هنرمندان معاصر ژاپنی و نقاشی های آنها هنرمندان ژاپن - از دوران باستان تا امروز

هنر و طراحی

2904

01.02.18 09:02

امروز صحنه هنریژاپن بسیار متنوع و تحریک آمیز است: نگاهی به کار استادان این کشور خورشید در حال طلوع، تصمیم می گیرید که به سیاره دیگری رسیده اید! در اینجا نوآورانی زندگی می کنند که «چشم انداز» صنعت را تغییر دادند در مقیاس جهانی. ما لیستی از 10 هنرمند معاصر ژاپنی و خلاقیت های آنها را به شما ارائه می دهیم - از موجودات باور نکردنیتاکاشی موراکامی (که امروز تولدش را جشن می گیرد) به جهان رنگارنگ کوساما.

از جهان های آینده نگر تا صورت فلکی نقطه چین: هنرمندان معاصر ژاپنی

تاکاشی موراکامی: سنت گرا و کلاسیک

بیایید با قهرمان مناسبت شروع کنیم! تاکاشی موراکامی یکی از نمادین‌ترین هنرمندان معاصر ژاپن است که روی نقاشی‌ها، مجسمه‌های بزرگ و لباس‌های مد کار می‌کند. سبک موراکامی متاثر از مانگا و انیمه است. او بنیانگذار جنبش Superflat است که از سنت های هنری ژاپن و فرهنگ این کشور پس از جنگ حمایت می کند. موراکامی بسیاری از هم دوره ای های خود را تبلیغ کرد و امروز نیز با برخی از آنها آشنا خواهیم شد. آثار "خرده فرهنگی" تاکاشی موراکامی در بازارهای هنری مد و هنر ارائه می شود. فیلم تحریک‌آمیز «کابوی تنها من» (1998) در سال 2008 در نیویورک در حراج ساتبی به قیمت رکورد 15.2 میلیون دلار فروخته شد. موراکامی با جهان همکاری کرد برندهای معروفمارک جاکوبز، لویی ویتون و ایسی میاکه.

آرام آشیما و جهان سورئال او

چیچو آشیما یکی از اعضای شرکت تولید هنری Kaikai Kiki و جنبش Superflat (که هر دو توسط تاکاشی موراکامی تأسیس شده‌اند)، به خاطر مناظر شهری خارق‌العاده و موجودات عجیب پاپ معروف است. این هنرمند رویاهای سورئال را ایجاد می کند که در آن شیاطین، ارواح، زیبایی های جوان زندگی می کنند، که در پس زمینه طبیعت عجیب و غریب به تصویر کشیده شده است. آثار او معمولاً در مقیاس بزرگ هستند و روی کاغذ، چرم و پلاستیک چاپ می‌شوند. این هنرمند معاصر ژاپنی در سال 2006 در Art on the Underground لندن شرکت کرد. او 17 قوس متوالی برای سکو ایجاد کرد - منظره جادویی به تدریج از روز به شب، از شهری به روستایی تبدیل شد. این معجزه در ایستگاه متروی Gloucester Road شکوفا شد.

چیهارو شیما و رشته های بی پایان

هنرمند دیگری، چیهارو شیوتا، بر روی اینستالیشن های بصری در مقیاس بزرگ برای مکان های دیدنی خاص کار می کند. او در اوزاکا متولد شد، اما اکنون در آلمان - در برلین - زندگی می کند. موضوعات مرکزیکار او فراموشی و خاطره، رویاها و واقعیت، گذشته و حال و همچنین مقابله با اضطراب است. بیشترین آثار معروفچیهارو شیوتا - شبکه های غیر قابل نفوذ از نخ سیاه که بسیاری از اشیاء خانگی و شخصی را می پوشاند - مانند صندلی های قدیمی، لباس عروسی، پیانوی سوخته. در تابستان 2014، شیوتا کفش‌ها و چکمه‌های اهدایی (که بیش از 300 عدد از آن‌ها بود) را با رشته‌هایی از نخ قرمز به هم بست و به قلاب آویزان کرد. اولین نمایشگاه چیهارو در پایتخت آلمان در هفته هنر برلین در سال 2016 برگزار شد و شور و هیجانی برانگیخت.

هی آراکاوا: همه جا، هیچ جا

هی آراکاوا از حالت‌های تغییر، دوره‌های بی‌ثباتی، عناصر خطر الهام گرفته شده است و نصب‌های او اغلب نمادی از مضامین دوستی و کار گروهی است. باور هنرمند معاصر ژاپنی با نمایشی نامشخص «همه جا، اما هیچ کجا» تعریف می شود. آثار او در مکان‌های غیرمنتظره ظاهر می‌شوند. در سال 2013، آثار آراکاوا در بینال ونیز و در نمایشگاه ژاپنی ها به نمایش گذاشته شد. هنر معاصردر موزه هنر موری (توکیو). نصب هاوایی حضور (2014) بود پروژه مشترکبا هنرمند نیویورکی Carissa Rodriguez و در دوسالانه ویتنی شرکت کرد. همچنین در سال 2014، آراکاوا و برادرش تومو، که به عنوان دوتایی به نام برادران یونایتد اجرا می‌کردند، به بازدیدکنندگان فریز لندن «کار» خود «The This Soup Taste Ambivalent» با سبزیجات ریشه دایکون فوکوشیما «رادیواکتیو» را پیشنهاد کردند.

کوکی تاناکا: روابط و تکرارها

در سال 2015، کوکی تاناکا به عنوان "هنرمند سال" شناخته شد. تاناکا تجربه مشترک خلاقیت و تخیل را بررسی می کند، تبادل بین شرکت کنندگان پروژه را تشویق می کند و از قوانین جدید همکاری حمایت می کند. نصب آن در غرفه ژاپن در دوسالانه ونیز 2013 شامل ویدئوهایی از اشیا بود که فضا را به سکویی برای تبادل هنری تبدیل می کرد. اینستالیشن های کوکی تاناکا (با بازیگر همنام اصلی او اشتباه گرفته نشود) رابطه بین اشیا و اعمال را نشان می دهد، به عنوان مثال، این ویدئو شامل ضبط حرکات ساده ای است که با اشیاء معمولی انجام می شود (چاقویی که سبزیجات را برش می دهد، آبجو را در لیوان می ریزند. ، باز کردن یک چتر). هیچ چیز مهمی اتفاق نمی افتد، اما تکرار وسواس گونه و توجه به تا کوچکترین جزئیاتبیننده را قدر دنیایی کند.

ماریکو موری و اشکال ساده

یکی دیگر از هنرمندان معاصر ژاپنی، ماریکو موری، اشیاء چندرسانه‌ای را با ترکیب فیلم‌ها، عکس‌ها و اشیاء تداعی می‌کند. او با دید مینیمالیستی آینده نگر و فرم های سورئال براق مشخص می شود. یکی از موضوعات تکرارشونده در آثار موری، کنار هم قرار دادن افسانه های غربی است فرهنگ غربی. در سال 2010، ماریکو بنیاد فاو را تأسیس کرد که یک سازمان فرهنگی آموزشی است سازمان غیر انتفاعی، که برای آن مجموعه ای از اینستالیشن های هنری خود را به افتخار شش قاره مسکونی تولید کرد. اخیراً، تأسیسات دائمی بنیاد "حلقه: یکی با طبیعت" بر فراز یک آبشار زیبا در Resende در نزدیکی ریودوژانیرو ساخته شد.

Ryoji Ikeda: سنتز صدا و ویدئو

ریوجی ایکدا یک هنرمند و آهنگساز رسانه جدید است که آثارش عمدتاً به صدا در حالت‌های مختلف «خام»، از امواج سینوسی گرفته تا نویز با استفاده از فرکانس‌های لبه شنوایی انسان می‌پردازد. نصب های همه جانبه او شامل صداهای تولید شده توسط کامپیوتر است که به صورت بصری به پیش بینی های ویدئویی یا الگوهای دیجیتال تبدیل می شوند. هنر سمعی و بصری ایکدا از مقیاس، نور، سایه، صدا، صداهای الکترونیکی و ریتم استفاده می کند. مرکز آزمایشی معروف این هنرمند متشکل از پنج پروژکتور است که فضایی به طول 28 متر و عرض 8 متر را روشن می کند. این تنظیمات داده ها (متن، صداها، عکس ها و فیلم ها) را به بارکد و الگوهای باینری یک و صفر تبدیل می کند.

Tatsuo Miyajima و شمارنده LED

مجسمه ساز و هنرمند اینستالیشن معاصر ژاپنی تاتسو میاجیما در هنر خود از آن استفاده می کند مدارهای الکتریکی، ویدئو، رایانه و سایر ابزارها. مفاهیم اصلی میاجیما از این الهام گرفته شده است ایده های انسان گرایانهو آموزه های بودایی شمارنده‌های LED در نصب‌های او به طور مداوم از 1 تا 9 چشمک می‌زنند، که نماد سفر از زندگی تا مرگ است، اما از پایانی که با 0 نشان داده می‌شود اجتناب می‌کند (صفر هرگز در کار تاتسو ظاهر نمی‌شود). اعداد موجود در شبکه‌ها، برج‌ها و نمودارها بیانگر علاقه میاجیما به ایده‌های تداوم، ابدیت، اتصال و جریان زمان و مکان هستند. اخیراً «پیکان زمان» میاجیما در افتتاحیه نمایشگاه «افکار ناتمام قابل مشاهده در نیویورک» به نمایش درآمد.

نارا یوشیموتو و بچه های شرور

نارا یوشیموتو نقاشی‌ها، مجسمه‌ها و نقاشی‌هایی از کودکان و سگ‌ها خلق می‌کند – موضوعاتی که منعکس‌کننده احساس کسالت و سرخوردگی دوران کودکی و استقلال شدیدی است که به طور طبیعی برای کودکان نوپا حاصل می‌شود. زیبایی شناسی آثار یوشیموتو یادآور آثار سنتی است تصاویر کتاب، آمیزه ای از تنش بی قرار و عشق هنرمند به پانک راک است. در سال 2011، موزه جامعه آسیا در نیویورک میزبان اولین نمایشگاه انفرادی یوشیموتو با عنوان "یوشیتومو نارا: احمق هیچ کس" بود که فعالیت 20 ساله این هنرمند معاصر ژاپنی را پوشش می داد اعتراض.

یایو کوساما و فضا در حال رشد به اشکال عجیب و غریب

حیرت آور بیوگرافی خلاقانه Yayoi کوساما هفت دهه را در بر می گیرد. در این مدت، زن شگفت انگیز ژاپنی موفق به مطالعه در زمینه های نقاشی، گرافیک، کلاژ، مجسمه سازی، سینما، حکاکی، هنر محیطی، چیدمان و همچنین ادبیات، مد و طراحی لباس شد. کوساما یک سبک بسیار متمایز از هنر نقطه ای را توسعه داد که به علامت تجاری او تبدیل شده است. رؤیاهای وهم آلود ارائه شده در آثار کوساما 88 ساله (زمانی که به نظر می رسد جهان با پراکندگی پوشیده شده است. فرم های عجیب و غریب) نتیجه توهماتی است که او از کودکی تجربه کرده است. اتاق هایی با نقاط رنگارنگ و آینه های "بی نهایت" که منعکس کننده خوشه های آنها هستند قابل تشخیص هستند و نمی توان آنها را با هیچ چیز دیگری اشتباه گرفت.

بسیار دارد تاریخ غنی; سنت آن بسیار گسترده است، با موقعیت منحصر به فرد ژاپن در جهان که تا حد زیادی بر سبک ها و تکنیک های غالب هنرمندان ژاپنی تأثیر گذاشته است. واقعیت شناخته شدهاین که ژاپن قرن ها کاملاً منزوی بود نه تنها به دلیل جغرافیا، بلکه به دلیل تمایل فرهنگی غالب ژاپنی به انزوا است که تاریخ این کشور را مشخص کرده است. در طول قرن‌هایی که می‌توانیم آن را «تمدن ژاپنی» بنامیم، فرهنگ و هنر جدا از سایر نقاط جهان توسعه یافت. و این حتی در تمرین نقاشی ژاپنی قابل توجه است. به عنوان مثال، نقاشی های نیهونگا از آثار اصلی تمرین نقاشی ژاپنی است. این بر اساس بیش از هزار سال سنت است، و نقاشی ها معمولا با قلم مو بر روی Vashi (کاغذ ژاپنی) یا Egina (ابریشم) ایجاد می شوند.

با این حال، هنر و نقاشی ژاپنی تحت تأثیر خارجی قرار گرفت شیوه های هنری. اول، هنر چینی در قرن شانزدهم و نقاشی چینی و سنت هنری چینی بود که به ویژه از چندین جنبه تأثیرگذار بود. از قرن هفدهم، نقاشی ژاپنی نیز تحت تأثیر قرار گرفت سنت های غربی. به ویژه، در دوره پیش از جنگ، که از سال 1868 تا 1945 طول کشید، نقاشی ژاپنی تحت تأثیر امپرسیونیسم و رمانتیسم اروپایی. در همان زمان، جنبش های هنری جدید اروپا نیز به طور قابل توجهی تحت تأثیر ژاپنی ها قرار گرفت تکنیک های هنری. در تاریخ هنر، این تأثیر را «ژاپنی‌گرایی» می‌نامند و به ویژه برای امپرسیونیست‌ها، کوبیست‌ها و هنرمندان مرتبط با مدرنیسم قابل توجه است.

داستان بلندنقاشی ژاپنی را می توان ترکیبی از چندین سنت دانست که بخش هایی از زیبایی شناختی ژاپنی را ایجاد می کند. اول از همه هنر بودایی و روش های نقاشی و همچنین نقاشی مذهبی، اثر قابل توجهی در زیبایی شناسی نقاشی های ژاپنی به جا گذاشت. نقاشی با جوهر آب از مناظر در سنت نقاشی ادبی چینی - دیگری عنصر مهم، در بسیاری از نقاشی های معروف ژاپنی شناخته شده است. نقاشی حیوانات و گیاهان، به ویژه پرندگان و گل ها، همان چیزی است که معمولاً با ترکیب بندی های ژاپنی مرتبط است، همانطور که مناظر و صحنه هایی از زندگی روزمره. سرانجام، ایده های باستانی در مورد زیبایی از فلسفه و فرهنگ تأثیر زیادی بر نقاشی ژاپنی گذاشت ژاپن باستان. وابی، که به معنای زیبایی گذرا و ناهموار است، سابی (زیبایی پتینه طبیعی و پیری) و یوگن (ظرافت و ظرافت عمیق) همچنان بر ایده آل ها در تمرین نقاشی ژاپنی تأثیر می گذارند.

در نهایت، اگر به انتخاب ده شاهکار معروف ژاپنی بپردازیم، باید به ukiyo-e اشاره کرد که یکی از محبوب ترین ژانرهای هنری در ژاپن است، هرچند که متعلق به چاپ است. او مسلط شد هنر ژاپنیاز قرن هفدهم تا نوزدهم، در حالی که هنرمندان متعلق به این ژانر با اشیایی مانند چوب بری و نقاشی می ساختند. دختران زیبا، بازیگران کابوکی و کشتی گیران سومو و همچنین صحنه هایی از تاریخ و افسانههای محلی، صحنه ها و مناظر سفر، گیاهان و جانوران و حتی عشق شهوانی.

تهیه لیست همیشه سخت است بهترین نقاشی هااز سنت های هنری بسیاری از آثار شگفت انگیز حذف خواهند شد. با این حال، این فهرست شامل ده مورد از شناخته شده ترین نقاشی های ژاپنی در جهان است. این مقاله تنها نقاشی هایی را ارائه می دهد که از قرن نوزدهم تا به امروز خلق شده اند.

نقاشی ژاپنی تاریخچه بسیار غنی دارد. برای قرن ها هنرمندان ژاپنیتوسعه یافته تعداد زیادی از تکنیک های منحصر به فردو سبک هایی که ارزشمندترین کمک ژاپن به دنیای هنر هستند. یکی از این تکنیک ها sumi-e است. Sumi-e در لغت به معنای "طراحی با جوهر" است و خوشنویسی و نقاشی با جوهر را ترکیب می کند تا زیبایی نادری از ترکیب بندی های قلم مو را ایجاد کند. این زیبایی متناقض است - باستانی و در عین حال مدرن، ساده در عین حال پیچیده، جسورانه و در عین حال رام، بدون شک منعکس کننده اساس معنوی هنر در بودیسم ذن است. کشیشان بودایی در قرن ششم، بلوک‌های جوهر جامد و قلم‌های بامبو را از چین به ژاپن معرفی کردند و در طول 14 قرن گذشته، ژاپن میراث غنی نقاشی با جوهر را توسعه داده است.

به پایین بروید و 10 شاهکار نقاشی ژاپنی را ببینید

1. Katsushika Hokusai "رویای همسر ماهیگیر"

یکی از شناخته شده ترین نقاشی های ژاپنی "رویای همسر ماهیگیر" است. در سال 1814 نوشته شده است هنرمند معروفهوکوسای. با تعریف دقیق، این اثر شگفت انگیز هوکوسای را نمی توان یک نقاشی در نظر گرفت، زیرا این اثر بر روی چوب ژانر ukiyo-e از کتاب کاج های جوان (Kinoe no Komatsu) است که یک کتاب سه جلدی شونگا است. این ترکیب یک غواص جوان آما را به تصویر می کشد که از نظر جنسی با یک جفت اختاپوس در هم تنیده شده است. این تصویر در قرن 19 و 20 بسیار تأثیرگذار بود. کار تاثیر بیشتری گذاشت هنرمندان فقیدمانند فلیسین راپس، آگوست رودن، لوئیس اوکاک، فرناند ناپف و پابلو پیکاسو.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro شعری نوستالژیک در حین تماشای ماه می نویسد"

تسای تومیوکا نام مستعار هنرمند و خوشنویس مشهور ژاپنی است. او را آخرین هنرمند بزرگ در سنت بونجینگ و یکی از اولین هنرمندان بزرگ سبک نیهونگا می دانند. بونجینگا مکتبی از نقاشی ژاپنی بود که در اواخر دوران ادو در میان هنرمندانی که خود را اهل ادب یا روشنفکر می دانستند شکوفا شد. هر یک از این هنرمندان، از جمله Tessaya، خود را توسعه دادند تیپ خودو تکنولوژی، اما همه آنها طرفداران بزرگی بودند هنر چینیو فرهنگ

3. فوجیشیما تاکجی "طلوع خورشید بر فراز دریای شرقی"

فوجیشیما تاکجی هنرمند ژاپنی بود که به خاطر فعالیت هایش در توسعه رمانتیسیسم و ​​امپرسیونیسم در جنبش هنری یوگا (سبک غربی) شهرت داشت. اواخر نوزدهم- آغاز قرن بیستم. در سال 1905، او به فرانسه سفر کرد، جایی که تحت تأثیر جنبش های فرانسوی آن زمان، به ویژه امپرسیونیسم قرار گرفت، همانطور که در نقاشی او طلوع خورشید دیده می شود. دریای شرق"، که در سال 1932 نوشته شده است.

4. کیتاگاوا اوتامارو "ده نوع چهره زن، مجموعه ای از زیبایی های حاکم"

کیتاگاوا اوتامارو هنرمند برجسته ژاپنی بود که در سال 1753 به دنیا آمد و در سال 1806 درگذشت. او مطمئناً بیشتر برای سریالی به نام «ده نوع» شناخته شده است چهره های زن. مجموعه زیبایی های حاکم، مضامین عشق بزرگشعر کلاسیک» (گاهی اوقات «زنان عاشق» نامیده می شود، حاوی حکاکی های جداگانه «عشق برهنه» و «عشق متفکرانه»). او یکی از مهم ترین هنرمندان متعلق به سبک ukiyo-e است.

5. کاوانبه کیوسای «ببر»

کاوانابه کیوسای یکی از مشهورترین هنرمندان ژاپنی دوره ادو بود. هنر او تحت تأثیر کار توهاکو، نقاش قرن شانزدهمی مدرسه کانو بود که تنها هنرمند زمان خود بود که پرده‌ها را کاملاً با جوهر روی زمینه‌ای ظریف از پودر طلا نقاشی کرد. اگرچه کیوسای به عنوان یک کاریکاتوریست شناخته می شود، اما او برخی از بیشتر آنها را نوشته است نقاشی های معروف V تاریخ ژاپن هنر قرن 19قرن. «ببر» یکی از آن نقاشی هایی است که کیوسای برای خلق آن از آبرنگ و جوهر استفاده کرده است.

6. هیروشی یوشیدا "فوجی از دریاچه کاواگوچی"

هیروشی یوشیدا به عنوان یکی از بهترین ها شناخته می شود ارقام بزرگسبک شین هانگا (شین هانگا یک جنبش هنری در ژاپن در آغاز قرن بیستم، در دوره تایشو و شوآ است که هنر سنتی ukiyo-e را که ریشه در دوره های ادو و میجی داشت، احیا کرد. قرن 17 - 19)). او سنت نقاشی رنگ روغن غربی را که در دوره میجی از ژاپن اقتباس شده بود، آموخت.

7. تاکاشی موراکامی "727"

تاکاشی موراکامی احتمالا محبوب ترین هنرمند ژاپنی زمان ماست. آثار او با قیمت های نجومی به فروش می رسد. حراج های بزرگو خلاقیت در حال حاضر الهام بخش نسل های جدیدی از هنرمندان نه تنها در ژاپن، بلکه در خارج از کشور است. هنر موراکامی شامل کل خطمحیط ها و معمولاً به عنوان یک ابر هواپیما توصیف می شود. آثار او به دلیل استفاده از رنگ، ترکیب نقوش از فرهنگ سنتی و عامه ژاپنی شناخته شده است. محتوای نقاشی های او اغلب به عنوان "ناز"، "روانگردان" یا "طنز" توصیف می شود.

8. Yayoi Kusama "Pumpkin"

یائوی کوساما نیز یکی از مشهورترین هنرمندان ژاپنی است. او ایجاد می کند تکنیک های مختلفاز جمله نقاشی، کولاژ، مجسمه سازی، پرفورمنس، هنر محیطی و اینستالیشن که بیشتر آنها علاقه موضوعی او را به رنگ های روانگردان، تکرار و الگو نشان می دهد. یکی از معروف ترین سریال های این هنرمند بزرگسری کدو تنبل است. یک کدو تنبل معمولی به رنگ زرد روشن که در الگوی خال خالی پوشانده شده است، در برابر پس زمینه خالص ارائه شده است. در مجموع، همه چنین عناصری یک زبان بصری را تشکیل می‌دهند که بی‌تردید با سبک هنرمند صادق است، و در طول دهه‌ها تولید و بازتولید پر زحمت توسعه و اصلاح شده است.

9. تنمیوا هیساشی "روح ژاپنی شماره 14"

تنمیوا هیساشی هنرمند معاصر ژاپنی است که به خاطر نقاشی های نئونیهونگا شهرت دارد. او در احیا شرکت کرد سنت قدیمینقاشی ژاپنی که کاملا برعکس نقاشی مدرن ژاپنی است. در سال 2000 او نیز خود را ایجاد کرد یک سبک جدیدبوتوها که با نقاشی هایش نگرش قوی نسبت به نظام هنری معتبر نشان می دهد. "روح ژاپنی شماره 14" به عنوان بخشی از طرح هنری«BASARA»، تفسیر شده در فرهنگ ژاپنیبه عنوان رفتار شورشی طبقه پایین اشراف در دوره کشورهای متخاصم برای سلب توانایی دستیابی به مقامات تصویر ایده آلزندگی، پوشیدن لباس های مجلل و مجلل و رفتار از روی اراده آزاد، نه مطابق با طبقه اجتماعی خود.

10. کاتسوشیکا هوکوسای «موج بزرگ کاناگاوا»

سرانجام، " یک موج بزرگدر کاناگاوا" احتمالاً قابل تشخیص ترین است نقاشی ژاپنیتا به حال نوشته شده است. این در واقع مشهورترین اثر هنری است که در ژاپن ایجاد شده است. امواج عظیمی را به تصویر می کشد که قایق ها را در سواحل استان کاناگاوا تهدید می کند. اگرچه گاهی اوقات این موج با سونامی اشتباه گرفته می شود، اما همانطور که از عنوان نقاشی پیداست، به احتمال زیاد به طور غیرعادی بالا است. این نقاشی به سنت ukiyo-e ساخته شده است.

هر کشوری قهرمانان خود را دارد هنر معاصرکه نام‌هایشان شناخته شده است، نمایشگاه‌هایش انبوهی از طرفداران و افراد کنجکاو را به خود جذب می‌کند و آثارشان به مجموعه‌های خصوصی فروخته می‌شود.

در این مقاله شما را با محبوب ترین ها آشنا می کنیم هنرمندان معاصرژاپن.

کیکو تانابه

کیکو که در کیوتو به دنیا آمد، در کودکی پیروزی های زیادی کسب کرد. مسابقات هنری، ولی آموزش عالیمن اصلا در زمینه هنر نفهمیدم. او در بخش روابط بین‌الملل یک سازمان تجاری شهری ژاپن در توکیو، یک شرکت حقوقی بزرگ در سانفرانسیسکو و یک شرکت مشاوره خصوصی در سن دیگو کار می‌کرد و سفرهای زیادی داشت. از سال 2003، او کار خود را ترک کرد و با مطالعه اصول نقاشی آبرنگ در سن دیگو، خود را منحصراً وقف هنر کرد.

ایکناگا یاسوناری

هنرمند ژاپنی ایکناگا یاسوناری پرتره می کشد زنان مدرندر عهد باستان سنت ژاپنینقاشی با استفاده از برس Menso، رنگدانه های معدنی، کربن سیاه، جوهر و کتان به عنوان پایه. شخصیت های آن زنان زمان ما هستند، اما به لطف سبک نیهونگا، این احساس را به شما دست می دهد که از زمان های بسیار قدیم به ما رسیده اند.

آبه توشیوکی

آبه توشیوکی هنرمندی رئالیستی است که استاد شده است تکنیک آبرنگ. آبه را می توان یک هنرمند-فیلسوف نامید: به عنوان یک اصل، او مکان های دیدنی شناخته شده را نقاشی نمی کند و ترجیح می دهد. ترکیبات ذهنی، بازتاب حالات داخلیشخصی که آنها را تماشا می کند

هیروکو ساکای

حرفه هنرمند هیروکو ساکای در اوایل دهه 90 در شهر فوکوکا آغاز شد. او پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه Seinan Gakuin و مدرسه فرانسوی Nihon طراحی داخلی در طراحی و تجسم، Atelier Yume-Tsumugi Ltd را تأسیس کرد. و به مدت 5 سال موفق به مدیریت این استودیو شد. بسیاری از آثار او لابی و دفاتر بیمارستان را تزئین می کنند. شرکت های بزرگو برخی از ساختمان های شهرداری در ژاپن. هیروکو پس از مهاجرت به ایالات متحده شروع به نقاشی با رنگ روغن کرد.

ریوسکه فوکاهوری

آثار سه بعدی ریوسوکی فوکاهوری شبیه هولوگرام است. آنها انجام می شود رنگ آکریلیک، در چندین لایه اعمال می شود و یک مایع رزین شفاف - همه اینها بدون استثناء روش های سنتی مانند کشیدن سایه ها، نرم کردن لبه ها، کنترل شفافیت، به Riusuki اجازه می دهد تا ایجاد کند. نقاشی مجسمه سازیو به کار عمق و واقع گرایی می بخشد.

ناتسوکی اوتانی

ناتسوکی اوتانی یک تصویرگر با استعداد ژاپنی است که در انگلستان زندگی و کار می کند.

ماکوتو موراماتسو

ماکوتو موراماتسو یک موضوع برد-برد را به عنوان مبنای خلاقیت خود انتخاب کرد - او گربه ها را ترسیم می کند. تصاویر او در سرتاسر جهان به خصوص در قالب پازل محبوبیت دارد.

تتسویا میشیما

بیشتر نقاشی ها مدرن هستند هنرمند ژاپنیمیشیما در روغن ساخته می شود. او از دهه 90 به طور حرفه ای نقاشی می کند و چندین کار دارد نمایشگاه های شخصیو تعداد زیادی نمایشگاه جمعی، ژاپنی و خارجی.

نقاشی تک رنگ ژاپن یکی از پدیده های منحصر به فرد هنر شرق است. کار و تحقیقات زیادی به آن اختصاص داده شده است، اما اغلب به عنوان یک چیز بسیار متعارف و گاهی اوقات حتی تزئینی تلقی می شود. این چنین نیست دنیای معنوی هنرمند ژاپنی بسیار غنی است و او به مولفه زیبایی شناختی اهمیت نمی دهد. هنر شرق ترکیبی از ظاهر و درون، آشکار و ضمنی است.

در این پست می خواهم نه به تاریخچه نقاشی تک رنگ، بلکه به ماهیت آن توجه کنم. این چیزی است که در مورد آن صحبت خواهیم کرد.

صفحه نمایش "Pines" Hasegawa Tohaku، 1593

آنچه در نقاشی های تک رنگ می بینیم نتیجه تعامل هنرمند با سه گانه اصلی است: کاغذ، قلم مو، جوهر. بنابراین، برای درک درست اثر، باید خود هنرمند و نگرش او را درک کنید.

«منظره» سشو، 1398

کاغذبرای یک استاد ژاپنی آسان نیست مواد بداهه، که او آن را تابع هوی و هوس خود می کند ، بلکه برعکس - این یک "برادر" است و بنابراین نگرش نسبت به او بر این اساس شکل گرفته است. کاغذ بخشی است طبیعت اطراف، که ژاپنی ها همیشه با احترام رفتار می کردند و سعی می کردند آن را تحت سلطه خود در نیاورند، بلکه با آن همزیستی مسالمت آمیز داشته باشند. کاغذ در گذشته درختی است که در یک منطقه خاص ایستاده است، زمان مشخص، چیزی را در اطراف خود "دید" و او همه آن را نگه می دارد. اینگونه است که هنرمند ژاپنی مطالب را درک می کند. اغلب، قبل از شروع کار، صنعتگران برای مدت طولانی به آن نگاه می کردند ورق خالی(آنها به آن فکر کردند) و تنها پس از آن شروع به نقاشی کردند. حتی در حال حاضر، هنرمندان مدرن ژاپنی که تکنیک Nihon-ga (نقاشی سنتی ژاپنی) را تمرین می کنند، کاغذ را با دقت انتخاب می کنند. آن را به سفارش از کارخانه های کاغذ می خرند. هر هنرمند دارای ضخامت، نفوذپذیری رطوبت و بافت خاصی است (بسیاری از هنرمندان حتی با صاحب کارخانه توافق می کنند که این کاغذ را به هنرمندان دیگر نفروشند) - بنابراین، هر نقاشی به عنوان چیزی منحصر به فرد و زنده تلقی می شود.

"خواندن در بیشه بامبو" خوبون، 1446.

در مورد اهمیت این مطالب، ذکر موارد زیر قابل ذکر است بناهای تاریخی معروفادبیات ژاپنی مانند «یادداشت‌های کنار تخت» نوشته سی شوناگون و «جنجی مونوگوتاری» نوشته موراساکی شیکیبو: هر دو در «یادداشت‌ها» و «جنجی» می‌توانید هنگام تبادل پیام درباریان یا عاشقان، طرح‌هایی را پیدا کنید. کاغذی که این پیام ها روی آن نوشته شده بود، مربوط به زمان مناسب سال، سایه و نحوه نگارش متن با بافت آن مطابقت داشت.

"موراساکی شیکیبو در معبد ایشیاما" کیوسن

قلم مو- جزء دوم ادامه دست استاد است (باز هم این است مواد طبیعی). بنابراین، برس ها نیز به سفارش ساخته می شدند، اما اغلب توسط خود هنرمند. او موهای طول مورد نیاز را انتخاب کرد، اندازه قلم مو و راحت ترین دسته را انتخاب کرد. استاد فقط با قلم مو خود نقاشی می کند و نه دیگر. (از جانب تجربه شخصی: در یک کلاس کارشناسی ارشد شرکت کرد هنرمند چینیجیانگ شیلون، حضار از او خواست که نشان دهد شاگردانش که در کلاس استاد حضور داشتند، چه کاری می توانند انجام دهند، و هر یک از آنها با برداشتن قلم مو استاد، گفتند که نتیجه آن چیزی نخواهد بود که انتظار داشتند، زیرا قلم مو مال آنها نیست. ، آنها به آن عادت نداشتند و نمی دانند چگونه از آن به درستی استفاده کنند).

طرح جوهر "فوجی" توسط کاتسوشیکا هوکوسای

ریمل- سومین عنصر مهم. ریمل اتفاق می افتد انواع متفاوت: پس از خشک شدن می تواند جلوه ای براق یا مات بدهد، شاید با ترکیبی از سایه های نقره ای یا اخرایی، بنابراین انتخاب درستریمل نیز بی اهمیت نیست.

یاماموتو بایتسو، اواخر هجدهم- قرن نوزدهم.

موضوعات اصلی نقاشی تک رنگ مناظر هستند. چرا هیچ رنگی در آنها وجود ندارد؟

صفحه جفت "Pines"، Hasegawa Tohaku

اولاً، هنرمند ژاپنی به خود شیء علاقه مند نیست، بلکه به ذات آن، جزء خاصی است که در همه موجودات زنده مشترک است و به هماهنگی بین انسان و طبیعت می انجامد. بنابراین، تصویر همیشه یک اشاره است، و نه به بینایی. کم بیانی محرکی برای گفتگو و در نتیجه ارتباط است. خطوط و نقاط در یک تصویر مهم هستند - آنها شکل می گیرند زبان هنری. این آزادی استاد نیست که در جایی که می خواست علامت پررنگی از خود به جای گذاشته است، بلکه در جای دیگر، برعکس، زیر پا گذاشته است - همه چیز در تصویر معنا و اهمیت خاص خود را دارد و تصادفی نیست.

ثانیاً، رنگ همیشه دارای نوعی مفهوم عاطفی است و به گونه ای متفاوت درک می شود مردم مختلفبنابراین، در حالت های مختلف، بی طرفی عاطفی به بیننده این امکان را می دهد که به اندازه کافی وارد دیالوگ شود، او را برای ادراک، تعمق و تفکر قرار دهد.

ثالثاً ، این تعامل یین و یانگ است که هر نقاشی تک رنگ از نظر نسبت جوهر به ناحیه دست نخورده کاغذ هماهنگ است.

چرا بیشترآیا از فضای کاغذ استفاده نشده است؟

"منظر" Xubun، اواسط قرن 15th.

اولاً، فضای خالی بیننده را در تصویر غوطه ور می کند. ثانیاً، تصویر طوری ایجاد می شود که گویی برای لحظه ای به سطح شناور می شود و در شرف ناپدید شدن است - این با جهان بینی و جهان بینی مرتبط است. ثالثاً، در مناطقی که جوهر وجود ندارد، بافت و سایه کاغذ برجسته می شود (این همیشه در تولید مثل قابل مشاهده نیست، اما در واقعیت همیشه تعامل دو ماده است - کاغذ و جوهر).

سشو، 1446

چرا منظره؟

گایامی، 1478، "تفکر یک آبشار".

بر اساس جهان بینی ژاپنی، طبیعت از انسان کامل تر است، پس باید از آن درس بگیرد، به هر طریق ممکن از آن محافظت کند و آن را تخریب یا تحت سلطه خود درآورد. بنابراین، در بسیاری از مناظر می توانید تصاویر کوچکی از افراد ببینید، اما آنها همیشه ناچیز هستند، نسبت به خود منظره کوچک هستند، یا تصاویر کلبه هایی که در فضای اطراف آنها قرار می گیرند و حتی همیشه قابل توجه نیستند - اینها همه نمادهایی هستند یک جهان بینی

"فصول: پاییز و زمستان" Sesshu. «منظره» سشو، 1481

در پایان، می خواهم بگویم که نقاشی تک رنگ ژاپنی جوهر پر هرج و مرج نیست، این یک هوی و هوس نفس درونی هنرمند نیست - این یک سیستم کامل از تصاویر و نمادها است، این یک مخزن اندیشه فلسفی است، و مهمتر از همه، راهی برای ارتباط و هماهنگی خود و دنیای اطرافمان.

من فکر می کنم در اینجا پاسخ به سؤالات اصلی است که در مواجهه با یک رنگ تک رنگ در بیننده ایجاد می شود. نقاشی ژاپنی. امیدوارم آنها به شما کمک کنند که آن را به درستی درک کنید و در هنگام ملاقات آن را درک کنید.