تکنیک ترسیم مناظر فوق العاده واقعی. هایپررئالیسم: نقاشی هایی که از واقعیت قابل تشخیص نیستند

"من می دانم که آناتومی اینجا اشتباه است، اما این سبک من است"، "این نقاشی سبکی ندارد"، "من سبک شما را دوست دارم!" ما اغلب از کلمه " سبک"، کاملاً معنی آن را درک نمی کنیم. مانند "عشق" یا "هنر" - ما این کلمات را از زبان یاد گرفته ایم، اما تعریف آنها آسان نیست.

در این مقاله سعی خواهم کرد مفهوم سبک را تحلیل کنم: چیست؟ آیا می توان او را قضاوت کرد؟ آیا همه سبک ها به یک اندازه خوب هستند؟ آیا سبک می تواند کمبود استعداد را پنهان کند؟ چه چیزی یک سبک را واقع گرایانه می کند؟ چه اشکالی دارد که استایل یک نفر را کپی کنیم؟ و مهمتر از همه - چگونه سبک خود را توسعه دهید؟

پاسخ به همه این سوالات در مفهوم طراحی نهفته است. اگر هرگز سعی نکرده اید بفهمید نقاشی چیست، یافته ها ممکن است شما را شگفت زده کنند!

سبک؟ چه سبکی؟ من حتی نمی توانم نقاشی کنم!

یا میدونی چطوری؟ خانم ها و آقایان، من این افتخار را دارم که یک راهنمای ضروری در مورد نحوه طراحی به شما ارائه دهم!

مرحله 1

چیزی را دریافت کنید که با فشار دادن ردی از خود به جای بگذارد.

مرحله 2

جسم را روی مواد فشار دهید (چیزی سخت مانند کاغذ، چوب، خاک و غیره).

1 - فشار دهید

مرحله 3

جسم را با نیروی لازم برای ایجاد علامت حرکت دهید.

1 - فشار دهید، 2 - حرکت کنید

پوچ به نظر می رسد؟ اما نقاشی یعنی همین! در تعریف اصلی آن زیبایی یا واقع گرایی وجود ندارد. علاوه بر این، همه می توانند نقاشی کنند - حتی نابینایان!

این یک نقاشی است!

با این حال، این تعریف کاملاً عینی از طراحی با چیزی مبهم تر - سبک ادغام شده است. اغلب با یک سبک خاص - واقع گرایی همراه است. بنا به دلایلی، ارزش یک نقاشی بسته به واقع گرایی آن مشخص شد. وقتی به کودک گفته می شود که استعداد نقاشی دارد، به این معنا نیست که او خطوط منظمی دارد یا می تواند نقاشی را بدون استفاده از پاک کن تمام کند - به این معنی است که مردم می توانند بفهمند که او چه چیزی می کشد!

شاید استعداد باشد یا شاید اراده.

وقتی کسی می‌گوید «نمی‌توانم نقاشی کنم»، بیشتر اوقات درباره ناتوانی خود در دست گرفتن مداد، کمبود وقت یا نوعی بازداری صحبت نمی‌کند. منظور آنها واقعاً این است که "نمی دانم چگونه واقعیت را روی یک تکه کاغذ به تصویر بکشم." اگر آنها متوجه این موضوع شده اند، مشکل آنها راحت تر حل می شود - اگر نمی دانید چگونه کاری را انجام دهید، کسی را پیدا کنید که انجام دهد و از آنها یاد بگیرید! اما شخصی که می گوید "من نمی توانم نقاشی بکشم" از این شکل گفتاری به همان معنایی که در عبارت "من نمی توانم شنا کنم/چینی صحبت کنم/شطرنج بازی کنم [هنوز]) استفاده نمی کند. آنها یک ناتوانی ناامیدکننده را نشان می دهند - "بعضی از مردم می توانند نقاشی کنند، اما من نمی توانم." ناامیدی از کجا می آید؟

همانطور که گفتیم دو تعریف از نقاشی وجود دارد: ایجاد علامت روی یک ماده و ایجاد علائمی که شبیه چیزی واقعی هستند. سردرگمی بین این دو معنا می تواند برای یک هنرمند جاه طلب کشنده باشد. می دانید که طراحی آسان است(مالیدن مداد روی کاغذ), اما در عین حال نمی توانید آن را انجام دهید (یک اژدها بکش). آیا این یک هنر جادویی نیست که بعضی ها دارند؟

طراحی اولیه و طراحی با سبک

اکنون شما اولین قدم را برای درک همه تبلیغات پیرامون کلمه "استعداد" برداشته اید. یک فرد با استعداد "با مهارتی متولد نمی شود که به طور پیش فرض نتوان آن را آموخت." استعداد نوعی استعداد است نه آن چیزی که شما فکر می کنید و محدود به هنر نیست.

بیایید یک مثال ایجاد کنیم. خلبانی هواپیما آسان است، اینطور نیست؟ شما فقط باید بنشینید، اهرم های کنترل را حرکت دهید و هر از گاهی انواع دکمه ها را فشار دهید... نه، هیچکس این را به شما نخواهد گفت. ما می توانیم حدس بزنیم که برای کنترل یک هواپیما دانش زیادی لازم است. یک خلبان با استعداد با این دانش متولد نمی شود - با این حال، او با چیزهای کمتری مانند رفلکس خوب یا خونسردی متولد می شود. همین امتیازات کوچک می تواند در بسیاری از حرفه ها به او کمک کند و اگر خلبان شود به خوبی به او خدمت می کنند.

استعداد در حرفه های "عملی" اغلب با مهارت های اکتسابی مرتبط است. حتی وقتی می گویید که یک خلبان یا راننده استعداد دارد، آن را به عنوان گیلاس روی کیک درک می کنید - چیزی که آنها را از سایر خلبانان و رانندگان خوب متمایز می کند. اما در مورد حرفه های هنری ... وضعیت اینجا متفاوت است. "کار شما زیبا است، شما بسیار با استعداد هستید!" - مردم به هر هنرمند خوبی می گویند، به این معنی که بدون استعداد نمی توانید به خوبی طراحی کنید. و اگر نمی توانید خوب نقاشی کنید، باید به این دلیل باشد که استعداد ندارید و به عنوان یک هنرمند محکوم به فنا هستید. دلیل خوبی برای ناامیدی است، اینطور نیست؟

A - راننده، B - هنرمند؛ 1 - بد، 2 - خوب، 3 - با استعداد

دوباره تکرار می کنم - چیزی به نام "استعداد کشیدن" وجود ندارد. درست مانند نمونه خلبان، ممکن است با خصوصیات عمومی کوچکی مانند صبر، حساسیت، کنجکاوی، کمال گرایی یا سرسختی به دنیا بیایید (یا بزرگ شوید!). ممکن است تعداد بیشتری از آنها وجود داشته باشد، و یک چیز وجود دارد که آنها را متحد می کند - آنها خاص نیستند، برای یک مهارت خاص طراحی نشده اند، اما بر حوزه های کاملاً گسترده ای از زندگی تأثیر می گذارند. شما می توانید از آنها برای تبدیل شدن به یک هنرمند بزرگ استفاده کنید، اما لازم نیست. می توانید برنامه نویس یا ساعت ساز شوید و هرگز به مداد دست نزنید.

من معتقدم که بیشتر این ویژگی‌ها را می‌توان به هر طریقی در هنر به کار برد. آنچه واقعاً مهم است تحقق این امر است: نقاشی نیاز به یادگیری فعال دارد- این جادو نیست، همان مهارت دشوار یادگیری پرواز با هواپیما است. جدی میگم! شما باید دانش پایه را نه تنها در طراحی، بلکه در زمینه هایی مانند پزشکی، معماری، ریاضیات و فیزیک به دست آورید. و بعد از اینکه فهمیدید طراحی چیست، بیایید به بخشی از آن برویم که هنوز نمی‌دانید چگونه خلق کنید - واقع‌گرایی.

واقع گرایی

در اصل، رئالیسم سبکی برای ایجاد چیزی است که مغز ما آن را به عنوان "واقعی" یا "نزدیک به واقعیت" شناسایی می کند. به راحتی می توان گفت که یک مجسمه واقع گرایانه است، اما تکه کاغذ دو بعدی با چند لکه روی آن چطور؟ چگونه می تواند شبیه چیزی واقعی باشد؟ من این را در توضیح دادم، اما در اینجا می خواهم به طور مفصل به این موضوع نگاه کنم.

مغز ما واقعیتی را که ما درک می کنیم از یک سری تصاویر ثابت و دو بعدی ایجاد می کند که در هر کسری از ثانیه ایجاد می شود. عمق با مقایسه دو تصویر گرفته شده در یک لحظه، اما در موقعیت های کمی متفاوت ایجاد می شود (این تنها راه ایجاد عمق نیست، زیرا حتی با یک چشم نیز می توانیم آن را به خوبی کنترل کنیم). بنابراین، نقاشی را می توان «عکس فوری از مغز» در نظر گرفت که پس از سپری شدن لحظه و مکانی که در آن گرفته شده است، برای دیدن همه بیرون کشیده شده است.

مشکلات متعددی از این امر ناشی می شود:

• اگرچه همه عکس های فوری در مغز ما ذخیره می شوند، آگاهی ما به اندازه کافی سریع نیست که آنها را به این روش پردازش کند، همانطور که ما فریم های جداگانه را در یک فیلم نمی بینیم، ما متوجه عکس های فوری نمی شویم - ما عملکرد انجام شده توسط تغییرات بین آنها را می بینیم. آنها
• واقعیتی که ما می بینیم آنقدر از عکس های فوری مختلف تشکیل شده است که دائماً در حال تغییر است. با یک حرکت سریع سر خود متوجه می شوید که اگر نزدیکتر شوید (حتی اگر در حال حاضر کوچک به نظر برسد) چقدر می تواند بزرگ باشد. پرسپکتیو آنقدر بخشی جدایی ناپذیر از واقعیت ما است که نمی توانیم جهانی را بدون آن تصور کنیم - علیرغم اینکه دیدگاه ما خارج از ذهن ما وجود ندارد!
• ترسیم واقعیت غیرممکن است - یک عکس آن را ایجاد نمی کند. بنابراین، هر نقاشی چیزی شبیه سازش و شبیه‌سازی واقعیت است - معمولاً چندین عکس در یک عکس ادغام می‌شوند تا تصویر کامل شود.
• شما نمی توانید چشمان خود را در همان عکس حرکت دهید. شما نمی توانید به چیزی خارج از فوکوس نگاه کنید - به محض اینکه آن را با نگاه خود لمس می کنید فوکوس می شود و کل محیط را تغییر می دهد. بنابراین نقاشی یک عکس فوری از مغز یک نفر است و وقتی به آن نگاه می کنید بیننده اصلی نیستید!

سطوح زیادی از واقع گرایی وجود دارد. مغز ما برای دیدن الگوها سیم‌کشی شده است، بنابراین می‌توانیم چیزهایی را ببینیم که واقعاً وجود ندارند، مانند چهره‌ای در مریخ یا نشانه‌هایی که از برگ‌های چای ساخته شده‌اند. به همین دلیل است که دستیابی به یک سطح اولیه از واقع گرایی بدون دانش نسبتاً آسان است - مغز ما اشتباهات را می بخشد. یکی از نشانه های "استعداد ترسیم" ممکن است توانایی ایجاد این الگوها به طور بسیار کارآمد باشد، اما این یک مهارت نیست، بلکه یک حدس است. فقط به این دلیل که به طور تصادفی چند دکمه را فشار داده اید و موتور را روشن کرده اید به این معنی نیست که می توانید رانندگی کنید!

تفاوت بین استعداد در ساختن الگوها و مهارت واقعی به راحتی قابل مشاهده است - اگر به هر یک از نقاشی های خوب خود وابستگی شدیدی ایجاد کنید و می ترسید که اگر آن را از دست بدهید دیگر هرگز آن را نکشید، نتیجه این است. از استعداد مهارت پوشیده از شانس نیست!

خطوط سمت چپ کاملا تصادفی بود!

سطوح واقع گرایی توسط عناصر مختلفی ایجاد می شود که مغز ما به دنبال تشخیص آن است. برخی از آنها مهمتر از دیگران هستند و از فردی به فرد دیگر متفاوت هستند.

خطوط بیرونی

خطوط معنای نقاشی هستند. با این حال، آنها شبیه به خطوط بیرونی نیستند. کانتور بیرونی یک خط مجزا است که "داخل" و "خارج" را مشخص می کند. ما در دیدن خطوط بیرونی خوب هستیم، حتی اگر در طبیعت به شکل خطوط وجود نداشته باشند. آنها کاملاً دلخواه هستند - هر هنرمند ممکن است از تعداد متفاوتی از خطوط کانتور برای یک شی استفاده کند.

این اولین لحظه ای است که سبک ظاهر می شود. اگر چیزی دلخواه باشد، هرکسی می تواند نسخه خود را بسازد و هیچ کدام کم و بیش درست نخواهد بود به خودی خودما باید معیار متفاوتی برای قضاوت پیدا کنیم، و این همان کاری است که معمولاً انجام می‌دهیم: از برچسب‌هایی مانند «واقع‌گرا» (بسیار شبیه به چیزی واقعی)، «کارتون» (خطوط اقتصادی، اشکال نمادین) یا «مانگا» (سبک متمایز ژاپنی) استفاده می‌کنیم. ).

اگر تفاوت بین رئالیسم و ​​کارتون بسیار زیاد است، چرا هر سبک غیرواقعی "درست" و چشم نواز به نظر می رسد؟

هر سبکی از تحریف رئالیسم ناشی می شود

اگر می‌خواهید یک گربه بکشید، نمی‌توانید چیزی کاملاً جدید بسازید و بگویید این یک گربه است (مگر اینکه یک سوررئالیست باشید، اما حتی در آن صورت هم قصد شما باید این باشد. نهیک گربه بکشید). شما باید تمام ویژگی های خاص گربه را بگیرید و آنها را تغییر دهید تا نسخه جدیدی از حیوان ایجاد کنید. و، برای شکستن قوانین باید آنها را بشناسید.اگر قبلاً گربه‌ای نکشیده‌اید و آناتومی و تناسبات آن‌ها را مطالعه نکرده‌اید، انتظار نداشته باشید که نقاشی‌تان درست به نظر برسد، حتی اگر به دنبال ظاهری کارتونی هستید. مثل این است که اگر بخواهید یک ماشین بزرگ شده بکشید - اگر ندانید چگونه یک ماشین اصلی بسازید، نمی توانید این کار را انجام دهید.

هر سبکی بر اساس قوانین است

همه چیز باید هدفی داشته باشد - شما نمی توانید عناصر را به طور تصادفی مرتب کنید. به همین دلیل است که مبتدیان معمولاً در ترسیم مجدد شخصیت های خود مشکل دارند - اولین کار یک حدس و گمان بود و حتی اگر خوب به نظر برسد، هنرمند نمی داند چرا!

وقتی "سبک" شما بر اساس هیچ قاعده ای نیست، در واقع یک سبک نیست. سبک را می توان توصیف کرد، و اگر هیچ قاعده ای برای سبک شما وجود ندارد، چگونه آن را توصیف می کنید؟ ویژگی سبک آقای X این است که توسط آقای X ساخته شده است. این چیزی بیشتر از "ویژگی ماشین Y این است که شبیه ماشین Y است." "خود به خودی"، "گاه به گاه" یا "دیوانه" بهترین تعاریف برای استایل نیستند. باید تعریفی وجود داشته باشد - دستوری که می توانید بارها و بارها از آن استفاده کنید، حتی اگر تنها فردی باشید که آن را کاملاً می دانید.

قوانین باعث می شود سبک تکرار شود - این اساس است. یک نقاشی یک سبک ایجاد نمی کند. این ما را به سوال بعدی می رساند:

سبک باید عمدی باشد

ممکن است فکر کنید، "شما گفتید که هر سبکی از رئالیسم می آید، اما در مورد هنر انتزاعی چطور؟"

اول از همه، هنر همان سبک نیست. این یک مفهوم بسیار گسترده تر است و ما در اینجا در مورد آن صحبت نمی کنیم. آنچه در مورد سبک مهم است این است که می توان آن را در سطوح مختلفی از جزئیات توصیف کرد. یک درخت نمونه ممکن است به شکل زیر باشد: drawing > black and white > manga > [جزئیات سبک را در اینجا شرح دهید].در هنر انتزاعی هم همینطور: painting > color > abstract [جزئیات سبک را در اینجا شرح دهید].

ثانیاً، این ممکن است مبهم به نظر برسد، اما من فکر می کنم که انتزاع گرایی نیز از واقع گرایی آمده است - این نفی آن است. برای ایجاد چیزی انتزاعی، باید بدانید که چیست غیر انتزاعی. اگر می خواهید یک تصویر تیره بکشید، باید بدانید که از چه رنگ هایی اجتناب کنید - باید بدانید چه چیزی تیره نیست. گربه ای که شبیه گربه نیست، زیرا شما آناتومی آن را مطالعه نکرده اید، "هنر انتزاعی" نیست، بلکه یک اشتباه است. اگر تصویر نهایی کاملاً با آنچه در سر دارید متفاوت است و وانمود می کنید که قصد شما این بوده است، فقط خودتان را فریب می دهید.

این مامان، بابا و رفیق هستند. شما ممکن است آنها را نشناسید، اما این سبک من است.

نسبت طلایی - معیار زیبایی

این یک موضوع بزرگ است، اما قطعا ارزش کاوش را دارد. به عنوان یک قاعده، نسبتی وجود دارد، در صورت مشاهده، عناصر درست به نظر می رسند، و بالعکس - اگر بدون رعایت نسبت ساخته شده باشند، نادرست به نظر می رسند. مغز ما به نوعی برای این کار سیم کشی شده است و نمی توان آن را تغییر داد. در پشت هر گل و برگ، ریاضیات ناب وجود دارد و باید همان ریاضیات را در مورد هر چیزی که در سر خود می سازید اعمال کرد تا ذهن شما آن را به عنوان حقیقت بپذیرد، حتی اگر واقع بینانه نباشد.

البته، در اینجا انحرافات می تواند و باید وجود داشته باشد (زیبایی کامل خسته کننده است، نقص های کوچک می تواند بسیار زیبا باشد)، اما "بدن" اصلی جسم حداقل باید تقریباً از این قانون پیروی کند. بنابراین وقتی اندازه یک سر را برای ایجاد یک شکل کارتونی تغییر می دهید، ابعادی وجود دارد که درست و غلط به نظر می رسند - دیدن آنها بدون اندازه گیری ممکن است نشانه دیگری از "استعداد" باشد، اما این با تمرین به دست می آید.

نسبت بین A و B مانند بین A+B و A است

انطباق

چیزی وجود دارد که می تواند سبک شما را نجات دهد، مهم نیست که چقدر دیوانه و به دور از واقع گرایی است. این سازگاری است - وقتی اغلب به چیزی عجیب نگاه می کنید، برای شما عادی می شود (اما برای دیگران نه). بنابراین اگر کار خود را در مدت زمان طولانی به همان دوستان نشان دهید، آنها در نهایت شروع به درک آن می کنند. اگر آنها شما را تحسین کنند، ممکن است این تصور نادرست برای شما ایجاد شود که سبکی دارید که دیگران آن را درک نمی کنند. خود را در منطقه امن خود حبس نکنید، در عوض به نظرات افراد خارج از پایگاه هواداران خود گوش دهید. این تنها راه پیشرفت به عنوان یک هنرمند است.

انطباق جنبه دیگری هم دارد. ما تمایل داریم فقط چیزهایی را که با آنها آشنا هستیم به عنوان "عادی" درک کنیم. به همین دلیل است که یک دایناسور به درستی ترسیم شده اما کمتر شناخته شده ممکن است از نظر تشریحی نادرست تلقی شود و آناتومی گربه مانند اعمال شده روی لمور ممکن است نادیده گرفته شود. واقعیت جالب: چهار پا و گوش واقع در بالای سر منطقی تر از سه پا و گوش در پشت نیستند. آنها اغلب در دنیای ما دیده می شوند و بنابراین طبیعی تلقی می شوند.

دم راه راه بلند؟ بخور! ماسک تیره روی سر؟ بخور! آیا چشمان شما برآمده است؟ بخور! بدن لاغر؟ بخور! درست است، باید لمور باشد

نور و سایه

اولین هدف بینایی حس نور و سایه بود. ما هنوز به آنها بسیار حساس هستیم و برای دیدن اشکال در صورت وجود نور و سایه نیازی به خطوط کلی نداریم. این ممکن است مرحله بعدی در طراحی (سایه زدن با خطوط) یا اولین مرحله در نقاشی باشد.

ما متوجه شدیم که پیش نیازهایی وجود دارد که می توان آنها را به عنوان "استعداد ترسیمی" طبقه بندی کرد، مانند آرامش، کمال گرایی، توانایی ایجاد الگوها و تعیین نسبت طلایی. استعداد برای نقاشی (و به طور کلی برای سایه زدن) بسیار کمتر رایج است. مبتنی بر "چشم برای مشاهده" است. ایده دنیایی ساخته شده از خطوط کلی چنان در ذهن ما تثبیت شده است که دیدن اشکال ایجاد شده توسط نور و سایه بسیار دشوار است. شما باید تلاشی واقعی برای تجسم جهان به همان شکلی که هست انجام دهید - پوشیده از تکه هایی از نور و سایه. و حتی در این صورت، تلاش برای کشیدن این روش می تواند باعث درد در عضله مغز شود (همانطور که من احساس می کنم). در هر صورت، ارزش امتحان کردن را دارد - هنر درهم و برهم ساخته شده از نور و سایه به نظر ما بسیار واقعی تر از یک قطعه هنری پیچیده و تصفیه شده است که فقط از طرح کلی ساخته شده است.

نور، سایه و شکلی که آنها ایجاد می کنند به اندازه کانتورها برای سبک باز هستند. اندازه و شکل بسیار زیاد ضربه های قلم مو به شما این شانس را می دهد که تفسیرهای کاملاً متفاوت بی شماری از یک صحنه خلق کنید. هنگامی که ایده خود را در مورد قرارگیری نور و سایه اضافه می کنید، لازم نیست نگران باشید که آن را غیرقابل تشخیص کنید. درباره نور و سایه بیشتر بخوانید و تصور کنید چگونه می توانید از همه این قوانین برای ایجاد سبک خود استفاده کنید!

رنگ

رنگ یک تقویت شگفت انگیز بینایی است که اطلاعات جدید بیشتری را به تصویر می آورد. اکنون، علاوه بر ارزش، رنگ، اشباع و روشنایی را دریافت می کنیم. هر چه عناصر بیشتر تصویر را تشکیل دهند، فرصت های بیشتری برای ایجاد یک سبک منحصر به فرد وجود دارد. فقط فکر کردن به ارزش دردناک بود، حالا سه جنبه جدید به آن اضافه کنید!

شما می توانید واقع بینانه نقاشی کنید، اما مجبور نیستید. من اغلب هنرمندانی را می بینم که در طراحی (طرح های) واقع گرایانه برتری دارند و سپس به سمت واقعی ترین رنگ های ممکن می روند همانطور که ما آنها را در دنیای خود می بینیم. این ضروری نیست، در واقع شما را به فوتورئالیسم خسته کننده نزدیک می کند! مشکل فوتورئالیسم (ما بعداً در مورد آن صحبت خواهیم کرد) این است که سبک بدون توجه به استفاده از آن یکسان به نظر می رسد. اگر سبکی منحصر به فرد می خواهید که فقط متعلق به شما باشد، قوانین را آزمایش کنید. شما باید آنها را مطالعه کنید، البته طبیعت و اشیاء اطراف خود را مطالعه کنید، اما سپس آنچه را که مطالعه می کنید تغییر دهید. قوانین خود را ایجاد کنید!

سلام به همه از آپوفیس! سبک این هنرمند نمونه کامل بازی با واقعیت است

جزئیات

ممکن است شما را شگفت زده کند، اما جزئیات در نقاشی واقع گرایانه یا حتی در طراحی اهمیت چندانی ندارند. چون ما در واقع عکس های فوری از مغز را نمی بینیم، و نقاشی فقط تقلیدی از صحنه درک شده است، ما می توانیم اقدامات مختلفی را برای ایجاد آن انجام دهیم. ترسیم همه چیز آنطور که ممکن است در کسری از ثانیه به نظر برسد، معنای واقعی موقعیت را از شما می گیرد. ارزش در چندین یا حتی ده ها عکس فوری پخش می شود. و اگر می خواهید به جای ایجاد یک فیلم یا کارتون، یک تصویر بکشید، باید از برخی تکنیک ها استفاده کنید.

این ممکن است جنبه دیگری از استعداد باشد - توانایی تبدیل کنش به صحنه ای ساکن و حفظ احساسات آن. وسواس در مورد جزئیات از همان ابتدا می تواند به طور ناخواسته شما را از آن هدف دور کند. وقتی صحنه‌ای را می‌بینیم، اولین چیزی که متوجه می‌شویم یک حس نامشهود خاص است - ما حرکت، نبرد، نورهای درخشان روی تیغه، قرمزی خون را می‌بینیم، نه موهای فردی را در ریش یک جنگجو یا عناصر استادانه یونیفرم او.

در این "تصویر" فقط لکه هایی از رنگ های تیره و روشن وجود دارد که در اینجا می بینید، خودتان ایجاد می کنید.

در اینجا فضای زیادی برای سبک وجود دارد - بین حباب های بی شکل سایه و صحنه کاملاً دقیق. راه های زیادی برای رسیدن به "احساس" وجود دارد و وقتی جزئیات را فدا می کنید، می توانید سبک شخصی خود را خیلی راحت پیدا کنید. تنها یک راه برای ترسیم جزئیات به صورت واقعی وجود دارد، و تعداد بی نهایت راه برای ایجاد احساس در آنها.

فوتورئالیسم

تفاوت رئالیسم و ​​فوتورئالیسم چیست؟ تا اینجا ما در مورد عکس های فوری گرفته شده توسط مغز صحبت کرده ایم. اگر کسی با دوربین واقعی عکس بگیرد چه می شود؟ عکس ها برای ما بسیار عادی شده اند. ما با آنها به عنوان بازنمایی واقعی واقعیت برخورد می کنیم، بدون اینکه متوجه شویم دوربین دقیقاً مانند چشم و مغز ما کار نمی کند. ما آنقدر به عکس عادت کرده ایم که گاهی به نظرمان واقعی تر از خود واقعیت می آید!

فوتورئالیسم عالی ترین شکل رئالیسم نیست. این به سادگی یک نقاشی با چنان دقت ایجاد می کند که می توان آن را با یک عکس اشتباه گرفت. اما تکرار می‌کنم: یک عکس مانند یک عکس فوری با مغز نیست، دوربین تمام توهمات را نمی‌گیرد و آنقدرها هم که فکر می‌کردیم دقیق نیست. چند بار سعی کرده اید از چیزی عکس بگیرید، اما به اندازه آنچه با چشم غیر مسلح دیده اید (ماه، طلوع خورشید) شگفت انگیز به نظر نمی رسد؟ با کمی دانش عکاسی می‌توانید این مشکل را برطرف کنید، اما اکنون آن را فراتر می‌گذارید و هدفتان ایجاد یک واقعیت پیشرفته است - چیزی بهتر از چیزی که با چشم غیرمسلح می‌توانیم ببینیم! و من در مورد دستکاری عکس صحبت نمی کنم - خود دوربین می تواند جهان را به روش های مختلف "دید" کند. و وقتی رنگ های خود را که در طبیعت وجود ندارند اضافه می کنید، یک جلوه زیبا اما غیر واقعی دریافت می کنید! بنابراین، یادگیری از عکس ها ممکن است شما را به واقع گرایی نزدیک نکند!

1 - رئالیسم، 2 - فوتورئالیسم

اما ممکن است بگویید: "عکس ها آنقدر واقعی هستند که یکسان هستند." این درست نیست، شما فقط فکر می کنید آنها واقع بین هستند. یک عکس بگیرید و سپس با چشم غیر مسلح به صحنه نگاه کنید - تفاوت می تواند چشمگیر باشد. تفاوت های فنی وجود دارد، مانند شعله ور شدن لنز (در چشم ما به یک شکل ظاهر نمی شود) یا شکل ناحیه خارج از فوکوس (ما با هر دو چشم می بینیم، بنابراین نه تنها آن ناحیه تار است، بلکه همچنین تار است. از دو تصویر جابجا شده تشکیل شده است)، اما تفاوت‌های ظریفی نیز وجود دارد - دوربین فقط آنچه را که در جلوی آن است می‌گیرد، اما مغز ما می‌تواند واقعیت را گسترده‌تر کند. شما نمی توانید با چشمان پر از اشک، یا چشمان یک فرد ترسیده که در یک جنگل تاریک در حال دویدن در شب است، عکس بگیرید. ما نه تنها می بینیم، بلکه احساس می کنیم - و عکس این را منتقل نمی کند.

همچنین: قبلاً گفتم که ترسیم واقعیت غیرممکن است. در عین حال، دوربین در تلاش است تا عکسی عالی از واقعیت بگیرد. این عکس‌ها را واقعی‌تر از آنچه می‌بینیم - در واقع، آنها نمی‌کند خیلی زیادعینی و فاقد بخش بسیار مهمی از واقعیت ما است. به عنوان مثال، رفتن به یک رستوران نه تنها سفر به یک مکان گران قیمت برای رفع گرسنگی است، بلکه واقعیت نیز تنها مجموعه ای از سیگنال های بصری نیست.

نقش برجسته زیر آسمان در واقعیت چندان تاریک نیست و رنگ ها ممکن است چندان اشباع نشده باشند

البته، این به این معنا نیست که فوتورئالیسم اشتباه است. من صرفاً می‌خواهم مخالف این باور باشم که هنرمندی که به‌طور واقع‌گرایانه نقاشی می‌کند باید نقاشی‌های خود را تا حد امکان به کیفیت عکاسی نزدیک کند. اینها دو سبک متفاوت هستند و هیچ کدام "بهتر" یا "یک پله بالاتر" نیستند. همچنین مهم است که جهان را با چشم غیر مسلح مشاهده کنید و فقط به عکس ها تکیه نکنید. من می دانم که از این طریق راحت تر است، اما گاهی اوقات گرفتن یک تکه کاغذ و ایجاد اثر پراکندگی زیرسطحی خود، بسیار مفیدتر خواهد بود. با مطالعه هر دو واقع گرایی و فوتورئالیسم، می توانید یک سبک کاملا جدید و منحصر به فرد ایجاد کنید.

طراحی از روی تخیل

در مورد چیزی که در واقع وجود ندارد چطور؟ آیا می توان این را رئالیستی ترسیم کرد یا به هر سبکی که برگرفته از رئالیسم باشد؟ بله، اما آنها باید به شکلی ترسیم شوند که در دنیای ما به خود می گیرند، اگرواقعی خواهد بود ممکن است بگویید، "اما من می خواهم از سبکی غیرواقعی استفاده کنم، مانند کشیدن یک اژدها با پاهای چوب کبریت و یک سر بزرگ گرد." خوب، اما به کلمات خود توجه کنید: "پاها"، "سر". اینها اشیای جهان ما با شکل خاصی هستند که در اینجا به خود می گیرند. این نقطه شروع خلاقیت شماست. برای کشیدن سر باید بدانید که سر چیست، حتی اگر بخواهید نوع جدیدی از سر ایجاد کنید.

به هر حال، من می خواهم یک نکته را روشن کنم: چرا نمی توانید چیزی را به طور واقع بینانه ترسیم کنید، حتی اگر می دانید چه شکلی است؟ شما می توانید یک اسب را به وضوح در سر خود تصور کنید، اما روی کاغذ کاملاً اشتباه به نظر می رسد. باز هم این کمبود استعداد نیست؟

نه، بلکه ترکیبی از دو فرآیند متفاوت است - شناسایی و ایجاد. بیایید با شبه کد ساده به آنها نگاه کنیم:

شناسایی

if (legs="long, thin, hoofed" AND body="big, strong" AND head="blang" AND tail="بلند، مودار) سپس حیوان=اسب

وقتی حیوانی را با مجموعه ای از صفات می بینید که در مغز شما به عنوان «اسب» ثبت شده است، آن را به عنوان یک اسب تشخیص می دهید. به همین سادگی است. لازم نیست تک تک ویژگی های اسب را بشناسید تا آن را بشناسید، فقط تعداد کمی از آن ها را می شناسید. هنگامی که اسبی را در مغز خود تجسم می کنید همین اتفاق می افتد - ویژگی های ناآشنا را نمی بینید و ذهن شما هوشمندانه نبود آنها را پنهان می کند.

خلقت

اگر (حیوان=اسب) سپس پاها=x اگر (x=سُم) سپس عرض_سُم=؟

وقتی می خواهید خودتان اسبی بسازید، وضعیت کاملاً متفاوت است. شما ناگهان به همه این شاخص ها و بیشتر نیاز دارید! شروع به کشیدن سم می کنید و ناگهان متوجه می شوید که نمی دانید چه شکلی است، حتی اگر بصری آن را تشخیص دهید. به همین دلیل است که تست های چند گزینه ای آسان تر هستند!

1 - شناسایی، 2 - ایجاد

همه مشکلات مربوط به خلقت ناشی از یک پایگاه اطلاعاتی ناکافی درباره واقعیت در ذهن ماست. خیلی وقت ها فقط ما فکر می کنیمکه ما می دانیم چیزی شبیه به چه چیزی است، اما اگر به جزئیات دست بزنیم، آنها گم شده اند. وقتی کتابی را می خوانید، تک تک تیغه های علف را زیر پای یک شخصیت نمی بینید، در واقع، گاهی اوقات حتی نمی دانید چه شکلی است (تا زمانی که آن را در یک فیلم ببینید و حدس مبهم خود را با واقعیت مقایسه کنید. ). شما این تصور را دارید که دید شما از دنیای کتاب کامل شده است، اما اگر کسی آن را ترسیم کند و به شما نشان دهد، پر از شکاف خواهد بود. اگر می خواهید سبک خود را ایجاد کنید، با مطالعه واقع گرایی شروع کنید - یک پایگاه داده از هر چیزی که می بینید جمع آوری کنید.

این هنرمندان با استعداد و روشی که نقاشی های فوق رئالیستی خود را خلق می کنند شگفت زده می شوند. باورش سخت است، اما اینها عکس نیستند، بلکه نقاشی های واقعی هستند که با مداد، رنگ و حتی خودکار کشیده شده اند. ما نمی فهمیم چطور این کار را می کنند؟! فقط از خلاقیت آنها لذت ببرید.

عمر اوریتس- هنرمند هایپررئالیست از مکزیک، لیسانس طراحی گرافیک. موضوع اصلی نقاشی های او پیکره های انسانی است که عمدتاً زنان برهنه هستند. در این نقاشی، هنرمند سه عنصر را برجسته می کند: شکل انسان، پارچه های پارچه ای و رنگ سفید. ویژگی آثار عمر سبک مینیمالیستی، لاکونیسم در انتقال انحناها و خطوط ظریف بدن و کار روغنی است.

پل کادنیک هنرمند معاصر در سطح جهانی از اسکاتلند است. پل برای کارهایش فقط از گچ سفید و گرافیت استفاده می کند که با آن می تواند تقریباً هر عکسی را با توجه به جزئیات کوچک نامحسوس بازسازی کند. همانطور که خود هنرمند اعتراف می کند، جزئیات جدیدی را اختراع نمی کند، بلکه فقط بر آنها تأکید می کند و در نتیجه توهم واقعیت جدیدی را ایجاد می کند که اغلب در عکس های اصلی قابل مشاهده نیست.

کمالکی لوریانو- هنرمند متولد 1983 در جمهوری دومینیکن، در حال حاضر در مکزیکوسیتی زندگی و کار می کند. کمالکی از دانشکده طراحی و هنر فارغ التحصیل شد و در خلق پرتره های فوق رئالیستی تخصص دارد. تمایز سوژه ها از عکس های واقعی دشوار است، اگرچه آنها با رنگ های اکریلیک روی بوم نقاشی شده اند. برای نویسنده، کار او فقط تقلیدی از عکس نیست، بلکه یک زندگی کامل است که روی بوم تجسم یافته است.

گریگوری تیلکر- در سال 1979 در نیوجرسی متولد شد و در دانشگاه واشنگتن تاریخ هنر و نقاشی خواند. نقل مکان به بوستون نقطه شروع کار او بر روی مناظر شهری فوق واقع گرایانه بود که او را در سراسر جهان مشهور کرد. نقاشی های تیلکر مانند سفر با ماشین در یک روز سرد بارانی است. نویسنده با الهام از آثار هنرمندان دهه 70، نقاشی های رئالیستی خود را با استفاده از آبرنگ و رنگ روغن خلق می کند.

لی پرایسهنرمندی از نیویورک است که در رشته نقاشی از دانشگاه فارغ التحصیل شده و در نقاشی فیگوراتیو تخصص دارد. موضوع اصلی آثار لی رابطه پیچیده زن با غذا است. گویی بیننده از بیرون زنانی را تماشا می کند که مخفیانه چیزی خوشمزه اما مضر می خورند. خود این هنرمند می‌گوید که در آثارش تلاش می‌کند این واقعیت را نشان دهد که زنان به غذا ویژگی‌هایی می‌بخشند که ذاتی آن نیست و آرامش را در منبعی نامناسب می‌جویند. این نقاشی ها پوچ بودن موقعیت را نشان می دهد، تلاشی برای فرار از واقعیت، برای کاهش احساسات ناخوشایند.

بن واینرمتولد 10 نوامبر 1980 در برلینگتون، ورمونت، فارغ التحصیل از دانشگاه هنر، نقاشی با رنگ روغن روی بوم. ویژگی کارهای این هنرمند یک طرح غیر معمول است. بن رنگ می کند! ابتدا هنرمند رنگ‌هایی را روی سطح کار می‌کشد، از آن عکس می‌گیرد و سپس از عکس تمام‌شده روی بوم نقاشی می‌کشد.

او در سال 1950 در کالیفرنیای شمالی متولد شد و به خاطر نقاشی های اکریلیک واقع گرایانه اش بر روی بوم شهرت دارد. در کودکی، نویسنده عشق خود به نقاشی را با موفقیت خود در ورزش به اشتراک گذاشت، اما آسیب دیدگی کمر شغل اصلی ری را تعیین کرد. همانطور که این هنرمند اعتراف کرد، نقاشی حواس او را از کمردرد دائمی منحرف کرد. استاد حتی در جوانی خود به رسمیت شناخته شد و جوایز زیادی در مسابقات هنری دریافت کرد.

آلیسا راهبانزندگی می کند و نقاشی های خود را در بروکلین خلق می کند، به دلیل نقاشی های واقع گرایانه "خیس" خود به طور گسترده ای شناخته شده است. این هنرمند از فیلترهایی مانند آب، شیشه یا بخار برای خلق طرح های انتزاعی استفاده می کند. آلیسا برای کارهای خود اغلب از عکس های آرشیو شخصی خانواده و دوستان استفاده می کند. چهره ها و چهره های زنان در نقاشی ها شبیه به یکدیگر است - هنرمند اغلب پرتره های خود را نقاشی می کند، زیرا ادعا می کند که ایجاد طرح لازم برای او "آسان تر" است.

پدرو کامپوس- هایپررئالیست از مادرید، نقاشی با رنگ روغن را تنها در سن 30 سالگی آغاز کرد. این هنرمند زندگی بی جان واقع گرایانه خود را با استفاده از رنگ روغن خلق می کند. کامپوس به عنوان طراح داخلی، تصویرگر و مرمتگر مبلمان، مجسمه ها و نقاشی ها کار کرده است. این هنرمند معتقد است که این کار او به عنوان یک مرمتگر بود که به او کمک کرد تا مهارت های خود را تقویت کند.

دیرک زیمیرسکی- هنرمند آلمانی، متولد 1969، تحصیلات هنری دریافت کرد، در تکنیک مداد کار می کند. این هنرمند بدون وارد شدن به جزییات، از روی عکس ها تصاویر می کشد و زیاد بداهه می نویسد. دیرک می گوید که هنگام کار روی یک نقاشی، یک مدل زنده را تصور می کند، بنابراین از عکس ها فقط برای انتقال کامل نسبت های از پیش تعیین شده استفاده می کند. نویسنده وظیفه اصلی خود را ایجاد احساس حضور سوژه در تصویر می داند.

توماس آرویدیک هنرمند هایپررئالیست آمریکایی از نیواورلئان است که در دیترویت به دنیا آمده و بزرگ شده است، هیچ آموزش رسمی ندارد و استاد طبیعت بیجان به اصطلاح "بزرگ" است. مجموعه نقاشی های واقع گرایانه او "سرخاب شراب" چوب پنبه، بطری، لیوان با نوشیدنی های درخشان یا قرمز تیره است. منتقدان و نشریات معتبر بیش از 70 اثر از این هنرمند را ذکر کردند. نقاشی های استاد نه تنها دیوارهای شراب سازی ها و سالن های شراب معتبر، بلکه مجموعه ها و گالری های خصوصی را نیز تزئین می کند.

رابین الیمتولد بریتانیا، بزرگ شده و در استرالیا به زندگی و کار خود ادامه می دهد، دارای مدرک لیسانس هنرهای زیبا است و جایزه ملی پرتره داگ موران را دریافت کرده است. او نقاشی های هایپررئالیستی خود را با رنگ روغن خلق می کند و موضوع «مردم و سلفون» را «اسب» اصلی خود می داند. استاد حدود 5 هفته، 90 ساعت در هفته روی یک نقاشی کار می کند، تقریباً هر نقاشی افرادی را به تصویر می کشد که در سلفون پیچیده شده اند.

ساموئل سیلوایک هنرمند آماتور پرتغالی بدون تحصیلات خاص است که با مثال شخصی ثابت می کند که می توانید از هر چیزی شاهکاری خلق کنید. هنگام خلق نقاشی، هنرمند از پالت هشت رنگی از خودکارهای Bic استفاده می کند. سیلوا حرفه ای وکیل است و اشتیاق خود به طراحی را چیزی بیش از یک سرگرمی نمی داند. امروزه این هنرمند خودآموخته مشهور جهان با استفاده از رنگ، گچ، مداد رنگی، پاستل و غیره بر تکنیک های جدید نقاشی تسلط دارد.

گوتفرید هلنواین- هنرمند اتریشی، نویسنده نقاشی های هایپررئالیستی در موضوعات اجتماعی، سیاسی و تاریخی، "استاد شناخت غیرمنتظره"، به قول نویسنده W. Burroughs. این نویسنده در آکادمی هنرهای زیبای وین تحصیل کرده و هنرمندی با سطح حرفه ای بالا است. شهرت او تا حدودی توسط موضوعات بحث برانگیز و ساخته های سورئال به ارمغان آمد. استاد اغلب شخصیت‌های کتاب‌های مصور را در نقاشی‌های خود به تصویر می‌کشد و اعتراف می‌کند که «از دانلد داک بیشتر از همه مدارسی که درس می‌خواند، یاد گرفته است».

فرانکو کلونیک هنرمند خودآموخته ایتالیایی است که طراحی گرافیت را به تمام تکنیک های هنری دیگر ترجیح می دهد. نقاشی های رئالیستی سیاه و سفید او نتیجه مطالعه مستقل فرانکو از ادبیات مختلف در مورد تکنیک های نقاشی است.

کلوین اوکافور- هنرمند هایپررئالیست، متولد 1985، در لندن زندگی و کار می کند. کلوین مدرک هنرهای زیبا را از دانشگاه میدلسکس دریافت کرد. نویسنده نقاشی های خود را با مداد ساده خلق می کند؛ موضوع اصلی کارش پرتره افراد مشهور است.

امی رابینزیک هنرمند بریتانیایی است که از مداد رنگی و کاغذ ساختمانی برای کارهای فوق رئالیستی خود استفاده می کند. این هنرمند سابقه هنر و طراحی و مدرک کارشناسی هنرهای زیبا دارد و در بریستول زندگی و کار می کند. اطلاعات کمی در مورد این نویسنده جوان وجود دارد، اما آثار او در حال حاضر در سراسر جهان مشهور شده اند و با رئالیسم و ​​تکنیک اجرایی خود قابل توجه هستند.

رابرت لونگو- هنرمند و مجسمه ساز آمریکایی که در سال 1953 در بروکلین متولد شد، جایزه افسانه ای انگشتر گوسلار قیصر را دریافت کرد. این هنرمند تصاویر سه بعدی خود از انفجارهای هسته ای، گردبادها، طوفان ها و کوسه ها را با زغال روی کاغذ می کشد. لونگو را اغلب «نقاش مرگ» می نامند. تابلوی معروف Untitled (جزیره جمجمه) که موجی را به تصویر می کشد در حراج کریستی لندن به قیمت 392 هزار دلار فروخته شد.

دیگو فازیو- یک هنرمند خودآموخته، متولد 1989 در ایتالیا، بدون تحصیلات هنری، با ایجاد طرح هایی برای خالکوبی شروع کرد و با گذشت زمان تکنیک طراحی خود را توسعه داد. این هنرمند جوان در بسیاری از مسابقات بین المللی شرکت کرد و جوایزی را به دست آورد و در نمایشگاه های سراسر جهان به نمایش درآمد. این هنرمند با نام مستعار DiegoKoi کار می کند.

برایان دروریمتولد 1980 در سالت لیک سیتی، دارای مدرک دیپلم از آکادمی هنر نیویورک، نقاشی هایی در ژانر رئالیسم خلق می کند. این هنرمند نقاشی های خود را با استفاده از رنگ روغن می کشد. همانطور که نویسنده اعتراف می کند، در آثار خود سعی می کند بر کیفیت ارگانیک پوست و کاستی های آن تمرکز کند.

استیو میلزیک هنرمند آمریکایی است که اولین نقاشی خود را در 11 سالگی فروخت. هنرمند نقاشی های خود را با رنگ روغن و با تمرکز بر کوچکترین جزئیات زندگی روزمره که اغلب در عجله ابدی خود متوجه آن نمی شویم، خلق می کند. این هنرمند خاطرنشان می کند که او اشیاء را همانطور که در زندگی واقعی هستند، بدون تغییر یا اغراق در شکل اصلی آنها به تصویر می کشد.

پل ریهمتولد هنگ کنگ، با مداد خودکار روی برگه های A2 نقاشی می کند. ویژگی تکنیک ایجاد نقاشی، امتناع اساسی از استفاده از پاک کن است. "موزه‌های" اصلی این هنرمند گربه‌ها هستند، اگرچه او مردم و سایر حیوانات را نیز نقاشی می‌کند. هر اثر حداقل 40 ساعت وقت نویسنده را دارد.

روبرتو برناردیمتولد ایتالیا، در 19 سالگی به هایپررئالیسم علاقه مند شد، به عنوان مرمتگر در کلیسای سان فرانچسکو مشغول به کار شد. او برای خلق نقاشی از رنگ روغن استفاده می کند. مجموعه ای از آثار نشان دهنده اشیاء مشخصه یک جامعه مصرفی باعث شهرت جهانی این هنرمند شد. نقاشی‌هایی با شیرینی، ماشین‌های فروش خودکار، قفسه‌های یخچال کارت ویزیت این هنرمند است، اگرچه زرادخانه‌اش شامل مناظر، طبیعت بی‌جان و خیلی چیزهای دیگر است.

خوان فرانسیسکو کاساسیک هنرمند اسپانیایی است که نقاشی های خود را با خودکار معمولی Bic خلق می کند. کاساس یک هنرمند سنتی بود که تصمیم گرفت به دیگران ثابت کند که ماده برای کار مهم نیست، بلکه روش و تکنیک نقاشی است. اولین نمایشگاه این اسپانیایی خلاق شهرت جهانی را برای او به ارمغان آورد. بیشتر نقاشی های کاساس دوستان او را به تصویر می کشند.

ترزا الیوتیک هنرمند آمریکایی است که قبل از خلق نقاشی های رنگ روغن واقع گرایانه، به مدت 26 سال با موفقیت به عنوان تصویرگر کار کرد. ترزا دارای مدرک لیسانس هنرهای زیبا است، به هنر کلاسیک بازگشته است و به خاطر پرتره هایش، صادقانه تا کوچکترین جزئیات، در سراسر جهان مشهور شد.

شما به عکس ها نگاه می کنید، اما پس از خواندن توضیحات، متوجه می شوید که اینها در واقع نقاشی هستند. هنرمندان هایپررئالیست روی کاغذ جادو خلق می کنند. با رنگ و مداد نقاشی می کشند... نقاشی هایشان را از عکس نمی توان تشخیص داد. این

هایپررئالیسم چیست؟

رئالیسم سبکی از نقاشی است که هدف آن انتقال جهان همانطور که در تصویر است می باشد. پیشوند "hyper" به معنای چیزی بیش از واقع گرایی است. این سبک تحت تأثیر عکاسی به وجود آمد - هنرمندان تصمیم گرفتند مهارت های خود را آزمایش کنند: آیا می توانند تصویری را بکشند که شبیه عکس باشد؟ و بسیاری موفق می شوند.

نقاشی هایی به سبک هایپررئالیسم با معقول بودن خود شگفت زده می شوند. هر نقاشی نتیجه کار دقیق روی هر ضربه است. در بسیاری از

1. لوسیانو ونترونه

لوسیانو ونترونه هنرمند ایتالیایی است که به عنوان یک رئالیست در سراسر جهان شناخته شده است. و سپس تصمیم گرفت در سبک هایپررئالیسم آزمایش کند - و موفق شد. راز نقاشی او در انتخاب درست رنگ هاست. این هنرمند می گوید:

«یک نقاشی فقط یک شی نیست که روی آن نقاشی شده باشد. یک نقاشی واقعی رنگ و نور سوژه است.».

در این تصویر هزاران سایه آبی را می بینیم. به نظر می رسد که آب روشن است، آب در خورشید می درخشد. خورشید پشت سر ماست و از پشت می درخشد و جلوی ما آسمانی تاریک پوشیده از ابر است. همه چیز بسیار واقع بینانه به نظر می رسد.

این هنرمند حتی در حین تحصیل در مدرسه هنر استعداد آینده خود را به عنوان یک هایپررئالیست نشان داد. معلمان متوجه علاقه ونترون به جزئیات شدند و برخی از نقاشی های او حتی در کتاب های درسی آناتومی گنجانده شد.

این هنرمند روی تمام جزئیات انار کار کرده است. بر روی هر دانه میوه تابشی از نور وجود دارد، دقیقاً همانطور که در زندگی وجود دارد.

اخیراً این هنرمند با طبیعت بی جان کار می کند. میوه ها را زیر لامپ های پرنور قرار می دهد تا نور و سایه به زیبایی روی اشیا بیفتد و از آنها نیز عکس می گیرد و در حین طراحی، همیشه نقاشی را با عکس مقایسه می کند.

به گلدان توجه کنید: در نگاه اول با پس زمینه ترکیب می شود. اما اگر به دقت نگاه کنید، می توانید متوجه شوید که لوسیانو با چه دقتی روی آن کار کرده است.

ونترون با رنگ های روغنی سمی رنگ می کند. رنگ سمی یک سنت هنری باستانی است. اگر چنین رنگی بر روی پوست قرار گیرد، می تواند باعث سوختگی شود. اما این رنگ ها درخشان ترین و با کیفیت ترین هستند.

پس زمینه سیاه به عنوان کنتراست برای رنگ قرمز عمل می کند - و رنگ ها به ویژه روشن بازی می کنند.

2. سرگئی گتا

سرگئی یک گرافیست و نقاش مدرن است. او در موسسه هنر کیف تحصیل کرد، در مسکو زندگی و کار می کند. او با الهام از هنر عکاسی به هایپررئالیسم رسید.

این نقاشی "روز آفتابی" نام دارد. همه هایپررئالیست ها در مورد اهمیت نور در نقاشی های خود صحبت می کنند. در اینجا "شخصیت" تصویر معلوم می شود که سبز نیست، بلکه خورشید، نور است.

در ابتدا من عکس ها را با مداد کپی کردم - یک مداد سربی جلوه یک عکس را روی کاغذ ایجاد کرد. و سپس شروع به آزمایش با تکنیک های مختلف کردم.

اکنون سرگئی یک هنرمند مشهور جهانی است، نقاشی های او در گالری ترتیاکوف، موزه های وروتسواف در لهستان، نورنبرگ در آلمان، گالری های هنری در ژاپن و ایالات متحده آمریکا به نمایش گذاشته شده است.

جهتی که گوتا در آن کار می کند «رئالیسم بوم شناختی» نامیده می شود. این هنرمند عاشق نقاشی مناظر - طبیعت، فضای سبز، آب است.

برگ ها می ریزند. و هر رگ در خورشید بازی می کند.

3. پاتریک کرامر

این هنرمند در آمریکا، یوتا متولد شد. او از روی عکس ها نقاشی می کشد. ابتدا چیزی را که می خواهد بکشد به ذهنش می رسد، از آن عکس می گیرد، از بین چند عکس بهترین را انتخاب می کند، آن را کمی در فتوشاپ پردازش می کند و شروع به طراحی می کند.

بسیاری از مردم یک سوال دارند - چرا دقیقاً مانند عکس به نظر می رسد. پاتریک آن را اینگونه توضیح می دهد: اگر بیننده ای در یک گالری عکسی را ببیند، حتی یک عکس بسیار زیبا، برای چند ثانیه به آن نگاه می کند و ادامه می دهد. اما وقتی به جای یک عکس یک نقاشی وجود دارد و بیننده این را می‌فهمد - خوشحال می‌شود، نزدیک‌تر می‌شود، سعی می‌کند با دقت بیشتری به نقاشی نگاه کند تا ببیند رنگ روی بوم کجاست...

این نقاشی "سه لیوان" نام دارد. رنگ شده با رنگ روغن. به پس‌زمینه توجه کنید - تار است، درست مانند پس‌زمینه در عکس هنگام عکاسی از اشیاء نزدیک. به لطف چنین جزئیاتی، یک تصویر فوق واقعی به دست می آید.

4. هریت وایت

هریت وایت هنرمند بریتانیایی است. او عمدتاً پرتره می کشد. سبک او ابررئالیسم کلان نامیده می شود. یعنی به نظر می رسد چهره های نقاشی شده در تصویر از فاصله بسیار نزدیک "عکاسی" شده اند.

در اینجا، مانند هر عکس دیگری، یک "تمرکز" وجود دارد. ما مژه ها را به وضوح می بینیم، اما همه چیز پشت آنها تار است.

نقاشی های هریت در میان مجموعه داران خصوصی محبوبیت دارد.

این هنرمند به طرز ماهرانه ای به طرح رنگ نقاشی های خود نزدیک می شود - او در تضاد کار می کند. بژ، رنگ پوست، به عنوان پس زمینه عمل می کند. و سپس رنگ های آرایش مشکی و روشن اضافه می شود.

به دلیل "لکه دار شدن" رنگ ها، اثر حرکت رخ می دهد. به نظر می رسد که این عکس لحظه ای تصادفی را ثبت کرده است که مدل ها در حال ژست گرفتن نیستند، اما احساس راحتی می کنند.

5. سوزانا استویانوویچ

سوزانا استویانوویچ هنرمند صربستانی است که از کودکی به نقاشی علاقه داشته است. در 11 سالگی شروع به نقاشی با رنگ روغن کرد. بعداً او بر تمام تکنیک های ممکن تسلط یافت ، خود را در آبرنگ ، موزاییک ، پاستل ، گرافیک ، نقاشی نمادها ، حکاکی و حتی مجسمه سازی امتحان کرد.

در این تصویر به ویژه قابل توجه است که هنرمند به مجسمه سازی علاقه داشت. پیکره های اسب "مجسمه ای" هستند. در اینجا ما یک لحظه یخ زده را می بینیم.

علاوه بر این ، این هنرمند به خلاقیت ادبی و موسیقی مشغول بود - او در بسیاری از مسابقات موسیقی شرکت کرد. او اولین آهنگ خود را در 15 سالگی نوشت. اما، با وجود چنین وسعتی از علایق، حرفه سوزان همچنان نقاشی است. بسیاری از نقاشی های او در مجموعه های خصوصی و عمومی در ایالات متحده آمریکا، سوئیس، ایتالیا، دانمارک، صربستان، کرواسی، مونته نگرو، اسلوونی و مقدونیه هستند.

پس‌زمینه تار باعث می‌شود که سرعت اسب را احساس کنید:

این هنرمند اسب ها را می کشد و آناتومی آنها را به دقت مطالعه می کند. محبوب ترین سری نقاشی های این هنرمند "دنیای جادویی اسب ها" نام دارد. یک راه حل جالب این است که نقاشی را به عنوان یک عکس قدیمی تلطیف کنید:

اکنون این هنرمند مشغول کار بر روی مجموعه جدیدی از نقاشی ها و نوشتن داستان های کوتاه است. آرزوی این هنرمند این است که خود را در ساخت فیلم های انیمیشن امتحان کند.

6. اندرو تالبوت

اندرو تالبوت یک هنرمند معاصر است که اصالتاً اهل انگلستان است. طبیعت بی جان را ترسیم می کند.

به لطف رنگ های روشن، جلوه حضور ایجاد می شود - به نظر می رسد که اشیاء درست در مقابل ما خوابیده اند. توجه کنید که هنرمند چقدر انعکاس روی میز را از هر آب نبات به طرز باورپذیری منتقل کرده است. این چیزهای کوچکی از این دست هستند که تصویری بیش از حد واقع گرایانه را می سازند. همه جزئیات در اینجا مهم است.

امسال اندرو در لیست 15 بهترین هایپررئالیست جهان قرار گرفت.

7. رافائلا اسپنس

رافالا اسپنس هنرمند ایتالیایی است. سرگرمی او سفر است و بنابراین هنرمند از کار بر روی مناظر لذت می برد و برداشت های سفر خود را به کاغذ منتقل می کند.

چنین آثاری تحسین خالصانه را برمی انگیزد. هنرمند به هر ساختمان مرتفع، هر پنجره و حتی قاب پنجره توجه داشت. شما باید مدت زیادی روی چنین نقاشی هایی کار کنید، اما نتیجه ارزشش را دارد.

و این آسمان بر فراز شهر هیچ کس را بی تفاوت نخواهد گذاشت:

8. یانی فلوروس

یانی فلوروس هنرمند استرالیایی است. آثار او در گالری‌های برلین، سیدنی، ملبورن و بریزبن به نمایش درآمده و جوایز افتخاری بسیاری را از آن خود کرده است. نقاشی های او سبکی از عکس های سیاه و سفید است.

در اینجا افکت عکس به دلیل چین خوردگی در لباس رخ می دهد. هنرمند با دقت تمام چین ها را ترسیم کرد.

یانی همچنین در نقاشی، مجسمه سازی و گرافیک فعالیت می کند. این هنرمند در آثار هایپررئالیستی خود، افراد را در حال انجام کارهای مختلف به تصویر می کشد و می خواهد نشان دهد که چگونه بر زندگی و احساسات ما در مورد جهان تأثیر می گذارند.

هایپررئالیسم به طور فزاینده ای محبوب می شود. بنابراین، دفعه بعد که به گالری آمدید و عکسی را دیدید، از توضیحات آن غافل نشوید. کاملاً ممکن است که "عکس" یک نقاشی باشد - و در زندگی واقعی با هایپررئالیسم آشنا خواهید شد.

در زندگی روزمره به دنبال هنر باشید! اگر به زندگی هنرمندان مشهور علاقه مند هستید، توصیه می کنیم نگاهی بیندازید

اگر مستقیماً در مورد منشأ خود این اصطلاح صحبت کنیم، در دهه هفتاد قرن گذشته در نمایشگاهی از آثار عکاسی آن زمان ظاهر شد. تقریباً 30 سال بعد، این اصطلاح برای توصیف یک روند خیره کننده در فعالیت هنری استفاده شد.

علاوه بر این، شایان ذکر است حضور به اصطلاح هایپررئالیسم مدرن، که بر خلاف جد خود، تلاش نمی کند تا آنچه را که واقعاً در سطح عکاسی است، به دقت بیان کند. تمام صحنه‌ها و اشیاء در نقاشی هایپررئالیسم به گونه‌ای جزئیات دارند تا در نتیجه نوعی توهم واقعیت ایجاد کنند. اعتقاد بر این است که هایپررئالیسم مدرن ریشه در فلسفه ژان بودریار دارد، که در آن می توان عبارت "شبیه سازی چیزی که در واقع هرگز وجود نداشته" را پیدا کرد. شایان ذکر است که هنرمندان دیگری نیز در این راستا کار می کنند - کارگردانان فیلم، مجسمه سازان و حتی همان عکاسانی که این حرکت را رقیب مستقیم نمی دانند.

چگونه یک هنرمند هایپررئالیست نقاشی می کند

اساساً از ساده ترین مواد استفاده می شود: برخی با مداد، خودکارهای نمدی، خودکار، زغال چوب، و برخی دیگر با انواع رنگ ها طراحی می کنند. جالب ترین نکته این است که اکثر اساتید این رشته خودآموز هستند.

روند کار دیگو فازیو، هایپررئالیست خودآموخته، در عکس زیر نشان داده شده است. استاد مانند یک چاپگر جوهر افشان کار می کند، از گوشه سمت چپ بالا شروع می شود، مواد استفاده شده زغال چوب و مداد هستند. یک کار بیش از دویست ساعت طول می کشد:

هایپررئالیسم در مداد

ویدیو عالی! 4 ساعت و 23 دقیقه - و تصویر آماده است! ببینید چگونه معجزه ایجاد می شود (نسخه شتاب)):

هنرمندان هایپررئالیسم

از برجسته ترین و مشهورترین هنرمندان این سبک می توان به ژاک بودین، چاک کلوز، پدرو کامپوس، اریک کریستنسن و دیگران اشاره کرد.

جالب است بدانید که همه استادان مدرن این جنبش از این واقعیت بسیار سرگرم شده اند که تحسین کنندگان استعداد آنها و کسانی که نقاشی های آنها را برای اولین بار می بینند مدت طولانی به این فکر می پردازند که آیا این یک خلقت واقعی از قلم مو است یا یک عکس. .

استادان مدرن شامل متخصصان زیر هستند:

Milana Marcello Baregni موفق می شود اشیاء آشنا را در 4-6 ساعت از نو خلق کند.

جرمی گدس. با نگاهی به آثار او، گاهی به نظر می رسد که به یک کلاژ عکس ساخته شده در فتوشاپ نگاه می کنیم. البته این چنین نیست، بلکه فقط استفاده شایسته و در عین حال منحصر به فرد از تناسبات است که فقط مشخصه این استاد است.

شایان ذکر است که هنرمند از فراتر رفتن از بوم ابایی ندارد و به هیچ وجه قرار نیست از قوانین و قوانین معمول نقاشی پیروی کند. در عین حال، به نظر می رسد که او یک ناظر بیرونی را وادار می کند که به اتفاقی که افتاده علاقه مند شود و عمداً او را در این روند مشارکت دهد.

خوان فرانسیسکو کاسا. شاید در نگاه اول به عکس این هنرمند اینطور به نظر برسد که در حال تماشای عکسی هستیم که از یک فیلتر فتوشاپ ساده عبور کرده است. با این حال، این نظر اشتباه است، زیرا در مقابل ما یک خلاقیت واقعی از هنرمند است. جالب‌ترین واقعیت این است که خوان آثار خود را با استفاده از یک خودکار ساده خلق می‌کند و برای یک اثر به طور متوسط ​​به شش محصول نوشتاری نیاز دارد.

عنصر طبیعی، آنچنان که هست، همواره هنرمندان این جنبش را مورد توجه قرار داده است. برای مثال نقاشان هایپررئالیست دریایی جهت اصلی فعالیت خود را توانایی به تصویر کشیدن سطح دریا و آب می دانند.

ران اورتنر هنرمند آمریکایی

هایپررئالیسم یک گرایش محبوب در نقاشی است که توسط بسیاری از هنرمندان مدرن ترویج می شود. نقاشی هایی که با استفاده از این تکنیک ایجاد می شوند گاهی اوقات به سختی از عکس های با کیفیت تشخیص داده می شوند. هایپررئالیسم با معقول بودن و دقت شگفت انگیز بازتولید اشیا شگفت زده می شود. با نگاهی به بوم‌های هنرمندانی که در این راستا کار می‌کنند، این احساس به دست می‌آید که ما به یک شیء محسوس نگاه می‌کنیم، نه یک طراحی روی کاغذ. صنعتگران با کار دقیق و دقیق روی هر ضربه به چنین دقت بالایی دست می یابند.

پاتریک کرامر «هنوز جزر و مد»

به عنوان یک جنبش هنری، هایپررئالیسم در اوایل دهه 2000 از فوتورئالیسم دهه 70 ظهور کرد. هایپررئالیسم بر خلاف مولد خود به دنبال کپی برداری ساده از تصاویر عکاسی نیست، بلکه واقعیت خود را خلق می کند که سرشار از تجربیات احساسی و داستان است.

ناتالی ووگل "اقیانوس مو"

در هایپررئالیسم، هنرمند توجه خود را بر روی کوچکترین جزئیات متمرکز می کند، اما در عین حال از عناصر بصری اضافی استفاده می کند و سعی می کند توهم واقعیت را ایجاد کند که در واقعیت ممکن است وجود نداشته باشد. علاوه بر این، نقاشی‌ها می‌توانند حاوی مضامین عاطفی، اجتماعی، فرهنگی یا سیاسی باشند و از این طریق نه تنها مهارت‌های فنی نویسنده، بلکه بینش فلسفی او از واقعیت را نیز به مخاطب منتقل کنند.

شریل لوگزنبورگ "زندگی در خیابان"

موضوعات مورد علاقه هایپررئالیست ها از پرتره، مناظر و طبیعت بی جان گرفته تا صحنه های اجتماعی و روایی متغیر است. برخی از هنرمندان به عنوان افشاگران واقعی مشکلات اجتماعی مدرن عمل می کنند و در آثار خود بسیاری از مسائل مبرم نظم جهانی را برجسته می کنند. به لطف بازی استادانه نور و سایه و بالاترین درجه تجسم، نقاشی های هایپررئالیستی توهم حضور و درگیری را ایجاد می کند که می تواند تأثیری ماندگار بر بینندگان بگذارد.

هریت وایت "لیلی سفید"

هایپررئالیسم به سطح بالایی از مهارت و مهارت نقاش نیاز دارد. برای تقلید قابل اعتماد از واقعیت، از روش ها و تکنیک های مختلفی استفاده می شود: لعاب، ایربراش، طرح ریزی بالای سر و غیره.

دیمین لوب "اتمسفر"

امروزه بسیاری از هنرمندان مشهور که نقاشی های آنها در سراسر جهان شناخته شده است، در این راستا فعالیت می کنند. بیایید آنها را بهتر بشناسیم.

جیسون دو گراف.
هنرمند کانادایی Jason de Graaf یک شعبده باز واقعی است که موفق می شود به معنای واقعی کلمه اشیاء موجود در نقاشی های خود را زنده کند. خود استاد کارش را این گونه توصیف می کند: «هدف من بازتولید چیزی که می بینم صد در صد نیست، بلکه ایجاد توهم عمق و حس حضور است که گاهی در عکاسی وجود ندارد. من سعی می کنم از اشیاء به عنوان وسیله ای برای بیان خودم استفاده کنم، داستانی را تعریف کنم و به بیننده اشاره ای به چیزی بیشتر از آنچه در نقاشی می بیند بدهم. بنابراین سعی می‌کنم موضوعاتی را انتخاب کنم که معانی خاصی برای من داشته باشد.»

"نمک"

"Vanity Fair"

"اتر"

دنیس پترسون
آثار دنیس پترسون ارمنی-آمریکایی را می توان در موزه های معتبری مانند تیت مدرن، موزه بروکلین و موزه ویتنی یافت. این هنرمند در نقاشی های خود اغلب به مشکلات نابرابری اجتماعی و مسائل اخلاقی می پردازد. ترکیب مضامین آثار پترسون و مهارت فنی بالای او به نقاشی های این نویسنده معنای نمادین جاودانی می بخشد که برای منتقدان و متخصصان ارزش قائل هستند.

"خاکستر به خاکستر"

"نیمه راه ستاره ها"

"اشک نریز"

گوتفرید هلنواین
گوتفرید هلنواین هنرمند ایرلندی است که در آکادمی هنرهای کلاسیک وین تحصیل کرده و تجربیات زیادی در زمینه نقاشی مدرن داشته است. استاد به دلیل نقاشی های خود در سبک هایپررئالیسم و ​​لمس جنبه های سیاسی و اخلاقی جامعه به شهرت رسید. آثار تحریک آمیز و گاه تکان دهنده هلنواین اغلب باعث جنجال و واکنش های متفاوت مردم می شود.

"نوزادان خرخر کردن"

"فاجعه جنگ"

"خانواده ترک"

سوزانا استویانوویچ.
سوزانا استویانوویچ، هنرمند صرب، هنرمند با تجربه ای است که در بسیاری از نمایشگاه های بزرگ در ایتالیا، سوئیس و ایالات متحده آمریکا شرکت کرده است. موضوع مورد علاقه استویانوویچ اسب ها است. مجموعه آثار او، "دنیای جادویی اسب ها" جوایز متعددی را دریافت کرده و به رسمیت شناخته شده است.

"امید"

"آینه"

"در ابرها"

اندرو تالبوت
نقاشی های روشن و جوی هنرمند بریتانیایی اندرو تالبوت همیشه لبخند را به چهره بینندگان می آورد. امسال اندرو در فهرست پانزده بهترین هایپررئالیست جهان قرار گرفت.

"سه گانه زیبا"

"دوقلوها"

"گلابی"

روبرتو برناردی
هنرمند ایتالیایی روبرتو برناردی طبیعت‌های بی‌جان واقع‌گرایانه خلق می‌کند. استاد به طور فعال در نمایشگاه ها شرکت می کند و از نزدیک با مجلات تخصصی همکاری می کند. در سال 2010، بزرگترین شرکت چندملیتی نفت و گاز ایتالیا، برناردی را در گروهی از استعدادهای جوان از سراسر جهان قرار داد که افتخار خلق بوم نقاشی برای مجموعه هنری معتبر نقاشی معاصر را داشتند.

"رویاها"

"دستگاه فروش با شیرینی"

"کشتی آرزوها"

اریک زنر.
اریک زنر خودآموخته یکی از اعضای اتحادیه هنرمندان ایالات متحده و یک استاد عمومی شناخته شده هایپررئالیسم است. او در طول سال های فعالیت خود، بیش از 600 نقاشی را خلق کرد که در دقت و جزئیات دقیق آنها چشمگیر بود. یکی از موضوعات اصلی کار استاد غواصی است.

"تحول آرام"

"هبوط مبارک"

"بازگشت"

دریاچه یگال
ییگال اوزره در اسرائیل به دنیا آمد، اما در ایالات متحده زندگی و کار می کند. اوزره نویسنده پرتره های شگفت انگیز، سرشار از زیبایی معنوی و واقع گرایی بیانی است.

بدون عنوان

بدون عنوان

بدون عنوان

لینیا استرید.
هنرمند سوئدی Linnea Strid یک استاد واقعی در انتقال دقیق احساسات است. تمام آثار او مملو از تجربیات حاد و احساسات عمیق شخصیت ها است.

"تو تحت نظر هستی"

"گوشه ای"

"نور زندگی من"

فیلیپ مونوز
فیلیپ مونوز یک هنرمند جامائیکایی خودآموخته است که در سال 2006 به بریتانیا نقل مکان کرد. فیلیپ ساکنان کلان شهر را به تصویر می کشد که غرق در زندگی پویا و پر جنب و جوش شهر هستند.

بدون عنوان

"الکساندرا"

بدون عنوان

اولگا لاریونوا.
هموطن ما اولگا لاریونوا در نیژنی نووگورود زندگی می کند. اولگا با استفاده از تکنیک های فوق واقع گرایانه با بالاترین حرفه ای گری پرتره های مدادی می کشد. این هنرمند آثار خود را در اوقات فراغت از شغل اصلی خود ایجاد می کند - Larionova به طراحی داخلی مشغول است.

"پرتره یک مرد مسن"

"ریحانا"

"پرتره یک دختر"

فرض کنید شما از علاقه مندان به نقاشی های رنگ روغن هستید و دوست دارید آنها را جمع آوری کنید. به عنوان مثال، اگر می خواهید یک منظره دریایی نفتی در مجموعه خود داشته باشید، می توانید آن را در وب سایت http://artworld.ru خریداری کنید. بیا داخل و انتخاب کن