امپرسیونیسم روسی در نقاشی چه تفاوتی با فرانسوی دارد؟ سبک امپرسیونیسم: نقاشی های هنرمندان مشهور خاستگاه امپرسیونیسم.
امپرسیونیسم (فر. امپرسیونیسم، از برداشت- تأثیر) - جنبشی در هنر یک سوم پایانی قرن 19 - اوایل قرن 20، که در فرانسه سرچشمه گرفت و سپس در سراسر جهان گسترش یافت، که نمایندگان آن به دنبال توسعه روش ها و تکنیک هایی بودند که امکان گرفتن طبیعی و واضح را فراهم می کرد. دنیای واقعی در تحرک و تنوع آن، برای انتقال برداشت های زودگذر خود. معمولاً اصطلاح "امپرسیونیسم" به جهتی در نقاشی اشاره دارد (اما این اول از همه یک گروه از روش ها است) ، اگرچه ایده های آن در ادبیات و موسیقی نیز تجسم یافت ، جایی که امپرسیونیسم نیز در مجموعه ای از روش ها ظاهر شد و تکنیک هایی برای خلق آثار ادبی و موسیقایی، که در آن نویسندگان به دنبال انتقال زندگی به شکلی احساسی و مستقیم، به عنوان بازتابی از برداشت های خود بودند.
وظیفه هنرمند در آن زمان این بود که واقعیت را تا حد امکان باورپذیر به تصویر بکشد، بدون اینکه احساسات ذهنی هنرمند را نشان دهد. اگر به او یک پرتره تشریفاتی سفارش داده شد، پس لازم بود که مشتری را در نور مطلوب نشان دهد: بدون تغییر شکل، حالات احمقانه صورت و غیره. اگر این یک طرح مذهبی بود، پس لازم بود که احساس هیبت و شگفتی ایجاد شود. اگر منظره است، پس زیبایی طبیعت را نشان دهید. با این حال، اگر هنرمند مرد ثروتمندی را که دستور پرتره را سفارش داده بود تحقیر می کرد یا کافر بود، چاره ای نبود و تنها چیزی که باقی می ماند توسعه تکنیک منحصر به فرد خود و امید به شانس بود. با این حال، در نیمه دوم قرن نوزدهم، عکاسی به طور فعال شروع به توسعه کرد و نقاشی رئالیستی به تدریج شروع به کنار گذاشتن کرد، زیرا حتی در آن زمان انتقال واقعیت به اندازه یک عکس بسیار دشوار بود.
از بسیاری جهات، با ظهور امپرسیونیست ها، روشن شد که هنر می تواند به عنوان بازنمایی ذهنی نویسنده ارزش داشته باشد. از این گذشته، هر فردی واقعیت را متفاوت درک می کند و به روش خود به آن واکنش نشان می دهد. دیدن اینکه واقعیت چگونه در چشمان افراد مختلف منعکس می شود و چه احساساتی را تجربه می کنند جالب تر است.
این هنرمند اکنون فرصت های باورنکردنی برای ابراز وجود دارد. علاوه بر این، خود ابراز وجود بسیار آزادتر شده است: یک طرح، موضوع غیر استاندارد بگیرید، چیزی غیر از موضوعات مذهبی یا تاریخی بگویید، از تکنیک منحصر به فرد خود استفاده کنید و غیره. به عنوان مثال، امپرسیونیست ها می خواستند یک برداشت زودگذر، اولین احساس را بیان کنند. به همین دلیل است که کار آنها مبهم و به ظاهر ناتمام است. این کار به منظور نشان دادن یک برداشت فوری انجام شد، زمانی که اشیاء هنوز در ذهن شکل نگرفته بودند و فقط تغییرات جزئی نور، نیمه‌تون‌ها و خطوط مبهم قابل مشاهده بود. افراد نزدیک‌بین مرا درک خواهند کرد) تصور کنید که هنوز جسم را به طور کامل ندیده‌اید، آن را از دور می‌بینید یا به سادگی از نزدیک نگاه نمی‌کنید، اما قبلاً نوعی تصور در مورد آن ایجاد کرده‌اید. اگر سعی کنید این را به تصویر بکشید، به احتمال زیاد به چیزی مانند نقاشی های امپرسیونیستی خواهید رسید. نوعی طرح. به همین دلیل معلوم شد که برای امپرسیونیست ها آنچه مهمتر بود این نیست که چه چیزی به تصویر کشیده می شود، بلکه چگونه است.
نمایندگان اصلی این ژانر در نقاشی عبارت بودند از: مونه، مانه، سیسلی، دگا، رنوار، سزان. به طور جداگانه، لازم است به Umlyam Turner به عنوان سلف آنها اشاره کرد.
صحبت از طرح داستان:
نقاشی‌های آنها تنها جنبه‌های مثبت زندگی را نشان می‌دادند، بدون اینکه به مشکلات اجتماعی از جمله گرسنگی، بیماری و مرگ دست بزنند. این بعدها به انشعاب در بین خود امپرسیونیست ها منجر شد.
طرح های رنگی
امپرسیونیست ها توجه زیادی به رنگ داشتند و اساساً سایه های تیره به ویژه سیاه را کنار گذاشتند. چنین توجهی به طرح رنگ آثار آنها، خود رنگ را به جایگاه بسیار مهمی در تصویر رساند و نسل های بعدی هنرمندان و طراحان را وادار کرد تا به رنگ به عنوان آن توجه کنند.
ترکیب
ترکیب بندی امپرسیونیست ها یادآور نقاشی های ژاپنی بود و از دیگر قوانین استفاده می شد (نه نسبت طلایی یا مرکز). به طور کلی، ساختار تصویر از این نظر اغلب نامتقارن، پیچیده تر و جالب تر شده است.
ترکیب بندی در میان امپرسیونیست ها به یکی از موضوعات نقاشی تبدیل شد، برخلاف کلاسیک، جایی که اغلب (اما نه همیشه) نقش طرحی را ایفا می کرد که بر اساس آن هر اثری ساخته می شد. . در پایان قرن نوزدهم، مشخص شد که این یک بن بست است و خود ترکیب می تواند احساسات خاصی را به همراه داشته باشد و از طرح تصویر پشتیبانی کند.
پیشروان
ال گرکو - به دلیل استفاده از تکنیک های مشابه در استفاده از رنگ و رنگ برای او معنای نمادین پیدا کرد. او همچنین خود را با شیوه و فردیت بسیار بدیع متمایز کرد که امپرسیونیست ها نیز برای آن تلاش کردند.
حکاکی ژاپنی - زیرا در آن سال ها در اروپا محبوبیت زیادی به دست آورد و نشان داد که می توان یک عکس را طبق قوانین کاملاً متفاوت از قوانین کلاسیک هنر اروپایی ساخت. این در مورد ترکیب، استفاده از رنگ، جزئیات و غیره صدق می کند. همچنین، در طراحی ها و حکاکی های ژاپنی و به طور کلی شرقی، صحنه های روزمره بسیار بیشتر به تصویر کشیده می شد که تقریباً در هنر اروپایی وجود نداشت.
معنی
امپرسیونیست ها با توسعه تکنیک های منحصر به فرد نوشتن و تأثیر بسیار زیادی بر تمام نسل های بعدی هنرمندان با آثار درخشان و به یاد ماندنی خود، اعتراضی به مکتب کلاسیک و تلاش برای حداکثر فوریت و دقت، اثری درخشان بر روی هنر جهان گذاشتند در انتقال دنیای مرئی، آنها عمدتاً در فضای باز شروع به نقاشی کردند و اهمیت طرح هایی از زندگی را مطرح کردند که تقریباً جایگزین نوع سنتی نقاشی شده بود که با دقت و به آرامی در استودیو ایجاد می شد.
امپرسیونیست ها با شفاف سازی پیوسته پالت خود، نقاشی را از لاک ها و رنگ های خاکی و قهوه ای رها کردند. سیاهی متعارف «موزه ای» در بوم های آنها جای خود را به بازی بی نهایت متنوعی از رفلکس ها و سایه های رنگی می دهد. آنها امکانات هنرهای زیبا را به طور بی اندازه گسترش دادند و نه تنها دنیای خورشید، نور و هوا، بلکه زیبایی مه های لندن، فضای بی قرار زندگی شهرهای بزرگ، پراکندگی نورهای شبانه آن و ریتم حرکت بی وقفه را نیز آشکار کردند.
با توجه به روش کار در هوای آزاد، مناظر، از جمله منظر شهری که آنها کشف کردند، جایگاه بسیار مهمی در هنر امپرسیونیست ها داشت. با این حال، نباید تصور کرد که نقاشی آنها فقط با درک "منظره" از واقعیت مشخص می شود، که اغلب آنها را مورد سرزنش قرار می دادند. دامنه موضوعی و داستانی کار آنها بسیار گسترده بود. علاقه به مردم، و به ویژه به زندگی مدرن در فرانسه، به معنای وسیع، مشخصه تعدادی از نمایندگان این جریان بود. پاتوس اساساً دموکراتیک مؤید زندگی او به وضوح با نظم جهانی بورژوایی مخالف بود.
در عین حال، امپرسیونیسم و، همانطور که بعداً خواهیم دید، پست امپرسیونیسم، دو طرف، یا بهتر است بگوییم، دو مرحله زمانی متوالی از آن تغییر اساسی هستند که مرز بین هنر دوران جدید و معاصر را مشخص کردند. به این معنا، امپرسیونیسم، از یک سو، تکامل همه چیز را پس از هنر رنسانس تکمیل می کند، که اصل اصلی آن انعکاس دنیای اطراف در اشکال قابل اعتماد بصری خود واقعیت بود، و از سوی دیگر، آن است. آغاز بزرگترین انقلاب در تاریخ هنرهای زیبا پس از رنسانس، که پایه های یک هنر کیفی جدید را بنا نهاد.
هنر قرن بیستم
امپرسیونیسم جهتی در نقاشی است که در قرن 19-20 در فرانسه سرچشمه گرفته است، که تلاشی هنرمندانه برای به تصویر کشیدن لحظاتی از زندگی با تمام تنوع و تحرک آن است. نقاشی های امپرسیونیستی مانند یک عکس خوب شسته شده است که ادامه داستان دیده شده را در فانتزی زنده می کند. در این مقاله به 10 معروف ترین امپرسیونیست های جهان می پردازیم. خوشبختانه، بیش از ده، بیست یا حتی صدها هنرمند با استعداد وجود دارند، بنابراین بیایید روی نام هایی تمرکز کنیم که قطعاً باید بدانید.
برای اینکه هنرمندان یا طرفداران آنها توهین نشوند، لیست به ترتیب حروف الفبای روسی ارائه شده است.
1. آلفرد سیسلی
این نقاش فرانسوی انگلیسی الاصل مشهورترین نقاش منظره نیمه دوم قرن نوزدهم به حساب می آید. مجموعه او شامل بیش از 900 نقاشی است که مشهورترین آنها "کوچه روستایی"، "یخبندان در لووسین"، "پل در آرژانتوی"، "برف اولیه در لووسین"، "چمنزارها در بهار" و بسیاری دیگر هستند.
2. ون گوگ
ون گون که به خاطر داستان غم انگیز گوشش در سراسر جهان شناخته شده بود (به هر حال، او تمام گوش خود را قطع نکرد، بلکه فقط لوب را برید)، تنها پس از مرگش محبوب شد. و در طول زندگی خود توانست 4 ماه قبل از مرگش یک تابلو را بفروشد. آنها می گویند که او هم کارآفرین و هم یک کشیش بود، اما اغلب به دلیل افسردگی به بیمارستان های روانی می رفت، بنابراین تمام شورش وجود او به آثار افسانه ای منجر شد.
3. کامیل پیسارو
پیسارو در جزیره سنت توماس در خانواده ای یهودی بورژوا به دنیا آمد و یکی از معدود امپرسیونیست هایی بود که والدینش شور و شوق او را تشویق کردند و به زودی او را برای تحصیل به پاریس فرستادند. این هنرمند بیشتر از همه طبیعت را دوست داشت، همان چیزی است که او در همه رنگ ها به تصویر می کشید و به عبارت دقیق تر، پیسارو استعداد خاصی در انتخاب لطافت رنگ ها و سازگاری داشت که پس از آن به نظر می رسید هوا در نقاشی ها ظاهر می شود.
4. کلود مونه
از کودکی، پسر تصمیم گرفت که با وجود ممنوعیت های خانوادگی، هنرمند شود. کلود مونه که به تنهایی به پاریس نقل مکان کرد، وارد زندگی روزمره خاکستری یک زندگی سخت شد: دو سال خدمت در نیروهای مسلح در الجزایر، دعوی قضایی با طلبکاران به دلیل فقر و بیماری. با این حال، احساس می شود که مشکلات باعث افسردگی نشدند، بلکه برعکس، هنرمند را الهام بخشیدند تا نقاشی های واضحی مانند "تأثیر، طلوع خورشید"، "خانه های پارلمان در لندن"، "پل به اروپا"، "پاییز" خلق کند. در Argenteuil، "در ساحل" Trouville، و بسیاری دیگر.
5. کنستانتین کرووین
خوب است بدانید که در میان فرانسوی‌ها، والدین امپرسیونیسم، می‌توانیم با افتخار هموطن خود، کنستانتین کرووین را جای دهیم. عشق پرشور به طبیعت به او کمک کرد تا به لطف ترکیب رنگ های مناسب، پهنای سکته ها و انتخاب تم، به طور شهودی به یک تصویر ایستا سرزندگی غیرقابل تصوری بدهد. نمی توان از کنار نقاشی های او "اسکله در گورزوف"، "ماهی، شراب و میوه"، "منظره پاییز"، "شب مهتابی" عبور کرد. زمستان» و مجموعه ای از آثار او تقدیم به پاریس.
6. پل گوگن
پل گوگن تا سن 26 سالگی حتی به نقاشی فکر نمی کرد. او یک کارآفرین بود و خانواده ای پرجمعیت داشت. با این حال، وقتی برای اولین بار نقاشی های کامیل پیسارو را دیدم، تصمیم گرفتم که حتما نقاشی را شروع کنم. با گذشت زمان، سبک این هنرمند تغییر کرد، اما معروف ترین نقاشی های امپرسیونیستی "باغ در برف"، "در صخره"، "در ساحل در دیپ"، "برهنه"، "درختان نخل در مارتینیک" و دیگران هستند.
7. پل سزان
سزان بر خلاف بسیاری از همکارانش در زمان حیات خود به شهرت رسید. او موفق شد نمایشگاه خود را برپا کند و درآمد قابل توجهی از آن کسب کند. مردم چیزهای زیادی در مورد نقاشی های او می دانستند - او مانند هیچ کس دیگری یاد گرفت که بازی نور و سایه را با هم ترکیب کند ، تأکید زیادی بر اشکال هندسی منظم و نامنظم داشت ، شدت مضامین نقاشی های او با رمانتیک هماهنگ بود.
8. پیر آگوست رنوار
رنوار تا 20 سالگی به عنوان دکوراتور برای برادر بزرگترش کار می کرد و تنها پس از آن به پاریس نقل مکان کرد و در آنجا با مونه، باسیل و سیسلی آشنا شد. این آشنایی به او کمک کرد تا در آینده راه امپرسیونیسم را در پیش بگیرد و در آن به شهرت برسد. رنوار به عنوان نویسنده پرتره های احساساتی شناخته می شود که از برجسته ترین آثار او می توان به «روی تراس»، «یک پیاده روی»، «پرتره بازیگر زن جین سامری»، «لژ»، «آلفرد سیسلی و همسرش»، On the Swing، "Splash Pool" و بسیاری دیگر.
9. ادگار دگا
اگر در مورد «رقصندگان آبی»، «تمرین باله»، «مدرسه باله» و «آبسنت» چیزی نشنیده‌اید، عجله کنید و از کار ادگار دگا مطلع شوید. انتخاب رنگ های اصلی، تم های منحصر به فرد برای نقاشی ها، حس حرکت تصویر - همه اینها و خیلی بیشتر، دگا را به یکی از مشهورترین هنرمندان جهان تبدیل کرد.
10. ادوارد مانه
مانه را با مونه اشتباه نگیرید - این دو فرد متفاوت هستند که در یک زمان و در یک جهت هنری کار می کردند. مانه همیشه مجذوب صحنه‌های زندگی روزمره، ظواهر و تیپ‌های غیرعادی بود، گویی لحظه‌هایی که به‌طور تصادفی «گرفتار» شده و متعاقباً برای قرن‌ها شکار شده‌اند. از جمله نقاشی های معروف مانه: "المپیا"، "ناهار روی چمن"، "بار در Folies Bergere"، "فلوت نواز"، "Nana" و دیگران.
اگر حتی کوچکترین فرصتی برای دیدن زنده نقاشی های این استادان داشته باشید، برای همیشه عاشق امپرسیونیسم خواهید شد!
الکساندرا اسکریپکینا،
امپرسیونیسم یک دوره کامل در هنر فرانسه در نیمه دوم قرن نوزدهم را تشکیل داد. قهرمان نقاشی های امپرسیونیستی سبک بود و وظیفه هنرمندان این بود که چشمان مردم را به زیبایی دنیای اطراف باز کنند. نور و رنگ را می توان با حرکات سریع، کوچک و حجیم به بهترین وجه منتقل کرد. دید امپرسیونیستی توسط کل تکامل آگاهی هنری آماده شد، زمانی که حرکت نه تنها به عنوان حرکت در فضا بلکه به عنوان تغییرپذیری کلی واقعیت اطراف درک شد.
امپرسیونیسم - (فرانسوی impressionnisme، از Impression - Impression)، جنبشی در هنر یک سوم پایانی قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم. در اواخر دهه 1860 - اوایل دهه 70 در نقاشی فرانسوی توسعه یافت. نام "امپرسیونیسم" پس از نمایشگاه 1874 بوجود آمد که در آن نقاشی سی مونه "Impression. طلوع خورشید." در زمان بلوغ امپرسیونیسم (دهه 70 - نیمه اول دهه 80) توسط گروهی از هنرمندان (مونه، او. رنوار، ای. دگا، سی. پیسارو، آ. سیسلی، بی. موریسو و غیره) نمایندگی شد. .) که برای مبارزه برای تجدید هنر و غلبه بر آکادمیزم سالن رسمی متحد شدند و 8 نمایشگاه برای این منظور در 1874-1886 ترتیب دادند. یکی از خالقان امپرسیونیسم E. Manet بود که جزو این گروه نبود، بلکه در دهه 60 و اوایل دهه 70 بود. او آثار ژانری ارائه کرد که در آن تکنیک های ترکیب بندی و نقاشی استادان قرن 16-18 را بازاندیشی کرد. در رابطه با زندگی مدرن، و همچنین صحنه های جنگ داخلی 1861-1865 در ایالات متحده، اعدام کموناردهای پاریس، به آنها جهت گیری سیاسی حاد داد.
امپرسیونیست ها دنیای اطراف ما را در حرکت دائمی، انتقال از حالتی به حالت دیگر به تصویر می کشیدند. آنها شروع به کشیدن یک سری نقاشی کردند و می خواستند نشان دهند که چگونه موتیف یکسان بسته به زمان روز، نور، شرایط آب و هوایی و غیره تغییر می کند (چرخه های «بولوار مونمارتر» نوشته سی. پیسارو، 1897؛ «کلیسای جامع روئن»، 1893 - 95، و «پارلمان لندن»، 04-1903، سی مونه). هنرمندان راه هایی برای انعکاس حرکت ابرها در نقاشی های خود یافتند (A. Sisley. Loing in Saint-Mamme، 1882)، بازی تابش نور خورشید (O. Renoir. "Swing"، 1876)، تندبادهای باد ( C. Monet "Terrace in Saint-Adresse"، 1866)، جریان های باران (G. Caillebotte. "Hierarch. The Effect of Rain"، 1875)، بارش برف (C. Pissarro. "Opera Passage. The Effect of Snow". "، 1898)، دویدن سریع اسب ها (E. Manet. "Horses at Longchamp"، 1865).
اکنون که بحث‌های داغ درباره معنا و نقش امپرسیونیسم به گذشته تبدیل شده است، به سختی کسی جرأت نمی‌کند که جنبش امپرسیونیستی گامی بیشتر در توسعه نقاشی رئالیستی اروپایی باشد. امپرسیونیسم، اول از همه، هنر مشاهده واقعیت است که به پیچیدگی بی سابقه ای رسیده است.
آنها با تلاش برای حداکثر خودانگیختگی و دقت در انتقال دنیای اطراف، شروع به نقاشی عمدتاً در فضای باز کردند و اهمیت طرح هایی از طبیعت را مطرح کردند که تقریباً جایگزین نوع سنتی نقاشی شده بود و با دقت و به آرامی در استودیو ایجاد می شد.
امپرسیونیست ها زیبایی دنیای واقعی را نشان دادند که در آن هر لحظه منحصر به فرد است. امپرسیونیست ها با شفاف سازی پیوسته پالت خود، نقاشی را از لاک ها و رنگ های خاکی و قهوه ای رها کردند. سیاهی متعارف «موزه ای» در بوم های آنها جای خود را به بازی بی نهایت متنوعی از رفلکس ها و سایه های رنگی می دهد. آنها امکانات هنرهای زیبا را به طور بی اندازه گسترش دادند و نه تنها دنیای خورشید، نور و هوا، بلکه زیبایی مه های لندن، فضای بی قرار زندگی شهرهای بزرگ، پراکندگی نورهای شبانه آن و ریتم حرکت بی وقفه را نیز آشکار کردند.
با توجه به روش کار در هوای آزاد، مناظر، از جمله منظره شهری که آنها کشف کردند، جایگاه بسیار مهمی در هنر امپرسیونیست ها داشت.
با این حال ، نباید تصور کرد که نقاشی امپرسیونیست ها فقط با درک "منظره" از واقعیت مشخص می شود که منتقدان اغلب آنها را مورد سرزنش قرار می دهند. دامنه موضوعی و داستانی کار آنها بسیار گسترده بود. علاقه به انسان، و به ویژه به زندگی مدرن در فرانسه، به معنای وسیع، در تعدادی از نمایندگان این جهت هنری ذاتی بود. پاتوس اساساً دموکراتیک مؤید زندگی او به وضوح با نظم جهانی بورژوایی مخالف بود. در این مورد نمی توان تداوم امپرسیونیسم را در ارتباط با خط اصلی توسعه هنر رئالیستی فرانسه در قرن نوزدهم دید.
امپرسیونیست ها با به تصویر کشیدن مناظر و فرم ها با استفاده از نقاط رنگ، استحکام و مادی بودن اشیاء اطراف خود را زیر سوال بردند. اما هنرمند نمی تواند به یک برداشت اکتفا کند، او نیاز به نقاشی دارد که کل تصویر را سازماندهی کند. از اواسط دهه 1880، نسل جدیدی از هنرمندان امپرسیونیست که با این جهت هنری مرتبط هستند، آزمایش های جدیدتری را در نقاشی خود انجام داده اند که در نتیجه تعداد جهت ها (انواع) امپرسیونیسم، گروه های هنری و مکان های نمایشگاهی وجود دارد. آثار آنها در حال رشد است.
هنرمندان جنبش جدید رنگ های مختلف را روی پالت ترکیب نکردند، بلکه در رنگ های خالص نقاشی کردند. با قرار دادن ضربه ای از یک رنگ در کنار رنگ دیگر، اغلب سطح نقاشی ها را ناهموار می کردند. مشاهده شد که بسیاری از رنگ ها در کنار یکدیگر روشن تر می شوند. به این تکنیک اثر کنتراست رنگ های مکمل می گویند.
هنرمندان امپرسیونیست به کوچکترین تغییر در آب و هوا حساس بودند، زیرا آنها بر روی مکان کار می کردند و می خواستند تصویری از منظره ای خلق کنند که در آن نقوش، رنگ ها و نورها در یک تصویر شاعرانه واحد از منظره شهر یا حومه شهر ادغام شوند. امپرسیونیست‌ها به رنگ و نور اهمیت زیادی می‌دادند که به قیمت الگو و حجم آن تمام می‌شد. خطوط واضح اشیا ناپدید شدند، تضادها و نور و سایه فراموش شدند. آنها به دنبال این بودند که تصویر را مانند پنجره ای باز کنند که از طریق آن دنیای واقعی قابل مشاهده است. این سبک جدید بر بسیاری از هنرمندان آن زمان تأثیر گذاشت.
لازم به ذکر است که امپرسیونیسم نیز مانند هر حرکتی در هنر دارای مزایا و معایبی است.
معایب امپرسیونیسم:
امپرسیونیسم فرانسوی مشکلات فلسفی را مطرح نکرد و حتی سعی نکرد به زیر سطح رنگی زندگی روزمره نفوذ کند. در عوض، امپرسیونیسم بر سطحی نگری، سیال بودن یک لحظه، حالت، نور، یا زاویه دید تمرکز می کند.
امپرسیونیسم مانند هنر رنسانس (رنسانس)، بر روی ویژگی ها و مهارت های درک دیدگاه ساخته شده است. در عین حال، بینش رنسانس با سوبژکتیویته و نسبیت اثبات شده ادراک انسان منفجر می شود، که رنگ و اجزای مستقل تصویر را تشکیل می دهد. برای امپرسیونیسم، آنچه در تصویر به تصویر کشیده شده است مهم نیست، اما نحوه به تصویر کشیده شدن آن مهم است.
نقاشی های آنها فقط جنبه های مثبت زندگی را نشان می داد، مشکلات اجتماعی را مختل نمی کرد و از مشکلاتی مانند گرسنگی، بیماری و مرگ اجتناب می کرد. این بعدها به انشعاب در بین خود امپرسیونیست ها منجر شد.
مزایای امپرسیونیسم:
از مزایای امپرسیونیسم به عنوان یک جنبش می توان به دموکراسی اشاره کرد. با اینرسی، هنر حتی در قرن نوزدهم در انحصار اشراف و اقشار بالای جمعیت در نظر گرفته می شد. آنها مشتریان اصلی تابلوها و بناهای تاریخی و خریداران اصلی تابلوها و مجسمه ها بودند. توطئه هایی با کار سخت دهقانان، صفحات غم انگیز دوران مدرن، جنبه های شرم آور جنگ ها، فقر و ناآرامی های اجتماعی محکوم شدند، مورد تایید قرار نگرفتند و خریداری نشدند. انتقاد از اخلاق کفرآمیز جامعه در نقاشی های تئودور ژیرکولت و فرانسوا میله تنها در میان حامیان هنرمندان و معدودی از کارشناسان پاسخ یافت.
امپرسیونیست‌ها موضعی کاملاً سازش‌آمیز و متوسط در مورد این موضوع اتخاذ کردند. موضوعات کتاب مقدس، ادبی، اساطیری و تاریخی که در آکادمیک گرایی رسمی ذاتی بودند کنار گذاشته شدند. از سوی دیگر، آنها مشتاقانه خواهان شناسایی، احترام و حتی جوایز بودند. نشان دهنده فعالیت ادوارد مانه است که سال ها به دنبال شناخت و جوایز از سالن رسمی و مدیریت آن بود.
در عوض، چشم اندازی از زندگی روزمره و مدرنیته پدیدار شد. هنرمندان اغلب افراد را در حال حرکت نقاشی می کردند، در هنگام تفریح یا استراحت، ظاهر یک مکان خاص را در زیر نور خاصی ارائه می دادند و طبیعت نیز انگیزه آثار آنها بود. موضوعات معاشقه، رقص، حضور در یک کافه و تئاتر، سفر با قایق، در سواحل و در باغ گرفته شد. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، اوقات خوشی در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است (تعدادی از نقاشی های رنوار، مانه و کلود مونه). امپرسیونیست ها جزو اولین کسانی بودند که در هوا نقاشی کردند، بدون اینکه کار خود را در استودیو به پایان برسانند.
نقاشی مانت امپرسیونیسم
هنر اروپایی اواخر قرن نوزدهم با ظهور مدرنیسم غنی شد. "امپرسیونیسم" نامیده می شد زیرا بر اساس ظریف ترین برداشت ها، تصاویر و حالات هنرمند بود.
خاستگاه و تاریخچه
چند هنرمند جوان در نیمه دوم قرن نوزدهم گروهی را تشکیل دادند. آنها یک هدف و منافع یکسان داشتند. نکته اصلی برای این شرکت کار در طبیعت، بدون دیوارهای کارگاهی و عوامل محدودکننده مختلف بود. آنها در نقاشی های خود به دنبال این بودند که تمام حس حسی، تأثیر بازی نور و سایه را منتقل کنند. مناظر و پرتره ها منعکس کننده وحدت روح با جهان، با جهان اطراف بودند. نقاشی های آنها شعر واقعی رنگ هاست.
در سال 1874 نمایشگاهی از این گروه از هنرمندان برپا شد. منظره اثر کلود مونه “Impression. طلوع آفتاب» توجه منتقدی را به خود جلب کرد که در بررسی خود برای اولین بار این سازندگان را امپرسیونیست نامید (از برداشت فرانسوی - "Impression").
پیش نیازهای تولد سبک امپرسیونیسم که نقاشی های نمایندگان آن به زودی موفقیت باورنکردنی به دست آورد، آثار رنسانس بود. کار اسپانیایی‌ها ولاسکوز، ال گرکو، ترنر انگلیسی، پاسبان بدون قید و شرط بر فرانسوی‌ها که بنیانگذاران امپرسیونیسم بودند، تأثیر گذاشت.
نمایندگان برجسته این سبک در فرانسه پیسارو، مانه، دگا، سیسلی، سزان، مونه، رنوار و دیگران بودند.
فلسفه امپرسیونیسم در نقاشی
هنرمندانی که به این سبک نقاشی می‌کردند، وظیفه جلب توجه عمومی به مشکلات را بر عهده نداشتند. در آثار آنها نمی توان موضوعاتی را در مورد موضوع روز یافت.
نقاشی های سبک امپرسیونیستی با هدف انتقال یک حال و هوای لحظه ای، ایجاد طرح های رنگی با ماهیت اسرارآمیز است. تنها جایی برای شروع مثبت در آثار وجود دارد.
در واقع، امپرسیونیست ها خود را با فکر کردن در مورد طرح و جزئیات خسته نمی کردند. مهمترین عامل این نبود که چه چیزی را بکشید، بلکه این بود که چگونه روحیه خود را به تصویر بکشید و منتقل کنید.
تکنیک نقاشی
تفاوت بین سبک آکادمیک طراحی و تکنیک امپرسیونیست ها بسیار زیاد است. آنها به سادگی بسیاری از روش ها را کنار گذاشتند و برخی را غیرقابل تشخیص تغییر دادند. در اینجا نوآوری هایی است که آنها معرفی کردند:
- ما مدار را رها کردیم. آن را با سکته مغزی - کوچک و متضاد جایگزین شد.
- ما استفاده از پالت ها را برای رنگ هایی که مکمل یکدیگر هستند و برای رسیدن به یک جلوه خاص نیازی به ادغام ندارند، متوقف کردیم. مثلاً زرد بنفش است.
- نقاشی سیاه را متوقف کرد.
- آنها کار در کارگاه ها را کاملاً رها کردند. آنها منحصراً در مکان نقاشی می کردند تا ثبت یک لحظه، یک تصویر، یک احساس آسان تر شود.
- فقط از رنگ هایی با قدرت پوشش خوب استفاده شد.
- ما منتظر خشک شدن لایه جدید نبودیم. سکته مغزی تازه بلافاصله اعمال شد.
- آنها چرخه هایی از آثار را ایجاد کردند تا تغییرات نور و سایه را دنبال کنند. به عنوان مثال، "Haystacks" اثر کلود مونه.
البته همه هنرمندان از ویژگی های سبک امپرسیونیستی پیروی نکردند. به عنوان مثال، نقاشی های ادوارد مانه هرگز در نمایشگاه های مشترک شرکت نکرد و او خود را به عنوان یک هنرمند مجزا معرفی کرد. ادگار دگا فقط در کارگاه ها کار می کرد، اما این به کیفیت آثار او لطمه ای وارد نکرد.
نمایندگان امپرسیونیسم فرانسه
اولین نمایشگاه آثار امپرسیونیستی به سال 1874 برمی گردد. 12 سال بعد آخرین نمایشگاه آنها برگزار شد. اولین اثر در این سبک را می توان «ناهار روی چمن» اثر E. Manet نامید. این نقاشی در "سالن رد شدگان" ارائه شده است. با خصومت مواجه شد، زیرا با اصول آکادمیک بسیار متفاوت بود. به همین دلیل است که مانه به چهره ای تبدیل می شود که حلقه ای از پیروان این جنبش سبکی دور او جمع می شوند.
متأسفانه، معاصران از سبکی مانند امپرسیونیسم قدردانی نکردند. نقاشی ها و هنرمندان بر خلاف هنر رسمی وجود داشتند.
کم کم کلود مونه در گروه نقاشانی که بعدها رهبر آنها و ایدئولوگ اصلی امپرسیونیسم شد به میدان آمد.
کلود مونه (1840-1926)
کار این هنرمند را می توان سرود امپرسیونیسم توصیف کرد. این او بود که اولین کسی بود که استفاده از رنگ سیاه را در نقاشی هایش کنار گذاشت و به این دلیل اشاره کرد که حتی سایه ها و شب دارای تناژهای متفاوتی هستند.
جهان در نقاشی‌های مونه خطوطی نامشخص، خطوط وسیعی است که با نگاهی به آن می‌توان طیف بازی رنگ‌های روز و شب، فصل‌ها و هماهنگی دنیای زیر قمری را احساس کرد. تنها لحظه ای که از جریان زندگی ربوده شد، در درک مونه، امپرسیونیسم است. به نظر می رسد که نقاشی های او فاقد مادیات هستند.
کلود مونه آثار شگفت انگیزی خلق کرد: "گار سنت لازار"، "کلیسای جامع روئن"، مجموعه "پل چارینگ کراس" و بسیاری دیگر.
آگوست رنوار (1841-1919)
خلاقیت‌های رنوار حس سبکی، هوای و اثیری خارق‌العاده را ایجاد می‌کنند. طرح به طور تصادفی متولد شد ، اما مشخص است که این هنرمند با دقت در تمام مراحل کار خود فکر کرده و از صبح تا شب کار می کند.
ویژگی بارز آثار او.رنوار استفاده از لعاب است که تنها زمانی امکان پذیر است که امپرسیونیسم در آثار هنرمند در هر ضربه ای متجلی شود. او یک شخص را به عنوان ذره ای از طبیعت درک می کند، به همین دلیل است که بسیاری از نقاشی های برهنه وجود دارد.
سرگرمی مورد علاقه رنوار به تصویر کشیدن یک زن با تمام زیبایی جذاب و جذابش بود. پرتره ها جایگاه ویژه ای در زندگی خلاقانه هنرمند دارند. "چترها"، "دختری با یک پنکه"، "صبحانه پاروزنان" تنها بخش کوچکی از مجموعه نقاشی های شگفت انگیز آگوست رنوار هستند.
ژرژ سورات (1859-1891)
سورات فرآیند خلق نقاشی ها را با اثبات علمی نظریه رنگ مرتبط کرد. محیط نور-هوا بر اساس وابستگی صداهای اصلی و اضافی ترسیم شد.
علیرغم این واقعیت که جی. سورات نماینده مرحله نهایی امپرسیونیسم است و تکنیک او از بسیاری جهات با بنیانگذاران متفاوت است، او به همین ترتیب با کمک ضربات یک نمایش توهمی از یک شکل شی ایجاد می کند. که فقط از راه دور قابل مشاهده و دیدن است.
نقاشی های "بعد از ظهر یکشنبه"، "Cancan"، "مدل ها" را می توان شاهکارهای خلاقیت نامید.
نمایندگان امپرسیونیسم روسیه
امپرسیونیسم روسی تقریباً خود به خود ظهور کرد و بسیاری از پدیده ها و روش ها را در هم آمیخت. با این حال، اساس، مانند فرانسوی ها، یک دیدگاه طبیعی از روند بود.
در امپرسیونیسم روسی، اگرچه ویژگی های فرانسوی ها حفظ شد، ویژگی های طبیعت و وضعیت روحی ملی تغییرات قابل توجهی ایجاد کرد. به عنوان مثال، دید از برف یا مناظر شمالی با استفاده از تکنیک های غیر معمول بیان شد.
در روسیه، تعداد کمی از هنرمندان به سبک امپرسیونیستی کار می کردند.
دوره امپرسیونیستی را می توان در کار والنتین سرووف متمایز کرد. «دختری با هلو» او بارزترین نمونه و معیار این سبک در روسیه است.
نقاشی ها با طراوت و هارمونی رنگ های خالص خود را مجذوب خود می کنند. موضوع اصلی کار این هنرمند به تصویر کشیدن انسان در طبیعت است. "بت شمالی"، "در یک قایق"، "فدور چالیاپین" نقاط عطف درخشان در کار K. Korovin هستند.
امپرسیونیسم در دوران مدرن
در حال حاضر این جهت در هنر جان تازه ای گرفته است. چندین هنرمند نقاشی های خود را به این سبک نقاشی می کنند. امپرسیونیسم مدرن در روسیه (آندره کوهن)، در فرانسه (لوران پارسلیه)، در آمریکا (دیانا لئونارد) وجود دارد.
آندره کوهن برجسته ترین نماینده امپرسیونیسم جدید است. نقاشی های رنگ روغن او در سادگی قابل توجه است. هنرمند زیبایی را در امور روزمره می بیند. خالق بسیاری از اشیاء را از طریق منشور حرکت تفسیر می کند.
تمام دنیا آثار آبرنگ لوران پارسلیه را می شناسند. مجموعه آثار او "دنیای عجیب" در قالب کارت پستال منتشر شد. با شکوه، پر جنب و جوش و حسی، آنها نفس شما را بند می آورند.
همانطور که در قرن 19، در حال حاضر، هنرمندان همچنان به نقاشی با هوای آزاد ادامه می دهند. به لطف او، امپرسیونیسم برای همیشه زنده خواهد ماند. هنرمندان همچنان الهام گرفته، تحت تاثیر قرار می گیرند و تشویق می شوند.
"دنیای جدید زمانی متولد شد که امپرسیونیست ها آن را نقاشی کردند"
هانری کانویلر
قرن نوزدهم. فرانسه اتفاقی بی سابقه در نقاشی افتاد. گروهی از هنرمندان جوان تصمیم گرفتند سنت های 500 ساله را متزلزل کنند. به جای یک نقاشی واضح، آنها از یک سکته مغزی گسترده و "بی دقت" استفاده کردند.
و آنها به طور کامل تصاویر معمول را رها کردند و همه را در یک ردیف به تصویر می کشیدند. و خانمهای با فضیلت آسان و آقایان شهرت مشکوک.
عموم مردم برای نقاشی امپرسیونیستی آماده نبودند. مورد تمسخر و سرزنش قرار گرفتند. و مهمتر از همه، آنها چیزی از آنها نخریدند.
اما مقاومت شکسته شد. و برخی امپرسیونیست ها زندگی کردند تا پیروزی خود را ببینند. درست است، آنها قبلاً بیش از 40 سال داشتند. مانند کلود مونه یا آگوست رنوار. برخی دیگر مانند کامیل پیسارو فقط در پایان زندگی خود منتظر شناخت بودند. برخی مانند آلفرد سیسلی برای دیدن او زنده نبودند.
هر کدام از آنها چه انقلابی به دست آوردند؟ چرا مردم اینقدر طول کشید تا آنها را بپذیرند؟ در اینجا 7 مشهورترین امپرسیونیست فرانسوی شناخته شده در سراسر جهان آورده شده است.
1. ادوارد مانه (1832-1883)
ادوارد مانه. سلف پرتره با پالت. 1878 مجموعه خصوصیمانه از بسیاری از امپرسیونیست ها پیرتر بود. او مشوق اصلی آنها بود.
خود مانه ادعای رهبری انقلابیون را نداشت. او مردی سکولار بود. من آرزوی جوایز رسمی را داشتم.
اما او مدت زیادی برای شناسایی منتظر ماند. عموم مردم می خواستند الهه های یونانی یا طبیعت بی جان را ببینند، در بدترین حالت، تا در اتاق غذاخوری زیبا به نظر برسند. مانه می خواست زندگی مدرن را نقاشی کند. به عنوان مثال، اجباری ها.
نتیجه "صبحانه روی چمن" بود. دو شیک پوش در جمع خانم های با فضیلت آسان در حال استراحت هستند. یکی از آنها، انگار هیچ اتفاقی نیفتاده، کنار مردان لباس پوش می نشیند.
ادوارد مانه. صبحانه روی چمن. 1863، پاریس ناهار روی چمن او را با رومی های توماس کوتور در زوال مقایسه کنید. نقاشی کوتور حسی ایجاد کرد. این هنرمند فوراً مشهور شد.
"صبحانه روی چمن" به ابتذال متهم شد. به زنان باردار مطلقاً توصیه نمی شد که به آن نگاه کنند.
توماس کوتور. رومیان در زوال خود 1847 موزه اورسی، پاریس. artchive.ru در نقاشی کوتور ما تمام ویژگی های آکادمیک (نقاشی سنتی قرن 16-19) را می بینیم. ستون ها و مجسمه ها. افرادی با ظاهر آپولونی. رنگ های خاموش سنتی آداب ژست ها و ژست ها. طرحی از زندگی دور مردمی کاملاً متفاوت.
«صبحانه روی چمن» نوشته مانه قالبی متفاوت دارد. پیش از او، هیچ کس به این راحتی زنان جلیقه را به تصویر نکشیده بود. نزدیک به شهروندان محترم اگرچه بسیاری از مردان آن زمان اوقات فراغت خود را به این روش سپری می کردند. این زندگی واقعی افراد واقعی بود.
یک بار یک خانم محترم را به تصویر کشیدم. زشت نمی توانست با برس او را چاپلوسی کند. خانم ناامید شد. با گریه او را ترک کرد.
ادوارد مانه. آنجلینا 1860 موزه اورسی، پاریس. Wikimedia.commons.org بنابراین او به آزمایش ادامه داد. مثلا با رنگ. او سعی نکرد رنگ به اصطلاح طبیعی را به تصویر بکشد. اگر آب خاکستری مایل به قهوه ای را به رنگ آبی روشن می دید، آن را به رنگ آبی روشن به تصویر می کشید.
این البته باعث عصبانیت افکار عمومی شد. آنها با کنایه گفتند: «حتی دریای مدیترانه هم نمی تواند به آبی بودن آب مانه ببالد.
ادوارد مانه. آرژنتویل 1874 موزه هنرهای زیبا، تورنای، بلژیک. Wikipedia.org اما واقعیت همچنان یک واقعیت است. مانه به طور اساسی هدف نقاشی را تغییر داد. این نقاشی تجسم فردیت هنرمند شد که هر طور که می خواهد نقاشی می کند. فراموش کردن الگوها و سنت ها
نوآوری ها برای مدت طولانی بخشیده نشدند. او فقط در پایان زندگی خود به رسمیت شناخته شد. اما او دیگر به آن نیاز نداشت. او در اثر یک بیماری صعب العلاج به شدت در حال مرگ بود.
2. کلود مونه (1840-1926)
کلود مونه. سلف پرتره در کلاه. 1886 مجموعه خصوصی کلود مونه را می توان امپرسیونیست کتاب درسی نامید. از آنجایی که در طول عمر طولانی خود به این مسیر وفادار بود.
او نه اشیاء و افراد، بلکه یک ساختار تک رنگ از نقاط برجسته و نقاط را نقاشی کرد. سکته مغزی جداگانه. لرزش هوا.
کلود مونه. استخر پارویی. 1869 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. metmuseum.org مونه نه تنها طبیعت را نقاشی کرد. او در مناظر شهری نیز موفق بود. یکی از معروف ترین آنها است.
عکس های زیادی در این تصویر وجود دارد. به عنوان مثال، حرکت از طریق یک تصویر تار منتقل می شود.
لطفا توجه داشته باشید: به نظر می رسد درختان و شکل های دور در مه هستند.
کلود مونه. بلوار کاپوسین در پاریس. 1873 (گالری هنر اروپایی و آمریکایی قرن 19-20)، مسکو پیش روی ما لحظه ای یخ زده در زندگی شلوغ پاریس است. بدون صحنه سازی هیچ کس ژست نمی گیرد. افراد به صورت مجموعه ای از ضربه های قلم مو به تصویر کشیده می شوند. چنین فقدان طرح و اثر "فریز فریم" از ویژگی های اصلی امپرسیونیسم است.
در اواسط دهه 80، هنرمندان از امپرسیونیسم سرخورده شدند. زیبایی شناسی، البته، خوب است. اما فقدان طرح خیلی ها را افسرده کرد.
فقط مونه ادامه داد و امپرسیونیسم را مبالغه کرد. این به یک سری نقاشی تبدیل شد.
او همان منظره را ده ها بار به تصویر کشید. در ساعات مختلف روز. در زمان های مختلف سال. برای نشان دادن اینکه چگونه دما و نور می توانند گونه های مشابه را غیرقابل تشخیص تغییر دهند.
اینگونه بود که انبارهای کاه بی شماری پدیدار شد.
نقاشی های کلود مونه در موزه هنرهای زیبا در بوستون. سمت چپ: انبار کاه در غروب آفتاب در گیورنی، 1891. سمت راست: انبار کاه (اثر برف)، 1891.
لطفا توجه داشته باشید که سایه ها در این نقاشی ها رنگی هستند. و نه خاکستری یا سیاه، همانطور که قبل از امپرسیونیست ها مرسوم بود. این یکی دیگر از اختراعات آنهاست.
مونه موفق شد از موفقیت و رفاه مادی لذت ببرد. بعد از 40 سالگی فقر را فراموش کرده بود. یک خانه و یک باغ زیبا. و سالها برای لذت خودش کار کرد.
در مورد نمادین ترین نقاشی استاد در مقاله بخوانید
3. آگوست رنوار (1841-1919)
پیر آگوست رنوار. سلف پرتره. 1875 موسسه هنر استرلینگ و فرانسین کلارک، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا. Pinterest.ru امپرسیونیسم مثبت ترین نقاشی است. و مثبت ترین در میان امپرسیونیست ها رنوار بود.
در نقاشی های او درام پیدا نمی کنید. حتی از رنگ مشکی هم استفاده نکرد. فقط لذت بودن حتی پیش پا افتاده ترین چیزها در رنوار زیبا به نظر می رسند.
برخلاف مونه، رنوار بیشتر مردم را نقاشی می کرد. مناظر برای او اهمیت کمتری داشتند. در نقاشی ها دوستان و آشنایان او در حال استراحت و لذت بردن از زندگی هستند.
پیر آگوست رنوار. صبحانه قایقرانان. 1880-1881 مجموعه فیلیپس، واشنگتن، ایالات متحده آمریکا. Wikimedia.commons.org در رنوار هیچ ژرفایی پیدا نخواهید کرد. او بسیار خوشحال بود که به امپرسیونیست ها ملحق شد که موضوعات را کاملاً رها کردند.
همانطور که خودش گفت بالاخره این فرصت را پیدا کرد که گلها را نقاشی کند و آنها را به سادگی "گل" بنامد. و هیچ داستانی در مورد آنها اختراع نکنید.
پیر آگوست رنوار. زنی با چتر در باغ. 1875 موزه تیسن بورمنیس، مادرید. arteuam.com رنوار در جمع زنان بهترین احساس را داشت. از کنیزانش خواست آواز بخوانند و شوخی کنند. هر چه آهنگ احمقانه تر و ساده لوح تر باشد برای او بهتر است. و پچ پچ مردها او را خسته می کرد. جای تعجب نیست که رنوار به خاطر نقاشی های برهنه اش مشهور است.
به نظر می رسد مدل نقاشی "برهنه در نور خورشید" در پس زمینه ای انتزاعی رنگارنگ ظاهر می شود. زیرا برای رنوار هیچ چیز ثانویه نیست. چشم مدل یا بخشی از پس زمینه معادل هستند.
پیر آگوست رنوار. برهنه زیر نور خورشید 1876 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.commons.org رنوار عمر طولانی داشت. و من هرگز قلم مو و پالت خود را زمین نمی گذارم. حتی زمانی که دستانش به دلیل روماتیسم کاملاً غل و زنجیر شده بود، برس را با طناب به دست خود می بست. و او نقاشی کرد.
او مانند مونه پس از 40 سال منتظر شناخت بود. و نقاشی هایم را در موزه لوور در کنار آثار استادان مشهور دیدم.
در مورد یکی از جذاب ترین پرتره های رنوار در مقاله بخوانید
4. ادگار دگا (1834-1917)
ادگار دگا. سلف پرتره. 1863 موزه Calouste Gulbenkian، لیسبون، پرتغال. Cultured.com دگا یک امپرسیونیست کلاسیک نبود. او کار کردن با هوای آزاد (در فضای باز) را دوست نداشت. شما یک پالت عمدا روشن شده با او پیدا نخواهید کرد.
برعکس، او عاشق یک خط روشن بود. او مشکی زیادی دارد. و به طور انحصاری در استودیو کار می کرد.
اما هنوز او همیشه با امپرسیونیست های بزرگ دیگر در یک ردیف قرار می گیرد. زیرا او یک امپرسیونیست ژست بود.
زوایای غیر منتظره عدم تقارن در چیدمان اجسام. شخصیت هایی که غافلگیر شده اند. اینها ویژگی های اصلی نقاشی های او هستند.
او لحظات زندگی را متوقف کرد و اجازه نداد شخصیت ها به خود بیایند. فقط به "ارکستر اپرا" او نگاه کنید.
ادگار دگا. ارکستر اپرا. 1870 موزه اورسی، پاریس. commons.wikimedia.org در پیش زمینه پشتی یک صندلی است. پشت نوازنده به ماست. و در پس زمینه بالرین های روی صحنه در "قاب" قرار نمی گرفتند. سر آنها بی رحمانه از لبه تصویر "بریده شده" است.
بنابراین رقصندگان مورد علاقه او همیشه در حالت های زیبا به تصویر کشیده نمی شوند. گاهی اوقات فقط حرکات کششی انجام می دهند.
اما چنین بداهه سازی خیالی است. البته، دگا با دقت در مورد ترکیب فکر کرد. این فقط یک اثر فریز فریم است، نه یک فریم فریز واقعی.
ادگار دگا. دو رقصنده باله 1879 موزه شلبرن، ورموث، ایالات متحده آمریکا ادگار دگا عاشق نقاشی زنان بود. اما بیماری یا خصوصیات بدن به او اجازه نمی داد که با آنها تماس فیزیکی داشته باشد. او هرگز ازدواج نکرده است. هیچ کس او را با یک خانم ندیده است.
فقدان سوژه های واقعی در زندگی شخصی او اروتیسمی ظریف و شدید به تصاویر او اضافه کرد.
ادگار دگا. ستاره باله. 1876-1878 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.comons.org لطفا توجه داشته باشید که در نقاشی "ستاره باله" فقط خود بالرین به تصویر کشیده شده است. همکاران او در پشت صحنه به سختی قابل مشاهده هستند. فقط چند پا
این بدان معنا نیست که دگا نقاشی را کامل نکرده است. این پذیرایی است. فقط مهم ترین چیزها را در کانون توجه قرار دهید. بقیه را ناپدید کنید، ناخوانا.
سایر نقاشی های استاد را در مقاله بخوانید
5. برت موریسو (1841-1895)
ادوارد مانه. پرتره برت موریسو. 1873 موزه Marmottan-Monet، پاریس. برت موریسو به ندرت در رتبه اول امپرسیونیست های بزرگ قرار می گیرد. مطمئنم که سزاوار نیست در کار او است که شما تمام ویژگی ها و تکنیک های اصلی امپرسیونیسم را خواهید یافت. و اگر این سبک را دوست دارید، کار او را با تمام وجود دوست خواهید داشت.
موریسو به سرعت و با شتاب کار کرد و برداشت های خود را به بوم منتقل کرد. به نظر می رسد این ارقام در حال حل شدن در فضا هستند.
برت موریسو. تابستان. 1880 موزه فابری، مونپلیه، فرانسه. مانند دگا، او اغلب برخی از جزئیات را ناتمام می گذاشت. و حتی قسمت هایی از بدن مدل. ما نمی توانیم دست های دختر را در نقاشی "تابستان" تشخیص دهیم.
مسیر موریسو برای ابراز وجود دشوار بود. او نه تنها درگیر نقاشی "بی دقت" بود. او هنوز یک زن بود. آن روزها قرار بود خانمی آرزوی ازدواج داشته باشد. پس از آن هر سرگرمی فراموش شد.
بنابراین، برتا برای مدت طولانی از ازدواج امتناع کرد. تا اینکه مردی را پیدا کرد که به شغل او احترام می گذاشت. یوجین مانه برادر هنرمند ادوارد مانه بود. او با وظیفه‌شناسی، سه‌تول و نقاشی‌هایش را پشت سر همسرش حمل می‌کرد.
برت موریسو. یوجین مانه با دخترش در بوگیوال. 1881 موزه Marmottan-Monet، پاریس. اما با این حال، این در قرن 19 بود. نه، من شلوار موریزو نپوشیدم. اما او نمی توانست آزادی کامل حرکت را تامین کند.
او نمی توانست به تنهایی برای کار به پارک برود، بدون اینکه یکی از نزدیکانش همراهش باشد. نمی توانستم در یک کافه تنها بنشینم. بنابراین، نقاشی های او مربوط به افراد خانواده است. شوهر، دختر، اقوام، دایه ها.
برت موریسو. زنی با یک کودک در باغی در بوگیوال. 1881 موزه ملی ولز، کاردیف. موریسو منتظر شناخت نشد. او در سن 54 سالگی بر اثر ذات الریه درگذشت، بدون اینکه تقریباً هیچ یک از آثار خود را در طول زندگی خود فروخته باشد. در گواهی فوت او، یک خط تیره در ستون "شغل" وجود داشت. غیرقابل تصور بود که یک زن هنرمند نامیده شود. حتی اگر واقعاً بود.
در مورد نقاشی های استاد در مقاله بخوانید
6. کامیل پیسارو (1830-1903)
کامیل پیسارو. سلف پرتره. 1873 موزه اورسی، پاریس. Wikipedia.org کامیل پیسارو. بدون تعارض، معقول. بسیاری او را معلم می دانستند. حتی خوش اخلاق ترین همکاران هم در مورد پیسارو بد صحبت نکردند.
او از پیروان وفادار امپرسیونیسم بود. در نیاز شدید، با داشتن همسر و پنج فرزند، همچنان به سبک مورد علاقه اش سخت کار می کرد. و او هرگز برای محبوبیت بیشتر به نقاشی سالن روی آورد. معلوم نیست که او از کجا این قدرت را پیدا کرده که خودش را کاملاً باور کند.
برای اینکه اصلاً از گرسنگی نمرده، پیسارو فن هایی را نقاشی کرد که مشتاقانه خریدند. اما شناخت واقعی بعد از 60 سال به سراغش آمد! سپس بالاخره توانست نیاز خود را فراموش کند.
کامیل پیسارو. کالسکه در لووسین. 1869 موزه اورسای، پاریس هوا در نقاشی های پیسارو غلیظ و متراکم است. تلفیقی خارق العاده از رنگ و حجم.
این هنرمند از ترسیم تغییرپذیرترین پدیده های طبیعی که برای لحظه ای ظاهر می شوند و ناپدید می شوند ترسی نداشت. اولین برف، خورشید یخ زده، سایه های بلند.
کامیل پیسارو. فراست. 1873 موزه اورسی، پاریس مشهورترین آثار او نماهایی از پاریس است. با بلوارهای عریض و ازدحام پرجنب و جوش. در شب، در روز، در آب و هوای مختلف. از برخی جهات آنها بازتاب مجموعه ای از نقاشی های کلود مونه هستند.
