هنرمندان و مجسمه سازان قرون وسطی به موضوعات ترجیح می دادند. نقاشی قرون وسطی

تقدیم به همه دخترا
دختران، زنان و مادربزرگ ها!

هنرمندان قرن 15 شروع به پوشاندن بوم های نقاشی خود با فرش متراکم از گیاهان کردند و از ملیله ها تقلید کردند. در مقابل شما یک ملیله بورگوندی را می بینید که یک اسب شاخدار اسیر را به تصویر می کشد.

سنت به تصویر کشیدن گیاهان مختلف، اعطای معنای نمادین به آنها، در دوران باستان ظاهر شد. بله برگ آکانتوسنماد مرگ در نظر گرفته شدند.

روی ملیله ها، گیاهان با دقت شگفت آور "گیاه شناسی" به تصویر کشیده شده اند، اما به نظر می رسد که در حال حاضر آنها فقط به عنوان تزئین عمل می کنند.

در صحنه شکار اسب شاخدار، در گوشه پایین سمت راست قرار دارد درخت پرتقال. این یک گیاه عجیب و غریب بود، آن را نمادی از بهشت ​​در نظر گرفتند.

سفر به کشورهای دوربه اروپایی ها اجازه داد تا با گیاهان جدید آشنا شوند - نخل خرما، به عنوان مثال.

اغلب انواع مختلفگیاهان حاشیه نسخه های خطی را تزئین می کردند.

افسانه در مورد خواص جادوییریشه ترنجبین.

درختان خرما چیزی شبیه این به نظر می رسید.

مخروط درختان کاج(کاج) نماد درخت زندگی بود.

چندین گل به عنوان نماد مریم باکره در نظر گرفته می شد.

برخی از گیاهان برای ادیان مختلف معنای نمادین داشتند. تصویر برگی از یک کتاب باستانی یهودی را با تصویری از منورا و درختان زیتون، نماد صلح. (اسپانیا، قرن دوازدهم)

در نامه اولیه یک نسخه خطی قرون وسطی، مرگ را می بینیم که در آینه خود را تحسین می کند، و در اطراف - پرچین، نماد جوانی و زیبایی. طنز، ظاهرا، این است.

اسطوره های باستانی در دوران رنسانس رایج بودند. در نقاشی کوزیمو تورا (1465) موسوم به کالیوپ، حامی شعر وجود دارد. شاخه ای در دست اوست گیلاس- نمادی از باروری، در اینجا - ظاهرا خلاق.

رافائل سانتی "رویای شوالیه" (1504).
واضح است که نمادگرایی پنهان به معنای واقعی کلمه درخواست بوم های تمثیلی بود. این عکس "رمزگذاری شده" است انتخاب دشواربین خرد و لذت های جسمانی در سمت چپ الهه مینروا است که کتابی را به سوی شوالیه خوابیده دراز کرده است که نمادی از دانش است، در سمت راست زهره است که در حال تقدیم است. گل های درخت سیب- نمادی از وراثت های نفسانی.

در داستان های عهد عتیق نمادهای زیادی وجود دارد. در نقاشی آلبرشت آلتدوفر (1526) "سوزانا و بزرگان" قهرمان به محاکمه می رود (راست) و در دستان خود حمل می کند. زنبق- نماد بی گناهی. اگر به خاطر داشته باشید، بزرگان شهوتران پس از تماشای غسل او، او را مورد آزار و اذیت قرار دادند و هنگامی که آن زن پارسا از آنها امتناع کرد، او را به دروغ متهم به زنا کردند. داوود پادشاه حکیم داوری عادلانه انجام داد و آزادی‌ها را به ارمغان آورد آب تمیز. سوزانا را ببینید که از کنار یک ساقه بلند رد می شود قاچ، همچنین به نام "عصای سلطنتی" - نماد قدرت و عدالت است.

یکی دیگر از ملیله های زیبای فلاندری جنوبی "کشتن اسب شاخدار". حالا با نمادها.

یک بوته در گوشه پایین سمت چپ قابل مشاهده است فندقنماد ثروت و فراوانی است. سنجاب نماد کار سخت است.

و البته نمادهای مخفی زیادی در نقاشی مذهبی قرن 15-16 وجود دارد. پوشش علفی در پای مقدسین، به ویژه در نقاشی های رنسانس شمالی، یک کتاب مرجع واقعی گیاه شناسی است. به نظر می رسد دانش btanica برای هنرمندان آن زمان یک مهارت لازم بوده است. جالب اینجاست که تقریباً هر گیاهی معنای خاص خود را داشت.

من یک بار با جزئیات کامل در مورد محراب گنت اثر یان ون ایک به شما گفتم. به شما یادآوری می کنم که در اینجا نمادهای زیادی از جمله نمادهای گیاهی وجود دارد.

به عنوان مثال، حوا میوه درخت دانش را در دست دارد، اما در اینجا سیب نیست، بلکه "سیب آدم" است یا خوراکی نیست. سیترون ایبری.

اپل، مانند لیمو- نماد گناه اصلی.

در این نقاشی فوق‌العاده ماتیاس گرونوالد "مادونا استوپاخ" (1517) نمادهای مریم را در یک گلدان سفید می‌بینیم. زنبق- معصومیت و پاکی، گل رز- اندوه مادری و زخم های مسیح، گل همیشه بهار(یا گل همیشه بهار) - "طلای مریم" ، هدیه تسلی مادر خدا به فقرا و بدبختان. ماریا آن را به کودک می دهد گردو- نمادی از مسیح (پوسته غیر توصیفی بدن انسان است، هسته خوشمزه جوهر الهی است).

در همان محراب گنت می توانید گل های مریم باکره را نیز ببینید: گل رز- غم و اندوه زنبق- خلوص، آکیولژیا و زنبق دره- اشک

زنبق درههمچنین در پای سنت ورونیکا از نقاشی رابرت کمپین دیده می شود. و یه چیز دیگه قاصدک: گل ناز - بچه مسیح، برگ های نیزه ای شکل - نیزه لونگینوس، شور مسیح.

ژاک دارت، "مدونا و کودک با مقدسین در باغ ممنوع" (1425). زیر پای مریم - جهنمی، نماد مسیح و زندگی ابدی است. در سمت چپ در گوشه - عنبیه، نماد غم و اندوه و عذاب مادری است.

فرشتگان مدونا و کودک را تقدیم می کنند یاس. کوزیمو روسینی (1440-1507)
یاس نماد پاکی است.

«کریسمس» اثر هوگو ون در گوس، مولد طبیعت‌های بی‌جان است. قطعه:

در پیش زمینه تصویر ما کسانی را می بینیم که قبلاً برای ما آشنا هستند زنبق، زنبق(سفید نماد خلوص، آبی - اندوه مادری است) aquilegia. و همچنین میخک- خون مسیح و عشق مادرانه و بنفشه ها- نماد فروتنی. سنبلچه گندم- نان، گوشت خداوند.

کپی ونیزی از نقاشی لئوناردو داوینچی "لدا و قو". در داستان اساطیری باستان، گل ها معنای کاملا متفاوتی دارند: شقایق- باد، aquilegia- نماد باروری، مرجانیدر دستان لدا - قدرت طبیعی، اشتیاق ، جوانی ، کره سوزاننده("شب کوری") - بی احتیاطی. بلوطدر بالای سر لدا نمادی از زئوس است.

مریم بچه را می دهد میخک- نماد عشق والدین. (لئوناردو داوینچی "مدونای میخک").

جرارد دیوید "میلاد با اهدا کنندگان، مقدسین جروم و لئونارد" (1510-1515).

این نمادین است قاصدک، شما قبلاً معنی آن را می دانید:

جرولامو دی لابری "مدونا و کودک با مقدسین" (1520). درخت خلیج- شکوه، جاودانگی. طاووس نماد زندگی ابدی است (به دلایلی گوشت آن فاسد نشدنی در نظر گرفته شد)

مارتین شونگوئر «مدونای رزها»
در واقع، گل رز- نمادی از رنج و فداکاری مسیح و مریم، "زخم های خدا". جالب است که در اینجا گل رز نیست، بلکه گل های درخت مانند هستند. پیون ها. اعتقاد بر این بود که گل رز در بهشت ​​خار ندارد، بنابراین گل صد تومانی برای این نقش کاملا مناسب بود.

و اینها طرحهای Schongauer (1495) هستند. پیون!


استفان لوچنر. یک انبوه صورتی دیگر. زیر پای بانوی ما بنفشه ها، نماد فروتنی.

جوس ون کلیو (1513-1515). مدونا و کودک اغلب در حالی که میوه در دست دارند به تصویر کشیده می شدند. مسیح در دستانش است نارنجی(میوه درخت بهشت) یا هلو- مخالفت با سیب، میوه نماد گناه اصلی؛ هلو نماد تثلیث است. انارروی سینی نماد کلیسای جهانی است، انگور- شراب - خون مسیح، مهره - شما قبلاً می دانید، گیلاس- خون عیسی، گلابی- شیرینی فضیلت.

فیلیپو لیپی (اواخر قرن پانزدهم). همان انار.

جووانی بلینی (1480)، اینجا با ما گلابی.

جوس ون کلیو (1525). به وضوح در دست است هلو. لیموبا سرکشی به پهلو دراز می کشد - این نمادی از احساسات زمینی است: از بیرون زیبا است، در داخل غیرممکن ترش است. این به وضوح با گردو، نماد مسیح مخالف است.

کارلو کریولی (1480). کودک در دست فنچ، نماد مصائب مسیح. در سمت چپ مگس نشسته است - شیطان بیدار، نماد مرگ و زوال. گاهی اوقات سیببه عنوان نماد رستگاری تعبیر شد و خیار- طهارت و معاد.

لوکاس کراناچ انگور- نماد عشای ربانی مسیح، خون مسیح.

مارتین شونگوئر" خانواده مقدس".انگورو در سبد - شاه توت، نماد پاکی مریم باکره.

محراب ایزنهایم اثر ماتیاس گرونوالد، 1510-1510

قدیسان در درها بر روی پایه های در هم تنیده ایستاده اند پیچک- نمادی از رستاخیز، زندگی ابدی، فداکاری.
حالا ما قدیسان داریم.

آدریان ایزنبرانت "مریم مجدلیه با منظره". پشت سر قدیس - گل برفی، نماد امید و پاکی.

لوکاس کراناچ "سنت دوروتیا" هنگامی که قدیس به اعدام هدایت می شد، نگهبان با تمسخر از او دعوت کرد تا معجزه کند - برای به دست آوردن گل رزدر وسط زمستان پسری با یک سبد گل رز بلافاصله به قدیس نزدیک شد. اکنون نمادی از سنت دوروتیا است.

آنتونیو کورجو "سنت کاترین". شعبه درختان نخل- نماد شهادت.

آلبرشت دورر "ماکسیمیلیان اول". انار- شما قبلاً می دانید.
همه جور آدم سکولار رفتند.

هانس سوس ون کولباخ دختری از آن تاج گل می بافد فراموش من- نمادی از وفاداری به یک عزیز. این را کتیبه روی نوار تأیید می کند.

"شوالیه جوان در منظره" (دوک اوربینو؟). ویتوره کارپاچیو. ظاهرا پرتره پس از مرگ است. یک حواصیل در آسمان توسط یک شاهین در نزدیکی آب مورد حمله قرار می گیرد و قبلاً آن را می خورد. سگ وفاداری است، زنبق پاکی است، زنبق غم و اندوه است، ارمینه نماد نظمی است که شوالیه به آن تعلق داشت.

پرتره یک خانم. در سبد گلهایی وجود دارد که نشان می دهد به احتمال زیاد این عروس است: بنفشه - فروتنی، یاس - خلوص، میخک - عشق.

آندره آ سولاریو "پرتره مردی با میخک". چنین پرتره های تشریفاتی "داماد" بسیار محبوب بودند. آنها نشان دادند که قهرمان عاشق است و قرار است ازدواج کند. یا شوهر جوان چنین پرتره ای را به نشانه عشق به همسرش تقدیم کرد.

بسیاری دیگر:

ناشناس 1480.

1490

لوکاس کراناچ پرتره دکتر یوهان کوسپینیان و نامزدش (از قبل همسرش؟) آنا کوسپینیان.

هانس هولبین. پرتره گئورگ گیس.

هانس مملینگ

دیرک جاکوبز. پرتره پمپئوس اوکو (1534)

مایکل وولگموت "پرتره اورسولا توچر" (1478)

کارگاه یان ون ایک

پیسانلو، پرتره کنتس گینور دواست (1447)
و این پرتره دختری است که در زمان ایجاد آن مرده بود. او در 21 سالگی درگذشت و شوهرش مقصر مرگ او شد (همسر دوم او نیز به طرز عجیبی درگذشت). در تصویر گل های نمادین وجود دارد: آکوئیلژیا - اشک، میخک - عشق (احتمالاً والدین، ما نمی دانیم چه کسی این نقاشی را سفارش داده است)، پروانه ها و شاخه ای از سوزن کاج - جاودانگی در یاد عزیزان.

دومنیکو ژرلاندایو "پرتره یک بانو". ظاهراً او عروس است، یکی دیگر از نمادهای پاکی، شکوفه پرتقال است

آلبرشت دورر، سلف پرتره در سن 22 سالگی.
این پرتره برای یک همسر جوان در نظر گرفته شده بود، هولی در دستان او نمادی از وفاداری زناشویی است. این تصویر به من انگیزه داد تا این پست را ایجاد کنم.

Neuzv. بانویی از خانواده هوفر. فراموشم نکن - وفاداری، فداکاری. شاید شوهر این خانم مرده است - مگس روی روسری ممکن است نشان دهنده این باشد که در اینجا نمادی از مرگ است، ضعف وجود.

لیدی فیلیپا کینگزبی گیلاس - باروری، فراوانی

پرتره یک بانو (1576). اینجا گلاب در دست شما یعنی ثروت، پامچال یعنی ازدواج، ظاهراً خاله شما!

Mirabello Cavalori "پسر با سنبل و هلو". سنبل نماد شجاعت، مهارت و بازیگوشی بود. گاهی اوقات - خرد، اما در اینجا - به سختی. و سنبل ها بوی خوبی دارند - امروز آنها را به من دادند.

و در نهایت، پرتره ای از نیکلاس کوپرنیک توسط توبیاس استیمر. زنبق دره نماد تلخی و اشک است. همانطور که می دانید دانشمند از این چیزها زیاد داشت!

و آرزو می کنم که احساس تلخی نکنید، بلکه فقط از شادی اشک بریزید!

ظاهراً ظاهر آثار تئوفیلوس را باید به نیمه اول قرن دوازدهم نسبت داد. "De Diversis Artibus"، که بیشتر فنون و روش های کار نقاش، هنرمند ویترای و استاد طلا و نقره را به تفصیل شرح داده است. کار تئوفیلوس گواهی گرانبهایی برای دولت است تمرین هنریقرن دوازدهم، آگاهی هنرمند از خود.

شخصیت Thwophil، که گاهی اوقات با Rogier Helmarshausen شناخته می شود، بسیار مورد توجه است (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. by Dodwell S. B. London, 1961. رجوع کنید به: Dodwell's Introduction, pp. XXIII-XLIV.). یک راهب تحصیل کرده که تمرین هنری را با دانش هنرهای آزاد ترکیب می کرد، پدیده نادری در عصر رومانسک نبود. گستردگی دانش عملی تئوفیلوس در آشنایی او با آخرین گرایش های اندیشه کلامی و فلسفی که در هنر خود به کار می برد قابل توجه است. مهارت هنرمند، طبیعتاً توسط تئوفیلوس به عنوان هدیه ای از جانب خداوند تلقی می شود. اگر استعداد - ingenium - در اندیشه اوایل قرون وسطی اغلب با الهام الهی همراه بود و به عنوان وابستگی مستقیم خلاقیت هنرمند به خدا تلقی می شد، در قرن دوازدهم مشارکت الهی در کار هنرمند به طور غیرمستقیم با قیاس درک می شد. خلاقیت انسان با الهی تئوفیلوس در مقدمه کار خود می نویسد که یک شخص «آفریده شده به صورت و شباهت خداوند، متحرک از نفخه الهی، برخوردار از عقل، سزاوار است که در خرد و استعداد ذهن الهی سهیم باشد»..

اما اگر چه انسان با اراده و نافرمانی، امتیاز جاودانگی را از دست داد، او اما احترام علم و دانش را به نسل‌های بعدی منتقل کرد تا کسانی که تلاش می‌کنند، گویی به حق ارثی در همه هنرها استعداد و توانایی کسب کنند.». او هر هفت نعمتی را که توسط روح القدس بر انسان سرازیر شده است - خرد، درک، پذیرش نصیحت، قدرت معنوی، دانش، تقوا، ترس از خدا - به هنرمند نسبت می دهد.

• راهب هنرمندی که مجسمه ای را نقاشی می کند. مینیاتوری از نسخه خطی آخرالزمان. ربع آخر قرن سیزدهم.
• هنرمندی که مجسمه ای را نقاشی می کند. مینیاتوری از نسخه خطی احکام گریگوری نهم. اواسط قرن 14 نقاش در محل کار برگی از کتابی از نمونه های اوایل قرن سیزدهم.

مسئله رابطه بین مواهب مقدس و فضایل انسانی موضوع بحث در نیمه اول قرن دوازدهم در نوشته های آنسلم کانتربری، ایو شارتر، هونوریوس اوتون، روپرت از دویتز، آبلار، برنارد از نلرواکس بود. و دیگر فیلسوفان و متکلمان قرن دوازدهم. هنرمند را وارث حکمت الهی می دانند. هنرمند از طریق کار مداوم، ارتقای دانش و مهارت، می تواند به بالاترین خرد و مهارتی که انسان قبل از سقوط داشته است، نزدیک شود. اشتیاق واقعی به هنر او همه راه های دیگر شناخت خدا را از تئوفیلوس پنهان می کند. او ارتباط مستقیمی بین کار هنرمند و هدیه های هفت گانه روح القدس می بیند و مشکل هدایای مقدس را عملاً درک می کند. "بنابراین، پسرم لرزان،- نویسنده با خطاب به خواننده-دانشجوی آینده می نویسد. هنگامی که خانه خداوند را به این زیبایی و با این همه تنوع زینت دادی، شک نکن، اما سرشار از ایمان، بدان که این روح خداوند است که دلت را سیراب کرده است.».

افسانه در مورد هنرمند مینیاتور نسخه خطی "آواز آلفونس دهم". نیمه دوم قرن سیزدهم.

آثار تئوفیلوس نشان می‌دهد که خود هنرمند تا چه حد برای مهارت خود ارزش قائل بوده و آن را تجلی مستقیم فیض الهی می‌داند. فیلسوفان، مانند هیو سنت ویکتور، می توانستند دانش را طبقه بندی کنند و نظمی سلسله مراتبی ایجاد کنند. اما برای هنرمند، هنر تنها چیز به نظر می رسید راه ممکنبه معرفت خداوند و درجه بسیار عالی بود.

تئوفیلوس خود را وقف هنر می کند نقش مهمدر تحقق هدف اصلی خود توسط انسان - ستایش خدا و تلاش برای معرفت او. این هنرمند همانطور که تئوفیلوس می نویسد، کار خود را در تزئین معبد به نمازگزاران تقدیم کرد. «بهشت پروردگار که با گلهای مختلف شکوفا شده و با برگ سبز می شود و ارواح اولیاء الهی را با تاج هایی با کرامات مختلف تاج می نهد» و به آنها فرصت داد تا «خلق را در خلقتش ستایش کنند و شگفتی آنچه را تسبیح کنند. او آفرید.».

آثار تئوفیلوس نشان می دهد که آثار این هنرمند در قرن دوازدهم تا چه اندازه ارزش بالایی داشته است. او بارها تکرار می کند که کار خود را برای ستایش خداوند نوشته است و نه برای غرور و غرور زمینی. کار او این فرصت را به ما می دهد تا به درک فضای معنوی که هنرمند نیمه اول قرن دوازدهم در آن زندگی می کرد نزدیک شویم. فروتنی عمیق نسبت به خالق همه چیز، درهم آمیخته با ایده روشنی از اهمیت و ارزش کار خلاقانه، ویژگی نگرش هنرمند آن زمان نسبت به جهان است که در نظم هماهنگ آن خود را پیوند ضروری می داند. و جایگاه شایسته او را اشغال می کند.

کتاب تئوفیلوس ساختار افکار و احساساتی را که هنرمند در آستانه ظهور گوتیک با آن زندگی می کرد، برای ما آشکار می کند. قابل توجه است که ایده های هیجان انگیز تئوفیلوس در مورد تزئین معبد به عنوان امری مورد رضایت خداوند، ستایش خالق و اجازه دادن به مؤمنان برای صعود به سوی او با روح خود، در سطح فلسفی متفاوتی توسط سوگر - الهام بخش سبک گوتیک و سازنده اولین معبد گوتیک در دهه 40 قرن دوازدهم - کلیسای کلیسای سلطنتی سنت دنیس در نزدیکی پاریس.

• برگی از نسخه خطی آلزاس. ربع آخر قرن دوازدهم.
• برگی از یک نسخه خطی فرانسوی مربوط به اوایل قرن دهم.
• ورقی از نسخه خطی ادهمار از چابانس. باشه 1025

اثر باقی مانده بعدی در مورد تکنیک هنرهای زیبا، آلبوم معروف معمار فرانسوی ویلار دو هانکور است که قدمت آن به دهه 30 قرن سیزدهم می رسد و در پاریس نگهداری می شود. کتابخانه ملی. این آلبوم منبع ارزشمندی برای مطالعه هنر گوتیک است. این مجموعه ای بسیار جالب از نمونه ها برای هنرمند و مجسمه ساز، طرح هایی از زندگی، تصاویر مکانیسم ها، نقشه های جزئیات معماری، نقشه ها و نمایشی شماتیک از "اسرار" هنر گوتیک است.

اگرچه کتاب تئوفیلوس و آلبوم ویلار دو هانکور از نظر سنت، شخصیت و سطح تحصیلات نویسندگان کاملاً متفاوت هستند، اما وسوسه مقاومت ناپذیری برای مقایسه آثار با یکدیگر وجود دارد. از آنجایی که دست‌نوشته‌ها توسط هنرمندان حرفه‌ای، دست اندرکاران هنرهای زیبا خلق شده‌اند، این مشابهت چندان مصنوعی نخواهد بود. آنها شباهت های زیادی با یکدیگر دارند. کتاب تئوفیلوس اثر یک راهب تحصیل کرده قرن دوازدهم است که هنرمند و صنعتگر نیز بود. این نسخه خطی به سادگی، واضح و به زبان لاتین خوب نوشته شده است و بحث های مفصل تئوفیلوس در مورد هدف و هدف هنرها نشان دهنده آشنایی با جهت های اصلی تفکر فلسفی آن دوران است. راهب هدف هنر را هدف انشاء خود در خدمت و ستایش خداوند می داند. نویسنده در ابتدای هر بخش از کتاب، دانش آموزان را با سخنرانی طولانی خطاب می کند و در آنجا ماهیت خداپسندانه کار هنرمند را آشکار می کند، به خدمت، صبر و آگاهی دعوت می کند که دانش و توانایی هایی که به آنها داده می شود از این هنر است. رحمت خدا آلبوم ویلار، بر خلاف کار تئوفیل، یک مقاله نیست، بلکه آلبومی از طرح های کاری است، دفترچه ای از یک معمار حرفه ای گوتیک که به محیط رهبانی تعلق نداشت، همراه با توضیحات مختصری به زبان فرانسوی قدیم.

مقدمه طولانی و مفصل و با ذوق تئوفیلوس بر کتاب اول با خطاب به شاگردانش به پایان می رسد: «اگر بارها این مطلب را دوباره بخوانی و آن را محکم در ذهن داشته باشی، به من پاداش می دهی، که چند بار از کار من بهره مند می شوی، چند بار برای من دعا می کنی به درگاه خداوند مهربان که می داند من نوشتم. کار من نه از روی عشق به ستایش انسان، نه از روی طمع پاداش در این دنیا، که موقتی است، و هیچ چیز ارزشمند یا کمیابی را از روی حسادت پنهان نکرد، چیزی برای شخص خود نگه نداشت، بلکه به نیازهای بسیاری کمک کرد. و با نصیحت به افزایش عزت و جلال نام خدا کمک کرد.».

آلبوم Villars de Honnecourt: برگه های 14، 27; ورق 15 - طرح گروه کر ایده آل یک کلیسای گوتیک (طرح کلیسای جامع در Meaux)؛ ورق 17 - طرح گروه کر کلیسا در ووسل و شکل.

مقدمه ویلار بیشتر یادآور رونوشت فشرده و مختصر اندیشه نهایی تئوفیلوس در مقدمه خود است که به علاوه توسط دومی در قالبی زیبا ارائه شده است. فرم ادبی: ویلارز دو هانکور به شما سلام می‌دهد و از همه کسانی که با وسایل ذکر شده در این کتاب کار می‌کنند می‌خواهد که برای روح او دعا کنند و به یاد او باشند، زیرا در این کتاب می‌توان توصیه‌های عالی در مورد مهارت سنگ‌سازی و نجاری پیدا کرد در اینجا هنر طراحی و همچنین مبانی مورد نیاز و آموزش علم هندسه.". لحنی مختصر و تجاری، هیچ چیز اضافی نیست، ما فقط در مورد مهمترین چیزها صحبت می کنیم، محتوا و هدف کل کتاب در چند عبارت موجز بیان شده است، جذابیت سنتی برای دانش آموزان بسیار مختصر و محدود به یک سلام است. با درخواست دعا برای قدردانی از نویسنده آلبوم. چه تضاد با لحن مثبت و آموزنده تئوفیلوس، تأکید دائمی بر ارتباط بین هنر و خدا، و توضیحات دقیق و دقیق دستور العمل ها. شاید دیدن این تفاوت نه تنها نتیجه تفاوت بین این دو، کشش باشد گونه های منفردکتابچه راهنمای فنی قرون وسطی - رساله و آلبوم نمونه - نه تنها ناشی از تعلق نویسندگان به اقشار مختلف جامعه قرون وسطی است، بلکه به نظر می رسد که این تضاد نیز به دلیل قرنی باشد که بین خلق دو اثر مورد بحث قرار دارد.

همانطور که تئوفیلوس در کار خود جهان بینی یک هنرمند رمانسک و ایده او را در مورد جایگاه او در زندگی و هدف هنرش بیان کرد، ویلارد دو هانکور نیز در آلبوم خود ویژگی های معمول یک معمار گوتیک را با ایده های خود در مورد جهان اول، حرفه ای بودن، دانش عمل هنری از جمله معماری، مجسمه سازی و مهندسی که در قرون وسطی رایج و سنتی بود. علاوه بر این، متن ویلار چیزی در مورد آشنایی او با گرایش های اندیشه کلامی یا فلسفی نمی گوید. سپس - دموکراسی، وضوح نمودارها، نقشه ها و نمونه ها، متن همراه نه به زبان لاتین، بلکه به زبان فرانسوی قدیمی.

ویژگی بعدی کنجکاوی شدید برای همه چیزهای بی سابقه، خنده دار، کمیاب، جالب است که او را مجبور می کند تا یک شیر را همراه با سایر حیوانات کمیاب ترسیم کند. سپس - مشاهده، جذب در تأثیرات بصری، شاید جایگزین آموزش جامد. آشنایی با کشورهای مختلف، سفرهایی که ویلار انجام داد، تجربه، شناخت عمیق از هنر خود. یک ویژگی به همان اندازه بارز، ذهنیت قضاوت در مورد هنر، انتخاب جزئیات معماری، صحنه ها و چهره ها برای طرح ها مطابق با سلیقه شخصی ویلار است که استاد چندین بار از بیان آن کوتاهی نکرد. مورد دوم مورد توجه خاصی است که بیانگر خودآگاهی فزاینده هنرمند گوتیک است.

آلبوم ویلار که آلبومی از نمونه ها و راهنمای فنی برای اساتید دیگر بود، به عنوان یک دفترچه یادداشت شخصی باقی ماند، یک آلبوم سفر، که در آن هر چیزی که جالب به نظر می رسید، ترسیم می شد. «اینجا طرح گروه کر کلیسای ما است باکره مقدسمری در کامبری". "من این پنجره ها را رنگ کردم زیرا آنها را بیشتر از دیگران دوست داشتم". سرانجام، تقوای سنتی و تا حدودی رسمی او مشخصه است که به سرعت در یک عبارت بیان می شود و به شدت با تقوای کامل و کاملاً اثبات شده تئوفیلوس متفاوت است.

ایده حمایت خدا از هنرمند، کمک خدا به انسان، که «دست راست الهی او را در فعالیت‌هایش هدایت می‌کند»، در واقع در طول زمان مفهومی رسمی پیدا می‌کند، اگرچه در کشورهای ماوراء آلپ معنای سابق خود را حفظ می‌کند. به طور غیر قابل مقایسه ای طولانی تر از ایتالیا. این امر همچنان در رساله‌های استادان گوتیک متاخر احساس می‌شود و با شور و شوق در مورد جنبه‌های فنی و هنری هنر خود بحث می‌کنند، درست تا قرن شانزدهم. این نشان دهنده رساله های آلبرت دورر و نیکلاس هیلیارد است.

سبک سریع، سریع و پویا توضیحات مختصر ویلار کم اهمیت نیست. من می خواهم در آن جلوه ای از روح فضای تجاری را ببینم که در اطراف ساخت و ساز ایجاد شده است کلیسای جامع گوتیک. برای شخصیت‌پردازی هنرمند قرون وسطایی، بسیار مهم است که دفتر و آلبوم طرح‌های سفر ویلار بعداً به کتاب نمونه‌هایی برای کل کارگاه تبدیل شد. ظاهراً پس از مرگ ویلار، این آلبوم با طراحی و یادداشت توسط دو استاد دیگر که ناشناس ماندند تکمیل شد. آنها معمولاً به عنوان "Master 2" و "Master 3" تعیین می شوند.

اگرچه روند جداسازی فرد هنرمند از محیط صنفی به آهستگی اما مطمئناً در طول قرن‌های 13 و 14 توسعه یافت، هنرمند گوتیک خود و مهارت‌هایش را به هیچ وجه به جز در ارتباط شرکتی، محدود به چارچوب و هنجارهای موجود درک نمی‌کرد. با جامعیت بسیار هنر گوتیک که او را در دنیای گوتیک احاطه کرده بود به او ارائه شد.

بنابراین از صفحات کتابچه راهنمای فنی در مورد هنر، مجموعه ای از دستور العمل ها، قوانین و آلبوم های نمونه، ارقام در مقابل ما ظاهر می شوند. هنرمندان قرون وسطی- نویسندگان آنها، با ایده هایشان در مورد خودشان و اهداف کارشان، با درک خودشان از جهان و جایگاهشان در آن.

برچسب: نظریه هنر (فلسفه)

معمولاً وقتی عبارت «قرون وسطی» به زبان می‌آید، قلعه‌های گوتیک غم‌انگیز جلوی چشمان آدم می‌آیند، همه چیز تاریک، نادیده گرفته شده، کسل‌کننده است... این کلیشه‌ای است که به دلایلی در ذهن مردم ایجاد شده است. نقاشی این دوره خلاف آن را ثابت می کند - نه تنها کسل کننده نیست، بلکه بسیار رنگارنگ است.

هنر قرون وسطی: ویژگی ها و روندها

قرون وسطی نشان دهنده دوره ای از قرن پنجم تا هفدهم است. این اصطلاح خود در ایتالیا سرچشمه گرفته است. اعتقاد بر این بود که این زمان یک افول فرهنگی بوده است.

هنر قرون وسطی چند ویژگی دارد و همه آنها با مبانی و سنن حاکم بر جامعه در آن زمان ارتباط تنگاتنگی دارد. بنابراین، کلیسا و جزمات مذهبی قوی بودند - به همین دلیل است که دین چیزی عادی برای فرهنگ آن زمان شد. علاوه بر این، از ویژگی های بارز آن زهد، نفی سنت های کهن و در عین حال تعهد به دوران باستان، توجه به دنیای درونیانسان و معنویت او

این دوره معمولاً به چند دوره تقسیم می شود: اوایل قرون وسطی(قبل از قرن یازدهم)، توسعه یافته (قبل از قرن پانزدهم) و بعدها (پیش از قرن هفدهم). هر کدام از این فواصل، باز هم روندهای خاص خود را دارند. به عنوان مثال - اوایل قرون وسطیبا رد کامل سنت های باستانی متمایز شد، مجسمه سازی در فراموشی فرو رفت، شکوفا شد معماری چوبیو به اصطلاح سبک حیوانات. مردم معمولاً به تصویر کشیده نمی شدند و این هنر "وحشیانه" بود. توجه ویژه ای به رنگ شد.

برعکس، قرون وسطی توسعه یافته بر هنرهای کاربردی متمرکز بود - فرش ها، ریخته گری ها و مینیاتورهای کتاب مد بودند.

در دوران اواخر قرون وسطیسبک های رومانسک و گوتیک شروع به تسلط کردند، به ویژه در معماری که شکل اصلی هنر در این دوره بود، غالب شدند.

به طور کلی، دوره بندی زیر از هنر قرون وسطی به طور کلی پذیرفته شده است: سلتیک، مسیحیت اولیه، هنر دوره مهاجرت مردمان، بیزانس، پیش رومانسک، هنر رومی و گوتیک. در ادامه، با جزئیات بیشتری در مورد ژانرها، سبک ها، تکنیک ها و موضوعات نقاشی قرون وسطی صحبت خواهیم کرد. یادی کنیم از اساتید معروف.

نقاشی قرون وسطی

در دوره های مختلفدر طول قرون وسطی، انواع مختلف هنر به منصه ظهور رسید - مجسمه سازی، معماری. نمی توان گفت که نقاشی در حاشیه ماند. با گذشت زمان و تحت تأثیر تغییرات جامعه نیز تغییر کرد که در نتیجه نقاشی ها واقع گرایانه تر شدند و هنرمندان تکنیک ها، مضامین و دیدگاه های جدیدی برای خلاقیت ظاهر شدند. بنابراین، به عنوان مثال، با وجود این واقعیت که تمایل به نقاشی بوم‌هایی با مضامین مذهبی در نقاشی قرون وسطی در هر دوره رایج بود (اما بعد از قرن سیزدهم کمتر رخ داد)، با افزایش تحصیلات، آنها بیشتر شدند. مشترکنقاشی های به اصطلاح سکولار - محتوای روزمره، منعکس کننده زندگی ساده مردم عادی (البته از جمله اشراف). اینگونه بود که نقاشی واقع گرایانه، بی خاصیت آن دوران، پدید آمد. اوایل قرون وسطی. نقاشی ها نه دنیای معنوی، بلکه دنیای مادی را به تصویر می کشند.

مینیاتورهای کتاب گسترش یافت - به این ترتیب آنها سعی کردند کتاب ها را بهبود بخشند و تزئین کنند و آنها را برای خریداران بالقوه جذاب تر کنند. نقاشی های دیواری نیز ظاهر شد و همچنین موزاییک هایی که دیوارهای خارجی و داخلی کلیساها را تزئین می کردند - برای این باید از دستور فرانسیسکن که برای آن ساخته شده بود تشکر کنیم. تعداد زیادیساختارهای مشابه همه اینها پس از قرن سیزدهم اتفاق افتاد - قبل از اینکه نقاشی به این اندازه مورد توجه قرار نگیرد، نقش ثانویه ای ایفا می کرد و چیزی مهم به حساب نمی آمد. تصاویر نقاشی نمی شدند - آنها "نقاشی" بودند و این کلمه کاملاً نشان دهنده نگرش نسبت به این نوع هنر در آن دوره است.

با اوج گیری نقاشی در قرون وسطی، این درک به وجود آمد که نقاشی بوم های هنری سهم کسانی است که واقعاً چگونه این هنر را می دانند و دوست دارند. نقاشی‌ها دیگر «نقاشی» نمی‌شدند. به عنوان یک قاعده، هر نقاشی مشتری خاص خود را داشت و این سفارشات منحصراً برای یک هدف خاص انجام می شد - بوم ها برای خانه های نجیب، برای کلیساها و غیره خریداری می شدند. مشخص است که بسیاری از هنرمندان قرون وسطی آثار خود را امضا نمی کردند - این یک صنعت رایج برای آنها بود، مانند تولید نان برای یک نانوا. اما نقاشان آن دوره سعی کردند به قوانین ناگفته پایبند باشند: تأثیر عاطفی بر کسی که به بوم نگاه می کند. نادیده گرفتن ابعاد واقعی - برای ایجاد اثر بیشتر. دوره های زمانی مختلف را با یک قهرمان در تصویر به تصویر بکشید.

شمایل نگاری

آیکون‌نگاری شکل اصلی هنر در این کشور بود اوایل قرون وسطی. این نقاشی ها یا بهتر است بگوییم شمایل ها نوعی موعظه محسوب می شدند که بدون کلام آموزش می دهند. این یک ارتباط با خدا بود که برای همه قابل دسترس بود، زیرا بسیاری از مردم در آن زمان بی سواد بودند، به این معنی که آنها نمی توانستند متون دعا یا به طور کلی هیچ کتاب کلیسایی را بخوانند. نمادها چیزی را به مردم عادی منتقل می کردند که کاغذ قادر به انتقال آن نبود. ویژگی مشخصهشمایل نگاری شامل تغییر شکل نیم تنه بود - این کار به منظور ایجاد تأثیر عاطفی بیشتر بر روی مخاطب انجام شد.

هنر بیزانسی

در مورد فرهنگ قرون وسطی، نمی توان حداقل چند کلمه در مورد نقاشی گفت در بیزانس در میانهقرن این تنها جایی بود که آنها به قدیمی ها وفادار ماندند سنت های خوبهنر هلنیستی فرهنگ بیزانسی توانست به طور هماهنگ سرگرمی و معنویت ("روح بالای بدن") را که از شرق به آن آمده است ترکیب کند. تحت تأثیر بیزانس، متعاقباً فرهنگ بسیاری از کشورهای دیگر - به ویژه روسیه - شکل گرفت.

ایده پیشرو در نقاشی در بیزانس در قرون وسطی، ایده جهان به عنوان یک آینه بود. این "آینه"، طبق ایده های باستانی، قرار بود با کمک نمادهای خاص، دنیای معنوی انسان را منعکس کند - این نمادها نقاشی بودند. خیلی توجه بزرگتمرکز بر نور و رنگ بوم ها، به عنوان یک قاعده، چهره های تمام قد انسان را به تصویر می کشیدند - در مرکز، عیسی مسیح یا مادر خدا، مقدسین مختلف، در پشت آنها و در کنار آنها - بقیه اطراف آنها. اگر لازم بود شخصیت های منفی (مانند یهودا) نشان داده شوند، آنها در پروفایل نوشته می شدند. ویژگی خاص به تصویر کشیدن شخصیت ها در نقاشی ها، طرح آنها همراه با اهمیت بود. به نظر می رسید که آنها "وزن می آورند" ، اما در همان زمان صاف می شدند. در نقاشی های هنرمندان بیزانسی نیز نمی توان چشم اندازی یافت.

اما بیزانسی ها با دقت یکی از قوانین نقاشی قرون وسطی را دنبال کردند - تمام چهره هایی که روی بوم های آنها وجود داشت، برای وضوح بیشتر، در اندازه واقعی و با تناسب به تصویر کشیده نمی شوند: یا با سر بسیار بزرگ و چشمان بزرگ، یا با گردن کشیده و نیم تنه کشیده، سپس با عدم وجود اندام و غیره.

مشخصه این است که هنرمندان از زندگی نقاشی نکرده اند. در میان موضوعات غالب در نقاشی بیزانسی، می توان یک شکل مصلوب شده بر روی یک صلیب را برجسته کرد - نمادی از رنج، شکل یک زن با بازوهای دراز - نماد یک مادر، یک شکل با هاله - نماد تقدس، یک شکل یک فرشته با بال - نمادی از خلوص و بی گناهی.

سبک ها سبک اصلی نقاشی در آغاز قرون وسطی بوداروپای غربی اوایل قرون وسطیرومی در نظر گرفته شده است. کمی بعد سبک گوتیک ظاهر شد. با این حال، قبل از ظهور هر دو، نقاشی هنوز وجود داشت. همانطور که در بالا ذکر شد، این هنر به اصطلاح بربری بود که با فرهنگ دوران باستان اشتراک چندانی نداشت. مردم از طبیعت می ترسیدند و آن را خدایی می کردند که در نقاشی - تصاویر طبیعت و همچنین انسان ها در هنر منعکس شد. خیلی کم عمدتاً این زیور محبوب بود که در آن سبک "حیوانی" قبلاً ذکر شده ظاهر شد. این امر تا قرن هشتم ادامه یافت که به تدریج تصاویر مسیح وشکل انسانی

در اصل

فلاندری ها قرن پانزدهم برای فلاندر شکوه به ارمغان آورد - در این منطقه بود که یک تکنیک منحصر به فرد جدید ظاهر شد که تأثیر زیادی بر تمام هنرها گذاشت و در یک نقطه محبوب شد.در مورد اختراع رنگ روغن به لطف افزودن روغن نباتی به مخلوط رنگ‌ها، رنگ‌ها اشباع‌تر شدند و خود رنگ‌ها خیلی سریع‌تر از دمایی که نقاشان قبلاً استفاده می‌کردند، خشک می‌شدند. استادان پس از تلاش برای اعمال لایه به لایه، از احتمالات و چشم اندازهایی که به روی آنها باز شده بود متقاعد شدند - رنگ ها به روشی کاملاً جدید بازی می کردند و تأثیراتی که از این طریق به دست می آمد کاملاً تمام دستاوردهای قبلی را تحت الشعاع قرار می داد.

دقیقاً مشخص نیست که دقیقاً مخترع رنگ روغن کیست. اغلب ظهور آنها، شاید، نسبت داده می شود خودش به استاد معروففلاندریمدرسه - یان ون ایک. اگرچه حتی قبل از او، رابرت کمپین، که در واقع بنیانگذار نقاشی فلاندری محسوب می شود، بسیار محبوب بود. با این وجود، این به لطف ون ایک بود رنگ روغندر سراسر اروپا بسیار گسترده شده اند.

هنرمندان برجسته

نقاشی قرون وسطی نام های شگفت انگیز بسیاری را به جهان داد. قبلاً در بالا ذکر شد، یان ون ایک یک نقاش پرتره عالی است که آثارش در بازی جالب نور و سایه با سایرین متفاوت است. از ویژگی های بارز نقاشی های او جزئیات دقیق ریزترین جزئیات است. فلاندری دیگر، روژیر ون در ویدن، چندان حواسش به جزئیات نبود، اما خطوط بسیار واضحی را ترسیم می کرد و روی سایه های رنگارنگ و روشن تمرکز می کرد.

در میان استادان ایتالیاییعلاوه بر موارد ذکر شده در بالا، شایان ذکر است دوچیو و سیمابوئه، بنیانگذاران رئالیسم، و جیوانی بلینی. ال گرکو اسپانیایی و هلندی نیز اثر بزرگی در هنر به جا گذاشتند هیرونیموس بوش، آلبرشت دورر آلمانی و دیگران.

1. کلمه "مینیاتور" از minium گرفته شده است - این نام لاتین برای minium است که در قرون وسطی برای نوشتن حروف بزرگ در متون استفاده می شد.
2. نشیمن نقاشی "شام آخر" اثر لئوناردو داوینچی یک مست معمولی بود.
3. در هر قرن جدید، مقدار غذا در طبیعت‌های بی‌جان افزایش می‌یابد.
4. نقاشی تیتیان "عشق زمینی و عشق بهشتی" قبل از دریافت چنین نامی چهار بار آنها را تغییر داد.
5. هنرمند جوزپه آرسیمبولدو بوم های خود را از سبزیجات، میوه ها، گل ها و غیره ساخته است. آثار بسیار کمی از او به دست ما رسیده است.

نقاشی قرون وسطی، مانند کل فرهنگ این دوره، لایه ای منحصر به فرد است که قرن ها قابل مطالعه است. علاوه بر این، این واقعاً یک شاهکار میراثی است که مسئولیت مستقیم ما حفظ آن برای آیندگان است.

به غیر از چندین ده نسخه خطی صورت، درباره زندگی نقاشی قرون وسطی تا قرن دهم. ما عمدتا از شواهد ادبی می دانیم. اما با ترکیب دومی با آنچه کتاب‌های نقاشی حفظ شده است، آنچه در دوران بعد در هنر نقاشی دیواری، شیشه‌های رنگی که در نهایت در زمینه تزئینات مجسمه‌سازی تجلی یافته است، «بقا» می‌شود، می‌توان تصور خاصی از جستجوی غرب در این دوران

شکی نیست که در حال حاضر از قرن پنجم. کلیساهای غربی با نوعی نقاشی روی قسمت های وسیعی از دیوارها پوشانده شدند و کمی بعد پنجره های آنها با موزاییکی از شیشه های رنگی تزئین شد. علاوه بر این، در کدهای غربی متقاعد شده‌ایم که در کارگاه‌های نویسندگی آن زمان (عمدتاً صومعه‌ها) کار جدیدی که تا دوران باستان کلاسیک ناشناخته بود، روی کتاب انجام شد که ترکیب نوشتن و نقاشی را در نظر داشت. خود به «زیبا» تبدیل می‌شود، جایی که «تصویر» به عنوان یک قاب تعیین‌کننده تابع حرف اولی می‌شود و در آن تلاش‌های خلاقانه برای ایجاد تزیینی زینتی از متن و ابتدایی که با آن مرتبط است انجام می‌شود.

اما در حال حاضر از دوران اوتونی در آلمان (قرن 10) بناهای تاریخی چشمگیرتری حفظ شده است: نه تنها هنر کوچک کتاب مینیاتور، بلکه هنر بزرگ نقاشی های یادبود است. نقاشی های دیواری که در سال 1888 در کلیسای St. جورج در Oberzell در جزیره Reichenau، قیاس کاملی با مینیاتورهای نسخه های خطی همان صومعه نشان می دهد و در مورد چند جانبه صحبت می کند. کار هنریتمرکز قوی او تنها نبود. اما هنر آرام و تا حدودی بی حرکت دیگران مدارس معروفآلمان همان زمان (Trier-Echternach، کلن) تحت الشعاع شکوفه های شگفت انگیز Reichenau با قدرت مشخص خود قرار گرفته است. ایده خلاقانه، هارمونی اصلی ترکیب، استحکام طراحی و زیبایی ترکیبات رنگارنگ. ارتباط با ایتالیا و بیزانس، تحت تأثیر اوتون ها، تأثیر هنر "جزایر اقیانوس" - از قرن 9th احیا شد. راین و بخشی از دانوب مسیر سفر ایرس ها و آنگلوساکسون ها شد - همه اینها شکوفایی نقاشی در آلمان را در قرن دهم توضیح می دهد. زیاد طول نکشید. و اگر برای قرن X. فرانسه نمی تواند با چیزی که معادل آن باشد مخالفت کند، اما آثاری که توسط بناهای تاریخی قرن بعد آشکار شد (عمدتاً در نقاشی های دیواری کلیسای سن سووین) دوران طولانی و پرباری را در تاریخ آن باز می کند. امروزه، از بین بردن پوشش خاکستری آهک، که در زیر آن قرن 17th-19th. نقاشی‌های باستانی مدفون، زیبایی نقاشی‌های دیواری رومی را در متنوع‌ترین مناطق فرانسه نشان می‌دهد: آثاری از مدارس مختلف هنری، در همه جا آغشته به وحدت اساسی.

درست همانطور که تصویرسازی کتابی از این دوران با صورت صفحه، با تقسیم بندی متن سازگار بود، و در اصل مشکلات زینتی را مطرح می کرد و در اصل آن را حل می کرد، نقاشی آن نیز با تقسیم بندی معماری معبد رومانسک سازگار شد. او بدون اینکه هارمونی خطوط معماری را از بین ببرد، در هماهنگی با آن، با قاب‌های تزئینی، طرح و سبک ترکیب‌بندی‌هایش، گسترده و ساده، رها از همه جزئیات غیرضروری، بر آن تأکید و غنا می‌بخشد و صحنه‌ها را به حداقل می‌رساند. مانند یک درام یونانی که نه ژرفای پرسپکتیو را می شناسد، نه نور و نه سایه، بلکه در ابدیت دو بعدی زندگی می کند. و بیننده مسحور بی اختیار از خود می پرسد: آیا می توان دوره ای را یافت که قانون تزئینات تاریخی را بهتر درک کند؟

نقاش رمانسک، اگرچه در دنیایی زندگی می‌کند که در آن «چشم‌های هرج‌ومرج به پادشاهی نظم می‌نگرد»، شاگردی از دور یا نزدیک معلمان شرقی - سوری و بیزانسی - شاگرد شاگردشان، راهب پادربورن تئوفیلوس است. ، بیشتر از او، به دور از سنت های دوران باستان. با اجرای دستورات تئوفیلوس، او به طیف رنگارنگ خود، دستور العمل خود برای "رنگ گوشت"، قانون "نور مطلق" و "سایه مطلق" وفادار است. او از نوع لباس چسبیده بیزانسی منحرف نمی شود. به طور کلی طرح ها و انواع شمایل نگاری شرقی را تکرار می کند.

و، با این حال، نه تنها در بهترین موجوداتمراکز آلمانی و فرانسوی، اما اغلب در مدارس متوسطه محلی، از طریق تقلید، جستجوی اصیل راه خود را از طریق تقلید باز می کند، خود را در طراوت ساده لوحانه مفهوم، در اصالت خلاقانه نشان می دهد و نشان می دهد که نقاش با مشاهده خود جنبش را پایه گذاری کرد و جزئیات صمیمی زندگی، که او "خودش به زیبایی آن مطالعه کرد"

نقاشی‌های رومی که دیوارها، طاق‌ها، سردابه‌ها و حتی ستون‌ها را می‌پوشاند، مجسمه‌هایی را نیز به تصویر می‌کشد. مجسمه‌های رمانسک گاهی هنوز آثار رنگ‌آمیزی را که زمانی به آن روح می‌بخشید، حفظ کرده است. این ذوق هنری که به تدریج تبدیل به یک الگوی مذهبی می شود، از قرون وسطی شهری گوتیک می گذرد تا در دوران مدرن به محصولات صنایع دستی برسد که تا به امروز مغازه های کاتولیک را پر از عروسک های نقاشی شده خود می کند. اما مجسمه هنری از رنسانس تا دوران کلینگر بی رنگ باقی مانده است.

در نقاشی‌های دیواری رومی، قرون وسطی بهترین چیزی را که از نظر هنری در توان خود بود خلق کرد نقاشی یادبود. در معماری گوتیک به تدریج محو می شود. دو عامل در آن برای زندگی او نامطلوب است. در مرحله اول، به حداقل رساندن صفحه دیوار، که همچنین توسط ستون ها، ستون ها و فریزهای تزئینی شکسته شده است. ثانیاً اثر عینک های رنگی. در زیر انعکاس های درخشانی که معبد را با آن پر می کردند، رنگ های ظریف نقاشی ها محو و تغییر می کردند. درست است، برخی از هنرمندان، به دنبال روش هایی برای مقابله با اثر مرگبار نقاشی، تونالیته آن را به روشن و هماهنگ با شیشه می کشند («طلا تنها رنگی است که با انعکاس های آبی و قرمز خاموش نمی شود شیشه») قاب ها، حاشیه ها، پیچک ها، و جزئیات طلایی جداگانه را معرفی می کند: چوب های طلایی، چیزها، کمربندها، مچ دست ها، کفش ها، بال های فرشته. این نقاشی دیوارهای بافته شده از شیشه های رنگی سنت شاپل و یک دایره کامل از کلیساهای فرانسوی است که از آن تقلید کرده اند. سقف با رنگ آبی پوشانده شد و با ستاره های طلایی پر شد - جلوه ای که گوتیک ایتالیایی آن را دوست داشت.

اما به طور کلی، همه جا به جز ایتالیا که معماری رومی را حفظ کرد، آن را در یک سلسله گذارهای نامحسوس به معماری دوره رنسانس منتقل کرد و نقاشی دیواری را به این دوره آورد، این دومی نبود که مایه مباهات معماری گوتیک به ویژه کلیسا بود. (قلعه ها و کاخ ها تا حد زیادی صفحات وسیع دیوارها و نور طبیعی داخل آن را حفظ کردند). درخشش شیشه های رنگی در اینجا غالب است.

او در هر دو دوره پیش از روم و روم در تمام کشورهای غربی و بیش از همه در فرانسه شناخته شده بود. اما قابل توجه ترین زمان در تاریخ آن بود پایان XIIو آغاز سیزدهم V. هنگامی که برای تکمیل کلیسای سنت دنیس در نزدیکی پاریس، به دعوت راهب این صومعه، سوگر، کهکشانی درخشان از "هنرمندان شیشه ای رنگی" در کلیسای کلیسا تاسیس شد، یک مدرسه واقعی از این هنر در اینجا ایجاد شد. کلیسای نوتردام در پاریس که در حال تکمیل بود، سپس از تجربیات و هنرمندان آن بهره برد و از سال 1210 بهترین نیروها در شارتر، نزدیک کلیسای جامع آن متمرکز شدند. در نیم قرن، مرکز دوباره به پاریس نقل مکان کرد، جایی که کار روی شیشه تحت تأثیر تکنیک‌ها و سلیقه‌های تا حدی تغییر یافته در زمان «طوفان و استرس» قرار گرفت. تلفیقی آرام و زیبا از پس‌زمینه‌های آبی اولیه، تجمل قاب‌های زینتی، سبک رومی شکل فیگورها و گروه‌ها جای خود را به موزاییک کوچک‌تری از پس‌زمینه می‌دهد، جایی که ترکیب آبی و قرمز در مجاورت خیلی نزدیک، لحن یاسی کمتر شادی‌بخش می‌دهد. ، در حالی که فریم ها ضعیف تر می شوند. گروه ها که از سادگی و تمرکز سبک یادبود دور شده اند، در عوض مملو از حرکت و زندگی هستند. افسانه قدیسان با انبوهی از جزئیات واقعی و غیرقابل پیش بینی خود، موضوعات متعارف را جابجا می کند و هنرمند را ترغیب می کند تا چشمان خود را به جهان باز کند، هنر او را به زندگی نزدیکتر می کند...

ایتالیا آنها را در تعداد نسبتاً بیشتری حفظ کرد. توزیع معمول مواد، قدمت نقاشی‌های دیواری ایتالیایی تا آستانه رنسانس، که نه تنها از جوتو، بلکه اغلب از سیمابوئه شروع می‌شود، توجیهی بیرونی برای پیش‌فرض ما فراهم می‌کند: این فصل آنقدر غنی است که نمی‌توان به طور خلاصه به آن پرداخت. در این چارچوب ها، خطوطی که ما به نقاشی قرون وسطی فرانسه اختصاص دادیم، که بیشتر شخصیت منحصر به فرد آن دوران را حفظ کرد، طبیعی تر و کامل تر خواهد بود. در اینجا، مانند ایتالیا، و همچنین در رود راین، در آلمان غربی، کتاب‌های درسی متعدد قرن سیزدهم تا چهاردهم - de arte illuminandi - گاهی اوقات، در غیاب آثار تاریخی، شاهد برهه‌های علمی، فنی و بزرگ هستند. تجربه هنری نقاش غربی، تجربه ای که او از دستور العمل های شرقی و بیزانسی جذب کرد و با مشاهده خود غنی کرد.

در طول قرن های XI-XV دنبال می شود. در پشت تاریخ مینیاتورها، می‌بینیم که چگونه کانون جای خود را به رصد آزاد می‌دهد، پس‌زمینه بریده‌شده و میناکاری شده - به منظره‌ای طبیعی، گروه‌های شرطی سلسله مراتبی - به صحنه‌های زندگی، سرشار از آزادی و زیبایی انسان. بدون شک هر روز و هر ساعت «خیابان نقاشان» پاریس در قرن 14 تا 15 میلادی. تئاتر اکتشافات و رویدادهای فنی و هنری بود. اگر در این قرن حرف آخردر جهت کمال پس‌زمینه طلایی گفته شد (دستورالعمل اعمال و صیقل دادن برگ‌های طلای اصیل به صفحه‌ای که هنوز این تصور را می‌دهد که با طلای عظیم ریخته شده و تحدب طلایی عجیبی می‌دهد، در غرب بسیار پیچیده است) قرنی از دستور العمل های شگفت انگیز برای رنگ های مینا، رنگ آمیزی گروه های ظریف Jacquemart d' Esden، زندگی به گونه ای که گویی در یک زندگی بی پایان نور خورشید. تصویر فقط یک عکس بی رنگ از نمازخانه مدرسه او را نشان می دهد و تنها با تلاش تخیل می توان رنگ بور ظریف فرهای نرم فرشته، سرخ شدن گونه ها مانند گلبرگ های رز و سبز پسته ای ملایم فرشته را تصور کرد. قابل تعقیب در پس زمینه یک آلبای سفید برفی. کارگاه‌های دیگر در همان شهر و در همان قرن، عمیق‌تر به وظایف کیاروسکورو می‌پردازند، و صنایع دستی بی‌نظیر پاریسی را خلق می‌کنند، جایی که فرم‌ها و فیگورهای سفید اندکی با انعکاس‌های صورتی و یاسی لمس می‌شوند. نه سایه خاکستری – از مروارید و نقره گرفته تا موشی و «خال» تیره – را می‌توان روی لباس‌های نخ طلایی خوانندگان آمیکت در صحنه تدفین (همان نمازخانه) حساب کرد.

در پایان قرن، اکتشافات امیدوار کننده جسورانه تر شدند، مدل سازی امداد بیشترچهره ها، جزئیات جذاب تر از منظره، تم ها و حالات حیاتی تر.

شخصیت ها توسط هوا احاطه شده اند. چمنزارهای سبز کشیده می شوند، آبی می شوند، به سمت افق به دوردست، که توسط رودخانه ای روشن قطع می شود. قلعه ها، شهرها در پس زمینه کوه ها ترسیم شده اند، فاصله از پنجره به بیرون نگاه می کند، ابرهای مجعد در سراسر آسمان شناور هستند، گروه ها به هم متصل هستند. زندگی صمیمیو با مهر فرد در چهره ها و حرکات مشخص می شوند.

با پایان قرن چهاردهم و آغاز قرن پانزدهم. مینیاتوریست‌ها که کمتر از بازرگانان یا دانشجویان فعال نیستند، کل کلنی‌های بین‌المللی را در شهرهای هنری تشکیل می‌دهند. «خیابان نقاشان» در این زمان مهمانان ایتالیایی و فلاندری زیادی را دید و با حرص در یافته‌هایشان مشروب خوردند. هنر برادران لیمبورگ، با ظرافت بی‌شمار قلم موی پاریسی، جذابیت ایتالیایی و رئالیسم متفکر فلاندری را جذب می‌کند. این ویژگی ها بهترین مینیاتورهای نمازخانه پترهوف را متمایز می کند.

در هنر تصویرسازی تصویری، که در اواخر قرون وسطی شکوفا شد، همه چیز واقعاً هنری نیست. تقاضای فزاینده برای آن باعث تولید محصولات فرمولیک و با کیفیت پایین می شود. نه تنها یک شهر نجیب، متوسطیک پروفسور، یک دکتر، یک شهروند می‌خواهد یک مزمور، کتاب درسی، رمان، کتاب رویا یا کتاب ساعت‌ها با تزئینات رنگارنگ داشته باشد. در کنار استادانی مانند فوکه، تعداد زیادی از صنعتگران درجه سوم هنر تصویرسازی را به کار گرفتند.

آثارشان خالی از علاقه نیست. ما در مورد ارزش هنری ساعتی که از یک کارگاه ناشناخته پاریسی در اواسط قرن پانزدهم بیرون آمد، با تصاویر ماه‌ها و حفظ 24 صحنه از «بازی‌ها و آثار قرن پانزدهم» اشتباه نمی‌کنیم. اما در تعدادی از این صحنه ها - در شکل یک زائر که با آرامش زیر منبر یک واعظ به همراهی یک موعظه باشکوه (اسفند) خروپف می کند. در یک خیابان شهری در یک روز آوریل، پر از زنان خانه دار با سبد و پسران با شاخه. در تصویری از یونجه سازی همراه با پیک نیک ژوئن روی چمن؛ در ماه می در رودخانه جولای، متحرک توسط کانو، در مبارزه با گلوله برفی دسامبر، و غیره، و غیره - زندگی یک شهر قرون وسطایی با کار و سرگرمی خود زنده می شود. با کیفیت متوسط، این صحنه های سطحی روزمره و معمولی شاد همه چیز را دور می زند. نگرش جدیبه زندگی به تصویر کشیده شده کار شهری و به‌ویژه روستایی از دیدگاه هنرمند ثروتمندی که در اوقات فراغت خود برای تحسین آن بیرون آمده، در اینجا به طرزی ایده‌آل تعبیر می‌شود. نه «مردان بی ادب»، مورد تحقیر او، و نه همسایگان او که تاریخ و سرنوشت کمتر مورد پسندشان قرار گرفته و «ناخن‌های آبی» دارند و «ساعت کارشان طولانی است»، مشکلی جدی برای این هنر خنده‌دار عصر ایجاد نمی‌کنند. از رنسانس. «اندیشه دیالکتیکی» قرن دوازدهم عمیق‌تر به منظور بازگشت با بینش جدید در هنر فلاندری شکل گرفت.

ما در آستانه تولد نقاشی بزرگ هستیم، جایی که شمال کلمه جدیدی خواهد گفت تا با حس صمیمانه و قوی زندگی خود، احساس خود راضی و آرام اروپای رنسانس را در مورد اسرار غم انگیز یادآوری کند. هستی و تجسم هنری

ما اصلاً این فرصت را نداشتیم که در مورد انواع مختلف هنر "کاربردی" که زندگی شهری قرون وسطی را زیبا می کرد صحبت کنیم: مینا و ظروف لیموژ، صنایع دستی عاج، حکاکی های چوبی و منبت کاری های چوبی، حکاکی های فلزی که درها را تزئین می کردند و پنجره های یک خانه قرون وسطایی و پشت، صندلی های مبلمان گوتیک.

سبک رنسانس بیان روابط اجتماعی از قبل متفاوت و سازماندهی متفاوت کار است. با آن وارد روابط بین سرمایه داری کلان در اقتصاد و رژیم مطلق گرایی در سیاست می شویم.

در میان رویدادهای «نظم بیرونی»، اپیدمی طاعون در سال 1348 و جنگ صد ساله، آن شیار عمیقی را در پیکره ساختار روزمره و ذهنی غرب ایجاد کرد که تا حدودی حد پایین «شهری» را تعیین کرد. هنر گوتیک» و همچنین مرز خود قرون وسطی.

قرون وسطی اغلب تاریک و تاریک توصیف می شود. جنگ های مذهبی، اعمال تفتیش عقاید و پزشکی توسعه نیافته این امر را تسهیل کرد. با این حال، آنها آثار فرهنگی بسیاری را برای آیندگان به جای گذاشتند که قابل تحسین است. معماری و مجسمه سازی ثابت نماند: با جذب ویژگی های زمان، آنها سبک ها و روندهای جدیدی را به وجود آوردند. در کنار آنها، نقاشی قرون وسطی بی وقفه ادامه یافت. این همان چیزی است که امروز در مورد آن صحبت خواهیم کرد.

در همکاری نزدیک

از قرن 11 تا 12 در همه چیز هنر اروپاییسبک رمانسک غالب بود. بیان اصلی خود را در معماری دریافت کرد. معبدهای آن زمان با ساختار سه شبستانی یا اغلب پنج شبستانی باسیلیکا مشخص می شدند، پنجره های باریکی که نور چندانی ارائه نمی کرد. معماری این دوره اغلب غم انگیز نامیده می شود. سبک رومانسک در نقاشی قرون وسطی نیز با شدت خاصی متمایز بود. تقریباً به طور کامل فرهنگ هنریبه موضوعات مذهبی اختصاص داشت. علاوه بر این، اعمال الهی به شیوه ای نسبتاً تهدیدآمیز و مطابق با روح زمان به تصویر کشیده شد. استادان وظیفه انتقال جزئیات برخی رویدادها را بر عهده خود قرار ندادند. تمرکز آنها بود معنای مقدسبنابراین، نقاشی قرون وسطی، در عین حال که مختصری از جزئیات است، در درجه اول معنای نمادین را منتقل می کند، نسبت ها و روابط را برای این منظور مخدوش می کند.

لهجه ها

هنرمندان آن زمان پرسپکتیو نمی دانستند. در بوم های آنها شخصیت ها در یک خط قرار دارند. با این حال، حتی با یک نگاه زودگذر، به راحتی می توان فهمید که کدام شکل اصلی در تصویر است. برای ایجاد یک سلسله مراتب واضح از شخصیت ها، استادان برخی از آنها را به طور قابل توجهی بلندتر از دیگران کردند. بنابراین، شکل مسیح همیشه بر فرشتگان غلبه داشت و آنها نیز به نوبه خود بر مردم عادی تسلط داشتند.

این تکنیک یک جنبه منفی نیز داشت: آزادی زیادی در به تصویر کشیدن تنظیمات و جزئیات پس زمینه نمی داد. در نتیجه نقاشی قرون وسطی آن دوره فقط به نکات اصلی توجه داشت، بدون اینکه خود را به خود اختصاص دهد. نقاشی‌ها نوعی نمودار بودند که ماهیت را نشان می‌دادند، اما تفاوت‌های ظریف را نداشتند.

موضوعات

نقاشی قرون وسطی اروپادر سبک رومانسک مملو از تصاویری از وقایع و شخصیت های خارق العاده بود. غالباً به داستان های غم انگیزی که در مورد عذاب آسمانی در راه است یا اعمال هیولا آمیز دشمن نسل بشر ترجیح داده می شد. صحنه هایی از آخرالزمان گسترده شده است.

مرحله انتقال

هنر زیبای دوره رومانسک بیش از نقاشی قرون وسطی اولیه بود، زمانی که تحت فشار رویدادهای تاریخی، بسیاری از انواع آن عملاً ناپدید شدند و نمادگرایی غالب شد. نقاشی های دیواری و مینیاتورهای سده های 11-12 که بیانگر برتری معنوی بر مادی است، راه را برای توسعه بیشتر جهت های هنری. نقاشی آن دوره گذار مهمی از تاریکی بود هنر نمادینزمان ها و حملات مداوم بربرها به یک سطح کیفی جدید، که در دوران گوتیک سرچشمه می گیرد.

تغییرات مطلوب

ایدئولوگ نظم، فرانسیس آسیزی، تغییراتی را نه تنها به ارمغان آورد زندگی مذهبی، بلکه در جهان بینی مرد قرون وسطایی. با هدایت نمونه او از عشق به زندگی در تمام مظاهر آن، هنرمندان شروع به توجه بیشتر به واقعیت کردند. بر روی بوم های هنری، هنوز با محتوای مذهبی، جزئیاتی از وضعیت ظاهر می شود که به دقت شخصیت های اصلی نقاشی شده اند.

گوتیک ایتالیایی

نقاشی در قلمرو وارث امپراتوری روم خیلی زود ویژگی های مترقی را به دست آورد. Cimabue و Duccio، دو بنیانگذار رئالیسم مرئی، که تا قرن بیستم جهت اصلی در هنرهای زیبای اروپا باقی ماند، در اینجا زندگی و کار کردند. تصاویر محراب آنها اغلب مدونا و کودک را به تصویر می کشند.

جوتو دی بوندون که کمی بعد زندگی کرد، به دلیل نقاشی هایش که مردمان کاملاً زمینی را به تصویر می کشد به شهرت رسید. شخصیت های روی بوم های او زنده به نظر می رسند. جوتو از بسیاری جهات از دوران خود جلوتر بود و تنها پس از مدتی به عنوان یک هنرمند بزرگ دراماتیک شناخته شد.

نقاشی های دیواری

حتی در دوره رومانسک، نقاشی قرون وسطی با تکنیک جدیدی غنی شد. صنعتگران شروع به زدن رنگ در بالای گچ مرطوب کردند. این تکنیک با مشکلات خاصی همراه بود: هنرمند باید به سرعت کار می کرد و قطعه پس از قطعه را در مکان هایی که پوشش هنوز مرطوب بود نقاشی می کرد. اما این تکنیک به ثمر نشست: رنگ که در گچ جذب شد، خرد نشد، روشن تر شد و می توانست برای مدت طولانی دست نخورده باقی بماند.

چشم انداز

نقاشی قرون وسطی در اروپا کم کم عمق پیدا کرد. میل به انتقال واقعیت در تصویر با تمام حجم آن نقش مهمی در این روند داشت. به آهستگی، با تقویت مهارت های خود در طول سال ها، هنرمندان یاد گرفتند که پرسپکتیو را به تصویر بکشند، به بدن ها و اشیاء شباهت به اصل بدهند.

این تلاش‌ها در آثار متعلق به گوتیک بین‌المللی یا بین‌المللی که در اواخر قرن چهاردهم پدیدار شد، به وضوح قابل مشاهده است. نقاشی قرون وسطی آن دوره ویژگی های خاصی داشت: توجه به جزئیات کوچک، کمی پیچیدگی و پیچیدگی در رندر تصویر، سعی در ساختن پرسپکتیو دارد.

کتاب مینیاتور

ویژگی های بارز نقاشی این دوره در تصاویر کوچکی که کتاب ها را آراسته اند به وضوح نمایان است. در میان همه استادان مینیاتور، برادران لیمبورگ که در آغاز قرن پانزدهم زندگی می کردند، شایسته ذکر ویژه هستند. آنها تحت حمایت دوک ژان بری، که برادر کوچکتر پادشاه فرانسه، چارلز پنجم بود، کار می کردند. آثار معروفهنرمندان به «کتاب باشکوه ساعات دوک بری» تبدیل شدند. او هم برادران و هم حامی آنها را جلال بخشید. با این حال، تا سال 1416، زمانی که ردپای لیمبورگ ها گم شد، ناتمام ماند، اما دوازده مینیاتوری که استادان موفق به نوشتن آن شدند، هم استعداد و هم تمام ویژگی های این ژانر را مشخص می کند.

تحول کیفی

کمی بعد، در دهه 30 قرن 15، نقاشی با سبک جدیدی غنی شد که متعاقباً تأثیر زیادی بر تمام هنرهای زیبا گذاشت. رنگ روغن در فلاندر اختراع شد. روغن نباتیمخلوط با رنگها، خواص جدیدی به ترکیب داد. رنگ ها به طور قابل توجهی اشباع و زنده تر شده اند. علاوه بر این، نیاز به عجله، که با نقاشی با مزاج همراه بود، ناپدید شد: زرده ای که اساس آن را تشکیل می داد، خیلی سریع خشک شد. حالا نقاش می توانست با توجه به تمام جزئیات کار کند. لایه‌هایی از ضربه‌های قلم مو که روی هم اعمال می‌شد، امکاناتی را برای بازی رنگ باز می‌کردند. بنابراین، رنگ‌های روغنی دنیای کاملاً جدید و ناشناخته‌ای را به روی استادان گشودند.

هنرمند معروف

رابرت کامپین را بنیانگذار جنبش جدیدی در نقاشی در فلاندر می دانند. با این حال، دستاوردهای او توسط یکی از پیروان او که امروزه تقریباً برای همه علاقه مندان به هنرهای زیبا شناخته شده است، تحت الشعاع قرار گرفت. جان ون آیک بود. گاهی اختراع رنگ روغن را به او نسبت می دهند. به احتمال زیاد، Jan van Eyck فقط فناوری توسعه یافته را بهبود بخشید و شروع به استفاده از آن با موفقیت کرد. به لطف بوم های او، رنگ روغن محبوب شد و در قرن پانزدهم فراتر از فلاندر - به آلمان، فرانسه و سپس به ایتالیا گسترش یافت.

یان ون آیک یک نقاش پرتره بزرگ بود. رنگ‌های روی بوم‌های او آن بازی نور و سایه‌ای را ایجاد می‌کنند که بسیاری از پیشینیان او برای انتقال واقعیت نداشتند. از جمله آثار معروف این هنرمند می توان به «مدونای صدراعظم رولین» و «پرتره زوج آرنولفینی» اشاره کرد. اگر به مورد دوم دقت کنید، مشخص می شود که مهارت یان ون ایک چقدر قابل توجه بوده است. چین های لباس که با دقت نوشته شده اند چه ارزشی دارند؟

با این حال شغل اصلیاستاد - "محراب گنت"، متشکل از 24 نقاشی و بیش از دویست چهره.

یان ون آیک به درستی نماینده رنسانس اولیه نامیده می شود اواخر قرون وسطی. مکتب فلاندری در مجموع به نوعی مرحله میانی تبدیل شد که ادامه منطقی آن هنر رنسانس بود.

نقاشی قرون وسطی که به طور خلاصه در مقاله به آن پرداخته شده است، هم از نظر زمانی و هم از نظر اهمیت بسیار زیاد است. پدیده فرهنگی. او پس از گذشتن از خاطرات جذاب، اما غیرقابل دسترس از عظمت دوران باستان به اکتشافات جدید رنسانس، آثار بسیاری را به جهان داد که تا حد زیادی نه در مورد شکل گیری نقاشی، بلکه در مورد جست و جو می گوید. ذهن انسان، درک او از جایگاه خود در جهان و رابطه با طبیعت. درک عمق آمیختگی روح و بدن مشخصه رنسانس، اهمیت اصول اومانیستی و برخی بازگشت به قوانین اساسی هنرهای زیبای یونان و روم بدون مطالعه دوره قبل از آن ناقص خواهد بود. در قرون وسطی بود که احساسی از عظمت نقش انسان در جهان به وجود آمد، بسیار متفاوت از تصویر معمولی یک حشره، که سرنوشت آن کاملاً در قدرت یک خدای مهیب است.