Compositor legendario. Los compositores más famosos del mundo.

Entre estas melodías hay una melodía para cualquier estado de ánimo: romántico, positivo o triste, para relajarse y no pensar en nada o, por el contrario, para ordenar los pensamientos.

twitter.com/ludovicoeinaud

El compositor y pianista italiano trabaja en la dirección del minimalismo, a menudo recurre a la música ambiental y combina hábilmente la música clásica con otros estilos musicales. Es conocido en un amplio círculo por sus composiciones atmosféricas que se han convertido en bandas sonoras de películas. Por ejemplo, probablemente reconozcas la música de la película francesa “1+1”, escrita por Einaudi.

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Glass es una de las personalidades más controvertidas en el mundo de los clásicos modernos, que es elogiado hasta el cielo o criticado hasta los nueve. Ha tocado en su propio grupo, el Philip Glass Ensemble, durante medio siglo y ha escrito música para más de 50 películas, entre ellas The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life y Fantastic Four. Las melodías del compositor minimalista estadounidense desdibujan la línea entre la música clásica y la popular.

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Autor de numerosas bandas sonoras, mejor compositor cinematográfico de 2008 según la Academia de Cine Europeo y posminimalista. Se ganó a la crítica con su primer álbum Memoryhouse, en el que la música de Richter se superponía a lecturas de poesía, y los álbumes posteriores también utilizaban prosa literaria. Además de escribir sus propias composiciones ambientales, organiza obras de clásicos: "Las cuatro estaciones" de Vivaldi encabezó las listas de música clásica de iTunes.

Este creador de música instrumental de Italia no está asociado con el cine aclamado, pero ya es conocido como compositor, virtuoso y experimentado profesor de piano. Si describirías la música de Marradi en dos palabras, serían “sensual” y “mágica”. Sus creaciones y portadas atraerán a los amantes de los clásicos retro: las notas del siglo pasado son evidentes en los motivos.

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El famoso compositor de cine creó acompañamiento musical para muchas películas y dibujos animados de taquilla, incluidos Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar y The Lion King. Su estrella está en el Paseo de la Fama de Hollywood y en su estantería se encuentran los premios Oscar, Grammy y Globos de Oro. La música de Zimmer es tan variada como estas películas, pero no importa el tono, toca la fibra sensible.

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Hisaishi es uno de los compositores japoneses más famosos y ha recibido cuatro premios de la Academia Japonesa de Cine a la mejor banda sonora. Se hizo famoso por componer la banda sonora del anime Nausicaä del Valle del Viento de Hayao Miyazaki. Si eres fanático de las obras de Studio Ghibli o de las películas de Takeshi Kitano, probablemente admiras la música de Hisaishi. Es mayoritariamente luminoso y luminoso.

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Este multiinstrumentista islandés es sólo un niño en comparación con los maestros mencionados, pero a los 30 años se había convertido en un neoclásico reconocido. Grabó acompañamiento para un ballet, ganó un premio BAFTA por la banda sonora de la serie de televisión británica "Murder on the Beach" y lanzó 10 álbumes de estudio. La música de Arnalds recuerda a un fuerte viento en una playa desierta.

yiruma.manifo.com

Las obras más famosas de Lee Ru Ma son Kiss the Rain y River Flows in You. El compositor y pianista coreano New Age escribe clásicos populares que son comprensibles para oyentes de cualquier continente, con cualquier gusto musical y educación. Sus melodías ligeras y sensuales se convirtieron para muchos en el comienzo del amor por la música de piano.

Dustin O'Halloran

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El compositor estadounidense es interesante porque no tiene educación musical, pero al mismo tiempo escribe la música más agradable y bastante popular. Las melodías de O'Halloran se han utilizado en Top Gear y en varias películas. Quizás el álbum de banda sonora más exitoso fue el del melodrama “Like Crazy”. Este compositor y pianista sabe mucho sobre el arte de dirigir y cómo crear música electrónica. Pero su campo principal son los clásicos modernos. Cacciapaglia ha grabado numerosos álbumes, tres de ellos con la Royal Philharmonic Orchestra. Su música fluye como el agua, es una excelente manera de relajarse con ella.

¿Qué otros compositores contemporáneos vale la pena escuchar?

Si te encanta la epopeya, agrega a tu lista de reproducción a Klaus Badelt, quien trabajó con Zimmer en Piratas del Caribe. Tampoco puede perderse a Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore y John Williams; deberá escribir un artículo aparte para enumerar todos sus trabajos, méritos y premios.

Para un neoclasicismo más sabroso, consulte a Nils Frahm y Sylvain Chauveau.

Si no te cansas de ello, recuerda al creador de la banda sonora de "Amelie" Yann Tiersen o descubre al compositor japonés Tammon: escribe aireadas melodías de cuento de hadas.

¿Qué música de compositores te gustan y cuáles no? ¿A quién más agregarías a esta lista?

La obra de los compositores rusos de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX es una continuación holística de las tradiciones de la escuela rusa. Al mismo tiempo, se nombró el concepto de un acercamiento a la afiliación "nacional" de tal o cual música; prácticamente no hay citas directas de melodías populares, pero la entonación base rusa, el alma rusa, permanece.

6. Alexander Nikolaevich SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Scriabin es un compositor y pianista ruso, una de las personalidades más brillantes de la cultura musical rusa y mundial. La creatividad original y profundamente poética de Scriabin se destacó como innovadora incluso en el contexto del nacimiento de muchas nuevas tendencias en el arte asociadas con los cambios en la vida pública a principios del siglo XX.
Nacido en Moscú, su madre murió temprano, su padre no pudo prestar atención a su hijo, ya que se desempeñaba como embajador en Persia. Scriabin fue criado por su tía y su abuelo y mostró talento musical desde la infancia. Al principio estudió en el cuerpo de cadetes, tomó lecciones privadas de piano y, después de graduarse del cuerpo, ingresó en el Conservatorio de Moscú, su compañero de clase fue S.V. Después de graduarse en el conservatorio, Scriabin se dedicó por completo a la música: como concertista de piano y compositor realizó giras por Europa y Rusia, pasando la mayor parte de su tiempo en el extranjero.
El pico de la creatividad compositiva de Scriabin fueron los años 1903-1908, cuando se publicaron la Tercera Sinfonía ("Poema Divino"), el "Poema del éxtasis" sinfónico, los poemas para piano "trágicos" y "satánicos", las sonatas cuarta y quinta y otras obras. liberado. "Poema del éxtasis", que consta de varias imágenes temáticas, concentró las ideas creativas de Sryabin y es su brillante obra maestra. Combina armoniosamente el amor del compositor por el poder de una gran orquesta y el sonido lírico y aireado de los instrumentos solistas. La colosal energía vital, la pasión ardiente y el poder volitivo encarnados en el "Poema del éxtasis" causan una impresión irresistible en el oyente y conservan el poder de su impacto hasta el día de hoy.
Otra obra maestra de Scriabin es "Prometeo" ("Poema de fuego"), en la que el autor actualizó por completo su lenguaje armónico, alejándose del sistema tonal tradicional, y por primera vez en la historia se suponía que esta obra iba acompañada de música en color. , pero el estreno, por motivos técnicos, se realizó sin efectos de iluminación.
El último "Misterio" inconcluso fue el plan de Scriabin, un filósofo soñador, romántico, para atraer a toda la humanidad e inspirarla a crear un nuevo orden mundial fantástico, la unión del Espíritu Universal con la Materia.

Cita de A.N. Scriabin: “Les voy a decir (a las personas) - para que... no esperen nada de la vida excepto lo que pueden crear por sí mismos... Les voy a decir que no hay nada para llorar, para que no haya pérdida, para que no tengan miedo de la desesperación, que es la única que puede dar origen al verdadero triunfo. Fuerte y poderoso es aquel que ha experimentado la desesperación y la ha vencido.

Cita sobre A.N. Scriabin: “La obra de Scriabin fue su época, expresada en sonidos, pero cuando lo temporal y transitorio encuentra su expresión en la obra de un gran artista, adquiere un significado permanente y se vuelve duradero”. G. V. Plejánov

A.N.Scriabin "Prometeo"

7. Serguéi Vasílievich Rahmáninov (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov es el compositor más grande del mundo de principios del siglo XX, un talentoso pianista y director. La imagen creativa del compositor Rachmaninoff a menudo se define con el epíteto de "el compositor más ruso", enfatizando en esta breve formulación sus méritos al unir las tradiciones musicales de las escuelas de composición de Moscú y San Petersburgo y al crear su propio estilo único. que se destaca en la cultura musical mundial.
Nacido en la provincia de Novgorod, a los cuatro años comenzó a estudiar música de la mano de su madre. Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo, después de 3 años de estudio se trasladó al Conservatorio de Moscú y se graduó con una gran medalla de oro. Rápidamente se hizo conocido como director y pianista, y compuso música. El desastroso estreno de la innovadora Primera Sinfonía (1897) en San Petersburgo provocó una crisis creativa del compositor, de la que Rachmaninov emergió a principios del siglo XX con un estilo maduro que unía la canción eclesiástica rusa, el romanticismo europeo saliente, el impresionismo moderno y el neoclasicismo, todo ello lleno de de simbolismo complejo. Durante este período creativo nacieron sus mejores obras, incluidos los conciertos para piano segundo y tercero, la Segunda Sinfonía y su obra favorita: el poema "Bells" para coro, solistas y orquesta.
En 1917, Rachmaninov y su familia se vieron obligados a abandonar nuestro país y establecerse en Estados Unidos. Durante casi diez años después de su partida, no compuso nada, pero realizó numerosas giras por América y Europa y fue reconocido como uno de los más grandes pianistas de la época y un importante director de orquesta. A pesar de su agitada actividad, Rachmaninov siguió siendo una persona vulnerable e insegura, luchando por la soledad e incluso la soledad, evitando la molesta atención del público. Amaba y extrañaba sinceramente su tierra natal, preguntándose si había cometido un error al abandonarla. Estaba constantemente interesado en todos los eventos que tenían lugar en Rusia, leía libros, periódicos y revistas y ayudaba económicamente. Sus últimas obras, Sinfonía nº 3 (1937) y "Danzas sinfónicas" (1940), fueron el resultado de su trayectoria creativa, incorporando todo lo mejor de su estilo único y un sentimiento de tristeza de pérdida irreparable y anhelo por su tierra natal.

Cita de S.V. Rachmaninov:
"Me siento como un fantasma que vaga solo en un mundo que me es ajeno".
"La cualidad más alta de todo el arte es su sinceridad".
"Los grandes compositores siempre y ante todo han prestado atención a la melodía como principio rector de la música. La melodía es música, la base principal de toda la música... La inventiva melódica, en el más alto sentido de la palabra, es el principal objetivo de la vida de el compositor... Por esta es la razón por la cual los grandes compositores del pasado mostraron tanto interés en las melodías populares de sus países."

Cita sobre S.V. Rachmaninov:
“Rachmaninoff fue creado a partir de acero y oro: el acero está en sus manos, el oro está en su corazón. No puedo pensar en él sin lágrimas. No sólo admiraba al gran artista, sino que amaba a la persona que había en él. I. Hoffman
"La música de Rachmaninov es el Océano. Sus olas - musicales - comienzan tan lejos más allá del horizonte, y te elevan tan alto y te bajan tan lentamente... que sientes este Poder y este Aliento." A. Konchalovsky

Dato interesante: durante la Gran Guerra Patria, Rachmaninov ofreció varios conciertos benéficos, cuyas ganancias envió al Fondo del Ejército Rojo para luchar contra los ocupantes nazis.

S.V. Concierto para piano n.º 2

8. Ígor Fedorovich STRAVINSKY (1882-1971)

Igor Fedorovich Stravinsky es uno de los compositores mundiales más influyentes del siglo XX, líder del neoclasicismo. Stravinsky se convirtió en un “espejo” de la era musical; su obra refleja una multiplicidad de estilos, constantemente entrecruzados y difíciles de clasificar. Combina libremente géneros, formas, estilos, eligiéndolos entre siglos de historia musical y sometiéndolos a sus propias reglas.
Nacido cerca de San Petersburgo, estudió en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo, estudió disciplinas musicales de forma independiente, tomó lecciones privadas de N. A. Rimsky-Korsakov, esta fue la única escuela de compositores de Stravinsky, gracias a la cual dominó a la perfección la técnica de composición. Comenzó a componer profesionalmente relativamente tarde, pero su ascenso fue rápido: una serie de tres ballets: "El pájaro de fuego" (1910), "Petrushka" (1911) y "La consagración de la primavera" (1913) lo llevaron inmediatamente a las filas de compositores de primera magnitud.
En 1914 abandonó Rusia, como resultó, casi para siempre (en 1962 hubo giras por la URSS). Stravinsky es un cosmopolita que se vio obligado a cambiar de varios países: Rusia, Suiza, Francia y, finalmente, se quedó a vivir en Estados Unidos. Su obra se divide en tres períodos: "ruso", "neoclásico", "producción en masa" estadounidense; los períodos no se dividen por el tiempo de vida en diferentes países, sino por la "caligrafía" del autor.
Stravinsky era una persona muy educada, sociable y con un maravilloso sentido del humor. Su círculo de conocidos y corresponsales incluía músicos, poetas, artistas, científicos, empresarios y estadistas.
El último gran logro de Stravinsky, "Réquiem" (Himnos fúnebres) (1966), absorbió y combinó la experiencia artística anterior del compositor, convirtiéndose en una verdadera apoteosis de la obra del maestro.
En la obra de Stavinsky se destaca una característica única: la "irrepetibilidad", no en vano fue llamado "el compositor de mil un estilos", cambio constante de género, estilo, dirección de la trama: cada una de sus obras es única. pero constantemente regresaba a diseños en los que el origen ruso era visible y las raíces rusas audibles.

Cita de I.F. Stravinsky: “He hablado ruso toda mi vida, tengo una sílaba rusa, tal vez esto no sea inmediatamente visible en mi música, pero es inherente a ella, está en su naturaleza oculta”.

Cita sobre I.F. Stravinsky: “Stravinsky es un compositor verdaderamente ruso... El espíritu ruso es indestructible en el corazón de este talento verdaderamente grande y multifacético, nacido de la tierra rusa y estrechamente relacionado con ella...” D. Shostakovich

Dato interesante (fábula):
Una vez en Nueva York, Stravinsky tomó un taxi y se sorprendió al leer su apellido en el cartel.
-¿Es usted familiar del compositor? - preguntó al conductor.
- ¿Existe algún compositor con ese apellido? - se sorprendió el conductor. - Escúchalo por primera vez. Sin embargo, Stravinsky es el nombre del dueño del taxi. No tengo nada que ver con la música, mi apellido es Rossini...

I.F. Suite "pájaro de fuego"

9. Serguéi Serguéievich PROKOFIEV (1891-1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev es uno de los compositores, pianista y director de orquesta ruso más importantes del siglo XX.
Nacido en la región de Donetsk, se involucró en la música desde pequeño. Prokofiev puede ser considerado uno de los pocos (si no el único) "prodigios" musicales rusos, desde los 5 años se dedicó a componer, a los 9 años escribió dos óperas (por supuesto, estas obras aún son inmaduras, pero muestran un deseo de crear), a la edad de 13 años aprobó los exámenes en el Conservatorio de San Petersburgo, entre sus profesores se encontraba N.A. Rimsky-Korsakov. El inicio de su carrera profesional provocó una tormenta de críticas e incomprensiones de su estilo individual, fundamentalmente antirromántico y extremadamente modernista. La paradoja es que, al tiempo que destruía los cánones académicos, la estructura de sus composiciones se mantuvo fiel a los principios clásicos y posteriormente se convirtió en una; fuerza restrictiva del escepticismo modernista que todo lo niega. Desde el comienzo de su carrera, Prokofiev actuó y realizó muchas giras. En 1918 realizó una gira internacional, incluida una visita a la URSS, y finalmente regresó a su tierra natal en 1936.
El país ha cambiado y la creatividad “libre” de Prokofiev se vio obligada a ceder ante la realidad de las nuevas demandas. El talento de Prokofiev floreció con renovado vigor: escribió óperas, ballets, música para películas; música aguda, decidida y extremadamente precisa con nuevas imágenes e ideas, sentó las bases para la música y la ópera clásicas soviéticas. En 1948 se produjeron tres hechos trágicos casi simultáneamente: su primera esposa española fue detenida bajo sospecha de espionaje y exiliada a campos; se emitió una Resolución del Poliburó del Comité Central del Partido Comunista Bolchevique de Toda la Unión en la que Prokofiev, Shostakovich y otros fueron atacados y acusados ​​de “formalismo” y del daño de su música; Hubo un fuerte deterioro en la salud del compositor; se retiró a su casa de campo y prácticamente nunca la abandonó, pero continuó componiendo.
Algunas de las obras más llamativas del período soviético fueron las óperas “Guerra y paz” y “La historia de un hombre de verdad”; los ballets “Romeo y Julieta” y “Cenicienta”, que se han convertido en un nuevo estándar de la música de ballet mundial; oratorio "Guardián de la Paz"; música para las películas "Alexander Nevsky" e "Iván el Terrible"; sinfonías nº 5,6,7; obras para piano.
La obra de Prokofiev llama la atención por su versatilidad y amplitud de temas; la originalidad de su pensamiento musical, su frescura y originalidad constituyeron toda una era en la cultura musical mundial del siglo XX y tuvieron una poderosa influencia en muchos compositores soviéticos y extranjeros.

Cita de S.S. Prokofiev:
“¿Puede un artista mantenerse al margen de la vida?... Estoy convencido de que un compositor, como un poeta, un escultor, un pintor, está llamado a servir al hombre y al pueblo... Él, ante todo, está obligado a ser un ciudadano en su arte, para glorificar la vida humana y llevar a las personas a un futuro brillante..."
"Soy una manifestación de vida, que me da la fuerza para resistir todo lo que no sea espiritual"

Cita sobre S.S. Prokofiev: “... todas las facetas de su música son hermosas, pero hay algo completamente inusual aquí, aparentemente todos tenemos algunos fracasos, dudas, simplemente mal humor. No toco ni escucho a Prokofiev, pero con solo pensar en él, siento una increíble carga de energía, siento un gran deseo de vivir y actuar”.

Dato interesante: Prokofiev amaba mucho el ajedrez y enriqueció el juego con sus ideas y logros, incluido el ajedrez "nueve" que inventó: un tablero de 24x24 con nueve conjuntos de piezas colocadas sobre él.

S.S. Prokófiev. Concierto nº 3 para piano y orquesta

10. Dmitri Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitry Dmitrievich Shostakovich es uno de los compositores más importantes e interpretados del mundo, su influencia en la música clásica moderna es inconmensurable. Sus creaciones son verdaderas expresiones del drama humano interior y una crónica de los difíciles acontecimientos del siglo XX, donde lo profundamente personal se entrelaza con la tragedia del hombre y la humanidad, con el destino de su país natal.
Nacido en San Petersburgo, recibió sus primeras lecciones de música de su madre, se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo, al ingresar en el cual su rector Alexander Glazunov lo comparó con Mozart, por lo que sorprendió a todos con su excelente memoria musical, su agudo oído y su don. para la composición. Ya a principios de los años 20, al graduarse del conservatorio, Shostakovich tenía un bagaje de sus propias obras y se convirtió en uno de los mejores compositores del país. La fama mundial llegó a Shostakovich después de ganar el 1er Concurso Internacional Chopin en 1927.
Hasta cierto período, es decir, antes de la producción de la ópera "Lady Macbeth de Mtsensk", Shostakovich trabajó como artista libre, una "vanguardia", experimentando con estilos y géneros. La severa demolición de esta ópera, organizada en 1936, y las represiones de 1937 marcaron el comienzo de la posterior lucha interna constante de Shostakovich para expresar sus puntos de vista por sus propios medios en las condiciones de imposición estatal de las tendencias en el arte. En su vida, la política y la creatividad están muy entrelazadas, fue elogiado por las autoridades y perseguido por ellas, ocupó altos cargos y fue destituido de ellos, él y sus familiares fueron premiados y estuvieron al borde de la detención.
Persona amable, inteligente y delicada, encontró su forma de expresar los principios creativos en las sinfonías, donde podía decir la verdad sobre el tiempo de la manera más abierta posible. De toda la extensa creatividad de Shostakovich en todos los géneros, son las sinfonías (15 obras) las que ocupan el lugar central; las más dramáticamente intensas son las sinfonías 5, 7, 8, 10, 15, que se convirtieron en el pináculo de la música sinfónica soviética. Un Shostakovich completamente diferente se revela en la música de cámara.
A pesar de que el propio Shostakovich era un compositor "local" y prácticamente nunca viajaba al extranjero, su música, de esencia humanista y de forma verdaderamente artística, se difundió rápida y ampliamente por todo el mundo y fue interpretada por los mejores directores. La magnitud del talento de Shostakovich es tan inmensa que aún queda por delante la comprensión total de este fenómeno único del arte mundial.

Cita de D.D. Shostakovich: "La verdadera música es capaz de expresar sólo sentimientos humanos, sólo ideas humanas avanzadas".

D. Shostakóvich. Sinfonía nº 7 "Leningrado"

A principios del siglo XIX y XX convivieron en la cultura europea diferentes movimientos artísticos. Algunos desarrollaron las tradiciones del siglo XIX, otros surgieron como resultado de las búsquedas creativas de los maestros modernos. El fenómeno más significativo del arte musical fue el romanticismo tardío. Sus representantes se distinguieron por un mayor interés por la música sinfónica y la grandiosa escala de sus composiciones. Los compositores crearon programas filosóficos complejos para sus obras. Muchos compositores se esforzaron en su trabajo por continuar las tradiciones románticas del pasado, por ejemplo, S.V. Rachmaninov (1873-1943), Richard Strauss (1864-1949). Me gustaría detenerme más en estos dos representantes del estilo del romanticismo tardío.

Serguéi Vasílievich Rahmáninov

Sergei Vasilievich Rachmaninov es un compositor, pianista y director de orquesta ruso.

4 conciertos, “Rapsodia sobre un tema de Paganini” (1934) para piano y orquesta, preludios, estudios-cuadros para piano, 3 sinfonías (1895-1936), fantasía “El acantilado” (1893), poema “La isla de los muertos (1909), “Danzas sinfónicas” (1940) para orquesta, cantata “Primavera” (1902), poema “Campanas” (1913) para coro y orquesta, óperas “Aleko” (1892), “El caballero avaro”, “ Francesca da Rimini” (ambas de 1904), romances.

Las obras de Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, compositor y pianista virtuoso, combinaron armoniosamente las tradiciones del arte ruso y europeo. Para la mayoría de los músicos y oyentes, las obras de Rachmaninoff son un símbolo artístico de Rusia. El tema de la patria está plasmado con especial fuerza en las obras de Sergei Rachmaninoff. El patetismo romántico se combina en su música con estados de ánimo líricos y contemplativos, una riqueza melódica inagotable, amplitud y libertad de respiración, con energía rítmica. La música de Rachmaninoff es una parte importante del romanticismo tardío en Europa. Después de 1917, Rachmaninov se vio obligado a vivir en el extranjero, en Suiza y Estados Unidos. Su actividad compositiva y especialmente interpretativa se convirtió en un fenómeno sin el cual es imposible imaginar la vida cultural de Occidente en los años 20 y 40. Siglo XX.

El legado de Rachmaninov incluye óperas y sinfonías, música vocal de cámara y coral, pero sobre todo el compositor escribió para piano. Gravitó hacia un virtuosismo poderoso y monumental y buscó hacer del piano como una orquesta sinfónica en su riqueza de colores.

La obra de Rachmaninov conecta diferentes épocas y culturas. Permite a los músicos rusos sentir su profunda conexión con las tradiciones europeas, y para los músicos occidentales, Rachmaninov abre Rusia: muestra sus verdaderas riquezas espirituales.

Richard Strauss

Richard Strauss fue un compositor alemán de la época romántica tardía, especialmente famoso por sus poemas y óperas sinfónicas. También fue un destacado director de orquesta.

El estilo de Richard Strauss estuvo seriamente influenciado por las obras de Chopin, Schumann y Mendelssohn. Influenciado por la música de Richard Wagner, Strauss se dedicó a la ópera. La primera obra de este tipo es “Guntram” (1893). Esta es una obra romántica; su lenguaje musical es sencillo, las melodías son hermosas y melodiosas.

Desde 1900, la ópera se ha convertido en el género principal de la obra de Richard Strauss. Las obras del compositor se distinguen por la sencillez y claridad del lenguaje musical; en ellas el autor utilizó géneros de danza cotidianos.

La actividad creativa de Strauss duró más de setenta años. El compositor comenzó como un romántico tardío, luego llegó al expresionismo y, finalmente, viró hacia el neoclasicismo.

Alejandro Nikoláievich Scriabin

Desde pequeño se sintió atraído por los sonidos del piano. Y a los tres años ya pasaba horas sentado ante el instrumento, tratándolo como a un ser vivo. Después de graduarse en el Conservatorio de Moscú, Alexander comenzó a dar conciertos y enseñar, pero el deseo de componer era más fuerte. Comienza a componer y sus obras entran inmediatamente en el repertorio de otros pianistas.

"El arte debe ser festivo", dijo, "debe elevar y encantar". Pero, de hecho, su música resultó ser tan atrevida, nueva e inusual que la interpretación de su "Segunda Sinfonía" el 21 de marzo de 1903 en Moscú se convirtió en un escándalo natural. Alguien admiraba, alguien pisoteaba y silbaba... Pero Scriabin no se avergonzaba: se sentía como un mesías, un heraldo de una nueva religión: el arte. Creía en su poder transformador. Pensó en la escala planetaria entonces de moda. La filosofía mística de Scriabin se reflejó en su lenguaje musical, especialmente en una armonía innovadora, mucho más allá de los límites de la tonalidad tradicional.

Scriabin soñaba con un nuevo género sintético, donde no sólo se fusionaran sonidos y colores, sino también olores y la plasticidad de la danza. Pero el plan quedó inconcluso. Scriabin murió en Moscú el 14 (27) de abril de 1915. Su vida, la vida de un genio, fue corta y brillante.

Serguéi Prokófiev

Sergei Prokofiev es un compositor ruso y soviético, uno de los compositores más famosos del siglo XX.

La definición de "compositor" era para Prokofiev tan natural como la de "hombre".

En la música de Prokofiev se puede escuchar la armonía marcadamente disonante, el ritmo elástico y el motorismo deliberadamente seco y atrevido de Prokofiev. Las críticas reaccionaron al instante: “El joven autor, que aún no ha completado su formación artística, perteneciente al movimiento extremo de los modernistas, va mucho más allá en su valentía que los franceses modernos”.

Muchos de los contemporáneos del joven Prokofiev e incluso investigadores de su obra pasaron por alto la “corriente lírica” en su música, rompiendo las imágenes agudamente satíricas, grotescas y sarcásticas, a través de los ritmos deliberadamente ásperos y pesados. Y hay muchas de ellas, estas entonaciones líricas y tímidas en los ciclos de piano "Fleetness" y "Sarcasm", en el tema secundario de la primera parte de la Segunda Sonata, en romances basados ​​​​en poemas de Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Se puede decir de Prokofiev: el gran músico encontró su lugar entre los grandes transformadores de la vida.

Mily Balakirev

Mily Balakirev - compositor, pianista y director de orquesta ruso (1836/37-1910)

Se formó el "Mighty Handful", una comunidad de personas de ideas afines que dieron mucho a la música rusa.

El liderazgo de Balakirev en el círculo se vio facilitado por su gusto impecable, su mente analítica clara y su conocimiento de una gran cantidad de material musical. El ambiente en el círculo lo expresó uno de los críticos de la época: “La música puede mover montañas”. El carácter de Balakirev era muy enérgico y encantador. En el círculo, rápidamente asumió el papel de organizador.

Trató el círculo como una especie de creatividad: creó, “influyendo” en jóvenes compositores. A partir de ellos formó la futura paleta musical de Rusia.

Poco a poco, a Balakirev se le ocurrió la idea de una escuela de música gratuita.

En 1862 se inauguró la Escuela Libre de Música y ofreció su primer concierto. Balakirev actuó como director de una orquesta sinfónica.

Él mismo escribió mucho, pero no experimentó satisfacción creativa con lo que creó. Como escribió César Cui, “hasta su muerte dijo que sólo era bueno lo que escribíamos bajo su protección”.

Glazunov Alexander Konstantinovich

Alexander Glazunov - compositor ruso y soviético (1865-1936)

Glazunov es uno de los compositores rusos más importantes de finales del siglo XIX y principios del XX. Sucesor de las tradiciones de Mighty Handful y Tchaikovsky, combinó las ramas lírico-épica y lírico-dramática de la música rusa en su obra. Uno de los lugares principales del legado creativo de Glazunov pertenece a la música sinfónica de diversos géneros. Refleja las imágenes heroicas de la epopeya rusa, imágenes de la naturaleza nativa, la realidad rusa y las canciones de los pueblos eslavos y orientales. Las obras de Glazunov se distinguen por el relieve de los temas musicales, el sonido completo y claro de la orquesta y el uso extensivo de técnicas polifónicas (utilizó el sonido simultáneo de varios temas, una combinación de desarrollo imitativo y variacional). Entre las mejores obras de Glazunov se encuentra también su concierto para violín y orquesta (1904).

Es significativa la contribución de Glazunov a la música instrumental de cámara, así como al género del ballet (Raymonda, 1897, etc.). Siguiendo las tradiciones de Tchaikovsky, Glazunov profundizó el papel de la música en el ballet, enriqueciendo su contenido. Glazunov posee adaptaciones de himnos y canciones rusos, checos y griegos. Junto con Rimsky-Korsakov, completó la ópera "Príncipe Igor" y grabó de memoria el primer movimiento de la tercera sinfonía de Borodin. Participó en la preparación para la publicación de las obras de M. I. Glinka. Orquestó La Marsellesa (1917), una serie de obras de compositores rusos y extranjeros.

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - compositor ruso y soviético (1881-1950).

Junto con Prokofiev y Stravinsky, Nikolai Yakovlevich Myaskovsky fue uno de los compositores que reflejaron el estado de ánimo de la intelectualidad creativa de Rusia en el período prerrevolucionario. Entraron en la Rusia posterior a octubre como viejos especialistas y, al ver a su alrededor el terror dirigido contra los de su especie, no pudieron deshacerse de la sensación de complejo. Sin embargo, crearon honestamente (o casi honestamente), reflejando la realidad que los rodeaba.

La prensa de la época escribió: “La Vigésimo Séptima Sinfonía es una composición de un artista soviético. No te olvides de esto ni por un minuto”. Se le considera el director de la escuela sinfónica soviética. Las obras musicales de Myaskovsky reflejan su época; en total escribió 27 sinfonías, 13 cuartetos, 9 sonatas para piano y otras obras, muchas de las cuales se convirtieron en hitos de la música soviética. El compositor se caracterizó por una fusión de principios intelectuales y emocionales. La música de Myaskovsky es única, marcada por la concentración del pensamiento y al mismo tiempo por intensas pasiones. Hoy en día, uno puede tener diferentes actitudes hacia la obra de N. Myaskovsky, pero, sin duda, sus veintisiete sinfonías reflejan plenamente la vida de la era soviética.

Nikolái Rimski-Kórsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov – compositor ruso (1844-1908)

La obra del gran compositor N. Rimsky-Korsakov, perteneciente casi en su totalidad al siglo XIX, penetra como una aguja en el siglo XX: durante ocho años vivió y trabajó en este siglo. El compositor es como un puente que conecta dos siglos de músicas mundiales. La figura de Rimsky-Korsakov también es interesante porque fue esencialmente autodidacta.

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilievich Sviridov - compositor y pianista soviético (1915-1998).

Gracias a su sencillez, la música de Georgy Sviridov es fácil de distinguir de las obras de otros compositores. Pero esta simplicidad es más bien laconista. La música de Sviridov tiene una expresividad sin pretensiones, pero es expresiva en esencia, no en la forma, y ​​está coloreada con diversos tipos de delicias. Se caracteriza por un mundo interior rico, sus emociones genuinas son contenidas... La música de Sviridov es fácil de entender, lo que significa que es internacional, pero al mismo tiempo profundamente patriótica, ya que el tema de la Patria la atraviesa como un rojo. hilo. G. Sviridov, según su maestro D. Shostakovich, "no se cansaba de inventar un nuevo lenguaje musical" y de buscar "nuevos medios visuales". Por ello, se le considera uno de los autores más interesantes del siglo XX.

G. Sviridov era conocido a menudo como un compositor cuyas obras vocales eran difíciles de interpretar. Durante décadas, la música se había ido acumulando en sus almacenes creativos, esperando a sus intérpretes. El estilo de interpretación tradicional a menudo no era adecuado para la música de Sviridov; El propio compositor dijo que la novedad y complejidad de su música vocal se debe a que el habla misma se mejora constantemente. En este sentido, recordó a los actores y poetas antiguos, alguna vez famosos y de moda. “Hoy en día”, afirmó Sviridov, “no nos causarán una impresión tan fuerte. Su discurso nos parecerá educado, cursi o demasiado simple. El poeta Igor Severyanin era el más moderno tanto en imágenes como en vocabulario, pero ahora se le percibe como algo sacado de un museo”. Las nuevas características del habla a menudo interferían con los cantantes, pero fue en esta dirección, según Sviridov, donde deberían haber trabajado.

Quizás nadie antes de Sviridov hizo tanto para desarrollar y enriquecer los géneros vocales: oratorio, cantata, coro, romance... Esto coloca a G. Sviridov entre los principales compositores no sólo a escala rusa, sino también mundial.

Stravinsky Ígor Fedorovich

Stravinsky Igor Fedorovich - compositor y director de orquesta ruso (1882-1971).

Stravinsky pasó la mayor parte de su vida fuera de Rusia, pero nunca dejó de ser un compositor ruso. Se inspiró en la cultura rusa y el idioma ruso. Y ganó fama verdaderamente mundial. El nombre de Stravinsky era y sigue siendo muy conocido incluso entre aquellos que tienen poco interés por la música. Entró en la historia mundial de la cultura musical del siglo XX como un gran maestro en combinar las tradiciones musicales de la modernidad y la antigüedad.

Las obras de Stravinsky rompieron los marcos establecidos y cambiaron la actitud hacia el folclore. Ayudaron a comprender cómo una canción popular, percibida a través del prisma de la modernidad, cobra vida en manos del compositor. Gracias a compositores como Stravinsky, a finales del siglo XX aumentó el prestigio del folclore y se desarrolló la música étnica.

En total, el compositor escribió ocho partituras orquestales para el teatro de ballet: "El pájaro de fuego", "Petrushka", "La consagración de la primavera", "Apolo Musagete", "El beso del hada", "El juego de cartas", "Orfeo". ”, “Agón”. También creó tres obras de ballet con canto: "Fairy Tale", "Pulcinella", "Wedding".

Taneyev Serguéi Ivanovich

romanticismo musical impresionismo

Taneyev Sergei Ivanovich - compositor, pianista y profesor ruso (1856-1915).

El nombre de este gran músico y maestro rara vez se menciona hoy en día, pero si se examina más de cerca, evoca un respeto genuino. No se hizo famoso como compositor, pero dedicó toda su vida al Conservatorio de Moscú, formando músicos tan destacados como S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Gliere, K. Igumnov y otros. S. Taneyev, alumno de P. Tchaikovsky, creó toda una escuela que distinguió a los compositores rusos y soviéticos de los compositores de todo el mundo. Todos sus alumnos continuaron las tradiciones del sinfonismo de Taneyev. Muchos personajes famosos de principios del siglo XIX y XX, como León Tolstoi, lo llamaron su amigo y consideraron un honor comunicarse con él.

Taneyev puede compararse con Sócrates, quien, sin escribir obras filosóficas serias, dejó numerosos estudiantes.

Taneyev desarrolló muchas teorías musicales, creó una obra única "Contrapunto móvil de escritura estricta" (1889-1906) y su continuación "La doctrina del canon" (finales de los años 90-1915). Todo artista, que ha entregado su vida al arte, sueña con que sus descendientes no olviden su nombre. En los últimos años de su vida, Taneyev estaba muy preocupado porque escribía pocas obras que nacieran de la inspiración, aunque escribía mucho y de forma intensiva. De 1905 a 1915 escribió varios ciclos corales y vocales, obras de cámara e instrumentales.

Dmitri Dmítrievich Shostakóvich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - compositor y pianista soviético (1906-1975).

Shostakovich, sin duda, fue y sigue siendo el mayor compositor del siglo XX. Los contemporáneos que lo conocieron de cerca afirmaron que razonó algo como esto: ¿por qué molestarse si tus descendientes todavía sabrán de ti por tus obras musicales? Shostakovich no agravó las relaciones con las autoridades. Pero en la música protestó contra la violencia contra el individuo.

Escribió la Sinfonía nº 7 (dedicada al asedio de Leningrado).

Shostakovich vio con sus propios ojos cómo muere la gente, cómo vuelan aviones y bombas, y en su obra "Sinfonía nº 7" trató de reflejar todos los acontecimientos que vivieron las personas.

La Sinfonía fue interpretada por la Gran Orquesta Sinfónica del Comité de Radio de Leningrado. Durante los días del asedio, muchos músicos murieron de hambre. Los ensayos se suspendieron en diciembre. Cuando se reanudaron en marzo, sólo podían tocar 15 músicos debilitados. A pesar de ello, los conciertos comenzaron en abril. En mayo, un avión entregó la partitura de la sinfonía a la ciudad sitiada. Para reponer el tamaño de la orquesta, los músicos desaparecidos fueron enviados desde el frente.

Shostakovich respondió a la invasión fascista con la Sinfonía nº 7 (1941), dedicada a la ciudad de Leningrado y que recibió reconocimiento mundial como símbolo de la lucha contra el fascismo.

Impresionismo

En el último tercio del siglo XIX, apareció una nueva dirección: el impresionismo (impresionismo francés, de impresión - "impresión"), apareció inicialmente en la pintura francesa. Los músicos impresionistas buscaban transmitir sensaciones sutiles y complejas y buscaban sofisticación y sofisticación del sonido. Por eso estaba cerca de ellos el simbolismo literario (años 70 del siglo XIX - años 10 del siglo XX), que también se originó en Francia.

Los simbolistas exploraron esferas desconocidas y misteriosas, intentaron comprender el "mundo ideal" escondido bajo el velo de la realidad. Los compositores impresionistas a menudo recurrieron a la poesía y el drama del simbolismo.

El fundador del impresionismo musical es el compositor, pianista y director de orquesta francés Claude Debussy (1862-1918). En su obra, la armonía (más que la melodía) pasó a primer plano; se le dio un papel importante al colorido sonido de la orquesta. Lo principal eran los matices del sonido, que, como en la pintura, reflejaban matices de estados de ánimo, sentimientos e impresiones.

Los compositores buscaron volver a la claridad de las armonías, la simplicidad de las melodías y formas, la belleza y la accesibilidad del lenguaje musical. Recurrieron a la polifonía y revivieron la música de clavecín.

Max Reger

Los rasgos del romanticismo tardío y el neoclasicismo se combinaron en la obra del compositor y director de orquesta alemán Max Reger. Escribió para órgano, orquesta, piano, violín, viola y conjuntos de cámara. Reger buscó comprender la herencia del siglo XVIII, especialmente la experiencia de Johann Sebastian Bach, y en sus obras recurrió a imágenes musicales de una época pasada. Sin embargo, siendo un hombre de principios del siglo XIX y XX, Reger llenó su música de armonías originales y timbres inusuales.

Neoclasicismo

El neoclasicismo se convirtió en una de las oposiciones a la tradición romántica del siglo XIX, así como a los movimientos asociados a ella (impresionismo, expresionismo, verismo, etc.). Además, aumentó el interés por el folclore, lo que llevó a la creación de toda una disciplina: la etnomusicología, que estudia el desarrollo del folclore musical y compara los procesos musicales y culturales entre diferentes pueblos del mundo. Algunos recurren a los orígenes de culturas antiguas (Carl Orff) o se basan exclusivamente en el arte popular (Leoš Janáček, Béla Bartók, Zoltan Kodály). Al mismo tiempo, los compositores continúan experimentando activamente en sus composiciones y descubriendo nuevas facetas y posibilidades del lenguaje, las imágenes y las estructuras armónicas.

La caída de los principios estéticos del siglo XIX, la crisis política y económica de principios del nuevo siglo, curiosamente, contribuyeron a la formación de una nueva síntesis, que condujo a la penetración de otros tipos de arte en la música: la pintura. , gráfica, arquitectura, literatura e incluso cinematografía. Sin embargo, las leyes generales que han dominado la práctica del compositor desde la época de I.S. Bach, fueron violados y transformados.

A principios del siglo XIX y XX, se completó un largo y complejo proceso de asimilación de las tradiciones, estilos y géneros de la cultura europea por parte de los músicos rusos. A finales del siglo XIX. Los conservatorios de San Petersburgo y Moscú se han convertido en instituciones educativas de renombre. De sus paredes surgieron todos los compositores destacados de esa época y muchos intérpretes excelentes. Surgieron escuelas de instrumentistas, cantantes y bailarines. La ópera y el ballet rusos han cautivado al público europeo. El Teatro Imperial Mariinsky de San Petersburgo y la Ópera Privada Rusa de Moscú, creada por el industrial y filántropo ruso Savva Ivanovich Mamontov (1841 - 1918), desempeñaron un papel importante en el desarrollo del teatro musical.

La música rusa de principios de siglo entrelazó los rasgos del romanticismo tardío y el impresionismo. La influencia de los movimientos artísticos literarios, y sobre todo del simbolismo, fue grande. Sin embargo, los grandes maestros desarrollaron sus propios estilos. Su trabajo es difícil de atribuir a algún movimiento en particular, y esto es una prueba de la madurez de la cultura musical rusa.

La primera impresión que uno tiene al familiarizarse con la música del siglo XX es que existe un abismo entre el arte musical de los tiempos modernos y todos los siglos anteriores: las diferencias en el aspecto sonoro de las obras son muy significativas.

Incluso funciona entre 10 y 30 años. El siglo XX parece demasiado tenso y áspero en sonido. De hecho, la música del siglo XX, como en siglos anteriores, reflejó el mundo espiritual y emocional de las personas, porque el ritmo de la vida humana se aceleró, se volvió más duro e intenso.

Acontecimientos trágicos y contradicciones: guerras, revoluciones, progreso científico y tecnológico, totalitarismo y democracia, no solo agravaron las experiencias emocionales inherentes a las personas, sino que también llevaron a la humanidad al borde de la destrucción. Por eso el tema del enfrentamiento entre la vida y la muerte se volvió clave en la música del siglo XX. No menos importante para el arte resultó ser el tema del autoconocimiento personal.

El siglo XX estuvo marcado por muchas innovaciones en el arte y la literatura asociadas con cambios catastróficos en la conciencia pública durante el período de revoluciones y guerras mundiales. A finales del siglo XIX y principios del XX, y especialmente en la década anterior a octubre, el tema de la expectativa de grandes cambios que deberían barrer con el viejo e injusto orden social recorre todo el arte ruso, y en particular la música. No todos los compositores se dieron cuenta de la inevitabilidad, la necesidad de la revolución y simpatizaron con ella, pero todos o casi todos sintieron la tensión previa a la tormenta.

Los nuevos contenidos, como siempre, requerían nuevas formas, y a muchos compositores se les ocurrió la idea de actualizar radicalmente el lenguaje musical. En primer lugar, abandonaron el tradicional sistema europeo de modos y claves. Apareció el concepto de música atonal. Se trata de música en la que un sistema claro de tonalidades no está determinado por el oído y las consonancias de acordes (armonías) se asocian entre sí libremente, sin observar reglas estrictas. Otra característica importante del lenguaje musical del siglo XX fueron los sonidos inusuales. Para transmitir imágenes de la vida moderna, utilizaron efectos de sonido inusuales (metal rechinando y rechinando, ruido de máquinas y otros sonidos "industriales") e inventaron nuevas herramientas. Sin embargo, otro camino arrojó resultados más interesantes. Los compositores experimentaron con instrumentos tradicionales: mezclando timbres, tocando en registros inusuales y cambiando técnicas técnicas. Y resultó que una orquesta sinfónica clásica o formas operísticas pueden mostrar perfectamente la vida de una ciudad con su complejo sistema de sonidos y ruidos y, lo más importante, los giros impredecibles del pensamiento y los "torceres" en la psique humana al final de el segundo milenio.

Sin embargo, las búsquedas innovadoras no condujeron en absoluto al abandono de las tradiciones. Fue el siglo XX el que revivió la herencia musical de épocas pasadas. Después de doscientos y trescientos años de olvido, las obras de Monteverdi, Corelli y Vivaldi, maestros alemanes y franceses del siglo XVII, comenzaron a escucharse nuevamente.

La actitud hacia el folclore ha cambiado radicalmente. En el siglo XX apareció un nuevo movimiento: el neofolklorismo (del griego "neos" - "nuevo" y "folclore"). Sus partidarios pidieron el uso de melodías folclóricas grabadas en zonas rurales profundas, no "suavizadas" en un estilo urbano. Habiendo entrado en el complejo tejido de una sinfonía, sonata u ópera, tal canción aportó a la música una pasión sin precedentes, una riqueza de colores y entonaciones.

A principios de los siglos XIX y XX, surgió una nueva dirección artística en la cultura europea: el expresionismo (del latín expressio - "expresividad"). Sus representantes reflejaron en sus obras la trágica cosmovisión del hombre durante la Primera Guerra Mundial: desesperación, dolor, miedo a la soledad. “El arte es un grito de ayuda de quienes experimentan en sí mismos el destino de la humanidad”, escribió el fundador del expresionismo en la música, Arnold Schoenberg (1874-1951).

Arnold Schönberg

El expresionismo musical se desarrolló en Austria, más precisamente, en su capital, Viena. Sus creadores son Arnold Schoenberg, Alban Berg y Anton Webern. La comunidad creativa de compositores entró en la historia de la música con el nombre de Nueva Escuela Vienesa (Novovenskaya). Cada uno de los maestros siguió su propio camino en el arte, pero sus obras también tienen mucho en común. En primer lugar, el espíritu trágico de la música, el deseo de experiencias agudas y conmociones profundas. Detrás de esto hay una intensa búsqueda espiritual, un deseo de recuperar a cualquier precio los ideales religiosos y morales que la mayoría de la gente moderna ha perdido. Finalmente, los tres compositores desarrollaron un método unificado para componer música: el sistema dodecafónico, que cambió drásticamente las ideas tradicionales sobre la estructura modal y armónica de una obra.

La obra de Schoenberg resuelve un problema principal: expresar el sufrimiento humano a través de la música. Los presentimientos pesados ​​y lánguidos y un sentimiento de horror melancólico ya se transmiten magníficamente en sus primeras obras: Cinco piezas para orquesta (1909). En cuanto a tono y forma, estos son preludios de cámara, pero fueron escritos para una gran orquesta sinfónica, y el diseño de sonido sutil y transparente se alterna con poderosos "gritos" de los vientos y golpes de timbales.

El resultado de las reflexiones de Schoenberg sobre los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial fue la cantana "Un superviviente de Varsovia" (1947) para lector, coro y orquesta. El texto utilizado son historias reales de testigos presenciales de la masacre nazi de los habitantes del gueto judío de Varsovia. La música de esta composición a gran escala, basada en una serie, sigue las mejores tradiciones del expresionismo: es compleja, trágica e intensamente emocional. El compositor parece intentar presentar a sus héroes ante Dios y la Eternidad y así demostrar que su sufrimiento no fue en vano. La cantata termina con el canto de una oración, y su música, basada en los sonidos de la misma serie, crece orgánicamente a partir de la trágica oscuridad de las partes anteriores.

Vanguardia

Las nuevas condiciones de la realidad social tuvieron un impacto en toda la cultura artística en su conjunto, por un lado, dando un nuevo aliento a la tradición clásica, y por el otro, dando origen a un nuevo arte: la vanguardia (de la "vanguardia" francesa - adelante), o modernismo (del latín "modernus" - nuevo, moderno), que reflejaba más plenamente el rostro de la época. Básicamente, el término "modernismo" denota tendencias, movimientos, escuelas y actividades artísticas de maestros individuales del siglo XX que proclamaron la libertad de expresión como la base de su método creativo.

El movimiento de vanguardia musical se extiende desde los años 50 hasta los 90. Siglo XX. Surgió después de la Segunda Guerra Mundial no por casualidad: los shocks de la guerra, y luego un cambio brusco en la forma de vida, provocaron decepción en los valores morales y culturales de épocas anteriores. Representantes de la generación de los 50-60. Quería sentirme libre de tradiciones, crear mi propio lenguaje artístico.

El vanguardismo musical suele incluir la llamada música concreta, basada en la libertad de las armonías tonales, y no en la serie armónica: el sonorismo es uno de los tipos de técnicas compositivas modernas que utiliza principalmente sonidos coloridos (del latín “sonorus” - sonoro , ruidoso) y prácticamente ignora las conexiones precisas de tono, la música electrónica. Las primeras búsquedas en la dirección del vanguardismo las emprendieron a principios del siglo XX el compositor ruso A.N. Scriabin. Algunos oyentes quedaron cautivados por su música con su poder inspirado, mientras que otros se indignaron por su carácter inusual.

UN. scriabin

La búsqueda de nuevos métodos de creatividad ha dado vida a muchos estilos inusuales. Los compositores utilizan equipos electrónicos de grabación y reproducción de sonido como instrumentos “clásicos”: grabadoras, sintetizadores y, en los últimos años, computadoras. El surgimiento de la música electrónica se debió al deseo de llamar la atención sobre los "clásicos" de millones de fanáticos del pop y el rock (donde los instrumentos electrónicos ocupan un lugar destacado). Sin embargo, los compositores que trabajan en este ámbito también tienen otro objetivo. Intentan explorar la compleja relación entre el hombre y el mundo de la tecnología, que subyuga cada vez más la conciencia de las personas. El diálogo “en vivo” entre un músico y su “doble” electrónico adquiere un profundo significado simbólico en las obras más talentosas.

Sucediendo

Desde los años 50 En la música, como en otras formas de arte (por ejemplo, en el teatro), existe la dirección de suceder (del inglés, sucediendo - "happening", "happening"). Su fuente puede considerarse la obra "4" 33 "(1954) del compositor estadounidense John Cage (nacido en 1912). Entra en escena un pianista que se sienta en silencio al piano durante cuatro minutos y treinta y tres segundos, luego recibe Se levanta y se va. El estreno fue un escándalo: el público ilustrado decidió que simplemente se estaban burlando, y el ciudadano medio tuvo la oportunidad de comentar condescendientemente: "Yo también puedo hacer eso". La intención de sorprender al público ciertamente era parte de la intención. Los planes del autor, pero no era un fin en sí mismo, Cage convirtió en una obra musical fenómenos de la realidad circundante: silencio a la espera del inicio del juego, sonidos emitidos por los oyentes (tos, susurros, crujidos de sillas, etc. ) El público y el músico actuaron así como intérpretes y autores espontáneos de la obra resultante, y la música pasó de ser una imagen auditiva a una imagen visual, lo que más tarde se convirtió en una característica distintiva del acontecimiento: de hecho, la interpretación de la obra. , una pantomima silenciosa. John Jaula

El arte musical del siglo XX está lleno de ideas innovadoras. Marca un cambio radical en todos los aspectos del lenguaje musical. En el siglo XX, la música sirvió a menudo como fuente de representación de terribles acontecimientos históricos que marcaron época, cuyos testigos y contemporáneos fueron la mayoría de los grandes compositores de esta época, que se convirtieron en innovadores y reformadores.

CONCLUSIÓN

Así, el siglo XX fue un siglo de diversidad en la música. La música del siglo XX, como en siglos anteriores, reflejó el mundo espiritual y emocional de las personas, porque el ritmo de la vida humana se aceleró, se volvió más duro e intenso.

Acontecimientos trágicos y contradicciones: guerras, revoluciones, progreso científico y tecnológico, totalitarismo y democracia, no solo agravaron las experiencias emocionales inherentes a las personas, sino que también llevaron a la humanidad al borde de la destrucción. Por eso el tema del enfrentamiento entre la vida y la muerte se volvió clave en la música del siglo XX.

No menos importante para el arte resultó ser el tema del autoconocimiento personal. Cada vez más representantes de las nuevas generaciones querían sentirse libres de las tradiciones y crear su propio lenguaje artístico.

El arte musical del siglo XX es inusualmente voluminoso. Quizás no haya un solo estilo musical histórico que no se refleje de una forma u otra en el colorido caleidoscopio musical del siglo XX. En este sentido, el siglo fue un hito. Todo lo que se había acumulado en los siglos anteriores de desarrollo musical y toda la singularidad de las culturas musicales nacionales se convirtió de repente en propiedad pública.

Cada época nos ha regalado sus genios. Ya sean compositores del siglo XIX o XX, sus obras ya han ocupado un lugar en la historia de la humanidad y se han convertido en un modelo para todas las generaciones no sólo en la música y, a pesar de la edad de la creación, están destinadas a servir para la alegría de la gente.

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La escuela rusa de composición, cuyas tradiciones fueron la escuela soviética y la rusa actual, comenzó en el siglo XIX con compositores que combinaron el arte musical europeo con melodías populares rusas, vinculando la forma europea y el espíritu ruso.

Se puede decir mucho sobre cada uno de estos personajes famosos; todos ellos tienen destinos difíciles y a veces trágicos, pero en esta reseña intentamos dar solo una breve descripción de la vida y obra de los compositores.

1. Mijaíl Ivánovich Glinka

(1804-1857)

Mikhail Ivanovich Glinka durante la composición de la ópera "Ruslan y Lyudmila". 1887, artista Ilya Efimovich Repin

"Para crear belleza, tú mismo debes ser puro de alma".

Mikhail Ivanovich Glinka es el fundador de la música clásica rusa y el primer compositor clásico ruso en alcanzar fama mundial. Sus obras, basadas en las tradiciones centenarias de la música folclórica rusa, fueron una palabra nueva en el arte musical de nuestro país.

Nacido en la provincia de Smolensk, recibió su educación en San Petersburgo. La formación de la cosmovisión y la idea principal de la obra de Mikhail Glinka fue facilitada por la comunicación directa con personalidades como A.S Pushkin, V.A Zhukovsky, A.S. El impulso creativo de su obra se vio añadido por un viaje de muchos años a Europa a principios de la década de 1830 y encuentros con los principales compositores de la época: V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn y más tarde con G. Berlioz, J. Meyerbeer.

El éxito llegó a M.I. Glinka en 1836, después de la producción de la ópera "Ivan Susanin" ("La vida para el zar"), que por primera vez fue recibida con entusiasmo por todos en la música mundial, el arte coral ruso y la ópera y sinfónica europea; Las prácticas se combinaron orgánicamente y también apareció un héroe como Susanin, cuya imagen resume los mejores rasgos del carácter nacional.

V.F. Odoevsky describió la ópera como "un nuevo elemento en el arte y comienza un nuevo período en su historia: el período de la música rusa".

La segunda ópera es la epopeya "Ruslan y Lyudmila" (1842), cuya obra se realizó en el contexto de la muerte de Pushkin y en las difíciles condiciones de vida del compositor, debido a la naturaleza profundamente innovadora de la obra, fue recibida de manera ambigua. por el público y las autoridades, y trajo tiempos difíciles para las experiencias de M.I. Después de eso viajó mucho, viviendo alternativamente en Rusia y en el extranjero, sin dejar de componer. Su legado incluye romances, obras sinfónicas y de cámara. En la década de 1990, la "Canción patriótica" de Mikhail Glinka era el himno oficial de la Federación Rusa.

Cita sobre M.I.Glinka:“Toda la escuela sinfónica rusa, como un roble entero en una bellota, está contenida en la fantasía sinfónica “Kamarinskaya”. P.I.Tchaikovsky

Dato interesante: Mikhail Ivanovich Glinka no gozaba de buena salud, a pesar de ello era muy tranquilo y conocía muy bien la geografía, tal vez, si no se hubiera convertido en compositor, se habría convertido en un viajero; Sabía seis idiomas extranjeros, incluido el persa.

2. Alejandro Porfirievich Borodin

(1833-1887)

Alexander Porfirievich Borodin, uno de los principales compositores rusos de la segunda mitad del siglo XIX, además de su talento como compositor, fue químico, médico, docente, crítico y tenía talento literario.

Nacido en San Petersburgo, desde pequeño todos los que lo rodeaban notaron su inusual actividad, pasión y habilidades en diversos campos, principalmente en la música y la química.

A.P. Borodin es un compositor-pepita ruso, no tuvo profesores músicos profesionales, todos sus logros en la música se debieron a un trabajo independiente para dominar la técnica de la composición.

La formación de A.P. Borodin estuvo influenciada por el trabajo de M.I. Glinka (como, de hecho, todos los compositores rusos del siglo XIX), y el impulso para el estudio intensivo de la composición a principios de la década de 1860 estuvo dado por dos eventos: en primer lugar, su relación y matrimonio con el talentoso pianista E.S Protopopova, y en segundo lugar, un encuentro con M.A. Balakirev y unirse a la comunidad creativa de compositores rusos, conocida como el "Puñado Poderoso".

A finales de los años 1870 y 1880, A.P. Borodin viajó y realizó numerosas giras por Europa y América, se reunió con los principales compositores de su época, su fama creció y se convirtió en uno de los compositores rusos más famosos y populares en Europa a finales del siglo XIX. siglo XIX.

El lugar central en la obra de A.P. Borodin lo ocupa la ópera "Príncipe Igor" (1869-1890), que es un ejemplo de epopeya heroica nacional en música y que él mismo no tuvo tiempo de completar (fue completada por sus amigos A.A. Glazunov y N.A. Rimsky-Korsakov). En "Príncipe Igor", en el contexto de majestuosas imágenes de acontecimientos históricos, se refleja la idea principal de toda la obra del compositor: el coraje, la grandeza tranquila, la nobleza espiritual del mejor pueblo ruso y la poderosa fuerza de todo el pueblo ruso. , manifestado en la defensa de su patria.

A pesar de que A.P. Borodin dejó un número relativamente pequeño de obras, su obra es muy diversa y es considerado uno de los padres de la música sinfónica rusa, que influyó en muchas generaciones de compositores rusos y extranjeros.

Cita sobre A.P. Borodin:“El talento de Borodin es igualmente poderoso y sorprendente en la sinfonía, la ópera y el romance. Sus principales cualidades son una fuerza y ​​amplitud gigantescas, un alcance colosal, rapidez e impetuosidad, combinados con una pasión, ternura y belleza asombrosas”. V.V.

Dato interesante: La reacción química de las sales de plata de los ácidos carboxílicos con halógenos, que da como resultado hidrocarburos halogenados, que él fue el primero en estudiar en 1861, lleva el nombre de Borodin.

3. El modesto Petrovich Mussorgsky

(1839-1881)

“Los sonidos del habla humana, como manifestaciones externas de pensamiento y sentimiento, deben, sin exageración ni violencia, convertirse en música veraz, precisa, pero artística, altamente artística”.

Modest Petrovich Mussorgsky es uno de los compositores rusos más brillantes del siglo XIX, miembro del “Mighty Handful”. El trabajo innovador de Mussorgsky estaba muy adelantado a su tiempo.

Nacido en la provincia de Pskov. Como muchas personas talentosas, mostró habilidad en la música desde la infancia, estudió en San Petersburgo y, según la tradición familiar, era militar. El acontecimiento decisivo que determinó que Mussorgsky no naciera para el servicio militar, sino para la música, fue su encuentro con M.A. Balakirev y su incorporación al "Mighty Handful".

Mussorgsky es grande porque en sus grandiosas obras - las óperas "Boris Godunov" y "Khovanshchina" - capturó en la música los hitos dramáticos de la historia rusa con una novedad radical que la música rusa no había conocido antes que él, mostrando en ellos una combinación de masa. Escenas populares y una gran variedad de tipos, el carácter único del pueblo ruso. Estas óperas, en numerosas ediciones tanto del autor como de otros compositores, se encuentran entre las óperas rusas más populares del mundo.

Otra obra destacada de Mussorgsky es el ciclo de piezas para piano "Cuadros de una exposición", miniaturas coloridas e inventivas impregnadas de un tema-estribillo ruso y la fe ortodoxa.

La vida de Mussorgsky lo tuvo todo: grandeza y tragedia, pero siempre se distinguió por una genuina pureza espiritual y altruismo.

Sus últimos años fueron difíciles: vida inestable, falta de reconocimiento de la creatividad, soledad, adicción al alcohol, todo esto determinó su temprana muerte a la edad de 42 años, dejó relativamente pocas obras, algunas de las cuales fueron completadas por otros compositores.

La melodía específica y la armonía innovadora de Mussorgsky anticiparon algunas características del desarrollo musical del siglo XX y desempeñaron un papel importante en la formación de los estilos de muchos compositores del mundo.

Cita sobre M.P.“El ruso original suena en todo lo que creó Mussorgsky” N.K.

Dato interesante: Al final de su vida, Mussorgsky, presionado por sus “amigos” Stasov y Rimsky-Korsakov, renunció a los derechos de autor de sus obras y las donó a Tertius Filippov.

4. Piotr Ilich Tchaikovsky

(1840-1893)

“Soy un artista que puede y debe honrar a mi Patria. Siento una gran fuerza artística en mí; todavía no he hecho ni la décima parte de lo que puedo hacer. Y quiero hacer esto con todas las fuerzas de mi alma”.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky, quizás el mayor compositor ruso del siglo XIX, elevó el arte musical ruso a alturas sin precedentes. Es uno de los compositores más importantes de la música clásica mundial.

Originario de la provincia de Vyatka, aunque sus raíces paternas están en Ucrania, Tchaikovsky mostró habilidades musicales desde la infancia, pero su primera educación y trabajo fue en el campo de la jurisprudencia.

Tchaikovsky fue uno de los primeros compositores “profesionales” rusos; estudió teoría musical y composición en el nuevo Conservatorio de San Petersburgo.

Tchaikovsky era considerado un compositor "occidental", a diferencia de las figuras populares del "Puñado Poderoso", con quienes tenía buenas relaciones creativas y amistosas, pero su obra no está menos impregnada del espíritu ruso, logró combinar de manera única el Herencia sinfónica occidental de Mozart, Beethoven y Schumann con las tradiciones rusas heredadas de Mikhail Glinka.

El compositor llevó una vida activa: fue profesor, director de orquesta, crítico, figura pública, trabajó en dos capitales y realizó giras por Europa y América.

Tchaikovsky era una persona bastante inestable emocionalmente; entusiasmo, desaliento, apatía, mal genio, ira violenta; todos estos estados de ánimo cambiaban en él con bastante frecuencia, siendo una persona muy sociable, siempre luchaba por la soledad;

Seleccionar lo mejor de la obra de Tchaikovsky es una tarea difícil; tiene varias obras iguales en casi todos los géneros musicales: ópera, ballet, sinfonía, música de cámara. Y el contenido de la música de Tchaikovsky es universal: con un melodicismo inimitable abarca imágenes de la vida y la muerte, el amor, la naturaleza, la infancia, revela obras de la literatura rusa y mundial de una manera nueva y refleja los procesos profundos de la vida espiritual.

Cita del compositor:“La vida sólo tiene belleza cuando consiste en una alternancia de alegrías y tristezas, de la lucha entre el bien y el mal, de la luz y la sombra, en una palabra, de la diversidad en la unidad”.

"Un gran talento requiere un gran trabajo duro".

Cita sobre el compositor: "Estoy dispuesto a hacer guardia de honor día y noche en el porche de la casa donde vive Piotr Ilich; así es como lo respeto a A.P. Chéjov".

Dato interesante: La Universidad de Cambridge otorgó a Tchaikovsky el título de Doctor en Música en ausencia y sin defender una tesis, y la Academia de Bellas Artes de París lo eligió miembro correspondiente.

5. Nikolái Andréievich Rimski-Kórsakov

(1844-1908)

N.A. Rimsky-Korsakov y A.K. Glazunov con sus alumnos M.M. Chernov y V.A. Foto 1906

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov es un talentoso compositor ruso, una de las figuras más importantes en la creación del invaluable patrimonio musical ruso. Su mundo único y su adoración por la eterna belleza del universo, su admiración por el milagro de la existencia y su unidad con la naturaleza no tienen análogos en la historia de la música.

Nacido en la provincia de Novgorod, según la tradición familiar se convirtió en oficial naval y viajó por muchos países de Europa y América en un barco de guerra. Recibió su educación musical primero de su madre y luego recibió lecciones privadas del pianista F. Canille. Y nuevamente, gracias a M.A. Balakirev, el organizador de "Mighty Handful", quien introdujo a Rimsky-Korsakov en la comunidad musical e influyó en su trabajo, el mundo no perdió a un compositor talentoso.

El lugar central en el legado de Rimsky-Korsakov lo ocupan las óperas: 15 obras que demuestran la diversidad de géneros, soluciones estilísticas, dramáticas y compositivas del compositor, sin embargo, tienen un estilo especial, con toda la riqueza del componente orquestal, el principal. Son líneas vocales melódicas.

Dos direcciones principales distinguen la obra del compositor: la primera es la historia rusa, la segunda es el mundo de los cuentos de hadas y las epopeyas, por lo que recibió el sobrenombre de "narrador".

Además de su actividad creativa directa e independiente, N.A. Rimsky-Korsakov es conocido como publicista, compilador de colecciones de canciones populares, por las que mostró gran interés, y también como completador de las obras de sus amigos: Dargomyzhsky, Mussorgsky y Borodin. . Rimsky-Korsakov fue el creador de una escuela de composición; como profesor y director del Conservatorio de San Petersburgo, formó a unos doscientos compositores, directores y musicólogos, entre ellos Prokofiev y Stravinsky.

Cita sobre el compositor:“Rimsky-Korsakov era un hombre muy ruso y un compositor muy ruso. Creo que hoy en día debemos valorar especialmente su esencia primordialmente rusa, su profunda base folclórica rusa”. Mstislav Rostropóvich

Dato sobre el compositor: Nikolai Andreevich comenzó su primera lección de contrapunto así:

- Ahora hablaré mucho y tú me escucharás con mucha atención. Entonces hablaré menos, y vosotros escucharéis y pensaréis, y finalmente, no hablaré nada, y vosotros pensaréis con vuestra propia cabeza y trabajaréis independientemente, porque mi tarea como profesora es volveros innecesarias...

¿Cómo sería nuestra vida sin música? Durante muchos años la gente se ha hecho esta pregunta y ha llegado a la conclusión de que sin los bellos sonidos de la música el mundo sería un lugar muy diferente. La música nos ayuda a sentir más alegría, a encontrar nuestro yo interior y a afrontar las dificultades. Los compositores, al trabajar en sus obras, se inspiraron en una variedad de cosas: el amor, la naturaleza, la guerra, la felicidad, la tristeza y mucho más. Algunas de las composiciones musicales que crearon permanecerán para siempre en los corazones y recuerdos de las personas. Aquí hay una lista de diez de los compositores más grandes y talentosos de todos los tiempos. Debajo de cada compositor encontrarás un enlace a una de sus obras más famosas.

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Franz Peter Schubert fue un compositor austriaco que vivió sólo 32 años, pero su música perdurará por mucho tiempo. Schubert escribió nueve sinfonías, unas 600 composiciones vocales y una gran cantidad de música de cámara y de piano solo.

"Serenata vespertina"

Compositor y pianista alemán, autor de dos serenatas, cuatro sinfonías, así como conciertos para violín, piano y violonchelo. Actuó en conciertos desde los diez años y dio su primer concierto en solitario a los 14. Durante su vida, ganó popularidad principalmente gracias a los valses y danzas húngaras que escribió.

"Danza húngara nº 5".

George Frideric Handel fue un compositor alemán e inglés de la época barroca; escribió alrededor de 40 óperas, muchos conciertos de órgano y música de cámara. La música de Handel se toca en las coronaciones de los reyes ingleses desde el año 973, también se escucha en las ceremonias de bodas reales e incluso se utiliza como himno de la Liga de Campeones de la UEFA (con un pequeño arreglo).

"Música en el agua"

Joseph Haydn es un famoso y prolífico compositor austriaco de la época clásica, se le considera el padre de la sinfonía, ya que hizo importantes contribuciones al desarrollo de este género musical. Joseph Haydn es autor de 104 sinfonías, 50 sonatas para piano, 24 óperas y 36 conciertos.

"Sinfonía nº 45".

Pyotr Ilyich Tchaikovsky es el compositor ruso más famoso, autor de más de 80 obras, entre ellas 10 óperas, 3 ballets y 7 sinfonías. Fue muy popular y conocido como compositor durante su vida, y actuó como director en Rusia y en el extranjero.

"Vals de las Flores" del ballet "El Cascanueces".

Frédéric François Chopin es un compositor polaco considerado también uno de los mejores pianistas de todos los tiempos. Escribió muchas piezas musicales para piano, incluidas 3 sonatas y 17 valses.

"Vals de la lluvia".

El compositor y virtuoso violinista veneciano Antonio Lucio Vivaldi es autor de más de 500 conciertos y 90 óperas. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte del violín italiano y mundial.

"Canción de los elfos".

Wolfgang Amadeus Mozart es un compositor austriaco que asombró al mundo con su talento desde la primera infancia. Ya a la edad de cinco años, Mozart componía obras breves. En total, escribió 626 obras, incluidas 50 sinfonías y 55 conciertos. 9.Beethoven 10.Bach

Johann Sebastian Bach fue un compositor y organista alemán de la época barroca, conocido como un maestro de la polifonía. Es autor de más de 1000 obras, que incluyen casi todos los géneros importantes de la época.

"Broma musical"