El poder mágico del arte: la imagen artística. "El poder mágico del arte

Se han dedicado muchas palabras a denotar o ilustrar el notorio poder de lo que llamamos arte, en nuestro caso literatura. Buscan las raíces de esta influencia, revisan los detalles técnicos de la letra (que, por supuesto, es importante), construyen teorías, inventan modelos, luchan con escuelas y opiniones de autoridades, invocan a los espíritus de deidades antiguas y pidiendo ayuda a nuevos expertos... Pero cómo sucede esto sigue siendo completamente incomprensible.

Más precisamente, existe una ciencia llamada crítica literaria, existe una teoría actual de la lectura, existe una hipótesis sobre diferentes formas la psicoactividad de la persona que escribe, así como de la persona que lee, pero de alguna manera no llegan al punto principal. Me parece que si llegáramos allí, la solución a este enigma, al igual que el descubrimiento de la física nuclear, cambiaría nuestra comprensión de nosotros mismos en cuestión de años.

Y sólo los teóricos más "extraños" saben que el poder del arte radica en el hecho de que no palea la experiencia de una persona de abajo hacia arriba, sino que, por así decirlo, la completa sin entrar en conflicto con ella y transforma milagrosamente esta experiencia. , que muchos consideraban basura poco necesaria, pero completamente inutilizable, en nuevos conocimientos, si se quiere, en sabiduría.

VENTANA A LA SABIDURÍA

Cuando estaba planeando escribir este libro y le dije a un editor que lo conocía, se sorprendió mucho: “¿Por qué”, me preguntó, “crees que escribir una novela es la única salida? Es mejor dejarles leer libros, es mucho más fácil”. A su manera, por supuesto, tenía razón.

La lectura, por supuesto, es más sencilla, fácil y divertida. En realidad, eso es lo que hace la gente: lee y encuentra en el mundo de Scarlett y Holmes, Frodo y Conan, Brugnon y los Turbin todas las experiencias, ideas, consuelos y soluciones parciales a problemas que son importantes para ellos.

Sí, leí el libro, experimentas lo mismo que el autor. ¡Pero sólo diez o veinte veces más débil!

Y reconociendo que la lectura es una herramienta muy poderosa, ¿tratamos todavía de imaginar qué podemos lograr si nosotros mismos desarrollamos la partitura de la famosa “meditación”? ¿Y luego “arreglamos” todo nosotros mismos, como es habitual en estos casos? Por supuesto, sin perder de vista que lo estamos haciendo en total concordancia con nuestras propias ideas, profundamente PERSONALES, sobre el problema....

¿Te imaginaste? Sí, también me cuesta imaginar, apenas adivinar, el efecto que un libro bien organizado y bien escrito puede tener en el autor. Soy novelista, conocedor de textos y gente que trabaja profesionalmente con libros, tengo que admitir que no sé cómo, por qué y en qué medida sucede esto. Pero puedo dar fe de que funciona con una potencia asombrosa, que a veces cambia radicalmente el ser del autor.

Por supuesto, todo es un poco más complicado de lo que estoy retratando aquí. No hay diferencia entre novela y novela, y también hay diferencia entre autor y autor. A veces, entre los escritores te encuentras con "rábanos" que simplemente te sorprenden, pero escriben como un ruiseñor: ¡fácilmente, en voz alta, convincente y hermosa! La cuestión, probablemente, es que sin novelas serían aún peores, cometerían malas acciones o se convertirían en personas absolutamente infelices, haciendo infelices a sus familiares y amigos.

En cualquier caso, sostengo que la novela, la escritura misma de esta monografía aparentemente completamente opcional, sirve como un medio para cambiar la personalidad del autor, atrayendo la propiedad más rara de la variabilidad psicológica, o más bien, la creatividad metamórfica. Porque es una especie de ventana a la verdad, abierta hacia uno mismo. Y cómo usaremos esta herramienta, qué veremos en la ventana, qué sabiduría podremos obtener como resultado, esto, como dicen, Dios lo sabe. Toda la vida se basa en el hecho de que cada uno es responsable de sí mismo, ¿no es así?

Composición

Composición

poder mágico arte

El arte enriquece nuestras vidas. Y uno de sus tipos, la literatura, nos encuentra al comienzo mismo del viaje de nuestra vida y permanece para siempre. El libro, como padres cariñosos, nos educa y enseña. Al leer cuentos de hadas cuando somos niños, aprendemos a distinguir el bien del mal, la verdad de la mentira, la virtud de la mezquindad.

La literatura te enseña a sentir, comprender y empatizar. Al fin y al cabo, cada libro nos hace pensar en lo que el autor quería transmitir con su obra. ¿Qué pensamiento puso en su creación? Al conocer nuevos personajes, comprender sus sentimientos y pensamientos, comenzamos a comprender mejor a las personas que nos rodean y, lo más importante, a nosotros mismos. No en vano muchas grandes figuras culturales y científicas, en momentos de excitación emocional, tomaron en sus manos ficción. Encontraron paz y satisfacción en ello. Los libros pueden ayudarte a encontrar el adecuado camino de la vida, buscando lo que a menudo nos confundimos.

Pero estas no son todas las ventajas de la literatura. Gracias a ella aprendimos muchas cosas necesarias y información útil. Por ejemplo, se han conservado muy pocas fuentes sobre la campaña del príncipe Igor, y la obra literaria "La historia de la campaña de Igor" arrojó luz sobre muchos hechos desconocidos.

Al describir la vida y las costumbres de su siglo, el escritor nos ayuda a formarnos una imagen de la época.

El libro puede incluso influir en el curso de la vida real del lector. Por ejemplo, después de leer la historia de Sholokhov "El destino de un hombre", muchas personas cuyas vidas eran similares al destino del héroe de esta obra se animaron y encontraron la fuerza para seguir viviendo.

creo que ese es el punto gran poder arte de la literatura.

¿Cuál es el poder mágico del arte? ¿Qué papel juega en la vida de una persona? ¿Es cierto que el arte refleja el alma de un pueblo? El autor del texto propuesto para el análisis, el escritor V. Konetsky, intenta dar respuesta a estas y otras preguntas. Por ejemplo, al reflexionar sobre la singularidad de la pintura rusa, llama la atención sobre el trabajo de artistas como Savrasov, Levitan, Serov, Korovin, Kustodiev. “Estos nombres esconden no sólo la eterna alegría de vivir en el arte. Es la alegría rusa la que se esconde, con toda su ternura, modestia y profundidad. Y así como una canción rusa es sencilla, la pintura también lo es”, señala el autor. Destaca que la obra de estos artistas refleja la cosmovisión de nuestro pueblo, su capacidad de disfrutar la belleza. naturaleza nativa, la capacidad de apreciar su sencillez y sencillez, de encontrar la armonía donde otros no la sienten.

El arte para una persona es también una especie de salvavidas, porque no es solo un medio de autoexpresión, sino también una fuerza que nos conecta con la historia y la cultura. país de origen, no te permite olvidar su inmensidad, recordando una y otra vez a todos lo hermosa que es Rusia. V. Konetsky considera que esta propiedad del arte genuino es muy importante, porque ayuda a las personas a darse cuenta de su participación en su historia, su gente, su Patria: “En nuestro siglo, los artistas no deben olvidarse de una simple función del arte: despertar y iluminar en un miembro de la tribu un sentido de patria ".

Las obras de pintura, literatura, música también tienen un papel muy importante que no se puede ignorar. En resumen, el escritor expresa confianza: “El arte es arte cuando evoca en una persona un sentimiento de felicidad, aunque sea fugaz”.

Estoy de acuerdo con el punto de vista del autor: el verdadero arte siempre encontrará la manera de tocar los hilos de nuestra alma, de llegar hasta el corazón más duro. Puede levantar de rodillas a una persona que ha perdido la esperanza e incluso salvarle la vida.

Así, el arte revivió el deseo de vivir en el héroe de la novela épica de L. Tolstoi "Guerra y paz". Nikolai Rostov, perdiendo ante Dolokhov en las cartas una cantidad grande, Simplemente no vi una salida a esta situación. La deuda de juego debe ser pagada, pero tal mucho dinero el joven oficial no tenía uno. En esta situación, quizás tenía la única opción para el desarrollo de los acontecimientos: el suicidio. El héroe de la novela se distrajo de sus oscuros pensamientos con la voz de su hermana. Natasha estaba aprendiendo una nueva aria. En ese momento, Nikolai, encantado por la música, encantado por la belleza de la voz de Natasha, se olvidó de los problemas que hace apenas un minuto le parecían insolubles. Escuchó el canto y sólo le preocupaba si la chica alcanzaría la nota más alta. Su suave voz y el encanto de la mágica melodía devolvieron la vida a Nikolai: el héroe se dio cuenta de que, además de la adversidad y la tristeza, hay belleza y felicidad en el mundo, y para ellos vale la pena vivir. ¡Esto es lo que hace el verdadero arte!

También salvó a Sue, la heroína del cuento de O'Henry "La última hoja". La niña, que enfermó de neumonía, perdió por completo la esperanza de recuperarse. Al ver caer la hiedra fuera de la ventana, decide que morirá cuando caiga de su rama. última página DE ACUERDO. Un viejo vecino, el artista Berman, al enterarse de sus intenciones por medio de un amigo de la heroína, decide engañar al destino. Por la noche, durante la fría lluvia otoñal y viento fuerte, él crea el suyo propio imagen principal, una auténtica obra maestra: dibuja una pequeña hoja de hiedra pared de ladrillo casas de enfrente. Por la mañana, Sue ve cómo la última hoja valiente luchó valientemente contra la tormenta durante toda la noche. La niña también decide recomponerse y creer en la vida. Se está recuperando gracias al poder del amor que puso en su trabajo. viejo artista, y por tanto, gracias al art. Esto es lo que le da la oportunidad de seguir viviendo, creer en sí misma y ser feliz.

Por tanto, el arte juega un papel vital en nuestras vidas. Te brinda la oportunidad de expresar tus sentimientos y pensamientos, une a una variedad de personas y te ayuda a vivir.

Preparación efectiva para el Examen Estatal Unificado (todas las materias) -

Una obra de arte puede captar la atención del espectador, lector u oyente de dos maneras. Uno está determinado por la pregunta "qué", el otro por la pregunta "cómo".

"Qué" es el objeto que se representa en la obra, un fenómeno, evento, tema, material, es decir, lo que se llama el contenido de la obra. Cuando estamos hablando acerca de sobre cosas que interesan a una persona, esto naturalmente genera en ella el deseo de ahondar en el significado de lo dicho. Sin embargo, una obra rica en contenido no tiene por qué ser necesariamente una obra de arte. Las obras filosóficas, científicas y sociopolíticas no pueden ser menos interesantes que las artísticas. Pero su tarea no es crear imágenes artísticas (aunque a veces recurran a ellas). Si una obra de arte atrae el interés de una persona únicamente por su contenido, entonces en este caso sus méritos artísticos (de la obra) pasan a un segundo plano. Entonces, incluso una representación menos artística de lo que es de vital importancia para una persona puede herir profundamente sus sentimientos. Con un gusto poco exigente, una persona puede estar completamente satisfecha con esto. Un gran interés por los hechos descritos permite a los amantes de las novelas policíacas o eróticas vivir emocionalmente estos hechos en su imaginación, a pesar de la ineptitud de su descripción, los estereotipos o la miseria de los medios artísticos utilizados en la obra.

Es cierto que en este caso las imágenes artísticas resultan ser primitivas, estándar, que estimulan débilmente el pensamiento independiente del espectador o lector y dan lugar sólo a complejos de emociones más o menos estereotipados.

Otra forma relacionada con la pregunta “cómo” es la forma de una obra de arte, es decir, las formas y medios de organizar y presentar el contenido. Aquí es donde acecha el “poder mágico del arte”, que procesa, transforma y presenta el contenido de la obra para que se materialice en imágenes artísticas. El material o tema de una obra en sí no puede ser artístico ni de no ficción. Una imagen artística se compone del material que constituye el contenido de una obra de arte, pero se forma sólo gracias a la forma con la que se reviste este material.

Consideremos características imagen artística.

La característica más importante de una imagen artística es que expresa una actitud emocional y basada en valores hacia el objeto. El conocimiento sobre un objeto sirve sólo como fondo sobre el cual emergen las experiencias asociadas con ese objeto.

I. Ehrenburg en el libro "Gente, años, vida" habla de su conversación con el pintor francés Matisse. Matisse pidió a Lydia, su asistente, que le trajera una escultura de un elefante. Vi, escribe Ehrenburg, una escultura negra, muy expresiva; el escultor talló en madera un elefante enojado. “¿Te gusta?”, preguntó Matisse. Yo respondí: “Mucho”. - “¿Y nada te molesta?” - “No”. - "Yo también. Pero entonces llegó un europeo, un misionero, y empezó a enseñarle al negro: “¿Por qué los elefantes tienen los colmillos levantados?” Un elefante puede levantar su trompa, pero sus colmillos pueden levantar sus dientes, no se mueven. “El negro escuchó…” Matisse volvió a gritar: “Lydia, por favor trae otro elefante”. Riendo con picardía, me mostró una figura similar a las que se venden en los grandes almacenes europeos: "Los colmillos están en su lugar, pero el arte se acabó. El escultor africano, por supuesto, pecó contra la verdad: no representó al elefante tal como es". realmente lo es Pero si hiciera una copia escultórica anatómicamente precisa del animal, es poco probable que la persona que la mira pudiera experimentar, experimentar, "sentir" la impresión de la vista de un elefante enojado. En un frenesí, su trompa está levantada, todo está en un movimiento violento, levantado. Los colmillos, la parte más amenazadora de su cuerpo, parecen dispuestos a caer sobre la víctima moviéndolos de su posición normal, el escultor crea. una tensión emocional en el espectador, que es señal de que. imagen artística da lugar a una respuesta en su alma.

Del ejemplo considerado se desprende claramente que una imagen artística no es solo una imagen como resultado del reflejo de objetos externos que surgen en la psique. Su propósito no es reflejar la realidad tal como es, sino evocar alma humana experiencias asociadas con su percepción. No siempre es fácil para el espectador expresar con palabras lo que está viviendo. Al mirar una figura africana, esto puede ser una impresión del poder, la furia y la furia de un elefante, una sensación de peligro, etc. Gente diferente lo mismo se puede percibir y experimentar de manera diferente. Mucho depende aquí de las características subjetivas del individuo, de su carácter, puntos de vista y valores. Pero, en cualquier caso, una obra de arte puede evocar experiencias en una persona sólo cuando incluye su imaginación en la obra. Un artista no puede hacer que una persona experimente ciertos sentimientos simplemente nombrándolos. Si simplemente nos dice que debemos tener tales o cuales sentimientos y estados de ánimo, o incluso los describe en detalle, entonces es poco probable que los tengamos. Él excita experiencias por medios modelados. lenguaje artístico las razones que les dieron origen, es decir, revestir estas razones con algún tipo de forma de arte. Una imagen artística es un modelo de la causa que da lugar a las emociones. Si el modelo de la causa "funciona", es decir, la imagen artística se percibe y recrea en la imaginación humana, entonces también aparecen las consecuencias de esta causa: emociones evocadas "artificialmente". Y entonces ocurre un milagro del arte: su poder mágico encanta a una persona y la lleva a otra vida, a un mundo creado para él por un poeta, escultor y cantante. “Miguel Ángel y Shakespeare, Goya y Balzac, Rodin y Dostoievski crearon modelos de causas sensoriales que son casi más impresionantes que los que la vida nos presenta. Por eso se les llama grandes maestros”.

Una imagen artística es una “llave de oro” que pone en marcha el mecanismo de la experiencia. Al recrear con el poder de su imaginación lo que se presenta en una obra de arte, el espectador, lector, oyente se convierte, en mayor o menor medida, en “coautor” de la imagen artística contenida en ella.

En el arte "objetivo" (bellas) - pintura, escultura, representación dramática, película, novela o cuento, etc. - una imagen artística se construye sobre la base de una imagen, una descripción de algunos fenómenos que existen (o se presentan como existentes). ) en mundo real. Las emociones que evoca una imagen tan artística son dobles. Por un lado, se relacionan con el contenido de la imagen artística y expresan la valoración que hace una persona de aquellas realidades (objetos, objetos, fenómenos de la realidad) que se reflejan en la imagen. Por otro lado, se refieren a la forma en que se materializa el contenido de la imagen, y expresan una valoración de los méritos artísticos de la obra. Las emociones del primer tipo son sentimientos evocados “artificialmente” que reproducen experiencias. eventos reales y fenómenos. Las emociones del segundo tipo se llaman estéticas. Están asociados con la satisfacción de las necesidades estéticas humanas: la necesidad de valores como la belleza, la armonía y la proporcionalidad. La actitud estética es “una evaluación emocional de cómo se organiza, construye, expresa y encarna mediante la forma”. Este contenido, y no el contenido en sí."

Una imagen artística es esencialmente no tanto un reflejo de los fenómenos de la realidad como una expresión de ellos. percepcion humana, experiencias asociadas a ellos, actitud emocional y valorativa hacia ellos.

Pero, ¿por qué la gente necesita emociones evocadas artificialmente, nacidas en el proceso de percepción de imágenes artísticas? ¿No tienen suficientes experiencias asociadas con su vida real? Hasta cierto punto esto es cierto. Una vida monótona y monótona puede provocar “hambre emocional”. Y luego la persona siente la necesidad de algunas fuentes adicionales de emociones. Esta necesidad los empuja a buscar " emociones"en el juego, en la búsqueda deliberada del riesgo, en la creación voluntaria de situaciones peligrosas.

El arte brinda a las personas la oportunidad de tener “vidas extra” en los mundos imaginarios de las imágenes artísticas.

“El arte “transfirió” a una persona al pasado y al futuro, la “reasentó” en otros países, permitió que una persona “reencarnara” en otra, se convirtiera por un tiempo en Espartaco y César, Romeo y Macbeth, Cristo y el demonio, incluso Colmillo Blanco y El patito feo; convirtió a un adulto en un niño y en un anciano, permitió que todos sintieran y supieran lo que nunca podrían comprender y experimentar en su vida real”.

Las emociones que las obras de arte evocan en una persona no sólo hacen que su percepción de las imágenes artísticas sea más profunda y emocionante. Como lo muestra V.M. Allahverdov, las emociones son señales que vienen del área del inconsciente a la esfera de la conciencia. Señalan si la información recibida refuerza el "modelo del mundo" que se ha desarrollado en las profundidades del subconsciente o, por el contrario, revela su carácter incompleto, inexacto e inconsistente. Al "moverse" al mundo de las imágenes artísticas y experimentar "vidas adicionales" en él, una persona recibe amplias oportunidades comprobar y aclarar el “modelo del mundo” que se ha desarrollado en su cabeza en base a su estrecha experiencia personal. Las señales emocionales rompen el "cinturón protector" de la conciencia y alientan a la persona a darse cuenta y cambiar sus actitudes previamente inconscientes.

Por eso las emociones que evoca el juego artístico papel importante en la vida de las personas. Las experiencias emocionales de “vidas extra” conducen a la expansión perspectiva cultural personalidad, enriqueciéndola experiencia espiritual y mejorar su actual “modelo del mundo”.

A menudo escuchamos cómo la gente, al mirar un cuadro, admira su parecido con la realidad (“¡La manzana es como una verdadera!”; “¡En el retrato está como si estuviera viva!”). Está muy extendida la opinión de que el arte, al menos el arte "objetivo", radica en la capacidad de lograr similitud entre una imagen y lo representado. Incluso en la antigüedad, esta opinión formó la base de la "teoría de la imitación" (en griego, mimesis), según la cual el arte es una imitación de la realidad. Desde este punto de vista, ideal estético debe haber la máxima similitud entre la imagen artística y el objeto. EN antigua leyenda griega El público quedó encantado con el artista que pintó un arbusto con bayas tan parecidas que los pájaros acudían en masa para deleitarse con ellas. Y dos mil quinientos años después, se sospechaba que Rodin había logrado una verosimilitud asombrosa al cubrir con yeso a un hombre desnudo, hacer una copia de él y hacerlo pasar por una escultura.

Pero una imagen artística, como se desprende de lo anterior, no puede ser simplemente una copia de la realidad. Por supuesto, un escritor o artista que se propone representar cualquier fenómeno de la realidad debe hacerlo de tal manera que los lectores y espectadores puedan al menos reconocerlo. Pero el parecido con lo representado no es en absoluto la principal ventaja de una imagen artística.

Goethe dijo una vez que si un artista dibuja un caniche muy parecido, entonces uno puede alegrarse de la aparición de otro perro, pero no de una obra de arte. Y Gorky sobre uno de sus retratos, que era diferente. precisión fotográfica, dígalo de esta manera: “Este no es mi retrato. Este es un retrato de mi piel." Fotografías, moldes de manos y rostro, figuras de cera están diseñados para copiar los originales con la mayor precisión posible.

Sin embargo, la precisión no las convierte en obras de arte. Además, el carácter emocional de la imagen artística, como ya se ha demostrado, presupone un alejamiento de la objetividad desapasionada en la representación de la realidad.

Las imágenes artísticas son modelos mentales de los fenómenos, y la similitud de un modelo con el objeto que reproduce es siempre relativa: cualquier modelo debe ser diferente de su original, de lo contrario sería simplemente un segundo original y no un modelo. "El dominio artístico de la realidad no pretende ser la realidad misma; esto distingue al arte de los trucos ilusionistas diseñados para engañar a la vista y al oído".

Al percibir una obra de arte, parecemos “dejar de lado el hecho de que la imagen artística que porta no coincide con la original. Aceptamos la imagen como si fuera la encarnación de un objeto real, “aceptamos” no prestar atención a su “carácter falso”. Esta es la convención artística.

La convención artística es una suposición conscientemente aceptada en la que una causa de experiencia “irreal” creada por el arte se vuelve capaz de causar experiencias que se sienten “como reales”, aunque seamos conscientes de que son de origen artificial. “Derramaré lágrimas por la ficción”: así expresó Pushkin el efecto convención artística.

Cuando obra de arte Da lugar a algunas emociones en una persona, él no solo las experimenta, sino que también comprende su origen artificial. Comprender su origen artificial les ayuda a encontrar alivio en la reflexión. Esto permitió a L.S. Vygotsky dijo: “Las emociones del arte son emociones inteligentes". La conexión con la comprensión y la reflexión distingue las emociones artísticas de las emociones provocadas por circunstancias de la vida real.

V. Nabokov en sus conferencias sobre literatura dice: “De hecho, toda la literatura es ficción. Todo arte es un engaño... El mundo de cualquier escritor importante es un mundo de fantasía con su propia lógica, sus propias convenciones...” El artista nos engaña y nosotros voluntariamente sucumbimos al engaño. Por expresión filósofo francés y el escritor J.-P. Sartre, el poeta miente para decir la verdad, es decir, para suscitar una experiencia sincera y veraz. El destacado director A. Tairov dijo en broma que el teatro es una mentira elevada a sistema: “La entrada que compra el espectador es un acuerdo simbólico de engaño: el teatro se compromete a engañar al espectador; espectador, real buen espectador, se compromete a sucumbir al engaño y a ser engañado... Pero el engaño del arte se hace realidad gracias a la autenticidad de los sentimientos humanos”.

Existen varios tipos de convenciones artísticas, entre ellas:

"denota" - separa una obra de arte de ambiente. Esta tarea la cumplen las condiciones que determinan el área de percepción artística: el escenario de un teatro, el pedestal de una escultura, el marco de un cuadro;

“compensador”: introduce en el contexto de la imagen artística la idea de sus elementos que no están representados en la obra de arte. Dado que la imagen no coincide con el original, su percepción siempre requiere conjeturas en la imaginación de lo que el artista no pudo mostrar o deliberadamente no dijo.

Ésta es, por ejemplo, la convención espacio-temporal en la pintura. La percepción de la pintura supone que el espectador imagina mentalmente la tercera dimensión, que se expresa convencionalmente mediante la perspectiva en un plano, dibuja en su mente un árbol cortado por el borde del lienzo, introduce el paso del tiempo en la imagen estática y , respectivamente, cambios temporales que se transmiten en la pintura utilizando algún tipo de fondos convencionales;

“acentuar”: enfatiza, realza y exagera elementos emocionalmente significativos de la imagen artística.

Los pintores suelen conseguirlo exagerando el tamaño del objeto. Modigliani pinta mujeres con ojos anormalmente grandes que se extienden más allá de sus rostros. En el cuadro de Surikov "Ménshikov en Berezovo", la increíblemente enorme figura de Ménshikov crea la impresión de la escala y el poder de esta figura, la primera " mano derecha» Petra;

“complementario”: aumentar la variedad de medios simbólicos del lenguaje artístico. Este tipo de convención es especialmente importante en el arte "no objetivo", donde se crea una imagen artística sin recurrir a la representación de ningún objeto. Los medios simbólicos no figurativos a veces no son suficientes para construir una imagen artística, y la convención “complementaria” amplía su alcance.

Entonces, en Ballet clásico Los movimientos y posturas, naturalmente asociados con experiencias emocionales, se complementan con medios simbólicos convencionales para expresar ciertos sentimientos y estados. En este tipo de música, los medios adicionales son, por ejemplo, ritmos y melodías que dan sabor nacional o recuerdan acontecimientos históricos.

El símbolo representa clase especial firmar. El uso de cualquier signo como símbolo nos permite, a través de la imagen de una cosa concreta e individual ( apariencia símbolo) para transmitir pensamientos que son de naturaleza general y abstracta ( significado profundo personaje).

Recurrir a los símbolos abre amplias posibilidades para el arte. Con su ayuda, una obra de arte puede llenarse de contenidos ideológicos que van mucho más allá de los situaciones especificas y los acontecimientos que se describen directamente en él. Por tanto, el arte, como sistema de modelado secundario, utiliza ampliamente una variedad de símbolos. En los lenguajes del arte, los medios simbólicos se utilizan no sólo en su significado directo, sino también para "codificar" significados simbólicos profundos y "secundarios".

Desde un punto de vista semiótico, una imagen artística es un texto que contiene información estéticamente rica y emocionalmente rica. Mediante el uso del lenguaje simbólico, esta información se presenta en dos niveles. En el primero, se expresa directamente en el "tejido" sensualmente percibido de la imagen artística: en la apariencia de personas, acciones y objetos específicos que se muestran en esta imagen. En el segundo, se debe obtener penetrando en significado simbolico imagen artística, a través de la interpretación mental de su contenido ideológico. Por tanto, una imagen artística lleva consigo no sólo emociones, sino también pensamientos. Impacto emocional Una imagen artística está determinada por la impresión que nos deja tanto la información que recibimos en el primer nivel, a través de la percepción de la descripción de fenómenos específicos que se nos da directamente, como la información que captamos en el segundo nivel. a través de la interpretación del simbolismo de la imagen. Por supuesto, comprender el simbolismo requiere un esfuerzo intelectual adicional. Pero esto realza significativamente las impresiones emocionales que nos causan las imágenes artísticas.

El contenido simbólico de las imágenes artísticas puede ser de muy distinta naturaleza. Pero siempre está presente hasta cierto punto. Por tanto, una imagen artística no puede reducirse a lo que en ella se representa. Siempre nos “cuenta” no sólo de esto, sino también de algo más que va más allá del objeto específico, visible y audible que en él se representa.

En el cuento de hadas ruso, Baba Yaga no es sólo una anciana fea, sino imagen simbólica de la muerte. La cúpula bizantina de la iglesia no es sólo forma arquitectónica techos y el símbolo firmamento. El abrigo de Gogol de Akaki Akakievich no es solo ropa, sino una imagen simbólica de la inutilidad de los sueños de un hombre pobre de una vida mejor.

El simbolismo de una imagen artística puede basarse, en primer lugar, en las leyes de la psique humana.

Así, la percepción del color por parte de las personas tiene una modalidad emocional asociada a las condiciones bajo las cuales se suele observar un determinado color en la práctica. El color rojo (el color de la sangre, el fuego, las frutas maduras) despierta una sensación de peligro, actividad, atracción erótica y el deseo de las bendiciones de la vida. El verde, el color de la hierba y el follaje, simboliza el crecimiento de la vitalidad, la protección, la confiabilidad y la tranquilidad. El negro se percibe como ausencia. colores brillantes la vida, recuerda la oscuridad, el misterio, el sufrimiento, la muerte. El violeta oscuro, una mezcla de negro y rojo, evoca un estado de ánimo pesado y sombrío.

Los investigadores de la percepción del color, con algunas diferencias en la interpretación de los colores individuales, llegan, básicamente, a conclusiones similares sobre su impacto psicológico. Según Frieling y Auer, los colores se caracterizan de la siguiente manera.

En segundo lugar, una imagen artística puede construirse a partir de un simbolismo históricamente establecido en una cultura.

En el curso de la historia resultó que color verde se convirtió en el color del estandarte del Islam, y artistas europeos, que representa una neblina verdosa detrás de los sarracenos que se oponen a los cruzados, señalando simbólicamente al que yace en la distancia. mundo musulmán. EN pintura china El color verde simboliza la primavera, y en la tradición cristiana a veces actúa como un símbolo de estupidez y pecaminosidad (el místico sueco Swedishberg dice que los tontos en el infierno tienen ojos verdes; una de las vidrieras de la catedral de Chartres muestra un hombre de piel verde y verde). -Satanás de ojos).

Otro ejemplo. Escribimos de izquierda a derecha y el movimiento en esa dirección parece normal. Cuando Surikov representa a la noble Morozova en un trineo que viaja de derecha a izquierda, su movimiento en esta dirección simboliza una protesta contra las actitudes sociales aceptadas. Además, en el mapa está el oeste a la izquierda y el este a la derecha. Por tanto, en las películas sobre guerra patriótica Generalmente el enemigo avanza desde la izquierda, y tropas soviéticas- a la derecha.

En tercer lugar, al crear una imagen artística, el autor puede darle un significado simbólico basado en sus propias asociaciones, que a veces iluminan inesperadamente cosas familiares desde una nueva perspectiva.

La descripción del contacto de los cables eléctricos se convierte aquí en una reflexión filosófica sobre la síntesis (¡no sólo “plexo”!) de los opuestos, sobre la coexistencia muerta (como sucede en vida familiar sin amor) y el destello de la vida en el momento de la muerte. Las imágenes artísticas nacidas del arte suelen ser generalmente aceptadas. simbolos culturales, una especie de estándares para evaluar los fenómenos de la realidad. El título del libro de Gogol "Dead Souls" es simbólico. Manilov y Sobakevich, Plyushkin y Korobochka: todo esto " almas muertas" Los símbolos fueron Tatyana de Pushkin, Chatsky de Griboyedov, Famusov, Molchalin, Oblomov y Oblomovismo de Goncharov, Judushka Golovlev de Saltykov-Shchedrin, Ivan Denisovich de Solzhenitsyn y muchos otros héroes literarios. Sin el conocimiento de los símbolos que ingresaron a la cultura desde el arte del pasado, a menudo es difícil comprender el contenido. obras modernas arte. El arte está completamente impregnado de asociaciones históricas y culturales, y quienes no las notan a menudo encuentran inaccesible el simbolismo de las imágenes artísticas.

El simbolismo de una imagen artística se puede crear y capturar tanto a nivel de conciencia como de forma subconsciente, "intuitiva". Sin embargo, en cualquier caso hay que entenderlo. Esto significa que la percepción de una imagen artística no se limita sólo a una experiencia emocional, sino que también requiere comprensión y comprensión. Además, cuando el intelecto entra en juego a la hora de percibir una imagen artística, éste potencia y amplía el efecto de la carga emocional inherente a ella. Las emociones artísticas que experimenta una persona que comprende el arte son emociones asociadas orgánicamente con el pensamiento. Aquí, en un aspecto más, se justifica la tesis de Vygotsky: “las emociones del arte son emociones inteligentes”.

También cabe agregar que en obras literarias contenido ideológico se expresa no solo en el simbolismo de las imágenes artísticas, sino también directamente en boca de los personajes, en los comentarios del autor, expandiéndose a veces a capítulos enteros con contenido científico y reflexiones filosóficas(Tolstoi en Guerra y paz, T. Mann en La montaña mágica). Esto demuestra aún más que es imposible reducir percepción artística exclusivamente para influir en la esfera de las emociones. El arte requiere tanto de los creadores como de los consumidores de su creatividad no sólo experiencias emocionales, sino también esfuerzos intelectuales.

Cualquier signo, dado que su significado puede ser fijado arbitrariamente por una persona, puede ser portador. diferentes significados. Esto también se aplica a los signos verbales: las palabras. Como lo muestra V.M. Allahverdov, “es imposible enumerar todos los significados posibles de una palabra, porque el significado de esta palabra, como cualquier otro signo, puede ser cualquier cosa. La elección del significado depende de la conciencia que percibe esta palabra. Pero “la arbitrariedad de la relación signo-significado” no significa imprevisibilidad. Significado una vez dado esta señal, debe seguir firmemente adherido a este signo si se preserva el contexto de su aparición”. Así, el contexto en el que se utiliza nos ayuda a comprender qué significa un signo.

Cuando nos proponemos comunicar conocimientos sobre un tema a otro, intentamos asegurarnos de que el contenido de nuestro mensaje se comprenda sin ambigüedades. En ciencia, para ello se introducen reglas estrictas que determinan el significado de los conceptos utilizados y las condiciones para su aplicación. El contexto no permite ir más allá de estas reglas. Se da a entender que la conclusión se basa únicamente en la lógica y no en las emociones. Se excluyen de la consideración todos los matices secundarios de significado no especificados en las definiciones. Un libro de texto sobre geometría o química debe presentar hechos, hipótesis y conclusiones de tal manera que todos los estudiantes que lo estudien perciban su contenido sin ambigüedades y en total conformidad con las intenciones del autor. De lo contrario, tendremos un mal libro de texto. La situación es diferente en el art. Aquí, como ya se mencionó, la tarea principal no es transmitir información sobre algunos objetos, sino influir en los sentimientos, despertar emociones, por lo que el artista busca medios simbólicos que sean efectivos en este sentido. Juega con estos medios, conectando esos matices asociativos y esquivos de su significado que quedan fuera de las definiciones lógicas estrictas y cuyo atractivo no es permisible en el contexto. Prueba cientifica. Para que una imagen artística cause impresión, despierte interés y despierte emociones, se construye con la ayuda de descripciones no estándar, comparaciones inesperadas, metáforas vívidas y alegorías.

Pero la gente es diferente. no tienen lo mismo experiencia de vida, diferentes habilidades, gustos, deseos, estados de ánimo. escritor recogiendo Medios de expresión para crear una imagen artística, parte de sus ideas sobre la fuerza y ​​​​la naturaleza de su impacto en el lector. Los utiliza y los evalúa a la luz de sus puntos de vista en un contexto cultural particular. Este contexto está relacionado con la época en la que vive el escritor. problemas sociales, que conciernen a las personas de una época determinada, con la dirección de intereses y nivel de educación del público al que se dirige el autor. Y el lector percibe estos medios en su propio contexto cultural. Varios lectores, en base a tu contexto y simplemente desde tu características individuales, pueden ver la imagen creada por el escritor a su manera.

Hoy en día la gente admira pinturas rupestres animales hechos por manos de artistas anónimos de la Edad de Piedra, pero al mirarlos, ven y experimentan algo completamente diferente de lo que vieron y experimentaron nuestros ancestros lejanos. Un no creyente puede admirar la "Trinidad" de Rublev, pero percibe este ícono de manera diferente que un creyente, y esto no significa que su percepción del ícono sea incorrecta.

Si una imagen artística evoca en el lector exactamente aquellas experiencias que el autor quería expresar, él (el lector) experimentará empatía.

Esto no significa que las experiencias e interpretaciones de las imágenes artísticas sean completamente arbitrarias y puedan ser cualquier cosa. Después de todo, surgen a partir de la imagen, surgen de ella y su carácter está determinado por esta imagen. Sin embargo, esta condicionalidad no es inequívoca. La conexión entre una imagen artística y sus interpretaciones es la misma que existe entre una causa y sus consecuencias: una misma causa puede dar lugar a muchas consecuencias, pero no a ninguna, sino sólo a las que se derivan de ella.

Existen varias interpretaciones de las imágenes de Don Juan, Hamlet, Chatsky, Oblomov y muchos otros. héroes literarios. En la novela Anna Karenina de L. Tolstoi, las imágenes de los personajes principales se describen con una viveza asombrosa. Tolstoi, como nadie, sabe cómo presentar a sus personajes al lector de tal manera que se conviertan, por así decirlo, en sus conocidos más cercanos. Parecería que la aparición de Anna Arkadyevna y su marido Alexei Alexandrovich, su tranquilidad de espíritu, revelado a nosotros hasta lo más profundo. Sin embargo, los lectores pueden tener actitudes diferentes hacia ellos (y en la novela, la gente los trata de manera diferente). Algunos aprueban el comportamiento de Karenina, otros lo consideran inmoral. A algunas personas no les agrada mucho Karenin, otras lo ven como una persona extremadamente valiosa. El propio Tolstoi, a juzgar por el epígrafe de la novela (“Mía es la venganza y yo pagaré”), parece condenar a su heroína e insinuar que ella está sufriendo una justa retribución por su pecado. Pero al mismo tiempo, en esencia, con todo el subtexto de la novela, evoca compasión por ella. ¿Qué es superior: el derecho al amor o el deber conyugal? No hay una respuesta clara en la novela. Puedes simpatizar con Anna y culpar a su marido, o puedes hacer lo contrario. La elección depende del lector. Y el campo de elección no se limita sólo a dos opciones extremas: probablemente existan innumerables opciones intermedias.

Por tanto, cualquier imagen artística en toda regla es polisemántica en el sentido de que permite la existencia de muchas interpretaciones diferentes. Están, por así decirlo, potencialmente incrustados en él y revelan su contenido cuando se percibe desde diferentes puntos de vista y en diferentes contextos culturales. No empatía, sino cocreación es lo que se necesita para comprender el significado de una obra de arte y, además, una comprensión asociada a la percepción y experiencia personal, subjetiva, individual de las imágenes artísticas contenidas en la obra.

Leyenda, el ruso Charlie Chaplin, maestro de la sátira y la personificación: Arkady Raikin, un comediante, actor y director inimitable, falleció hace 30 años. Raikin fue la persona más popular en la URSS desde principios de los años 60 hasta finales de los 80. El público se aprendió instantáneamente de memoria los monólogos y miniaturas que interpretó. Y hasta el día de hoy se repiten los aforismos promulgados por Raikin. Varios autores han escrito sobre él a lo largo de los años, a veces brillantes, a veces bastante mediocres. Pero Raikin sabía cómo hacer que el texto más aburrido fuera expresivo y divertido. Al mismo tiempo, sus modales se caracterizaban bastante por la conocida moderación de San Petersburgo. Hoy en día, cuando el llamado escenario coloquial se ha convertido en un desfile de vulgaridad ejemplar, la habilidad y el gusto sutil de las actuaciones de Arkady Raikin se valoran casi más que durante la vida del actor. Raikin padre fue adorado y regañado, aceptado y prohibido, tolerado, pero citado en todo el país, tanto en reuniones en las oficinas del partido como entre la gente común. Cuando hace 30 años, el 17 de diciembre de 1987, la vida del actor se truncó, parecía que la realidad de la que se reía sin piedad se estaba desvaneciendo en la historia y el país estaba al borde de grandes cambios. Hoy, los monólogos de un artista que creía sinceramente que el arte puede mejorar la vida suenan más relevantes que nunca.

El estilo de Raikin se convirtió en la comidilla de la ciudad. Sencillo a primera vista y con principios en esencia, ridiculizó irónica, inteligente y al mismo tiempo con dureza y dureza en sus monólogos y feuilletons los vicios de la gente, el sistema y la época, denunciando a los tontos y a los tontos, la escasez de salchichas y a los jefes arribistas. la falta de nueces, la vida "a través de conexiones" y "las personas adecuadas".

Por instigación de Raikin, los jóvenes residentes de Odessa se mudaron a Leningrado y se convirtieron en artistas de su teatro: Mikhail Zhvanetsky, Roman Kartsev, Viktor Ilchenko y Lyudmila Gvozdikova. Vladimir Polyakov, Mark Azov, Viktor Ardov, Mikhail Zoshchenko, Semyon Altov, Evgeny Schwartz y muchos otros escribieron para Raikin.

Raikin, un hombre de vacaciones, nunca pidió premios, pero los recibió en su totalidad al final de su vida. A la edad de 57 años se convirtió en el Premio del Pueblo, a los 69, en el laureado. Premio Lenin, a los 70 años, héroe del trabajo socialista. Mientras tanto, en Leningrado se le consideraba un antisoviético.

Cinco años antes de su muerte, cuando las relaciones con las autoridades locales se deterioraron por completo, Raikin, con el permiso de su ferviente admirador, el secretario general Leonid Brezhnev, se mudó con el teatro a Moscú. Más tarde, el teatro pasó a llamarse "Satyricon" y, tras la muerte de Raikin padre, el trabajo de su padre fue continuado por su hijo Konstantin.

Nos conocimos en algún lugar, 1954

Una ingeniosa parodia de numerosos funcionarios soviéticos, filmada según el guión de Vladimir Polyakov. Protagonista comedia - artista Gennady Maksimov (primero el papel principal Arkady Raikin) - va con su esposa, la artista pop (Lyudmila Tselikovskaya) de vacaciones a Crimea. En el último momento, llaman a la esposa al teatro (hay que reemplazar a una actriz enferma) y la sacan del tren. Maksimov primero se queda solo y luego se queda completamente atrás del tren. En una ciudad extranjera (la estación fue filmada en Eupatoria), conoce a todo tipo de personas.

Citas: "Pensé, qué otro engaño, resultó: óptico", "En este espíritu, en este contexto", "La cultura está dentro de una persona, y si no está allí, entonces no hay boleto para Gran Teatro o no puedes comprarlo con palabras pomposas”, “¿No te molesta en absoluto esto… cómo se llama, sigo olvidando esta palabra… conciencia?”, “A veces puedes derrotar a las personas con su propia armas: por ejemplo, la indiferencia”, “Nadie salva a nadie, persecución no, tampoco hay fútbol, ​​se permite la entrada a niños menores de dieciséis años, ¡qué imagen es esta! ¡Prefiero comprar dos porciones de helado!

En el Salón Griego, 1970

Uno de los monólogos más populares escrito por Mikhail Zhvanetsky para Arkady Raikin.

Citas: “A estas mujeres les dieron dos días libres y se volvieron locas. Matan el tiempo al azar”, “Pensé en un museo como un museo. Y esto no es un museo, sino peor que un restaurante: no hay comida caliente, sólo queso y café”, “...¿Quién es Apolo?... ¿Soy yo Apolo? Él es Apolo. Bueno, déjalo ir Apolo...", "Esto pintura italiana¡decimoséptimo siglo! “No lo entiendes”, le digo, “no te estoy preguntando de dónde sacaste el cuadro, sino “¿hay un sacacorchos?”

El poder mágico del arte, 1970

Una ex alumna ayuda a una profesora anciana a rehabilitar a sus groseros vecinos en un apartamento comunal, utilizando sus propios métodos. En la película dirigida por Naum Birman, basada en el guión de Viktor Dragunsky, Raikin se interpretó a sí mismo. La película incluye tres cuentos: “Los Vengadores de 2da B”, “¡Hola, Pushkin!” y “El poder mágico del arte”.

Citas: “Lo principal en este mundo es seguir siendo humano, y contra cualquier mala educación, tarde o temprano, habrá una palanca confiable. Por ejemplo, la misma mala educación”, “¡Por ​​principios, cambiaré!”, “¿Lavar? - No nobles. Te lavarás en la cocina... Bueno, el 1 de mayo, el Año Nuevo- a la casa de baños, si te apetece, claro...", "¡El baño está bueno, profundo! ¡Y encurtiremos pepinos para el invierno! ¡Vaya!, una merienda para mi hermano…”, “No te despedimos… Ay, ¿qué te pasó? ¿Has cambiado algo en tu cara? No hay forma de que te enfermes…”, “Bueno, está bien, Condesa no…”.

Escasez, 1972

Una parodia colorida y vibrante de los vendedores de tiendas de comestibles y tiendas de segunda mano- en tiempos de escasez total Unión Soviética Los trabajadores del comercio se sentían poderosos y exitosos.

Citas: “¡Todo apunta al hecho de que todo estará en todas partes, habrá abundancia! ¿Pero será bueno?”, “Vienes a mí, ¡obtuve la escasez a través del gerente del almacén, a través del director de la tienda, a través del comerciante, a través del porche trasero!”, “Escucha, nadie lo tiene, yo lo tengo !” Lo intentaste, ¡te quedaste sin palabras!”, “¡El sabor es específico!”, “Me respetas. Te respeto. Tú y yo somos personas respetadas".

Sobre la educación, 1975

Otra miniatura famosa, dividida entre comillas. Habla de los padres, sus tipos, la moral y los psicólogos, que tienen su propio punto de vista sobre todo.

Citas: "Cada uno tiene su propia verdad", "¡Camaradas padres y camaradas, en términos generales, madres!", "Lo principal es dar a luz a un niño".