Siempre vivo A. Ostrovsky

Biografías) son enormes: estrechamente alineado en su trabajo con las actividades de sus grandes maestros Pushkin, Griboyedov y Gogol, Ostrovsky también dijo su palabra, fuerte e inteligente. Realista en su estilo de escritura y en su visión artística del mundo, le dio a la literatura rusa una variedad inusualmente grande de imágenes y tipos, arrancados de la vida rusa.

Alejandro Nikolaevich Ostrovsky. Vídeo educativo

“Al leer sus obras, uno queda directamente asombrado por la inmensa amplitud de la vida rusa, la abundancia y diversidad de tipos, personajes y situaciones. Como en un caleidoscopio, ante nuestros ojos pasan rusos de todas las constituciones mentales posibles: aquí están los comerciantes tiranos, con sus hijos y miembros de su hogar oprimidos, aquí están los terratenientes y terratenientes, de amplia naturaleza rusa, desperdiciando sus vidas, hasta Acaparadores depredadores, desde los complacientes, los puros de corazón hasta los insensibles, sin conocer ninguna restricción moral, son reemplazados por el mundo burocrático, con todos sus diversos representantes, comenzando desde los escalones más altos de la escala burocrática y terminando con aquellos que han perdido. imagen y semejanza de Dios, borrachos de poca monta, pendencieros, producto de los tribunales anteriores a la reforma, luego se convierten en personas simplemente sin fundamento, honestas y deshonestas, que se las arreglan día a día, todo tipo de empresarios, profesores, parásitos y parásitos, actores y actrices provinciales con todo el mundo que los rodea. Y junto con esto pasa el lejano pasado histórico y legendario de Rusia, en forma de cuadros artísticos de la vida de los temerarios del Volga del siglo XVII, los formidables El zar Iván Vasílievich, la época de los disturbios con el frívolo Dmitri, el astuto Shuiski, el gran Nizhny Novgorod Minin, los boyardos militares y el pueblo de esa época”, escribe el crítico prerrevolucionario Alexandrovsky.

Ostrovsky es uno de los escritores nacionales rusos más destacados. Habiendo estudiado en profundidad las capas más conservadoras de la vida rusa, pudo considerar en esta vida los restos buenos y malos de la antigüedad. Nos introdujo más plenamente que otros escritores rusos en la psicología y la cosmovisión del hombre ruso.

Alexander Nikolaevich Ostrovsky es un famoso escritor y dramaturgo ruso que tuvo una influencia significativa en el desarrollo del teatro nacional. Formó una nueva escuela de actuación realista y escribió muchas obras maravillosas. Este artículo describirá las principales etapas de la creatividad de Ostrovsky. Y también los momentos más significativos de su biografía.

Infancia

Alexander Nikolaevich Ostrovsky, cuya foto se presenta en este artículo, nació en 1823, el 31 de marzo, en Moscú, en la región. Su padre, Nikolai Fedorovich, creció en la familia de un sacerdote y se graduó él mismo en la Academia Teológica de Moscú. , pero no sirvió en la iglesia. Se hizo abogado y se ocupó de asuntos comerciales y judiciales. Nikolai Fedorovich logró ascender al rango de consejero titular y más tarde (en 1839) recibió la nobleza. La madre del futuro dramaturgo, Savvina Lyubov Ivanovna, era hija de un sacristán. Murió cuando Alejandro tenía sólo siete años. En la familia Ostrovsky crecieron seis hijos. Nikolai Fedorovich hizo todo lo posible para que los niños crecieran en prosperidad y recibieran una educación digna. Unos años después de la muerte de Lyubov Ivanovna, se volvió a casar. Su esposa fue Emilia Andreevna von Tessin, baronesa, hija de un noble sueco. Los niños tuvieron mucha suerte de tener una madrastra: ella logró acercarse a ellos y continuó educándolos.

Juventud

Alexander Nikolaevich Ostrovsky pasó su infancia en el mismo centro de Zamoskvorechye. Su padre tenía una muy buena biblioteca, gracias a la cual el niño conoció temprano la literatura de los escritores rusos y sintió inclinación por la escritura. Sin embargo, el padre sólo vio en el niño a un abogado. Por lo tanto, en 1835, Alejandro fue enviado al Primer Gimnasio de Moscú, después de estudiar allí, se convirtió en estudiante en la Universidad de Moscú. Sin embargo, Ostrovsky no logró obtener el título de abogado. Se peleó con el profesor y abandonó la universidad. Siguiendo el consejo de su padre, Alexander Nikolaevich fue a servir en la corte como escriba y trabajó en este puesto durante varios años.

intento de escribir

Sin embargo, Alexander Nikolaevich no dejó de intentar demostrar su valía en el campo literario. En sus primeras obras se adhirió a una dirección acusatoria, “moral-social”. Los primeros se publicaron en una nueva edición, Moscú City Listk, en 1847. Se trataba de bocetos para la comedia "El deudor fallido" y el ensayo "Notas de un residente de Zamoskvoretsky". Debajo de la publicación estaban las letras “A. ACERCA DE." y "D. GRAMO." El hecho es que un tal Dmitry Gorev ofreció cooperación al joven dramaturgo. No avanzó más allá de la escritura de una de las escenas, pero posteriormente se convirtió en una fuente de grandes problemas para Ostrovsky. Algunos detractores acusaron más tarde al dramaturgo de plagio. En el futuro, muchas obras magníficas saldrían de la pluma de Alexander Nikolaevich, y nadie se atrevería a dudar de su talento. Lo siguiente se describirá en detalle. La tabla que se presenta a continuación le permitirá sistematizar la información recibida.

Primer éxito

¿Cuando esto pasó? La obra de Ostrovsky ganó gran popularidad después de la publicación en 1850 de la comedia "Nuestra gente - ¡Seamos contados!". Esta obra provocó críticas favorables en los círculos literarios. I. A. Goncharov y N. V. Gogol valoraron positivamente la obra. Sin embargo, este barril de miel también incluía una impresionante mosca en el ungüento. Representantes influyentes de la clase mercantil de Moscú, ofendidos por su clase, se quejaron ante las más altas autoridades del atrevido dramaturgo. Inmediatamente se prohibió la producción de la obra, el autor fue expulsado del servicio y puesto bajo la más estricta supervisión policial. Además, esto sucedió por orden personal del propio emperador Nicolás I. La supervisión fue eliminada sólo después de que el emperador Alejandro II ascendiera al trono. El público del teatro vio la comedia recién en 1861, después de que se levantó la prohibición de su producción.

Primeras jugadas

Los primeros trabajos de A. N. Ostrovsky no pasaron desapercibidos; sus obras fueron publicadas principalmente en la revista "Moskvityanin". El dramaturgo colaboró ​​activamente con esta publicación como crítico y como editor en 1850-1851. Bajo la influencia de la "joven redacción" de la revista y el principal ideólogo de este círculo, Alexander Nikolaevich compuso las obras "La pobreza no es un vicio", "No te sientes en tu propio trineo", "No vivas". la forma que tu quieras". Los temas de la obra de Ostrovsky durante este período son la idealización del patriarcado, las antiguas costumbres y tradiciones rusas. Estos sentimientos silenciaron ligeramente el patetismo acusatorio de la obra del escritor. Sin embargo, en las obras de este ciclo, la habilidad dramática de Alexander Nikolaevich creció. Sus obras se hicieron famosas y solicitadas.

Colaboración con Sovremennik

A partir de 1853, durante treinta años, las obras de Alexander Nikolaevich se representaron cada temporada en los escenarios de los teatros Maly (en Moscú) y Alexandrinsky (en San Petersburgo). Desde 1856, las obras de Ostrovsky aparecen regularmente en la revista Sovremennik (las obras se publican). Durante el levantamiento social en el país (antes de la abolición de la servidumbre en 1861), las obras del escritor adquirieron nuevamente un tono acusatorio. En la obra "En la fiesta de otra persona hay resaca", el escritor creó la impresionante imagen de Bruskov Tit Titych, en la que encarna el poder bruto y oscuro de la autocracia doméstica. Aquí se escuchó por primera vez la palabra "tirano", que más tarde pasó a formar parte de toda una galería de personajes de Ostrovsky. La comedia "Profitable Place" ridiculizó el comportamiento corrupto de los funcionarios, que se había convertido en la norma. El drama “The Kindergarten” fue una protesta viva contra la violencia contra el individuo. A continuación se describirán otras etapas de la creatividad de Ostrovsky. Pero el pináculo de los logros de este período de su actividad literaria fue el drama socio-psicológico "La tormenta".

"Tormenta"

En esta obra, el "hombre común" Ostrovsky pintó la atmósfera aburrida de una ciudad de provincias con su hipocresía, rudeza y la autoridad incuestionable de los "mayores" y los ricos. En contraste con el mundo imperfecto de las personas, Alexander Nikolaevich representa imágenes impresionantes de la naturaleza del Volga. La imagen de Katerina está llena de una belleza trágica y un encanto lúgubre. La tormenta simboliza la agitación mental de la heroína y al mismo tiempo personifica el peso del miedo bajo el cual vive constantemente la gente común. El reino de la obediencia ciega está socavado, según Ostrovsky, por dos fuerzas: el sentido común, que Kuligin predica en la obra, y el alma pura de Katerina. En su "Rayo de luz en un reino oscuro", el crítico Dobrolyubov interpretó la imagen del personaje principal como un símbolo de protesta profunda, que gradualmente maduró en el país.

Gracias a esta obra, la creatividad de Ostrovsky se elevó a alturas inalcanzables. "La Tormenta" convirtió a Alexander Nikolaevich en el dramaturgo ruso más famoso y venerado.

Motivos historicos

En la segunda mitad de la década de 1860, Alexander Nikolaevich comenzó a estudiar la historia de la época de los disturbios. Comenzó a mantener correspondencia con el famoso historiador Nikolai Ivanovich Kostomarov. Basándose en el estudio de fuentes serias, el dramaturgo creó toda una serie de obras históricas: "Dmitry el pretendiente y Vasily Shuisky", "Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk", "Tushino". Ostrovsky retrató los problemas de la historia rusa con talento y autenticidad.

Otras obras de teatro

Alexander Nikolaevich se mantuvo fiel a su tema favorito. En la década de 1860 escribió muchos dramas y obras de teatro "cotidianos". Entre ellos: “Días difíciles”, “The Deep”, “Jokers”. Estas obras consolidaron los motivos ya encontrados por el escritor. Desde finales de la década de 1860, la obra de Ostrovsky ha experimentado un período de desarrollo activo. En su dramaturgia aparecen imágenes y temas de la “nueva” Rusia que sobrevivió a la reforma: empresarios, adquirentes, bolsas de dinero patriarcales degeneradas y comerciantes “europeizados”. Alexander Nikolaevich creó una brillante serie de comedias satíricas que desacreditan las ilusiones de los ciudadanos posteriores a la reforma: "Mad Money", "Warm Heart", "Wolves and Sheep", "Forest". El ideal moral del dramaturgo es la gente noble y de corazón puro: Parasha de "Warm Heart", Aksyusha de "The Forest". Las ideas de Ostrovsky sobre el significado de la vida, la felicidad y el deber se plasmaron en la obra "Pan de trabajo". Casi todas las obras de Alexander Nikolaevich escritas en la década de 1870 se publicaron en Otechestvennye zapiski.

"Doncella de la nieve"

La aparición de esta obra poética fue completamente accidental. El Teatro Maly se cerró por reformas en 1873. Sus artistas se trasladaron al edificio del Teatro Bolshoi. En este sentido, la comisión para la dirección de los Teatros Imperiales de Moscú decidió crear una representación en la que participarían tres compañías: ópera, ballet y teatro. Alexander Nikolaevich Ostrovsky se comprometió a escribir una obra similar. "La doncella de nieve" fue escrita por el dramaturgo en muy poco tiempo. El autor tomó como base la trama de un cuento popular ruso. Mientras trabajaba en la obra, seleccionó cuidadosamente los tamaños de los poemas y consultó con arqueólogos, historiadores y expertos en antigüedad. La música de la obra fue compuesta por el joven P. I. Tchaikovsky. La obra se estrenó en 1873, el 11 de mayo, en el escenario del Teatro Bolshoi. K. S. Stanislavsky habló de "La doncella de las nieves" como de un cuento de hadas, un sueño contado en versos sonoros y magníficos. Dijo que el escritor realista y cotidiano Ostrovsky escribió esta obra como si antes no le interesara nada más que el puro romance y la poesía.

Trabajo en los últimos años.

Durante este período, Ostrovsky compuso importantes comedias y dramas socio-psicológicos. Cuentan los trágicos destinos de mujeres sensibles y talentosas en un mundo cínico y egoísta: "Talentos y admiradores", "Dote". Aquí el dramaturgo desarrolló nuevas técnicas de expresión escénica que anticiparon la obra de Anton Chejov. Manteniendo las peculiaridades de su dramaturgia, Alexander Nikolaevich buscó encarnar la "lucha interna" de los personajes en una "comedia inteligente y sutil".

Actividad social

En 1866, Alexander Nikolaevich fundó el famoso Círculo Artístico. Posteriormente dio a los escenarios de Moscú muchas figuras talentosas. D. V. Grigorovich, I. A. Goncharov, I. S. Turgenev, P. M. Sadovsky, A. F. Pisemsky, G. N. Fedotova, M. E. Ermolova, P. I. Tchaikovsky visitaron Ostrovsky, L. N. Tolstoi, M. E. Saltykov-Shchedrin, I. E. Turchaninov.

En 1874, se creó en Rusia la Sociedad de Escritores Dramáticos y Compositores de Ópera Rusos. Alexander Nikolaevich Ostrovsky fue elegido presidente de la asociación. Las fotografías de la famosa figura pública eran conocidas por todos los amantes de las artes escénicas en Rusia. El reformador hizo muchos esfuerzos para que la legislación sobre la dirección del teatro se revisara en favor de los artistas y, por lo tanto, mejorara significativamente su situación financiera y social.

En 1885, Alexander Nikolaevich fue nombrado jefe del departamento de repertorio y director de la escuela de teatro.

Teatro Ostrovsky

La obra de Alexander Ostrovsky está indisolublemente ligada a la formación del verdadero teatro ruso en su sentido moderno. El dramaturgo y escritor logró crear su propia escuela de teatro y un concepto holístico especial para la puesta en escena de representaciones teatrales.

Las peculiaridades de la creatividad de Ostrovsky en el teatro radican en la ausencia de oposición a la naturaleza del actor y situaciones extremas en la acción de la obra. En las obras de Alexander Nikolaevich, los acontecimientos habituales le suceden a la gente corriente.

Ideas principales de la reforma:

• el teatro debe construirse sobre la base de convenciones (hay una “cuarta pared” invisible que separa al público de los actores);
• a la hora de poner en escena una obra de teatro, es necesario apostar no por un actor famoso, sino por un equipo de artistas que se entienden bien;
• la invariabilidad de la actitud de los actores hacia el lenguaje: las características del habla deben expresar casi todo sobre los personajes presentados en la obra;
• la gente viene al teatro para ver actuar a los actores y no para familiarizarse con la obra; pueden leerla en casa.

Las ideas que se le ocurrieron al escritor Alexander Nikolaevich Ostrovsky fueron refinadas posteriormente por M. A. Bulgakov y K. S. Stanislavsky.

Vida personal

La vida personal del dramaturgo no fue menos interesante que su obra literaria. Alexander Nikolaevich Ostrovsky vivió en matrimonio civil con una simple mujer burguesa durante casi veinte años. Datos interesantes y detalles de la relación matrimonial entre el escritor y su primera esposa todavía entusiasman a los investigadores.

En 1847, en Nikolo-Vorobinovsky Lane, al lado de la casa donde vivía Ostrovsky, una joven, Agafya Ivanovna, se instaló con su hermana de trece años. No tenía familia ni amigos. Nadie sabe cuándo conoció a Alexander Nikolaevich. Sin embargo, en 1848 los jóvenes tuvieron un hijo, Alexei. No había condiciones para criar a un niño, por lo que el niño fue colocado temporalmente en un orfanato. El padre de Ostrovsky estaba terriblemente enojado porque su hijo no solo abandonó una prestigiosa universidad, sino que también se involucró con una simple mujer burguesa que vivía en la casa de al lado.

Sin embargo, Alexander Nikolaevich mostró firmeza y, cuando su padre y su madrastra se fueron a la finca Shchelykovo recientemente adquirida en la provincia de Kostroma, se instaló con Agafya Ivanovna en su casa de madera.

El escritor y etnógrafo S. V. Maksimov llamó en broma a la primera esposa de Ostrovsky "Marfa Posadnitsa", porque estuvo al lado del escritor en tiempos de gran necesidad y privaciones. Los amigos de Ostrovsky caracterizan a Agafya Ivanovna como una persona naturalmente muy inteligente y de buen corazón. Conocía muy bien las costumbres y costumbres de la vida mercantil y tuvo una influencia incondicional en la obra de Ostrovsky. Alexander Nikolaevich la consultaba a menudo sobre la creación de sus obras. Además, Agafya Ivanovna fue una anfitriona maravillosa y hospitalaria. Pero Ostrovsky no formalizó su matrimonio con ella ni siquiera después de la muerte de su padre. Todos los niños nacidos en esta unión murieron muy jóvenes, solo el mayor, Alexei, sobrevivió brevemente a su madre.

Con el tiempo, Ostrovsky desarrolló otras aficiones. Estaba apasionadamente enamorado de Lyubov Pavlovna Kositskaya-Nikulina, quien interpretó a Katerina en el estreno de La tormenta en 1859. Sin embargo, pronto se produjo una ruptura personal: la actriz dejó al dramaturgo por un rico comerciante.

Luego, Alexander Nikolaevich tuvo una relación con la joven artista Vasilyeva-Bakhmetyeva. Agafya Ivanovna lo sabía, pero cargó con firmeza su cruz y logró mantener el respeto de Ostrovsky por sí misma. La mujer murió en 1867, el 6 de marzo, tras una grave enfermedad. Alexander Nikolaevich no abandonó la cama hasta el final. Se desconoce el lugar de enterramiento de la primera esposa de Ostrovsky.

Dos años más tarde, el dramaturgo se casó con Vasilyeva-Bakhmetyeva, con quien tuvo dos hijas y cuatro hijos. Alexander Nikolaevich vivió con esta mujer hasta el final de sus días.

Muerte del escritor

La intensa vida social no podía dejar de afectar la salud del escritor. Además, a pesar de los buenos honorarios por la producción de obras de teatro y una pensión anual de 3 mil rublos, Alexander Nikolaevich siempre no tuvo suficiente dinero. Agotado por las constantes preocupaciones, el cuerpo del escritor finalmente falló. En 1886, el 2 de junio, el escritor murió en su finca de Shchelykovo, cerca de Kostroma. Para el entierro del dramaturgo, el emperador donó 3.000 rublos. Además, asignó una pensión de 3.000 rublos a la viuda del escritor y otros 2.400 rublos al año para criar a los hijos de Ostrovsky.

tabla cronológica

La vida y obra de Ostrovsky se pueden mostrar brevemente en una tabla cronológica.

La vida y obra de Ostrovsky estuvieron llenas de acontecimientos de este tipo. Una tabla que indique los principales incidentes en la vida del escritor ayudará a estudiar mejor su biografía. La herencia dramática de Alexander Nikolaevich es difícil de sobreestimar. Incluso durante la vida del gran artista, el Teatro Maly comenzó a llamarse "la casa de Ostrovsky", y esto dice mucho. Vale la pena estudiar con más detalle el trabajo de Ostrovsky, cuya breve descripción se describe en este artículo.

ES DECIR. Zaitseva

Los investigadores asocian la formación del realismo crítico en el teatro ruso a mediados del siglo XIX con múltiples cambios que se estaban produciendo en Rusia en ese momento en todas las formas de conciencia social, incluido el arte.

La dirección principal de la búsqueda artística de la época estuvo determinada por el conocimiento de la realidad en todas sus contradicciones sociales. A mediados de los años 40 surgió una escuela que afirmaba la lealtad a la verdad de la vida como criterio principal de una obra de arte.

El amor por el teatro y su servicio se convirtió en la vocación de toda la vida de Alexander Nikolaevich Ostrovsky (1823-1886). El dramaturgo inició su actividad teatral durante el período de reacción violenta que siguió a las revoluciones europeas de 1848. Este reinado de "siete años oscuros" de Nicolás en la esfera cultural se caracterizó por la censura más estricta, el dominio de funcionarios burocráticos que no entendían nada de arte y el fortalecimiento del monopolio de los teatros imperiales. Esta política teatral contribuyó al florecimiento en escena de vodeviles "vacíos" (en su mayoría traducidos), melodramas llorosos, dramas leales que correspondían a los gustos de los teatros "favorecidos" por la corte. Uno de los autores más populares fue N.V. Titiritero, “un representante de la “escuela falsamente majestuosa”, que inculca en el público la admiración por el estado pasado y actual del estado” (Historia del drama ruso del siglo XVII - primera mitad del siglo XIX. - L., 1982. - pág. 24). Por supuesto, el fondo de oro, la base clásica del teatro ruso, fueron las brillantes comedias de D.I. Fonvizina, A.S. Griboedova, N.V. Gogol, obras de A.S. Pushkin. Pero eran muy pocos y no podían proporcionar un repertorio constante.

Las palabras de Gogol: “¡Por ​​el amor de Dios, danos caracteres rusos, danos a nosotros mismos, a nuestros pícaros, a nuestros excéntricos! "Al escenario, por tu risa", los contemporáneos los percibieron como un programa de drama nacional ruso. Ostrovsky intentó realizarlo en "obras de la vida".

El dramaturgo escribió cuarenta y siete obras originales, tradujo la obra de G.F. Kvitki-Osnovyanenko “Shchira Lyubov” (“El amor sincero, o Darling es más valioso que la felicidad”), y también tradujo veintidós obras dramáticas del inglés, francés, español e italiano.

Ostrovsky hizo frente brillantemente a una tarea artística de importancia histórica: completó la creación del drama ruso, "todo un teatro popular". Estaba destinado a aparecer precisamente porque a finales de los años 40 el rápido desarrollo del capitalismo condujo al proceso de democratización de la cultura, al crecimiento del estrato cultural de la sociedad y, en relación con esto, surgió un orden social para el drama a partir de Vida rusa (Polyakova E.I. Drama ruso de la era de Ostrovsky // Drama ruso de la era de Ostrovsky. - M., 1984. - P. 9). El nuevo espectador democrático trajo éxito al debutante Ostrovsky. El dramaturgo consideró que este nuevo espectador, que recién intenta incorporarse al arte del teatro, está dando sus primeros pasos en la dirección cultural, puede ser educado, desarrollado y formado en él la necesidad de lo bello, altamente artístico: “ ... necesitamos despertar en él buenos instintos, y esto es una cuestión de arte... El teatro captura un alma fresca con mano imperiosa y la lleva a donde quiere. Por supuesto, la acción del teatro es breve, no sigue al espectador en todas sus huellas, pero esas tres o cuatro horas son suficientes cuando el hombre salvaje está bajo el hechizo del arte omnipotente que lo domina: los profundos surcos de la cultura. Ya han pasado por su cerebro húmedo, ya le están sucediendo cosas al hombre salvaje, la inoculación cultural" (Ostrovsky A.N. Obras completas completas: en 16 volúmenes - M., 1951. - T. 10. - P. 137-138). En estas palabras, Ostrovsky se revela como un educador demócrata. Con el tiempo, la naturaleza utópica de las esperanzas educativas del dramaturgo se vuelve cada vez más obvia: el arte no logró rehacer al espectador comerciante "fresco". En cuanto a la intelectualidad, esperaban del arte propaganda directa de ideas avanzadas y, por lo tanto, Ostrovsky no les parecía moderno (E.I. Polyakova).

Desde el inicio de su actividad creativa, el dramaturgo se consideró directamente uno de los "autores de una nueva dirección en nuestra literatura". Su innovación se manifestó en el hecho de que logró descubrir una nueva naturaleza del drama, cuya esencia son las contradicciones sociales reales de la época, que inevitablemente dan lugar a una protesta contra la realidad misma. Sus obras se basaron en conflictos que el dramaturgo observó en la vida real, lo que les dio el nombre de “obras de la vida”.

Los investigadores atribuyen la aparición de "obras de la vida" de A.N. Ostrovsky en el escenario con dos fenómenos: el triunfo de las tradiciones de la comedia nacional rusa, establecidas por Fonvizin, Krylov, Griboyedov, Gogol, y los principios de la "escuela natural", fundamentados teóricamente por el crítico V.G. Belinski. El mérito de Ostrovsky para la cultura teatral rusa es la talentosa combinación y el mayor desarrollo de estos dos fenómenos en su obra.

En 1847, el dramaturgo comenzó y publicó parcialmente "Notas de un residente de Zamoskvoretsky". El mundo de Zamoskvorechye, donde Alexander Nikolaevich pasó su infancia y juventud, y el Tribunal Comercial de Moscú, donde se desempeñó como abogado del jurado en la mesa verbal, proporcionaron material rico, verdaderas historias de vida y un sabor popular especial.

Arrancando el velo de oscuridad que cubría la vida de Zamoskvoretsk, el dramaturgo se convirtió en un pionero en el misterioso país de Zamoskvoretsk, revelando al público por primera vez la forma de vida, las tradiciones, las costumbres y el idioma de sus habitantes. Mostró al espectador ruso el mundo especial de Zamoskvorechye, que el crítico Dobrolyubov definió como un "reino oscuro", donde operan las leyes de Domostroievski, prejuicios absurdos, rutinas filisteas y costumbres humillantes. Gracias al talento del dramaturgo, personas vivas aparecieron en el escenario, como copiadas de la vida, y hablaron en un lenguaje vivo: simple, cotidiano, nunca antes escuchado en el escenario teatral.

El 14 de febrero de 1847, en la casa del profesor de la Universidad de Moscú S.P. Shevyrev Ostrovsky leyó su primera obra: "La imagen de la felicidad familiar". Contemporánea de la dramaturga, actriz del Teatro Maly V.N. Ryzhova, que escuchó repetidamente la interpretación de sus propias obras por parte de su autor, recordó: “Leí A.N. Ostrovsky es asombrosamente sencillo, sin teatralidad ni afectación alguna, pero tan sentido y conmovedor: que... los corazones temblaron de simpatía, indignación y alegría. Alexander Nikolayevich tuvo especialmente éxito en los papeles femeninos, y aunque no cambió su voz en absoluto, en las líneas de las heroínas se podía sentir una melancolía puramente femenina, o un amor maternal, o una inmensa devoción femenina... Y me pareció que cuando la gente se reconozca en el destino de los héroes de Ostrovsky, cuando los artistas hablen de ellos como lee el gran dramaturgo, la gente se avergonzará de hacerse daño y ofenderse unos a otros, de destruir la felicidad humana” (Ryzhov sobre Ryzhova. - M., 1983. - Pág. 83).

La comedia en un acto, que cuenta la vida del comerciante Puzatov, asombró a todos los presentes con el conocimiento de la vida cotidiana y de la clase mercantil, brillantemente demostrado por el autor. Era un boceto auténtico de la naturaleza del mundo de Zamoskvorechye. Sin embargo, el censor, que consideró la obra ofensiva para los comerciantes, prohibió su producción (el estreno no tuvo lugar hasta 1855).

En 1849, Ostrovsky completó el trabajo en la comedia "Bankrupt" ("Seremos nuestro propio pueblo"), que también fue prohibida. A pesar de la valoración categóricamente negativa de la obra por parte de los censores, el aspirante a dramaturgo no se rindió. Junto con su amigo, el joven actor del Teatro Maly Prov Sadovsky, representó comedias en varias casas de Moscú. Fue un éxito rotundo y se convirtió en una sensación artística. ES. Turgenev habló sobre el debutante: "Empezó de manera inusual", A.F. Pisemsky le escribió al dramaturgo: “Su “quiebra” es el “Ay del ingenio” de un comerciante o. más precisamente: comerciante “Dead Souls”; SÍ. Herzen calificó la comedia como "un grito de ira y odio contra la moral rusa".

La obra fue publicada en 1850 por la revista "Moskvityanin", pero el Comité de Censura volvió a prohibir su producción, y el zar Nicolás I escribió de su propia mano: "Completamente justo, se imprimió en vano, está prohibido jugar..." El autor se encontraba entre los poco fiables, se abrió un proceso contra él y se estableció una supervisión; fue "desstituido del servicio" en el Tribunal de Comercio.

En 1850, Ostrovsky se convirtió en empleado de la "joven redacción" de la revista Moskvityanina. Edita, escribe artículos, crea cinco obras de teatro más, pero todas corren la misma suerte que las anteriores.

La primera obra que se permitió la producción fue el melodrama "No te subas a tu propio trineo", que se estrenó el 14 de enero de 1853 en el escenario del Teatro Maly con una función benéfica de la actriz L. P. Nikulina-Kositskaya, quien asombró al público con la penetración de su actuación. Este día es el punto de partida de la historia escénica de las obras de Ostrovsky. Un contemporáneo del dramaturgo, uno de los miembros de la “joven redacción” de “Moskvityanin”, el artista I. F. Gorbunov, que asistió a la primera representación de la comedia, afirmó que con ella comenzaba una nueva era en los escenarios de Moscú: “. ..Se levantó el telón y desde el escenario se escucharon sonidos, nuevas palabras, un nuevo lenguaje, nunca antes escuchado en el escenario, aparecieron personas vivas..." (Gorbunov I.V. Extractos de memorias // A.N. Ostrovsky en las memorias de los contemporáneos. - M., 1966. - Pág. 49). La actuación, a cargo de un excelente conjunto interpretativo, fue un éxito triunfal.

Desde el comienzo de su actividad creativa, Ostrovsky fue clasificado por sus contemporáneos como un dramaturgo cotidiano. El propio artista entendía la vida como orden, paz, santificada por la tradición, protegida por el poder de la costumbre. Fue Ostrovsky quien abordó por primera vez esos temas, imágenes, “capas cotidianas que antes de él se consideraban indignas de una representación artística. El talento del maestro le permitió, en esta tradición, en este orden, ver las contradicciones inevitables que socavan y destruyen su inviolabilidad, y revelar las contradicciones cotidianas como sociales. Se dio cuenta profundamente del poder de la inercia, del entumecimiento de la vida cotidiana: “No en vano llamé a este poder Zamoskvoretskaya: allí, más allá del río Moscú, está su reino, allí está su trono. Lleva a un hombre a una casa de piedra y cierra la puerta de hierro detrás de él; viste a una persona con una bata de algodón, pone una cruz en la puerta para proteger al espíritu maligno y deja que los perros deambulen por el patio para proteger a la gente malvada. ... Ella es una engañadora, siempre finge ser la felicidad familiar, y una persona inexperta no la reconocerá pronto y, tal vez, la envidiará. Ella es una traidora: prepara y prepara a una persona, pero de repente lo golpea con tanta fuerza que ni siquiera tiene tiempo de santiguarse” (Ostrovsky A.N. Obras completas completas: en 16 volúmenes - M., 1952. - Vol. 13 . - pág. 43).

Siguiendo el principio de fidelidad a la verdad de la vida, rompe cerraduras y cerrojos, abre contraventanas y ventanas del “reino oscuro” para mostrar a sus héroes en la vida hogareña, en la familia, dónde son naturales, dónde revelarse más plenamente: “Aquí es donde el hombre - ¡entonces será reconocido!

La siguiente obra del dramaturgo, La pobreza no es un vicio (1854), inesperadamente destacó al personaje principal, el borracho Lyubim Tortsov, dotándolo de humanidad y nobleza, provocando una acalorada controversia tanto en el entorno teatral como en las páginas de la prensa. . En las memorias de un contemporáneo que vio esta actuación, leemos:

“- Más ancho el camino - ¡Se acerca Love Tortsov! - exclamó al final de la obra el profesor de literatura rusa que estaba sentado con nosotros, poniéndose el abrigo.

¿Qué quiere decir con esto? - preguntó el estudiante. – No veo un ideal en Lyubim Tortsov. Beber no es lo ideal.

¡Veo la verdad! – respondió bruscamente la profesora. - Sí, señor, la verdad. ¡Más ancho el camino! La verdad está caminando por el escenario. Amamos a Tortsov, ¡de verdad! Este es el fin de los paisajes escénicos, el fin del Titiritero: la verdad encarnada apareció en el escenario” (Gorbunov I.V. Extractos de las memorias de A.N. Ostrovsky en las memorias de los contemporáneos. - M.. 1966. - P. 55 - 56) .

El famoso crítico Ap. Grigoriev anunció con entusiasmo "una nueva palabra" en el teatro: sobre la nacionalidad, hablando con un artículo que tituló: "El camino es más ancho: ¡nos encanta que viene Tortsov!". Los opositores de la obra se opusieron tajantemente a las críticas. Así, en disputas y discusiones chocaron la nueva y la vieja estética teatral.

Ostrovsky continúa perfeccionando su estilo, mezclando géneros y sus límites. Heredando las tradiciones de sus grandes predecesores, enriquece el drama con episodios cómicos e introduce en la comedia escenas dramáticas, llenándolas de autenticidad de la vida, utilizando toda la belleza y la diversidad cromática de la lengua popular rusa.

En 1856, en la comedia "En la fiesta de otro, resaca", Ostrovsky utilizó por primera vez el concepto de "tirano", explicando su esencia a través de labios de uno de los personajes: "Un tirano, se llama, si una persona no No escuches a nadie, al menos lo divertirás con una estaca en la cabeza, pero él todo es tuyo. Dará un golpe con el pie y dirá: ¿quién soy yo? Aquí todos en casa deben acostarse a sus pies, de lo contrario habrá problemas…” Esta obra describe las características de la tiranía como fenómeno social. Pero este fenómeno poco a poco se volvió obsoleto a medida que avanzaba la vida. El tema de la tiranía, que corroe la conciencia de la gente, se puede ver en muchas de sus obras.

La obra "La tormenta", que llamó la atención por su agudeza social y su patetismo en su denuncia de la tiranía, tuvo un éxito sin precedentes. Su estreno tuvo lugar en dos teatros: el Maly de Moscú y el Alexandrinsky de San Petersburgo.

El público vio por primera vez "La tormenta" el 16 de noviembre de 1859 en una función benéfica del actor del Teatro Pequeño S.V. Los historiadores del teatro creen que el origen y el triunfo de la obra están relacionados con el nombre de L.P. Nikulina-Kositskaya, para quien fue escrito el papel de Katerina. Al crear esta imagen, Ostrovsky partió de la individualidad de la talentosa actriz (ex sierva), quien lo deleitó con su conocimiento del habla, la vida y las tradiciones populares. La conmoción de la actuación, una profunda comprensión del alma femenina y la tragedia de la obra permitieron a la actriz principal alcanzar las alturas del arte escénico actoral. Su Katerina, fuerte, apasionada, pura y poética, rebelándose contra la violencia contra el alma humana viva, se convirtió para sus contemporáneos en un verdadero “rayo de luz”.

El dramaturgo concibió La tormenta como una comedia y luego la llamó drama. Dobrolyubov vio en esta obra que “las relaciones mutuas entre tiranía y falta de voz tienen en ella las consecuencias más trágicas” (Dobrolyubov N.A. Un rayo de luz en el reino oscuro // Artículos críticos literarios seleccionados. - K., 1976. - Pág. 178). La crítica literaria moderna clasifica su género como una tragedia social. Crítico de arte B.V. Alpers considera la obra una tragedia romántica del teatro nacional ruso, hablando de la limpieza social y moral, de la catarsis que, como una verdadera tragedia, "La tormenta" trae al auditorio (Alpers B.V. Ensayos teatrales. M., 1981. - T 1. – pág. 505).

En esta desesperanza, en esta "cripta de la vida" de los Dikikhs y Kabanov, hay algo vivo, imperecedero: la riqueza espiritual de Katerina. Su naturaleza estética se caracteriza por la religiosidad, una percepción poética de la naturaleza y un sentido de la belleza.

Como señaló con precisión el investigador V.V. Osnovin, en la oración, en el servicio, en la percepción de la belleza del mundo que la rodea, busca aplicar sus poderes espirituales. Y el punto más alto de esta aplicación para ella es el amor. Toda Katerina se manifiesta en el amor. Se rebela contra la tiranía, armada con una sola cosa: la conciencia del derecho a amar. Habiendo descubierto el amor, habiendo conocido la voluntad, la libertad, quiere vivir. Vivir para ella significa ser uno mismo. Pero en el reino de Kalinov esto es imposible. Sólo hay una salida: la muerte. Hay libertad en ello.

El escenario ruso nunca ha conocido a un personaje así. Los críticos de arte explican con esto la enorme resonancia pública del drama y sus primeras representaciones en los teatros Maly y Alexandrinsky.

Tras el estreno de “The Thunderstorm”, surgió una discusión en torno al mismo. Al autor se le reprochó la inmoralidad, argumentaron que su obra no era un drama, sino una sátira. Pero los escritores rusos avanzados valoraban mucho "La tormenta": N. A. Dobrolyubov la llamó "la obra más decisiva de Ostrovsky", I. A. Goncharov argumentó que "no existía tal obra... en nuestra literatura", I. S. Turgenev creía que ésta era sin duda "la más increíble y magnífico trabajo de un poderoso talento ruso que se ha dominado por completo”.

Ostrovsky recibió un premio académico por la obra "La tormenta". En 1863 se convirtió en el primer dramaturgo de la historia de la literatura rusa en ser elegido miembro correspondiente de la Academia de Ciencias.

La historia del arte teatral ruso contiene muchas páginas inolvidables dedicadas a la interpretación escénica de las imágenes de "La tormenta" interpretadas por actores destacados. Una de las luminarias del Teatro Maly, la actriz G. N. Fedotova, que interpretó el papel de Katerina en 1863, la interpretó durante treinta años, convirtiendo esta imagen en la cima de su creatividad. La actriz comprendió gradualmente el carácter multidimensional de su heroína y seleccionó medios especiales de expresión artística: detalles cotidianos, gestos, andar y forma de hablar. Katerina la sorprendió con la "música" del habla rusa. Una rara autenticidad de carácter nació del conocimiento de la etiqueta única del antiguo ruso. Fedotova transmitió su confusión y desesperación con temperamento y pasión. La interpretación del papel estuvo determinada por la compasión por la víctima del “reino oscuro”. En la actuación de esta actriz estuvo ausente el tema de la protesta.

Las nuevas características para resolver la trágica imagen de Katerina se plasmaron aún más en la actuación de M. N. Ermolova (1873), quien puso en primer plano la protesta activa de Katerina. Al interpretar una tragedia, Ermolova dotó a su heroína de “voluntad inquebrantable, coraje y maximalismo espiritual” (B.V. Alpers). Para su naturaleza apasionada y amante de la libertad, el amor por Boris era el conocimiento de la libertad total. Perder esta libertad significaba morir. La apoteosis creativa de la actuación fueron los dos últimos actos, en los que la actuación de Ermolova conmocionó con trágica intensidad. Esta Katerina permaneció intacta, invicta en la mente de sus contemporáneos.

La imagen de Katerina, creada por la actriz del drama refinado E. Roshchina-Insarova en la representación de Meyerhold de 1916 en el Teatro Alexandrinsky, apareció ante el público en una interpretación completamente diferente. B.V. Alpers la llamó Katerina del “fin de siglo”, que “ya no tenía fuerzas ni ganas de luchar”. En su mirada a Boris se veía “no amor, ni pasión... sino el último adiós a la vida”. El crítico llega a la conclusión de que la imagen de Katerina Roshchina es inseparable de la atmósfera anterior a la tormenta en la que vivía el viejo mundo antes del cambio de 1916. Katerina Roshchina, su creación y víctima, estaba condenada a morir con él.

Sobre la interpretación poco convencional de la obra por parte del director, el crítico de arte K.L. Rudnitsky escribió: “Evitando la autenticidad cotidiana, rechazando una descripción directa del “reino oscuro”, convirtiendo al prosaico y salvaje Kalinov en una especie de ciudad de cuento de hadas de Kitezh, Meyerhold arrancó toda la dramática situación de “La tormenta” del libro. Circunstancias históricas específicas de la vida rusa a mediados del siglo XIX. Pero al mismo tiempo reveló la relevancia de esta situación para principios del siglo XX. Poetizado, adquirió el significado de universalidad. En lugar de un reino mercantil oscuro específico y una forma de vida oscura, apareció el poder de fuerzas espirituales oscuras” (Rudnitsky K.L. Director Meyerhold. - M., 1969. - P. 191).

En esta inesperada idea del director, la imagen de Katerina sonaba nueva. “Katerina estaba sola... incapaz de abrirse completamente a nadie, nadie la entendía, nadie la necesitaba. Ella avanzó durante la actuación en completa y congelada soledad”. Rudnitsky comparó a Katerina Roshchina con la mujer de Blok, "que apareció en el escenario de Alexandrinsky, "tan indiferente y brillante, como si le hubiera dado libremente la mano al ángel de la caída". En el desapego, en la fatalidad, en la disposición a la muerte, estaba su envidiable libertad” (Ibid. - P. 192).

El artista de teatro Maly S.V. Vasiliev, el primer intérprete del papel de Tikhon, creó una imagen trágica de un hombre "impersonal" destruido por el "reino oscuro". “Da miedo mirarlo”, escribió un contemporáneo, “cuando, experimentando una agonía mortal, se escapó de las manos de su madre. No tanto con palabras, sino con gestos y expresiones faciales, peleó con su madre y le rogó que lo dejara ir. Su último grito: “¡Mamá! ¡La arruinaste! - fue terrible; sorprendió y luego persiguió al espectador durante mucho tiempo” (Anuario de los Teatros Imperiales. Temporada 1895/1986. Apéndice, libro 3. - P. 8).

Los contemporáneos dejaron muchos recuerdos de la interpretación del papel de Tikhon por parte del actor del Teatro Alexandrinsky A. E. Martynov, considerando este papel como la culminación del trabajo de un destacado actor que encarnó con talento la estética del dramaturgo en el escenario de San Petersburgo. . El triunfo del actor fue el último acto, que no interpretó, pero vivió de una manera sincera y conmovedora. Al enterarse de que Katerina se había ido de casa, se apresuró a buscar a su esposa y lloró en silencio, regresando sin nada, desarmando al público con la profundidad del amor y la compasión por Katerina. Las últimas palabras de Tikhon hicieron que el público viera en él el nacimiento de un hombre nuevo, capaz de defender su dignidad.

El actor P. M. Sadovsky, que interpretó el papel del Salvaje, asombró al público con su asombroso poder acusatorio en la obra, dotándolo de un temperamento desenfrenado y un salvajismo humano que dominó con fuerza despótica a todo Kalinov. Fue una contribución brillante y significativa a la galería escénica de imágenes de la tiranía mercantil. Durante la vida del actor, el dramaturgo creó treinta y dos obras y muchos de los personajes fueron escritos específicamente para Prov Sadovsky. Cabe señalar que, siendo un amigo cercano del dramaturgo, un socio, una persona de ideas afines y un brillante promotor de su drama innovador, el actor creó más de treinta papeles diferentes en las obras de A. N. Ostrovsky, impresionando a sus contemporáneos con su “Nueva verdad de dura sencillez”.

La alumna de A. N. Ostrovsky, O. O. Sadovskaya, que debutó en el Teatro Maly siguiendo el consejo del dramaturgo, interpretó cuarenta papeles en las obras de su autor favorito. En "The Thunderstorm", la actriz interpretó el papel de Varvara, Feklushi y Kabanikha. Tanto para el propio dramaturgo como para Sadovskaya, el principal medio de expresión en la obra era la palabra, que ella, como la pausa escénica, dominaba a la perfección. Según los críticos, la combinación de silencio (pausa) y habla, una expresividad facial única, dio origen al desarrollo de la imagen.

Se sabe que mientras trabajaba en obras de teatro, Ostrovsky escribía papeles específicamente para los artistas del Teatro Maly. Así, escribió el papel de Varvara en "La tormenta" para la actriz Varvara Borozdina, nombrando a esta heroína en su honor, porque trató a la joven y talentosa actriz "no sólo de manera amigable, con profunda simpatía humana, sino que también apreció mucho su talento. estaba molesto porque en aquel entonces el repertorio del Teatro Maly no tenía suficientes papeles interesantes para ella” (Ryzhov sobre Ryzhova. - M., 1983. - P. 18). Este hecho habla de Ostrovsky como una persona y un artista sensible y solidario que se preocupa por el destino de los actores talentosos y del teatro.

La forma escénica de "The Thunderstorm" fue definida en sentido figurado como director por V.I. Nemirovich-Danchenko: “La actuación no debe ser grandiosa, sino simple, como una canción. Una canción rusa siempre conlleva un sentimiento profundo y simple... Para subir al escenario de una obra, es necesario ser extremadamente profundo y simple” (Anuario del Teatro de Arte de Moscú. - M.. 1045. - P. 276 - 278).

Pero ni un solo director ha podido todavía desentrañar por completo el misterio de esta obra. En la solución compositiva de "La tormenta", el dramaturgo combinó lo trágico y lo cómico, lo épico y lo lírico. La obra es tan multidimensional y multifacética que encontrar la tonalidad adecuada en ella es increíblemente difícil. Hasta ahora, en esta obra no se ha encontrado la clave de la "naturaleza de los sentimientos" (según G. A. Tovstonogov). Al parecer, esto explica el hecho de que en la historia del teatro ruso todavía no haya aparecido una representación “armónicamente integral” basada en una obra de un dramaturgo que se convierta en un verdadero acontecimiento artístico.

Pero qué francamente relevante y audaz puede parecer hoy Ostrovsky. Baste recordar las representaciones “La simplicidad es suficiente para todo sabio” en Lenkom del director M. A. Zakharov o “Lobos y ovejas” de G.A. Tovstonogov, en el Teatro Dramático Bolshoi que lleva su nombre. Señor Gorki. Sólo nos queda esperar que aparezca un director que “preste el mayor servicio al teatro ruso desentrañando el misterio de La Tormenta”.

Después del brillante éxito de "La tormenta", Ostrovsky escribió cinco nuevas obras. En 1861, su brillante creación, la comedia "Nuestra gente, seamos contados", finalmente se levantó la prohibición de la censura. Sólo en Moscú y San Petersburgo en 1561 se representaron ochenta y cinco representaciones basadas en las obras del dramaturgo. El escritor ha trabajado muy intensamente durante las últimas dos décadas.

La paleta creativa del dramaturgo es diversa. Los objetos de su atención son: exponer la tiranía del “reino oscuro” como un fenómeno social; el empobrecimiento espiritual de la nobleza, el destronamiento del aparato burocrático: el surgimiento de nuevas fuerzas sociales; el destino de una mujer según el sistema existente; el tipo emergente de empresario: el “nuevo dueño de la vida”; talento y sociedad y mucho más.

La línea acusatoria y satírica de la creatividad de A. N. Ostrovsky ("La simplicidad es suficiente para todo sabio", "Corazón cálido", "Lobos y Aries", etc.) hace que sus obras se parezcan a la sátira de M. E. Saltykov-Shchedrin y A. V. Sukhovo- Kobylina. La línea socio-psicológica ("La última víctima", "La dote", "Talentos y admiradores", "Culpables sin culpa", etc.) nos acerca al teatro de Turgenev y anticipa el teatro de Chéjov. El interés por la historia rusa se traduce en una serie de crónicas históricas y la pasión por la mitología eslava, en el poético "cuento de hadas de primavera", "La doncella de las nieves", que se convirtió en fuente de inspiración para N. A. Rimsky-Korsakov y P. I. Tchaikovsky.

Un rasgo estilístico artístico muy importante del dramaturgo fue el deseo de crear imágenes generalizadas, combinando en ellas lo socialmente típico y lo individual. Cuando todavía era un escritor novato, Ostrovsky habló sobre su comedia "Nuestra gente: seremos contados": "Quería que el público marcara el vicio con el nombre de Podkhalyuzin de la misma manera que marcan con el nombre de Garpogon, Tartuffe, Nedorosl. , Khlestakov y otros” (Ostrovsky A. N. Colección completa de obras: en 16 volúmenes - M., 1953. - T. 14. - P. 16). El sueño se hizo realidad: más de una de sus imágenes se convirtió en un nombre muy conocido.

En los años 80, último período de la obra del dramaturgo, las críticas escribían sobre la erosión de su talento. El verdadero significado de la obra de Ostrovsky fue resumido por I. A. Goncharov, quien el día del 35 aniversario de su actividad literaria escribió: “Tú solo terminaste el edificio, sobre cuyos cimientos Fonvizin, Griboyedov y Gogol pusieron las piedras angulares. Pero sólo después de usted, los rusos podremos decir con orgullo: tenemos nuestro propio teatro nacional ruso. Con razón debería llamarse Teatro Ostrovsky” (Goncharov I.A. Obras completas: en 8 volúmenes - M., 1955. - T. 8. - P. 491 - 492).

Sin embargo, en la historia de la cultura rusa, Ostrovsky aparece no sólo como el creador del teatro nacional ruso, sino también como un teórico del arte que trazó nuevas vías para el desarrollo de la estética teatral rusa.

En 1865, fue Ostrovsky quien se convirtió en uno de los iniciadores de la organización del "Círculo artístico" con la participación del escritor V.F. Odoevsky, el músico N. G. Rubinstein, compañero de armas y amigo, el actor P. M. Sadovsky. Esta fue la primera asociación creativa de trabajadores del teatro rusos, que reemplazó a la escuela de teatro.

El nuevo tipo de drama descubierto por el escritor generó la necesidad de una escuela de actuación realista que correspondiera a los principios de las "obras de la vida". “Para que el espectador quede satisfecho”, escribió, “es necesario que frente a él no haya una obra de teatro, sino la vida, para que haya una ilusión completa, para que se olvide de que está en el teatro. Por tanto, es necesario que los actores, al presentar una obra, también sean capaces de imaginar la vida, para que sepan vivir en el escenario” (A. N. Ostrovsky, Colección completa de obras: en 16 volúmenes - M.. 1952. - T. 12. - pág.151).

Autoridad indiscutible para los actores, el dramaturgo cree que el director de escena debe ser también un profesor que colabore con el actor en el papel. Sin aceptar el “premiership”, habla de crear un “conjunto”, lo cual es imposible sin la voluntad del director, la disciplina artística y la tradición, que contribuyen a la uniformidad de la representación escénica.

Mientras lee obras de teatro y enseña actuación, Ostrovsky plantea el problema de la participación del autor de la obra en el trabajo creativo del director. El autor ayuda a los actores a comprender la esencia de la obra y sus personajes, y a encontrar el tono adecuado.

Luchando contra los clichés en las artes escénicas, tiene una actitud negativa hacia el “amateurismo”: para un aficionado, el teatro no es un asunto serio, sino sólo diversión.

El actor siempre ha sido el alma de la actuación, el maestro del “verdadero arte escénico” para el dramaturgo. Dando la debida importancia a la escuela de actuación, donde se sientan las bases profesionales, Ostrovsky asigna el papel principal en el proceso de mayor desarrollo profesional al escenario teatral, en el que "se forman artistas reales y completos".

En 1874, con la participación del crítico de teatro y traductor V.I Rodislavsky, Ostrovsky creó la Sociedad de Escritores Dramáticos Rusos. Habiendo estado repetidamente en el extranjero, Ostrovsky estaba interesado en el desarrollo del teatro en los países europeos. Las impresiones acumuladas y el análisis de la experiencia extranjera fueron útiles en la evaluación del dramaturgo de la esfera teatral nacional. Trabaja en una serie de notas y artículos en los que describe exhaustivamente el estado del teatro ruso en aquel momento y llega a la conclusión de que el teatro imperial de la capital no puede cumplir la alta misión del teatro nacional ruso. Ve una salida en la creación de un teatro de una nueva cultura escénica en Moscú, públicamente accesible y democrático.

Poco antes de su muerte, Ostrovsky dirigió el departamento de repertorio de los Teatros Imperiales de Moscú. El anciano dramaturgo se pone manos a la obra con entusiasmo, pero no logra trabajar por mucho tiempo: seis meses después murió.

El teatro de Ostrovsky, según la acertada definición del crítico, es un “teatro ético”, cuya carga moral da fe en la vida. Su arte es genuino, importante y, por tanto, necesario.

Para confirmar la conexión existente entre el arte de Ostrovsky y la modernidad, en conclusión me gustaría recordar una de las interpretaciones escénicas más llamativas de la comedia "Lobos y ovejas", puesta en escena por el destacado director del siglo XX Georgy Aleksandrovich Tovstonogov en el escenario de la Teatro Dramático Bolshoi de Leningrado. M. Gorky, realizada en los años 80.

La actuación de G. A. Tovstonogov se convirtió en una victoria cuando el teatro logró combinar escuela, vacaciones, espectáculo y entretenimiento. El director estaba interesado en la psicología de la no interferencia y la connivencia. “¿De dónde vienen los “lobos”, qué contribuye a su activación? Indiferencia de los Lynyayev. El dramaturgo vio cómo la magnitud de la depredación crecía de generación en generación”, escribió el director. El teatro necesitaba hacerlo “para que en la representación se viera la escala actual del fenómeno mismo, para que la ingenua intriga de los “lobos” de hace cien años haga pensar en la mafia que está muy extendida en la actualidad. mundo” (Tovstonogov G. A. Espejo del escenario. Libro 2. - L. , 1984. – P. 72). Ésta es la relevancia del tema.

Con un impresionante chaleco rosa, con un "encantador" vientre redondo, impresionantes patillas y bigotes, el "gato" señorial, exhausto, regiamente perezoso y ocioso, Mikhaila Borisych Lynyaev, interpretado por O. V. Basilashvili, hizo llorar de risa al público. El auditorio, siguiendo el apasionante proceso del nacimiento del pensamiento de Lynyayev, parecía anticipar la dirección de su movimiento. Y el principal problema en torno al cual trabajó intensamente el pensamiento de Lynyaev se reducía a una cosa: cómo dormir una o dos horas. Tal Lynyaev fue la figura central de esta obra sobre la connivencia. Tovstonogov le dio a "Lobos y ovejas" la pureza del género: había comedia, sátira en el escenario, la risa reinaba en el escenario. De hecho, en muchas actuaciones profesionales de "alta calidad" basadas en esta obra de Ostrovsky, la risa era un invitado raro. La actuación de la BDT “curó” con risas, trajo conciencia, hizo sentir a la gente, sin dejar de ser una “fiesta” de alegría para los ojos y el alma.

En el escenario estaba todo lo que soñaba Ostrovsky: la verdad de la vida, una asociación brillante, un grupo magníficamente coordinado; en un conjunto de actores único, todos eran estrellas, todos tenían su propia melodía, pero todo esto estaba subordinado a un plan común: exponer a Lynyaev, Lynyavshchina como un peligroso fenómeno social del siglo XX.

Hoy, ya en el siglo XXI, podemos decir con confianza: Ostrovsky es nuestro contemporáneo.

L-ra: Literatura rusa en las escuelas ucranianas. – 2002. – N° 5. – Pág. 40-45.

Palabras clave: Alexander Ostrovsky, características de la obra de Alexander Ostrovsky, crítica de la obra de Alexander Ostrovsky, crítica, descargar crítica, descargar gratis, resumen, literatura rusa del siglo XIX, dramaturgos del siglo XIX

Nacido el 31 de marzo (12 de abril) de 1823 en Moscú, creció en un ambiente mercantil. Su madre murió cuando él tenía 8 años. Y el padre se volvió a casar. Había cuatro hijos en la familia.

Ostrovsky fue educado en casa. Su padre tenía una gran biblioteca, donde el pequeño Alejandro empezó a leer literatura rusa. Sin embargo, el padre quería darle a su hijo una educación jurídica. En 1835, Ostrovsky comenzó sus estudios en el gimnasio y luego ingresó en la Facultad de Derecho de la Universidad de Moscú. Debido a sus intereses por el teatro y la literatura, nunca completó sus estudios en la universidad (1843), tras lo cual trabajó como escribano en la corte ante la insistencia de su padre. Ostrovsky sirvió en los tribunales hasta 1851.

La creatividad de Ostrovsky.

En 1849, Ostrovsky escribió la obra "Nuestro pueblo - ¡Seamos contados!", que le dio fama literaria y fue muy apreciado por Nikolai Gogol e Ivan Goncharov. Luego, a pesar de la censura, se publicaron muchas de sus obras de teatro y libros. Para Ostrovsky, los escritos son una forma de describir fielmente la vida de la gente. Entre sus obras más importantes se encuentran las obras de teatro "La tormenta", "La dote", "El bosque". La obra de Ostrovsky "La dote", al igual que otros dramas psicológicos, describe de forma no estándar a los personajes, el mundo interior y el tormento de los héroes.

Desde 1856, el escritor participa en la publicación de la revista Sovremennik.

Teatro Ostrovsky

En la biografía de Alexander Ostrovsky, el teatro ocupa un lugar destacado.
Ostrovsky fundó el Círculo Artístico en 1866, gracias al cual aparecieron muchas personas talentosas en el círculo teatral.

Junto con el Círculo Artístico, reformó y desarrolló significativamente el teatro ruso.

La casa de Ostrovsky fue visitada a menudo por personajes famosos, entre ellos I. A. Goncharov, D. V. Grigorovich, Ivan Turgenev, A. F. Pisemsky, Fyodor Dostoevsky, P. M. Sadovsky, Mikhail Saltykov-Shchedrin, Leo Tolstoy, Pyotr Tchaikovsky, M. N. Ermolova y otros.

En una breve biografía de Ostrovsky, vale la pena mencionar el surgimiento en 1874 de la Sociedad de Escritores Dramáticos y Compositores de Ópera Rusos, de la que Ostrovsky era presidente. Con sus innovaciones logró mejorar la vida de los actores de teatro. Desde 1885, Ostrovsky dirigió la escuela de teatro y fue el jefe del repertorio de los teatros de Moscú.

La vida personal del escritor.

No se puede decir que la vida personal de Ostrovsky haya sido un éxito. El dramaturgo vivía con una mujer de familia sencilla, Agafya, que no tenía educación, pero fue la primera en leer sus obras. Ella lo apoyó en todo. Todos sus hijos murieron a una edad temprana. Ostrovsky vivió con ella durante unos veinte años. Y en 1869 se casó con la artista María Vasilievna Bakhmetyeva, con quien tuvo seis hijos.

últimos años de vida

Hasta el final de su vida, Ostrovsky experimentó dificultades financieras. El trabajo duro agotó enormemente el cuerpo y la salud del escritor se deterioró cada vez más. Ostrovsky soñaba con revivir una escuela de teatro en la que se pudiera enseñar actuación profesional, pero la muerte del escritor impidió la implementación de sus planes largamente concebidos.

Ostrovsky murió el 2 (14) de junio de 1886 en su finca. El escritor fue enterrado junto a su padre, en el pueblo de Nikolo-Berezhki, provincia de Kostroma.

tabla cronológica

Otras opciones de biografía

• Desde pequeño, Ostrovsky sabía griego, alemán y francés, y más tarde también aprendió inglés, español e italiano. Toda su vida tradujo obras de teatro a diferentes idiomas, mejorando así sus habilidades y conocimientos.
• La trayectoria creativa del escritor abarca 40 años de exitoso trabajo en obras literarias y dramáticas. Sus actividades influyeron en toda una era del teatro en Rusia. Por sus obras, el escritor recibió el Premio Uvarov en 1863.
• Ostrovsky es el fundador del arte teatral moderno, cuyos seguidores fueron personalidades tan destacadas como Konstantin Stanislavsky y

Composición

Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Este es un fenómeno inusual. Difícilmente se puede sobrestimar su papel en la historia del desarrollo del teatro ruso, las artes escénicas y toda la cultura nacional. Hizo tanto por el desarrollo del drama ruso como Shakespeare en Inglaterra, Lone de Vega en España, Moliere en Francia, Goldoni en Italia y Schiller en Alemania. A pesar de la opresión de la censura, el comité teatral y literario y la dirección de los teatros imperiales, a pesar de las críticas de los círculos reaccionarios, la dramaturgia de Ostrovsky ganó cada año más simpatía tanto entre los espectadores democráticos como entre los artistas.

Desarrollando las mejores tradiciones del arte dramático ruso, aprovechando la experiencia del teatro extranjero progresista, aprendiendo incansablemente sobre la vida de su país natal, comunicándose constantemente con la gente, comunicándose estrechamente con el público contemporáneo más progresista, Ostrovsky se convirtió en un destacado retratista de la vida. de su época, que encarna los sueños de Gogol, Belinsky y otras figuras progresistas de la literatura sobre la aparición y el triunfo de los personajes rusos en el escenario ruso.
La actividad creativa de Ostrovsky tuvo una gran influencia en todo el desarrollo posterior del drama ruso progresista. De él vinieron nuestros mejores dramaturgos y aprendieron de él. Fue hacia él a quien gravitaron los aspirantes a escritores dramáticos de su época.

El poder de la influencia de Ostrovsky sobre los jóvenes escritores de su época puede evidenciarse en una carta al dramaturgo de la poetisa A.D. Mysovskaya. “¿Sabes cuán grande fue tu influencia sobre mí? No fue el amor al arte lo que me hizo comprenderte y apreciarte: al contrario, tú me enseñaste a amar y respetar el arte. Sólo a usted le debo haber resistido la tentación de caer en el terreno de la patética mediocridad literaria y no haber perseguido laureles baratos arrojados por las manos de gente agridulce y medio educada. Tú y Nekrasov me enamorasteis del pensamiento y del trabajo, pero Nekrasov sólo me dio el primer impulso, mientras que tú me diste la dirección. Al leer tus obras, me di cuenta de que la rima no es poesía, y un conjunto de frases no es literatura, y que sólo cultivando la mente y la técnica un artista será un verdadero artista”.
Ostrovsky tuvo un poderoso impacto no sólo en el desarrollo del drama nacional, sino también en el desarrollo del teatro ruso. La colosal importancia de Ostrovsky en el desarrollo del teatro ruso está bien enfatizada en un poema dedicado a Ostrovsky y leído en 1903 por M. N. Ermolova desde el escenario del Teatro Maly:

En el escenario la vida misma, desde el escenario sopla la verdad,
Y el sol brillante nos acaricia y nos calienta...
Suena el habla viva de la gente corriente y viva,
En el escenario no hay un “héroe”, ni un ángel, ni un villano,
Pero sólo un hombre... Un actor feliz.
Se apresura a romper rápidamente los pesados ​​grilletes.
Convenciones y mentiras. Las palabras y los sentimientos son nuevos,

Pero en lo más profundo del alma hay una respuesta para ellos:
Y todos los labios susurran: bendito el poeta,
Arrancó las cubiertas de oropel en mal estado
Y arrojar una luz brillante en el reino oscuro

Sobre lo mismo escribió la famosa artista en 1924 en sus memorias: “Junto con Ostrovsky, la verdad misma y la vida misma aparecieron en el escenario... Comenzó el crecimiento del drama original, lleno de respuestas a la modernidad... Empezaron a hablar de los pobres, los humillados y los insultados”.

La dirección realista, silenciada por la política teatral de la autocracia, continuada y profundizada por Ostrovsky, dirigió el teatro hacia el camino de la estrecha conexión con la realidad. Sólo esto dio vida al teatro como teatro folclórico nacional ruso.

“Has donado toda una biblioteca de obras de arte a la literatura y has creado tu propio mundo especial para el escenario. Usted solo completó el edificio, sobre cuyos cimientos Fonvizin, Griboyedov y Gogol pusieron las piedras angulares”. Esta maravillosa carta fue recibida, entre otras felicitaciones, en el año del trigésimo quinto aniversario de la actividad literaria y teatral de Alexander Nikolaevich Ostrovsky de otro gran escritor ruso: Goncharov.

Pero mucho antes, sobre la primera obra del aún joven Ostrovsky, publicada en "Moskvityanin", un sutil conocedor del elegante y sensible observador V. F. Odoevsky escribió: "Si esto no es un destello momentáneo, no es un hongo exprimido de la molido por sí solo, cortado por todo tipo de podredumbre, entonces este hombre tiene un talento enorme. Creo que hay tres tragedias en Rusia: "El menor", "Ay de Wit", "El inspector general". En “Quiebra” le pongo el número cuatro”.

Desde una primera valoración tan prometedora hasta la carta de aniversario de Goncharov, una vida plena, rica en trabajo; trabajo, y que condujo a una relación de evaluación tan lógica, porque el talento requiere, ante todo, un gran trabajo en sí mismo, y el dramaturgo no pecó ante Dios: no enterró su talento en la tierra. Tras publicar su primera obra en 1847, Ostrovsky ha escrito desde entonces 47 obras y traducido más de veinte obras de idiomas europeos. Y en total hay alrededor de mil personajes en el teatro popular que creó.
Poco antes de su muerte, en 1886, Alexander Nikolaevich recibió una carta de L.N Tolstoi, en la que el brillante prosista admitía: “Sé por experiencia cómo la gente lee, escucha y recuerda sus obras y, por lo tanto, me gustaría ayudar a garantizar que Ahora usted se ha convertido rápidamente en lo que sin duda es: un escritor de todo el pueblo en el sentido más amplio”.