منو
صفحه اصلیداروها و داروها

هنر معاصر: ایالات متحده آمریکا دایره المعارف مدرسه هنرمندان معاصر آمریکایی

هر کشوری قهرمانان هنر معاصر خود را دارد که نام‌های آن‌ها شناخته شده است، نمایشگاه‌هایشان انبوهی از طرفداران و افراد کنجکاو را به خود جذب می‌کند و آثارشان به مجموعه‌های خصوصی فروخته می‌شود.

در این مقاله شما را با محبوب ترین هنرمندان معاصر در ایالات متحده آشنا می کنیم.

ایوا موریس

هنرمند آمریکایی ایوا موریس در خانواده ای پرجمعیت به دور از هنر متولد شد و پس از مدرسه تحصیلات هنری خود را دریافت کرد. او مدرک لیسانس خود را در رشته هنر از دانشگاه نیومکزیکو در سال 1981 دریافت کرد. امروزه ایوا بیش از 20 سال است که به هنر مشغول است، آثار او هم در داخل و هم در خارج از کشور شناخته شده است و بارها جوایز و جوایز را برای او به ارمغان آورده است. می توانید آنها را در گالری های آلبوکرکی، سانته فه، نیومکزیکو و مادرید ببینید.



وارن چانگ

اورن چنگ که در سال 1957 در کالیفرنیا به دنیا آمد، مدرک BFA در نقاشی را از کالج طراحی پاسادنا دریافت کرد و 20 سال بعد را به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف گذراند و کار خود را به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009 آغاز کرد. سبک نقاشی چنگ ریشه در آثار هنرمند قرن شانزدهم یوهانس ورمیر دارد - وارن چنگ به شیوه ای واقع گرایانه کار می کند و دو دسته اصلی را ایجاد می کند: نقاشی های داخلی بیوگرافی و نقاشی هایی که افراد را در حال کار به تصویر می کشند. در حال حاضر در آکادمی هنر در سانفرانسیسکو تدریس می کند.



کریستوفر تریدی اولریش

کریستوفر اولریش، هنرمند لس آنجلسی، یک سوررئالیست با گرایش شمایل نگاری است. آثار او تا حد زیادی تحت تأثیر اساطیر باستان بود. اولین نمایشگاه انفرادی اولریش (مشترک با هنرمند بیلی شایر) در ژوئن 2009 برگزار شد.

مایکل دیور

مایکل دیور، هنرمند جوان و اهل اوکلاهاما سیتی، به سنت رئالیستی کلاسیک کار می کند. او با کمک و حمایت خانواده اش به هنر آمد و جوایز متعددی را در ایالت خود قبل از تحصیل در رشته هنرهای زیبا در دانشگاه پپردین در مالیبو به دست آورد. سپس این هنرمند تحصیلات خود را در ایتالیا ادامه داد. در حال حاضر آثار او در سراسر جهان به نمایش گذاشته شده و در مجموعه‌های خصوصی موجود است. مایکل دیور عضو نقاشان روغن آمریکا، انجمن بین المللی رئالیسم، انجمن ملی نقاشان رنگ روغن و اکریلیک و انجمن نقاشان پرتره آمریکا است.


مری کارول کنی

مری کارول کنی در سال 1953 در ایندیانا به دنیا آمد. او از نظر تحصیلات بسیار مبهم با هنرهای زیبا مرتبط است، اما از سال 2002، به دلیل تمایل به هنرمند شدن، شروع به گذراندن کلاس های مجسمه سازی و سرامیک در کالج شهر سانتا باربارا کرد و سپس با ریکی شتریخ شروع به تحصیل کرد. امروز او عضو The Santa Barbara Art Ass، انجمن صنفی مجسمه‌سازان سانتا باربارا و برنده جوایز بسیاری در مجسمه‌سازی و نقاشی است.




پاتریشیا واتوود

هنرمند رئالیست پاتریشیا واتوود در سال 1971 در میسوری به دنیا آمد. او با افتخار از آکادمی هنرهای زیبا فارغ التحصیل شد، در کارگاه جیکوب کالینز و تد ست جیکوبز تحصیل کرد. سبک این هنرمند کلاسیک مدرن است: اسطوره ها، تمثیل ها و زندگی مدرن در نقاشی های او در هم تنیده شده اند. در چند سال گذشته، پاتریشیا در سراسر کشور درباره کلاسیک گرایی سخنرانی کرده است و اکنون با خانواده اش در بروکلین زندگی می کند.


پائولا روبینو

پائولا روبینو، هنرمند و نویسنده معاصر آمریکایی، در سال 1968 در نیوجرسی به دنیا آمد و در فلوریدا بزرگ شد. دکترای حقوق دارد. در دهه 90 به مکزیک نقل مکان کرد و روی نقاشی تمرکز کرد. او هنر طراحی را در ایتالیا خواند و در آنجا اولین رمان خود را به پایان رساند. مجموعه ای از داستان های کوتاه او نیز منتشر شده است. در حال حاضر در فلوریدا زندگی می کند.


پاتسی والدز

پتسی والدز در سال 1951 در لس آنجلس به دنیا آمد و در مؤسسه هنری اوتیس هنرهای زیبا را آموخت و در آنجا فارغ التحصیل ممتاز کلاس سال 1980 نام گرفت. در سال 2005، والدز نشان و عنوان لاتین برتر در هنرهای فرهنگی را از انجمن اسپانیایی کنگره ایالات متحده دریافت کرد. او در اوایل کار خود در حالی که با گروه هنری آوانگارد ASCO کار می کرد به شهرت رسید. او دریافت کننده جوایز معتبر بسیاری است، از جمله جوایز اعطا شده توسط J. Paul Getty Trust for the Visual Arts و National Endowment for the Arts. او فلوشیپ برودی در هنرهای تجسمی دریافت کرد. نقاشی های والدز بخشی از چندین مجموعه بزرگ است.



سینتیا گریلی

هنرمند سینتیا گریلی مدرک BFA را از مدرسه طراحی رود آیلند در سال 1992 و مدرک MFA در نقاشی را از آکادمی هنر نیویورک تا سال 1994 دریافت کرد. آثار او در نشریات متعدد ایالات متحده منتشر شده است، در سراسر کشور به نمایش گذاشته شده است و در مجموعه های خصوصی و شرکتی در آمریکا و اروپا گنجانده شده است. سینتیا دو بار از بنیاد الیزابت گرین شیلدز دریافت کرده است.




اریک فیشل

اریک فیشل در سال 1948 در نیویورک متولد شد. در سال 1972 از موسسه هنر کالیفرنیا فارغ التحصیل شد و مدرک لیسانس گرفت. پس از فارغ التحصیلی مدتی به عنوان نگهبان در موزه هنرهای معاصر شیکاگو مشغول به کار شد. فیشل پس از نقل مکان به اسکاتلند، تدریس در کالج هنر و طراحی نوا اسکوشیا را آغاز کرد و مستقیماً شروع به نقاشی کرد. اولین نمایشگاه شخصی او در اسکاتلند برگزار شد. ژانرهای آثار او بسیار متنوع است، اما عمدتاً نقاشی فیگوراتیو، قسمت هایی از زندگی مدرن آمریکایی است.



6 نوامبر 2013

در اواسط قرن نوزدهم، منظره به ژانر غالب نقاشی آمریکایی تبدیل شد. بسیاری از هنرمندان آن زمان در گروه "مدرسه رودخانه هادسون" که شامل بیش از 50 نقاش منظره از دو نسل بود، متحد شدند.

مشهورترین هنرمند منظره ساز آمریکایی آن سال ها را می توان نام برد توماس کول (1801-1848),

در انگلستان متولد شد و در سن 17 سالگی به همراه پدر و مادرش به آمریکا رفت. او نقاشی را نزد یک هنرمند دوره گرد آموخت، خودآموخته بود، بسیار به سراسر کشور سفر کرد، از انگلستان و ایتالیا دیدن کرد،

اما او طبیعت آمریکا را بسیار زیباتر از طبیعت اروپایی می دانست.

نزدیک ترین چیز به سبک کول دوستش بود آشر دوران(1796-1886)، که کار خود را به عنوان یک گرافیست آغاز کرد،

اما پس از سفر با یکی از دوستانش در کوه های آمریکا، به مناظر علاقه مند شد و از زندگی نقاشی های زیادی کشید.

این هنرمند در حراجی در سال 2007 به یاد دوست فقید خود نقاشی کرد و برای آن 35 میلیون دلار پرداخت شد.

یکی از شخصیت های مرکزی مدرسه رودخانه هادسون بود کلیسای فردریک ادوین، که در 18 سالگی شاگرد کول شد.
او از بهار تا پاییز به سراسر کشور و جهان سفر کرد.

ابتدا به تنهایی و سپس با خانواده اش، اغلب پیاده، طرح هایی می ساخت و در زمستان نقاشی های بزرگ و درخشان خود را می کشید و با موفقیت می فروخت.

آلبرت بیرشتات(1830-1902) همچنین بسیار به سراسر کشور و اروپا سفر کرد، با کمال میل کوه های آلپ را نقاشی کرد، اما عشق واقعی او کوه های راکی ​​بود.

غرب وحشی، هندی ها

او با استفاده استادانه از جلوه نور و سایه توانست این عشق را بر روی بوم های بزرگ خود منتقل کند.

توماس موران(1926-1836)، در کودکی با والدینش از انگلستان مهاجرت کرد، در نوجوانی به عنوان شاگرد منبت کاری کار کرد و از سنین پایین شروع به نقاشی مناظر کرد.

او در دوران تحصیل در انگلستان بسیار تحت تأثیر آثار ویلیام ترنر و توانایی او در پرکردن بوم های نقاشی خود با نور قرار گرفت.
موران مناظر انگلستان، مناظر ونیز،

اما بیشتر آثار او به غرب وحشی و کوه‌های راکی ​​مورد علاقه‌اش اختصاص دارد. شرکت او در یک سفر اکتشافی به این منطقه و نقاشی‌های او به توسعه یلواستون به یک پارک ملی کمک کرد.

جان فردریک کنست(1816-1872)، نماینده "لومینیسم" * در نقاشی منظره آمریکایی مدرسه رودخانه هادسون. او اولین تحصیلات هنری خود را نزد پدرش و در کارگاه حکاکی او دریافت کرد، اما آرزوی نقاشی مناظر را داشت.

او به انگلستان می رود، سپس به فرانسه، نقاشی منظره هلندی و انگلیسی را تحسین می کند و در ایتالیا سفر می کند.

کنست با بازگشت به آمریکا، با ادامه نقاشی مناظر آرام پر از نور خالص و اجرا به شیوه ای بدیع، در میان مجموعه داران محبوبیت، موفقیت و ثروت به دست آورد.

جان اف فرانسیس(1808 -1906)، هنرمندی خودآموخته که به عنوان یک نقاش پرتره آغاز شد، به خاطر طبیعت بی جان خود شناخته شده است.

این پرتره بود که علاقه به جزئیات کوچک را در او بیدار کرد که او با موفقیت در کار خود توسعه داد.


طبیعت بی جان در آن زمان محبوب بود، نقاشی های فرانسیس مورد تقاضا بود و او به هنرمندی پیشرو در ژانر زندگی بی جان "رومیزی" تبدیل شد که میوه ها، آجیل، پنیر، کلوچه و سایر محصولات را به تصویر می کشد.

مارتین جانسون هید(1819-1904)، در خانواده یک انباردار متولد شد، همچنین به عنوان یک نقاش پرتره شروع کرد، روابط دوستانه ای با هنرمندان مدرسه رودخانه هادسون حفظ کرد و مناظر عاشقانه دریایی را نقاشی کرد.


در اروپا سفر کرد، در سواحل آمریکا سرگردان شد. پس از سفر در مناطق استوایی، موضوع اصلی کار او مناظر فلوریدا شد.


پرندگان گرمسیری (حدود 40 نقاشی به تنهایی با مرغ مگس خوار) و گل ها، به خصوص ماگنولیا.

او در طول زندگی خود به یک هنرمند شناخته شده و مشهور تبدیل نشد، اما امروزه آثار او را می توان در موزه های بزرگ و گاهی اوقات حتی در گاراژها و بازارهای کوچک پیدا کرد.

توماس ایکینز(1844-1916)، یکی از بنیانگذاران جنبش رئالیستی، نقاش، گرافیست، مجسمه ساز، عکاس، معلم،

او یکی از اولین کسانی بود که به تصویر کشیدن زندگی شهری در آمریکا روی آورد. او تحصیلات خود را در فیلادلفیا گذراند، آن را در پاریس ادامه داد، به دور اروپا سفر کرد، آثار استادان رئالیست اسپانیایی ولاسکوز و ریبرا و تأثیر نور و سایه در رامبراند را تحسین کرد.

از آنها بود که او یاد گرفت که یک بدن برهنه را در حال حرکت، درام اکشن در حال وقوع، و تضاد فضای داخلی تاریک را در یک پرتره با نور شدیدی که به سمت چهره و چهره می‌رود، به تصویر بکشد.

ایکینز در طول زندگی خود به رسمیت شناخته نشد، اما فرزندان بعدی سبک واقع گرایانه او را قدردانی کردند.

وینسلو هومر(1838-1910)، نقاش و حکاکی برجسته آمریکایی که به سبک رئالیستی کار می کرد.

او تحصیلات اولیه هنری خود را نزد مادرش که آبرنگ های با استعداد نقاشی می کرد، دریافت کرد و از او شخصیتی با اراده، اجتماعی و شوخ طبعی به ارث برد. او در طول جنگ داخلی به مدت 20 سال به عنوان تصویرگر کار کرد.

بلافاصله پس از جنگ، هومر به پاریس رفت و در آنجا به نقاشی مناظر و صحنه های زندگی شهری ادامه داد. اگرچه او به طور فعال از بازی نور در نقاشی های خود استفاده می کند که مشخصه امپرسیونیست ها است، اما هیچ مدرکی دال بر تأثیر آنها بر کار او وجود ندارد.

بیشترین شهرت او را نقاشی هایی با موضوعات دریایی برای او به ارمغان آورد.

صحنه هایی از زندگی روستایی، و از سفر به انگلستان، او نقاشی هایی آورد که در مورد زندگی دهکده های ماهیگیری، مناظر دریایی و آبرنگ ها صحبت می کرد.

او به طور گسترده در سراسر ایالات متحده و آمریکای مرکزی سفر می کند و مناظر گرمسیری و برفی، کودکان و حیوانات را نقاشی می کند. اعتقاد بر این است که هومر یکی از نسلی از هنرمندانی بود که مدرسه هنری آمریکایی خود را ایجاد کردند.

جیمز ویسلر(1834-1903)، در خانواده یک مهندس مشهور متولد شد.

در سن هشت سالگی به همراه پدر و مادرش به سن پترزبورگ نقل مکان کرد و در آنجا از پدرش برای کار در بخش راه آهن دعوت شد. در آنجا، ویسلر جوان ابتدا دروس خصوصی طراحی گرفت و در سن 11 سالگی وارد آکادمی امپراتوری هنر شد. مدتی با مادرش در لندن زندگی کرد و به تحصیل در رشته هنر، طراحی و جمع آوری کتاب در مورد نقاشی ادامه داد.

پس از مرگ پدرش بر اثر وبا، خانواده ویسلر به آمریکا بازگشتند، زندگی متواضعی داشتند و او وارد آکادمی نظامی در وست پوینت شد، اما نه از نظر جسمی، نه از نظر بیرونی و نه اخلاقی آماده یک حرفه نظامی نبود و اخراج شد. سپس با قاطعیت تصمیم گرفت که هنر آینده او باشد، شروع به خلق قلمزنی کرد، به پاریس رفت و دیگر به وطن خود بازنگشت. در آنجا ویسلر استودیویی در محله لاتین کرایه کرد، زندگی غیرمتعارفی داشت، سیگار می کشید و مشروب زیادی می نوشید، اما همچنین برای کسب درآمد، کپی هایی از نقاشی های استادان بزرگ لوور کشید، هنر خواند، کوربت و کوروت را پرستش کرد، گرافیک ژاپنی و شرقی را تحسین کرد. هنر به طور کلی

ویسلر پس از نقل مکان به لندن و شرکت موفقیت آمیز در نمایشگاه، به زودی نه تنها به عنوان یک هنرمند نامی برای خود دست و پا کرد، بلکه به لطف شوخ طبعی، حس لباس پوشیدن و سخاوتش، دوستان زیادی در میان هنرمندان و نویسندگان پیدا کرد. او برای مطالعه آثار استادان بزرگ سفر کرد و در سال 1869 شروع به امضای نقاشی های خود با یک مونوگرام - یک پروانه، کرد.

رنگ های مورد علاقه او خاکستری، مشکی و قهوه ای است. ویسلر «هنر به خاطر هنر» را موعظه می‌کرد، خالص، بدون محدودیت ایده‌ها، به جای عواطف، به احساسات هنری علاقه داشت و اغلب به نقاشی‌هایش عناوین موسیقی می‌داد.

اعتقاد بر این است که او در حال و هوای نقاشی هایش به امپرسیونیسم نزدیک بود، اما در طرح رنگ و جلوه های نوری نه.
در این اسلایدشو می توانید نقاشی های بیشتری از تمام هنرمندان ذکر شده را مشاهده کنید.

سرانجام، به موضوع مورد علاقه ام رسیدم - "امپرسیونیست ها"، اما این برای دفعه بعد است. ادامه دارد.

*لومینیسیم- جهتی در نقاشی منظره آمریکایی که با اشباع نور، استفاده از پرسپکتیو هوایی و پنهان کردن ضربه های قابل مشاهده مشخص می شود. (

اصل برگرفته از vanatik05 در نقاشی آمریکایی - 5 (سنت های واقع گرایانه در قرن بیستم)

در سال 1913، انجمن نقاشان و مجسمه سازان آمریکایی اولین نمایشگاه بزرگ بین المللی هنر مدرن را با نام Armory Show در اسلحه خانه گارد ملی در خیابان لکسینگتون ترتیب داد. این به رویداد مهمی در تاریخ هنر آمریکا تبدیل شد و احساسات متفاوتی را برانگیخت: تعجب، تحسین، خشم، پرستش و طرد کامل در میان مردم آمریکا، عادت به رئالیسم، تا حدی به امپرسیونیسم، اما نه به هنر آوانگارد اروپایی. که در این نمایشگاه دید. 1300 نقاشی، مجسمه و اثر تزئینی بیش از 300 هنرمند معاصر اروپایی و آمریکایی نه تنها از نیویورک، بلکه از شیکاگو و واشنگتن بازدید کردند.


نقدهای این نمایشگاه شامل اتهامات غیراخلاقی، غیرحرفه ای، جنون، حیله گری بود، بسیاری از آثار را کاریکاتور و تقلید نقاشی نامیدند و تئودور روزولت گفت: "این اصلاً هنر نیست!"

اما مقامات مدنی مداخله نکردند و سعی نکردند نمایشگاه را ببندند و رسوایی های پیرامون آن تنها به فروش موفق بسیاری از آثاری که امروزه در موزه های آمریکا دیده می شود کمک کرد و موما (موزه هنر مدرن) می تواند به طور کلی وارث و جانشین اولین نمایشگاه هنر معاصر در نظر گرفته شود.

این به طور غیرمستقیم بر هنرمندان جنبش واقع‌گرایانه تأثیر گذاشت و سنت‌های واقع‌گرایانه هرگز در آمریکا از بین نرفت، نه تنها به تغییرات در تکنیک‌ها و مضامین طراحی کمک کرد، بلکه حتی گرایش‌های جدیدی را در نقاشی به‌عنوان «رئالیسم جادویی» به وجود آورد.

و انشعاب آن «دقت‌گرایی»** است که مشخصه‌ی هنرمندان آمریکایی است.

و جنبش هنری "منطقه گرایی"*** (یا منطقه گرایی) در آمریکا متولد شد.

ما در مورد هنرمندان، نمایندگان جنبش های مختلف هنر رئالیستی در آمریکای قرن بیستم صحبت خواهیم کرد.

چارلز برچفیلد(۱۹۶۷-۱۸۹۳)، یکی از برجسته‌ترین آبرنگ‌نویس‌های آمریکا، که نقاشی‌های خود را با استفاده از تکنیک قلم مو روی سه‌پایه نقاشی می‌کرد، در اوایل (تا سال ۱۹۱۵) سبک نئورئالیستی خود را با ترکیب گرایش‌های مدرن، نقاشی سنتی چین و عناصر فوویسم توسعه داد. .

او در طول زندگی خلاقانه خود، مسیرها و تکنیک های خود را تغییر داد، مناظر و نقاشی هایی را با موضوعات تاریخی، صحنه هایی که از پنجره خانه اش مشاهده می شد و گل های "توهم آمیز" را با روح رئالیسم جادویی، دیدگاه های طبیعت و قدرت الهی آن نقاشی کرد.

به افتخار او، یک مرکز طبیعت و هنر در بوفالو در سال 1966 ایجاد شد، به نام مرکز هنری Birchfield Penny، که همچنین شامل بزرگترین مجموعه جهان از آثار این هنرمند است.

رجینالد مارش(1898-1954)، در پاریس، در خانواده ای ثروتمند از هنرمندان به دنیا آمد، شاگرد D. Sloan، که عمدتاً به عنوان نقاش و تصویرگر صحنه های شهری، زندگی خیابانی و سواحل نیویورک شناخته می شد.

نقاشی‌های او با مراقبت مستند، آغشته به عشق کنایه‌آمیز به شخصیت‌ها متمایز می‌شوند، او برای بورلس و وودویل بسیار نقاشی می‌کرد و آنها را "تئاتر مردم عادی، بیانگر طنز و خیالات فقیر، پیر و زشت" می‌دانست.

او به کار روغن و جوهر، آبرنگ، تخم مرغ پرداخت و زندگی خلاقانه خود را با لیتوگرافی آغاز کرد. سبک او را می‌توان «رئالیسم اجتماعی» توصیف کرد، به‌ویژه در دوران رکود بزرگ مشهود بود، و ارادت او به استادان قدیمی که آثارشان را می‌پرستید، منجر به خلق آثاری حاوی استعاره‌های مذهبی شد.

مارش اندکی قبل از مرگ بر اثر حمله قلبی، مدال طلای هنرهای گرافیکی را از آکادمی هنرهای آمریکا دریافت کرد.

فیرفیلد پورتر(1907-1975) در خانواده یک معمار و یک شاعر متولد شد، در هاروارد و اتحادیه دانشجویان آمریکایی تحصیل کرد، در تمام زندگی خود به جهت واقع گرایانه پایبند بود، عمدتاً مناظر و پرتره های خانواده و دوستان را نقاشی کرد و سعی کرد غیرعادی بودن را آشکار کند. در زندگی معمولی و زیباتر کردن آن.

آثار او نشان دهنده تأثیر پدر معمارش، آثار ولاسکز، و بعداً هنرمندان بونارد و ویلارد بود که او معتقد بود «امپرسیونیسم قادر است حضور واقعیت را به صورت تصویری خلق کند».

شاید فقدان معلمان خوب نقاشی رنگ روغن، نگرش محتاطانه نسبت به احساسات و طبیعت گرایی ذاتی بسیاری از آمریکایی های آن سال ها، به توضیح ماهیت تا حدودی ابتدایی آثار پورتر، ناهنجاری، سفتی چهره های او، طبیعت ایستا آنها کمک کند.

و تنها در آثار بعدی او شروع به عبور از مرز بین امپرسیونیسم و ​​فوویسم می کند، نقاشی او آزادتر می شود، رنگ ها روشن تر می شوند و نور بیشتری در آثارش وجود دارد.

ادوارد هاپر(1882-1967) در Nyack، یک مرکز قایق‌سازی در رودخانه هادسون، در یک خانواده ثروتمند هلندی تبار به دنیا آمد. استعداد هنری هاپر در سن 5 سالگی خود را نشان داد والدینش عشق به هنر فرانسوی و روسی را در او القا کردند و اشتیاق او به نقاشی و علایق متنوع را تشویق کردند.

هاپر در قلم و جوهر، زغال چوب، آبرنگ، روغن و لیتوگرافی، نقاشی پرتره و مناظر دریایی، کارتون های سیاسی و نقاشی هایی از زندگی کار می کرد. در آثار هاپر می توان تأثیرات رابرت هنری، یکی از معلمان او، و مانه و دگا را تشخیص داد.

ویلیام چیس و رامبراند، به ویژه "نگهبان شب" او، و در حالی که در پاریس زندگی می کرد و صحنه هایی را در خیابان ها، کافه ها و تئاترها نقاشی می کرد، همچنان در سنت هنر رئالیستی باقی ماند، اگرچه برخی از محققان به دلیل روشن بودن کار او را به دقت گرایی نسبت می دهند. ، خطوط واضح مشخصه اشکال هندسی، مکانیکی بودن، عقیم بودن و خالی بودن فضا.

او می‌گوید: «چیز مورد علاقه‌اش در نقاشی نور خورشید روی دیوار خانه است». در طول رکود بزرگ، هاپر شانس بیشتری نسبت به بسیاری از هنرمندان دیگر داشت - او به نمایشگاه سالانه خود ادامه داد و در بقیه عمرش فروش خوبی داشت.

آثار او نه تنها هنرهای تجسمی، بلکه سینما را نیز با ترکیب بندی های سینمایی و استفاده دراماتیک از نور و تاریکی تحت تاثیر قرار داد.

پل کادموس(1904-1999)، نماینده جنبش "رئالیسم جادویی"، عناصر اروتیسم و ​​نقد اجتماعی را در آثار خود ترکیب کرد.

به لطف نقوش آشکار همجنس‌بازی در نقاشی‌هایش و به تصویر کشیدن چهره‌های برهنه مرد، شهرت رسوائی به دست آورد.

او در یک خانواده فقیر هنرمند به دنیا آمد، پدرش پسر را تشویق کرد که طراحی کند و در سن 14 سالگی در دوره های آکادمی ملی طراحی و سپس آکادمی ثبت نام کرد. او با دوستانش بسیار سفر کرد، بوم های بزرگی را نقاشی کرد که منعکس کننده برداشت های خود از اروپا بود، تصاویری چند شکلی از زندگی ماهیگیران، ملوانان، صحنه هایی از زندگی شهری ترسیم کرد.

و پس از ملاقات با کرستن امپرساریو و باله‌مان، کادموس شروع به تولید آثار زیادی در زمینه‌های باله کرد که عمدتاً رقصندگان را به تصویر می‌کشیدند.

پل کادموس عمری طولانی داشت و در سن 95 سالگی در آغوش دوست و مدل همیشگی اش که در 35 سال آخر عمرش در کنارش بود، درگذشت. کادموس دوست داشت سخنان اینگرس را تکرار کند: «مردم می گویند نقاشی های من برای این زمان مناسب نیست. شاید آنها اشتباه می کنند و من تنها کسی هستم که همگام با زمانه است.»

ایوان (ایوان) آلبرایت(1897-1983)، یکی از مشهورترین نمایندگان رئالیسم جادویی، به همراه برادر دوقلوی خود در خانواده ای هنرمند به دنیا آمد.

برادران در بیشتر عمر خود جدایی ناپذیر بودند، هر دو در مؤسسه هنری شیکاگو تحصیل کردند، برادر مالوین مجسمه‌ساز شد و ایوان نقاش شد، اما به عنوان یک معمار شروع کرد و در طول جنگ جهانی اول نقشه‌های پزشکی را برای یک بیمارستان انجام داد. در نانت او همیشه در مورد کار خود بسیار خواستار بود، تمام جزئیات را با دقت می نوشت و بسیاری از آثار خود را به موضوعات پیچیده ای مانند زندگی و مرگ، مادیات و روحیه، تأثیر زمان بر ظاهر و دنیای درونی یک شخص اختصاص می داد.

چنین کارهایی به زمان زیادی نیاز داشت و بنابراین فروش بسیاری از نقاشی ها در مالکیت او باقی ماند. آلبرایت رنگ ها و زغال های خود را می ساخت و به نور وسواس زیادی داشت تا جایی که لباس های مشکی می پوشید و استودیوی خود را سیاه می کرد تا از تابش خیره کننده جلوگیری کند.

او به شیوه ای واقع گرایانه اما با جزئیات اغراق آمیز نقاشی می کرد، او عاشق تماشای گذر زمان بود و بیش از 20 سلف پرتره را در 3 سال آخر زندگی خود به تنهایی برای بازتاب تغییراتی که در یک فرد رخ می دهد، نقاشی کرد.

جورج کلر توکرجونیور (1920-2011) که آثارش نشان دهنده جهت گیری های رئالیسم سوسیالیستی و رئالیسم جادویی است، در خانواده ای با ریشه های انگلیسی-فرانسوی-اسپانیایی-کوبایی و آمریکایی متولد شد و به اصرار والدینش در هاروارد ادبیات انگلیسی خواند. اما بیشتر وقت خود را به نقاشی اختصاص داد.

پس از خدمت در سپاه تفنگداران دریایی، که به دلیل وضعیت نامناسب سلامتی از آنجا مرخص شد، در دوره های لیگ دانشجویان هنر شرکت کرد، در تخم مرغ بسیار کار کرد و هنر رنسانس ایتالیا را تحسین کرد.

نقاشی‌های توکر صحنه‌هایی از زندگی روزمره آمریکایی را به تصویر می‌کشند، شخصیت‌های انسانی در آنها اغلب هویت نژادی یا جنسی خاصی ندارند و بیانگر تنهایی، انزوا و گمنامی هستند.

او توجه زیادی به رعایت تناسبات هندسی و تقارن داشت، به همین دلیل او بسیار آهسته نقاشی می کرد - بیش از دو نقاشی در سال. از اولین نمایشگاه بزرگ خود در سال 1951، توکر به طور مداوم و موفقیت آمیز به نمایش گذاشته است و آثار او در موزه های بزرگ آمریکا وجود دارد.

پیتر بلوم(پیتر بلوم) - (1906-1992)، هنرمند و مجسمه ساز، که آثار او حاوی عناصری از دقت، خالص گرایی، کوبیسم، سوررئالیسم و ​​هنر عامیانه است. او در روسیه در یک خانواده یهودی متولد شد که در سال 1912 به آمریکا مهاجرت کردند و در بروکلین ساکن شدند.

او پس از تحصیل هنر در موسسات آموزشی مختلف، استودیوی خود را تحت حمایت خانواده راکفلر افتتاح کرد. مانند بسیاری از معاصران رئالیست خود، او از طرفداران رنسانس بود، به اطراف ایتالیا سفر کرد، اولین نقاشی او که در سال 1934 به رسمیت شناخته شد، "شهر ابدی" بود که در آن می توان تصویر موسولینی را مانند یک جک تشخیص داد. در جعبه، از کولوسئوم بیرون آمده است.

آثار او که اغلب تخریب را به تصویر می کشند، با این وجود می توانند به عنوان نمادهای بازسازی و تجدید پس از جنگ جهانی دوم تفسیر شوند، همانطور که سنگ ها، تیرهای جدید و پیکره های کارگران نشان می دهد.

سبک هنری بلوم ترکیب جالبی از حرکات هنری مختلف هنر آمریکا و اروپا بود و او را «هنرمند افسانه‌ای» نامیده‌اند.

اندرو نیول وایت(1917-2009)، نماینده سبک عمدتاً منطقه گرایی در رئالیسم، در خانواده تصویرگری متولد شد که به رشد استعدادهای پنج فرزند خود توجه داشت و آنها را به ادبیات خوب، موسیقی و مطالعه طبیعت عادت می داد. . خود پدر به فرزندانش در خانه آموزش می داد و همه آنها با استعداد بودند: هنرمندان، موسیقیدان، آهنگساز، مخترع.

خانه آنها مکانی خلاقانه بود که اغلب افراد مشهوری مانند اسکات فیتزجرالد و مری پیکفورد از آن بازدید می کردند. خود وایت، به اندازه کافی عجیب، خود را یک انتزاع گرا می دانست و به آگاهی از معنای عمیق در اشیاء ساده اهمیت زیادی می داد، مضامین مورد علاقه اش در نقاشی هایش زمین و مردم اطرافش بودند.

معروف ترین نقاشی او، دنیای کریستینا، دختری را از مزرعه ای نزدیک، معلول فلج اطفال، به تصویر می کشد که به تنهایی به سمت خانه ای در دوردست می خزد.

هلگا تستورف 247 نقاشی و طراحی را به یک زن تقدیم کرد که او را در موقعیت‌های مختلف و حالات احساسی مطالعه کرد که تجربه‌ای بی‌نظیر در هنر آمریکایی است.

اگرچه وایت آثار بسیار عالی از لحاظ فنی تولید کرد و طرفداران زیادی داشت، هنر او بحث برانگیز تلقی می شود و روزنبلوم منتقد هنری او را به عنوان "بی ارزش ترین و دست کم گرفته شده ترین هنرمند" توصیف می کند.

گرانت وود(1891-1942)، یکی از مشهورترین نمایندگان منطقه گرایی، در آیووا به دنیا آمد، پدرش را زود از دست داد، در یک فروشگاه سخت افزار کار کرد، در مدرسه هنر تحصیل کرد و سپس در موسسه هنر شیکاگو.

گرانت جوان 4 بار برای مطالعه سبک های نقاشی با توجه ویژه به امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم به اروپا سفر کرد، اما آثار ون ایک را تحسین کرد و آرزو داشت روش های مدرن و وضوح، دقت و عمق هنر قرون وسطی را در کار خود ترکیب کند. .

بی جهت نیست که مشهورترین نقاشی او "گوتیک آمریکایی" نامیده می شود، این نقاشی نمایانگر دیدگاه سنتی قرن 19 در مورد نقش های مردان و زنان در آمریکا است به روش های مختلف

وود بعدها در حین تدریس هنر در دانشگاه آیووا به یکی از چهره های کلیدی جامعه فرهنگی دانشگاه تبدیل شد، اما به دلیل شایعه رابطه همجنسگرایانه او با منشی شخصی اش، وود از کار برکنار شد و به زودی بر اثر سرطان پانکراس درگذشت.

توماس هارت (هارت) بنتون(1889-1975) در خانواده ای سیاستمدار به دنیا آمد، پدرش که سرهنگ، وکیل و بشردوست بود، چهار بار به عضویت کنگره انتخاب شد. پدر می خواست پسرش راه او را ادامه دهد، اما پسر به هنر علاقه مند بود، مادرش از انتخاب او حمایت کرد و او وارد موسسه هنر شیکاگو شد و سپس برای ادامه تحصیل در آکادمی جولیان به پاریس رفت.

با بازگشت به آمریکا و ادامه نقاشی، در طول جنگ جهانی اول در نیروی دریایی ایالات متحده خدمت کرد و روی تصاویر استتار کشتی ها و کارخانه های کشتی سازی کار کرد که به تصاویر مستند واقعی نیاز داشت و بعداً بر سبک او تأثیر گذاشت. در اوایل دهه 1920، بنتون خود را "دشمن مدرنیسم" معرفی کرد، به یکی از نمایندگان برجسته منطقه گرایی تبدیل شد و به دیدگاه های "چپ" پایبند بود.

او به ال گرکو علاقه مند شد، تأثیر کار او در کار بر روی نقاشی های دیواری عظیم که مراحل و رویدادهای مختلف زندگی کشور را به تصویر می کشد قابل مشاهده است.

بنتون در لیگ دانشجویان هنر در نیویورک تدریس کرد، بسیاری از شاگردان او به هنرمندان مشهوری تبدیل شدند (هاپر، پولاک، مارش)، اما به دلیل اظهارات محکوم کننده در مورد تأثیر ناروا همجنس گرایان در دنیای هنر اخراج شد. پس از جنگ جهانی دوم، منطقه گرایی به عنوان یک جنبش ارتباط خود را از دست داد، بنتون به نقاشی دیواری ادامه داد.

حدود 30 سال دیگر فعالانه کار کرد، اما دیگر محبوبیت سابق خود را نداشت.

جان استوارت کری(1897-1946) در مزرعه ای در کانزاس به دنیا آمد، از حیوانات مراقبت می کرد، به ورزش های دو و میدانی علاقه داشت و از کودکی با بازتولید نقاشی های روبنس و دوره احاطه شده بود، که در انتخاب بعدی سبک هنری او نقش داشت.

جان در مؤسسه هنر شیکاگو تحصیل کرد، به عنوان تصویرگر مجله کار کرد و یک سال را در پاریس برای مطالعه آثار کوربه، دامیه، تیتان و روبنس گذراند. پس از بازگشت به ایالات متحده، مدتی در استودیوی خود کار کرد، با سیرک سفر کرد، به عنوان اولین هنرمند در دانشگاه ویسکانسین-مدیسون منصوب شد و برای ترویج توسعه هنر در جوامع کشاورزی به سراسر کشور سفر کرد.

او نقاشی های دیواری برای وزارت دادگستری در واشنگتن و برای کاپیتول در کانزاس نقاشی کرده است. کری یکی از سه ستون (بنتون و وود) منطقه گرایی آمریکا بود که به ویژه در دوران رکود بزرگ اهمیت داشت.

او صحنه هایی از کار، خانواده و زمین و برخورد با بلایای طبیعی را به تصویر کشید تا استقامت، سخت کوشی و ایمان مردم را به جهانیان نشان دهد که کری معتقد بود جوهره زندگی آمریکایی هاست.

صادقانه بگویم، من به طور کلی از هنرمندان رئالیست الهام نمی‌گیرم. ، چه کنم.
قسمت بعدی و پایانی به هنر معاصر آمریکا اختصاص دارد. پایان دنبال می شود ...
مثل همیشه، یک نمایش اسلاید با تصاویر بیشتر و موسیقی خوب:

* رئالیسم جادویی- به عنوان یک جنبش هنری، رئالیسم جادویی در خاک آمریکا توسعه یافت و معادل سوررئالیسم اروپایی شد. آثار استادان رئالیسم جادویی از بسیاری جهات، مطابق با سلیقه و نیازهای بیننده آمریکایی، ماهیت تکان دهنده ای داشتند، در عین حال که آن را با ماهیت حکایتی موقعیت ها و کاریکاتور شخصیت ها ترکیب می کردند بیشتر شبیه یک رویای بی قرار یا هذیان توهم بود.
**دقت گرایی، یا preciginism (دقت انگلیسی - دقت ، وضوح) - جهت مشخصه نقاشی آمریکایی دهه 30 ، نوعی رئالیسم جادویی. موضوع اصلی برای دقیق گرایان تصویر شهر است، موضوع اصلی زیبایی شناسی مکانیکی است، فضای نقاشی ها استریل است، احساس می شود هوا از آنها خارج شده است، هیچ فردی در آن نیست.
***منطقه گرایییا منطقه گرایی (از انگلیسی منطقه ای - محلی) - یک جنبش هنری در هنر ایالات متحده 1920-1940، که بر اساس تمایل به ایجاد هنر واقعاً آمریکایی در مقابل جنبش های آوانگارد که از اروپا می آمدند. هنرمندان منطقه‌گرا با الهام از ایده‌های هویت ملی، بر ترسیم آمریکای «اصیل» تمرکز کردند. مضامین آثار آنها شامل مناظر آمریکایی، صحنه هایی از زندگی کشاورزان، زندگی شهرهای کوچک، قسمت هایی از تاریخ، افسانه های محلی و داستان های فولکلور بود.

نقاشی آمریکایی
اولین آثار نقاشی آمریکایی که به ما رسیده است به قرن شانزدهم باز می گردد. اینها طرح هایی هستند که توسط شرکت کنندگان در اکتشافات تحقیقاتی انجام شده است. با این حال، هنرمندان حرفه ای تنها در آغاز قرن 18 در آمریکا ظاهر شدند. تنها منبع درآمد پایدار برای آنها یک پرتره بود. این ژانر تا اوایل قرن نوزدهم همچنان جایگاه پیشرو در نقاشی آمریکایی داشت.
دوره استعمار.اولین گروه از پرتره ها که با تکنیک رنگ روغن اجرا شده اند به نیمه دوم قرن هفدهم باز می گردد. در این زمان، زندگی ساکنان نسبتاً آرام بود، زندگی تثبیت شد و فرصت هایی برای هنرنمایی پدیدار شد. از میان این آثار، مشهورترین پرتره خانم فریک با دخترش مری (1671-1674، ماساچوست، موزه هنر ورسستر) است که توسط یک هنرمند ناشناس انگلیسی نقاشی شده است. در دهه 1730، شهرهای ساحل شرقی چندین هنرمند داشتند که به شیوه‌ای مدرن و واقعی‌تر کار می‌کردند: هنریتا جانستون در چارلستون (1705)، یوستوس انگلهارد کوهن در آناپولیس (1708)، گوستاو هسلیوس در فیلادلفیا (1712)، جان واتسون در پرث امبوی در نیوجرسی (1714)، پیتر پلهام (1726) و جان اسمیبرت (1728) در بوستون. نقاشی دو نفر اخیر تأثیر قابل توجهی بر کار جان سینگلتون کوپلی (1738-1815) داشت که اولین هنرمند بزرگ آمریکایی به شمار می رود. از حکاکی‌های مجموعه پلهام، کوپلی جوان درکی از پرتره‌های تشریفاتی انگلیسی و نقاشی گادفری کنلر، استاد برجسته انگلیسی که در آغاز قرن هجدهم در این ژانر کار می‌کرد، به دست آورد. در نقاشی پسری با سنجاب (1765، بوستون، موزه هنرهای زیبا)، کوپلی یک پرتره واقع گرایانه شگفت انگیز خلق کرد، ملایم و به طرز شگفت آوری دقیق در انتقال بافت اشیا. هنگامی که کوپلی این اثر را در سال 1765 به لندن فرستاد، جاشوا رینولدز به او توصیه کرد که تحصیلات خود را در انگلستان ادامه دهد. با این حال، کوپلی تا سال 1774 در آمریکا ماند و به نقاشی پرتره ها ادامه داد و با دقت تمام جزئیات و تفاوت های ظریف را در آنها بررسی کرد. سپس به اروپا سفر کرد و در سال 1775 در لندن اقامت گزید. در سبک او، شیوه و ویژگی های ایده آل سازی مشخصه نقاشی انگلیسی آن زمان ظاهر شد.
از جمله بهترین آثاری که کوپلی در انگلستان تولید کرد، پرتره های رسمی بزرگی است که یادآور آثار بنجامین وست است، از جمله بروک واتسون و کوسه (1778، بوستون، موزه هنرهای زیبا). بنجامین وست (1738-1820) در پنسیلوانیا به دنیا آمد. پس از کشیدن چندین پرتره از فیلادلفیان، در سال 1763 به لندن نقل مکان کرد. در اینجا او به عنوان یک نقاش تاریخ شهرت یافت. نمونه ای از آثار او در این ژانر، نقاشی مرگ ژنرال ولف (1770، اتاوا، گالری ملی کانادا) است. در سال 1792، وست جانشین رینولدز به عنوان رئیس آکادمی سلطنتی هنر بریتانیا شد. بر خلاف کپلی و وست که برای همیشه در لندن ماندند، نقاش پرتره گیلبرت استوارت (1755-1828) در سال 1792 به آمریکا بازگشت و در لندن و دوبلین کار کرد. او به زودی استاد برجسته این ژانر در جمهوری جوان شد. استوارت تقریباً از تمام شخصیت های برجسته سیاسی و عمومی در آمریکا پرتره کشید. آثار او به شیوه‌ای زنده، آزاد، طرح‌دار و بسیار متفاوت از سبک کارهای آمریکایی کوپلی اجرا می‌شوند. بنجامین وست با کمال میل هنرمندان جوان آمریکایی را در استودیوی لندن خود پذیرفت. شاگردان او شامل چارلز ویلسون پیل (1741-1827) و ساموئل اف بی مورس (1791-1872) بودند. پیل بنیانگذار یک سلسله نقاشان و یک شرکت هنری خانوادگی در فیلادلفیا شد. او پرتره کشید، به تحقیقات علمی پرداخت و موزه تاریخ طبیعی و نقاشی را در فیلادلفیا افتتاح کرد (1786). از هفده فرزند او، بسیاری از آنها هنرمند و طبیعت گرا شدند. مورس، که بیشتر به عنوان مخترع تلگراف شناخته می شود، چندین پرتره زیبا و یکی از باشکوه ترین نقاشی ها در تمام نقاشی های آمریکا، گالری لوور، کشید. در این اثر حدود 37 بوم به صورت مینیاتوری با دقت شگفت انگیزی تکثیر شده است. هدف این اثر نیز مانند تمامی فعالیت های مورس، آشنایی ملت جوان با فرهنگ بزرگ اروپایی بود. واشنگتن آلستون (1779-1843) یکی از اولین هنرمندان آمریکایی بود که به رمانتیسم ادای احترام کرد. او در طول سفرهای طولانی خود در سراسر اروپا، طوفان های دریا، صحنه های شاعرانه ایتالیایی و پرتره های احساسی را نقاشی کرد. در آغاز قرن نوزدهم. اولین آکادمی هنر آمریکا افتتاح شد که به دانشجویان آموزش های حرفه ای ارائه می داد و مستقیماً در سازماندهی نمایشگاه ها شرکت می کردند: آکادمی هنرهای پنسیلوانیا در فیلادلفیا (1805) و آکادمی ملی طراحی در نیویورک (1825) که اولین رئیس آن اس. آر. مورس بود. . در دهه های 1820 و 1830، جان ترامبول (1756-1843) و جان واندرلین (1775-1852) ترکیبات عظیمی از موضوعات تاریخ آمریکا را نقاشی کردند که دیوارهای کاپیتول روتوندا در واشنگتن را تزئین کردند. در دهه 1830، منظره به ژانر غالب نقاشی آمریکایی تبدیل شد. توماس کول (1801-1848) در مورد طبیعت بکر شمال (نیویورک) نوشت. او استدلال می‌کرد که کوه‌های شکست‌خورده و جنگل‌های سرزنده پاییزی سوژه‌های مناسب‌تری برای هنرمندان آمریکایی هستند تا ویرانه‌های زیبای اروپایی. کول همچنین چندین مناظر آغشته به معنای اخلاقی و مذهبی را نقاشی کرد. در میان آنها چهار نقاشی بزرگ، مسیر زندگی (1842، واشنگتن، گالری ملی) وجود دارد - ترکیبات تمثیلی که قایق را به سمت پایین رودخانه نشان می دهد، که در آن پسری نشسته است، سپس یک مرد جوان، سپس یک مرد و در نهایت یک پیرمرد. بسیاری از نقاشان منظره از کول الگوبرداری کردند و طبیعت آمریکا را در آثار خود به تصویر کشیدند. آنها اغلب در یک گروه به نام "مدرسه رودخانه هادسون" ترکیب می شوند (که درست نیست، زیرا آنها در سراسر کشور کار می کردند و به سبک های مختلف می نوشتند). در میان نقاشان ژانر آمریکایی، مشهورترین آنها ویلیام سیدنی مانت (1807-1868) است که صحنه هایی از زندگی کشاورزان در لانگ آیلند را نقاشی کرد و جورج کالب بینگهام (1811-1879) که نقاشی هایش به زندگی ماهیگیران اختصاص دارد. از سواحل میسوری و انتخابات در شهرهای کوچک استانی. قبل از جنگ داخلی، محبوب ترین هنرمند فردریک ادوین چرچ (1826-1900)، شاگرد کول بود. او عمدتاً آثاری با فرمت بزرگ نقاشی می کرد و گاهی از نقوش بیش از حد طبیعت گرایانه برای جذب و مبهوت عموم استفاده می کرد. کلیسا به عجیب‌ترین و خطرناک‌ترین مکان‌ها سفر کرد و موادی را جمع‌آوری کرد تا آتشفشان‌های آمریکای جنوبی و کوه‌های یخ دریاهای شمالی را به تصویر بکشد. یکی از مشهورترین آثار او نقاشی آبشار نیاگارا (1857، واشنگتن، گالری کورکوران) است. در دهه 1860، بوم‌های عظیم آلبرت بیرشتات (1830-1902) تحسین گسترده‌ای را برای زیبایی کوه‌های راکی ​​با دریاچه‌های شفاف، جنگل‌ها و قله‌های برج‌مانندشان برانگیخت.



جنگ استقلال و آغاز قرن نوزدهم.پس از جنگ داخلی، تحصیل در رشته نقاشی در اروپا مد شد. در دوسلدورف، مونیخ و به ویژه پاریس، تحصیلات بسیار اساسی‌تر از آمریکا امکان‌پذیر بود. جیمز مک نیل ویستلر (1834-1903)، مری کاسات (1845-1926) و جان سینگر سارجنت (1856-1925) در پاریس تحصیل کردند و در فرانسه و انگلیس زندگی و کار کردند. ویسلر به امپرسیونیست های فرانسوی نزدیک بود. او در نقاشی های خود توجه ویژه ای به ترکیب رنگ ها و ترکیب بندی رسا و لاکونیک داشت. مری کاسات به دعوت ادگار دگا در نمایشگاه‌های امپرسیونیستی از سال 1879 تا 1886 شرکت کرد. طرف مقابل طیف سبکی با امپرسیونیسم در هنر اواخر قرن نوزدهم. توسط هنرمندان واقع‌گرا که طبیعت‌های بی‌جان توهم‌گرایانه نقاشی می‌کردند: ویلیام مایکل هارنت (1848-1892)، جان فردریک پتو (1854-1907) و جان هابرل (1856-1933) مشغول بودند. دو هنرمند بزرگ اواخر قرن 19 و اوایل قرن 20، وینسلو هومر (1836-1910) و توماس ایکینز (1844-1916)، به هیچ یک از جنبش های هنری مد روز در آن زمان تعلق نداشتند. هومر کار خلاقانه خود را در دهه 1860 با تصویرسازی مجلات نیویورک آغاز کرد. در دهه 1890 او به عنوان یک هنرمند مشهور شهرت داشت. نقاشی های اولیه او صحنه هایی از زندگی روستایی اشباع شده از نور درخشان خورشید است. بعدها، هومر شروع به روی آوردن به تصاویر و مضامین پیچیده‌تر و دراماتیک کرد: جریان گلف استریم (1899، متروپولیتن) ناامیدی ملوان سیاه‌پوستی را به تصویر می‌کشد که روی عرشه قایق در دریای طوفانی و پر از کوسه دراز کشیده است. توماس ایکینز در طول زندگی خود به دلیل عینیت گرایی و صراحت بیش از حد مورد انتقاد شدید قرار گرفت. اکنون آثار او به دلیل طراحی‌های دقیق و واضح‌شان ارزش بالایی دارند. براش های او شامل تصاویر ورزشکاران و تصاویر پرتره صمیمانه آغشته به همدردی است.





قرن بیستم. در آغاز قرن، تقلید از امپرسیونیسم فرانسوی بیشترین ارزش را داشت. سلایق عمومی توسط گروهی متشکل از هشت هنرمند به چالش کشیده شد: رابرت هنری (1865-1929)، دبلیو جی. گلاکنز (1870-1938)، جان اسلون (1871-1951)، جی بی لاکس (1867-1933)، اورت شین (1876-195) دیویس (1862-1928)، موریس پرندرگاست (1859-1924) و ارنست لاوسون (1873-1939). منتقدان آنها را مدرسه "سطل زباله" به دلیل تمایل آنها به به تصویر کشیدن محله های فقیر نشین و دیگر موضوعات غیرعادی لقب دادند. در سال 1913 در به اصطلاح "Armory Show" آثاری از استادان متعلق به حوزه های مختلف پست امپرسیونیسم را به نمایش گذاشت. هنرمندان آمریکایی تقسیم شدند: برخی از آنها به کاوش در امکان رنگ و انتزاع رسمی روی آوردند، برخی دیگر در آغوش سنت واقع گرایانه باقی ماندند. گروه دوم شامل چارلز برچفیلد (1893-1967)، رجینالد مارش (1898-1954)، ادوارد هاپر (1882-1967)، فیرفیلد پورتر (1907-1975)، اندرو وایت (متولد 1917) و دیگران بودند. نقاشی های ایوان آلبرایت (1897-1983)، جورج توکر (متولد 1920) و پیتر بلوم (1906-1992) به سبک "رئالیسم جادویی" نوشته شده اند (شباهت به طبیعت در آثار آنها اغراق آمیز است و واقعیت بیشتر یادآور خواب یا توهم است). هنرمندان دیگری مانند چارلز شیلر (1883-1965)، چارلز دیموث (1883-1935)، لیونل فاینینگر (1871-1956) و جورجیا اوکیف (1887-1986)، عناصر رئالیسم، کوبیسم و ​​اکسپرسیونیسم را در خود ترکیب کردند. آثار و دیگر جنبش‌های هنر اروپایی، دیدگاه‌های دریایی جان مارین (۱۸۷۰-۱۹۵۳) و مارسدن هارتلی (۱۸۷۷-۱۹۴۳) به اکسپرسیونیسم نزدیک هستند. تصاویر پرندگان و حیوانات در نقاشی‌های موریس گریوز (متولد ۱۹۱۰). پس از جنگ جهانی دوم، آثار او به شدت تحریف شده و به شکل غیرعینی تبدیل شدند به خودی خود، به عنوان صحنه تعامل خطوط، توده‌ها و لکه‌های رنگی در نظر گرفته شد از این جنبش آرشیل گورکی (1904-1948)، ویلم دو کونینگ (1904-1997)، جکسون پولاک (1912 -1956)، مارک روتکو (1903-1970) و فرانتس کلاین (1910-1962) بودند. یکی از جالب ترین اکتشافات اکسپرسیونیسم انتزاعی، روش هنری جکسون پولاک بود که برای ایجاد هزارتوی پیچیده ای از فرم های خطی پویا، رنگ را بر روی بوم می چکید یا می انداخت. دیگر هنرمندان این جنبش - هانس هافمن (1880-1966)، کلیفورد استیل (1904-1980)، رابرت ماترول (1915-1991) و هلن فرانکنتالر (متولد 1928) - تکنیک نقاشی بوم را تمرین کردند. نسخه دیگری از هنر غیر عینی، نقاشی جوزف آلبرز (1888-1976) و آد راینهارت (1913-1967) است. نقاشی های آنها شامل اشکال هندسی سرد و دقیق محاسبه شده است. دیگر هنرمندانی که در این سبک کار کردند عبارتند از: السورث کلی (متولد 1923)، بارنت نیومن (1905-1970)، کنت نولاند (متولد 1924)، فرانک استلا (متولد 1936)، و آل هلد (متولد 1928). بعداً آنها مدیریت عمده فروشی هنر را بر عهده گرفتند. در اواخر دهه 1950، رابرت راوشنبرگ (متولد 1925)، یاسپر جانز (متولد 1930) و لری ریورز (متولد 1923) که در رسانه های ترکیبی، از جمله مونتاژ کار می کردند، علیه هنر غیر فیگوراتیو صحبت کردند. آنها قطعاتی از عکس ها، روزنامه ها، پوسترها و اشیاء دیگر را در "نقاشی" خود گنجانده بودند. در اوایل دهه 1960، مونتاژ جنبش جدیدی را به وجود آورد، به اصطلاح. هنر پاپ، که نمایندگان آن با دقت و دقت در آثار خود اشیاء و تصاویر مختلف فرهنگ پاپ آمریکایی را بازتولید کردند: قوطی های کوکاکولا و غذاهای کنسرو شده، بسته های سیگار، کمیک. از هنرمندان برجسته این جنبش اندی وارهول (1928-1987)، جیمز روزنکوئیست (متولد 1933)، جیم دین (متولد 1935) و روی لیختنشتاین (متولد 1923) هستند. به دنبال هنر پاپ، هنر نوری بر اساس اصول اپتیک و توهم نوری ظاهر شد. در دهه 1970، مکاتب مختلف اکسپرسیونیسم، لبه سخت هندسی، هنر پاپ، فتورئالیسم فزاینده مد روز و دیگر سبک‌های هنرهای زیبا در آمریکا وجود داشتند.













ادبیات
چگودایف A.D. هنر ایالات متحده آمریکا از جنگ انقلاب تا به امروز. M., 1960 Chegodaev A.D. هنر ایالات متحده آمریکا. 1675-1975. نقاشی، معماری، مجسمه سازی، گرافیک. م.، 1975

دایره المعارف کولیر. - جامعه باز. 2000 .

ببینید «نقاشی آمریکایی» در فرهنگ‌های دیگر چیست:

    صحنه ها و مناظر روزمره توسط هنرمندان آمریکایی دهه های 1920 و 1930، به شیوه ای طبیعی و توصیفی اجرا شده است. نقاشي ژانر آمريكايي يك جنبش سازمان يافته نبود

    - "عروسی دهقانی"، 1568، پیتر بروگل، موزه Kunsthistorisches، وین ... ویکی پدیا

    مختصات: 29°43′32″ شمالی. w 95 درجه 23'26 اینچ غربی d / 29.725556 درجه n. w 95.390556 درجه غربی د ... ویکی پدیا

    موزه هنر متروپولیتن در نیویورک- یکی از بزرگترین موزه های جهان و بزرگترین موزه هنر در ایالات متحده - موزه هنر متروپولیتن، واقع در نیویورک در ضلع شرقی پارک مرکزی در منهتن. این مکان به موزه مایل معروف است... ... دایره المعارف خبرسازان

    ویکی‌پدیا مقالاتی درباره افراد دیگر با این نام خانوادگی دارد، به بسونوا مراجعه کنید. Marina Aleksandrovna Bessonova (۲۲ فوریه ۱۹۴۵ (۱۹۴۵۰۲۲۲)، مسکو، ۲۷ ژوئن ۲۰۰۱، مسکو) مورخ هنر، منتقد، فعال موزه روسی. مطالب 1... ...ویکی پدیا

    یکی از بزرگترین موزه های هنر در ایالات متحده آمریکا. در سال 1870 در بوستون تأسیس شد. نمونه های برجسته مجسمه سازی از مصر باستان (تنه انخاف، هزاره سوم قبل از میلاد)، یونان و روم، منسوجات قبطی، هنر قرون وسطایی چین و ژاپن... دایره المعارف بزرگ شوروی

    - (De Kooning، Willem) DE KOONING در کارگاه خود. (1904 1997)، هنرمند معاصر آمریکایی، رئیس مکتب اکسپرسیونیسم انتزاعی. دی کونینگ در 24 آوریل 1904 در روتردام متولد شد. در 15 سالگی در دوره های نقاشی عصرانه ثبت نام کرد... ... دایره المعارف کولیر

    - (چاتانوگا) شهری در جنوب شرقی ایالات متحده (به ایالات متحده آمریکا مراجعه کنید) (تنسی). بندر در رودخانه تنسی در دره بزرگ آپالاچی. بین کوه های آپالاچی و فلات کامبرلند، در مرز با ایالت جورجیا واقع شده است. جمعیت 153.6 هزار... ... دایره المعارف جغرافیایی

    - (چاتانوگا)، شهری در جنوب شرقی ایالات متحده، تنسی. بندر روی رودخانه تنسی 152 هزار نفر (1994؛ با حومه حدود 430 هزار نفر). صنایع شیمیایی، نساجی، خمیر و کاغذ. متالورژی آهنی، مهندسی مکانیک. ... فرهنگ لغت دایره المعارفی

    باربارا رز (متولد 1938) مورخ هنر و منتقد هنر آمریکایی است. او در کالج اسمیت، کالج بارنارد و دانشگاه کلمبیا تحصیل کرد. او از سال 1961 تا 1969 با هنرمند فرانک استلا ازدواج کرد. در... ... ویکی پدیا

کتاب ها

  • نقاشی انگلیسی و آمریکایی در گالری ملی واشنگتن (شومیز)، E. G. Milyugina، گالری ملی واشنگتن دارای بزرگترین مجموعه های جهان از نقاشی انگلیسی و آمریکایی با سطح هنری بالا است. این مجموعه ها تاریخ نقاشی جهان را منعکس می کنند،… رده:

اگر فکر می کنید که همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با مشهورترین و با استعدادترین هنرمندان زمان ما آشنا خواهید شد. و، باور کنید، آثار آنها کمتر از آثار استادان دوران گذشته در حافظه شما باقی خواهد ماند.

وویچ بابسکی

وویچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او تحصیلات خود را در مؤسسه پلی تکنیک سیلزی به پایان رساند، اما با خود همراه شد. او اخیراً عمدتاً زنان را نقاشی می کند. بر بیان احساسات تمرکز می کند، تلاش می کند تا با استفاده از وسایل ساده بیشترین تأثیر ممکن را به دست آورد.

رنگ را دوست دارد، اما اغلب از سایه های سیاه و خاکستری استفاده می کند تا بهترین تاثیر را داشته باشد. از آزمایش کردن تکنیک های جدید و متفاوت نمی ترسید. اخیراً او محبوبیت فزاینده ای در خارج از کشور به دست آورده است، عمدتاً در بریتانیا، جایی که او با موفقیت آثار خود را که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه های خصوصی یافت می شود، به فروش می رساند. او علاوه بر هنر به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1957 متولد شد و در مونتری، کالیفرنیا بزرگ شد و در سال 1981 از کالج طراحی مرکز هنر در پاسادنا فارغ التحصیل شد و مدرک BFA را دریافت کرد. در طول دو دهه بعد، او قبل از شروع کار به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009، به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد.

نقاشی های رئالیستی او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های داخلی زندگی نامه ای و نقاشی هایی که افراد را در حال کار به تصویر می کشند. علاقه او به این سبک نقاشی به کارهای هنرمند قرن شانزدهم یوهانس ورمیر برمی گردد و به موضوعات، سلف پرتره ها، پرتره های اعضای خانواده، دوستان، دانش آموزان، فضای داخلی استودیو، کلاس های درس و خانه ها می رسد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های رئالیستی خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از روی آوردن به هنرهای زیبای سنتی مشهور شد. در طی 12 سال گذشته، او جوایز و افتخارات متعددی را به دست آورده است که معتبرترین آنها امضای استاد نقاشان روغن آمریکا، بزرگترین انجمن نقاشی رنگ روغن در ایالات متحده است. فقط یک نفر از 50 نفر فرصت دریافت این جایزه را دارد. وارن در حال حاضر در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند و همچنین در آکادمی هنر سانفرانسیسکو تدریس می کند (که به عنوان یک معلم با استعداد شناخته می شود).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد 15 اکتبر 1955 در بلر. او دیپلم صحنه نگاری را از موسسه هنر در اسپولتو دریافت کرد. او به عنوان یک هنرمند، خودآموخته است، زیرا او به طور مستقل "خانه ای از دانش" را بر اساس پایه گذاری شده در مدرسه بنا کرد. او نقاشی با رنگ روغن را از 19 سالگی آغاز کرد. در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی های اولیه برونی ریشه در سورئالیسم دارد، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر نزدیکی رمانتیسیسم غنایی و نمادگرایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص شخصیت هایش تقویت می کند. اشیاء متحرک و بی جان از حیثیت یکسانی برخوردار می شوند و تقریباً بیش از حد واقعی به نظر می رسند، اما در عین حال پشت پرده پنهان نمی شوند، بلکه به شما اجازه می دهند جوهر روح خود را ببینید. تطبیق پذیری و پیچیدگی، احساسی بودن و تنهایی، اندیشیدن و ثمربخشی روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هارمونی موسیقی تغذیه می شود.

الکساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی متخصص در نقاشی رنگ روغن است. در سال 1970 در گلیویس، لهستان به دنیا آمد، اما از سال 1989 در ایالات متحده آمریکا، در شستا، کالیفرنیا زندگی و کار کرده است.

در کودکی زیر نظر پدرش جان، هنرمند و مجسمه ساز خودآموخته هنر آموخت، بنابراین از همان دوران کودکی، فعالیت هنری مورد حمایت همه جانبه والدین قرار گرفت. در سال 1989، در سن هجده سالگی، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت او کتی گاگلیاردی، آلکاساندر را تشویق کرد تا در مدرسه هنر ثبت نام کند. بالوس سپس بورسیه تحصیلی کاملی را به دانشگاه میلواکی، ویسکانسین دریافت کرد و در آنجا نزد استاد فلسفه، هری روزین، نقاشی خواند.

پس از فارغ التحصیلی در سال 1995 با مدرک لیسانس، بالوس به شیکاگو نقل مکان کرد تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند که روش های آن بر اساس کارهای ژاک لوئیس دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره اکثریت آثار بالوس را در دهه 90 و اوایل دهه 2000 تشکیل دادند. امروزه بالوس بدون ارائه راه حلی از شخصیت انسان برای برجسته کردن ویژگی ها و کاستی های وجودی انسان استفاده می کند.

ترکیب های موضوعی نقاشی های او قرار است به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شود، تنها در این صورت است که نقاشی ها معنای زمانی و ذهنی واقعی خود را به دست می آورند. در سال 2005، این هنرمند به شمال کالیفرنیا نقل مکان کرد، از آن زمان موضوع کار او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و اکنون شامل روش های نقاشی آزادتر، از جمله انتزاع و سبک های چند رسانه ای مختلف است که به بیان ایده ها و ایده آل های هستی از طریق نقاشی کمک می کند.

آلیسا راهبان

آلیسا مونک یک هنرمند معاصر آمریکایی است. در سال 1977 در ریج وود، نیوجرسی متولد شد. از کودکی شروع به علاقه به نقاشی کردم. او در The New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی مونتکلر تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون با مدرک لیسانس فارغ التحصیل شد. همزمان در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس نقاشی خواند.

سپس تحصیلات خود را در مقطع کارشناسی ارشد در آکادمی هنر نیویورک در بخش هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. او مدتی در دانشگاه‌ها و مؤسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد و در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و آکادمی هنر لایم به تدریس نقاشی پرداخت.

با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه، وینیل، آب و بخار، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما این امکان را می دهند که مناطق بزرگی از طراحی انتزاعی ایجاد کنید، با جزایری از رنگ که در قسمت هایی از بدن انسان به چشم می خورند.

نقاشی‌های من دیدگاه مدرن نسبت به ژست‌ها و ژست‌های سنتی و سنتی زنان در حال حمام را تغییر می‌دهد. آن‌ها می‌توانستند درباره‌ی چیزهای به ظاهر بدیهی مانند فواید شنا، رقص و غیره، به بیننده‌ای توجه کنند. شخصیت‌های من به شیشه‌ی دوش فشار می‌آورند و بدن خود را تحریف می‌کنند و متوجه می‌شوند که از این طریق بر نگاه بدنام مرد به یک زن برهنه تأثیر می‌گذارند. لایه های ضخیم رنگ برای تقلید از شیشه، بخار، آب و گوشت از دور مخلوط می شوند. با این حال، از نزدیک، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه‌های رنگ و رنگ، به نقطه‌ای می‌رسم که قلم‌موهای انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می‌شوند.

زمانی که برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و معتقد بودم که باید نقاشی هایم را تا حد امکان واقعی کنم. من رئالیسم را «ادعا کردم» تا اینکه شروع به آشکار شدن و آشکار شدن تناقضات در خود کرد. من اکنون در حال بررسی امکانات و پتانسیل سبکی از نقاشی هستم که در آن نقاشی بازنمایی و انتزاع با هم تلاقی می‌کنند – اگر هر دو سبک بتوانند در یک لحظه در زمان همزیستی داشته باشند، این کار را انجام خواهم داد.

آنتونیو فینیلی

هنرمند ایتالیایی – “ ناظر زمان” – آنتونیو فینیلی در 23 فوریه 1985 به دنیا آمد. در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کامپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم، فلورانس، نوارا، جنوا، پالرمو، استانبول، آنکارا، نیویورک، و همچنین در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت می شود.

نقاشی با مداد ” ناظر زمان«آنتونیو فینیلی ما را به سفری ابدی در دنیای درونی زمانمندی انسان و تحلیل دقیق این جهان می برد که عنصر اصلی آن گذر زمان و ردپایی است که بر روی پوست به جا می گذارد.

فینیلی پرتره هایی از افراد در هر سن، جنسیت و ملیت می کشد که حالات چهره آنها نشان دهنده گذر زمان است و هنرمند همچنین امیدوار است که شواهدی از بی رحمی زمان بر روی بدن شخصیت های خود بیابد. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می‌کند: «خودنگاری»، زیرا او در طراحی‌های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می‌کشد، بلکه به بیننده اجازه می‌دهد تا به نتایج واقعی گذر زمان در درون یک شخص فکر کند.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی هنرمند 37 ساله ایتالیایی، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. او دوازده سال در رم و سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. او مدرک تاریخ هنر را از مدرسه هنر BD دریافت کرد. سپس به عنوان مرمتگر هنر دیپلم گرفت. قبل از اینکه او را بیابد و کاملاً خود را وقف نقاشی کند، به عنوان روزنامه‌نگار، رنگ‌نویس، طراح و بازیگر کار می‌کرد.

اشتیاق فلامینیا به نقاشی در دوران کودکی به وجود آمد. رسانه اصلی او روغن است، زیرا او عاشق «پاست پاته» و همچنین بازی با مواد است. او تکنیک مشابهی را در آثار هنرمند پاسکال توروآ تشخیص داد. فلامینیا از استادان بزرگ نقاشی مانند بالتوس، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های هنری مختلف الهام گرفته شده است: هنر خیابانی، رئالیسم چینی، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است که در سال 1978 در سامبیر، منطقه لویو، اوکراین به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از مدرسه هنر خارکف در سال 1998، در خارکف ماند و در حال حاضر در آنجا زندگی و کار می کند. او همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف، گروه هنرهای گرافیکی تحصیل کرد و در سال 2004 فارغ التحصیل شد.

او به طور منظم در نمایشگاه های هنری شرکت می کند تا به امروز بیش از شصت مورد از آنها در اوکراین و خارج از کشور برگزار شده است. بیشتر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین، روسیه، ایتالیا، انگلیس، اسپانیا، یونان، فرانسه، ایالات متحده آمریکا، کانادا و ژاپن نگهداری می شود. برخی از آثار در کریستیز فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیک و نقاشی کار می کند. طراحی‌های با مداد یکی از محبوب‌ترین روش‌های نقاشی او هستند.