چگونه یک نقاشی اصلی را از یک بازتولید تشخیص دهیم. اگر نقاشی‌ها افرادی را با باسن بزرگ نشان می‌دهند، مطمئن باشید که روبنز است

کارهای لازم را انجام دهید.کار را کاوش کنید، آثار دیگر نویسنده را بررسی کنید، شرح‌ها را مقایسه کنید، از نزدیک به آن‌ها نگاه کنید. بهبود دانش شما برای ارزیابی یک نقاشی و درک اینکه برای تعیین اصالت به دنبال چه چیزی باشید ضروری است.

از موزه دیدن کنید و به پتینه نگاه کنید.اگر بخواهید پشت نقاشی را ببینید، کارکنان به شما در انجام آن کمک می کنند. از حس و ظاهر آثار هنری قدیمی قدردانی کنید. عمق و تعداد لایه هایی که برای دستیابی به رنگ مورد نظر هنرمند مورد نیاز است را ارزیابی کنید.

به پتینه چوب نگاه کنید تا بفهمید که قدیمی است یا خیر.نحوه مونتاژ قاب و میخ ها و بست ها را مشخص کنید.

به دنبال موهای برس بگردید.کپی‌هایی از نقاشی‌ها گاهی موهایی از قلم‌های ارزان قیمت روی بوم دارند.

از حس بویایی خود استفاده کنید.اگر توانستید به آن نزدیک شوید، آن را بو کنید. خشک شدن رنگ به مدت طولانی طول می کشد تا بوی نقاشی به طور کامل متوقف شود.

تصمیم بگیرید که نقاشی چه احساسی در شما ایجاد می کند.همه چیز را با هم تحلیل کنید. به عنوان مثال، بسیاری از تقلبی ها عمق رنگ یا لایه های کافی ندارند. به راحتی می توان یک اثر را فتوکپی کرد، اما نمی توان لایه های رنگ را در یک نقاشی منتقل کرد.

همه چیز باید با هم هماهنگ باشد.بررسی کنید که آیا همه چیز در نقاشی مناسب است - به عنوان مثال، قاب و بوم نیز دشوار است که پتینه را جعل کنید.

سفارش ارزیابی شغلاگر واقعاً یک اثر هنری را دوست دارید، باید شخص ثالثی را درگیر کنید که بتواند بی‌طرفانه نقاشی را ارزیابی کند. چگونه می توان مطمئن شد که ارزیاب قابل اعتماد است؟ باید توسط یک یا چند انجمن حرفه ای ارزیاب هنر تایید شده باشد و تجربه کار با یک هنرمند خاص را داشته باشد. ترجیحا دلال یا دلال آثار هنری نباشد. یک مثال http://www.bernardewell.com است که متخصص سالوادور دالی است که نقاشی هایش اغلب کپی می شود. کاوش کنید که چگونه نقاشی های این هنرمند به فروش می رسد - در چه چیزی خانه های حراجآیا به فروش می رسند، چه اندازه ای هستند، چه زمانی و با چه نمایندگی به فروش می رسند؟

لطفا توجه داشته باشید که برخی از فروشندگان، به ویژه آنهایی که در کشتی های کروز، ممکن است با فروش تابلو به قیمت متورم سعی در فریب خریدار داشته باشد.

به دنبال امضا و شماره باشید - آنها باید همیشه آنجا باشند. نقاشی های بدون امضا چندان مورد توجه قرار نمی گیرند، زیرا می توان بسیاری از این کپی ها را ساخت.گالری را کاوش کنید. بسیاری از قطعات دارای برچسب های گالری یا اطلاعات در پشت هستند. گالری را بررسی کنید تا ببینید آیا این واقعیت دارد یا خیر. در برخی موارد، قاب و بوم باید نشانه های سایش را نشان دهد.لبه های چوبی بعد از 50 یا 100 سال نمی تواند تیز باقی بماند، خود قاب باید خشک تر شود. در مورد شهرت هنرمند تحقیق کنید. دریابید که برخی از نویسندگان یک فرم خالی را امضا کرده اند و پس از آن امضای آنها بر روی نقاشی ها کپی شده است. این یک علامت منفی است و بنابراین نقاشی های آنها کمتر استقیمت بالا

. مشخص است که سالوادور دالی گاهی این کار را انجام می داد.

- عجب عکس عالی! - کار را تعریف کرد و بلافاصله هنرمند را با اصطلاحات نادرست آزار داد دوستان احتمالاً می‌دانید که یک هنرمند خوب اما تأثیرپذیر اگر به او بگویید می‌تواند آزرده شودعکس او را "نقاشی" می کند

. مثل این است که بگوییم کشتی ها روی دریا حرکت می کنند... اما همه می دانیم که کشتی ها روی دریا حرکت می کنند!

با این حال، شخصی که از هنرهای زیبا دور است اغلب نمی تواند دقیقاً بگوید نقاشی چیست، طراحی چیست و چه تفاوتی با یکدیگر دارند. بنابراین، «طراحی» و «نوشتن» برای او یکی است. اما سعی کنید به استاد بگویید که او "نقاشی" خوبی روی بوم دارد! دیگر نهراه آسان

به طبیعت خلاق حساس لطمه می زند، اگرچه یک بیننده ساده بلافاصله متوجه نمی شود چه چیزی در اینجا اشتباه و توهین آمیز است.

نقاشی و طراحی مفاهیم نزدیک و حتی مرتبط هستند، اما به وضوح از یکدیگر جدا شده اند. همانطور که به خوبی مشخص است که چه زمانی تصاویر نقاشی می شوند و چه زمانی ترسیم می شوند. بیایید سعی کنیم این را بفهمیم اصطلاحات در هنرهای زیبا

. باور کنید، این نه تنها برای کسانی که خلاق هستند مهم است، بلکه جالب است.

تفاوت بین نقاشی و طراحی به زبان رسمی سخت، طراحی

- این تصویر از هر تصویر، اشیاء و پدیده در هواپیما است. می توانید با گچ، خودکار، مداد، رنگ نقاشی کنید - هر چیزی که روی یک سطح خاص ردی از خود به جا بگذارد.

به طور کلی حتی خراشیدن الماس روی شیشه یا مثلاً کشیدن با خودکار در درس و تاتو کشیدن نیز طراحی است. اما - این نیز تصویری از اشیا و پدیده ها است، اما فقط با استفاده از رنگ. یعنی با زبان خشک و رسمی صحبت کردن، نقاشی یکی از گزینه های طراحی است که در آن از قلم مو به عنوان ابزار استفاده می شود و رنگ ها وسیله ایجاد تصویر هستند.

به عبارت دیگر ترسیم گرافیک است و مورد توجه استبه طور رسمی، هر کاری که روی کاغذ انجام می شود، گرافیک محسوب می شود و به طرز عجیبی، آبرنگ نیز گرافیک محسوب می شود. اگرچه بسیاری از آثار به عنوان نقاشی روی کاغذ نیز به حساب می آیند

بنابراین، همه چیز روی کاغذ گرافیک است و هر چیز دیگری نقاشی است ... روی بوم، چوب، شیشه، دیوار

درس نقاشی در مدرسه را به یاد دارید؟ در آنجا کل موضوع به این صورت خوانده شد: هنرهای زیبا. هیچ درس جداگانه ای در نقاشی یا طراحی وجود نداشت، فقط یک روز نحوه کار با روغن را آموزش دادند و روز دیگر - با مداد.

از این رو این باور رایج است که نقاشی فقط یک نوع طراحی است. به طور رسمی این چنین است، در واقعیت متفاوت است.

هنرهای زیبا - هنر ثبت تصاویر = هنرهای زیبا، انجمن انواع مختلفنقاشی، گرافیک، مجسمه سازی

در واقع چنین سلسله مراتبی بوروکراسی واقعی است. امروزه در هنرهای تجسمی یک تقسیم بندی واضح وجود دارد: نقاشی- این کار با قلم مو و رنگ روی مواد متراکم است، به زبان رسمی سخت،- این استفاده از تمام مواد دیگر روی کاغذ است.

شاید چندان سخت گیرانه و علمی نباشد، اما دنیای هنر را بسیاری دوست دارند زیرا تابع علم نیست و بنابراین قوانین آن لزوماً نباید با طبقه بندی و اصطلاحات دقیق مطابقت داشته باشد.

تفاوت ظریف دیگری نیز وجود دارد: به خود کلمه فکر کنید "نقاشی"- از دو بخش تشکیل شده است: "زندگی کن"و "نوشتن". این را می توان به روش های مختلف تفسیر کرد، اما بسیاری از هنرمندان می گویند که کار با رنگ دقیقاً به این دلیل زنده است که خود رنگ ها پس از اعمال روی بوم خشک می شوند و تا حدودی خاصیت خود را تغییر می دهند، یعنی زندگی خود را می گذرانند.

و خود تصویر زندگی پویای خود را به دست می آورد ، تصویر زنده است.یا تصویرسازی- زنده بنویس... در کل کلمه نقاشی به نظر من بلند و زیبا به نظر می رسد

نگاه و تأمل در نقاشی های زنده

بنابراین، ما این بخش را فهمیدیم: نقاشی کار با رنگ است، طراحی با استفاده از وسایل دیگر. علاوه بر این، نقاشی سه پایه، هر دو به یاد ماندنی و تزئینی نیز با اشکال مشابه طراحی متفاوت است.

رنگ ها روی دیوارها اعمال می شود - ما در مورددر مورد نقاشی ، آنها آنها را با مداد رنگی تزئین می کنند - این قبلاً نقاشی است.

نقاشی می کنند یا نقاشی می کشند؟

دیگر، نه کمتر سوال خاردار- فرآیند ایجاد یک تصویر را چه می نامیم. به نظر می رسد که اگر تصویری ایجاد شود، به این معنی است که کشیده شده است. و اگر در مورد نامه صحبت می کنند، معمولاً منظور آنها متن است.

در اینجا اصطلاحات ریشه های تاریخی عمیقی دارد.نقاشی در روسیه به تدریج از نقاشی نمادها توسعه یافت، زمانی که استادان شروع به تلاش برای احیا و زنده کردن آن کردند. نقوش کتاب مقدس، با استفاده از همین تکنیک ها و سپس کاملاً به نقاشی هایی روی آورد که هیچ ربطی به مذهب نداشت.

اما از آنجایی که آیکون ها در ابتدا بودند "نوشت"، سپس این کلمه به نقاشی مهاجرت کرد و امروزه نقاشی های رنگ روغن نیز نقاشی می شود.

من اغلب گناه می کنم و معمولاً تصاویرم را "نقاشی" می کنم

اگر در مورد طراحی صحبت می کنیم، پس همه آثار اینجا نقاشی می شوند، مهم نیست که چقدر مهم هستند. البته می توان گفت که هنرمند یک بوم حماسی را با مداد "نوشته" کرد، اما این آزادی چیزی بیش نیست.

آیا می توان روی بوم نقاشی کرد؟

به طور کلی مرسوم است که می گویند روی بوم با رنگ روغن نقاشی می کنند، اما مثلاً به سادگی روی کاغذ می کشند. اما اینها قوانین مطلق نیستند.

به عنوان مثال، قبل از نقاشی با رنگ، هنرمند می تواند طرحی با مداد روی بوم بسازد.این یک نقاشی است، نویسنده آن را می کشد. و تنها زمانی که رنگ روی این نقاشی اعمال می شود، تصویر شروع به نقاشی می کند.

اگرچه هیچ کس طراحی با مداد یا زغال روی بوم را ممنوع نکرده است ... تنها سؤال این است که طراحی روی بوم پارچه ای برای تکنیک های خشک کاملاً مناسب نیست، مگر اینکه، البته، اینجا جایی نیست که بتوان از همه چیز استفاده کرد.

همین امر در مورد سایر اصول اولیه نیز صادق است. به عنوان مثال، نقاشی یادبود شامل نقاشی تصاویر با رنگ بر روی انواع مختلف است اشیاء معمارینما، نقاشی تزئینی - این نوشتن روی اشیاء مختلف و جزئیات داخلی است - این نقاشی دیوارهای داخل اتاق با نقاشی های دیواری و نقاشی های مصنوعی مختلف است.

در عین حال، اگر یک لیوان یا کوزه برداریم و مثلاً با جوهر آن را رنگ کنیم، قبلاً نقاشی تزئینی . این بدان معناست که به هیچ وجه بستگی به این ندارد که ما مشغول نقاشی باشیم یا طراحی. همه چیز در مورد موادی است که تصویر با آن ساخته شده است.

و در نهایت: تصور نکنید که نقاشی برای حرفه ای ها است و طراحی برای آماتورها. نه اصلا! اغلب، مداد، پاستل یا مداد رنگی آثاری خلق می‌کنند که شکوه و عظمت کمتری نسبت به نقاشی‌های رنگ روغن یا اکریلیک ندارند.

و سختی ایجاد کار مثلا فقط با مداد بسیار زیاد است. بنابراین، اگر دوست دارید نقاشی بکشید، لازم نیست خود را شکنجه کنید و خود را مجبور به نقاشی با رنگ کنید - ایجاد شاهکارهایی با آنچه که دوست دارید کاملاً امکان پذیر است.

استادان پرتره در گرافیک

فقط در این مورد، اتفاقا، شما قادر خواهید بود به طور کامل خود و احساسات خود را در کار خود بیان کنیدچه روی بوم، کاغذ، شیشه یا روی دیوار! آنها موارد اولیه هستند و مواد و تکنیک ها فقط ابزارهایی هستند که از بین آنها راحت ترین را برای خود انتخاب می کنید.

دوستان به مقاله در میان بسیاری از مقالات دیگر در اینترنت گم نشده است،آن را در نشانک های خود ذخیره کنید.به این ترتیب می توانید در هر زمانی به مطالعه بازگردید.

سوالات خود را در زیر در نظرات بپرسید، من معمولا به همه سوالات سریع پاسخ می دهم

شروع گفتگو با فرهنگ جهانی، انسان مدرنهیچ تلاشی برای رسیدن به سطح او صرف نمی کند، بلکه برعکس، سعی می کند او را به سطح خود پایین بیاورد. (کسی باهوش)

قبل از اختراع عکاسی، نقاشی به عنوان ابزاری برای انعکاس هر چه دقیقتر محیط در نظر گرفته می شد. نقاشی هر چه بهتر و معتبرتر به تصویر کشیده شود در نظر گرفته می شد دنیای واقعی. با ظهور عکاسی در سال 1839، و سینما در سال 1895، درک نقاشی به طور قابل توجهی گسترش یافت، اگرچه دیگران هنوز هم به یک نگرش کاملاً کاربردی پایبند هستند.

تفاوت بین عکس و نقاشی چیست؟

باتو دوگارژاپوف "کریسمس".

عکاسی یک لحظه را ثبت می کند، یعنی یک حالت بسیار خاص و آنی یک شی. هنرمند، مهم نیست که چگونه جزئیات را با جزئیات و باورپذیر می نویسد، اول از همه چیز کلی را می نویسد که در مدل می بیند، یعنی مشخص ترین و رساترین.

بنابراین، یک عکس (به استثنای آثار بسیار کمیاب از هنرمندان عکاس) یک تصویر است، شبیه به یک تصویر در یک دایره المعارف: این چیزی است که یک سنجاب، بچه ها، و صاحب آلبوم عکس به این شکل است. 20 سال پیش وقتی او را در وان حمام کردند.

باتو دوگارژاپوف "کریمه".

هنرمند مدرن کپی برداری از طبیعت را کنار گذاشته است - عکاسی و فیلمبرداری می توانند این کار را بسیار بهتر و سریعتر انجام دهند. ناتورالیسم نقاشی را به بن بست تکرار و پیش پاافتادگی سوق می دهد. علاوه بر این، طبیعت را نمی توان بازتولید کرد. وقتی بیننده فقط سطحی ترین جنبه نقاشی را درک کند - انتقال اطلاعات "جایی که همه چیز ایستاده است" ، درک نقاشی به شدت ضعیف و تحریف می شود.

یک نقاشی اساساً با یک عکس در عدم هویت آن چیزی که خلق شده است متفاوت است و این شده است تفاوت اساسیبین زیبا و تصویر عکاسی. هنرمند با اراده خود تصمیم می گیرد چه چیزی و چگونه ترک کند، چه چیزی و چگونه برجسته شود، چه چیزی را از تصویر حذف کند، حتی گاهی اوقات برخلاف عقل سلیم سطحی.

باتو دوگارژاپوف "تراس".

یک تابلوی نقاشی رنگ روغن روی بوم ادعا می کند که نمایشی کامل و جهانی از شیء نقاشی شده است و برداشت از آن را منتقل می کند. به شکلی نامفهوم، حجمی روی بوم مسطح ظاهر می شود، زنده و دنیای زیبا، توسط هنرمند ایجاد شده است.

ما می‌توانیم وارد تصویر شویم و آواز پرندگان را بشنویم، بوی علفزار گل‌دار را استشمام کنیم، گرمای آب گرم شده توسط خورشید را احساس کنیم، حرکت را ببینیم - به وضوح درک کنیم که همه اینها فقط در ذهن ما و در مقابل ما اتفاق می‌افتد. و اینکه نویسنده همه اینها را به ما رسانده است.

«آلا پریما» چیست؟

باتو دوگارژاپوف "صبح".

اگر قبلاً از سبک جواهرات نوشتن جزئیات تا کوچکترین جزئیات استقبال می شد ، هنگامی که تصویر طی ماه ها یا حتی سال ها نقاشی می شد و سپس با دقت لاک می شد ، در قرن 19-20 مفهوم "alla prima" ظاهر شد - از لاتین "all prima vista" (در نگاه اول) و به معنای نقاشی خود به خود با رنگ ایمپاستو است.

نقاشی بعد از اولین جلسه آماده است. رنگ ها بیشتر روی پالت ترکیب می شوند، جایی که تازه و درخشان به نظر می رسند. هنگام نوشتن به صورت کامل، خیلی خوب است راه مناسبکار

پاستوزیتی به صورت برجسته، ناهمواری لایه رنگ، در یک قلم موی پلاستیکی نمایان می شود و برای تأکید بر روی مادی شی و ایجاد پویایی عمل می کند. نقاشی‌ها حجیم‌تر و آموزنده‌تر از عکس‌ها هستند. حتی گاهی به دلیل عدم وجود این مشخصات.

باتو دوگارژاپوف «ظهر. قایق ها."

تناوب ضربه های به ظاهر آشفته و لکه های نور بسیار احساسی تر از عکاسی است و شیوه قدیمی و صیقلی حرکت را منتقل می کند - بازی لکه های خورشید روی چمن، خیره کننده روی آب، تاب خوردن برگ ها و غیره.

متأسفانه بیننده کاملاً وحشی به معنای فرهنگ تصویری، با دیدن آثار آلا پریما، نقاشی‌شده با خطوط و خط‌های گسترده، به خود زحمت نمی‌دهد که بایستد و از نزدیک نگاه کند، بلکه گونه‌هایش را پف می‌کند و با این جمله «من» می تواند همینطور نقاشی کند.» با آگاهی از برتری خود بیشتر در جستجوی خلاقیت های لاکی و فرفری است، جایی که نیازی به تخیل و همدلی نیست.

اجازه دهید او را رها کنیم، و سپس، برای مثال، نقاشی "Plein Air" توسط هنرمند باتو دوگارژاپوف را در نظر بگیریم. در این تصویر جالب چه می بینیم؟

باتو دوگارژاپوف "پلین ایر".

کسانی که می خواهند ببینند کفش های شخصیت ها چگونه ساخته می شوند - هیچ چیز. بیننده که با موج تفاهم کوک شده است، اول از همه چیزهای زیادی می بیند نور خورشید. سپس چندین هنرمند را با لباس تابستانی در سه پایه و یک هنرمند ریشو با شلوار جین و با برس در دست می بینیم. سپس یک گرم ظاهر می شود دیوار سنگیبا نور خورشید در حال بالا رفتن از درختان ویستریا بالای سرشان، آسمان آبیدر شکاف شاخ و برگ، جان پناه خاکریز و دریای پشت آن. دلیل اینکه شاخ و برگ با جزئیات کشیده نمی شود و رگه می شود این است که حرکت می کند، تاب می خورد و نور نیز حرکت می کند، سایه ها حرکت می کنند و انعکاس از دریا در دوردست هر دقیقه تغییر می کند...

حال و هوای تصویر کاملاً خارق العاده است، به سادگی نور و مثبت را ساطع می کند. و در عین حال نمی توان با اشاره گر اشاره کرد و توضیح داد - این این است و اینجا این است. شما فقط باید این را با کمی دور شدن از تصویر و تماشای طولانی مدت آن ببینید. علاوه بر این، این فقط یک فایل است، من می توانم تصور کنم که چگونه باید در اصل کار کند!

باتو دوگارژاپوف "در طرح ها".

نقاشی "روی اتودها" به روشی مشابه "ظاهر می شود". اول - نقاط پر هرج و مرج نور خورشید و انعکاس دریا. سپس هنرمند مو خاکستری به سمت سه پایه خم شد. سپس - خود دریا: دریای درخشان، حرکت می کند، نگران است، انعکاس خورشید از امواج عملاً چشم ها را کور می کند (چگونه این کار را نمی توان فهمید)، در دریا سنگ ها، سنگ ها و قایق ها وجود دارد، در سمت چپ. ، دوباره، یک گیاه بالارونده، شاید انگور.

حال و هوای یک صبح گرم (و امروز صبح است، زیرا وقتی خورشید بلند است، دریا آنقدر برق نمی‌زند، آبی می‌شود)، زیبایی ساحل جنوبیو تحسین این زیبایی

باتو دوگارژاپوف "عصر جنوبی"

نقاشی های باتو دوگارژاپوف در یک محیط نورانی خاص غوطه ور است که از فرهنگ تصویری بالای هنرمند و درک ظریف رنگ و روابط فضایی صحبت می کند. آثار او با طراوت، ریتم سریع خطوط و لکه های رنگی، شادی عاشقانه و درک ظریف از روابط نور-فضایی متمایز می شوند.

با سهولت بسیار، با استفاده از ضربات بزرگ، تصویری کامل و یکپارچه از طبیعت در رنگ، نور و پویایی حیاتی ایجاد می کند... همه چیز در پرتوهای خورشید می درخشد، حتی در جایی که سایه وجود دارد، بازتاب ها می درخشند، که به ویژه شگفت انگیز است و خوشایند رنگ‌ها که آزادانه پرتاب می‌شوند روی هم قرار می‌گیرند و یک هارمونی و ریتم چند رنگی را تشکیل می‌دهند که در آن بازی سایه‌ها از اهمیت ویژه‌ای برخوردار است.

باتو دوگارژاپوف "دریاچه کومو".

باتو دوگارژاپوف در سال 1966 در چیتا به دنیا آمد. فارغ التحصیل شد مدرسه هنردر تومسک و موسسه هنر آکادمیک دولتی مسکو به نام. V.I. سوریکوف. آثار این هنرمند در مجموعه های خصوصی در روسیه، آمریکا، فرانسه، ایتالیا و اسپانیا قرار دارد.

K. Yu. Starokhamskaya

نقاشی از هر ژانری (از طبیعت بی جان گرفته تا نقاشی مذهبی) است تصویر هنری، با کمک تخیل و جهان بینی شخصی هنرمند خلق شده است. جهان بینی و نگرش هنرمند تحت تأثیر محیط - عصر، دولت، جامعه، خانواده، سبک زندگی و غیره شکل می گیرد. هنر هنرمندان بزرگ همیشه پرتره ای از یک دوران است از منشور یک سلف پرتره، شخصیتی که از واقعیت پیرامون و روح زمان می گذرد.

نماد یک پدیده بی زمان است، آن مکاشفه خداوند است که با کمک نشان داده می شود هنرهای تجسمی. مهمترین اصل در نقاشی شمایل، پیروی از قوانین تثبیت شده است. قوانین نقاشی شمایل به قدری منحصر به فرد است که شخصی که با تاریخ و الهیات کلیسا آشنا نیست ممکن است گیج شود: چرا به اصول باستانی تصویرسازی پایبند باشیم؟ شاید استادانی که در مبدأ نقاشی شمایل ایستاده‌اند، به سادگی بر تکنیک‌هایی که در دوران رنسانس توسعه یافتند، تسلط نداشتند؟ و شاید باید دستاوردها را تغییر دهیم تمدن اروپاییبه این هنر باستانی?

بنابراین، چگونه نماد به طور قابل توجهی متفاوت است نقاشی کلاسیک? و با چه ابزار فنی این تفاوت حاصل می شود؟

نقاش شمایل چیزی از جهان بینی شخصی خود را که به هیچ وجه با جهان بینی کلیسای مسیح متفاوت باشد به نماد منتقل نمی کند. نقاش شمایل راهنمای جهان بینی کلیسا می شود. این نماد به دنبال انعکاس واقعیت موقت اطراف نیست، بلکه به مشکلات زمانه ما، ناآرامی های زودگذر این جهان مربوط نمی شود. یک آیکون پنجره ای به دنیای ابدی دیگر است.



این نقاشی ناگزیر منعکس کننده فردیت نویسنده است. یکی از بالاترین دستاوردهافعالیت نویسنده - ایجاد یک سبک جدید، جهت در نقاشی. بوم‌های استاد با نام، تصویر و زندگی‌نامه او پیوند ناگسستنی دارد.

نقاشی معنوی است، یعنی حسی، احساسات را منتقل می کند، زیرا هنر نشان دهنده راهی برای درک جهان از طریق احساسات است.

نماد معنوی، بی عاطفه و بی طرف است. مانند آواز کلیساو خواندن، نماد قبول نمی کند راه های احساسیتاثیر

نقاشی راهی برای تعامل با شخصیت نویسنده است. نماد وسیله ارتباط با خدا و اولیای اوست.

یک نماد، بر خلاف یک نقاشی، مستقیماً در خدمت نجات روح انسان است.

ما تفاوت های داخلی بین یک نماد و یک نقاشی را برجسته کرده ایم تفاوت های خارجیآیا می توانیم ردیابی کنیم؟

اول از همه، شمایل گواهی بر خدای واقعی است. یک نماد متعارف تزئینات تصادفی و خالی از معنای معنایی ندارد.

تفاوت های اصلی بین یک نماد و یک نقاشی:

1. قراردادی بودن، مقداری تحریف اشکال واقعی و نمادگرایی.

نفسانیات در نماد کاهش می یابد و امر معنوی آشکار می شود. نسبت های کشیده شکل، کمبود حجم. این نماد فاقد سنگینی است، وزن ذاتی اشیاء جهان ما.

2. پرسپکتیو معکوس.

تصویر بر اساس قوانین پرسپکتیو مستقیم ساخته شده است، نقطه ناپدید شدن در خط افق قرار دارد و همیشه یکسان است. این نماد با یک پرسپکتیو معکوس مشخص می شود، جایی که نقطه ناپدید شدن نه در عمق هواپیما، بلکه در شخصی که در مقابل نماد ایستاده است، قرار دارد. این گونه است که تصور ظهور عالم بهشت ​​در جهان ما، جهان پایین، بیان خود را می یابد. و خطوط موازیروی نماد همگرا نمی شوند، بلکه برعکس، در فضای نماد گسترش می یابند.

3. غیبت منبع خارجیسوتا.

نور، همانطور که بود، از درون نماد، از خود چهره ها و چهره ها، از اعماق آنها جوهره قداست است. این نماد نورانی است و این اصل بر اساس شهادت انجیل الهیات در مورد تغییر شکل خداوند ما در کوه تابور است. هاله ارتدکس نور مخلوق الهی است که در قلب یک قدیس متولد شده و با بدن دگرگون شده او یک کل واحد را تشکیل می دهد.

4. رنگ در یک نماد یک عملکرد کاملا نمادین را انجام می دهد.

رنگ قرمز بر روی شمایل شهدا نماد ایثار و یا قدرت سلطنتی. طلا نماد نور غیر کالایی است که ماهیتی کاملاً متفاوت با سایر مواد فیزیکی دارد. چرا نمی توان آن را با رنگ منتقل کرد. طلای روی نمادها برعکس ایده طلای زمینی و ثروت است. همچنین رنگ هایی وجود دارند که جایگزین حضور طلا بر روی نماد می شوند - اخرایی، قرمز و رنگ های سفید. رنگ سیاه روی آیکون ها فقط در مواردی استفاده می شود که لازم است نیروهای شیطانی یا دنیای زیرین نشان داده شوند.

6. هیچ زمانی در نماد وجود ندارد. همه وقایع در یک زمان اتفاق می افتند.

اغلب، یک نماد چندین صحنه مختلف را به تصویر می کشد، گاهی اوقات این صحنه هایی از زندگی یک قدیس است که کل مسیر او را از تولد تا آرامش نشان می دهد. اینگونه است که نقش نماد در دنیای ابدیت منتقل می شود، جایی که همه چیز در یک زمان باز است، یا بهتر است بگوییم، زمان به سادگی وجود ندارد. در تصویر، برعکس، در یک هواپیمای زمانی اتفاق می افتد.

بنابراین، تفاوت بین یک نماد متعارف و یک نقاشی آشکار است.

وظیفه اصلی آیکون، بر خلاف نقاشی، که جنبه حسی جهان را منتقل می کند، آشکار ساختن واقعیت جهان معنوی، کمک به دستیابی به احساس حضور واقعی قدیس است. مادر خدایا خداوند، در گشایش قلب و تولد دعا یا ستایش توبه‌آمیز که از طریق آن ذهن، قلب و تمام زندگی انسان تقدیس می‌شود، کمک کند.

در کارگاه نقاشی آیکون "آیکون اندازه گیری شده" امکان پذیر است