توضیحات لباس بالرین. از یک دامن بلند تا یک "ابر گاز": تاریخچه یک توتو

سیر تکاملی لباس باله
از بودجه موزه دولتی آکادمیک تئاتر بولشوی

لباس باله آفریده‌ای زودگذر و در عین حال قدرتمند از دنیای هنرهای زیبا، وهم‌آمیز و به قدرت رقص است و حاصل تأثیر متقابل این دو هنر است. هنرمندان در آن منبعی همیشه زنده از خلاقیت را می بینند، رویکرد آنها به این منبع تغییر می کند و خود زمان و تغییر رقص بر آن تأثیر می گذارد. پس ماهیت هنری و سبک منحصربفرد لباس باله ناشی از ساختار چند ارزشی و پیچیده آن چیست؟ برای پاسخ به این سوال و درک کاملتر اندیشه خود، بیایید به گذشته رجوع کنیم، به تاریخ، پویایی تغییرات، تکامل لباس و همچنین فرم ها و روش هایی را که هنرمندان تئاتر به کار می برند، بررسی کنیم، زیرا بدون گذشته نمی توان درک کرد. حال و نمی توان به آینده نگاه کرد.

بیماربیمار

لباس رقص راه طولانی و دشواری را طی کرده است. او بلافاصله ویژگی های واقعی و منحصر به فرد خود را برای جهانیان آشکار نکرد. در شکل اولیه خود، ارتباط نزدیکی با آیین های جادویی و آیین های مذهبی، با شیوه زندگی داشت. برای مدت طولانی دارای اشکال پایدار بود که نسبتاً کمی تغییر می کرد. بعداً برای خود نشانه هایی از تعلق به جمع را نتیجه گرفت. از طریق زینت، رنگ و شکل لباس، جنسیت، سن، طبقه و ملیت مشخص شد.

حتی در آغاز قرن هجدهم هنوز نمی توان در مورد تصویر تثبیت شده یک لباس باله صحبت کرد، همانطور که نمی توان در مورد شکل گیری یک مدرسه رقص کلاسیک صحبت کرد. فقط درهجدهم قرن، رقص پایه عاطفی نمایشی گسترده تر و توسعه یافته تری دریافت می کند که به توسعه هنر باله کمک می کند. تا نیمه دومهجدهم قرن، باله به عنوان یک ژانر مستقل ظهور کرد و اولین تلاش ها برای اجرای رقص در مقابل تماشاگران ظاهر شد - معمولاً در جشن های کاخ. رقص در حال حاضر تبدیل به یک هنر شده است و ایجاد یک لباس برای آن بخشی از کار کلی روی آن می شود. کاخ، باله تشریفاتی آن زمان تابع سلیقه و مدهای جامعه شجاع بود. با مراحل، ارقام و عناصر کاملاً مشخص متمایز می شود. رقصندگان با پیروی از آداب دربار، با احتیاط و به هم زدن پاهای خود، در دامن‌های بلند به اجرای برنامه پرداختند.قاب ها پوشیده نشده بودندبه طوری که دامن ها در یک زنگ گسترده شکوفا شوند. کفش‌های پاشنه‌دار، کلاه‌های سنگین و کلاه گیس‌ها این لباس ناراحت‌کننده را تکمیل کردند که توسعه تکنیک رقص را برای مدت نسبتاً طولانی متوقف کرد. در هنرهای زیبای روسیه، برخی از آثار این زمان که به رقص اختصاص دارد حفظ شده است. در بیشتر موارد، آنها شبیه به لباس هایی مانند نقاشی های N. Lancret و A. Watteau هستند. لباس‌ها همیشه غنی‌تر و جالب‌تر از نقش‌هایشان می‌شوند، یعنی کسانی که مستقیماً درگیر رقص هستند. زیرا در اکثریت قریب به اتفاق موارد، هنرمند بدون اینکه اصلاً طرح رقص را بداند، لباس را خلق کرده است. لباس برای رقصنده طراحی نشده است، همانطور که خود رقص برای او طراحی نشده است. از آنها می توان دریافت که رقص عمدتاً شامل تغییر حالت های برازنده و حرکات بدن است. فقط M. Comargo، با حفظ سبک دادگاه، دامن را کوتاه کرد و پاشنه ها را رها کرد، که باعث شد یک حرکت جدید در رقص وارد شود - entrechat.

بیماربیماربیمار

با این حال، لباس شخصیت‌های سرگردان در صحنه، علی‌رغم بازی‌های درخشان، هرگز فراتر از سنگینی سرسبز، پیچیدگی زیاد و مانکن‌سازی تئاتری‌شان نمی‌رود. بیهوده به دنبال شباهت بیرونی به رقصنده در طرح های لباس می گردیم. هنرمندان برای این تلاش نکردند. لباس‌ها از نظر درونی بی‌حرکت هستند، نسبت به تصویر ناشنوا هستند، گویی از آن دور شده‌اند. آنها در اصل برای ما تنها تصویری باقی می مانند که اخلاق و آداب و رسوم دوران گذشته را احیا می کند.

باله به تدریج خود را به عنوان یک پدیده مستقل بزرگ تثبیت می کند. نقدهجدهم قرن، آن را در میان هنرهای مرتبط برابر اعلام کرد. در نیمه دومهجدهم V. باله های سن پترزبورگ و مسکو و پس از آن باله سرف در روسیه تشکیل می شود. برای صاحبان زمین که در بیابان زندگی می کردند، تئاتر به وسیله ای برای سرگرمی تبدیل شد. طراحان برجسته رقص، روسی و خارجی، با هنرمندان رعیت کار می کنند. افراد هنری فردی ظاهر می شوند که توجه هنرمندان را به خود جلب می کنند. بنابراین، لباس های T. Shlykova - Granatova جالب است. این هنرمند سعی کرد به دنیای درونی قهرمان نفوذ کند و ویژگی های رقص آینده او را در آن بیابد و حدس بزند. با این حال، لباس ها اغلب طرحی و تک بعدی بودن تصاویر را نشان می دادند. برای هنرمندان همیشه این امکان وجود نداشت که شخصیت های شخصیت ها را به وضوح بیان کنند و به وضوح نشان دهند، یا به اندازه کافی امکانات بصری باله را کشف کنند. و با این حال، این دوره به ما اجازه می دهد تا در مورد لباس به عنوان گام خاصی در توسعه آن و تعامل بین هنرهای زیبا و رقص صحبت کنیم.

در نیمه اولنوزدهم V. تئاتر باله روسیه در حال آماده شدن برای تبدیل شدن به یکی از بهترین های جهان بود. در این زمان، لباس هایی برای A. Istomina به تصویر فلورا، E. Kolosova به تصویر Diana، F. Gulen-Sor در تصویر سیندرلا، E. Telesheva، A. Glushkovsky، N. Goltz ایجاد شد. قابل توجه اصلاح لباس باله است که توسط C. Didelot انجام شد که در نتیجه آن لئوتاردها معرفی شدند که آزادی حرکت بیشتری را به ارمغان آورد. به تدریج، دیدلو رقص زنان را با امکانات بیانی جدید غنی می کند، عناصر جدیدی از رقص دوتایی (آداجیو) مشخص می شود و طیف گسترده ای از پرش ها و پروازها شروع به استفاده می کنند. هنر رقصنده برجسته دوران پوشکین، A. Istomina، مهارت های کلاسیک و منادی رومانتیسم رو به رشد را منعکس می کرد. لباس ایستومینا - الهه گلها - فلورا توسط یک استاد ناشناس توسط فرانسه مشخص شده است. در حین ساخت آن، هنرمند، البته، می خواست به دنبال یک فرم، توسعه تم یک لباس عاشقانه باشد. توتو نیمه پر بر کمال فرم تاکید دارد و چین های روان و تاج گل روی سر جلوه تزئینی شگفت انگیزی به لباس می بخشد. با این حال، آگاهی واقعی از خلاق فردیتاین سبک بسیار منحصر به فرد ظریف، گریزان و اسرارآمیز در باله بعداً به وجود آمد، اما انگیزه ای که لباس ایستومینا بر اساس آن ساخته شده است با این نفوذ ذهنی به فردا مرتبط است.

بیماربیماربیمار. .

صفحه جدیدی در تاریخ توسعه لباس باله با ظهور La Sylphide باز می شود که نشان دهنده آغاز دوران رمانتیسم است. سازندگان باله های عاشقانه به زندگی معنوی علاقه مند بودند. توطئه های رمانتیک عناصر جدیدی را در زبان رقص به وجود آورد. در این دوران بود که بالرین روی انگشتان پاهای خود یا به قول ما روی کفش های پوینت می ایستاد تا حس سبکی را به بیننده القا کند، شناور در بالای زمین، پرش های پرنده و بالابرها معرفی شد و بسیاری از آنها معرفی شدند. حرکاتی شکل گرفت که رقص را مطبوع و سبک می کرد. توجه بیشتر طراحان رقص به تونالیته عاشقانه تصویر منجر به افزایش مهارت هنرمندان و گسترش ابزار بیان هنر لباس باله شد. در توتوهای سفید بلند، که ظاهر برازنده‌اش در حکاکی‌ها و نقاشی‌ها باقی مانده است، تصویری نازک و کریستالی از سیلفید متولد می‌شود، که تجسم رویای دست نیافتنی و شکننده زیبایی دختری است که در اثر تماس با دنیایی متخاصم مرده است. با بازگشت مکرر به صحنه، این تصویر شخصیت عمیق‌تری پیدا می‌کند. اما در ابتدای زندگی صحنه ای خود، لباس شفاف ساخته شده توسط هنرمند با تمایل او به باز کردن موضوع، تصویر بازیگر و به طور کلی ماهیت باله متمایز می شود.

بیمار.بیمار. بیمار

بیمار. .بیمار بیمار.

توسعه اولیه لباس باله یک صفحه جالب اما متأسفانه کم مطالعه در تاریخ هنر است. و نام هنرمندان در بیشتر موارد برای ما ناشناخته ماند، سرنوشت غبطه‌انگیز آنها چنین بود.

هنرمندان در حال رفتن هستند، زمان آنها با گریزان غم انگیز در حال سپری شدن است. آنها توسط دیگرانی جایگزین می شوند که قبلاً استادان حرفه ای هستند. در مقابل ما دوباره طیف گسترده ای از ایده ها و مشکلاتی که ذهن کسانی را که به مسیرها و سرنوشت هنر باله می اندیشیدند به خود مشغول کرده است. هنر نمایشی و تزئینی در حال حاضر به عنوان یک رشته مستقل منحصر به فرد متمایز شده است. با این حال، بیایید از خودمان جلوتر نباشیم، بلکه سعی کنیم بفهمیم یک هنرمند حرفه ای چه چیزی می تواند به باله بدهد؟

لباس در باله پوسته دوم رقصنده است، چیزی جدا نشدنی از وجود او، عنصری قابل مشاهده از تصویر تئاتری او، که باید یکپارچه با او ادغام شود. لباس وسیله اصلی برای غنی سازی حالت های چهره، ژست ها، و البته، اول از همه، حرکت، انعطاف پذیری هنرمند است، این وسیله ای است که کل چهره مجری را قابل درک تر و سازگارتر می کند تصویر باله ای که او خلق می کند. هر هنرمندی نمی‌تواند طراح صحنه باشد، لباس برای اجرای باله بسازد و هر طراح صحنه نمی‌تواند روی هر کار رقصی کار کند. در اینجا، نقاط تماس نزدیک بین هنرمند و طراح رقص، هنرمند و رقصنده مورد نیاز است. صحنه‌نگار، به‌خاطر ماهیت خلاقیت‌اش، باید آمادگی درک و تحلیل اجرای باله را بهتر از یک هنرمند معمولی داشته باشد. گاهی اوقات در حین ادراک به دلیل قراردادهای شناخته شده هنر رقص فرار می کنند. هنرمند باید پیش بینی کند. او باید مفهوم خود را بیان کند و اگر هنری باشد با اکثریت طنین انداز می شود.

هنرمندانی هستند که به عنوان نقاش روی لباس های باله کار می کنند و برخی دیگر به عنوان مجسمه ساز. برخی توسط رنگ و عناصر تزئینی جذب می شوند، برخی دیگر به حجم تصویر، طبیعت گرایی در انتقال تمام سایه های لباس علاقه مند هستند. البته این تقسیم بندی کاملاً دلخواه است، زیرا باله ترکیبی از هنرهای بسیاری است. این سنتز نه تنها با این واقعیت تعیین می شود که هنر زیبا جزء یک اثر رقص است. اگرچه هر یک از این هنرها ابزار و قابلیت های بیانی خاص خود را دارند، اما در این مورد در وظایف مشترک ایدئولوژیک و هنری خود با هم مرتبط هستند. با این حال، کیفیت این دو هنر با تضادهای دیالکتیکی آنها مشخص می شود. باله، از یک سو، بی قید و شرط ترین هنر است، زیرا یک کنش است، رقص یک شخص واقعی در یک صحنه واقعی. طرح لباس همیشه در ابتدا یک تصویر است، همیشه یک نمایش، نمایی از آن در صفحه یک ورق، تنها پس از آن می تواند زندگی واقعی دوم را مستقیماً در اجرای باله دریافت کند. بنابراین، طرح صحنه و لباس، چه متعلق به هنرمندی باشد که به صورت تصویری یا مجسمه‌سازی فکر می‌کند، در نهایت باید این توانایی را داشته باشد که با یکپارچگی خود تحت تأثیر قرار گیرد، از نظر زیبایی‌شناختی در این ظرفیت درک شود، نمونه اولیه اجرای آینده باشد که باید به وضوح آشکار شود. ، به اندازه کافی در روان ما منعکس می شود و باعث واکنش عاطفی مناسب می شود. چقدر اهمیت انواع اتصالات بین هنرهای مختلف وجود دارد، لباس باله شاخه خاصی از تاریخ هنر است که وظیفه آن بررسی ویژه آن به عنوان اثری با ارزش هنری مستقل است.

طرح صحنه و لباس اغلب فراتر از صحنه نگاری معمولی است و نه تنها به عنوان یک تصویر یا مواد دقیق، بلکه به عنوان یک اثر هنری، متمرکز بر ادراک احساسی، بر همدلی با تصویر خارج از ارتباط آن با اجرای باله، درک می شود. بی جهت نیست که موزه های تئاتر و هنر در سراسر جهان آنها را به عنوان نمایشگاه های منحصر به فرد جمع آوری و ذخیره می کنند. آنها همچنین به مالکیت مورخان هنر تبدیل می شوند، زیرا هر لباس، صرف نظر از ابزار بیانی و بصری مورد استفاده هنرمند، حامل اطلاعات علمی است. هر جزئیاتی که با دقت کار شده و برای حفظ شخصیت و روح اجرا و کل دوران طراحی شده است، اهمیت قوم نگاری و آموزشی مهمی پیدا می کند. بنابراین، باله دوران M. Taglioni، البته، اکنون برای ما یک افسانه است. به نظر می رسد زمان جزئیات رقص او را کاملاً پاک کرده است. با این حال، بر اساس طرح های لباس، ما در تلاش هستیم تا این افسانه سال های گذشته را بازسازی کنیم. با نگاه کردن به عناصر لباس، الگوی ژست‌ها، ماهیت حرکت، سعی می‌کنیم آنچه را که دیدیم درک کنیم، وقایع این یا آن نوع گام باله، تکنیک رقص را درک کنیم و سعی کنیم پاسخی برای آن پیدا کنیم. سوالاتی که ما را نگران می کند

بیمار

یکی از نگهبانان دقیق آثار نمایشی، از جمله باله، موزه تئاتر بولشوی (SABT) است. مجموعه های اصلی او در مورد مراحل شکل گیری و توسعه باله روسی از پایان صحبت می کندنوزدهم V. تا به امروز صفحات وقایع بصری رویدادهای اصلی رقص کلاسیک مدرسه باله مسکو با آن مرتبط است.

مجموعه ای جالب از لباس های پایانی XIX اوایل XX قرن، نمونه هایی از صحنه نگاری آن زمان را نشان می دهد. در اینجا آثاری از A. Benois، K. Korovin، V. Dyachkov، E. Ponomarev، K. Waltz، A. Arapov، G. Golov وجود دارد.

بیماربیمار

همانطور که می دانید، آغاز یک قرن جدید با یک مرحله جدید مشخص شد. باله، هنر تصاویر متحرک، باید خود را از آکادمیک رها کند، باید مسیر سبکی خود را پیدا کند - این ایده ای است که در آغاز قرن در هوا وجود داشت و هنرمندان به شدت شروع به دفاع و ترویج آن کردند. لباس، در اصل، یک کیفیت هنری شگفت انگیز جدید از اجرای باله، بلافاصله جایگاه قوی را در میان ابزارهای بیانی A. Gorsky و M. Fokin به دست آورد.

قبلاً اولین کارهای آنها به عنوان طراح رقص نشان داد که اهمیت هنرهای زیبا چقدر است، طراحی هنری در کنار موسیقی چقدر برای اجرا به همراه دارد. این به آن‌ها اجازه می‌دهد تا ایده باله روسی را در گستره‌ای بیش‌تر و با عمق بیشتر بپذیرند و به M. Fokine دلیلی برای اظهارات خود ارائه دهند:چقدر غنی‌تر، متنوع‌تر و زیباتر می‌شد اگر نیروهای خفته در آن بیدار شوند، دایره باطل سنت‌ها را بشکنند، در هوای پاک زندگی نفس بکشند، با هنر همه زمان‌ها و همه مردم تماس بگیرند و در دسترس قرار گیرند. به تأثیر همه زیبایی هایی که رویا فقط به آنها رسیده است!

در ساختار ترکیبی باله های "پتروشکا"، "غرفه آرمادا"، "آیین بهار"، "پرنده آتشین"، "دن کیشوت"، "اسب کوچولو"، "کورسیر" و دیگران، می توان رقصندگان را در حال فکر کردن احساس کرد. در ترکیبات پیچیده و تصاویر بصری. حتی یک نگاه سریع به طرح‌های لباس هنرمندان مختلف به شما امکان می‌دهد چیزهای مشترک و مهم‌تر از همه، یک پرواز آزاد از تخیل را ببینید. طراح رقص به شخصیت های خود و هنرمند این فرصت را می دهد تا از پادشاهی دردناک یکنواختی فرار کنند.

باله برای کارگردانی هنری "دنیای هنر" همیشه انگیزه ای برای خلاقیت بوده است. جستجوهای هنرمندانی که در این گروه قرار دارند: A. Benois، L. Bakst، B. Anisfeld، A. Golovin، N. Roerich و دیگران از نظر گستردگی و تنوع متمایز هستند و یکی از شاخص ترین نشانه های آن سال ها هستند. طراحی باله آنها به طور متناقضی تبدیل به "باله سازی" گرافیک و نقاشی شد. گاهی اوقات در نقاشی‌های «دنیای هنر» هنرمندانی می‌یابیم که اصلاً به باله اختصاص ندارند، تصویری را پیش‌بینی می‌کنند که رقص را پیش‌بینی می‌کند، ویژگی‌هایی که به نظر می‌رسد فقط در رقص زنده به تصویر کشیده می‌شوند. و طرح های لباس آنها همیشه زنده تر و متحرک تر از آنهایی است که قبلاً دیده ایم. هنرمندان بازیگر یا بداهه ساز را در لباس بیدار می کنند، لباس را زنده می کنند و «از درون» بازی می کنند. برای آنها، لحظات خلاقیت روی کاغذ، از قبل لحظات الهام بازیگری روی صحنه است. لباس به همراه هنرمند در فضای صحنه پرواز می کند و می رقصد و به یکی از شخصیت ها تبدیل می شود. او همان احساسات قهرمانان را تجربه می کند. او نه تنها وضعیت آنها را ثبت می کند، بلکه خودش نیز در این حالت است.

همزمان با درک ماهیت تصویر، دنیای درونی آن، "miriskusniks" به دنبال ترسیم بیرونی نقش بودند. آنها همیشه اهمیت زیادی به لحن ژست ها و حالات چهره می دادند و به درستی معتقد بودند که تنها ترکیبی ارگانیک از کنش فیزیکی و الگوی وضعیت بدن می تواند محتوای تصویر را منتقل کند. با این وجود، تأکید بر جنبه‌های بصری و پلاستیکی لباس به ویژگی بارز صحنه‌نگاری آنها تبدیل شد. به همین دلیل است که طرح‌های لباس‌های ال.باکست، آ.بنویس، اس. سودیکین، آ. گولووین با پیچیدگی ظریف، زیبایی‌شناسی طرح‌های «پری دریایی»، خطی بودن نقاشی تا این حد با خود باله در نوبت نوبت به نمایش درآمد. قرن، تلاش برای جنبش های آزادانه و ژست های سبک. خط "دنیای هنر" به اندازه یک فیگور رقص سبک است. M. Fokin خاطرنشان کرد که اصلاح لباس و اصلاح رقص جدایی ناپذیر هستند. باله به هنرمند می آموزد که انعطاف بدن را ببیند، و طرح لباس به نوبه خود، امکانات بیانی عظیم بدن او را برای رقصنده باز می کند. و نه تنها موسیقی خطوط، ریتم ها و الگوهای لباس با باله همخوانی دارد، بلکه خود باله به آگاهی زیبایی شناختی هنرمندان دنیای هنر نزدیک است که با بیشترین شور زندگی می کند و اغلب به آن تبدیل می شود. حسی عنصری

بیمار بیمار بیمار

بیماربیمار بیمار

بیماربیماربیمار

بیمار بیمار بیمار

خط کلی جهت گیری هنری "miriskusniks" ما را از افشای دستاوردهای خلاقانه شخصی هنرمندان مختلف باز نمی دارد. موزه تئاتر بولشوی شامل طرح های صحنه و لباس تنها یک هنرمند - یکی از اعضای گروه دنیای هنر - A. Benois و K. Korovin است که به طور رسمی بخشی از انجمن نبود، اما شرکت کننده دائمی در نمایشگاه هایی از این جهت بود. . در همین حال، هر دو سزاوار توجه بیشتر هستند.

اینها استادان کمیاب هستند: جدی، ظریف با دید فردی بسیار منحصر به فرد از جهان، عمیق ترین فرهنگ پلاستیکی، درک ظریفی از جوهر شاعرانگی تصویر باله.

A. Benois با طراحی یک باله "Petrushka" نشان داده شده است، اما او با این باله صفحه درخشان جدیدی در هنر تزئینی پایانی نوشت. XIX اوایل XX قرن، زیرا در اینجا او نه تنها به عنوان یک تزئین، بلکه به عنوان نویسنده لیبرتو نیز عمل کرد.

این A. Benois بود که مسئول موفقیت "فصول باله روسیه" در پاریس بود. منتقدان در مورد سازماندهی پلاستیکی لباس ها و مناظر، در مورد زیبایی شگفت انگیز طراحی بصری اجرا بسیار نوشتند. اکنون با نگاهی به طرح‌های این هنرمند، سخنان رسا و دقیق تی. دروزد را به یاد می‌آورید: به نظر می‌رسید که یک دانشور و مخترع درخشان، در هر یک از کارهایش برای تئاتر، دنیایی جدید، واقعا غیرواقعی، پر از شخصیت‌هایی خلق می‌کند که توسط خیال‌پردازی افسارگسیخته و یک تخیل واقعاً «هماهنگ» ایجاد شده است.»

بدون شک، کار بنوا در "پتروشکا" تا حد زیادی با هدف دستیابی به بیان بیرونی و سرگرمی در انتقال تصاویر باله - "جمعیت" بود. موضوع باله به طور طبیعی بر شاعرانگی طراحی بصری تأثیر گذاشت. در طرح‌های متعدد «پتروشکا»، دنیای شگفت‌انگیز لیبرتوی نویسنده، با تلخی مست کننده و درد شیرینش، در برابر ما گشوده می‌شود. در هر لباس، نوع اجتماعی و اخلاقی خاصی که توسط آن دوران تولید شده است به وضوح نمایان می شود. اینجا دنیای اسباب‌بازی، اما دراماتیک شخصیت‌های اصلی است - پتروشکا، مور، بالرین و تصاویری از یک نمایش محلی سرسبز و رنگارنگ: رقصندگان خیابانی و جادوگران، آسیاب‌های اندام و کولی‌ها، مومرها و صنعتگران، کالسکه‌ران و رانندگان تاکسی، هوسرها و بازرگانان. . بنوا با مشاهده، ضبط، کنار هم قرار دادن - در یک پانورامای منسجم، گویی جزئیات تصادفی ناچیز، به تصاویر لباس ها "تیمبر" صدای نویسنده خود را می دهد. آنها همچنین توانایی او را در انتقال حالات روانشناختی، روابط شخصیت های اصلی و تفاوت های ظریف مختلف روان مردم نشان دادند. هنرمند در کل اجرا حالت احساسی خاصی را منتقل کرد و آن را از یک گزینه طراحی به گزینه دیگر حفظ کرد (1911 و 1921). لباس بالرین با خودانگیختگی خود، جذابیت زنانگی تازه بیدار شده، بی شمار بودن آن، که نشان دهنده انعطاف پذیری طبیعی T. Karsavina است، مجذوب خود می شود. لباس پتروشکا تصویر بی دست و پا و تنها V. Nijinsky را به وجود می آورد و لباس مور، در مقابل، بلافاصله تصویر یک قهرمان تنبل و احمق را ترسیم می کند. می‌توان گفت که طرح‌های لباس شخصیت‌های اصلی، به قولی، در تقابل با جمعیت است، در حالی که لباس‌های جمعیت، ردیفی آشفته، تقریباً خالی از هرگونه منطق، ترکیبی از تاریکی روی نور را تشکیل می‌دهند. با این حال، آنها در وحدت کامل زندگی می کنند و یکدیگر را تکمیل و غنی می کنند. این به مدل بصری طراحی اجرای باله توسط A. Benois تبدیل می شود

بیماربیمار

K. Korovin، بر خلاف Benois، رسماً از زیبایی شناسی "میر ایسکوستیکی" دور می شود، او تلاش می کند تا دنیای لباس باله خود را با اصول خود، عناصر فیگوراتیو خود، ملودی خود، اگر دوست دارید، بیافریند. "Mirskusniki" او را مجذوب میل به ایجاد یک تئاتر باله مصنوعی، میل به وحدت رقص و نقاشی، آگاهی از تصویر، زمانی که لباس مبتنی بر بیان ژست های پلاستیکی است و استفاده گسترده از پانتومیم است. این ویژگی ها در آثار کرووین وجود دارد. با این حال، او رنگ و طعم، نقاط رنگارنگ روشن را در مرکز ترکیب لباس های باله خود قرار می دهد. نقاشی کورووین کاملاً متفاوت است، سرسبزتر، متنوع تر و تپنده تر، و شروعی امپرسیونیستی دارد. این هنرمندی با خلق و خوی طوفانی، واقعاً تسلیم ناپذیر، هنرمندی با احساسات روشن و احساسات باز است، به نظر می رسد او احساسات میانی را نمی شناسد. لباس های K. Korovin به تزئین واقعی موزه تبدیل شد. این موزه شامل آثار هنرمند برای بیش از ده باله، متنوع ترین در سبک، ناهموار، نامتقارن در ریتم است. در این جریان طبیعی و نامشخص کل کالیدوسکوپ لباس‌ها، در کنار هم قرار گرفتن آزادانه حالات، و همچنین در تنوع راه‌حل‌های بصری از شور و شوق پرشور و رنگارنگ «دن کیشوت»، درخشش تجمل شرقی « Corsair" به رمانتیک "Schubertine" و افسانه "The Scarlet Flower" - شاعرانه خلاقیت هنرمند باله، خلق و خوی و اندیشه او.

اساساً کرووین روی هر یک از طرح های خود به همراه V. Dyachkov کار کرد. آی گرابار در مورد او نوشت: "دیاچکوف یک استاد مضاعف بود. نقاشی های او، به دور از تقریبی و بی نظمی، به خودی خود هنری بزرگ است، با ویژگی های گرافیکی، پیچیدگی خطوط و انسجام رنگ های روشن، هیجان انگیز و دلنشین است. سر کاراکترهای او فقط خال ها و چیزهای معمولی نیستند، بلکه پرتره های واقعی شخصیت ها هستند که کار کردن با آن ها برای گریمور آسان و سرگرم کننده است. افسانه‌های لباس‌ها، کمان‌ها، سگک‌ها، کلاه‌ها، کفش‌های او نه تنها با لکه‌ها احساس می‌شود، بلکه به‌طور لامسه‌ای از آن‌ها نیز هزینه‌ای برای خیاط ندارد تا به درستی سبک مورد نظر را به دست آورد.

تاریخ هنر تقریباً هرگز چنین همکاری جدی و متقابل غنی بین دو هنرمند را ندیده است. تبدیل یک طرح تخت روی کاغذ به یک لباس سه بعدی کار بزرگی بود. آثار آنها در ترکیب ارگانیک استعدادهایشان عمیقاً منحصر به فرد است. هنگام شروع کار ، آنها قبل از هر چیز به دنبال درک دنیای درونی قهرمان بودند تا آن حرکات معنوی را که توسط آن تصویر زندگی می کند را در خود بیابند و برانگیزند. بنابراین، لباس‌هایی که آنها برای «ریموندا» 1908، «سالامبو» 1909، «کورسیر» 1911-1912، «دختران گودولا» 1902، «پرنده آتشین» 1919، «شوبرتی‌ها» 1913، «دونکیکس» قدرت عاطفی بزرگی به دست می‌آورند، بازسازی می‌کنند. تاثیر

طراحی باله ها: "ماهی طلایی" 1903، "اسب قوزدار کوچک" 1901، "گل قرمز"، "فندق شکن" 1914 را می توان در یک گروه منحصر به فرد ترکیب کرد. چیزی که آنها را به هم پیوند می دهد یک طرح و شخصیت واحد نیست، بلکه یک موضوع درونی کودکانه است. این موضوع متعاقباً درک عمیق و دامنه اخلاقی در آثار هنرمندان دیگر در دوره شوروی پیدا کرد.

بیمار بیمار بیمار

بیماربیمار بیمار

لباس باله دوران شوروی مطمئناً سزاوار جدی ترین توجه است. این دوره را می توان با خیال راحت ترین و پربارترین دوره در کل تاریخ هنر نمایشی و تزئینی نامید. لباس باله، با انباشت تجربه گسترده در درک تصاویر رقص، البته، انگیزه ای برای ادامه بیشتر آن ایجاد کرد. هنرمندان تئاتر شوروی سنت های A. Benois، L. Bakst، A. Golovin، N. Roerich و دیگران را توسعه می دهند.

V. Khodasevich، M. Bobyshev، F. Fedorovsky، V. Dmitriev، M. Kurilko، P. Williams، V. Ryndin، S. Virsaladze چیزهای زیادی از دانشجویان دنیای هنر آموختند. بنابراین، آنها بر وحدت و اجتماع باله و نقاشی تکیه می کنند. کار آنها را نمی توان جدا از مفهوم طراح رقص در نظر گرفت. اما از سوی دیگر، درک تصویر لباس بدون تکیه بر درک خود از جهان غیرممکن است. آنها این توانایی را دارند که به طور دقیق یک لباس را به یک مکان و زمان خاص ببندند. ابزار این کار ترسیم پلاستیکی و روانی نقش است. شناخت حزب و ارتباط نزدیک با آن یکی از منابع و محرک های اصلی خلاقیت آنهاست.

در لباس باله با استفاده از تصاویر، هنرمندان موفق به حل چند لحظه مهم دراماتیک شدند. کار آنها قبلاً به یک وقایع با ارزش باله شوروی تبدیل شده است. با در نظر گرفتن بزرگترین مجموعه لباس های هنرمندان شوروی که متعلق به موزه تئاتر بولشوی است، ما به طور ضمنی برتری آنها و جایگاه ویژه آنها در سلسله مراتب فرهنگ صحنه نگاری را تصدیق می کنیم.

بیماربیمار بیمار

بیمار بیمار

جهان پیچیده تر شد و بعدها اجراها و تصاویر جدیدی ظاهر شد. این به استادان لباس باله بستگی دارد که آنها را درک کنند و آنها را در هنر با تمام کامل و همه کاره به نمایش بگذارند. آنها از منظرهای مختلفی کار می کنند: تعمیم یافته- یادگاری و اتاقی- روانشناختی، غنایی و تراژیک، تاریخی-مستند و تمثیلی- استعاری. شما می توانید ردیابی کنید که چگونه این استادان، از اجرا تا اجرا، از طرح به طرح، نه تنها مهارت های حرفه ای خود را رشد می دهند، بلکه ترجیحات خود را برای موضوعات خود نشان می دهند و سبک و شیوه طراحی خود را توسعه می دهند، راهی برای سازماندهی تصویر یک تصویر. لباس باله

گالری ترتیاکوف میزبان نمایشگاه بین المللی بزرگ مقیاس "Vision of Dance" بود که به یکصدمین سالگرد باله های معروف روسیه توسط S.P. دیاگیلف در پاریس.

صد سال پیش، در 19 می 1909، صحنه تئاتر Chatelet در پاریس برای اولین بار یک باله جدید روسی را به جهانیان نشان داد که انقلابی واقعی در این ژانر ایجاد کرد. برای اولین بار، روسیه پیروزمندانه دستاوردهای فرهنگ خود را نشان داد و تأثیر زیادی بر هنر اروپایی در آغاز قرن بیستم داشت. نه تنها هنرهای نمایشی اروپایی، بلکه مد پاریس نیز برای چندین دهه تحت طلسم صحنه‌ها و لباس‌های فصول دیاگیلف قرار گرفت.

لو باکست. طراحی لباس برای ایدا روبینشتاین برای باله "سالومه"

ظهور باله‌های روسی در صحنه اروپا با دوره‌ای کوتاه اما پرجنب‌وجوش بود که می‌توان آن را رنسانس هنر روسیه نامید. زندگی هنری روسیه در آغاز قرن ناهمگون بود. در این مبارزه خلاقانه مجموعه ای از هنرمندان، شاعران، موسیقیدانان، فرهنگ عصر نقره متولد شد، شخصیت مصنوعی سبک آرت نوو شکل گرفت که در نهایت منجر به ورود پیروزمندانه هنر روسیه به صحنه جهانی شد. و جایی که قرار بود باله نقش اصلی را ایفا کند.

در سال 1910، سرگئی دیاگیلف خاطرنشان کرد: "انقلابی که ما در باله انجام دادیم، شاید کمتر از همه به حوزه تخصصی رقص، اما بیشتر از همه مربوط به صحنه و لباس است." در واقع، فصول روسیه ترکیب بی‌سابقه‌ای از این سه هنر را به نمایش گذاشت، جایی که نقاشی به هنر غالب تبدیل شد و رقص به عنوان «تجلی زنده مناظر تئاتر» در نظر گرفته شد.

اجرای دیاگیلف به طور اساسی دنیای رقص را تغییر داد. باورنکردنی به نظر می رسد که او برای دو دهه موفق شد چهره های مشهوری مانند I. Stravinsky، L. Bakst، P. Picasso، N. Goncharova، M. Fokin، L. Massine، A. Benois، V. Nijinsky، C. Chanel، M. Larionov، J. Cocteau، A. Pavlova، F. Shalyapin، S. Lifar، J. Balanchine، V. Serov. T. Karsavina، N. Roerich... سازماندهی کار خلاقانه مشترک هنرمندان متعلق به چنین رشته های هنری بسیار دشوار بود.

آنا پاولوا و واسلاو نیژینسکی در باله "غرفه آرمیدا" 1909

طراحی صحنه و لباس آرمیدا برای آنا پاولوا توسط الکساندرا بنویس

تامارا کارساوینا در نقش آرمیدا 1912

طراحی صحنه و لباس توسط Lev Bakst برای باله "Cleopatra" 1908

تامارا کارساوینا در نقش کلمباین. باله "کارناوال"، 1910

میخائیل و ورا فوکین در باله "کارناوال"

آنچه در اولین فصل های پاریس روی صحنه تئاتر Chatelet ارائه شد از نظر عجیب و غریب بودن قابل توجه بود - دیاگیلف کلاسیک های روسی را با بوریس گودونوف و ایوان وحشتناک ("زن اسکوف")، تاریخ قرون وسطایی روسیه، شخصیت قدرتمند Chaliapin روی صحنه برد. - و شرق "رقص های پولوفتسی" (1909) به موسیقی الکساندر بورودین و "شهرازاده" (1910) به موسیقی ریمسکی-کورساکوف. شرق شناسی آخرین باله، طراحی شده توسط لئون باکس، پاریس را منفجر کرد. این یک بازی عجیب و غریب بود که با شورش رنگ ها، رقص آرام (میخائیل فوکین) و طوفانی از احساسات شگفت زده می شد. مد برای نقوش شرقی همه را در بر گرفت، از جمله هنرمندان معروفی مانند پوآره یا جواهراتی مانند لویی کارتیه.

میخائیل و ورا فوکین در باله "شهرزاد"، 1914

طرح های صحنه و لباس بر اساس باله "Scheherazade"، Lev Bakst

Lev Bakst روسری Zobeida را برای Lyubov Chernyshova خلق کرد که بر مشخصات پیچیده چرنیشووا تأکید داشت و به او شکوه و شکوه بیشتری می بخشید و به او اجازه می داد بر صحنه تسلط یابد.

تامارا کارساوینا در نقش زبیدا

طراحی صحنه بر اساس طرحی از Lev Bakst

باله "پرنده آتشین"، 1910

"پادشاهی Kashcheevo". طرح منظره

"سادکو"، طراحی صحنه بوریس آنیسفلد، 1911.

طرح لباس پری دریایی

واسلاو نیژینسکی در نقش پتروشکا، "پتروشکا"، 1911

لباس بالرین بر اساس طرحی از الکساندر بنوا

شخصیتی از باله "آیین بهار"، 1913

طرح ها و لباس های نیکلاس روریچ برای باله "آیین بهار"

شرق عرب با یونان باستان جایگزین شده است - "Narcissus" (1911)، "Daphnis and Chloe" (1912)، هر دو اجرا توسط Bakst طراحی شده اند، با "بعد از ظهر یک فاون" (1913) با مناظر شبانی باکس و فوق العاده نوآورانه به پایان می رسد. طراحی رقص توسط Nijinsky - Diaghilev. اولین نمایش "بعد از ظهر یک فاون" در پاریس با موسیقی دبوسی با رسوایی کامل به پایان رسید، بخشی از تماشاگران که از متعارف بودن رقص ساخته شده بر روی ژست های تیز و "فحاشی" آزرده شده بودند، سالن را ترک کردند. آخرین حرکات فاون-نیجینسکی

طراحی صحنه و لباس توسط Lev Bakst برای تولید "Narcissus"

طراحی صحنه توسط لو باکس برای باله "خدای آبی"، 1912

واسلاو نیژینسکی در نقش خدای آبی

طراحی لباس توسط Lev Bakst

شگفت انگیز است که دیاگیلف چقدر به تغییرات قریب الوقوع حساس و زیرک بود. او به شدت احساس می کند که زمان تغییر فرا رسیده است و ناتالیا گونچارووا را برای نمایشنامه خود "کوکر طلایی" (1914) دعوت می کند. این هنوز همان تم "روسی" است، اما چقدر رویکرد متفاوت است، هم در طراحی و هم در طراحی رقص. از این لحظه به بعد، دوره "آوانگارد" باله های دیاگیلف آغاز شد، زمانی که او به طور فعال با گونچارووا و میخائیل لاریونوف و به عنوان طراح رقص با برونیسلاوا نیژینسکا و لئونید میاسین کار کرد.

لباس خروس طلایی

طراحی صحنه و لباس برای پرنده سیرین برای باله "کوکر طلایی"، ناتالیا گونچاروا، 1914

لباس برای همراهان پادشاه دودون، ناتالیا گونچارووا

تامارا کارساوینا در نقش ملکه شماخا

طراحی صحنه و لباس توسط الکساندر بنوا برای اپرای "بلبل"، 1914

کنیزان شاهزاده قو در باله "قصه های پریان روسی"، 1916

میخائیل لاریونوف، طرحی از مجموعه "دریاچه پریان"

لیوبوف چرنیشووا در نقش کلئوپاترا، 1918

مونت کارلو جایگاه ویژه ای در قلب دیاگیلف داشت. در اینجا بود که در سال 1911 او باله روسیه را به یک گروه تئاتر دائمی تبدیل کرد، در اینجا او برای اولین بار تعدادی از مهم ترین آثار خود را ارائه کرد و او همیشه زمستان های خود را در اینجا سپری کرد، از سال 1922 شروع شد. به لطف سخاوت خاندان حاکم گریمالدی و شهرت کازینو که چنین سخاوتمندی را ممکن کرد، موته کارلو به آزمایشگاه خلاق دیاگیلف در دهه 1920 تبدیل شد. بالرین های سابق تئاترهای امپراتوری که قبلاً روسیه را برای همیشه ترک کرده بودند، اسرار هنر خود را با ستاره های در حال ظهور مهاجرت دعوت شده توسط دیاگیلف در میان گذاشتند. در مونت کارلو، او برای آخرین بار تسلیم وسوسه رویای زندگی خود شد - زندگی کردن، و خود را کاملاً وقف هنر کرد.

تمرین گروهی باله "آواز بلبل" در خیابان های مونت کارلو، 1920

در سال 1917، دیاگیلف از پابلو پیکاسو دعوت کرد تا باله "رژه" را طراحی کند. دوره جدید و پایانی فصول باله روسیه آغاز می شود، زمانی که هنرمندان و آهنگسازان فرانسوی در تیم دیاگیلف شروع به غلبه کردند.

انقلاب 1917 فرهنگ باله روسیه را به دو قسمت تقسیم کرد. در دوره پس از این فروپاشی، بسیاری دیاگیلف را دقیقاً به عنوان صاحب تجسم استثنایی بنیانگذار و مدیر باله روسی می دانستند که از آنها خواسته شد همانطور که لوینسون در مورد شاهزاده خانم خفته نوشت: "مأموریت ارائه چنین پژواک های درخشانی را انجام دهد. از شکوه گذشته تا مراحل اروپا.»

اما مهم نیست که چقدر نوستالژی بر روح دیاگیلف تأثیر می گذارد ، تأثیری بر کارنامه او نداشت. گذشته، مانند زمان حال، غذای روح سرکوب ناپذیر دیاگیلف را فراهم کرد، اما هرگز جایگزینی برای پناه او نشد.

طراحی صحنه و لباس برای باله "سه شاخ" اثر پابلو پیکاسو، 1919

تامارا کارساوینا در باله "حماقت های زنان"، 1920

طراحی لباس توسط خوزه ماریا سرت

در بهار 1923، برونیسلاوا نیجینسکا رقص یکی از برجسته‌ترین آثار دیاگیلف به نام Les Noces را بر عهده گرفت.

سرگئی لیفار در خاطرات خود به وضوح به یاد می آورد که چگونه استراوینسکی موسیقی پیچیده خود را در طول تمرین به تصویر می کشد: "او در ابتدا فقط دستور می داد، عصبانی می شد، اشاره می کرد، سپس هیجان زده می شد، ژاکت خود را در می آورد، جای پیانیست می نشیند - صدای سمفونیک را منتقل می کرد. باله، با صدایی وحشتناک و دیوانه وار خواند، اما آنقدر قانع کننده که هیچ چیز خنده دار در آن وجود نداشت، و او تا زمان خستگی بازی کرد. همه دیگر برای نوازندگی دیوانه وار او تمرین نمی کردند، بلکه در واقع می رقصیدند.»

ترکیب با لوله های کارخانه. طرح طراحی صحنه توسط ناتالیا گونچارووا برای باله "Le Noces"، 1917

تمرین باله "Le Noces" در پشت بام اپرای مونت کارلو، 1923

قطعاتی از تولید "توپ"، 1929

مشهورترین نمایشگاه این نمایشگاه، پرده پیکاسو برای تولید اکسپرس آبی، 1924 است.

به طور خلاصه، در یک کلام، برای تعریف جوهره تغییراتی که در طول بیست سال رخ داده است، می توان گفت: شخصیت قهرمانان تغییر کرده است.

و فوکین و پاولوا و کارساوینا و نیژینسکی هر نوع تلاش و هر نوع کار عضلانی قابل مشاهده را از رقص خود حذف کردند. فقط یک پرواز خیالی، فقط یک شعله ناب الهام، فقط بازتابی از بینش های شاد و فوق العاده زیبا. اگر این ویژگی‌های استعاری را به یک مفهوم نقد هنری تقلیل دهیم، باید از اسطوره‌شناسی صحبت کنیم، درباره اسطوره. همه شخصیت های اصلی آنها اسطوره ای هستند: کمانداران در "رقص های پولوفتسی"، پرنده آتشین در "پرنده آتشین"، سیلفید در "چوپین"، پتروشکا در "پتروشکا". و خود نیژینسکی، هنرمند، به عنوان یک اسطوره رقصنده یا به عبارت دیگر، به عنوان یک رقصنده اسطوره در افسانه ها فرو رفت. همین را می توان در مورد آنا پاولوا - قو، آنا پاولوا - یک بالرین کلاسیک گفت.

باله "رژه" که در سال 1917 توسط لئونید ماسین با موسیقی طعنه آمیز اریک ساتی و در طراحی کوبیست پیکاسو به صحنه رفت، روند جدیدی از گروه دیاگیلف را نشان داد - میل به اسطوره زدایی از همه اجزای باله: طرح، مکان، ماسک های بازیگری. ("رژه" زندگی یک سیرک مسافرتی را به تصویر کشید) و به جای اسطوره او پدیده دیگری - مد را قرار داد. مد خانگی پاریسی، مد به سبک پان اروپایی (به ویژه، کوبیسم)، مد جهانی به صورت رایگان (به میزان کم یا زیاد) رقص.

اما نکته اصلی چیز دیگری بود: جهان بینی دهه 20 ، جهان بینی بازماندگان ، کسانی که از جنگ در امان مانده بودند ، که خیلی خوشحال بودند ، وارد کار دیاگیلف شدند. ماسین در تولیداتش در سالهای 1917 ("زنانی با شوخ طبعی") و 1919 ("فروشگاه جادویی" و "کلاه خروس") و در اجرای انفرادی خود در این باله ها، ماسین به وضوح حس جدیدی از زندگی را بیان کرد، نه اصلا. غم انگیز، یک حس جدید از واقعیت، یک ذوق حریص برای واقعیت، نه خارق العاده، و، به خصوص، نه خیالی. و ویژگی اصلی تقریباً برای همه، مهار عاطفی، حتی سردی عاطفی یا به عبارتی نزدیکی عاطفی بود.

پرتره آنا پاولوا، 1924

"پسر ولگرد" با موسیقی پروکوفیف که توسط همین بالاچین در فصل 1929 به صحنه رفت. این باله، با الهام از خود دیاگیلف، به پایان حماسه بیست ساله دیاگیلف تبدیل شد.

دیاگیلف وقتی پیشنهاد کرد که پروکوفیف و بالانچین یک نمایش باله بر اساس تمثیل انجیل بسازند چه فکر می کرد؟ آیا این یک عمل توبه بود یا یک عمل توهین آمیز؟ آیا دیاگیلف به وطن متروک خود فکر می کرد یا به یارانش که در نیمه راه رها شده بودند؟ و آیا به سرنوشت باله کلاسیک و خودش فکر کرد؟ دیگر راهی برای دانستن این موضوع وجود ندارد. تنها مشخص است که او فصل 1929 را به شدت بیمار کرد و اخیراً علاقه خود را به باله از دست داده است.

و از همه مهمتر خسته بود. خسته مرگبار از همیشه جنگیدن - برای پول، برای کارنامه، برای شناخت، برای شانس. من از تلاش برای رسیدن به همه چیز خسته شده ام. مرگ ناگهانی او در 19 اوت 1929 مرموز و تاریک است. او می دانست که دیابت شدید دارد، اما به توصیه پزشکان عمل نکرد و چه کسی می داند، شاید مخفیانه منتظر رهایی بود.

پرتره S.P. دیاگیلف

این پست بر اساس مطالبی از نمایشگاه "گنجینه فصول روسی دیاگیلف" در موزه هنرهای تزئینی و کاربردی، نمایشگاه "چشم انداز رقص" در گالری ترتیاکوف و کتاب "دیدگاه رقص سرگئی دیاگیلف و باله روسی". فصول».

لباس سنتی بالرین دامن برش خاص است - توتو. با گذشت زمان، زمانی که توسعه باله از یک دوره به دوره دیگر منتقل شد، ایده ها در مورد لباس های باله نیز تغییر کرد. دامن های باله نه تنها برای تأکید بر شکل رقصنده، بلکه برای ایجاد تصویر او و تسهیل اجرای او شناخته شده است. دامن های زنانه شکل های بسیار متنوعی داشت و به شیوه های منحصر به فردی تزیین می شد. توتو یک دامن توری نازک و تخت است که به صورت افقی در کمر رقصنده قرار می گیرد. که گویی از وزش باد برمی خیزد، به اشکال مختلف یخ می زند - "صفحه ها"، "زنگ ها" و بسیاری دیگر. از لحاظ تاریخی، تغییرات در لباس باله به طور طبیعی به سمت به حداقل رساندن فرم ها پیش رفته است. توتو از دامن های زیر زانو زنانه به سبک امپراتوری به نام "زنگ" سرچشمه می گیرد. و "زنگ" به نوبه خود نسخه کوتاه شده تونیک عاشقانه است - یک دامن بلند تا انگشتان پا. این لباس‌های ظریف متعلق به دنیای ارواح، جیپ‌ها، ارواح در «La Sylphide»، «Giselle»، «Serenade» و از آغاز قرن بیستم، از زمان «Chopiniana»، یک تونیک شفاف در محاوره باله است. "شوپن" نامیده شده است. در کاونت گاردن، گروه قوها در دریاچه سوان هنوز به سختی می‌توان آن‌ها را توتوس نامید، اما بسیار یادآور آنهایی هستند که در حکاکی‌های بازمانده به تصویر کشیده شده‌اند. بر خلاف توتوس سفید که در سنت ما پذیرفته شده است، مانند روی سطح دریاچه "شناور" است. توتوس قو، و همچنین روسری ساخته شده از پر (به زبان عامیانه باله، "گوشی")، توسط همان پونومارف، مورد توجه مطبوعات انگلیسی، اختراع شد، که از آثار او می توان دوران اواخر قرن 19 و لباس او را مطالعه کرد. طرح هایی برای تعداد زیادی از تولیدات در کتابخانه تئاتر سنت پترزبورگ حفظ شده است، اگر در زمان آنا پاولوا توتوس ها بلند و کرکی بودند، پس از آن کوتاه تر و حتی کوتاه تر شدند، و بعدها - طولانی تر اما نازک تر. در این دگرگونی، ردیابی مد باله در هر دوره دشوار نیست، که به نوبه خود "مد بالا" را منعکس می کند. ابتدای قرن یک سبک مدرن، لذت‌گرا و پیچیده است، به همین دلیل است که توتوس‌ها با پرهای واقعی یا سنگ‌های قیمتی تزئین شده‌اند. لباس‌های پاولووا توسط طراح مد Lev Bakst که لباس‌های غیررسمی او را نیز می‌دوخت، مدل‌سازی شد. تجربه آوانگارد روسی-اروپایی از مد باله ما (اما به هیچ وجه تئاتری) گذشت - فقط در کار دیاگیلف نمونه هایی از ساخت گرایی (مردم-آسمان خراش ها در "رژه" پیکاسو) و سوپرماتیسم (تک رنگ آیین ناتالیا گونچارووا) بود. لباس در "Les Noces" که در لباس‌ها یافت می‌شود)، تاثیر مد Chanel (در لباس‌های ساحلی ورزشی از Blue Express). و با این حال ، گاهی اوقات هنر لباس باله به اوج می رسد (بارزترین نمونه "بولت" اثر تاتیانا برونی است ، اما سرنوشت غم انگیز تولید به شدت سرنوشت طراحی هنری را تعیین می کند).

بسته‌های ساده‌شده سودگرایانه سال‌های اولیه شوروی کاملاً زاهدانه به نظر می‌رسیدند - خط موج‌دار هوا نباید تداعی‌کننده انجمن‌های بورژوازی باشد. دهه 50-60 - سالهای "موج جدید" در هنر اروپایی مصادف شد با اولین تورهای خارجی از تئاترهای تزئین شده ما و مد را برای یک مینی جهانی به ارمغان آورد: بالرین ها در توتوهای باریک در کاخ های باله و رویاها ظاهر شدند. در دهه های 70 و 80 عرض آنها افزایش یافت ، اما به نوعی به دلیل بی سبکی تغییر رنگ دادند - گویی انعکاسی از سالهای آرامش کسل کننده ، در عین حال "رکود" و "زیرزمینی" هنر رسمی. مواردی وجود دارد که لباس ها یک باله را "ویران" می کنند، و برعکس، رقص با کیفیت بالا هرگز با لباس لاکونیک منصرف نمی شود. بنابراین، در اواسط قرن بیستم، شلوارهای شلواری و شلواری به مد باله آمدند - نه فقط لباس های تمرین جهانی برای رقصندگان، بلکه لباس های صحنه برجسته مدرسه Balanchine. لئوتارد سیاه مترادف با باله های "سیاه" او شد ("آگون"، "چهار خلق و خو"، "سمفونی در سه حرکت"). بالانچین همچنین دارای خطوط مسطح با خطوط غیرقابل تصور تحت نام غذایی «بشقاب» بود که منحنی کلاه های لبه پهن در «سمفونی غرب دور» را بازتاب می داد. پس از تور گروه Balanchine از باله شهر نیویورک، آنها در اتحاد جماهیر شوروی شروع به نگاه متفاوت به باله کردند، حتی شروع به پوشیدن لباس های متفاوت برای کلاس کردند: قبل از آن، زنان در تونیک های ساخته شده از گاز تمرین می کردند و مردان در هر چه مجبور بودند به طور دقیق تر، اولین قدم در این مسیر با بازدید از باله سلطنتی و اپرای پاریس در اواخر دهه 1950 از مسکو برداشته شد. در این زمان، "گل سنگی" یوری گریگوروویچ به تازگی در لنینگراد شکوفا شده بود: بدون لباس سنتی - سیمون ویرسالادزه معشوقه کوه مس را به یک لباس خالدار کشید. سپس "افسانه عشق" وجود داشت که پس از آن مد برای شلوارهای باله تنگ، مانند پوست دوم، برای مدت طولانی برقرار شد.

در این میان، توتوس ها هنوز جای ملکه را در حالت باله کلاسیک اشغال می کنند. تا همین اواخر، تفاوت های ساختاری در برش آنها در مسکو و سن پترزبورگ وجود داشت: در سطح شکل دامن، طرح کلی، تعداد flounces و یک ظاهر طراحی شده. مهم است که دسته قوها در سن پترزبورگ-لنینگراد از زمان های بسیار قدیم با Nereids در "زیبای خفته" یا سایه ها در "La Bayadère" تفاوت داشتند.

اما، همانطور که زمان نشان می دهد، تنها مد نیست که در حال تغییر است، زیرا لباس هایی با برش های مختلف شروع به بازگشت به اجراهای بولشوی کردند. و توتوس به شکل غنچه‌های باز در «کورسیر»، آخرین نمایش اصلی تئاتر، که به دوران امپراتوری اشاره دارد، همانقدر درباره تئاتر می‌گوید که درباره کل کشور.

از زمان ایجاد آن تا اواسط قرن نوزدهم، رقص باله با کفش های پاشنه بلند و دامن های بلند اجرا می شد. در چنین لباسی اجرای تعدادی از عناصر دشوار بود، به خصوص که باله مدام در حال بهبود بود و موقعیت ها و حرکات جدیدی به دست می آورد. در این زمان کفش های پوینت که در سراسر جهان باله شناخته شده بودند ظاهر شدند. کفش های پوینت نوع خاصی از کفش هستند که با نوار چسب روی پا محکم می شوند و پنجه آن با یک بلوک سفت و محکم تقویت می شود. کلمه پوینت کفش از کلمه فرانسوی "نوک" گرفته شده است. بالرین های فرانسوی می توانستند به خود ببالند که می دانستند چگونه روی نوک انگشتان خود بایستند و عناصر پیچیده را اجرا کنند. برای تسهیل چنین رقصی، از کفش های پوینت استفاده شد که پا را محکم می کرد و به بالرین اجازه می داد تعادل را حفظ کند. با این حال، برای شروع تمرین بر روی کفش های پوینت، باید برای مدت طولانی تمرین می کردید. به هر حال، این کفش های باله، همانطور که کار یک رقصنده حرفه ای را آسان می کند، می تواند به یک مجری بی تجربه نیز آسیب برساند.

در مدارس باله، قبل از اینکه به آنها اجازه داده شود کفش های پوینت بپوشند، چندین سال عناصر رقص کلاسیک را آموزش می دادند. مهارت‌های رقصیدن و انعطاف‌پذیری بدن به تسلط بالرین در حرکت روی کفش‌های پوینت کمک کرد. با وجود تمام حرفه ای بودن بالرین، قبل از اجرای کفش های پوینت یا شرکت در کلاس، لازم است پاها و کفش های خود را به خوبی گرم کنید. اگر یک بالرین این قانون را نادیده بگیرد، رقص او ممکن است منجر به آسیب جدی شود. برای رقصیدن روی کفش های پوینت، باید به طور قابل توجهی روی تقویت انگشتان پا کار کنید.

کفش های پوینت مدرن اغلب از مواد ساتن ساخته شده اند، کفش های پوینت برای یک بالرین خاص از استاد سفارش داده می شوند. این لازم است تا آنها به طور ایمن پا را ببندند. در پنجه کفش باله، مواد فشرده قرار می گیرد و روبان ها پا را در مچ پا قطع می کنند. طراحی مجموعه مدل باله

رقص بر روی کفش های پوینت به دلیل ظرافت و زیبایی خاص در اجرا متمایز می شود.

MBOU دبیرستان شماره 26
چکیده

در رشته "رقص کلاسیک"

"تاریخ لباس باله"

تکمیل شد:

کیانیچنکو داریا

بررسی شد:

زایتسوا L.A.

کورگان، 2012

1. مفهوم: باله و لباس باله.
باله(باله فرانسوی، از باله ایتالیایی، از اواخر لاتین ballo - من می رقصم)، نوعی هنر موسیقایی و نمایشی که محتوای آن در تصاویر رقص بیان می شود. به عنوان یک قاعده، این اصطلاح به معنای نوعی از هنر است که در طول قرن های 16-19 توسعه یافته است. در اروپا و روسیه و در قرن بیستم در سراسر جهان گسترش یافت. در میان هنرهای دیگر، باله متعلق به انواع دیدنی مصنوعی، مکانی-زمانی خلاقیت هنری است. این شامل درام، موسیقی، رقص و هنرهای تجسمی است. اما همه آنها به تنهایی در باله وجود ندارند و به صورت مکانیکی ترکیب نمی شوند، بلکه تابع رقص هستند که مرکز سنتز آنها است.

لباس بالهبخشی از طراحی کلی هنری است. یک لباس در باله نه تنها باید ویژگی های تاریخی، اجتماعی، ملی، فردی یک شخصیت خاص را نشان دهد، بلکه باید برای رقص سبک، راحت باشد و بر ساختار بدن و رقص تأکید کند. حرکات اساس لباس باله رقص "یونیفرم" (ترک، تونیک، شلوار، تونیک، توتو) است که بسته به تصاویر خاص به صورت بصری طراحی می شود.

لباس های شخصیت های اصلی معمولا بیشتر فردی است. گروه باله اغلب یکسان لباس می پوشد (در حالی که لباس های گروه ها گاهی متفاوت است)، به جز مواردی که جمعیتی چند وجهی واقعی را به تصویر می کشد (نمونه هایی شامل اولین عمل دن کیشوت طراحی شده توسط K. Korovin، رقص های محلی رومئو است. و جولیت طراحی شده توسط پی ویلیامز و دیگران). اتحاد لباس ها در رقص جمعی (به عنوان مثال، در رقص های ویلیس، قوها، نرییدها از باله های کلاسیک یا دوستان کاترینا در "گل سنگی"، "افکار" مهمانه باکو در "افسانه عشق" و غیره) بر معنای عاطفی و نمادین آن تأکید می کند و با وحدت و کلیت ترکیب رقص مطابقت دارد. هنرمند باله در ایجاد لباس برای شخصیت های فردی به وحدت شخصیت بصری و رقصیدن دست می یابد.

همه اینها مهم هستند، اما نیازهای کم و بیش بیرونی رقص. علاوه بر این، هنرمند با یک کار پیچیده تر و عمیق تر روبرو است - هماهنگی راه حل بصری با ویژگی های خاص تصاویر رقص: موزیکال بودن و سمفونی کنش رقص، کلیت آن، پری عاطفی و غنایی، و اغلب معنای استعاری. بنابراین، طبیعی بودن مناظر و لباس‌ها ممکن است با متعارف بودن کنش رقص در تعارض باشد و برعکس، انتزاع و طرح‌واره‌سازی راه‌حل بصری ممکن است با سرزندگی و ویژگی عاطفی و روانی رقص در تضاد باشد.

وظیفه هنرمند در باله بیان دانه های ایدئولوژیک اجرا، ایجاد محیط و ظاهر کنش در قالب هایی است که با ماهیت فیگوراتیو رقص مطابقت دارد. در این صورت یکپارچگی هنری اجرا حاصل می شود که در آن راه حل بصری درام، موسیقی و رقص را در وحدت آنها مجسم می کند.

لباس در بالهیکی از مولفه های مهم طراحی اجرا، برآورده کردن الزامات محتوای خاص ایدئولوژیک و فیگوراتیو و ویژگی های رقص. هنر نقش ک. در ب. مهمتر از درام یا اپرا، زیرا باله فاقد متن کلامی است و جنبه سرگرمی آن بار بیشتری را به همراه دارد. همانطور که در انواع دیگر تئاتر، K. در ب. شخصیت ها را مشخص می کند، ویژگی های تاریخی، اجتماعی، ملی و فردی آنها را آشکار می کند. در همان زمان ک در ب. باید شرایط رقص پذیری را برآورده کند، یعنی برای رقصیدن سبک و راحت باشد، پنهان نشود، اما ساختار بدن را آشکار کند، مانع حرکات نشود، بلکه به آنها کمک کند و بر آنها تأکید کند. الزامات به صورت مجازی-مشخصه. ملموس بودن و رقص بودن اغلب با یکدیگر در تضاد هستند. هم «روزمرگی» مفرط و هم طرحواره. تخلیه K. در ب. افراطی هایی هستند که در برخی موارد فقط با محتوا و ژانر خاص یک اثر خاص قابل توجیه هستند. مهارت هنرمند در باله در غلبه بر این تضادها و افراط ها، در دستیابی به وحدتی ارگانیک از تصویرسازی و رقص پذیری نهفته است.
K. در b. به عنوان لباس شخصیت ها، در عین حال عنصری از هنر کل نگر وجود دارد. تصمیم اجرا، که وظیفه هماهنگی رنگی آن با مناظر را مطرح می کند، و آن را در یک تصویر تصویری "تطبیق می دهد". لباس «متحرک ترین» عنصری است که می توان به تصویر کشید. طراحی باله بنابراین، او می تواند پویایی را در آن وارد کند. در ابتدا، با ریتم های مربوط به ریتم های موسیقی پر کنید. از این نظر ک در ب. همانطور که بود، یک پیوند اتصال در سنتز تصویر است. هنر و موسیقی در اجرای باله
لباس‌های شخصیت‌های اصلی معمولاً شخصی‌تر از لباس‌های گروه باله است. یکی شدن لباس‌های بدنه باله بر احساسی بودن آن تأکید می‌کند، نه به تصویر کشیدن آن. معنی با وحدت و کلیت رقص مطابقت دارد. ترکیبات تفاوت در رنگ و گاهی اوقات در شکل لباس، اغلب تضاد تفاوت را آشکار می کند. گروه های باله در رقص دسته جمعی یا در رقص پیچیده چند صدایی. ترکیبات (به عنوان مثال، در صحنه صفوف در "افسانه عشق"، پست. Yu. N. Grigorovich، هنر. S. B. Virsaladze). در مواردی که گروه باله یک جمعیت چندوجهی واقعی را به تصویر می‌کشد، لباس‌های آن نیز می‌تواند فردی باشد (به عنوان مثال، جمعیت در پرده اول دن کیشوت، طراحی توسط A. A. Gorsky، هنر K. A. Korovin، 1900). لباس‌های شخصیت‌های اصلی معمولاً از نظر برش و رنگ با لباس‌های گروه باله مطابقت دارند و بر اساس اصل وحدت یا تضاد، بسته به محتوای فیگوراتیو خاص رقص، با آنها ترکیب می‌شوند.
ک. در ب. از نظر تاریخی در ارتباط با تکامل خود رقص تغییر کرده است. هنر در اولین مراحل توسعه، تقریباً هیچ تفاوتی با لباس های روزمره اشراف دربار نداشت. محیط زیست در اجراهای باروک، لباس مخصوصاً شاداب و اغلب سنگین بود. در دوره کلاسیک گرایی، یک تونیک عتیقه (کیتون) تلطیف شده ظاهر شد و لباس های محلی شروع به نفوذ به باله های کمدی کردند. اصلاح‌کننده تئاتر باله جی جی نوور در پایان. قرن 18 تغییرات بزرگی در لباس ایجاد کرد، آن را سبک تر کرد، کفش ها را ساده کرد و لباس زنانه را کوتاه کرد. با این حال، اصلاحات ریشه ای K. در بلاروس، که منجر به شکل گیری مدرن آن شد. پایه ها، در هنر رمانتیسم رخ داده است ("La Sylphide"، 1832، "Giselle" پست. F. Taglioni، و غیره). به جای دامن روزمره، آنها شروع به استفاده از تونیک بلند کردند (با تونیک عتیقه اشتباه نگیرید!) که سلف توتو شد. کفش های پاشنه بلند با کفش های مخصوص باله جایگزین شد که امکان رقصیدن روی کفش های پوینت را فراهم می کرد. تضاد بین واقعی و خارق العاده. دنیاها توسط لباس ها تاکید می شد. شخصیت آرمانی تعمیم یافته سمفونیک. ترکیبات رقص در وحدت لباس های بدنه باله بیان شد. در اجرای A. Saint-Leon و M. I. Petipa رمانتیک. تونیک به توتو تبدیل شد که متعاقباً کوتاهتر شد.
سهم قابل توجهی در توسعه K. در ب. توسط روسی ارائه شده است هنرمندان اولیه قرن 20 L. S. Bakst ایده K در b. در ارتباط با رقص به دنیا آمد. حرکت؛ در طرح های او لباس ها با حرکات تند و اغلب اغراق آمیز رقصندگان ارائه می شود. لباس های K. A. Korovin با رنگ آنها متمایز است. غنا و وحدت زیبا با مناظر. حس لطیف دوران و فردیت شخصیت، مشخصه A. N. Benois، در لباس های او منعکس شد. لباس های N.K Roerich قدرت عنصری و عجیب و غریب بودن شخصیت های او را منتقل می کند. هنرمندان «دنیای هنر» اغلب معنای رنگارنگ K. را در ب. و آن را به عنوان یک نقطه صرفاً زیبا در تصویر کلی در نظر گرفت، گاهی اوقات رقصنده را نادیده می گرفت یا حتی سرکوب می کرد (به عنوان مثال، B.I. Anisfeld). اما در همان زمان آنها به طرز باورنکردنی هنر را غنی کردند. بیان و تصویرسازی K. در ب.
در Sov. سبک باله لباس هایی که در دهه 1920 ایجاد شد. F. F. Fedorovsky و A. Ya Golovin تا حدودی به سنت های تصویری "دنیای هنر" نزدیک بود. در همان زمان، نمایندگان رقص آزاد (پیروان A. Duncan) تونیک باستانی (تونیک) را احیا کردند. در آزمایش های K. Ya, رقصندگان شماره های خود را با لباس های شلواری، "Leotard" اجرا کردند که بدن را در معرض دید قرار داد، اما لباس به یک لباس باله کاهش یافت. استودیو باله درام N. S. Gremina لباس خانگی را پرورش داد. ویژگی‌های سازنده‌گرایی در طرح‌های A. A. Exter، در «رقص‌های ماشین‌ها» توسط N. M. Forreger، در معرفی لباس‌های صنعتی به باله‌ها درباره مدرنیته منعکس شد («بولت» طراحی شده توسط T. G. Bruni و غیره). در درام باله دهه 30-50. هنرمندان برای حداکثر مشخصات تاریخی، اجتماعی و روزمره لباس تلاش کردند و آن را به لباس‌های نمایشی نزدیک‌تر کردند. تئاتر ("توهمات گمشده" توسط آسافیف، طراحی شده توسط V.V. Dmitriev، 1936، و غیره). خلق نمایش های صحنه ای در این سال ها از اهمیت بالایی برخوردار بود. گزینه هایی برای مردم لباس، به دلیل استفاده گسترده از گروه های محلی. رقص، ملی گروه‌های باله و صحنه‌های پرطرفدار در اجراهای باله («شعله‌های پاریس»، 1932، و «روزهای پارتیزانی» اثر آسافیف، 1937، طراحی شده توسط دیمیتریف؛ «قلب کوه‌ها»، 1938، و «لاورنسیا»، 1939، طراحی شده توسط اس. B. Virsaladze و دیگران). بر خلاف روند زندگی روزمره لباس باله، مشخصه این دوره، از پایان. دهه 50 ویژگی های انتزاع و طرحواره، یکنواختی و یکنواختی در باله های باله، به ویژه در تولید باله های بدون طرح در باله های سمفونیک، ظاهر شد. موسیقی
استاد برجسته ک در ب. S. B. Virsaladze است. آثار او (مخصوصاً در اجراهایی که یو. ان. گریگوروویچ روی صحنه می برد) به طور مشخصی ارگانیک هستند. وحدت شخصیت پردازی فیگوراتیو و رقص پذیری. هنرمند هرگز لباس را تهی نمی کند، آن را به یک یونیفرم ناب و طرحی انتزاعی تبدیل نمی کند. لباس او همیشه منعکس کننده ویژگی های فیگوراتیو قهرمان است و در عین حال در حرکت تصور می شود و در وحدت با مفهوم و کار طراح رقص ایجاد می شود. ویرسالادزه نه به اندازه رقص شخصیت ها را لباس می پوشاند. لباس های او با طعم بالا و اغلب تصفیه شده متمایز می شود. برش و رنگ آنها رقص را آشکار و تأکید می کند. حرکات لباس‌ها در اجراهای ویرسالادزه در یک سیستم خاص ارائه می‌شوند که با ویژگی‌های رقص مطابقت دارد. آنها از نظر رنگ با مناظر مرتبط هستند، تم تصویری خود را توسعه می دهند، آنها را با ضربات رنگارنگ جدید تکمیل می کنند و آنها را مطابق با رقص و موسیقی پویا می کنند. آثار ویرسالادزه با نوعی "سمفونیزم تصویری" مشخص می شود. به میزان ایجاد شده توسط سیستم K. در ب.
مدرن تئاتر باله با هنرهای متنوعی مشخص می شود. راه حل های کت و شلوار او کل تاریخ را دگرگون می کند تجربه در توسعه نقاشی در نقاشی، تابع هنرهای خاص. اهداف یک عملکرد خاص

(منبع: Ballet. Encyclopedia, SE, 1981)

بتوتودو نوع وجود دارد "شوپن"

هر دو بر اساس رایج ترین الگوی "شعله ور شدن خورشید" دوخته می شوند - یعنی. دایره، در وسط یک سوراخ وجود دارد. فقط دایره با قطر آشکارا بزرگتر گرفته شده و سوراخ بزرگتر از دور کمر ساخته شده است. سپس "حلقه" حاصل تا می شود و به کمربند دوخته می شود.

برای یک توتو کلاسیک، توری بسیار سفت می‌گیرند که هزینه آن یک سهم است. برای توتو شوپن، اغلب از ارگانزا استفاده می شود، نرم تر است.
به طور کلی، یک توتو باله کلاسیک (کوتاه) معمولاً حداقل 2.5 متر از مواد را می گیرد.

کفش های پوینتآنها نوع خاصی از کفش هستند که با نوارها روی پا محکم می شوند و پنجه آن با آخرین سفت و محکم تقویت می شود. کلمه پوینت کفش از کلمه فرانسوی "نوک" گرفته شده است.

باله - اوایل قرن هفدهم.

باله بزرگترین پیشرفت خود را در قرن هفدهم دریافت کرد. در این زمان، هنر باله به فرانسه آمد، جایی که تحت حمایت پادشاه لوئیس چهاردهم، تماشایی ترین شب ها و اجراهای رقص برگزار شد. خود پادشاه از رقصیدن بیزار نبود، بنابراین کل نمایش های باله اغلب در دربار او به صحنه می رفت. تصادفی نیست که این پادشاه لوئیس بود که آکادمی رقص سلطنتی را سازماندهی کرد، جایی که نه تنها درباریان پادشاه می توانستند اصول اولیه مهارت های رقص را بیاموزند، بلکه رقصندگان حرفه ای نیز آموزش می دیدند. بنابراین به تکنیک رقص توجه بیشتری می شود.

رقص های سالن رقص که در دربار پادشاهان برگزار می شد، به اجراهایی تبدیل شد که در آن رقص نمایانگر یک شکل هندسی واضح بود. مهارت های حرفه ای های باله این بود که اطمینان حاصل شود که هر رقصنده قادر به اجرای پیروت ها و مراحل پیچیده است. برای اولین بار، قوانین اساسی باله به وضوح توسط معلم آکادمی رقص سلطنتی، پیر بوچمپ، مشخص شد. این طراح رقص حرکات پیشرو بازیگر را برجسته کرد که بدون آنها به سادگی نمی توانست باله را تصور کند. پیر بوشام معتقد بود که اگر به همه معیارها پایبند باشید، نه تنها می توانید در رقص به کمال برسید، بلکه می توانید بخش باله خود را با استادی روی صحنه اجرا کنید. طراح رقص آکادمی سلطنتی در قوانین خود موقعیت پاها و بازوها را در نظر گرفت که کلیدی شد و کل رقص بر آنها استوار است. از آن زمان به بعد، رقص دادگاه تبدیل به باله شد و شروع به نمایش در صحنه بزرگ کرد.

باله کلاسیک فرانسوی به طور قابل توجهی تحت تأثیر مهارت های رقص ایتالیایی قرار گرفت. آنچه برای رقصندگان فرانسوی یک سنت ناگسستنی بود، خروج از آن غیرقابل قبول بود، برای طراحان رقص ایتالیایی نکته اصلی در رقص، مهارت بود که مهارت رقصنده را تعیین می کند. در قرون 17 تا 18، نه تنها خود رقص شروع به دگرگونی کرد، بلکه لباس بازیگران نیز تغییر کرد. علاوه بر این ، اگر قبلاً فقط رقصندگان مرد روی صحنه می درخشیدند ، در دوره رنسانس و رمانتیسم زنان به نمادهای باله تبدیل شدند. با این حال، اغلب لباس زنانه بسیار سنگین بود و به مجری اجازه نمی داد حرکات پیچیده تری را انجام دهد، بنابراین اعتقاد بر این بود که مردان رقصندگان بسیار ماهرتر هستند. اما کلیشه های تثبیت شده در یک ساعت توسط بالرین ماری کامارگو شکسته می شود. او از دامن های بلند امتناع می کند و دامن خود را تا حد امکان کوتاه می کند. و این به آزادی حرکت داد و به زیبایی عملکرد کمک کرد. به تدریج، طراحان رقص تکنیک رقص خود را بهبود می بخشند.

بخش عمده ای از این کار توسط ژان نوور فرانسوی انجام شد که از رقصندگان باله انتقاد کرد که از ماسک و لباس برای بیان شخصیت قهرمان استفاده می کردند، در حالی که حرکات بدن فقط با ایده های کلاسیک در مورد باله مطابقت داشت. نوور طرفدار این است که باله باید تمام ویژگی های یک شخصیت را از طریق رقص و موسیقی بیان کند. فقط بدن، به گفته طراح رقص، آنقدر عالی است که همه می توانند زبان آن را بفهمند. در این زمان، باله وضعیت یک ژانر هنر نمایشی را به دست آورد و به طور فعال در صحنه های سراسر جهان به صحنه رفت.

ظاهر یک توتو باله.

باله به عنوان یک هنر خیلی زودتر از لباس های مدرن و لوازم جانبی برای باله ظاهر شد. اولین توتو باله، مانند آنچه امروز می شناسیم، به عنوان بخشی از لباس کلی رقصنده ماریا تاگلیونی در طول نمایش La Sylphide در سال 1839 ظاهر شد. مانند بسیاری از مدهای آن زمان، این مد توسط طراح فرانسوی یوجین لامی ساخته شد.

وقتی صحبت از باله توتو می‌شود، نرفتن به تاریخ بسیار دشوار است.

تاریخچه لباس باله کاملاً منطقی است. هنگامی که مینوئت‌های آهسته بر صحنه غالب می‌شد، لباس‌ها بلند، سنگین، با سنگ‌های قیمتی گلدوزی شده بودند، با دامن‌ها و کت‌های بسیار. همانطور که رقص پیچیده تر شد، لباس نیز بر این اساس تکامل یافت. در ابتدا کرست ها برداشته شدند، دامن ها کوتاه تر و سبک تر شدند و یقه ها نمایان تر شدند.

برای اولین بار در چیزی که امروزه "توتو" نامیده می شود، بالرین ماریا تاگلیونی، اولین سیلفید و مولد "باله عاشقانه"، روی صحنه رفت (* تاگلیونی همچنین به این دلیل شناخته می شود که او اولین بالرین بود. در جهان برای پوشیدن کفش های پوینت، اما بیشتر در مورد آن در آینده یک بار).

دامن گازی که قبلاً دیده نشده بود، که ظاهراً از هوا بافته شده بود، لباس باله را قانونی می کرد. در ابتدا، رقصندگان (به ویژه آنهایی که پاهای کج زشت داشتند) حتی به شدت به نوآوری ها اعتراض کردند، اما سپس آرام شدند - این ابر هوا بسیار زیبا به نظر می رسید.

به طور کلی، همانطور که می دانید، هر چه رقص فنی تر می شد، لباس ساده تر و کوتاه تر می شد. توتوسی که ما اکنون با آن آشنا هستیم در اواسط قرن بیستم به وجود آمد.

حالا بیایید به اسامی نگاه کنیم. توتوس ها متفاوت هستند و بسته به باله، ظاهر خود را تغییر می دهند.

توتو- یک کلمه فرانسوی خنده دار که دقیقاً به عنوان یک بسته ترجمه شده است. این کلمه ای است که در انگلیسی برای اشاره به دامن باله استفاده می شود.

توتو کلاسیک– دامن گرد شبیه پنکیک. همانطور که احتمالاً حدس زده اید، بالرین ها در کلاسیک ترین باله ها می رقصند: دریاچه قو، پاکیتا، کورسیر، اعمال 2 و 3 La Bayadère، فندق شکن و غیره.

شعاع استاندارد یک توتو 48 سانتی متر است اما اغلب اندازه دایره متفاوت است - بسته به قد بالرین، مهمانی و سبک کلی اجرا. سولیست ها بسته به ویژگی های فیزیکی خود می توانند به طور مستقل شکل توتو را که پاهای خود را تزئین می کند انتخاب کنند: آنها می توانند صاف ، موازی با زمین ، کمی پایین تر ، با کف کرکی یا برعکس ، کاملاً صاف باشند.

اما نکته اینجاست: یک توتو کلاسیک یک تخت پروکروستی واقعی است. کوچکترین نقص در شکل، زانوهای ضعیف و عدم تمرین را نشان می دهد.

حتی چیزی مانند " بالرین غیر توتو" معمولاً این یک بالرین با اندام نه چندان بلند، پاهای نامنظم یا شکلی است که فراتر از حد مجاز است - در یک کلام، منحنی. یک "بالرین غیر توتو" را می توان بالرینی نیز نامید که نقش آن شخصیت های نیمه کاراکتر براوورا یا برعکس، نقش های عاشقانه است. یعنی کیتری، ژیزل، لا سیلفید، اما نه اودت-اودیل یا نیکیا. بارزترین نمونه های "بالرین های غیر توتو" ناتالیا اوسیپووا و دیانا ویشنووا هستند.

دیانا ویشنووا

ناتالیا اوسیپووا

آنها توانستند از نقشی که برای آنها تعیین شده بود پا را فراتر بگذارند و حتی در توتوهایی که آنها را به خوبی تزئین نکرده بودند عالی به نظر می رسند - این کاری است که کاریزما با هنرمندان می کند! به هر حال ، اوسیپووا بحث برانگیز ، بهترین کیتری در جهان ، اخیراً در "دریاچه قو" ظاهر شد - به نظر می رسد نقش اودت-اودیل برای او منع مصرف دارد. و هیچ چیز، بسیاری گریه کردند)

توتو رمانتیک یا "چوپینکا"- دامن توری بلند. این اوست که مسئول ایجاد تصاویر خارق العاده "دنیای دیگر" است - روح ژیزل متوفی ، روح زیبای سیلفید. و تصور آپوتئوز باله عاشقانه "Chopiniana" بدون این دامن های هوای شگفت انگیز کاملاً غیرممکن است - آنها توهم پرواز ، هوا ، آزادی و غیر واقعی بودن مطلق آنچه را که اتفاق می افتد ایجاد می کنند.

دامن کرکی بلند، البته، پاهای بالرین را پنهان می کند. این امر از یک طرف حواس را از کاستی های احتمالی منحرف می کند و از طرف دیگر همه توجه را به سمت پاها جلب می کند. اما باله‌های عاشقانه پر از تکنیک‌های خوب و پاهای زشت و غیر کارآمد هستند که تا حدودی حال و هوای رمانتیک را از بین می‌برند.

همچنین چنین مفهومی وجود دارد تن پوش یا تن پوش- این همان توتو، دامن باله است.

کیتون- این یک دامن تک لایه است که اغلب از نوعی پارچه ابریشمی ساخته می شود. به عنوان مثال نقش ژولیت در یک کیتون اجرا می شود.

توتوس، chopinki، تونیک و غیره. وجود دارد هم صحنه و هم تمرین.

اگر لباس، به عنوان مثال، اودت، که در آن بالرین روی صحنه می رود، یک کل واحد باشد - یعنی قسمت بالایی (تنه) و قسمت پایینی (در واقع توتو) به هم دوخته شده باشد، لباس تمرین فقط است. یک دامن با "شلوار" که روی شلوار تمرین قرار می گیرد (چوپینکا - بدون شورت، فقط یک دامن با یوغ).

توتوس تمرینی از لایه های کمتری تشکیل شده است.

ممکن است بپرسید چرا در تمرین لباس توتو بپوشید؟ از این گذشته ، کنار آمدن با استاندارد کاملاً امکان پذیر است لباس های تمرین- شلوار و مایو. اما قطعاً باید تمرین کنید که بالرین بعداً روی صحنه چه خواهد پوشید - به این ترتیب می توانید مطمئن شوید که دامن بالا نمی رود، شریک زندگی آن را نمی گیرد تا الگوی کلی رقص را کنترل کنید.

ماریا تاگلیونی - سهم او در تاریخ لباس باله.

قبل از کفش های پوینت، آنها با کفش های پاشنه بلند به مد دوران لویی شانزدهم یا با صندل های یونانی می رقصیدند. بالرین ها در تلاش برای هواپذیری، روی انگشتان پا بلند شدند (از این رو اصطلاح sur les pointes، برای رقصیدن روی انگشتان پا بلند شدند): برای انجام این کار، آنها قطعات چوب پنبه را در کفش های خود قرار دادند. این ترفند همراه با درازهایی که به "پرواز" بر فراز صحنه کمک می کرد، در سال 1796 توسط چارلز دیدلو فرانسوی استفاده شد. او به همراه کارلو بلاسیس ایتالیایی که این تکنیک رقص را در کتاب "رقص ترپسیکور" توصیف کرد، به اختراع کفش های پوینت نسبت داده می شود. اولین بالرینی که در سال 1830 باله "Zephyr and Flora" را فقط روی کفش های پوینت می رقصد، ماریا تاگلیونی ایتالیایی در نظر گرفته می شود. پس از تور در سن پترزبورگ، طرفداران کفش های او را خریدند و... با سس خوردند. «آیا عبارت «گوشت مانند کف» که اغلب در رستوران‌ها می‌شنویم از اینجا نشأت می‌گیرد؟» - مورخ باله فکری الکساندر پلشچف.

افسانه ای وجود دارد: وقتی ماریا تاگلیونی از مرز روسیه عبور کرد، در گمرک از او پرسیدند: "خانم، جواهرات شما کجا هستند؟" تاگلیونی دامن هایش را بلند کرد و با اشاره به پاهایش گفت: "اینجا هستند." بله، پاهای او واقعا الماس بود و رقص او به معنای واقعی کلمه تماشاگران را از خوشحالی به گریه انداخت. تاگلیونی برای اولین بار در سال 1837 در برابر مخاطبان سنت پترزبورگ ظاهر شد. این یک موفقیت نبود، بلکه یک پیروزی بود. نام او چنان محبوبیت یافت که کارامل «تاگلیونی»، والس «بازگشت ماریا تاگلیونی» و حتی کلاه «تاگلیونی» ظاهر شد، اما ماریا تاگلیونی علاوه بر کفش‌های پوینت باله، هنر و تماشاگران را با تازگی نیز عرضه کرد برای اولین بار در باله "La Sylphide" ارائه شد - یک توتو سفید برفی که به زودی به نمادی از باله عاشقانه تبدیل شد. این "ابر گاز" توسط هنرمند و طراح مد یوجین لامی اختراع شد. تونیک سبک و بی وزن که به شکل یک گل نیمه دمیده بود، نه تنها به رقصنده کمک کرد تا پرش های بی وزن اما از نظر فنی دشوار را انجام دهد، بلکه به نظر می رسید که نوری خاص و غیرمعمول از خود ساطع می کند که برای باله رمانتیک ضروری است. درست است، تصویری که تاگلیونی روی صحنه تجسم کرد، مدتها قبل از نمایش، توسط همه مجلات مد به زنان پاریسی ارائه شد. شانه های باز، جریان های روان پارچه سبک، جدایی خاص.

اما شیک پوشان پاریسی به نوبه خود، شال هوادار او را از قهرمان باله قرض گرفتند: روی شانه ها انداخته شد و روی بازوها افتاد، ظاهری غمگین به سیلوئت خانم داد، مانند یک سیلف که در پرواز متوقف شده است چیزی که در هنر تاگلیونی، که در 23 آوریل 1804 استکهلم به دنیا آمد، رقص او بود. او در سن هشت سالگی شروع به تسلط بر اصول اولیه رقص کرد و اولین بازی او در 1 ژوئن 1822 در تئاتر وین به عنوان نیمف در باله "پذیرایی از پوره جوان در دادگاه ترپسیکور" که توسط او به صحنه رفت انجام شد. پدر معاصران تاگلیونی می گویند که پس از درس روزانه ای که پدرش به او می داد، او اغلب بیهوش روی زمین می افتاد. با این کار خونین، او جشن نیم ساعته عصر را گرفت.

داستان سیلف، روح هوا، اسرارآمیز و زیبا، که با عشق به یک جوان زمینی، هم خود و هم او را نابود می کند، معلوم شد که نقطه به کارگیری تمام نیروهای خلاق پدر و دختر است. لباس! در La Sylphide بود که به کمال رسید و تا به امروز بدون تغییر باقی مانده است. هنرمند و طراح مد مشهور E. Lamy در ساخت آن نقش داشته است که از پارچه سبک وزن چند لایه برای ایجاد یک تونیک کرکی و در عین حال بدون وزن یا به قول روسیه توتو استفاده کرده است.

علاوه بر دامن هوادار و زنگوله‌ای، بال‌های شفاف روشن به بند‌های بدن پشت شانه‌های تاگلیونی وصل شده بود. این جزییات نمایشی اکنون مانند یک افزوده کاملاً طبیعی به شکل سیلف به نظر می رسد، که به همان اندازه قادر است به هوا بلند شود و به میل او به زمین بیفتد. سر مریم صاف شانه شده بود و با یک تاج سفید ظریف تزئین شده بود.

برای اولین بار در La Sylphide، تاگلیونی نه روی انگشتان پا، بلکه با کفش های پوینت رقصید، که توهم لمس سبک و تقریباً تصادفی را به سطح صحنه ایجاد کرد. این یک ابزار جدید برای بیان بود - تماشاگران سیلفید و دوستانش را دیدند که به معنای واقعی کلمه در بالای زمین شناور بودند.

تاگلیونی از نور مهتاب بافته شده بود و صحنه را به طرز مرموزی روشن می کرد. تماشاگران ناخواسته خود را روی صندلی‌هایشان فشار دادند و احساس تحسین‌کننده‌ای نگران‌کننده از غیرواقعی بودن آنچه در حال رخ دادن بود غرق شدند: بالرین پوسته انسانی خود را گم کرده بود - او در هوا شناور بود. این خلاف شهود بود.

در مجموع، La La Sylphide با Taglioni رویدادی با طنین بود که فقط طوفان های اجتماعی و نبردهای بزرگ می توانند ادعا کنند. مردم یک شوک واقعی را تجربه کردند و از نزدیک دیدند که استعداد چیست. اما بخش سیلفید با هر گونه اثرات فنی بیگانه بود. اما این دقیقاً انقلاب آرام تاگلیونی بود - تغییر در دستورالعمل ها، ترجیحات، در پیروزی رمانتیسیسم به عنوان یک دوره جدید در رقص. چند سال از آن زمان می گذرد، صحنه چقدر تشویق می کند، زمانی که به نظر می رسید با یک جهش نور، سیلفید برای همیشه از بین خواهد رفت!

در سال 1832، ماریا با کنت دووازن ازدواج کرد، اما همچنان به استفاده از نام خانوادگی خود ادامه داد و صحنه را رها نکرد. او در سال 1847 تئاتر را ترک کرد و عمدتاً در ایتالیا و در ویلاهای خود زندگی کرد. ماریا در دو سال اول ازدواج دو فرزند به دنیا آورد: یک پسر و یک دختر. او درس باله داد. او یک بار دیگر در پاریس ظاهر شد، اما فقط برای تشویق شاگردش اما لوی، ستاره نوظهوری که سنت‌های باله کلاسیک را احیا کرده بود و مدتی با خروج تاگلیونی فراموش شده بود. او برای همان اولین بازیگر باله "پروانه" را نوشت.

ماریا تاگلیونی در سال 1884 در مارسی درگذشت و در گورستان پرلاشز به خاک سپرده شد. روی سنگ قبر نوشته زیر وجود دارد: «زمین، خیلی به آن فشار نیاورید، زیرا به راحتی روی شما راه می‌رفت).

کفش های پوینت

در ادامه کاوش در اینترنت برای مطابقت با کلمه جستجوی "باله"، به منبع مورد علاقه خود Gey.ru برخوردم، که ساکنان آن، همانطور که معلوم است، واقعاً باله را دوست دارند. و توجه زیادی به او می کنند.
در اینجا چیزی است که من در مورد جالب ترین (و بیش از یک بار بحث شده) موضوع لباس باله کشف کردم.

لباس باله مردانه: از لباس مجلسی و شلوار تا برهنگی کامل

برای مردانی که لباس باله دارند، همه چیز با چنان پیچ و تاب شروع شد که امروزه حتی نمی توان تصور کرد که چگونه در چنین لباس هایی نه تنها می توان رقصید، بلکه به سادگی در صحنه حرکت کرد. اما رقصندگان خود را مبارزان واقعی برای رهایی کامل بدن از قیدهای پارچه ای نشان دادند. درست است، راهی که آنها باید طی می کردند تا تقریباً برهنه در برابر تماشاگران ظاهر شوند و فقط "شرم" خود را با یک برگ انجیر به نام بانداژ یا حتی برهنه پوشانده بودند ، طولانی ، خاردار و رسوا شد.
دامن روی قاب
یک رقصنده در روزهای اولیه باله چگونه بود؟ صورت این هنرمند با ماسکی پنهان شده بود؛ سرش با یک کلاه گیس بلند با موهای کرکی تزئین شده بود که انتهای آن به پشتش می افتاد. یک روسری باورنکردنی دیگر بالای کلاه گیس گذاشته شد. پارچه های کت و شلوار سنگین، متراکم و سخاوتمندانه پرز بودند. رقصنده با دامنی با فریمی که تقریباً تا زانو می رسید و با کفش های پاشنه بلند روی صحنه ظاهر شد. روپوش هایی از طلا و نقره که از پشت تا پاشنه بلند می شد، در لباس مردان نیز استفاده می شد. خوب، فقط یک درخت کریسمس، فقط با لامپ های چند رنگ نمی درخشد.
در پایان قرن 18، لباس باله به تدریج شروع به تغییر کرد، سبک تر و ظریف تر شد. دلیل آن تکنیک رقص پیچیده تر است که نیاز به رهایی بدن مرد از لباس های سنگین دارد. نوآوری های لباس، مثل همیشه، توسط ترندست - پاریس دیکته می شود. نوازنده اصلی اکنون یک کیتون یونانی و صندل می پوشد که بند آن دور مچ پا و پایه ساق پاهای برهنه او می پیچد. یک رقصنده ژانر نیمه کاراکتر با لباس مجلسی کوتاه، جوراب شلواری و جوراب بلند اجرا می کند، رقصنده ای با نقش مشخص یک پیراهن تئاتری با یقه باز، یک ژاکت و شلوار می پوشد. در نیمه دوم قرن هجدهم چنین ویژگی مهمی در لباس مردان ظاهر شد که اتفاقاً تا به امروز به عنوان جوراب شلواری گوشتی باقی مانده است. این اختراع شگفت انگیز به طراح لباس اپرای پاریس، ماگلیو نسبت داده می شود. اما بعید است که این موسیو با استعداد تصور کند که محصول محکم بافتنی او در قرن بیستم به چیزی کشسان تبدیل شود.
آلبرت بدون شلوار
همه چیز در چارچوب سنت ها و نجابت پیش می رفت تا اینکه مصلح بزرگ تئاتر باله و تحسین کننده پرشور بدن مرد داغ سرگئی دیاگیلف به جهانیان نشان داد کار خود - فصول روسیه دیاگیلف. همه چیز از اینجا شروع شد - رسوایی ها، سر و صدا، هیستری و انواع داستان هایی که هم با خود دیاگیلف و هم با دوستدارانش مرتبط است. از این گذشته ، اگر قبلاً یک بالرین روی صحنه سلطنت می کرد و رقصنده نقش یک جنتلمن مطیع را با او بازی می کرد - هنگام چرخش به او کمک می کرد تا سقوط نکند ، او را بالاتر می برد تا به باله ها نشان دهد که زیر دامن او چیست. ، سپس دیاگیلف رقصنده را شخصیت اصلی اجراهای خود می کند.
رسوایی با صدای بلند، که نه با گرایش جنسی خاص دیاگیلف، بلکه صرفاً با لباس صحنه او مرتبط است، در سال 1911 در نمایش "ژیزل" رخ داد، که در آن واسلاو نیژینسکی، معشوق رسمی دیاگیلف، کنت آلبرت را رقصید. رقصنده هر چیزی را که برای نقش مورد نیاز بود پوشیده بود - جوراب شلواری، پیراهن، ژاکت کوتاه، اما شورت نداشت، که در آن زمان برای یک رقصنده اجباری بود. و بنابراین ، باسن های رسا نیجینسکی با اشتها آور صریح خود به تماشاگران ظاهر شد که باعث خشم ملکه ماریا فدوروونا شد که در اجرا حضور داشت. داستان رسوایی با اخراج نیژینسکی "به دلیل نافرمانی و بی احترامی" به صحنه امپراتوری به پایان رسید. اما جستجوهای رقص این هنرمند متوقف نشد، او به مبارزه خود برای آزادی بدن در رقص ادامه داد. در همان سال، نیجینسکی در باله "شبح گل رز" در لباس طراحی شده توسط Lev Bakst ظاهر می شود که مانند یک دستکش به چهره او می آید. کمی بعد، در "بعد از ظهر یک فاون"، رقصنده نیجینسکی با چنین کتانی جسورانه روی صحنه ظاهر می شود که امروز هنوز هم مدرن و جذاب به نظر می رسد. درست است، همه این افشاگری ها در خارج از مرزهای بومی، اما روسیه سرسخت ما اتفاق می افتد.

این کلمه شیرین بانداژ است
در دهه پنجاه، موریس بژارت، یک جادوگر رقص که بدن، به ویژه بدن مردانه را بت می کرد، لباسی جهانی برای یک رقصنده و یک رقصنده ارائه کرد: دختری با جوراب شلواری مشکی، مردی جوان با جوراب شلواری و نیم تنه برهنه. سپس لباس مرد جوان بهبود می یابد و مرد جوان تنها در یک باند باقی می ماند. اما در اتحاد جماهیر شوروی، همانطور که می دانید، رابطه جنسی وجود نداشت. او روی صحنه باله هم نبود. بله، البته، عشق وجود داشت، اما عشق خالص - "چشمه باخچیسارای"، "رومئو و ژولیت"، اما بدون صراحت. این موضوع در مورد کت و شلوار مردانه نیز صدق می کرد. رقصنده شلوارک تنگ، روی آن یک جوراب شلواری، و بالای جوراب شلواری نیز شلوار نخی پوشیده بود. حتی اگر از قوی ترین تلسکوپ هم نگاه کنید، نمی توانید هیچ زیبایی را ببینید. با این وجود، در سرزمین پدری شوروی جسوران بی شرمی وجود داشتند که نمی خواستند چنین لباسی را تحمل کنند. آنها می گویند که در یکی از اجراهای تئاتر کیروف (مارینسکی) در سال 1957، رقصنده برجسته واختانگ چابوکیانی به شیوه ای بسیار آشکار روی صحنه ظاهر شد: با جوراب شلواری سفید که مستقیماً روی بدن برهنه او پوشیده شده بود. موفقیت از تمام محدودیت های قابل تصور فراتر رفته است. آگریپینا واگانوا، معلم برجسته باله، با زبان تند، با دیدن رقصنده، رو به کسانی کرد که با او در جعبه نشسته بودند و با کنایه گفت: "حتی بدون چشمی هم چنین دسته گلی را می بینم!"
یکی دیگر از رقصندگان کیروفسکی راه چابوکیانی را دنبال کرد، که در آن زمان هنوز یک مخالف باله و همجنسگرای مشهور جهانی نبود، بلکه فقط یک تکنواز تئاتر، رودلف نوریف بود. او دو عمل اول دن کیشوت را با لباس سنتی مجاز مقامات شوروی رقصید - در جوراب شلواری که روی آن شلوار کوتاه با پف پوشیده بود. قبل از اجرای سوم، یک رسوایی واقعی در پشت صحنه رخ داد: هنرمند می خواست فقط یک کتانی تنگ سفید را روی یک باند مخصوص باله بپوشد و شلوار نداشته باشد: "من به این آباژورها نیازی ندارم." مدیریت تئاتر با تلاش برای متقاعد کردن نوریف، زمان را برای یک ساعت تمدید کرد. وقتی پرده در نهایت باز شد، حضار شوکه شدند: همه فکر کردند که او فراموش کرده است شلوارش را بپوشد.
رودولف عموماً برای برهنگی حداکثری تلاش می کرد. در "کورسیر" او با سینه برهنه ظاهر شد و در "دن کیشوت" یک پلنگ فوق العاده لاغر توهم پوست برهنه را ایجاد کرد. اما این هنرمند به پتانسیل کامل خود در خارج از میهن شوروی رسید. بنابراین، در «زیبای خفته»، که او برای باله ملی کانادا روی صحنه برد، نوریف در یک شنل تا زمین پیچیده شده ظاهر می شود. سپس پشت به حضار می کند و به آرامی، شنل خود را پایین می آورد تا درست زیر باسنش یخ بزند.

بین پاها یک شانه کت قرار دارد
هنرمند تئاتر آلا کوژنکووا می گوید:
- ما یک اجرای باله انجام دادیم. در حالی که کت و شلوار می پوشد، خواننده اصلی به من می گوید که کت و شلوار را دوست ندارد. من نمی توانم بفهمم چه مشکلی دارد: همه چیز خوب است، او در این کت و شلوار عالی به نظر می رسد ... و ناگهان به من می رسد - او از کادو خوشش نمی آید، به نظر می رسد که خیلی کوچک است. روز بعد به خیاط می‌گویم: «لطفا شانه کت را بردارید و داخل پانسمان کنید.» او به من گفت: "چرا؟" به او گفتم: "گوش کن، می دانم چه می گویم، او از آن خوشش خواهد آمد." در برنامه بعدی، رقصنده همان لباس را می پوشد و با خوشحالی به من می گوید: "می بینی، خیلی بهتر شده است." و بعد از یک ثانیه اضافه می کند: "اما به نظر من که شما شانه یک زن را وارد کرده اید، اما کوچک است ... باید کتف یک مرد را وارد کنید." به سختی می‌توانستم جلوی خنده‌ام را بگیرم، اما همانطور که او خواست انجام دادم. خیاط یک شانه را از آستین راگلان کت یک مرد به یک باند دوخت. این هنرمند در آسمان هفتم بود.
روزی روزگاری پای خرگوش را وارد می کردند، اما اکنون دیگر مد نیست - فرمت مناسبی نیست، اما یک شانه کت همان چیزی است که شما نیاز دارید.
نوریف در برهنگی در لنینگراد پیشگام بود و ماریس لیپا در مسکو با او مسابقه داد. او مانند نوریف بدن خود را می پرستید و به همان اندازه قاطعانه آن را آشکار می کرد. این لیپا اولین کسی بود که در پایتخت با بانداژی که زیر جوراب شلواری پوشیده بود روی صحنه رفت.
مرد یا زن؟
اما جالب ترین چیز این است که مردان در قرن بیستم نه تنها سعی می کردند تا حد ممکن بدن خود را در معرض دید قرار دهند، بلکه آنها را نیز بپوشانند. برخی به خصوص لباس های باله زنانه را دوست داشتند. با ایجاد باله مردانه توسط والری میخائیلوفسکی، که رقصندگان آن با جدیت تمام رپرتوار زنان را در لباس های زنانه واقعی اجرا کردند، شوک واقعی در روسیه ایجاد شد.
- والری، چه کسی ایده ایجاد چنین گروه غیرمعمولی را مطرح کرد؟ - از میخائیلوفسکی می پرسم.
- ایده متعلق به من است.
- امروزه تحت تاثیر قرار دادن مردم با چیزی دشوار است، اما رقص های زن و مرد شما، به اصطلاح، ده سال پیش، زمانی که گروه ظاهر شد، چگونه درک می شد. آیا شما به خشم همجنسگرایان متهم شده اید؟
- بله، آسان نبود. انواع و اقسام شایعات وجود داشت. با این وجود تماشاگران با کمال میل از ما استقبال می کنند. و هیچ اتهامی به همجنس گرایی وجود نداشت. اگرچه هرکسی آزاد است که فکر کند و ببیند چه می خواهد. قرار نیست کسی را متقاعد کنیم.
- قبل از باله مردانه شما، آیا چیزی مشابه در دنیای رقص وجود داشت؟
- یک گروه در نیویورک به نام باله تروکادرو د مونت کارلو وجود دارد، اما کاری که آنها انجام می دهند کاملاً متفاوت است. آنها یک تقلید خام از رقص کلاسیک دارند. ما همچنین باله را تقلید می کنیم، اما به عنوان یک حرفه ای این کار را انجام می دهیم.
- آیا می خواهید بگویید که به تکنیک رقص کلاسیک زنان تسلط کامل دارید؟
- در مجموع ما در ابتدا تلاشی برای جایگزینی زنان در باله نداشتیم. زن آنقدر زیباست که ارزش تجاوز به او را ندارد. و مهم نیست که یک مرد چقدر ظریف، ظریف و پلاستیکی باشد، باز هم هرگز آنطور که یک زن می رقصد نخواهد رقصید. بنابراین، بخش های زنانه را باید با طنز رقصید. این چیزی است که ما نشان می دهیم.
اما در ابتدا، البته، تسلط بر تکنیک زنان ضروری بود.
- پسران شما چه سایز کفشی دارند؟ مرد یا زن؟
- از چهل و یک تا چهل و سه. و این نیز یک مشکل بود - کفش‌های باله زنانه با این اندازه در طبیعت وجود ندارند، بنابراین آنها به سفارش ما ساخته شده‌اند. به هر حال، هر یک از رقصندگان بلوک نام خود را دارند.
- چگونه دارایی های مردانه خود را پنهان می کنید - ماهیچه ها، موهای سینه و انواع جزئیات تلخ دیگر؟
- ما چیزی را پنهان نمی کنیم و سعی نمی کنیم افکار عمومی را گمراه کنیم. در مقابل، تأکید می کنیم که این زنان نیستند که قبل از آنها صحبت می کنند، بلکه مردان هستند.
- و با این حال، کسی را می توان فریب داد. حتماً قسمت های خنده دار زیادی وجود داشته است؟
- بله همین کافی بود. به نظر می رسد در پرم بود. بچه ها که از قبل آرایش کرده اند و کلاه گیس به سر دارند، قبل از شروع اجرا روی صحنه گرم می شوند و من پشت صحنه می ایستم و گفتگوی دو خانم نظافتچی را می شنوم. یکی به دیگری می گوید: "گوش کن، آیا تا به حال چنین بالرین های بزرگی دیده ای؟" که او پاسخ می دهد: "نه، هرگز، اما آیا می شنوی با چه صدای باس صحبت می کنند؟" - "چرا تعجب کن، همه دودی هستند."
- و هیچ یک از تماشاگران مرد به هنرمندان شما پیشنهاد ازدواج ندادند؟
- نه درست است، یک روز یکی از تماشاگران که پول زیادی برای بلیت پرداخت کرده بود، به پشت صحنه آمد و از آنها خواست که به او ثابت کنند که قبل از او زن ها نبودند، بلکه مردها بودند و از سالن نگاه می کرد، او می تواند مشخص نیست
- و چگونه این را ثابت کردی؟
- بچه ها قبلاً بدون آرایش بودند، بدون توتو، و او همه چیز را فهمید.
همه چیز فیلمبرداری شده است
در واقع، امروز شما بینندگان را با هیچ چیز غافلگیر نخواهید کرد: نه مردی با لباس تن پوش، نه تنگ‌ترین شلوار، نه حتی بانداژ. اگر فقط با بدنی برهنه... امروز، بیشتر و بیشتر، بدن برهنه در گروه هایی ظاهر می شود که رقص مدرن را مدعی هستند. این یک نوع طعمه و اسباب بازی اغوا کننده است. بدن برهنه می تواند غمگین، رقت انگیز یا بازیگوش باشد. گروه آمریکایی «مردان رقصنده تد شاون» چندین سال پیش چنین شوخی را در مسکو بازی کرد. جوانان روی صحنه ظاهر شدند، با لباس های متواضعانه زنانه کوتاهی که شبیه لغزش بود. به محض اینکه رقص شروع شد، تماشاگران به وجد رفتند. واقعیت این است که مردان زیر دامن خود چیزی نداشتند. تماشاگران، در آرزوی دیوانه وار برای دیدن بهتر خانواده مرد ثروتمندی که ناگهان به روی آنها باز شد، تقریباً از صندلی خود به پرواز درآمدند. سر تماشاگران مشتاق بعد از رقص پیروئت‌ها چرخید و به نظر می‌رسید که چشمانشان از چشمی‌های دوربین دوچشمی بیرون بزند که در یک لحظه در صحنه‌ای که رقصنده‌ها در رقص شیطنت‌آمیز خود از صمیم قلب غوغا می‌کردند، دفن شدند. هم خنده‌دار و هم هیجان‌انگیز بود، قوی‌تر از باحال‌ترین استریپ‌تیزها.
ولادیمیر مالاخوف، هموطن سابق و ستاره بین المللی ما، در یکی از باله ها کاملاً برهنه اجرا می کند. به هر حال، زمانی که ولادیمیر هنوز در مسکو زندگی می کرد، دقیقاً به دلیل گرایش جنسی غیر سنتی اش در ورودی خانه خود به شدت مورد ضرب و شتم قرار گرفت (به طوری که مجبور شد روی سرش بخیه بزند). اکنون مالاخوف در سراسر جهان از جمله کاملا برهنه می رقصد. او خودش معتقد است که برهنگی تکان دهنده نیست، بلکه تصویری هنرمندانه از باله ای است که در آن می رقصد.

در پایان قرن بیستم، بدن در مبارزه برای آزادی خود، کت و شلوار را شکست داد. و این طبیعی است. بالاخره اجرای باله چیست؟ این رقص بدن هایی است که بدن تماشاگران را بیدار می کند. و بهتر است که چنین نمایشی را با بدن خود تماشا کنید، نه با چشمان خود. برای این بیداری بدنی مخاطب است که بدن رقصنده به آزادی کامل نیاز دارد. پس زنده باد آزادی!
مقاله از منبع اطلاعات www.gay.ru گرفته شده است.