سه نوع بافت ملودیک. بافت، ساختار موسیقی، دگرگونی بافتی هارمونی، صداهای غیر آکورد

چه اتفاقی می افتد بافت موسیقی

1. بافت به عنوان راهی برای ارائه موسیقی.
2. گزینه های مختلف برای اجرای بافت (با استفاده از مثال قطعات نت موسیقی)
3. بافت تک صدایی (با استفاده از نمونه اولین آهنگ للیا از اپرای "دختر برفی" اثر N. Rimsky-Korsakov).
4. ملودی با همراهی (با استفاده از نمونه عاشقانه S. Rachmaninov "Lilac").
5. ” الگوی بافت ” : شباهت بصری الگوی بافت در همراهی با شکل گل یاسی.

مواد موسیقی:

1. N. Rimsky-Korsakov. اولین آهنگ للیا از اپرای "دختر برفی" (گوش دادن)؛
2. S. Rachmaninov، اشعار E. Beketova. "لیلاک" (گوش دادن)؛
3. G. Struve، اشعار S. Marshak. "آرزوها برای دوستان" (آواز خواندن)؛
4. E. Krylatov، اشعار یو. "چه پیشرفتی حاصل شده است!" (آواز خواندن).

شرح فعالیت ها:

1. تنوع و ویژگی تجسم های بافتی در آثار موسیقی را کاوش کنید.
2. آثار موسیقی را از نظر تجسم بافتی آنها مقایسه کنید.
3. پیوندهای انجمنی بین تصاویر هنریموسیقی و هنرهای تجسمی

از وجوه اصلی بیان موسیقی"چهره" هر اثر موسیقی شکل می گیرد. اما هر چهره می تواند عبارات زیادی داشته باشد. و "حالت صورت" "مسئول" وسایل اضافی است. بافت یکی از آنهاست.

در لغت، "فکتورا" به معنای "پردازش" است. مثلاً می دانیم که پارچه دارای بافت است. با لمس و بافت، می توانید یک پارچه را از پارچه دیگر تشخیص دهید. هر قطعه موسیقی نیز «پارچه صوتی» خاص خود را دارد. وقتی یک ملودی زیبا یا هارمونی غیر معمول می شنویم، به نظرمان می رسد که این وسایل به خودی خود گویا هستند. با این حال، آهنگسازان برای اینکه ملودی یا هارمونی گویا به نظر برسند، از تکنیک ها و روش های پردازش مختلفی استفاده می کنند. مواد موسیقی, انواع مختلفبافت موسیقی

قبل از درک معنای عبارت "بافت موسیقی"، اجازه دهید به نمونه های موسیقی نگاه کنیم.

می بینیم که همه نمونه ها در ارائه گرافیکی متفاوت هستند.

مثال اول "ستون های وتر" عمودی است، دومی یک خط موج دار است، سومی نوعی ساختار سه طبقه است، چهارمی شبیه به یک کاردیوگرام است (کاردیوگرام - تصویر گرافیکیکار قلب) طراحی موزیکال.

شیوه ارائه موسیقی است که به آن بافت می گویند.

شاید به این دلیل که بافت به وضوح بیانگر حوزه هنر موسیقی - خطوط، نقاشی ها، گرافیک های موسیقی است - تعاریف مختلفی دریافت کرده است.

"پارچه موسیقی"، "الگو"، "زیور آلات"، "کانتور"، "لایه های بافت"، "کف های بافت" - این تعاریف تصویری نشان دهنده بصری، زیبایی، فضای بافت است.

انتخاب یک بافت خاص به دلایل زیادی بستگی دارد - از محتوای موسیقی، از جایی که این موسیقی اجرا می شود، از آهنگسازی تام. به عنوان مثال، موسیقی چندصدایی که برای نواختن در معبد در نظر گرفته شده است، نیاز به میزان قابل توجهی دارد فضای بافت دار. موسیقی غنایی که با انتقال احساسات انسانی همراه است، معمولاً مونوفونیک است. صدای آن نشان دهنده فشرده سازی بافت به یک صدای واحد است که آهنگ تنهایی خود را می خواند.

گاهی اوقات یک نمایش مونوفونیک یک ملودی توسط آهنگسازان برای بیان زیبایی یک تن صدای خاص استفاده می شود. بنابراین، تکنوازی شاخ چوپان در مقدمه اولین آهنگ للیا از اپرای N. Rimsky-Korsakov "دختر برفی"، شنونده را وارد فضای یک افسانه بت پرستان شگفت انگیز می کند.

چوپان جوان لل مظهر هنر موسیقی و نیروی آفتابی و غیر قابل مقاومت جذاب عشق است. عشق و هنر هدایای یاریلا و در عین حال بیانی تمام نشدنی است نیروهای خلاقشخص
این واقعیت که لل یک چوپان ساده است، این واقعیت که آهنگ های او محلی هستند، دروغ است معنی عمیق. در تصویر للیا، استروفسکی و ریمسکی-کورساکوف مشهور شدند هنر عامیانهو بر ماهیت تأیید کننده زندگی آن تأکید کرد. تصادفی نیست که لل، تنها یکی از مجریان شخصیت هااپراها که تقریباً منحصراً با آهنگها مشخص می شوند - تک نفره و کرال ، جایی که او به عنوان خواننده اصلی عمل می کند. سمت ابزاری در ویژگی های موسیقیللیا با آهنگ های چوپان متعدد نشان داده می شود. برخی از آنها واقعا مردمی هستند.
صدای سازهای بادی چوبی و اغلب کلارینت سولو (تقلید از بوق چوپان) به موسیقی للیا رنگ آمیزی فولکلور روشن می بخشد.
اولین آهنگ للیا، "توت فرنگی توت فرنگی"، یک آهنگ کشیده و غم انگیز است. در آن، ریمسکی-کورساکوف شخصیت و ویژگی های موسیقیغنایی آهنگ های محلی: آواز روان، آواز مکرر، همخوانی ناقص (بدون سوم) و همخوانی در انتهای عبارات. این آهنگ توسط "طلاق" های متعدد - آهنگ های فلوت و بوق انگلیسیبا رنگ آمیزی طناب عامیانه خود.

با این حال، یک بافت منحصرا تک صدایی یک پدیده نسبتا نادر است. اغلب ما نوع دیگری از بافت را می بینیم - ملودی با همراهی، که به طور معمول، یکدیگر را تکمیل می کنند. آهنگ اف. شوبرت "در جاده" را به یاد بیاورید. این نه تنها یک ملودی شاد، بلکه چرخش یک سنگ آسیاب در قسمت پیانو را نیز شامل می شود که یک تصور بصری واضح ایجاد می کند.

آهنگ اف. شوبرت "در جاده" چرخه "همسر زیبای میلر" را باز می کند. این می گوید که چگونه آسیابان به سفر خود می رود ، در مورد عشق یک قهرمان جوان و ساده دل - این یکی دیگر است. داستان عاشقانهروح تنها خوشبختی انسان بسیار نزدیک است، امیدهای او بسیار روشن است، اما سرنوشت آنها محقق نمی شود و فقط جریانی که از همان دقایق اول دوست آسیابان شد، او را تسلیت می دهد و با او غمگین می شود. به نظر می رسد که او مرد جوان را با خود در سفر می کشاند. در پس زمینه این زمزمه، ملودی ساده و فولکلور به گوش می رسد.

ثروت تصاویر موزیکالبه شما اجازه می دهد تا از تکنیک های مختلف بافت استفاده کنید. بنابراین، در رمان عاشقانه S. Rachmaninov "Lilac"، الگوی همراهی شباهت بصری صرفاً به شکل گل یاس دارد. موسیقی عاشقانه سبک و ناب است، مثل جوانی، مثل شکوفه های باغ بهاری:

صبح، سحر، روی علف شبنم
صبح می روم و نفس تازه می کنم.
و در سایه معطر،
جایی که یاس بنفش شلوغ است،
من برم دنبال خوشبختی ام...
در زندگی قرار است فقط یک خوشبختی پیدا کنم،
و این شادی در یاس بنفش زندگی می کند.
روی شاخه های سبز
روی برس های معطر
خوشبختی بیچاره من شکوفا شده است.

نویسنده یوری ناگیبین در داستان خود "لیلاک" در مورد یک تابستان می نویسد که سرگئی راخمانینوف هفده ساله در املاک ایوانوفکا گذراند. در آن تابستان عجیب، یاس بنفش‌ها «به یکباره شکوفا شدند، در یک شب در حیاط، در کوچه‌ها، و در پارک می‌جوشند». به یاد آن تابستان، یک صبح زود که آهنگساز با اولین عشق جوان خود آشنا شد، شاید لطیف ترین و احساسی ترین رمان عاشقانه "یاس بنفش" را نوشت.

چه چیز دیگری، چه احساسات و حالاتی باعث می شود که بافت یا کوچک شود، سپس در فضا شکل بگیرد یا شکل یک گل بهاری دوست داشتنی به خود بگیرد؟

احتمالاً پاسخ این سؤال را باید در جذابیت زنده تصویر، در نفس، رنگ‌ها، ظاهر منحصربه‌فرد آن و مهم‌تر از همه در تجربه تصویری که خود آهنگساز به موسیقی خود وارد می‌کند، جستجو کرد. یک نوازنده هرگز به موضوعی نمی پردازد که به او نزدیک نیست و در روحش طنین انداز نمی شود. تصادفی نیست که بسیاری از آهنگسازان اعتراف کردند که هرگز درباره چیزهایی که خودشان تجربه نکرده یا احساس نکرده اند، ننوشته اند.

بنابراین، هنگامی که یاس بنفش شکوفا می شود یا زمین پوشیده از برف است، هنگامی که خورشید طلوع می کند یا نهرهای آب تند شروع به بازی با انعکاس های رنگارنگ می کنند، هنرمند همان احساساتی را تجربه می کند که میلیون ها نفر در همه حال تجربه کرده اند.

او همچنین خوشحال است، غمگین است، زیبایی های بی حد و حصر جهان و دگرگونی های شگفت انگیز آن را تحسین می کند و تحسین می کند. او احساسات خود را در صداها، رنگ ها و طرح های موسیقی تجسم می بخشد و آن را با نفس زندگی پر می کند.

و اگر موسیقی او مردم را هیجان زده می کند، به این معنی است که نه تنها تصاویری از یاس بنفش، خورشید صبحگاهی یا یک رودخانه را به وضوح ثبت می کند، بلکه تجربیاتی را که مردم از زمان های بسیار قدیم هنگام تماس با زیبایی تجربه کرده اند، به تصویر می کشد.

بنابراین، احتمالاً اغراق نیست اگر بگوییم هر اثری از این دست، مهم نیست که چقدر احساساتی که نویسنده را برانگیخته است، یادگاری است برای همه رنگ های جهان، همه رودخانه ها و طلوع های آن، همه چیز بی اندازه. تحسین انسانو عشق

سوالات و وظایف:

1. کلمه "بافت" در موسیقی به چه معناست؟
2. چه تعاریف مجازی به کار می رود انواع مختلفبافت ها؟
3. چرا در اولین آهنگ للیا از اپرای "دختر برفی" اثر N. Rimsky-Korsakov از یک بافت مونوفونیک استفاده شده است؟
4. محتوای یک اثر موسیقی چه تاثیری بر ضبط بافت آن دارد؟ با استفاده از مثال عاشقانه "لیلاک" اثر S. Rachmaninov به ما بگویید.

ارائه

شامل:
1. ارائه، ppsx;
2. صداهای موسیقی:
دبوسی Paspier (از چرخه سوئیت Bergamasque)، mp3.
دنیسوف. نوحه هشدار (از چرخه نوحه)، mp3;
مسیان. اتود شماره 2 (از چرخه 4 اتود ریتمیک)، mp3;
راخمانینوف یاسی. (به زبان اسپانیایی توسط T. Sinyavskaya)، mp3;
ریمسکی-کورساکوف. اولین آهنگ Lelya (از اپرای Snow Maiden) mp3;
شوستاکوویچ پیش درآمد در سی ماژور (از چرخه 24 پیش درآمد و فوگ)، mp3;
شوبرت در جاده (از سریال همسر زیبای میلر)، mp3;
3. مقاله همراه، docx.

(فرهنگ لغت)

بافت- ماهیت ارائه مواد موسیقایی اثر (بافت موسیقی آن).

ثبت، محدوده، متعلق به یک انبار موسیقی و غیره

انبار موسیقی- معمولی ترین روش ارائه مطالب.

(موندی،از یونانی. (یونانیپلی-بسیاری، تلفنیو- (یونانیهموطنان- برابر) -

monos-یک و قصیده-آواز) صدا) - ترکیبی از صدای پیشرو با هماهنگ

دقیقا مستقل و همراه

پیچیده -تعریف تصویری بالدار از تقدم عمودی

گوزن- ارائه melo-.- تقسیم - من به گفتگو احترام می گذارم - بالاتر از افقی.

diy paral. در فواصل زمانی، با خود صحبت کنید و صحبت نکنید -

آکوردها (ضخیم شده من-دوستدوست طرفین). تنوع -

لودیا، لایه آهنگین) (به شرط) تقدم افقی آکورد - هارمونی -

چتر روی عمودی chesicalانبار یک اکانت است

بافت بند ناف با

دو نوع چندصدایی: عدم بیان

متضاد(صدای پیشرو لحن. صداهای فردی)، .

تقلید(تقلید)

نوبت های ملودیک عمومی

ناهمخوانی(ساختار میانی بین چند صدایی و تک صدایی پیچیده. از 50-51 زیر را ببینید).

در آثار موسیقی دستگاهی (به ویژه پیانو) از نوع همفونیک متمایز است 4 نوع تبدیل هارمونی بافتی(شاید بتوان گفت، 4 نوع بافت هارمونیک)، (یو. تیولین. دوره نظری کوتاه هارمونی. M.، 1960):

- فیگوراسیون هارمونیک، - انواع آرپگی. (بافت اکثر نمایشنامه های غنایی و عاشقانه این است).

- فیگوراسیون ریتمیک،- تکرار آکوردها در یک ریتم خاص، تعیین شده توسط ژانر (Chopen. Prelude e moll).

- لایه بندی رنگ،- تکرار صداهای آکورد (از 5-6 صدا در هر پارچه هارمونیکتا 16 (-cis minor Rachmaninov prelude، reprise) و بیشتر).

- فیگوراسیون ملودیک- ملودی سازی پارچه هارمونیک با معرفی پژواک های مهم از نظر موضوعی. (شومان. نمایشنامه های خارق العاده. چرا؟.)

در یک موضوع می تواند ترکیبی از انواع آسیب وجود داشته باشد. بافت ها (انواع تبدیل بافت هارمونی).

ابزارهای فیگوراسیون ملودیک هستند صداهای غیر آکورد

(ملودی هایی که فقط بر اساس صدای آکوردها ساخته شده اند تعدادشان کم است).

4 نوع غیر ac. صداها

در زمان قوی (اندازه گیری یا متریک

سهام) – بازداشت، - نه تاخیر در صدا

ظاهر صدای آکورد:

ن
و زمان ضعیف - کمکی,

–
خواننده:

- گذراندن، - نه صدا به صورت گام به گام

(
حرکت گاما شکل:

- بالابر، - نه صدای ظاهر شدن

قبل از آکوردش:

همه صداهای غیر آکورد (یعنی بر حسب ثانیه) با آکورد یک مجاور هستند.

انواع چند صدایی آهنگ های فولکلور روسیه

متن: L.S.Mukharinskaya. در جستجوی ظاهری مدرن Sov.muz..1969.p.93-96.

V.M.Shchurov. انواع اصلی پلیفونی آهنگ فولکلور روسی. تفلیس، 1985.

N. Vashkevich. هتروفونی. نسخه خطی. روش. دفتر 1997

بوردونو(کله) آواز خواندن، آواز خواندن بر روی صدای پایدار (پدال). شکل اولیه چند صدایی.

هتروفونی(از یونانیهتروس-دیگر; صدای متفاوت ، اختلاف) - چند صدایی که توسط صداهای فرعی از نوع زینتی یا ملیسماتیک به آهنگ اصلی تشکیل می شود. هتروفونی قدیمی‌ترین و پایدارترین نوع پلی‌فونی آواز محلی دهقانی روسی است که اهمیت اصلی خود را تا به امروز حفظ کرده است.

تقریباً تمام آهنگ های پلی فونیک روی دیسک DV IVAN KUPALA (1999) هتروفونیک هستند. این ها آهنگ های محلی ضبط شده از گروه های محلی روستایی هستند مناطق مختلفروسیه (از منطقه آرخانگلسک تا منطقه آستاراخان)، و با همراهی موسیقی یک سینت سایزر ارائه شد (نمونه قابل توجهی از استفاده از آهنگ های محلی در موسیقی پاپ، نمونه ای از رواج فولکلور).

طبقه بندی خط ملودیک، "تاری" کانتور ملودیک، صدای "ارتعاش" دومین "تورم" یک پدیده رنگارنگ منحصر به فرد از چند صدایی هتروفونیک آواز دهقانی روسی است. اما رنگ جنبه خارجی است. معناشناسی ناهمخوانی در دیگری. اغلب «تفت‌های» هتروفونیک ریتم متروی آواز را برجسته می‌کنند. در ترانه های غناییناهماهنگی آنها تنش اهنگهای تروکائیک را متمرکز می کند. I.I اشاره می کند که در آهنگ هایی با محتوای نمایشی، طبقه بندی هتروفونیک "به عنوان تاکید درک می شود." زمتسوفسکی، - به عنوان نوعی "مورب" شفاهی از مهمترین قطعات متن.

آهنگ عروسی "در ورودی" (منطقه نلیدوفسکی، ضبط شده توسط I.N. Nekrasova) نمونه ای از به اصطلاح هتروفونی "نقطه" است:

در "مجموعه سیستماتیک آهنگ" ( http://intoclassics.net/news/2010-10-16-19094) اینها آهنگ ها هستند: "در میان دره صاف" ، "پایین رودخانه ولگا" ، "ایوشکا".

در کتاب های درسی تئوری، زیر آوازی نوعی چندصدایی است - چند صدایی چند صدایی آهنگ های محلی. در مقابل، هتروفونی به عنوان یک ساختار تک صدایی، یا بهتر است بگوییم، یک مونوفونی پیچیده طبقه بندی می شود (به عنوان یک ملودی غلیظ، یک مجموعه ملودیک، یک لایه ملودیک تشکیل می شود).

آواز خواندن با خط چشم- یک کُرال دو یا سه صدایی با ملودی اصلی بالا و متضاد، با صدای اصلی که با ملودی اصلی مقابله می کند (اغلب نقش صدای اصلی را با آن به چالش می کشد).

نمونه‌ای از خط چشم «اینجا ترویکای شجاع می‌آید»، اشعار F. Glinka است. "قهرمان چاپایف در اورال قدم زد."

خواندن "دوم"(تکرار در سوم) - ساده ترین روبان سوم (کمتر در ششم) دو صدایی.

نمونه های دوم عبارتند از: "روان نازک"، "زورکا-زهره"، "در سپیده دم، در سپیده دم"، "این باد نیست که شاخه را خم می کند."

احتمالاً سه نوع آخر چندصدایی (زیر آوازی، زیر آوازی، وتورایا) نسبتاً اخیراً (3-4 قرن پیش) در آواز عامیانه ظاهر شد و تحت تأثیر آواز شهری و تمرین آواز پارتس معبدی تأسیس شد.

انبار نمی توانمآواز، هومفونیک، با طنین آکورد-هارمونیک برای هر تن از ملودی. کانت ژانر فولکلور شهری است. آواز کانت تحت تأثیر فرهنگ موسیقی اروپای غربی (در اصل لهستانی) توسعه یافت. برای یک کانت، 3 صدای با موازی معمول است. به سومین با حرکت صداهای بالا و باس، ایجاد یک پشتیبانی هارمونیک. کانت با ساختارهای مربعی مشخص می شود. نمونه هایی از ملودی های نزدیک به آهنگ: "سربازان، بچه ها براو"

"آفرین دونتس"، "اولود کن، شاهین، مثل عقاب"

در پایان قرن 19 و 20، اشکال جدیدی از چند صدایی ظاهر شد. از نظر سبکی آنها ناهمگن هستند:

فولکلوریست ها توجه داشته اند که امروزه می توانید این اجرا را بشنوید خوانندگان محلییک آهنگ باستانی در دو نسخه: در صدای تک صدای ذاتی آن و در یک "مدرن" چند صدایی.

با همه انواع بافت ها، می توان اشکال معمولی ارائه را بر اساس یک یا آن اصل خاص شناسایی و نظام مند کرد. به این گونه فرم ها انبارهای موسیقی می گویند. لازم است بین چهار نوع اصلی تمایز قائل شد: مونودیک، چندصدایی، آکوردال، هوموفونیک. این یا آن انبار را می توان در تمام طول کار یا در اکثر موارد نگهداری کرد، یا می توان آن را به صورت پراکنده انجام داد و با انبار دیگری جایگزین کرد. در موسیقی دستگاهی اغلب ترکیبی وجود دارد راه های مختلفارائه، تشکیل انبارهای مختلط یا فاکتور رایگان. ساختار مونودیک یک حرکت ملودیک تک صدایی (یکصدا یا با دو برابر شدن اکتاو) بدون همراهی است. ترانه های فولکلوریک تک صدایی از این نظر معمول است. ساختار چندصدایی نوعی چند صدایی است که در آن صداها به طور کلی ارزش بیانی یکسانی دارند. هر صدا به یک درجه یا دیگری فردی است و یک الگوی ملودیک مستقل را تشکیل می دهد. این استقلال به معنای آزادی کامل نیست، بلکه به طور غیرمستقیم تابع قوام هارمونیک صدا است. ساختار آکورد با چنین ترکیب هارمونیک صداها مشخص می شود که آکوردها را به عنوان یک کل یکپارچه تشکیل می دهد. این استحکام عمدتاً از همگنی ریتمیک همه صداها ایجاد می شود. صدای هوموفونیک با ترکیبی از یک صدای تک نفره و یک همراهی مشخص می شود. بنابراین، برخلاف سایر انبارها، بر ساختاری دو صفحه استوار است. منشا در عامیانه موسیقی - در آوازبا همراهی ساز، انبار هوموفونیک به موسیقی روزمره سکولار قرون وسطی منتقل شد. به شکل ساده. طبیعتاً او جایگاه خود را در موسیقی کلیسایی آن زمان که چند صدایی چند صدایی کرال را پرورش می داد، پیدا نکرد. یک ساختار همفونیک-هارمونیک وجود دارد (در ساده ترین شکل آن، همراهی یک هارمونی به وضوح بیان شده است). در بالا در مورد انبارهای موسیقی در آنها بحث کردیم فرم مشخصه. اما اغلب اوقات ترکیب و نفوذ متقابل روش های مختلف ارائه وجود دارد که منجر به پیچیده و انبارهای مختلط. به عنوان مثال، ساختار آکورد-چند صدایی مخلوط، آکورد هموفونیک، هموفونیک-چند صدایی.

رنسانس

رنسانس یا رنسانس دوره ای در تاریخ فرهنگ است که تقریباً قرون XIV-XVI را در بر می گیرد هنر باستانیکه تبدیل به ایده آلی برای شخصیت های فرهنگی دوران معاصر شده است. آهنگسازان و نظریه پردازان موسیقی - J. Tinktoris.،

J. Tsarlino و دیگران - رساله های موسیقی یونان باستان را مطالعه کردند. در آثار Josquin Despres که با میکل آنژ مقایسه شد، به گفته معاصران، "کمال از دست رفته موسیقی یونانیان باستان احیا شد": که در پایان قرن 16 ظاهر شد. اوایل XVII V. اپرا بر اساس قوانین درام باستانی هدایت می شد.

توسعه فرهنگ رنسانس با ظهور همه جنبه های جامعه همراه است. جهان بینی جدیدی متولد شد - اومانیسم (از لاتین "humanos" - "انسان"). رهایی نیروهای خلاق منجر به توسعه سریع علم، تجارت و صنایع دستی شد و روابط جدید و سرمایه داری در اقتصاد شکل گرفت. اختراع چاپ به گسترش آموزش کمک کرد. عالیه اکتشافات جغرافیاییو سیستم خورشید مرکزی جهان N. Copernicus عقاید را در مورد زمین و جهان تغییر داد.

به شکوفایی بی سابقه ای رسید هنرهای زیبا، معماری ، ادبیات. نگرش جدید در موسیقی منعکس شد و ظاهر آن را دگرگون کرد. او به تدریج از هنجارهای قانون قرون وسطی دور می شود، سبک فردی می شود و مفهوم "آهنگساز" برای اولین بار ظاهر می شود. بافت آثار تغییر می کند، تعداد صداها به چهار، شش» یا بیشتر می رسد (مثلاً کانون 36 صدایی منسوب به بزرگترین نماینده مکتب هلندی J. Oeckeghem شناخته شده است) در هماهنگی، همخوانی های همخوان غالب است. استفاده از ناهماهنگی ها به شدت توسط حالت های ماژور و مینور و سیستم ریتمیک مشخصه موسیقی بعدی محدود شده است.

همه این وسایل جدید توسط آهنگسازان برای انتقال ساختار خاص احساسات مرد رنسانس - عالی، هماهنگ، آرام و باشکوه - استفاده شد.

در عصر رنسانس (رنسانس)، موسیقی حرفه ای ویژگی هنر صرفا کلیسایی را از دست می دهد و تحت تأثیر قرار می گیرد. موسیقی محلی، آغشته به جهان بینی انسانی جدید است. سطح بالاهنر پلی‌فونی آوازی و آوازی – ساز در آثار نمایندگان «Ars nova» («هنر جدید») در ایتالیا و فرانسه قرن چهاردهم، در قرن جدید به دست آمده است. مدارس چند صدایی- انگلیسی (قرن XV)، هلندی (قرن XV-XVI)، رومی، ونیزی، فرانسوی، آلمانی، لهستانی، چک و غیره (قرن شانزدهم).

ظاهر شود ژانرهای مختلفسکولار هنر موسیقی-- frottola و villanella در ایتالیا، ویلانسیکو در اسپانیا، تصنیف در انگلستان، مادریگال که در ایتالیا سرچشمه گرفت (L. Marenzio، J. Arkadelt، Gesualdo da Venosa)، اما فراگیر شد، آهنگ چند صدایی فرانسوی (C. Janequin, C. لژون). رنسانس با ظهور ژانرهای موسیقی جدید - آواز سولو، کانتاتا، اوراتوریو و اپرا به پایان می رسد که به ایجاد تدریجی سبک همفونیک کمک کرد.

ترجمه شده از کلمه ایتالیایی"توکاتا" به معنای "لمس"، "ضربه" است. در دوران رنسانس، این نامی بود که به هیاهوهای جشن برای سازهای بادی و تیمپانی داده می شد. در قرن هفدهم - معرفي اپرا و باله از نوع هياهو.

توکاتا همچنین یک قطعه عالی برای عود، کلاویر و اندام است. در اصل توکاتا برای سازهای کیبوردبه عنوان مقدمه (پیش درآمد) سروده شد کار کرالمثلا موتت و یک ژانر موسیقی کلیسایی بود و بعد مستقل می شود ژانر کنسرت موسیقی سکولار. آهنگسازان آن را در یک مجموعه گنجانده و آن را به بخش اولیه یک چرخه چند صدایی تبدیل می کنند (توکاتا و فوگ در د مینور برای ارگ اثر جی. اس. باخ).

توکاتا و فوگ در د مینور برای ارگ اثر جی اس باخ

توکاتا با بافتی مشخص می شود که سبک انگشت را منعکس می کند. بازی صفحه کلیدیعنی نواختن با آکوردها، پاساژها، فیگوراسیون های ملودیک و هارمونیک. بخش‌های آکورد و پاساژ با بخش‌های تقلیدی چندصدایی متناوب می‌شوند. در توکاتاهای باخ، زیبایی فرم و فضیلت بی‌سابقه با عمق و اهمیت محتوا ترکیب شد.

در قرن XIX - XX. توکاتا به عنوان یک قطعه ویرتوز مستقل از یک طرح اتود (توکاتا برای پیانو توسط R. Schumann، C. Czerny، C. Debussy، M. Ravel، S. S. Prokofiev، A. I. Khachaturian) توسعه یافت. توکاتا به عنوان بخشی از چرخه در پنجمین کنسرتو پیانوی پروکوفیف، در مجموعه Pulcinella اثر I. F. Stravinsky یافت می شود.

موسیقی رنسانس.

زیبایی شناسی موسیقی دوره رنسانس توسط آهنگسازان و نظریه پردازان به شدت مانند سایر اشکال هنر توسعه یافت. بالاخره چطور جیووانی بوکاچیوبر این باور بود که دانته از طریق کار خود به بازگشت موزها کمک کرد و به شعر مرده جان بخشید، همانطور که جورجیو وازاری در مورد احیای هنرها صحبت کرد و جوزفو زارلینو در رساله خود "تاسیسات هارمونی" (1588) نوشت:

با این حال، چه تقصیر زمان موذی باشد و چه غفلت انسانی، مردم نه تنها به موسیقی، بلکه برای سایر علوم نیز ارزش قائل شدند، و او به اوج خود رسید و پس از آن که به او داده شد ناموسی ناشناخته، او را رقت‌انگیز، بی‌اهمیت و آنقدر کم احترام می‌دانستند که حتی افراد دانش‌آموز به سختی او را می‌شناختند و نمی‌خواستند حقش را به او بدهند.»

در اواخر قرن سیزدهم تا چهاردهم، رساله «موسیقی» اثر استاد موسیقی جان دو گروهئو در پاریس منتشر شد که در آن او ایده‌های قرون وسطایی درباره موسیقی را به طور انتقادی بازبینی کرد. او می نویسد: «کسانی که مایل به قصه گویی هستند، می گویند که موسیقی توسط موزهایی که در نزدیکی آب زندگی می کردند، اختراع شده است، اما بوئتیوس، مردی مهم و نجیب، دیدگاه های متفاوتی دارد. او در کتاب خود می گوید که آغاز موسیقی توسط فیثاغورث کشف شد، زیرا موسیقی برای آنها فطری بود، همانطور که افلاطون و بوئتیوس ادعا می کنند، اما پایه های آواز و موسیقی تا زمان فیثاغورث ناشناخته بود. ..."

با این حال، جان دو گروهئو با تقسیم موسیقی به سه نوع بوئتیوس و پیروانش موافق نیست: موسیقی جهانی، موسیقی انسانی، موسیقی دستگاهی، زیرا هیچ کس حتی هارمونی ناشی از حرکت اجرام آسمانی را نشنیده است. به طور کلی، «تفسیر آواز فرشته کار یک نوازنده نیست، مگر اینکه متکلم یا پیامبر باشد».

«بنابراین، فرض کنیم که موسیقی رایج در بین پاریسی‌ها را می‌توان ظاهراً به سه بخش اصلی تقلیل داد. یک بخش موسیقی ساده یا مدنی (civilis) است که ما آن را فولکلور هم می‌گوییم؛ دیگری موسیقی پیچیده (ساخته شده - کامپوزیتا). ) یا صحیح (آموخته - منظمی) یا متعارف که به آن حضار می گویند و قسمت سوم که از آن دو بالا آمده و در آن هر دو با هم ترکیب شده اند، این است. موسیقی کلیسا، قصد ستایش خالق را داشت."

جان دو گروژئو از زمان خود جلوتر بود و پیروانی نداشت. موسیقی، مانند شعر و نقاشی، تنها در قرن پانزدهم و به ویژه در قرن شانزدهم ویژگی‌های جدیدی پیدا کرد که با ظهور رساله‌های جدیدتری در موسیقی همراه بود.

Glarean (1488 - 1563)، نویسنده مقاله در مورد موسیقی "مرد دوازده سیم" (1547)، در سوئیس متولد شد، در دانشگاه کلن در دانشکده هنر تحصیل کرد. استاد هنرهای لیبرالبه تدریس شعر، موسیقی، ریاضیات، یونانی و زبان های لاتین، که از منافع مبرم آن دوران صحبت می کند. در اینجا با اراسموس روتردام دوست شد.

گلارین به موسیقی، به‌ویژه موسیقی کلیسایی، مانند هنرمندانی که به نقاشی نقاشی‌ها و نقاشی‌های دیواری در کلیساها ادامه می‌دادند، می‌پردازد، یعنی موسیقی، مانند نقاشی، باید خارج از تعلیمات مذهبی و تأمل، قبل از هر چیز لذت بخشد، «مادر لذت.”

گلرین مزایای موسیقی مونودیک در مقابل چندصدایی را اثبات می کند، در حالی که او در مورد دو نوع نوازنده صحبت می کند: آواز و سمفونیست: اولی تمایل طبیعی به ساختن یک ملودی دارد، دومی - برای ایجاد ملودی برای دو، سه یا چند صدا.

گلارین علاوه بر توسعه تئوری موسیقی، تاریخ موسیقی، توسعه آن را نیز در نظر می گیرد، همانطور که معلوم می شود در چارچوب رنسانس کاملاً موسیقی قرون وسطی را نادیده می گیرد. او ایده وحدت موسیقی و شعر، اجرای دستگاهی و متن را اثبات می کند. در توسعه تئوری موسیقی، گلارین با استفاده از دوازده تن، حالت‌های بادی و یونی را مشروعیت بخشید و بدین وسیله مفاهیم ماژور و مینور را به لحاظ نظری اثبات کرد.

Glarean خود را به توسعه تئوری موسیقی محدود نمی کند، بلکه آثار آهنگسازان مدرن Josquin Despres، Obrecht، Pierre de la Rue را بررسی می کند. او در مورد ژوسکین دسپرس با عشق و لذت صحبت می کند، مانند وازاری در مورد میکل آنژ.

جوزفو زارلینو (1517 - 1590) که قبلاً با اظهارات او آشنا هستیم، 20 ساله با آن وارد نظمیه فرانسیسکن در ونیز شد. کنسرت های موسیقیو شکوفایی نقاشی، که حرفه او را به عنوان یک موسیقیدان، آهنگساز و نظریه پرداز موسیقی بیدار کرد. در سال 1565 او ریاست کلیسای سنت. نام تجاری. اعتقاد بر این است که در مقاله "ایجاد هماهنگی" تزارلینو فرم کلاسیکاصول اولیه را بیان کرد زیبایی شناسی موسیقیرنسانس.

زارلینو که از افول موسیقی البته در قرون وسطی صحبت می کرد، در توسعه دکترین طبیعت خود بر زیبایی شناسی باستانی تکیه می کرد. هارمونی موسیقی. نوشته‌های فیلسوفان و به‌ویژه فیثاغورثی‌ها به وضوح نشان می‌دهد که چقدر موسیقی به عنوان مقدس تجلیل و تکریم شده است، زیرا آنها معتقد بودند که جهان بر اساس قوانین موسیقی آفریده شده است و حرکت کره‌ها عامل هماهنگی است و ما روح بر اساس همین قوانین ساخته می‌شود، از آوازها و صداها بیدار می‌شود و به نظر می‌رسد در خواص آن تأثیر حیات بخش دارند.»

زارلینو تمایل دارد موسیقی را در میان هنرهای لیبرال اصلی بداند، همانطور که لئوناردو داوینچی نقاشی را تعالی می بخشید. اما این یک سرگرمی است انواع خاصیهنر نباید ما را گیج کند، زیرا ما از هارمونی به عنوان یک مقوله زیباشناختی جامع صحبت می کنیم.

«و اگر روح دنیا (چنان که برخی می پندارند) هماهنگ باشد، آیا روح ما نمی تواند عامل همه هماهنگی در ما باشد و بدن ما با روح هماهنگ نباشد، مخصوصاً زمانی که خداوند انسان را به مثابه آفریده است. جهان بزرگ‌تر که یونانیان آن را کیهان می‌نامند، یعنی زینت یا آراسته، و زمانی که ظاهری با حجم کوچک‌تر ایجاد کرد، بر خلاف آنچه که میکروکوسموس نامیده می‌شود، یعنی دنیای کوچک? روشن است که چنین فرضی بی اساس نیست.»

در تزارلینو، الهیات مسیحی به زیبایی شناسی باستانی تبدیل می شود. ایده وحدت جهان خرد و کلان ایده دیگری را در او ایجاد می کند - در مورد تناسب هماهنگی عینی جهان و هماهنگی ذهنی ذاتی. روح انسان. زارلینو با برجسته کردن موسیقی به عنوان هنرهای لیبرال اصلی، از وحدت موسیقی و شعر، وحدت موسیقی و متن، ملودی و کلام صحبت می کند. به این "تاریخ" اضافه می شود که منشأ اپرا را پیش بینی یا توجیه می کند. و اگر رقص وجود داشته باشد، همانطور که در پاریس اتفاق خواهد افتاد، ما شاهد تولد باله خواهیم بود.

اعتقاد بر این است که این زارلینو بود که ویژگی های زیبایی شناختی ماژور و مینور را ارائه داد و سه گانه اصلی را شاد و درخشان و سه گانه مینور را غمگین و مالیخولیایی تعریف کرد. او همچنین کنترپوان را چنین تعریف می‌کند: «یک کل هارمونیک حاوی تغییرات مختلف در صداها یا آوازهای آواز در یک الگوی خاص از همبستگی و با اندازه‌گیری زمان معین، یا اینکه ترکیبی مصنوعی از صداهای مختلف است که به یکپارچگی رسیده‌اند».

جوزففو زارلینو، مانند تیتیان، که با او در ارتباط بود، شهرت زیادی به دست آورد و به عضویت آکادمی مشاهیر ونیزی انتخاب شد. زیبایی شناسی وضعیت موسیقی را در دوران رنسانس روشن می کند. موسس مدرسه ونیزیموسیقی آن Adrian Willaert (بین 1480/90 - 1568) هلندی متولد شد. تزارلینو نزد او موسیقی آموخت. موسیقی ونیزی، مانند نقاشی، با یک پالت صوتی غنی متمایز شد که به زودی ویژگی های باروک را به دست آورد.

علاوه بر مکتب ونیزی، بزرگترین و تأثیرگذارترین مکتب رومی و فلورانسی بودند. رئیس مدرسه رومی جیووانی پالسترینا (1525 - 1594) بود.

جامعه شاعران، دانشمندان اومانیست، موسیقی دانان و دوستداران موسیقی در فلورانس، Camerata نامیده می شود. توسط وینچنزو گالیله (1533 - 1591) رهبری شد. اعضای دوربیناتا با اندیشیدن به وحدت موسیقی و شعر و همزمان با تئاتر، با کنش روی صحنه، خلق کردند. ژانر جدید- اپرا

اولین اپراها «دافنه» اثر جی پری (1597) و «اوریدیک» بر اساس متون رینوچینی (1600) هستند. در اینجا یک انتقال از سبک چندصدایی به سبک هموفونیک انجام شد. اوراتوریو و کانتاتا برای اولین بار در اینجا اجرا شد.

موسیقی هلند قرن 15 - 16 غنی از نام آهنگسازان بزرگ است، از جمله Josquin Despres (1440 - 1524)، که زارلینو درباره او نوشت و در دربار فرانسه خدمت کرد، جایی که مکتب فرانسوی-فلاندری توسعه یافت. فکر می کنند بالاترین دستاوردنوازندگان هلندی به یک توده کرال کاپلا تبدیل شدند که مطابق با حرکت رو به بالا کلیساهای گوتیک بود.

هنر اندام در آلمان در حال توسعه است. در فرانسه، نمازخانه ها در دربار ایجاد می شد و جشنواره های موسیقی برگزار می شد. در سال 1581 هنری سوممنصب "مصوب ارشد موسیقی" در دادگاه را تایید کرد. اولین "مدیر اصلی موسیقی" ویولونیست ایتالیایی بالتازارینی دی بلژیوسو بود که "باله کمدی ملکه" را به صحنه برد، اجرایی که در آن موسیقی و رقص برای اولین بار به عنوان اکشن صحنه ارائه شد. این گونه بود که باله دادگاه پدید آمد.

کلمان ژانکوین (حدود 1475 - حدود 1560)، آهنگساز برجسته رنسانس فرانسه، یکی از سازندگان ژانر آهنگ پلی فونیک است. اینها کارهای 4-5 صدایی هستند مانند آهنگ های فانتزی. آواز سکولار چند صدایی - chanson - در خارج از فرانسه رایج شد.

در طول رنسانس، توسعه گسترده موسیقی دستگاهی. از جمله اصلی آلات موسیقیبه نام عود، چنگ، فلوت، ابوا، ترومپت، اندام انواع مختلف(مثبت، قابل حمل)، انواع هارپسیکورد; یک ویولن بود ساز عامیانه، اما با توسعه رشته های جدید سازهای کمانیمانند ویولن، ویولن است که به یکی از آلات موسیقی پیشرو تبدیل می شود.

اگر خلق و خوی دوران جدیدابتدا در شعر بیدار می شود، پیشرفت درخشانی در معماری و نقاشی و سپس موسیقی شروع می شود آهنگ محلی، در تمام عرصه های زندگی نفوذ می کند. حتی موسیقی کلیسا در حال حاضر تا حد زیادی درک می شود، مانند نقاشی های هنرمندان مضامین کتاب مقدس، نه به عنوان چیزی مقدس، بلکه چیزی که باعث شادی و لذت می شود، که خود آهنگسازان، نوازندگان و گروه های کر به آن اهمیت می دادند.

در یک کلام، مانند شعر، در نقاشی، در معماری، نقطه عطفی در پیشرفت موسیقی رخ داد، با توسعه زیبایی شناسی و تئوری موسیقی، با ایجاد ژانرهای جدید، به ویژه اشکال ترکیبی هنر، مانند اپرا و باله، که باید به عنوان رنسانس تلقی شود، قرن ها منتقل شده است. موسیقی دوره رنسانس در معماری به عنوان هماهنگی اجزا و کل، حک شده در طبیعت، و در فضای داخلی کاخ ها، و در نقاشی ها به نظر می رسد، که در آن ما همیشه یک اجرا را می بینیم، یک قسمت متوقف شده، زمانی که صداها خاموش می شوند، و کاراکترها همگی به ملودی محو شده گوش می‌دادند که انگار می‌توانستم بشنوم...

بافت موزیکال(لات. فاکتورا -دستگاه , ساختار) - روش ارائه، ساختار پارچه موسیقی، انبار موسیقی.

از لحاظ تاریخی در موسیقی وجود داشته است سه نوع بافت اصلی:

چند صدایی (لات. چند صداییاز یونانی πολυφωνία - چند صدایی) - چند صدایی ملودیک، متشکل از صدای همزمان خطوط ملودیک نسبتا مستقل. بافت چندصدایی در قرون وسطی توسعه یافت. سه نوع اصلی چندصدایی وجود دارد: متضاد، تقلیدی (کانن، موتت، اختراع، فوگ)، زیر آوازی (یا هتروفونی متفاوت، مشخصه چند صدایی عامیانه).

هم صدایی یا بافت همفونیک - هارمونیکالفاز چند صدایی سرچشمه می گیرد. آصافیف، موسیقی شناس داخلی، آن را «گدازه سرد چند صدایی گوتیک» نامید. در چارچوب هم آوایی، بین بافت آکوردال (کُرال پروتستانی) و بافت همفونیک- هارمونیک که از چندین لایه (مثلاً ملودی و همراهی) تشکیل شده است، تمایز قائل می‌شود.

یکی از راه های پویا و رنگ آمیزی بافت همفونیک هارمونیک است فیگوراسیون هارمونیک - ارائه متوالی به جای ارائه همزمان صداهای آکورد. انواع مختلفی از فیگوراسیون هارمونیک وجود دارد. در اینجا به برخی از آنها اشاره می کنیم:

1) ارائه آرپژی آکورد (J. S. Bach. Prelude in C major, HTC, volume I)

2) همراهی والس مانند (F. Schubert. Waltz op.77, No. 2)

3) باس های آلبرتی، به نام آهنگساز ایتالیاییدومنیکو آلبرتی (1710-1740) در سونات در سی ماژور، K.545 اثر دبلیو موتسارت

تبلیغات

نکاتی در مورد تئوری موسیقی ابتدایی. محتوا
بافت در موسیقی(از لات factura - دستگاه، ساختار،پردازش، ذخیره سازی) - روش ارائه، ذخیره سازی موسیقی، ساختار پارچه موسیقی.

از نظر تاریخی سه نوع بافت:

وجود دارد سه نوع اصلی چند صدایی : متضاد، تقلیدی (کانون، موتت، اختراع، فوگ)، دگرآوازی (ویژگی چند صدایی عامیانه).

3. بافت همفونیک - هارمونیکاز چند صدایی سرچشمه می گیرد. آصفیف، موسیقی شناس داخلی، آن را «گدازه سرد چند صدایی گوتیک» نامید. آنها در واقع متمایز می شوند بافت وتر(کُرال پروتستانی) و هوموفونیک – هارمونیک که به چند لایه تقسیم می شود (مثلاً ملودی و همراهی).

15 می

تمرین موسیقی - آهنگسازی، اجرا، درک، تجزیه و تحلیل آثار موسیقی - با آگاهی از اشکال مختلف ارائه همراه است. این نیاز به درک چگونگی سازماندهی بافت موسیقی (یا نحوه سازماندهی آن) در هر مورد خاص دارد. این درک با تجزیه و تحلیل بافت ارائه می شود: تعیین تعداد صداها، میزان ریتم و آهنگ و آهنگ آنها، روابط با یکدیگر، کارکردها (نقش ها) در بافت موسیقی (ملودی، باس، صدای هارمونیک میانی، اکو، و غیره). همبستگی نتایج این تحلیل با معیارهای طبقه‌بندی بافتی، تعیین ویژگی‌های ساختاری بافت موسیقی در هر مورد خاص را ممکن می‌سازد.

تجزیه و تحلیل بافت با تعیین نوع آن آغاز می شود. طبقه بندی انواع بافت موسیقایی بر اساس دو معیار است: 1) تعداد صداها، 2) تعداد صداهای مهم ملودیک.

با توجه به معیار اول، ارائه تک صدایی یا چندصدایی (با بیش از یک صدا) متمایز می شود. در عین حال، تعیین تعداد آرا در قطعه موسیقی، باید در نظر داشت که گاه در مونوفونی با سازماندهی زیر و بمی خاص خود، خطوط ملودیک پنهان ظاهر می شود. در نتیجه، نوع خاصی از پارچه مونوفونیک شکل می گیرد - با چند صدایی پنهان. در روابط خطوط ملودیک پنهان می توان منطق دو صدای موازی را حدس زد، جایی که ششم های موازی پنهان به وضوح شنیده می شوند: دو صدای غیر مستقیم: سه ​​صدای موازی و غیر مستقیم:

برعکس زمانی است که یک پارچه موزیکال چند صدایی به گونه ای سازماندهی شده است که به نظر می رسد در یک خط فشرده و "ضخیم" تک صدایی تا شده است. این اتفاق زمانی رخ می دهد که ملودی توسط صداهای دیگر در فواصل یا فواصل زمانی دو برابر (سه برابر و غیره) شود.

به یاد بیاوریم که تجزیه و تحلیل بافت طبق معیار دوم شامل تعیین تعداد صداهای ملودیکی مهم آن است. یک صدا (یا صداها) از نظر ملودیک دارای ویژگی لحنی، خط ملودیک توسعه یافته و ریتم متنوعی است. شناسایی چنین صداهایی به ما امکان می دهد در مورد میزان ملودی شدن بافت موسیقی نتیجه گیری کنیم: همه یا نه همه صداهای آن از نظر ملودی مهم هستند. در این مورد، دو نوع اصلی بافت متمایز می شود: چند صدایی (اگر تمام صداهای بافت موسیقی از نظر ملودی مهم باشند) و هموفونیک (در صورت وجود یک صدای ملودیک مهم). همچنین یک نوع ارائه ترکیبی وجود دارد که ویژگی های هر دو اصلی را ترکیب می کند: حداقل دو صدای ملودیک مهم - با همراهی های هماهنگ.

چند صدایی

اصطلاح "چند صدایی" از آن گرفته شده است کلمات یونانیپلی – زیاد و تلفن – صدا. معنای لغوی آن چند صدایی است. اما هیچ چند صدایی پلیفونیک نامیده نمی شود، بلکه تنها یکی است که در آن، همانطور که قبلاً گفته شد، همه صداها از نظر ملودیک قابل توجه هستند. به همین دلیل است که پلی‌فونی را «گروهی از ملودی‌ها» می‌نامند.

زیر گلوتیکچندصدایی زمانی اتفاق می‌افتد که یک ملودی و نوع زیر صدای آن (یا انواع زیر صدای آن) به طور همزمان ارائه شوند. پژواک، به عنوان یک قاعده، اساس آهنگی ملودی که از آن منشعب می شود را حفظ می کند و می تواند از نظر ریتم و آهنگ به درجات مختلف به آن نزدیک باشد. صدای پشتیبان به ملودی پیشرو نزدیک‌تر است، هر چه به صورت موازی و موازی با آن حرکت کند، و هر چه از آن دورتر شود، تفاوت بین آنها بیشتر می‌شود.

متضادنوعی پلی‌فونی با ارائه همزمان ملودی‌های مختلف شکل می‌گیرد.

تفاوت بین آنها در درجه اول ریتمیک است، اما همچنین در طراحی خط ملودیک.

تقلید(لاتین imitatio - تقلید) نوعی چندصدایی که با تکرار یک تم ملودیک معمولاً کوتاه که به تازگی با صدای دیگری شنیده شده است، شکل می گیرد.

اغلب انواع مختلف چندصدایی با هم تعامل دارند. به عنوان مثال، در مثال زیر، صدای بالا و میانی مضمون و پژواک هستند و پایین با آنها تضاد دارد.

در چند صدایی متضاد، همانطور که قبلاً اشاره شد، موضوعات مختلفی به طور همزمان دنبال می شوند. در چند صدایی تقلیدی صدای اصلی- ارائه موضوع، و این تابع از یک صدا به صدای دیگر تغییر می کند. با انتقال موضوع به صدای دیگری، اولین مورد تابع می شود - او اکنون همراهی (مخالفت) را به موضوع هدایت می کند.