como una persona que, para fortalecer su poder, debe despreciar cínicamente todas las obligaciones morales, detenerse en nada, incluso si se trata de asesinato, traición, anarquía.

El maquiavelismo renacentista fue encarnado con asombrosa fuerza por W. Shakespeare en la imagen del villano rey Ricardo III y en Yago. Pero el gran dramaturgo inglés se convirtió en uno de los exponentes más profundos del lado positivo del humanismo, que triunfa en sus comedias como la victoria del amor y la inteligencia sobre las vicisitudes del destino y en sus obras posteriores como la restauración del ideal de la vida humana. . En las tragedias de Shakespeare, el humanismo trágico encontró su máxima expresión, la capacidad de una persona de sacrificar su vida por el bien de los más elevados valores humanistas. Sus héroes pueden cometer errores (Otelo, El Rey Lear, Macbeth), pero el autor no se equivoca, convirtiéndose en un maestro del mundo en la comprensión de la esencia humana, en la descripción del hombre como el valor más elevado.

En el mundo artístico de las primeras tragedias de Shakespeare, también surgió una visión renacentista del mundo y del hombre: la base de las trágicas colisiones sigue siendo simplemente la falta de comprensión por parte de los héroes de Shakespeare de que el hombre es bello en casi todas sus manifestaciones. Aquí está la tragedia "Romeo y Julieta" (1595): aquí el hermoso amor de los jóvenes Romeo Montague y Julieta Capuleto, provenientes de dos familias en guerra, se convierte en víctima de la enemistad de los padres. Esta enemistad disminuye o estalla: los sirvientes de los Capuleto solo piensan en cómo provocar legalmente a los sirvientes Montesco a una pelea, una pelea entre sirvientes se convierte en una pelea entre sobrinos, y luego los propios padres de familia respetables agarran espadas y se lanzan a una pelea. pelear, retenidos por sus esposas.

Y es natural que el amor de los jóvenes herederos de dos familias en guerra no pueda dejar de ser percibido por los padres de familia con odio y horror. Pero para colmo, ni Romeo ni Julieta pueden mantenerse alejados de la vida de sus familias. Y así, Romeo, en una pelea, mata al hermano de Julieta, Teobaldo, y la signora Capuleto, la madre de Julieta, exige la ejecución de Romeo. Y en el alma de Julieta, el sentimiento de amor y deber hacia su familia lucha. Julieta se casó en secreto con Romeo. Pero luego descubre que su Romeo se convirtió en el asesino de su hermano:

JULIETA ¿Debo condenar a mi marido? Oh, pobre mío, ¿quién te perdonará, si yo, tu esposa de tres horas, no te perdoné? ¿Pero por qué, villano, mataste a mi hermano? ¡Pero mi hermano mataría vilmente a mi marido! Mi marido está vivo; Tebaldo lo habría matado; Teobaldo muere... o él mismo se convertiría en un asesino...

Este desarrollo de la trama es típico de varias tragedias griegas y, más tarde, de tragedias escritas en las tradiciones del clasicismo (siglos XXVII-XVIII), por ejemplo, de la famosa tragedia de P. Corneille "El Cid". Pero la tragedia clásica afirmó claramente la prioridad del deber sobre el sentimiento, y el personaje principal de, digamos, “Sid” de Cornel, como venganza por la bofetada infligida a su padre, mata al padre de su amada Ximena, quien, en A su vez, obedeciendo su deber para con su padre, exige la ejecución de su amante, aunque al mismo tiempo comprende que su amante no podría haber actuado de otra manera.

Shakespeare, en su tragedia, lejos de desacreditar el concepto de deber, al mismo tiempo rehabilita el sentimiento humano. Romeo y Julieta finalmente mueren, y la culpa de esto a los ojos del público no recae en los propios amantes, que no se atrevieron a sacrificar el amor como sacrificio del honor familiar, sino en los padres de dos familias, que sacrificaron el amor por las ambiciones familiares, e involuntariamente la vida de sus hijos. Y el "héroe positivo" de la tragedia, el duque de Verona, al final se dirige a los padres de las familias en guerra:

¿Dónde están los enemigos: los Montesco, los Capuleto? El flagelo del cielo os castiga por el odio, privándoos de la felicidad con el poder del amor.

Al final, los padres de las dos familias se reconcilian y Montague promete erigir una estatua dorada de Julieta y, en respuesta, escucha las palabras de Capuleto:

Erigiré una estatua de Romeo cerca: después de todo, la discordia nos arruinó a ambos.

El humanismo de Shakespeare antes de 1600 es el humanismo del Renacimiento, un humanismo basado en la afirmación de la belleza ilimitada de una persona libre y activa que se ha liberado de las cadenas de la abnegación medieval. Incluso las trágicas colisiones en el mundo artístico de las crónicas y tragedias de los primeros tiempos de Shakespeare son acontecimientos aleatorios en un mundo gobernado por una providencia inteligente o son consecuencia de prejuicios medievales que todavía encadenan a la gente (“Romeo y Julieta”), pero ciertamente no una consecuencia de la depravación de la propia naturaleza humana.

El humanismo de Shakespeare después de 1600 Se trata de un humanismo trágico, lleno de desilusión por la naturaleza humana, que cobró vida gracias a una reevaluación de los ideales del Renacimiento. A partir de ahora, Shakespeare da cada vez más preferencia al género de la tragedia, y la base de las colisiones trágicas es, por regla general, la depravación humana. Ahora es la propia persona la que hace insoportable su propia vida; El mundo de Shakespeare se convierte en una cadena interminable de engaños traicioneros y masacres sangrientas; Ahora bien, en el mundo artístico de las obras de Shakespeare siempre hay un motivo de imperfección inherente a la vida terrenal, un sentimiento de algún tipo de desorden trágico.

Ya en la tragedia "Hamlet" (1601) se manifestó claramente el humanismo trágico de la nueva visión de la vida de Shakespeare. La tragedia fue escrita sobre el material de una leyenda danesa del siglo XIII, y ya se habían hecho varias adaptaciones de esta trama antes de Shakespeare, pero estas adaptaciones, por regla general, se reducían a un esquema simple: la sed de venganza por un padre envenenado e imitación de la locura para lograr este objetivo. Pero Shakespeare utilizó la trama de una famosa leyenda para crear una tragedia con el contenido filosófico más profundo.

Así, Hamlet de Shakespeare, el Príncipe de Dinamarca, regresa a Dinamarca desde Wittenberg, donde estudió en la universidad, conmocionado por dos acontecimientos trágicos: la muerte de su padre y el hecho de que su madre, la reina Gertrudis, “no había desgastado el zapatos con los que siguió el ataúd”, se volvió a casar. Ante los ojos del joven universitario Hamlet, el mundo se derrumba:

¡Oh Dios, la bestia, privada de razón, se aburriría más tiempo! - casada con un tío que no se parece a mi padre más de lo que yo me parezco a Hércules. ¡Un mes después! Además, la sal de sus lágrimas deshonestas no desapareció de sus párpados enrojecidos cuando se casó. Prisa repugnante: ¡cómo precipitarse al lecho del incesto! No hay ni puede haber ningún bien en esto.

El hechizo del fantasma de Shakespeare ya imprimió los rasgos de la ética humanista del Renacimiento. Incluso la antigua tradición permitía que cualquier persona se sintiera arrastrada a la órbita de la venganza, incluso la madre del vengador. Se puede recordar a este respecto la tragedia de Sófocles “Electra” y la tragedia de Eurípides del mismo nombre. En el mundo artístico de estas tragedias, la venganza de Orestes y Electra sobre su madre fue santificada por la voluntad divina. Eurípides, que decidió ir mucho más allá que Sófocles en el camino de una interpretación no canónica y poco convencional de la trama, ya Se atrevió a dudar de que esta venganza sea un bien inequívoco”, para mostrar las dudas y vacilaciones de Orestes, que no quiere esta venganza, la percibe como una trágica necesidad.

Y, sin embargo, también en el mundo de Eurípides, la justicia humana de Orestes, que no quiere vengarse, choca con la presión de la voluntad divina, que es inflexible: ¡vengarse!

En cuanto a “Hamlet” de Shakespeare, aquí el propio fantasma del asesinado pone el límite a la venganza: “No te manches, no conspires contra tu madre”. Por supuesto, esto también puede explicarse por el hecho de que el grado de culpa de la reina Gertrudis de Shakespeare era menor que el grado de culpa de Clitemnestra de Sófocles y Eurípides (y antes también de Esquilo), respectivamente. Pero el fantasma de Shakespeare no presta mucha atención al grado de culpabilidad de la reina Gertrudis. El mismo hecho de que advierta a Hamlet que no se vengue de su madre, es decir, sugiere la posibilidad misma de tal venganza, indica que el acto de Gertrudis (casarse con el asesino de su marido, aunque sin participación directa en el asesinato), de acuerdo con el estándares morales de la era de Shakespeare, comparables al crimen de Claudio, un asesino y usurpador del trono.

Las mismas palabras del fantasma, el énfasis mismo en las palabras "a tu madre" sugieren que la cuestión es, en primer lugar, que Gertrudis es la madre de Hamlet, condenada a la venganza. Por tanto, la madre es inviolable. Sólo hay un objeto de venganza indicado para Hamlet: este es Claudio.

Hamlet ahora debe cumplir el testamento póstumo de su padre, y él mismo considera una vergüenza no vengar el crimen. Pero Hamlet tiene una propiedad que finalmente lo convirtió en un nombre familiar: es incapaz de actuar sin razonar; antes de hacer cualquier cosa, debe saber la verdad completa.

Y así Hamlet, sin confiar completamente en que el fantasma de su padre haya aparecido realmente, decide comprobar si Claudio es realmente un asesino: para ello, incluso contrata actores para representar una obra de teatro ante la familia real, durante la cual se debería cometer un asesinato. ocurren, similar al cometido por Claudio, y la reina-esposa del asesinado, según la trama, debe llevarse bien con el asesino; Al mismo tiempo, Hamlet, sin confiar del todo en sí mismo, le pregunta a su amigo Horacio.

El humanismo de Shakespeare El humanismo renacentista

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William Shakespeare -humanista, dramaturgo y hombre del Renacimiento

450 años desde el día de nacimiento William Shakespeare

Nadie ha superado a Shakespeare como dramaturgo. El papel de Hamlet, creado en el siglo XVI, es algo con lo que todos los actores sueñan, como los atletas sueñan con una medalla de oro en los Juegos Olímpicos. Las obras de Shakespeare todavía se representan, los estudios cinematográficos hacen películas basadas en sus obras y, independientemente de si los personajes están vestidos con trajes históricos o modernos, todos los diálogos y pensamientos suenan muy relevantes. ¿Qué explica el fenómeno de Shakespeare como poeta y dramaturgo? En primer lugar, porque ya entonces, durante el Renacimiento, tocó los valores humanos universales. Literalmente "explotó" el drama de esa época, cuando mostró el mundo interior del hombre en el escenario, convirtiendo tramas edificantes y ridículas en obras inmortales. William Shakespeare fue un humanista. Trasladó al escenario los ideales del Renacimiento, donde lo principal era el hombre, su capacidad de amar y la fuerza de su personalidad. Hay diferente información sobre su biografía. En varias ocasiones se lanzaron campañas “anti-Shakespeare”, en las que se cuestionaba su autoría. Pero esto sólo subraya la importancia de su obra.
William Shakespeare nació en la familia de un artesano y comerciante, que en un momento fue alcalde de la ciudad. A los 11 años ingresó en una escuela primaria, donde se enseñaba gramática, lógica, retórica y latín. Este fue el final de la formación de Shakespeare. En la comedia Como gustéis (1599), Shakespeare comparte sus recuerdos escolares: “un colegial llorón con una mochila, con la cara rubicucha, de mala gana, como un caracol, arrastrándose hacia la escuela”. Poco se sabe sobre la juventud de Shakespeare: en 1582 se casó con Anne Hathaway, que era ocho años mayor que su marido, en 1583 tuvieron una hija, Susan, y en 1585, gemelos: su hijo Hamnet y su hija Judith.
En 1585, Shakespeare abandonó su ciudad natal. Desde finales de la década de 1580. - actor de la compañía real, desde 1594 - accionista y actor de la compañía "Lord Chamberlain's Men", con la que estuvo asociado a lo largo de su vida creativa. Shakespeare y sus camaradas fundaron el Globe Theatre (1596), donde se representaron casi todas sus obras. La bandera, que fue izada sobre el edificio del teatro antes de la función, representaba a Hércules sosteniendo un globo en sus manos y tenía escrita en latín: “El mundo entero está actuando” (un dicho del escritor romano Petronio). El edificio circular, de 25 m de diámetro, tenía techo sólo en una parte del escenario, alrededor había cuatro galerías para los espectadores y los espectadores también podían permanecer de pie delante del escenario. Casi no había escenografía: la decoración principal de la actuación fueron los disfraces. Por falta de espacio, en el pequeño escenario sólo cabían 12 actores. La actuación estuvo acompañada de música interpretada por una pequeña orquesta. Al final de la actuación a menudo representaban una pequeña farsa humorística con cantos y bailes. El público era muy diferente: desde plebeyos hasta señores de alta cuna. El Globus empleó actores permanentes, lo que permitió mantener la alta calidad de las representaciones escénicas. Los papeles femeninos fueron desempeñados por hombres jóvenes. Después del ascenso al trono de Jaime I (1603), no hay información sobre las actuaciones de Shakespeare en el escenario, pero continuó escribiendo obras de teatro para su compañía, que a partir de ese momento se llamó la compañía del rey.
En 1612, Shakespeare, sin explicar nada a nadie, regresó a Stratford-upon-Avon y, como si nada hubiera pasado, continuó su tranquila vida familiar con su esposa Anne. En ese momento ya era un hombre bastante rico y con un título nobiliario. El motivo del cese inesperado de una carrera tan exitosa como dramaturgo y la salida de la capital fue, aparentemente, una enfermedad. En marzo de 1616, Shakespeare redacta y firma un testamento, que posteriormente causará tanta confusión sobre su identidad, autoría y se convertirá en el motivo de lo que se llamará la “cuestión shakesperiana”. En general, se acepta que Shakespeare murió el mismo día de su nacimiento, el 23 de abril. Dos días después, se produjo el entierro en el altar de la Iglesia de la Santísima Trinidad en las afueras de Stratford, en cuyo registro quedó registrado.
La importancia global de la obra de Shakespeare se explica por el hecho de que en una acción escénica fascinante y dinámica, con grandes trazos, creó toda una galería de imágenes vívidas y memorables. Entre ellos se encuentran personajes poderosos que van directo a la meta, dotados de fuertes pasiones, y tipos propensos a reflexiones y vacilaciones constantes, sabios y burladores, criminales y simplones, amigos valientes y traidores astutos. Tanto los personajes principales como muchos de los personajes secundarios de Shakespeare se han convertido en nombres muy conocidos: Hamlet, Ofelia, Lady Macbeth, Otelo, Desdémona, Yago, El Rey Lear, Romeo y Julieta, Falstaff. Shakespeare, con sus pensamientos, temas, motivos e imágenes, impulsó la creación de numerosas obras de literatura, pintura, escultura, música; Sus obras más significativas han sido filmadas varias veces.
La obra de Shakespeare constituye toda una era en el desarrollo del drama mundial. Shakespeare alcanzó la mayor profundidad de su época al representar grandes contradicciones históricas, la lucha entre lo viejo y lo nuevo. Por ello, sus obras no pierden su agudeza y siempre son percibidas por lectores y espectadores con gran interés y emoción.

Obras de W. Shakespeare disponibles en la biblioteca del distrito.
Selecciones de las mejores traducciones de poetas rusos famosos [Texto] /trans. con B. Pasternak, M. Kuzmin, I. Evsa. – M.: Eksmo, 2009. – 352 p.: enfermo. – (Clásicos mundiales)
Hamlet, Príncipe de Dinamarca [Texto]: tragedias / trad. De inglés B. Pasternak. – San Petersburgo: IG “ABC-Classics”, 2009. – 224 p.
Dramas históricos [Texto] / trans. De inglés – L.: Lenizdat, 1990. – 767 págs.: enfermo.
A su gusto. Compás por compás [Texto]: reproducciones / trans. De inglés T. Shchepkina-Kupernik. – M.: LLC “Editorial AST”, 2003. – 315 p.
Comedia [Texto] / trans. De inglés – M.: Eksmo, 2010. – 576 p. – (Clásicos extranjeros)
Comedias, crónicas, tragedias [Texto]: en 2 volúmenes / trans. De inglés ; entrara. Arte. y comentar. D. Urnova. – M.: Artista. iluminado., 1989. – T.1. – 783 págs.; T.2 - 670 p.
Rey Lear. Mucho ruido y pocas nueces. El sueño de una noche de verano [Texto] / trans. De inglés TL Shchepkina-Kupérnik. – M.: Profizdat, 2005. – 416 p. – (Obras maestras literarias)
Letra [Texto]. – M.: Eksmo, 2009. – 480 p. – (Biblioteca Mundial de Poesía)
Medida por medida. Rey Lear [Texto]: obras de teatro / trans. De inglés prefacio O. Urracas. – M.: Izvestia, 1990. – 256 p.
Romeo y Julieta [Texto]: tragedias / trad. De inglés B. Pasternak. – M.: Eksmo, 2012. – 192 p.
Sonetos [Texto] / trans. De inglés S.Ya. Marshak. – San Petersburgo: IG Azbuka-classics, 2009. – 224 p.
Tragedias [Texto] / trans. De inglés – M.: Eksmo, 2010. – 704 p. - (clásicos extranjeros)

Es interesante que casi al mismo tiempo en Inglaterra, donde ya se había establecido la condición de Estado nacional y se había establecido un poder centralizado, William Shakespeare (1564-1616), el mayor humanista del Renacimiento tardío, comprendió artísticamente la inconsistencia y la tragedia de lo ya relaciones establecidas “hombre-sociedad-estado”.

En las tragedias de Shakespeare ("El rey Lear", "Macbeth", etc.), obviamente o no, siempre hay un cosmos natural, que tiene un significado completamente opuesto al de Montaigne. Este espacio refleja un vago sentimiento de que por encima de la vida personal, la conciencia de una persona "natural", hay algún otro mundo que todo lo determina, dentro del cual actúan los héroes. Este mundo de voluntad transpersonal es la esfera de las relaciones socio-estatales que subordinan completamente a la persona "natural" a los estándares del Estado y la convierten en un "estadista".

La solución para los héroes de Shakespeare es que sus vidas se desarrollan en dos niveles: personal ("individualidad natural") y nacional (socio-civil). Sin embargo, los héroes no distinguen entre estos mundos: su subjetividad sacude los cimientos del mundo, incluso si actúan dentro del círculo de sus propios motivos "naturales". El “núcleo” de las tragedias de Shakespeare se esconde en la unidad contradictoria de lo individual y lo nacional. Por ejemplo, en Otelo, el mundo personal del héroe está envuelto en un velo de fuerzas cósmicas sobrehumanas. Otelo, que ha cometido el crimen, empieza a sentir que “ahora la luna y el sol quedarán completamente eclipsados, la tierra temblará de horror”. Esta serie figurativa pone en escena lo anónimo, social y estatal que invade el destino del héroe.

Otelo es una imagen brillantemente adivinada de una persona que reside en la unidad (aparentemente) consistente de su propia naturalidad y socialidad, “estadidad, ciudadanía”. Otelo es una persona “natural” (esto se ve reforzado por el hecho de que es moro), que tiene derecho a amar, odiar, ser tierno y defender los insultos personales. Al mismo tiempo, está dotado de un "conjunto" de ciertos derechos y responsabilidades. Las normas de dos esferas de la vida chocaron en su alma y murió. Filosofía. Tutorial. I. M. Nevlev. Editorial "Literatura empresarial rusa", 2006, p.92

La escena del asesinato de Desdémona está lejos del clímax de la tragedia, ya que a veces se presenta en mal teatro. La tragedia está en la escena del suicidio. Después de descubrir que Desdémona es inocente, Otelo aún tiene fuerzas de espíritu para vivir, y exige a quienes lo rodean que no le impidan salir libremente. Sin embargo, todo se derrumba cuando Otelo escucha que la república lo está privando de su honor, que está prisionero y privado del poder. Ya es imposible vivir. No podía soportar el deshonor del Estado. Otelo no muere como el asesino de su esposa (después de todo, "actuó por honor"), sino como un hombre que, en defensa de su honor personal, perdió el honor de un ciudadano. Permanecer en dos esferas de la vida ética es la fuente y la fuerza de lo trágico en el destino de Otelo.

Al final del Renacimiento, Shakespeare mostró la discordia existente entre la vida personal "natural" y la social. Y al mismo tiempo demostró que nadie puede cortar la conexión interna entre estas dos esferas de la vida de una misma persona: la muerte es inevitable. ¿Pero cómo vivir entonces? El hombre resulta ser un personaje en busca de autor.