آهنگسازان قرون وسطی. نوازندگان حاشیه ای قرون وسطی

موسیقی دوران قرون وسطی - دوره توسعهفرهنگ موسیقی، شامل یک دوره زمانی از تقریباقرن پنجم تا چهاردهم پس از میلاد .
در طول قرون وسطی در اروپا نوع جدیدی از فرهنگ موسیقی در حال ظهور است -فئودال ، ترکیب هنر حرفه ای، موسیقی آماتوری وفولکلور چون کلیسا در تمام عرصه های زندگی معنوی غالب است، اساس هنر موسیقی حرفه ای فعالیت نوازندگان در آن استمعابد و صومعه ها . هنر حرفه‌ای سکولار در ابتدا تنها توسط خوانندگانی که داستان‌های حماسی را در دربار، خانه‌های اشراف، در میان رزمندگان و غیره خلق می‌کردند و اجرا می‌کردند، ارائه می‌شد.بارد، اسکالد و غیره). با گذشت زمان، اشکال آماتور و نیمه حرفه ای نواختن موسیقی توسعه می یابدجوانمردی: در فرانسه - هنر تروبادورها و تروورها (آدام د لا هال، قرن سیزدهم)، در آلمان - مین خوان ها ( ولفرام فون اشنباخ, والتر فون در ووگل واید، قرن XII - XIII ) و همچنین شهریصنعتگران در قلعه های فئودالی و در شهرها انواع جنس ها کشت می شودژانرها و فرم های آهنگ (حماسه، "سپیده دم"، روندو، ل، ویرله، تصنیف، کانزون، لاوداس، و غیره).
موارد جدید وارد زندگی روزمره می شوندآلات موسیقی، از جمله کسانی که از آنجا آمده اندشرق (ویول، عود و غیره)، مجموعه هایی (از ترکیبات ناپایدار) بوجود می آیند. فولکلور در میان دهقانان شکوفا می شود. همچنین "متخصصین عامیانه" وجود دارد:قصه گوها ، هنرمندان سینت سیار (شعبده بازها، میمک ها، مینسترل ها، شیپورها، بوفون ها ). موسیقی دوباره کارکردهای عمدتا کاربردی و معنوی-عملی را انجام می دهد. خلاقیت در وحدت باعملکرد(معمولا یک نفر).
هم در محتوای موسیقی و هم در فرم آن غالب استجمعی ; اصل فردی تابع اصل کلی است، بدون اینکه از آن متمایز شود (نوازنده چیره دست بهترین نماینده استجوامع ). سخت گیری در همه چیز حاکم استسنتی بودن و متعارف بودن . تجمیع، حفظ و توزیعسنت ها و استانداردها
به تدریج، هر چند به آرامی، محتوای موسیقی غنی می شودژانرها، فرم ها ، ابزار بیان. دراروپای غربی از قرن 6 - 7 . یک سیستم کاملاً تنظیم شده در حال ظهور استتک صدا ) موسیقی کلیسایی مبتنی برحالت های دیاتونیک ( سرود گریگوری) تلفیقی از تلاوت (سرود) و سرود (سرود). ). در آستانه هزاره 1 و 2،چند صدایی . جدید در حال شکل گیری استآوازی (کرال ) و آوازی – ساز (کر وارگان) ژانرها: ارگانوم، موتت، رسانایی، سپس جرم. در فرانسه در قرن دوازدهم اولی تشکیل می شودآهنگساز (خلاق) مدرسه در کلیسای نوتردام(لئون، پروتین). در آستانه رنسانس (سبک ars nova در فرانسه و ایتالیا، قرن چهاردهم) در موسیقی حرفه اییکنواختی جایگزین می شودچند صدایی ، موسیقی به تدریج شروع به رهایی از عملکردهای کاملاً عملی می کند (خدمت کلیسامناسک ) معنا را تقویت می کندسکولار ژانرها، از جمله آهنگ (گیوم دو ماشو).

احیاء.

موسیقی در دوره قرون XV-XVII.
در قرون وسطی، موسیقی در انحصار کلیسا بود، بنابراین بیشتر آثار موسیقایی بر اساس سرودهای کلیسا (سرود گریگوری) که از همان آغاز مسیحیت بخشی از دین بوده، مقدس بودند. در آغاز قرن هفدهم، آهنگ های فرقه، با مشارکت مستقیم پاپ گریگوری اول، سرانجام به عنوان مقدس شناخته شدند. سرود گریگوری توسط خوانندگان حرفه ای اجرا شد. پس از توسعه چند صدایی در موسیقی کلیسا، سرود گریگوری مبنای موضوعی آثار مذهبی چند صدایی (مجموعه، موتت و غیره) باقی ماند.

پس از قرون وسطی، رنسانس که عصر اکتشاف، نوآوری و اکتشاف برای موسیقی دانان بود، دوران رنسانس تمامی لایه های جلوه های فرهنگی و علمی زندگی از موسیقی و نقاشی گرفته تا نجوم و ریاضیات بود.
اگرچه موسیقی تا حد زیادی مذهبی باقی ماند، تضعیف کنترل کلیسا بر جامعه آزادی بیشتری را برای آهنگسازان و نوازندگان برای ابراز استعدادهای خود باز کرد.
با اختراع دستگاه چاپ، چاپ و توزیع نت امکان پذیر شد و از همان لحظه چیزی که ما موسیقی کلاسیک می نامیم آغاز شد.
در این دوره آلات موسیقی جدید ظاهر شد. محبوب ترین سازها آنهایی بود که دوستداران موسیقی می توانستند به راحتی و بدون نیاز به مهارت خاصی بنوازند.
در این زمان بود که ویول، سلف ویولن ظاهر شد. به لطف فرت ها (نوارهای چوبی روی گردن)، پخش آن آسان بود و صدای آن آرام، ملایم و در سالن های کوچک به خوبی پخش می شد.
سازهای بادی نیز محبوب بودند - ضبط، فلوت و بوق. پیچیده ترین موسیقی برای هارپسیکورد تازه ایجاد شده، virginel (یک هارپسیکورد انگلیسی که با اندازه کوچکش مشخص می شود) و ارگ نوشته شده است. در عین حال، نوازندگان فراموش نکردند که موسیقی ساده تری بسازند که به مهارت های اجرایی بالایی نیاز نداشته باشد. در همان زمان، تغییراتی در نوشتن موسیقی رخ داد: بلوک‌های چاپ چوبی سنگین با انواع فلزی متحرک که توسط اتاویانو پتروچی ایتالیایی اختراع شده بود، جایگزین شدند. آثار موسیقایی منتشر شده به سرعت فروخته شد و افراد بیشتری شروع به ورود به موسیقی کردند.
پایان رنسانس با مهمترین رویداد در تاریخ موسیقی - تولد اپرا مشخص شد. گروهی از اومانیست ها، موسیقی دانان و شاعران در فلورانس تحت حمایت رهبر خود کنت جیووانی دی بردی (1534 - 1612) گرد هم آمدند. این گروه "کمراتا" نامیده می شد، اعضای اصلی آن جولیو کاچینی، پیترو استروزی، وینچنزو گالیله (پدر ستاره شناس گالیله گالیله)، گیلورامو می، امیلیو د کاوالیری و اتاویو رینوچینی در سال های جوانی بودند.
اولین جلسه مستند این گروه در سال 1573 برگزار شد و فعال ترین سالهای کار "دوربین فلورانسی "1577 - 1582 بودند. آنها معتقد بودند که موسیقی "تخریب" شده است و به دنبال بازگشت به فرم و سبک یونان باستان بودند و معتقد بودند که هنر موسیقی می تواند بهبود یابد و بر این اساس جامعه نیز بهبود خواهد یافت. Camerata از موسیقی موجود انتقاد کرد. به دلیل استفاده بیش از حد از چندصدایی به بهای قابل فهم بودن متن و از بین رفتن مؤلفه شعری اثر و پیشنهاد ایجاد سبک موسیقی جدید که در آن متن به سبک مونودیک همراه با موسیقی دستگاهی بود، منجر به خلقت شد یک فرم جدید آوازی-موسیقی - خوانندگی، که برای اولین بار توسط Emilio de Cavalieri استفاده شد، که متعاقباً مستقیماً با توسعه اپرا مرتبط بود.
اولین به رسمیت شناخته شده استاپرا مطابق با استانداردهای مدرن، اپرای "دافنه" (دافنه) بود که برای اولین بار در سال 1598 ارائه شد. نویسندگان "دافنه" Jacopo Peri و Jacopo Corsi، لیبرتو توسط Ottavio Rinuccini بودند. این اپرا باقی نمانده است. اولین اپرای بازمانده «اوریدیک» (1600) از همان نویسندگان است. جاکوپو پریو اتاویو رینوچینی. این اتحادیه خلاق آثار بسیاری را نیز خلق کرد که بیشتر آنها از بین رفته است.

موسیقی باروک اولیه (1600-1654)

آفرینش آهنگساز ایتالیایی کلودیو مونتوردی (1567-1643) از سبک خوانندگی خود و توسعه مداوم اپرای ایتالیایی را می توان نقطه گذار مرسوم بین دوره باروک و رنسانس در نظر گرفت. شروع اجراهای اپرا در رم و به ویژه در ونیز از قبل به معنای شناخت و گسترش ژانر جدید در سراسر کشور بود. همه اینها تنها بخشی از یک فرآیند بزرگتر بود که تمام هنرها را در بر گرفت و به ویژه در معماری و نقاشی به وضوح نمایان شد.
آهنگسازان دوره رنسانس به شرح و بسط هر بخش از یک اثر موسیقی توجه داشتند و عملاً هیچ توجهی به مقایسه این بخش ها نداشتند. به‌طور جداگانه، هر بخش می‌توانست عالی به نظر برسد، اما نتیجه هماهنگ اضافه‌ها بیشتر تصادفی بود تا منظم. ظاهر باس فیگور نشان دهنده تغییر قابل توجهی در تفکر موسیقی بود - یعنی هارمونی، که "در کنار هم قرار دادن قطعات در یک کل" است، به اندازه خود قطعات ملودیک (چند صدایی) مهم بود. بیشتر و بیشتر، چند صدایی و هارمونی مانند دو طرف ایده یکسان ساخت موسیقی شاداب به نظر می رسید: در آهنگسازی، سکانس های هارمونیک به همان توجهی که تریتون ها در ایجاد ناهماهنگی داشتند. تفکر هارمونیک نیز در میان برخی از آهنگسازان دوره قبل وجود داشت، به عنوان مثال، کارلو گسوالدو، اما در دوره باروک به طور کلی پذیرفته شد.
او آن بخش‌هایی از آثار را که نمی‌توان مدالیته و تونالیته را به وضوح از هم تفکیک کرد، به‌عنوان ماژور مختلط یا مینور مختلط نامید (بعداً اصطلاحات «مونال ماژور» و «مونال مینور» را به ترتیب برای این مفاهیم معرفی کرد). جدول نشان می دهد که چگونه هارمونی تونال، در اوایل دوره باروک، عملاً هارمونی دوران قبل را جایگزین می کند.
ایتالیا به مرکز سبک جدید تبدیل می شود. پاپ، اگرچه گرفتار مبارزه با اصلاحات شد، اما با این وجود منابع مالی هنگفتی را در اختیار داشت که با لشکرکشی‌های نظامی هابسبورگ‌ها دوباره پر شد، به دنبال فرصت‌هایی برای گسترش ایمان کاتولیک از طریق گسترش نفوذ فرهنگی بود. با شکوه، عظمت و پیچیدگی معماری، هنرهای زیبا و موسیقی، به نظر می رسید که کاتولیک با پروتستانیسم زاهدانه بحث می کند. جمهوری ها و حکومت های ثروتمند ایتالیا نیز در زمینه هنرهای زیبا رقابت فعالی داشتند. یکی از مراکز مهم هنر موسیقی ونیز بود که در آن زمان تحت حمایت سکولار و کلیسا بود.
یکی از چهره‌های شاخص اوایل دوره باروک، که موضعش در کنار کاتولیک و مخالف نفوذ فزاینده ایدئولوژیک، فرهنگی و اجتماعی پروتستانیسم بود، جیوانی گابریلی بود. آثار او متعلق به سبک "رنسانس عالی" (دوران اوج رنسانس) است. با این حال، برخی از نوآوری های او در زمینه ساز (تخصیص وظایف خاص خود به یک ساز خاص) به وضوح نشان می دهد که او یکی از آهنگسازانی است که بر ظهور سبک جدید تأثیر گذاشته است.
یکی از الزاماتی که کلیسا برای آهنگسازی موسیقی مقدس تحمیل کرده بود این بود که متون آثار با آواز خوانا باشند. این امر مستلزم دور شدن از چندصدایی به سمت تکنیک های موسیقی بود که در آن کلمات به منصه ظهور رسیدند. آواز در مقایسه با همراهی پیچیده تر و شکوفاتر شد. اینگونه بود که هم آوایی شکل گرفت.
مونته ورد کلودیو(1567-1643)، آهنگساز ایتالیایی. هیچ چیز او را بیشتر از افشای دنیای درونی و معنوی یک فرد در برخوردها و درگیری های چشمگیرش با دنیای بیرون جذب نمی کرد. مونتوردی بنیانگذار واقعی دراماتورژی درگیری با ماهیت تراژیک است. او خواننده واقعی روح انسان است. او به طور مداوم برای بیان طبیعی موسیقی تلاش کرد. گفتار انسان معشوقه هماهنگی است و نه خدمتگزار آن.
"اورفیوس" (1607) -موسیقی اپرا بر افشای دنیای درونی قهرمان تراژیک متمرکز است. بخش او به طور غیرمعمولی چند وجهی است که جریان های مختلف احساسی و بیانی و خطوط ژانر را در هم می آمیزد. او با اشتیاق به جنگل‌ها و سواحل بومی خود می‌گوید یا در ترانه‌های عامیانه بی‌هنر برای از دست دادن اوریدیک خود سوگواری می‌کند.

موسیقی باروک بالغ (1654-1707)

دوره تمرکز قدرت برتر در اروپا را اغلب مطلق گرایی می نامند. مطلق گرایی در زمان لوئی چهاردهم پادشاه فرانسه به اوج خود رسید. برای تمام اروپا، دادگاه لویی یک الگو بود. از جمله موسیقی اجرا شده در دادگاه. افزایش دسترسی به آلات موسیقی (به ویژه کیبورد) انگیزه ای برای توسعه موسیقی مجلسی ایجاد کرد.
تفاوت باروک بالغ با باروک اولیه در اشاعه گسترده سبک جدید و افزایش تفکیک فرم های موسیقی، به ویژه در اپرا. همانطور که در ادبیات، توانایی پخش آثار موسیقی منجر به گسترش مخاطبان شده است. تبادل بین مراکز فرهنگ موسیقی تشدید شد.
نماینده برجسته دربار آهنگسازان دربار لویی چهاردهم بود جووانی باتیستا لولی (1632-1687).او قبلاً در سن 21 سالگی عنوان "آهنگساز درباری موسیقی دستگاهی" را دریافت کرد. کار خلاقانه لولی از همان ابتدا با تئاتر ارتباط تنگاتنگی داشت. به دنبال سازماندهی موسیقی مجلسی درباری و آهنگسازی «ایرز دکو»، شروع به نوشتن موسیقی باله کرد. خود لویی چهاردهم در باله ها می رقصید که در آن زمان سرگرمی مورد علاقه اشراف دربار بود. لولی یک رقصنده عالی بود. او این فرصت را داشت که در تولیدات شرکت کند و با پادشاه رقصید. او به دلیل همکاری با مولیر، که برای نمایشنامه های او موسیقی نوشت، شناخته شده است. اما نکته اصلی در کار لولی هنوز نوشتن اپرا بود. با کمال تعجب، لولی یک نوع کامل از اپرای فرانسوی را خلق کرد. به اصطلاح تراژدی غنایی در فرانسه (فرانسوی تراژدی lyrique) و در همان سال های اول کار خود در خانه اپرا به بلوغ خلاقانه بی شک رسید. لولی اغلب از تضاد بین صدای باشکوه بخش ارکسترال و رسیتیتیوها و آریاهای ساده استفاده می کرد. زبان موسیقی لولی خیلی پیچیده نیست، اما، البته، جدید است: وضوح هارمونی، انرژی ریتمیک، وضوح تقسیم فرم، خلوص بافت از پیروزی اصول تفکر هموفونیک صحبت می کند. موفقیت او تا حد زیادی به دلیل توانایی او در انتخاب نوازندگان برای ارکستر و کار با آنها (او خودش تمرینات را رهبری می کرد) تسهیل کرد. یکی از عناصر جدایی ناپذیر کار او توجه به هارمونی و ساز تکنوازی بود.
در انگلستان، باروک بالغ با نبوغ درخشان هنری پورسل (1659-1695) مشخص شد.او در سن 36 سالگی در حالی که تعداد زیادی اثر نوشت و در زمان حیاتش شهرت زیادی پیدا کرد، درگذشت. پورسل با کارهای کورلی و دیگر آهنگسازان باروک ایتالیایی آشنا بود. با این حال، حامیان و مشتریان او افرادی متفاوت از اشراف سکولار و کلیسایی ایتالیایی و فرانسوی بودند، بنابراین نوشته‌های پورسل با مکتب ایتالیایی بسیار متفاوت است. پورسل در طیف وسیعی از ژانرها کار می کرد. از سرودهای مذهبی ساده گرفته تا موسیقی راهپیمایی، از آثار آوازی با فرمت بزرگ تا موسیقی صحنه دار. کاتالوگ او شامل بیش از 800 اثر است. پورسل یکی از اولین آهنگسازان موسیقی کیبورد بود که تأثیرش تا دوران مدرن گسترش یافت.
برخلاف آهنگسازان فوق، دیتریش بوکستهود (1637-1707)آهنگساز درباری نبود. بوکستهود به عنوان نوازنده ارگ، ابتدا در هلسینبورگ (1657-1658)، سپس در السینور (1660-1668)، و سپس، از سال 1668، در کلیسای St. مری در لوبک او نه از طریق انتشار آثار خود، بلکه با اجرای آنها درآمد کسب کرد و ساخت موسیقی بر اساس متون کلیسا و اجرای آثار ارگ خود را به حمایت اشراف ترجیح داد. متأسفانه همه آثار این آهنگساز باقی نمانده است. موسیقی Buxtehude تا حد زیادی بر اساس مقیاس ایده های او، غنا و آزادی تخیل، میل به ترحم، درام، و تا حدودی لحن سخنوری ساخته شده است. آثار او تأثیر زیادی بر آهنگسازانی مانند جی اس باخ و تله مان گذاشت.

موسیقی باروک پسین (1707-1760)

مرز دقیق بین باروک بالغ و اواخر باروک موضوع بحث است. تا حد زیادی، پیچیدگی تعریف آن به این دلیل است که در کشورهای مختلف سبک ها به طور ناهمزمان تغییر کرده اند. نوآوری هایی که قبلاً به عنوان یک قاعده در یک مکان پذیرفته شده بودند، اکتشافات جدیدی در مکان دیگر بودند
اشکال کشف شده توسط دوره قبل به بلوغ و تنوع زیادی رسیده است. کنسرت، سوئیت، سونات، کنسرتو گروسو، اوراتوریو، اپرا و باله دیگر ویژگی‌های ملی مشخصی نداشتند. الگوهای عمومی پذیرفته شده آثار در همه جا برقرار است: فرم دو قسمتی مکرر (AABB)، فرم سه قسمتی ساده (ABC) و روندو.
آنتونیو ویوالدی (1678-1741) -آهنگساز ایتالیایی، متولد ونیز. در سال 1703 به عنوان کشیش کاتولیک منصوب شد. ویوالدی مهم‌ترین سهم خود را در آن‌ها، که در آن زمان هنوز در حال توسعه ژانرهای ساز (سونات باروک و کنسرتو باروک) بودند، انجام داد. ویوالدی بیش از 500 کنسرتو ساخت. او به برخی از آثارش نیز عناوین برنامه ای داد، مانند معروف «فصل ها».
دومنیکو اسکارلاتی (1685-1757)یکی از آهنگسازان و نوازندگان برجسته کیبورد زمان خود بود. اما شاید معروف ترین آهنگساز درباری بود جورج فردریک هندل (1685-1759).او در آلمان به دنیا آمد، سه سال در ایتالیا تحصیل کرد، اما در سال 1711 لندن را ترک کرد، جایی که کار درخشان و موفق تجاری خود را به عنوان آهنگساز مستقل اپرا آغاز کرد و دستورات اشراف را انجام داد. هندل با داشتن انرژی خستگی ناپذیر، متریال آهنگسازان دیگر را دوباره کار می کرد و دائماً آهنگ های خود را بازسازی می کرد. به عنوان مثال، او به خاطر بازنگری اراتوریو معروف «مسیح» آنقدر معروف است که اکنون نسخه‌ای وجود ندارد که بتوان آن را «معتبر» نامید.
پس از مرگ او، او به عنوان آهنگساز برجسته اروپایی شناخته شد و توسط موسیقیدانان دوره کلاسیک مورد مطالعه قرار گرفت. هندل سنت های غنی بداهه نوازی و کنترپوان را در موسیقی خود آمیخته است. هنر تزیینات موسیقی در آثار او به پیشرفت بسیار بالایی رسید. او برای مطالعه موسیقی آهنگسازان دیگر به سراسر اروپا سفر کرد و به همین دلیل دایره آشنایی بسیار گسترده ای در میان آهنگسازان سبک های دیگر داشت.
یوهان سباستین باخمتولد 21 مارس 1685 در آیزناخ آلمان. او در طول زندگی خود بیش از 1000 اثر در ژانرهای مختلف به جز اپرا ساخت. اما در طول زندگی خود به موفقیت چشمگیری دست نیافت. بارها با جابجایی، باخ یکی پس از دیگری جایگاه نه چندان بالا را جایگزین کرد: در وایمار او نوازنده درباری برای دوک وایمار یوهان ارنست بود، سپس سرپرست ارگ در کلیسای سنت. بونیفاس در آرنشتات، چند سال بعد منصب ارگانیست را در کلیسای St. بلاسیوس در Mühlhausen، جایی که او تنها حدود یک سال در آنجا کار کرد، پس از آن به وایمار بازگشت، جایی که او جای ارگ دربار و سازمان دهنده کنسرت را گرفت. او نه سال در این سمت ماند. در سال 1717، لئوپولد، دوک آنهالت کوتن، باخ را به عنوان سرپرست گروه استخدام کرد و باخ شروع به زندگی و کار در کوتن کرد. در سال 1723 باخ به لایپزیگ نقل مکان کرد و تا زمان مرگش در سال 1750 در آنجا ماند. در سال‌های آخر زندگی‌اش و پس از مرگ باخ، شهرت او به‌عنوان آهنگساز رو به افول گذاشت: سبک او در مقایسه با کلاسیک‌گرایی رو به رشد، قدیمی به حساب می‌آمد. او را بیشتر به عنوان نوازنده، معلم و پدر باخ‌های جوان‌تر، به‌ویژه کارل فیلیپ امانوئل، که موسیقی او مشهورتر بود، می‌شناختند.
تنها اجرای مصائب سنت متیو توسط مندلسون، 79 سال پس از مرگ جی. اس. باخ، علاقه به کار او را زنده کرد. اکنون J. S. Bach یکی از محبوب ترین آهنگسازان است
کلاسیک گرایی
کلاسیک یک سبک و جهت در هنر قرن 17 - اوایل قرن 19 است.
این کلمه از کلاسیکوس لاتین آمده است - نمونه. کلاسیک گرایی مبتنی بر اعتقاد به عقلانیت هستی است، در این حقیقت که طبیعت انسان هماهنگ است. کلاسیک ها آرمان خود را در هنر باستانی می دیدند که آن را عالی ترین شکل کمال می دانستند.
در قرن هجدهم، مرحله جدیدی در رشد آگاهی اجتماعی آغاز شد - عصر روشنگری. نظم اجتماعی قدیمی در حال نابودی است. ایده های احترام به کرامت انسانی، آزادی و خوشبختی اهمیت زیادی پیدا می کند. فرد استقلال و بلوغ پیدا می کند، از هوش و تفکر انتقادی خود استفاده می کند. آرمان های دوران باروک با شکوه، شکوه و وقار خود با سبک جدیدی از زندگی مبتنی بر طبیعی بودن و سادگی جایگزین شده است. زمان دیدگاه های آرمان گرایانه ژان ژاک روسو فرا می رسد که خواستار بازگشت به طبیعت، به فضیلت طبیعی و آزادی است. در کنار طبیعت، دوران باستان ایده آل می شود، زیرا اعتقاد بر این بود که در دوران باستان بود که مردم موفق به تحقق تمام آرزوهای بشر شدند. هنر باستانی کلاسیک نامیده می شود، به عنوان نمونه، واقعی ترین، کامل ترین، هماهنگ ترین و بر خلاف هنر دوران باروک، ساده و قابل درک شناخته می شود. تمرکز، همراه با دیگر جنبه های مهم، آموزش، جایگاه مردم عادی در نظم اجتماعی، نبوغ به عنوان یک ویژگی انسانی است.

عقل در هنر نیز حاکم است. دنیس دیدرو، فیلسوف روشنگری فرانسوی که می‌خواست بر هدف والای هنر، نقش اجتماعی و مدنی آن تأکید کند، نوشت: «هر اثر مجسمه‌سازی یا نقاشی باید بیانگر برخی از قوانین بزرگ زندگی باشد، باید آموزش دهد.»

تئاتر در عین حال کتاب درسی زندگی و خود زندگی بود. علاوه بر این، در تئاتر، کنش بسیار منظم و سنجیده است. این به اعمال و صحنه‌ها تقسیم می‌شود که به نوبه خود به کپی‌های فردی شخصیت‌ها تقسیم می‌شوند و ایده‌آل هنری را به وجود می‌آورند که برای قرن هجدهم بسیار محبوب است، جایی که همه چیز در جای خود قرار دارد و تابع قوانین منطقی است.
موسیقی کلاسیک به شدت نمایشی است و به نظر می رسد از هنر تئاتر کپی برداری می کند.
تقسیم یک سونات و سمفونی کلاسیک به بخش‌های بزرگ - بخش‌هایی که در هر یک از آنها "رویدادهای" موسیقی زیادی وجود دارد - شبیه به تقسیم یک نمایشنامه به اکشن و صحنه است.
در موسیقی عصر کلاسیک، غالباً یک طرح تلویحاً مطرح می شود، یک کنش خاص که در برابر شنوندگان به همان شیوه ای که یک کنش تئاتری در برابر تماشاگر آشکار می شود، آشکار می شود.
شنونده فقط باید تخیل خود را روشن کند و شخصیت های یک کمدی یا تراژدی کلاسیک را در "لباس موسیقی" بشناسد.
هنر تئاتر همچنین به توضیح تغییرات بزرگ در اجرای موسیقی که در قرن هجدهم رخ داد کمک می کند. پیش از این، مکان اصلی که موسیقی در آن به صدا درآمد معبد بود: در آن، شخصی در پایین، در فضایی عظیم قرار داشت، جایی که به نظر می رسید موسیقی به او کمک می کرد که به بالا نگاه کند و افکار خود را به خدا اختصاص دهد. اکنون، در قرن هجدهم، موسیقی در یک سالن اشرافی، در سالن رقص یک ملک نجیب یا در یک میدان شهر شنیده می شود. به نظر می‌رسد شنونده عصر روشنگری با موسیقی بر اساس نام خانوادگی رفتار می‌کند و دیگر لذت و ترسویی را که در هنگام به صدا در آمدن آن در کلیسا به او الهام می‌داد، تجربه نمی‌کند.
موسیقی دیگر صدای قدرتمند و موقر ارگ را ندارد و نقش گروه کر کمرنگ شده است. موسیقی سبک کلاسیک سبک به نظر می رسد، صداهای بسیار کمتری دارد، گویی از موسیقی سنگین و چند لایه گذشته "وزن کمتری" دارد. صدای ارگ و گروه کر با صدای ارکستر سمفونیک جایگزین شد. آریاهای عالی جای خود را به موسیقی سبک، ریتمیک و رقصانه دادند.
به لطف ایمان بی حد و حصر به توانایی های ذهن انسان و قدرت دانش، قرن هجدهم شروع به نامگذاری عصر عقل یا عصر روشنگری کرد.
اوج کلاسیک گرایی در دهه 80 قرن هجدهم آغاز شد. در سال 1781، جی. هایدن چندین اثر بدیع از جمله کوارتت زهی خود را خلق کرد. 33; اولین نمایش اپرای V.A. در حال انجام است. موتزارت "ربوده شدن از سراگلیو"؛ درام «دزدها» اثر اف شیلر و «نقد عقل محض» اثر آی کانت منتشر می شود.

درخشان ترین نمایندگان دوره کلاسیک آهنگسازان مکتب کلاسیک وین هستند جوزف هایدن، ولفگانگ آمادئوس موتزارت و لودویگ ون بتهوون. هنر آنها کمال تکنیک آهنگسازی، جهت گیری انسان گرایانه خلاقیت و تمایل به ویژه در موسیقی W. A. ​​Mozart برای نمایش زیبایی کامل از طریق ابزار موسیقی قابل توجه است.

مفهوم مکتب کلاسیک وین بلافاصله پس از مرگ ال. بتهوون به وجود آمد. هنر کلاسیک با تعادل ظریف بین احساسات و عقل، فرم و محتوا متمایز می شود. موسیقی رنسانس منعکس کننده روح و نفس دوران خود بود. در دوران باروک، موضوع نمایش در موسیقی وضعیت انسان بود. موسیقی دوران کلاسیک اعمال و کردار انسان، عواطف و احساساتی که او تجربه می کند، ذهن توجه و کل نگر انسان را تجلیل می کند.

لودویگ ون بتهوون (1770-1827)
آهنگساز آلمانی اغلب به عنوان بهترین آهنگساز تمام دوران شناخته می شود.
آثار او هم به عنوان کلاسیک و هم رمانتیسم طبقه بندی می شوند.
بتهوون برخلاف موتزارت قبلی خود در آهنگسازی مشکل داشت. دفترچه های بتهوون نشان می دهد که چگونه به تدریج، گام به گام، یک ترکیب باشکوه از طرح های نامشخص بیرون می آید که با منطق قانع کننده ای از ساخت و ساز و زیبایی نادر مشخص شده است. این منطق است که منبع اصلی عظمت بتهوون، توانایی غیرقابل مقایسه او در سازماندهی عناصر متضاد در یک کل یکپارچه است. بتهوون سزارهای سنتی را بین بخش‌های فرم پاک می‌کند، از تقارن اجتناب می‌کند، بخش‌هایی از چرخه را ادغام می‌کند، و ساختارهای گسترده‌ای را از نقوش موضوعی و ریتمیک ایجاد می‌کند، که در نگاه اول چیز جالبی در بر ندارد. به عبارت دیگر، بتهوون با نیروی ذهن خود، اراده خود، فضای موسیقایی می آفریند. او آن جنبش های هنری را پیش بینی و خلق کرد که برای هنر موسیقی قرن نوزدهم تعیین کننده شد.

رمانتیسم.
تقریباً سال های 1800-1910 را پوشش می دهد
آهنگسازان رمانتیک سعی در بیان عمق و غنای دنیای درونی افراد با کمک وسایل موسیقی داشتند. موسیقی برجسته تر و فردی تر می شود. ژانرهای آهنگ از جمله تصنیف در حال توسعه هستند.
نمایندگان اصلی رمانتیسم در موسیقی عبارتند از:اتریش - فرانتس شوبرت ; در آلمان - ارنست تئودور هافمن, کارل ماریا وبرریچارد واگنر، فلیکس مندلسون، رابرت شومان، لودویگ اسپور; V
غیره.............

هنر موسیقی قرون وسطی بیش از 1000 سال توسعه یافت. این مرحله ای پرتنش و متناقض در تکامل تفکر موسیقی است - از تک صدایی (یک صدا) تا پیچیده ترین چند صدایی. در طول قرون وسطی، بسیاری از آلات موسیقی اروپایی بهبود یافتند، ژانرهای موسیقی کلیسایی و سکولار شکل گرفتند و مکاتب موسیقی مشهور اروپایی پدید آمدند: هلندی، فرانسوی، آلمانی، ایتالیایی، اسپانیایی و غیره.

در قرون وسطی دو جهت اصلی در توسعه موسیقی وجود داشت: موسیقی مقدس و سکولار، سرگرمی. در همان زمان، موسیقی سکولار توسط مذهب محکوم شد و به عنوان یک "وسواس شیطانی" تلقی شد.

موسیقی یکی از ابزار دین بود، یک وسیله "بداهه" که در خدمت اهداف کلیسا و همچنین یکی از علوم دقیق بود. موسیقی در کنار ریاضیات، بلاغت، منطق، هندسه، نجوم و دستور زبان قرار گرفت. کلیسا مکاتب آواز و آهنگسازی را با تأکید بر زیبایی شناسی موسیقایی عددی ایجاد کرد (برای دانشمندان آن دوره، موسیقی نمایش اعداد بر ماده صوتی بود). این نیز تحت تأثیر هلنیسم متأخر، عقاید فیثاغورث و افلاطون بود. با این رویکرد، موسیقی معنای مستقلی نداشت، بلکه تمثیلی از موسیقی عالی و الهی بود.

بنابراین، موسیقی به 3 نوع تقسیم شد:

• موسیقی جهانی موسیقی کرات و سیارات است. بر اساس زیبایی شناسی موسیقایی- عددی قرون وسطی، هر سیاره منظومه شمسی دارای صدا، لحن خاص خود بود و حرکت سیارات موسیقی آسمانی را ایجاد می کرد. علاوه بر سیارات، فصل ها نیز رنگ خاص خود را داشتند.
• موسیقی انسانی - هر اندام، قسمتی از بدن، روح یک شخص با صدای خاص خود وقف شده بود که یک همخوانی هماهنگ را تشکیل می داد.
• موسیقی دستگاهی هنر نواختن ساز، موسیقی برای سرگرمی، پایین ترین نوع سلسله مراتب است.

موسیقی مقدس آوازی، کرال و موسیقی سکولار دستگاهی- آوازی بود. موسیقی دستگاهی سبک و بیهوده تلقی می شد و نظریه پردازان موسیقی آن عصر آن را جدی نمی گرفتند. اگرچه هنر مینسترل به مهارت های اجرایی زیادی از نوازندگان نیاز داشت.

دوره گذار از قرون وسطی به دوران مدرن در اروپا که تقریباً دو قرن و نیم طول کشید. در این دوره، تغییرات قابل توجهی در بسیاری از زمینه های زندگی رخ داد. علم و هنر به سرعت شکوفا شد. دوره رنسانس به اجزاء و مراحل توسعه بسیاری تقسیم می شود. خرافات مختلفی نیز با آن همراه است که آنقدر ریشه دار شده اند که حتی امروزه نیز برای رد آنها تلاش زیادی می شود.

• اولین و احتمالاً اصلی ترین تصور غلط این است که (مانند بسیاری از ایدئولوژیست های رنسانس) رنسانس را دقیقاً احیاء، رستاخیز فرهنگ و تمدن در نظر بگیریم که پس از یک دوره طولانی "قرون وسطی" وحشیانه، دورانی تاریک به وجود آمد. دوره ای از گسست در توسعه فرهنگ. این تعصب مبتنی بر ناآگاهی کامل از قرون وسطی و ارتباط نزدیک بین آن و رنسانس است. به عنوان نمونه، نام بردن از دو حوزه کاملاً متفاوت - شعر و زندگی اقتصادی - کافی است. دانته در قرن سیزدهم زندگی می کرد، یعنی. در اوج قرون وسطی، پترارک - در چهاردهم. در مورد زندگی اقتصادی، رنسانس واقعی آن نیز در قرن سیزدهم رخ داد، دوران توسعه سریع تجارت و بانکداری. آنها می گویند که ما رنسانس را مدیون کشف دوباره نویسندگان باستانی هستیم، اما این نیز یک خرافات است. مشخص است که در این دوره فقط دو نسخه خطی یونان باستان کشف شد، بقیه قبلاً در غرب (عمدتاً در فرانسه) بودند، زیرا اروپای غربی در قرن 12 و 13 با علاقه به انسان و طبیعت بازگشت به دوران باستان را تجربه کرد. .
• خرافات دوم با خلط دو جزء رنسانس در مقابل یکدیگر، یعنی به اصطلاح اومانیسم و ​​علم طبیعی جدید همراه است. اومانیسم با تمام منطق، همه عقل، همه علوم طبیعی دشمنی دارد، که آن را کار «مکانیکی» می‌داند، شایسته یک فرد فرهیخته به نام نویسنده، سخنور، سیاستمدار نیست. پیکره مرد رنسانس که هر دو اراسموس روتردامی و گالیله را با هم ترکیب می کند، اسطوره ای است و اعتقاد به تصویر واحدی از جهان که ذاتی رنسانس است، خرافه ای بیش نیست.
• سومین پیش داوری، ستایش فلسفه رنسانس به عنوان «بزرگ» در مقایسه با مکتب پیش از آن است.

در واقع، به استثنای نیکلاس کوزا (به دور از روح رنسانس) و گالیله (که در پایان رنسانس زندگی می کردند)، فیلسوفان رنسانس، به گفته کریستلر، نه خوب بودند و نه بد - آنها بودند. اصلا فیلسوف نیستن بسیاری از آنها نویسندگان برجسته، دانشمندان، صاحب نظران متون باستانی بودند که به خاطر ذهن تمسخرآمیز و تیزبین و مهارت ادبی خود مشهور بودند. اما آنها تقریباً هیچ ربطی به فلسفه نداشتند. بنابراین، مقایسه آنها با متفکران قرون وسطی خرافه محض است.

• • تصور نادرست دیگر این است که رنسانس را انقلابی خشونت آمیز، گسست کامل از گذشته بدانیم. در واقع، تغییرات عمیقی در این دوره رخ می دهد، اما همه آنها به طور ارگانیک با گذشته مرتبط هستند و در هر صورت منشأ آنها را می توان در قرون وسطی جستجو کرد. این تغییرات ریشه های عمیقی در گذشته دارد که یکی از بزرگترین متخصصان رنسانس، هویزینگا، دلایل زیادی داشت تا این دوره را «پاییز قرون وسطی» بنامد.

در نهایت، این عقیده که افرادی که در دوره رنسانس زندگی می کردند، حداقل بیشتر آنها، از نظر روحی پروتستان، مونیست، بی خدا یا عقل گرا بودند نیز یک خرافات است. در واقع، اکثریت قریب به اتفاق نمایندگان مشهور رنسانس، و در زمینه فلسفه، تقریباً همه، از لئوناردو و فیچینو گرفته تا گالیله و کامپانلا، کاتولیک بودند، اغلب حامیان و مدافعان غیور مذهب کاتولیک. بنابراین، مارسیلو فیچینو، در سن 40 سالگی، ایمان مسیحی را پذیرفت و عذرخواهی کاتولیک عصر جدید را ایجاد کرد.

نظریه‌پرداز موسیقی قرون وسطی، گویدو آرتینسکی (اواخر قرن دهم) تعریف زیر را از موسیقی ارائه می‌کند:

"موسیقی حرکت صداهای صوتی است."

در این تعریف، نظریه پرداز موسیقی قرون وسطی نگرش را نسبت به موسیقی کل فرهنگ موسیقی اروپایی آن عصر بیان کرد.

ژانرهای موسیقی کلیسا و موسیقی سکولار.

سرچشمه موسیقی مقدس قرون وسطی محیط رهبانی بود. سرودها از طریق گوش در مدارس آواز یاد می شد و در میان جامعه کلیسا پخش می شد. با توجه به ظهور طیف گسترده ای از سرودها، کلیسای کاتولیک تصمیم گرفت که شعارهایی را که منعکس کننده وحدت دکترین مسیحی است، قدیس و تنظیم کند.

بنابراین ، یک گروه کر ظاهر شد که به تجسم سنت موسیقی کلیسا تبدیل شد. بر اساس آن، ژانرهای دیگری پدید آمدند که به طور خاص برای تعطیلات و خدمات خاص ایجاد شدند.

موسیقی مقدس قرون وسطی با ژانرهای زیر نشان داده می شود: کرال، سرود گریگوری - یک آواز مذهبی تک صدایی به زبان لاتین، به وضوح تنظیم شده، توسط یک گروه کر، برخی از بخش ها توسط یک تک نواز اجرا می شود.

• • • مراسم توده، خدمات الهی اصلی کلیسای کاتولیک است که از 5 بخش ثابت (معمولی) تشکیل شده است - I. Kyrie eleison (خداوندا، رحم کن)، II. گلوریا (شکوه)، III. Credo (به اعتقاد من)، IV. Sanctus (مقدس)، V. Agnus Dei (بره خدا).
    • عبادت، نمایش عبادی - خدمات عید پاک یا کریسمس، که در آن سرودهای گریگوری با ملودی ها-تروپ های غیر متعارف متناوب می شد، عبادت ها توسط گروه کر اجرا می شد، بخش هایی از شخصیت ها (مریم، انجیلیست) توسط تکنوازان اجرا می شد، گاهی اوقات ظاهری از لباس ها ظاهر می شد.
    • رمز و راز - درام مذهبی با کنش و لباس صحنه ای گسترده
    • روندل (روندو، رو) - یک ژانر چند صدایی از دوران بلوغ و اواخر قرون وسطی، متکی به ملودی نویسنده (برخلاف آواز همخوانی متعارف)، که به شیوه ای بداهه توسط تکنوازانی که به نوبت اجرا می شدند (شکل اولیه کانن) اجرا می شد.
    • Proprium - بخشی از ژانر دسته جمعی، بسته به تقویم کلیسا تغییر می کند (برخلاف قسمت بدون تغییر توده - معمولی)
    • آنتیفون قدیمی ترین سبک موسیقی کرال کلیسایی است که بر اساس تناوب قطعات توسط دو گروه کر است.

نمونه هایی از موسیقی کلیسا:

1) آواز توسط Kyrie Eleyson

2) سکانس قربانی پاشالی

موسیقی سکولار قرون وسطی عمدتاً موسیقی نوازندگان دوره گرد بود و با آزادی، فردیت و احساسات مشخص می شد. همچنین موسیقی سکولار بخشی از فرهنگ درباری و شوالیه ای اربابان فئودال بود. از آنجایی که این آیین نامه برای شوالیه آداب، سخاوت، بزرگواری و وظایفی را برای خدمت به بانوی زیبا تجویز می کرد، این جنبه ها نمی توانست در آهنگ های تروبادورها و خوانندگان معدن منعکس نشود.

موسیقی سکولار توسط میم ها، شعبده بازان، تروبادورها یا تروورها، مینسترل ها (در فرانسه)، مین خوان ها، شپیلمان ها (در کشورهای آلمان)، هوگلارها (در اسپانیا)، بوفون ها (در روسیه) اجرا می شد. این هنرمندان نه تنها باید آواز خواندن، بازیگری و رقصیدن را داشته باشند، بلکه می‌توانستند نمایش‌های سیرک، شعبده‌بازی، صحنه‌های تئاتری را اجرا کنند و مردم را به روش‌های دیگری سرگرم کنند.
با توجه به اینکه موسیقی یکی از علوم بود و در دانشگاه ها تدریس می شد، فئودال ها و نجیب زادگانی که تحصیل می کردند می توانستند دانش خود را در هنر به کار ببرند.
بنابراین، موسیقی نیز در محیط دادگاه توسعه یافت. موسیقی شوالیه بر خلاف زهد مسیحی، عشق نفسانی و آرمان بانوی زیبا را تجلیل می کرد. در میان اشراف، افراد زیر به عنوان موسیقیدان شناخته می شدند: گیوم هفتم، کنت پواتیه، دوک آکیتن، ژان برین - پادشاه اورشلیم، پیر موکلر - دوک بریتانی، تیبو شامپاین - پادشاه ناوار.

ویژگی ها و ویژگی های اصلی موسیقی سکولار قرون وسطی:

• • • مبتنی بر فولکلور است، نه به زبان لاتین، بلکه در زبان های بومی، گویش ها،
    • در میان هنرمندان دوره گرد، از نت نویسی استفاده نمی شود، موسیقی یک سنت شفاهی است (بعداً، نوشتن موسیقی در محیط دربار توسعه یافت)
    • موضوع اصلی تصویر انسان در تمام تنوع زندگی زمینی او، عشق نفسانی ایده آل است
    • تک صدایی - به عنوان راهی برای بیان احساسات فردی در قالب شعر و آهنگ
    • اجرای آواز-ساز، نقش سازها هنوز خیلی بالا نیست، عمدتاً مقدمه ها، اینترلودها و کداها ابزاری بودند.
    • ملودی متنوع بود، اما ریتم متعارف بود - این تحت تأثیر موسیقی کلیسا بود، تنها 6 نوع ریتم (حالت های ریتمیک) وجود داشت و هر یک از آنها محتوای کاملاً تجسمی داشت.

تروورها، تروبادورها و خوانندگان معدن، با نواختن موسیقی شوالیه درباری، ژانرهای اصلی خود را ایجاد کردند:

• • • آهنگ های "بافندگی" و "مه".
    • Rondo - فرمی مبتنی بر تکرار مکرر
    • تصنیف - فرم آهنگ متنی - موزیکال
    • Virele - یک فرم شعر قدیمی فرانسوی با یک بیت سه خطی (خط سوم کوتاه شده است)، همان قافیه و کر.
    • حماسه قهرمانانه ("آواز رولان"، "آواز نیبلونگ ها")
    • سرودهای صلیبیون (آوازهای فلسطین)
    • کانزونا (مین سینگرها آن را آلبا نامیدند) - یک آهنگ عاشقانه و غنایی

به لطف توسعه فرهنگ شهری در قرن های X - XI. هنر سکولار به طور فعال تر شروع به توسعه کرد. نوازندگان دوره گرد به طور فزاینده ای سبک زندگی بی تحرک را انتخاب می کنند و کل بلوک های شهر را پر می کنند.

جالب است که نوازندگان سرگردان در قرون 12 - 13. بازگشت به موضوعات معنوی گذار از لاتین به زبان های محلی و محبوبیت بسیار زیاد این نوازندگان به آنها اجازه داد تا در اجراهای معنوی در کلیساهای استراسبورگ، روئن و ریمز شرکت کنند. کامبری با گذشت زمان، برخی از نوازندگان دوره گرد حق سازماندهی اجراها را در قلعه های اشراف و دربارهای فرانسه، انگلستان، سیسیل و سایر کشورها دریافت کردند.

در قرون 12 - 13، در میان نوازندگان سرگردان، راهبان فراری، دانشجویان سرگردان، افرادی از طبقات پایین روحانیت - ولگردها و گولیاردها ظاهر شدند.

نوازندگان کم تحرک کل اصناف موسیقی را در شهرهای قرون وسطی تشکیل دادند - برادری سنت جولین (پاریس، 1321)، برادری سنت نیکلاس (وین، 1288). اهداف این انجمن ها حمایت از حقوق نوازندگان، حفظ و انتقال سنت های حرفه ای بود.

در قرن XIII - XVI. ژانرهای جدیدی شکل می گیرد که در دوره Ars Nova بیشتر توسعه می یابد:

• • • موتت (از فرانسوی - "کلمه") یک ژانر چند صدایی است که با عدم تشابه ملودیک صداها متمایز می شود که به طور همزمان متون مختلف را بیان می کند ، گاهی اوقات حتی در زبان های مختلف می تواند دارای محتوای سکولار و معنوی باشد
    • مادریگال (از ایتالیایی - "آهنگ به زبان مادری"، یعنی ایتالیایی) - آهنگ های عاشقانه، ترانه های شبانی،
    • Caccia (از ایتالیایی - "شکار") یک قطعه آوازی با موضوع شکار است.

موسیقی سکولار تروبادورها و آهنگسازان حرفه ای.

اطلاعات تکمیلی:

در عصر اطلاعات ما، عصر فناوری پیشرفته، ما اغلب ارزش های معنوی پایدار را فراموش می کنیم. یکی از این ارزش ها موسیقی کلاسیک است - میراث معنوی اجداد ما. موسیقی کلاسیک چیست، چرا انسان مدرن به آن نیاز دارد؟ چرا بسیاری از مردم فکر می کنند این بسیار خسته کننده است؟ بیایید سعی کنیم این مسائل دشوار را درک کنیم. این چنین نیست، زیرا این مفهوم به معنای بهترین چیزی است که در سراسر وجود تمدن بشری در دنیای موسیقی ایجاد شده است. سونات بتهوون، ساخته شده در قرن 18، و رمان عاشقانه سویریدوف، که 40 سال پیش نوشته شده است، همه کلاسیک هستند! نکته اصلی این است که این موسیقی امتحان خود را پس داده است. چه در زمان بتهوون و چه در حال حاضر، دلالان هنری وجود دارند که محصولات موسیقی درجه یک تولید می کنند. این محصول خیلی سریع خراب می شود، اما هنر واقعی هر روز زیباتر می شود.

ظاهر یادداشت ها

نوشتن، اختراع بزرگ بشر، امکان انباشتن و انتقال افکار، عقاید و برداشت‌ها را به نسل‌های آینده فراهم کرد. یک اختراع دیگر، نه چندان عالی، نماد موسیقی، انتقال صداها و موسیقی را به فرزندان امکان پذیر کرد. قبل از نت ها، موسیقی اروپایی از علائم خاصی استفاده می کرد - نئومز.

مخترع سیستم مدرن نت نویسی، راهب بندیکتین، گویدو آرتینو (گویدو دآرزو) (990-1050) است. آریزو یک شهر کوچک در توسکانی است که فاصله چندانی با فلورانس ندارد. در صومعه محلی، برادر گیدو به خوانندگان آموزش می داد که سرودهای کلیسا را ​​اجرا کنند. این کار آسان و طولانی نبود. تمام دانش و مهارت ها به صورت شفاهی در ارتباط مستقیم منتقل شد. خوانندگان، تحت هدایت معلم و با صدای او، هر سرود و هر سرود مراسم کاتولیک را به ترتیب یاد گرفتند. بنابراین، "دوره آموزشی" کامل حدود 10 سال طول کشید.

گیدو آرتینی شروع به علامت گذاری صداها با نت (از کلمه لاتین nota - علامت) کرد. نت ها، مربع های سایه دار، بر روی چوبی متشکل از چهار خط موازی قرار گرفتند. اکنون پنج تا از این خطوط وجود دارد و نت ها با دایره ها نشان داده می شوند، اما اصل معرفی شده توسط Guido بدون تغییر باقی مانده است. نت های بالاتر روی خط کش بالاتر نشان داده می شوند. هفت نت وجود دارد، آنها یک اکتاو را تشکیل می دهند.

گیدو نامی برای هر یک از هفت نت اکتاو گذاشت: اوت، ری، می، فا، سول، لا، سی. اینها اولین هجاهای سرود St. جان هر ردیف از این سرود با آهنگی بالاتر از ردیف قبلی خوانده می شود.

نت های اکتاو بعدی به همین صورت خوانده می شوند، اما با صدای بالاتر یا پایین تر خوانده می شوند. هنگام حرکت از یک اکتاو به اکتاو دیگر، فرکانس صدایی که با همان نت مشخص می شود به نصف افزایش یا کاهش می یابد. به عنوان مثال، آلات موسیقی با نت A اکتاو اول کوک می شوند. فرکانس این نت 440 هرتز است. نت A اکتاو بعدی، دوم با فرکانس 880 هرتز مطابقت دارد.

نام همه نت ها، به جز نت اول، با صدای مصوت خاتمه می یابد و آواز خواندن آنها را آسان می کند. هجای ut بسته است و نمی توان آن را مانند دیگران خواند. بنابراین، نام اولین نت اکتاو، ut، در قرن شانزدهم با do (به احتمال زیاد از کلمه لاتین Dominus - Lord) جایگزین شد. آخرین نت اکتاو، si، مخفف دو کلمه آخرین خط سرود Sancte Ioannes است. در کشورهای انگلیسی زبان، نام نت "B" با "Ti" جایگزین شد تا با حرف C که در نت موسیقی نیز استفاده می شود اشتباه گرفته نشود.

گویدو با اختراع نت ها این الفبای منحصر به فرد را به خوانندگان آموزش داد و همچنین آواز خواندن از روی نت ها را به آنها آموخت. یعنی چیزی که در آموزشگاه های موسیقی مدرن به آن سلفژ می گویند. حالا کافی بود کل توده را در نت یادداشت کنیم و خوانندگان می توانستند ملودی مورد نظر را خودشان بخوانند. دیگر نیازی نبود که هر آهنگ را شخصا به همه آموزش دهیم. گیدو فقط باید این روند را کنترل می کرد. زمان آموزش خوانندگان پنج برابر کاهش یافته است. به جای ده سال - دو سال!

پلاک یادبود در آرتزو در خیابان ریکاسولی در خانه ای که گیدو در آن متولد شد. نت های مربعی را به تصویر می کشد.

باید گفت که راهب گویدو اهل آرتزو اولین کسی نبود که ایده ضبط موسیقی با استفاده از علائم را مطرح کرد. قبل از او، در اروپای غربی قبلاً سیستمی از neumes وجود داشت (از کلمه یونانی "pneumo" - نفس)، نمادهایی که در بالای متن مزامیر برای نشان دادن افزایش یا سقوط آهنگ آهنگ قرار می گرفتند. در روسیه برای همین منظور از سیستم خود از "قلاب" یا "بنر" استفاده کردند.

نت‌های مربعی گویدو آرتینسکی، که در چهار خط کارکنان قرار گرفته بودند، ساده‌ترین و راحت‌ترین سیستم برای ضبط موسیقی بودند. به لطف او، نت موسیقی در سراسر جهان گسترش یافت. موسیقی از محدوده کلیسا خارج شد و ابتدا به کاخ های حاکمان و اشراف و سپس به سالن های تئاتر، سالن های کنسرت و میدان های شهر رفت و به مالکیت همگان درآمد.

عصبانیت چیست؟

حالت ها یکی از اصطلاحات اصلی در تئوری موسیقی هستند. درک نحوه ساخت آنها و استفاده ماهرانه از آنها امکانات نامحدودی را برای نوازنده باز می کند. و اغلب غیرممکن است که دقیقاً توضیح دهیم که چگونه یک انتقال جالب در یک ترکیب خاص ایجاد می شود - اگر شخص متوجه نشود حالت چیست. اما یک نکته وجود دارد: اصطلاح "حالت" توسط خود نوازندگان استفاده می شود، که اغلب به معنای یکسان نیست. چرا اینطور است؟ و به هر حال چه چیزی خوب است؟ این سردرگمی ناشی از این واقعیت است که این کلمه در دوره های مختلف معانی بسیار متفاوتی داشته است.

ما نمی دانیم که درک ما چقدر آموزش دیده و با موسیقی کلاسیک گره خورده است. (در حالی که مفهوم "موسیقی مدرن" انحراف از اصول کلاسیک است). دوران کلاسیک گرایی یک گسست تاریخی بزرگ در درک انسان از جهان است. پس از قرون وسطی، مردم هنر باستانی را کشف کردند و مجذوب آن شدند. هر اثر کلاسیک بر اساس قوانین سختگیرانه ساخته شده است و در نتیجه هماهنگی و منطق خود جهان را آشکار می کند. کلاسیک گرایی نظم ساختاری را ایجاد کرد - سلسله مراتب واضحی از بالاتر و پایین، اصلی و فرعی، مرکزی و فرعی. بنابراین، به عنوان مثال، با شروع با کلاسیک وین و موسیقی رمانتیک، ما به سیستم "ماژور-مینور" فکر می کنیم. چیست و چگونه بر درک ما تأثیر می گذارد؟

ماژور و مینور حالت های تونال هستند. حالت تونال سیستم خاصی از روابط بین صداها است. یعنی چی؟ لحن چیست؟ بیایید سعی کنیم آن را بفهمیم. فرض کنید یک پیانو در مقابل خود دارید: به صفحه کلید نگاه کنید: دو-ری-می-فا-سل-لا-سی، 7 کلید سفید و بین آنها 5 کلید سیاه دیگر، در مجموع 12 کلید دو تا از آنها یک نیم صدا است. بین سیاه و سفید مجاور همیشه یک نیم تن وجود دارد. بین سفیدهای مجاور یک لحن وجود دارد (استثناهایی از mi-fa وجود دارد و si-do نیم‌تون‌ها هستند).

هر مجموعه ای از آهنگ ها و نیم صداها یک مقیاس است. در عصر کلاسیک گرایی، آنها شروع به ساختن آن با تبعیت شدید از همه زنگ ها به تونیک - لحن اصلی کردند. این حالت اصلی یا فرعی است. تمام موسیقی تونال (تمام موسیقی کلاسیک) دقیقاً بر اساس رابطه بین هارمونی اصلی و فرعی ساخته شده است. با گوش، ما به طور شهودی بین ماژور و مینور از طریق رنگ آمیزی آنها - "شاد" یا "غمگین" تمایز قائل می شویم. حالت متناوب زمانی است که یک قطعه به طور همزمان دارای هر دو ویژگی اصلی و فرعی باشد. اما آنها یک اصل مشترک دارند - تون.

با این حال، این اصل تنها اصل ممکن نیست. قبل از عصر کلاسیک، زمانی که همه چیز در نهایت به یک سیستم هماهنگ از تونالیته ها نظم داده شد، تفکر موسیقی متفاوت بود. ایونی، دوریان، فریگی، لیدی، میکسولیدین، بائولیان، لوکریان... اینها حالت های اکتاو یونانیان هستند. همچنین حالت های کلیسایی موسیقی گریگوری وجود داشت. همه اینها حالت های مدال هستند. آنها در دوران باستان، قرون وسطی، و سنت موسیقی شرقی معین (مثلاً راگاهای هندی یا مقام عربی) موسیقی می ساختند. در موسیقی اروپای رنسانس نیز مدالیته غالب بود.

تفاوت اصلی با ظاهر تونال که به آن عادت کرده ایم چیست؟ در حالت‌های تونال، بین عملکرد هارمونی‌ها و آکوردهای اصلی تمایز قاطع وجود دارد، اما در موسیقی مودال آنها بسیار مبهم‌تر هستند. برای حالت مدال، خود مقیاس به عنوان یک کل مهم است - و معانی و رنگ هایی که می تواند به موسیقی بیاورد. به همین دلیل است که ما به راحتی موسیقی هندی را از آوازهای آواز قرون وسطایی با گوش - با هماهنگی ها و حرکات موسیقی خاص تشخیص می دهیم.

در قرن بیستم، به نظر می رسید آهنگسازان هر گزینه صوتی را در موسیقی تن صدا امتحان کرده بودند. آنها گفتند: "من حوصله ام سر رفته است، دیو!" بنابراین یک روش جدید پدید آمد. حالت های جدیدی در موسیقی مدرن ظاهر شده است - به عنوان مثال، بلوز. علاوه بر این، یک ژانر خاص به وجود آمد - جاز مدال. به عنوان مثال، مایلز دیویس، موسیقی مدال را «انحراف از مقیاس هفت نت معمولی، با هر نت به ظاهر خارج از تمرکز» نامید. و گفت که "با رفتن به این سمت، به سوی بی نهایت می روی." نکته این است که اصول آهنگی و مودال متقابل نیستند. در یک نمایشنامه ممکن است ویژگی های آنها مخلوط شود. مدالیته مانند لایه دیگری است که بر روی «عمده/فرعی» که ما به آن عادت کرده ایم، قرار می گیرد. و استفاده از حالت‌های مودال مختلف رنگ موسیقی را تغییر می‌دهد: به عنوان مثال، چرخش‌های حالت فریگی تاریک است، زیرا مقیاس آن عمدتاً از درجات پایین‌تر تشکیل شده است. دانستن این ویژگی‌های مودال می‌تواند به شما در دستیابی به صدای جالب در صورت نوشتن موسیقی کمک کند.

رنگ، خلق و خو، شخصیت - اینها نشانه های هماهنگی است که می شنویم، اما اغلب متوجه آن نمی شویم. اغلب در آهنگ ها عبارات مودال هستند که توجه ما را به خود جلب می کنند - زیرا غیرعادی هستند. گوش آموزش دیده موسیقی کلاسیک این انحراف را از زندگی روزمره تشخیص می دهد. همه اینها و خیلی چیزهای دیگر با درک زبان موسیقی آشکار می شود.

فرهنگ موسیقی حرفه ای قرون وسطی در اروپا در درجه اول با کلیسا، یعنی با حوزه موسیقی فرقه مرتبط بود. هنر پر از دینداری متعارف و جزمی است، اما با این وجود، از غرور دنیوی به دنیای منفک از بندگی پروردگار تبدیل نشده است. با این حال، همراه با چنین موسیقی "بالاتر"، فولکلور، کار نوازندگان سرگردان، و همچنین فرهنگ شوالیه نجیب وجود داشت.

فرهنگ موسیقی مقدس اوایل قرون وسطی

در اوایل قرون وسطی، موسیقی حرفه ای فقط در کلیساها و مدارس آوازی که به آنها متصل بود شنیده می شد. مرکز فرهنگ موسیقی قرون وسطی در اروپای غربی پایتخت ایتالیا - رم بود - همان شهری که "مقامات عالی کلیسا" در آن قرار داشتند.

در سال 590-604، پاپ گرگوری اول اصلاحی در آواز مذهبی انجام داد. او سرودهای مختلفی را در مجموعه «آندفونی گریگوری» سازماندهی و گردآوری کرد. به لطف گریگوری اول، جهتی به نام آواز گریگوری در موسیقی مقدس اروپای غربی شکل گرفت.

کرال- این، به عنوان یک قاعده، یک شعار یک صدایی است که منعکس کننده سنت های چند صد ساله مردم اروپا و خاورمیانه است. این ملودی مونوفونیک روان بود که هدف آن هدایت اهل محله به درک مبانی کاتولیک و پذیرش یک اراده واحد بود. گروه کر عمدتاً توسط یک گروه کر و فقط برخی از قطعات توسط تکنوازان اجرا می شد.

اساس آواز گریگوری یک حرکت پیشرونده در امتداد صداهای حالت های دیاتونیک بود، اما گاهی اوقات در همان سرود، مزمورهای آهسته و شدید و آوازهای ملیسماتیک هجاهای منفرد نیز وجود داشت.

اجرای چنین ملودی‌هایی به هیچ‌کس اعتماد نداشت، زیرا نیاز به مهارت‌های آوازی حرفه‌ای از سوی خوانندگان داشت. درست مانند موسیقی، متن سرودها به زبان لاتینی که برای بسیاری از اهل محله غیرقابل درک است، فروتنی، جدایی از واقعیت و تفکر را بر می انگیزد. اغلب، وابستگی به دنبال کردن متن، طراحی ریتمیک موسیقی را نیز تعیین می کرد. سرود گریگوری را نمی توان به عنوان موسیقی ایده آل در نظر گرفت.

توده- ژانر اصلی موسیقی آهنگساز قرون وسطی

مراسم کاتولیک - خدمات عبادت اصلی کلیسا. این نوع سرودهای گریگوری را ترکیب می کند:

• ضد صدا (زمانی که دو گروه کر متناوب می خوانند)؛
• پاسخگو (به طور متناوب تکنوازان و گروه کر).

جامعه فقط در خواندن نمازهای مشترک شرکت می کرد.
بعدها، در قرن دوازدهم. سرودها (مزمورها)، توالی ها و مسیرها در توده ظاهر شد. آنها متون اضافی بودند که دارای قافیه (برخلاف سرود اصلی) و آهنگ خاصی بودند. این متون قافیه مذهبی خیلی بهتر توسط اهل محله به یاد می‌آمدند. با آواز خواندن همراه با راهبان، آنها ملودی را تغییر دادند و عناصر موسیقی محلی شروع به نفوذ به موسیقی مقدس کردند و به عنوان فرصتی برای خلاقیت اصلی (ناتکر زایکا و راهب توکلون - صومعه سنت گولن) خدمت کردند. بعدها، این آهنگ ها به طور کامل جایگزین بخش های مزمور شد و به طور قابل توجهی صدای آواز گریگوری را غنی کرد.

اولین نمونه‌های چندصدایی از صومعه‌ها به دست آمد، مانند ارگانوم - حرکت در یک چهارم یا پنجم موازی، گیمل، فوبوردون - حرکت در آکوردهای ششم، هدایت. نمایندگان چنین موسیقی آهنگسازان لئون و پروتین (کلیسای جامع نوتردام - قرن XII-XIII) هستند.

فرهنگ موسیقی سکولار قرون وسطی

جنبه سکولار فرهنگ موسیقی قرون وسطی توسط: در فرانسه - شعبده بازها، میمک ها، خنیاگران ، در آلمان – کفش های رکابی، در اسپانیا - هوگرها، در روسیه - بوفون ها. همه آنها هنرمندان دوره گرد بودند و در کار خود با نواختن ساز، آواز، رقص، جادو، تئاتر عروسکی و هنر سیرک ترکیب شدند.

یکی دیگر از مؤلفه های موسیقی سکولار، موسیقی شوالیه ای بود که به اصطلاح فرهنگ درباری . کد ویژه شوالیه ای تشکیل شده بیان می کرد که هر یک از شوالیه ها باید نه تنها شجاعت و شجاعت داشته باشند، بلکه باید آداب، آموزش و پرورش ظریف نیز داشته باشند و به بانوی زیبا ارادت داشته باشند. همه این جنبه های زندگی شوالیه ها در آثار منعکس شده است تروبادورها(فرانسه جنوبی - پروونس) Trouvères(شمال فرانسه) Minnesingers(آلمان).

آثار آنها عمدتاً در اشعار عاشقانه ارائه می شود که رایج ترین ژانر آن کانزونا بود (آلبس - "آوازهای صبح" در میان مین سینگرها). تروورها با استفاده گسترده از تجربه تروبادورها ژانرهای خود را ایجاد کردند: "آهنگ های اردیبهشت"، "ترانه های بافی".

مهمترین حوزه ژانرهای موسیقی نمایندگان فرهنگ درباری، ژانرهای آواز و رقص مانند روندو، ویرله، تصنیف و حماسه قهرمانانه بود. نقش سازها بسیار ناچیز بود و به قاب‌بندی ملودی‌های آوازی با مقدمه، اینترلود و پس‌آهنگ تقلیل یافت.

قرون وسطی بالغ قرن XI-XIII.

ویژگی بارز قرون وسطی بالغ، توسعه است فرهنگ برگر . جهت گیری آن ضد کلیسایی، آزاد اندیشی و ارتباط با فولکلور طنز و کارناوالی بود. ژانرهای جدید چندصدایی در حال ظهور هستند: موته که با عدم تشابه ملودیک صداها مشخص می شود، علاوه بر این، متون مختلف به طور همزمان و حتی به زبان های مختلف خوانده می شوند. madrigal آهنگی به زبان مادری (ایتالیایی) است، caccia یک قطعه آوازی با متنی است که یک شکار را توصیف می کند.

از قرن دوازدهم، ولگردها و گولیاردها به هنر عامیانه پیوستند که بر خلاف دیگران باسواد بودند. دانشگاه ها حامل فرهنگ موسیقی قرون وسطی شدند. از آنجایی که سیستم حالت قرون وسطی توسط نمایندگان موسیقی مقدس ایجاد شد، آنها شروع به نامیدن حالت های کلیسا (حالت ایونی، حالت بادی) کردند.

دکترین هگزاوردها نیز مطرح شد - فقط 6 مرحله در حالت ها استفاده شد. راهب گویدو آرتینسکی سیستم پیشرفته‌تری از نت‌نویسی ساخت که شامل 4 خط بود که بین آنها نسبت سوم و علامت کلیدی یا رنگ‌آمیزی خطوط وجود داشت. او همچنین نام هجایی برای پله ها معرفی کرد، یعنی ارتفاع پله ها با علائم حروف الفبا شروع شد.

Ars Nova قرن XIII-XV.

دوره گذار بین قرون وسطی و رنسانس قرن چهاردهم بود. این دوره در فرانسه و ایتالیا Ars Nova یعنی "هنر جدید" نامیده می شد. زمان آزمایش های جدید در هنر فرا رسیده است. آهنگسازان شروع به ساختن آثاری کردند که ریتم آنها بسیار پیچیده تر از آثار قبلی (فیلیپ دو ویتری) شد.

همچنین، بر خلاف موسیقی مقدس، نیمه‌تون‌ها در اینجا معرفی شدند که در نتیجه افزایش و کاهش تصادفی آهنگ‌ها شروع شد، اما این هنوز مدولاسیون نیست. در نتیجه چنین آزمایشاتی، آثار جالبی به دست آمد، اما نه همیشه هماهنگ. درخشان ترین نوازنده تجربی آن زمان سولاژ بود. فرهنگ موسیقایی قرون وسطی در مقایسه با فرهنگ دنیای باستان، علیرغم محدودیت ابزار، توسعه بیشتری داشت و پیش نیازهای شکوفایی موسیقی در دوره رنسانس را در بر داشت.

چکیده با موضوع "موسیقی" پایه هفتم

در طول قرون وسطی، نوع جدیدی از فرهنگ موسیقی در اروپا ظهور کرد - فئودالی، ترکیبی از هنر حرفه ای، موسیقی آماتور و فولکلور. از آنجایی که کلیسا در تمام عرصه های زندگی معنوی تسلط دارد، اساس هنر موسیقی حرفه ای فعالیت نوازندگان در کلیساها و صومعه ها است. هنر حرفه‌ای سکولار در ابتدا تنها توسط خوانندگانی که در دربار، خانه‌های اشراف، در میان جنگجویان و غیره داستان‌های حماسی می‌آفرینند و اجرا می‌کردند، نمایش داده می‌شد. با گذشت زمان، اشکال آماتور و نیمه حرفه ای موسیقی سازی جوانمردی توسعه یافت: در فرانسه - هنر تروبادورها و تروورها (آدام د لا هال، قرن سیزدهم)، در آلمان - خوانندگان مین (Wolfram von Eschenbach، Walter von der Vogelweide، قرن XII-XIII)، و همچنین صنعتگران شهری. در قلعه ها و شهرهای فئودالی انواع ژانرها، ژانرها و انواع آهنگ ها پرورش می یابد (حماسه، "سپیده دم"، روندو، تصنیف و غیره).

آلات موسیقی جدیدی وارد زندگی روزمره می‌شوند، از جمله آنهایی که از شرق آمده‌اند (ویول، عود و غیره) و گروه‌هایی (با آهنگسازی ناپایدار) در حال ظهور هستند. فولکلور در میان دهقانان شکوفا می شود. همچنین "حرفه‌های عامیانه" وجود دارد: داستان‌سرایان، هنرمندان دوره گرد (جاده‌بازان، میمک‌ها، مینسترل‌ها، شپیلمن‌ها، بوفون‌ها). موسیقی عمدتاً کارکردهای کاربردی و معنوی-عملی را انجام می دهد. خلاقیت در وحدت با عملکرد (معمولاً در یک فرد) و با ادراک ظاهر می شود. جمعی هم در محتوای موسیقی و هم در فرم آن غالب است. اصل فردی تابع اصل عمومی است، بدون اینکه از آن متمایز شود (نوازنده چیره دست بهترین نماینده جامعه است). سنت سخت و شرعی در همه چیز حاکم است. تحکیم، حفظ و گسترش سنت ها و استانداردها (اما همچنین به روز رسانی تدریجی آنها) با گذار از نوماها، که فقط به طور تقریبی ماهیت حرکت ملودیک را نشان می داد، به نت خطی (Guido d'Arezzo، قرن XI) تسهیل شد. امکان ثبت دقیق زیر و بم صداها و سپس مدت زمان آنها را فراهم کرد.

به تدریج، هر چند به آرامی، محتوای موسیقی، ژانرها، فرم ها و ابزار بیان آن غنی می شود. در اروپای غربی از قرن 6-7th. یک سیستم کاملاً تنظیم شده از موسیقی کلیسایی تک صدایی (مونودیک) مبتنی بر حالت های دیاتونیک (سرود گریگوری) در حال ظهور بود که تلاوت (Psalmody) و آواز (سرود) را با هم ترکیب می کرد. در آستانه هزاره اول و دوم، چندصدایی شروع به ظهور کرد. ژانرهای جدید آوازی (کرال) و آوازی-سازمانی (کر و ارگ) در حال شکل گیری هستند: ارگانوم، موت، هدایت و سپس توده. در فرانسه، در قرن دوازدهم، اولین مدرسه آهنگساز (خلاق) در کلیسای جامع نوتردام (لئون، پروتین) تشکیل شد. در نوبت رنسانس (سبک ars nova در فرانسه و ایتالیا، قرن چهاردهم) در موسیقی حرفه ای، یکنواختی با چند صدایی جایگزین می شود، موسیقی به تدریج شروع به رهایی از کارکردهای صرفاً عملی (خدمت مراسم کلیسا)، اهمیت ژانرهای سکولار می کند. ، از جمله آهنگ ها، در آن افزایش می یابد (Guillaume de Masho). بسیاری از موسیقی شناسان (از جمله پیر اوبری) آثار خود را به موسیقی قرون وسطی در اروپا اختصاص دادند.

از قرن دوازدهم در هنر، ویژگی ضد زیبایی شناسی قرون وسطی منعکس می شود، زمانی که موسیقی مقدس - "آواز جدید" - با "قدیمی"، یعنی موسیقی بت پرست، در تضاد قرار می گیرد. در عین حال، موسیقی دستگاهی در هر دو سنت مسیحی غربی و شرقی پدیده ای کم ارزش تر از آواز تلقی می شد.

"کتاب ساعات ماستریخت"، آیین ماستریخت. ربع اول قرن 14. هلند، لیژ کتابخانه بریتانیا. Stowe MS 17, f.160r / جزئیات مینیاتوری از Maastricht Hours, Netherlands (Liège), ربع اول قرن چهاردهم, Stowe MS 17, f.160r.

موسیقی جدایی ناپذیر از تعطیلات است. بازیگران دوره گرد - سرگرمی ها و سرگرمی های حرفه ای - با تعطیلات در جامعه قرون وسطی مرتبط بودند. افراد این صنعت که به عشق مردمی دست یافتند، در آثار مکتوب متفاوت خوانده می شدند. نویسندگان کلیسا به طور سنتی از نام های کلاسیک روم باستان استفاده می کردند: میم / میموس، پانتومیم / پانتومیموس، هیستریون / هیستریو. اصطلاح لاتین joculator به طور کلی پذیرفته شد - جوکر، جوکر، جوکر. نمایندگان کلاس سرگرمی رقصنده / saltator نامیده می شدند. شوخی ها /بالاترو، اسکورا؛ نوازندگان /musicus. نوازندگان با انواع سازها متمایز می شدند: سیتاریستا، سیمبالیستا، و غیره. در اسپانیا با کلمه "huglar" /junglar مطابقت داشت. در آلمان - "Spielmann"، در روسیه - "buffoon". همه این نام ها عملا مترادف هستند.

درباره موسیقیدانان و موسیقی قرون وسطی - به طور خلاصه و به طور خلاصه.

2.

Maastricht Book of Hours, BL Stowe MS 17, f.269v

تصاویر - از یک نسخه خطی هلندی ربع اول قرن چهاردهم - "کتاب ساعات ماستریخت" در کتابخانه بریتانیا. تصاویر مرزهای حاشیه ای به ما این امکان را می دهد که درباره ساختار آلات موسیقی و جایگاه موسیقی در زندگی قضاوت کنیم.

از قرن سیزدهم، نوازندگان سرگردان به طور فزاینده ای به قلعه ها و شهرها هجوم آورده اند. همراه با شوالیه ها و نمایندگان روحانیت، خادمین دربار حامیان تاجدار خود را محاصره می کنند. نوازندگان و خوانندگان شرکت کنندگان ضروری در سرگرمی ساکنان قلعه های شوالیه، همراهان آقایان و خانم های عاشق هستند.

3.

f.192v

در آنجا شیپورها و ترومبون ها مانند رعد غرش می کردند،
و فلوت ها و لوله ها مانند نقره زنگ می زدند،
صدای چنگ و ویولن با آواز همراه بود
و خوانندگان برای غیرت خود لباسهای جدید زیادی دریافت کردند.

[کودرونا، شعر حماسی آلمانی قرن سیزدهم]

4.

f.61v

موسیقی نظری و عملی در برنامه آموزشی شوالیه ایده آل گنجانده شده بود. آنها به ویژه ویولن ملودیک را با آکوردهای ظریف و چنگ ملودیک آن دوست داشتند. تکنوازی آواز با نواختن ویولن و چنگ نه تنها توسط شعبده بازان حرفه ای، بلکه توسط شاعران و خوانندگان مشهور همراه بود:

تریسترام دانش آموز بسیار توانمندی بود و به زودی به هفت هنر اصلی و بسیاری از زبان ها تسلط یافت. سپس هفت نوع موسیقی را مطالعه کرد و به عنوان یک موسیقیدان معروف که همتای نداشت به شهرت رسید».

["حماسه تریسترام و یسوندا"، 1226]

5.


f.173v

در تمام نسخه های ادبی این افسانه، تریستان و ایزولد هارپرهای ماهری هستند:

وقتی او می خواند، او می نواخت،
سپس او را جایگزین کرد ...
و اگر یکی می خواند، دیگری
با دست به چنگ زد.
و آواز پر از غم و اندوه
و صدای تار از زیر دستت
آنها در هوا و آنجا به هم نزدیک شدند
آنها با هم به آسمان رفتند.

[گاتفرید از استراسبورگ. تریستان ربع اول قرن سیزدهم]

6.


f.134r

از "زندگی نامه" تروبادورهای پرووانسی مشخص است که برخی از آنها بر روی سازها بداهه می گفتند و سپس "ویولار" نامیده می شدند.

7.


f.46r

امپراتور روم مقدس ملت آلمان فردریک دوم اشتاوفن (1194-1250) "سازهای مختلف می نواخت و در آواز آموزش دیده بود".

8.

f.103r

زنان نیز به نواختن چنگ، ویولن و سازهای دیگر، معمولاً شعبده باز، و گاه دخترانی از خانواده های اصیل و حتی افراد بلندپایه نیز می پرداختند.

بدین ترتیب شاعر درباری فرانسوی قرن دوازدهم. ملکه ویلیست می خواند: «ملکه شیرین می خواند، آواز او با ساز ادغام می شود. آهنگ‌ها خوب هستند، دست‌ها زیبا، صدا ملایم، صداها آرام هستند.»

9.


f.169v

آلات موسیقی متنوع بود و به تدریج بهبود یافت. سازهای مرتبط از همان خانواده انواع مختلفی را تشکیل دادند. هیچ اتحاد دقیقی وجود نداشت: شکل و اندازه آنها تا حد زیادی به خواسته های سازنده اصلی بستگی داشت. در منابع مکتوب، ابزارهای یکسان غالباً نام‌های متفاوتی داشتند یا برعکس، انواع مختلفی تحت نام‌های مشابه پنهان می‌شدند.

تصاویر آلات موسیقی به متن مربوط نیست - من در این مورد متخصص نیستم.

10.


f.178v

گروه سازهای زهی به خانواده های آرشه ای، عود و چنگ تقسیم می شد. رشته ها از روده های پیچ خورده گوسفند، موی اسب یا نخ های ابریشم ساخته می شدند. از قرن سیزدهم آنها به طور فزاینده ای از مس، فولاد و حتی نقره ساخته می شدند.

سازهای زهی، که مزیت صدای کشویی با تمام نیم‌تون‌ها را داشتند، برای همراهی صدا مناسب‌تر بودند.

استاد موسیقی پاریسی قرن سیزدهم، جان دو گروچئو/گروشیو، ویول را در جایگاه اول در میان تارها قرار داد: بر روی آن «همه فرم‌های موسیقی»، از جمله انواع رقص، با ظرافت بیشتری منتقل می‌شوند.

11.

f.172r

اولریش فون اشنباخ، شاعر آلمانی، با به تصویر کشیدن جشن دربار در حماسه "ویلهلم فون وندن" (1290)، به ویژه این ویلا را برجسته کرد:

از تمام چیزهایی که تا به حال شنیده ام،
ویلا فقط شایسته ستایش است.
گوش دادن به آن برای همه خوب است.
اگر قلبت زخمی است،
آنگاه این عذاب شفا می یابد
از شیرینی ملایم صدا.

دایره المعارف موسیقی [م.: دایره المعارف شوروی، آهنگساز شوروی. اد. یو وی کلدیش. 1973-1982]گزارش می دهد که ویلا یکی از نام های رایج سازهای زهی کمانی قرون وسطایی است. من نمی دانم منظور اولریش فون اشنباخ چیست.

12.

f.219v. برای یک ابزار بزرگتر روی عکس کلیک کنید

14.

f.216v

در اندیشه‌های مردم قرون وسطی، موسیقی دستگاهی چندمعنا بود، دارای ویژگی‌های قطبی بود و احساسات مستقیماً متضاد را برانگیخت.

برخی را به شادی خالی، برخی دیگر را به شادی خالص و لطیف و اغلب به اشک های مقدس سوق می دهد. [پترارک].

15.

f.211v

اعتقاد بر این بود که موسیقی خوب و ممتنع، تلطیف کننده اخلاق، روح را با هماهنگی الهی آشنا می کند و درک اسرار ایمان را آسان می کند.

16.


f.236v

برعکس، ملودی‌های هیجان‌انگیز برای فاسد کردن نسل بشر، به نقض احکام مسیح و محکومیت نهایی منجر می‌شوند. از طریق موسیقی لجام گسیخته، رذایل بسیاری در قلب نفوذ می کند.

17.


f.144v

سلسله مراتب کلیسا از آموزه های افلاطون و بوئتیوس پیروی می کردند که به وضوح بین "هماهنگی بهشت" ایده آل و عالی و موسیقی مبتذل و ناپسند تمایز قائل شدند.

18.


f.58r

نوازندگان هیولایی که در زمینه‌های دست‌نوشته‌های گوتیک، از جمله کتاب ساعات ماستریخت، به وفور یافت می‌شوند، مظهر گناه‌آلودگی هنر هیستریون‌ها هستند که در عین حال موسیقی‌دان، رقصنده، خواننده، مربی حیوانات، داستان‌نویس و غیره بودند. هیستریون ها «خادمان شیطان» اعلام شدند.

19.


f.116r

موجودات گروتسک سازهای واقعی یا گروتسک را می نوازند. دنیای غیرمنطقی اجرای مشتاقانه هیبریدهای موسیقی وحشتناک و در عین حال خنده دار است. ارواح شیطانی "سوررئال" که چهره های بی شماری به خود می گیرند، با موسیقی فریبنده اسیر و فریب می دهند.

20.


f.208v

در آغاز قرن یازدهم. نوکر گوباستی، به پیروی از ارسطو و بوئتیوس، به سه ویژگی یک شخص اشاره کرد: موجودی منطقی، موجودی فانی، که می داند چگونه بخندد. نوکر فردی را هم قادر به خنده و هم باعث خنده می دانست.

21.


f.241r

در تعطیلات، تماشاگران و شنوندگان، در میان دیگران، با افراد عجیب و غریب موسیقی سرگرم شدند که تقلید می کردند و در نتیجه اعداد "جدی" را به راه انداختند.

در دستان خنده در «دنیای درون به بیرون»، جایی که روابط معمولی وارونه شده است، به ظاهر نامناسب ترین اشیاء برای نواختن موسیقی به عنوان ساز شروع به «صدا کردن» کردند.

22.


f.92v. بدن یک اژدها از زیر لباس نوازنده ای که خروس می نوازد بیرون می آید.

استفاده از اشیا در نقشی که برای آنها غیرعادی است یکی از تکنیک های کمدی اسلپ استیک است.

23.


f.145v

ساخت موسیقی فوق العاده با جهان بینی جشنواره های مربع مطابقت داشت، زمانی که مرزهای معمول بین اشیاء پاک شد، همه چیز ناپایدار و نسبی شد.

24.

f.105v

در دیدگاه روشنفکران از قرن XII-XIII. هماهنگی خاصی بین روح مقدس بی‌جسم و نشاط مهارنشدنی به وجود آمد. «شادی معنوی» آرام و روشن، فرمان بی وقفه «شادی در مسیح» از ویژگی های پیروان فرانسیس آسیزی است. فرانسیس معتقد بود که غم و اندوه مداوم نه خدا، بلکه شیطان را خشنود می کند. در شعر پرووانسی قدیم، شادی یکی از عالی ترین فضایل درباری است. فرقه او توسط جهان بینی تأیید کننده زندگی تروبادورها ایجاد شد. "در یک فرهنگ چند رنگ، صداهای جدی متفاوت به نظر می رسند: آنها تحت تأثیر رفلکس های آهنگ خنده قرار می گیرند، انحصار و منحصر به فرد بودن خود را از دست می دهند، آنها با جنبه خنده تکمیل می شوند."

25.

f.124v

لزوم قانونی کردن خنده و شوخی، مبارزه با آنها را منتفی نمی کرد. متعصبان مذهبی، شعبده بازان را «اعضای جامعه شیطانی» می نامیدند. در همان زمان، آنها دریافتند که اگرچه شعبده بازی یک حرفه غم انگیز است، اما از آنجایی که همه نیاز به زندگی دارند، به شرط رعایت نجابت، انجام خواهد شد.

26.

f.220r

«موسیقی قدرت و تأثیر زیادی بر احساسات روح و جسم دارد. مطابق با این، آهنگ ها یا حالت های موسیقی متمایز می شوند. از این گذشته، برخی از آنها به گونه ای هستند که با منظم بودنشان، شنوندگان را به زندگی صادقانه، بی عیب، متواضع و پارسا تشویق می کنند.»

[نیکلای اورم. رساله در پیکربندی کیفیات. قرن چهاردهم]

27.


f.249v

«تیمپان، عود، چنگ و سیتارا
آنها گرم شده بودند و زوج ها در هم تنیده شدند
در یک رقص گناه آلود
تمام شب یک بازی بوده است
خوردن و آشامیدن تا صبح.
اینگونه از مامون به شکل خوک پذیرایی می کردند
و در معبد شیطان سوار شدند.»

[چوسر. داستان های کانتربری]

28.


f.245v

ملودی های سکولار که "گوش را قلقلک می دهد و ذهن را فریب می دهد، ما را از خوبی ها دور می کند" [جان کریزستوم]، به عنوان محصول جسمانی گناه آلود، مخلوق حیله گر شیطان در نظر گرفته شد. باید با استفاده از محدودیت ها و ممنوعیت های سخت با نفوذ فاسد آنها مبارزه کرد. موسیقی آشفته و پر هرج و مرج عناصر جهنمی بخشی از «نمایش درونی»، «بت پرستی» جهان است.

29.


f.209r

کوزما پتروف-ودکین (1878-1939) با یادآوری کشیش کلیسای جامع خلینوفسک، شهر کوچکی در استان ساراتوف، بر سرسختی چنین دیدگاه هایی گواهی می دهد.

برای ما، فارغ التحصیلان، او یک گشت و گذار در زمینه هنر، به ویژه موسیقی انجام داد: «اما وقتی شروع به نواختن می کند، شیاطین زیر پای شما شروع به تکان می کنند... و اگر شروع به خواندن آهنگ کنید، دم ها شیاطین از گلوی شما بیرون می‌آیند و بالا می‌روند و بالا می‌روند.»

30.


f.129r

و در قطب دیگر موسیقی گوی ها که از روح القدس سرچشمه می گیرد، موسیقی مهیج یک ایده آل عالی، تجسم هماهنگی غیرزمینی جهان است که توسط خالق ایجاد شده است - از این رو هشت آهنگ سرود گریگوری و به عنوان یک تصویر. هماهنگی در کلیسای مسیحی ترکیبی معقول و متناسب از صداهای مختلف گواه بر وحدت شهر منظم خدا بود. انسجام هماهنگ همخوانی ها نمادی از روابط هماهنگ عناصر، فصل ها و غیره است.

ملودی مناسب روحیه را به وجد می آورد و بهبود می بخشد، این "ندایی است به شیوه ای متعالی از زندگی، به کسانی که وقف فضیلت هستند دستور می دهد که اجازه ندهند هیچ چیز غیرموسیقی، ناسازگار و ناهماهنگ در اخلاق خود." [گریگوری نیسا، قرن چهارم]

پاورقی/ادبیات:
کودرونا / اد. آماده شده است R.V. Frenkel. م.، 1983. ص 12.
افسانه تریستان و ایزولد / اد. آماده شده است A. D. Mikhailov. م.، 1976. ص 223; ص 197، 217.
آهنگ نیبلونگ ها / ترجمه. یو. بی. کورنیوا. L., 1972. P. 212. «شیرین‌ترین آهنگ‌ها» نوازندگان در باغ‌ها و تالارهای قلعه به صدا درآمد.
زیبایی شناسی موسیقی قرون وسطی اروپای غربی و رنسانس / Comp. متن های V. P. Shestakov. م.، 1966. ص 242
Struve B. A. روند شکل گیری ویولن و ویولن. م.، 1959، ص. 48.
CülkeP. مونچه، بورگر، مینسانگر. لایپزیگ، 1975. S. 131
Darkevich V.P. فرهنگ عامیانه قرون وسطی: زندگی جشن سکولار در هنر قرن 9-16. - م.: ناوکا، 1988. ص 217; 218; 223.
زیبایی شناسی رنسانس / Comp. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. P. 28.
گورویچ A. Ya. ص 281.
باختین م. زیبایی شناسی خلاقیت کلامی. م.، 1979. ص 339.
پتروف-ودکین K. S. Khlynovsk. فضای اقلیدسی سمرقند. L., 1970. ص 41.
آورینتسف S.S. شعرهای ادبیات اولیه بیزانس. M., 1977. S. 24, 25.

منابع متن:
دارکویچ ولادیسلاو پتروویچ. زندگی جشن سکولار قرون وسطی قرون IX-XVI. چاپ دوم، توسعه یافته؛ م.: انتشارات ایندریک، 2006.
دارکویچ ولادیسلاو پتروویچ. فرهنگ عامیانه قرون وسطی: زندگی جشن سکولار در هنر قرن 9-16. - M.: Nauka، 1988.
V. P. Darkevich. نوازندگان تقلید در مینیاتورهای دست نوشته های گوتیک // "زبان هنری قرون وسطی"، M.، "علم"، 1982.
بوئتیوس دستورالعمل های موسیقی (گزیده) // "زیبایی شناسی موسیقی قرون وسطی اروپای غربی و رنسانس" M.: "موسیقی"، 1966
+ لینک های داخل متن

ورودی های دیگربا تصاویری از کتاب ساعات ماستریخت:

P.S. Marginalia - نقاشی در حاشیه. احتمالاً دقیق‌تر است که برخی از تصاویر را مینیاتورهای پاره‌صفحه بنامیم.