باله در چه قرنی ظاهر شد؟ تاریخچه باله کلاسیک
باله در ایتالیا
در پایان قرون وسطی، علاقه به گذشته کلاسیک ظهور کرد که به رنسانس منجر شد. در دوران رنسانس، جامعه شروع به تمرکز بر نگاه کردن به افراد به جای جامعه به عنوان یک کل کرد. در نتیجه، در این دوره رقصندگان به عنوان دیده می شدند کاملمردم
قابل توجه ترین پیشرفت ها در طراحی رقص در دوران رنسانس در ایالت-شهرهای ایتالیای فعلی انجام شد. باله در دادگاه ها به عنوان توسعه نمایش های تشریفاتی که در تعطیلات برای اشراف به صحنه می رفت، به وجود آمد. نوازندگان دربار و رقصندگان برای ایجاد سرگرمی برای اشراف همکاری کردند.
باله رنسانس بسیار فقیرتر از باله مدرن بود. هنوز از کفش های توتوس و پوینت استفاده نشده است. رقص از مراحل رقص دادگاه اقتباس شده است. بازیگران طبق مد دربار آن زمان لباس می پوشیدند. در باله های اولیه، تماشاگران نیز در پایان در رقص شرکت می کردند.
حکاکی صحنه اول در باله Comique de la Reine.
در قرن پانزدهم تنها افراد معدودی بودند که می توانستند طراح رقص در نظر گرفته شوند. اکنون ما فقط در مورد کسانی از آنها می دانیم که در مورد رقصیدن نوشته اند، آثار بقیه گم شده است. دومنیکو دا پیاچنزا (یا دومنیکو دا فرارا) یکی از این طراحان رقص بود. او به همراه شاگردانش آنتونیو کورنازانو و گوگلیلمو ابرئو، رقص را به اشراف زادگان آموزش داد. دومنیکو دا پیاچنزا یک اثر نوشت De arte saltandi et choreus ducendi (درباره هنر رقص و مدیریت رقص) که به همراه شاگردانش ساخته شده است. دومینیکو دا پیاچنزا احتمالاً مشهورترین طراح رقص آن دوران است زیرا بسیاری از کارهای خود را توصیف کرده است.
دومنیکو در کتاب خود از این کلمه استفاده کرد بالوبه جای کلمه دانزا، اگر چه هر دو معنی دارند رقصیدنبه زبان ایتالیایی از این رو رقص های او به نام معروف شد بالتییا بالی(جمع) باله(واحد). به احتمال زیاد انتخاب کلمه دومنیکو منجر به استفاده از کلمه "باله" به معنای فعلی آن شده است. در سال 1489 در تورتونه ایتالیا، طی جشنی که توسط Bergonzio di Botta برگزار شد، رقصی به نام ورود، هر قسمت از جشن آغاز شد. برخی آن را اولین باله می دانند.
در قرن شانزدهم اجراهای باشکوهی به نام وجود داشت تماشایی، در شمال ایتالیا. آنها نه تنها شامل رقص، بلکه نمایش اسب و نبرد نیز بودند. این کلمه از اینجا آمده است تماشایی، استفاده شده در فرانسویوقتی در مورد باله صحبت می کنیم
شاید یکی از اولین باله های سنتی بود باله Comique de la Reine() توسط Balthasar de Beaujoyeulx به صحنه رفت که یک درام باله بود. ده هزار تماشاگر آن را تماشا کردند و از ساعت 22:00 تا 1:00 به طول انجامید. سپس باله نه تنها رقص را شامل می شد. او نامگذاری شد baleto-comique (کمیکبه معنای "درام" و نه "کمدی") زیرا شامل عناصر گفتگو و درام می شد و همین امر نیز دلیل طولانی شدن آن بود.
انتشار همان سال ایل بالارینوکتابچه راهنمای فنی در مورد رقص های دادگاه، چه اجتماعی و چه برای اجرا، نوشته فابریتو کاروسو، به ایتالیا کمک کرد تا به یک مرکز تبدیل شود. توسعه فنیباله
باله پیشرفت کرد و به طور فزاینده ای تبدیل شد به میزان بیشتریرقصید و تا 50 سال بعد تا حدی صحبت کرد. او نه تنها در حیاط خانه ها، بلکه در ازای پرداخت هزینه به تماشاگران نیز معرفی شد.
در این زمان، اشراف، از جمله لویی چهاردهم، نقش هایی با اهمیت متفاوت در باله ایفا کردند. این امر اعتبار نقش های پس زمینه و نقش شخصیت های منفی را افزایش داد.
در اواسط قرن هجدهم، بسیاری از دادگاه های سلطنت طلب در اروپا سعی داشتند مانند ورسای باشند. خانه های اپرا در مکان های مختلف افتتاح شد. رقصندگان و معلمان به راحتی کار پیدا کردند.
در این دوران، زنان نقش حمایتی را به عنوان رقصنده ایفا کردند، زیرا کرینولین، کرست، کلاه گیس و کفش پاشنه بلند می پوشیدند. در چنین لباسهایی که بالرینهای آن دوران میپوشیدند، رقصیدن برایشان دشوار بود و چون ماسکهای چرمی میپوشیدند، بازی کردن برایشان دشوار بود. نوور به تغییر لباس سنتی بالرین ها کمک کرد و در سال 1763 روی صحنه رفت جیسون و مدیابدون ماسک عبارات صورت رقصندگان قابل مشاهده بود و بیان بسیار زیاد اجرا گاهی اوقات تماشاگران را به شدت تحت تأثیر قرار می داد.
در نیمه دوم قرن هجدهم، اپرای پاریس تحت تسلط رقصندگان مرد بود، مانند گائتان وستریس، هنرپیشه ایتالیایی-فرانسوی، شاگرد لویی دوپر، و پسرش آگوست وستریس، که به خاطر پریدنش مشهور بود. اما زنان همچنین تکنیک باله را بهبود بخشیدند، برای مثال، آنه هاینل آلمانی الاصل، اولین رقصنده زنی که یک پیروت دوتایی اجرا کرد.
در دهه 1880، پتیپا دو باله را در روسیه روی صحنه برد که در پاریس بسیار موفق بودند. اولی بود ژیزل، دوم - کوپلیابه کارگردانی Saint-Léon (تولید اصلی در سال 1870 بود).
میخائیل فوکین کار خود را در سن پترزبورگ آغاز کرد و سپس به پاریس رفت و با دیاگیلف در Ballets Russes کار کرد.
انریکو چکتی یکی از نوازندگان پتروشکا بود که در حال بازی پانتومیم بود، زیرا او قبلاً در یک بازی نه چندان خوب بود. آمادگی جسمانی. انریکو چکتی با بازی در نقش پری آتشین به شهرت رسید کاربوسو پرنده آبی در زیبای خفتهتولیدات پتیپا در سال 1890. پس از آن او به عنوان خالق شیوه آموزش باله توسط Ceccetti شناخته شد.
در سال 1913، نیجینسکی باله جدیدی را ایجاد کرد Le Sacre du Printemps(نام روسی آیین بهار، اگرچه ترجمه تحت اللفظیاز فرانسوی "تقدیم به بهار"). این جنجالی ترین کار Ballets Russes بود. این باله با موسیقی که استراوینسکی نیز نامیده می شود، روی صحنه رفت. مدرن موسیقی بالهو مضمون فداکاری انسان به شدت مخاطب را تحت تاثیر قرار می دهد. بسیاری در ایالات متحده همکار هستند طلسم بهاربا قسمت دایناسور از فانتزیوالت دیزنی
آخرین تولید مهمبالههای روسیه در سالهای 1921 و 1922 در پاریس بودند، زمانی که دیاگیلف این نسخه را دوباره روی صحنه برد. زیبای خفتهپتیپا 1890. نمایش او به مدت چهار ماه سرمایه گذاری را برنگرداند منابع مالی، و در واقع یک شکست بود. با این حال، زیبای خفتهعلاقه تماشاگران را به باله شبانه بازگرداند.
در سال 1933، پس از مرگ دیاگیلف، رنه بلوم و دیگران باله روسیه را در مونت کارلو تأسیس کردند و به سنت باله ادامه دادند. بلوم بعدها در آشویتس توسط نازی ها کشته شد.
پس از انقلاب روسیه، باله در روسیه توسط آناتولی لوناچارسکی، اولین کمیسر خلق آموزش حفظ شد. پس از لوناچارسکی، مأموران باله را در صورتی که درخشان و عالی بود، اجازه دادند.
باله روسی در دوران شوروی به توسعه خود ادامه داد. بعد از انقلاب تعداد کمی از افراد مستعد در کشور باقی ماندند، اما همین برای ایجاد نسل جدید کافی بود. پس از رکود در دهه 1920، نسل جدیدی از رقصندگان و طراحان رقص در اواسط دهه 1930 روی صحنه ظاهر شدند.
در دهه 1930 در سن پترزبورگ (لنینگراد آن زمان)، آگریپینا واگانوا مدیر هنری چیزی بود که قبلاً باله امپراتوری روسیه نامیده می شد و شروع به به جا گذاشتن آثاری از فعالیت های خود کرد. در سال 1935، شرکت باله به باله کیروف (در حال حاضر شرکت باله ماریینسکی) تغییر نام داد. به عنوان مدیر هنری، واگانوا اجرا کرد مقررات دولتیو پایان را تغییر داد دریاچه سواناز تراژیک به عالی
واگانوا خواستار کمال فنی و دقت رقص بود، او شاگرد پتیپا و چکتی بود و قبلاً مدرسه باله امپراتوری را مدیریت کرده بود که به موسسه رقص دولتی لنینگراد تغییر نام داد و رقصندگان را برای شرکت باله ماریینسکی آموزش داد. در سال 1957، شش سال پس از مرگ واگانوا، دولت مؤسسه رقص دولتی لنینگراد را به آکادمی باله روسیه تغییر نام داد. A. Ya. زمانی که گروه باله تئاتر ماریینسکی سفر به اروپای غربی، واگانوا قبلاً مرده است. روش آموزش باله واگانوا از کتاب او "مبانی" شناخته شده است رقص کلاسیک"، که به زبان های مختلف ترجمه شده است.
این باله در میان مردم محبوبیت داشت. هم گروه باله بلشوی مسکو و هم گروه باله مارینسکی سن پترزبورگ فعال بودند. فشار ایدئولوژیک منجر به ایجاد باله شد رئالیسم سوسیالیستیکه اکثر آنها نتوانستند مردم را تحت تأثیر قرار دهند و بعداً از فهرست هر دو شرکت حذف شدند.
برخی از آثار این دوره اما قابل توجه بودند. در میان آنها - رومئو و ژولیتسرگئی پروکوفیف و لئونید لاوروفسکی. باله شعله پاریس، اگرچه او همه چیز دارد ویژگی های مشخصههنر رئالیسم سوسیالیستی، اولین کسی بود که به طور فعال از بدنه باله در اجرا استفاده کرد. نسخه باله نیز موفق بود آبنمای باخچی سراییبر اساس شعر الکساندر پوشکین با موسیقی بوریس آسافیف و رقص روستیسلاو زاخاروف.
باله معروف سیندرلابا موسیقی پروکوفیف نیز محصول باله شوروی است. در دوران شوروی، این تولیدات تا حد زیادی در خارج از اتحاد جماهیر شوروی و بعداً بلوک شرق ناشناخته بودند. پس از فروپاشی اتحاد جماهیر شوروی، آنها مشهورتر شدند.
باله یک هنر شاعرانه است. او با مضامین عالی، قهرمانانه و غنایی مشخص می شود. افسانه ای دنیای شگفت انگیزتصاویر رقص عمیقاً آرزوهای شریف را برانگیخته و بیدار می کند.
اجرای باله ترکیبی از طرح جذابی است که توسط یک نویسنده ایجاد شده است، موسیقی ساخته شده توسط آهنگساز، رقصی که توسط یک طراح رقص اختراع شده و توسط هنرمندان اجرا می شود، مناظر زیبا و لباس هایی که مطابق نقشه های هنرمند ساخته شده اند.
این هنر پیچیدهبسیار دیر توسعه یافته است. باله کمی بیش از چهارصد سال قدمت دارد، اگرچه هنر رقص برای چندین هزار سال وجود داشته است (به مقاله "رقص محلی" مراجعه کنید).
باله در قرن پانزدهم در ایتالیا شکل گرفت. از رقص های محلی، نام "balletti" (ایتالیایی "ballare" - به رقص، و "balletti" - رقص) به رقص های پیچیده تر که در توپ های دادگاه اجرا می شد منتقل شد. در دربار حاکمان، نمایش های لباس اغلب با رقص، آواز و تلاوت به صحنه می رفت که خود درباریان در آن شرکت می کردند. این اولین بالهها شامل «مدخلهای» شخصیتهایی بود که بهطور ضعیف به هم متصل بودند، که اغلب از آنها گرفته میشد اساطیر یونانی. یکی از زوجهای مجلل و مجلل با لباس دیگری جایگزین شد. بعد از تمام "خروج ها" شروع شد رقص عمومی، یا "گراند باله".
چنین نمایشی در ایتالیا در یک جشن بزرگ در شهر تورتونا (1489) به روی صحنه رفت. خدایان و قهرمانان باستان می رقصیدند و برای مهمانان غذا سرو می کردند. خدایان دریا غذاهای ماهی می آوردند، الهه های باروری میوه و شیرینی سرو می کردند. این رقص باله خوراکی با ورود باشکوه باکوس، خدای شراب به پایان رسید. همین عقاید در بسیاری از دادگاه های اروپایی ظاهر شد.
به تدریج در باله های دادگاه قهرمانان اساطیریبا ماسکهای طنز که افرادی از مردم را به تصویر میکشند - لباسشویی، مسافرخانهدار، کفاش و غیره، جایگزین میشوند. تمام نقشهای باله فقط توسط مردان اجرا میشد.
لباس ها و ماسک های شرکت کنندگان باله در دادگاه حجیم و ناراحت کننده بود. به عنوان مثال، یک کفاش مجبور بود با یک کفش بزرگ که سرش را پوشانده بود برقصد، و لباس یک ویولن از یک ویولن بزرگ تشکیل شده بود. قهرمانان دوران باستان نیز کت و شلوار سنگینی پوشیده بودند که یادآور لباس دادگاه بود. رقصیدن در چنین لباس هایی بسیار دشوار بود، بنابراین تمام حرکات باله به راه رفتن صاف، کمان های برازنده و ژست های برازنده محدود می شد. علاوه بر این، اگر زنان به همراه مردان در توپهای دادگاه شرکت میکردند، نقشهای زنان روی صحنه توسط پسران با ماسک و کلاه گیس اجرا میشد.
درباریان به طور تصادفی می رقصیدند، زیرا قوانین اجرای حرکات رقص هنوز وجود نداشت.
با فرمان پادشاه فرانسه لویی چهاردهم، آکادمی سلطنتی رقص در سال 1661 برای ایجاد قوانین و سیستم رقص تاسیس شد. این شامل سیزده معلم رقص بود که توسط پادشاه منصوب شده بود. در سال 1669، یک تئاتر موزیکال (آکادمی سلطنتی موسیقی) تأسیس شد که در ابتدا فقط درباریان در اپرا و باله می رقصیدند. در ابتدا، اجراهای باله تقریباً هیچ تفاوتی با اجراهای دادگاه نداشت. موسیقی، رقص و آواز با یکدیگر ارتباط آزاد داشتند و تأثیر هنری منسجمی ایجاد نمی کردند. رقص ها مانند دربار بود - مینوت های آهسته، گاووت ها، دور از منبع عامیانه خود. زنان فقط در سال 1681 اجازه حضور روی صحنه را داشتند. آنها مجبور بودند با لباس های سنگین و بلند و کفش های پاشنه بلند برقصند. چنین لباس هایی مانع از اجرای رقص های پیچیده رقصنده می شد و بنابراین مهارت رقص های مردانه برتر بود. رقص زنانظرافت، ظرافت، سیالیت و تکنیک.
در ایتالیا، مد باله دادگاه خیلی زودتر گذشت و هنر رقص کاملاً حرفه ای شد. رقصندگان ایتالیایی به دلیل مهارت در تکنیک رقص مشهور بودند. اما هنوز چیزهای زیادی وجود داشت که مانع از تبدیل شدن باله به یک هنر واقعی می شد - متون همراه با رقص، لباس های حجیم و ماسکی که تمام چهره هنرمند را پنهان می کرد.
تنها در سال 1773 بود که رقصنده ماکسیمیلیان گاردل برای اولین بار سقوط کرد ماسک سنتی. کمی بعد، بالرین ماری کامارگو با کوتاه کردن دامن خود درست بالای مچ پا و رها کردن پاشنهها به آزادی حرکت دست پیدا کرد و ماری سال با لباسهای گشاد و سبک که یادآور تونیک یونانی بود شروع به رقصیدن کرد. رقص کم کم معنادارتر شد.
کمک بزرگی به توسعه باله اروپای غربی توسط طراح رقص فرانسوی ژان ژورژ نوور (1727-1810) انجام شد. او در «نامههایی درباره رقص» (1760) خواستار ایجاد رقص «موثر»، یعنی رقص معنادار و گویا بود که در آن احساسات، افکار و رویدادها در حرکات پانتومیم و رقص آشکار میشدند. نوور موفق شد این ایدههای پیشرفته را تا حدی در اجراهای باله که در دادگاه دوک در اشتوتگارت و سایر صحنهها اجرا میشد، اجرا کند.
دیدگاههای نوور تأثیر زیادی بر آن داشت توسعه بیشترباله لباس و نقاب سنتی کنار گذاشته شد. رقصندگان باله به صورت رایگان و آسان شروع به رقصیدن کردند
لباس حرکات رقص آنها طبیعی تر، رسا و متنوع تر شد. شاگردان و پیروان نوور اولین اجراهای باله را در تاریخ طراحی رقص ایجاد کردند که در آن موسیقی، لباس، مناظر و رقص معنوی و معنادار با هم ادغام شدند. باله "احتیاط بیهوده" که بیش از صد و پنجاه سال پیش توسط داوبروال روی صحنه رفت، امروز در صحنه تئاترهای باله به حیات خود ادامه می دهد.
در طول سالهای انقلاب بورژوازی فرانسه، هنر باله با عناصر رقص محلی غنی شد که قبلاً برای هنرمندان دربار غیرقابل قبول بود. هنر دوران انقلاب به تصاویر قهرمانانه دوران باستان روی آورد.
یکی از آثار برجسته رقص آن زمان، "پیشنهاد به آزادی" توسط طراح رقص پیر گاردل ساخته شد. رقصی به آن وارد شد که با موسیقی مارسی اجرا شد.
در قرن 18 رقص با وسایل بیانی غنی شد. رقصندگان باله، با لباسهای تن پوش و صندل سبک، میتوانستند روی پنجههای بلند پا برقصند. حرکات دست آزاد و انعطاف پذیر شده است. بازیگران در حالات چهره، حرکات و ژست ها به دنبال انتقال احساسات شخصیت های خود بودند.
در حدود سال 1800، لئوتارد (کت و شلوار بافتنی گوشتی که محکم روی پاها و بدن قرار داشت) اختراع شد و حرکات رقصندگان آزادی کامل داشت. سطح مهارت های رقص به طور قابل توجهی افزایش یافته است. با این حال، رقص مردان همچنان جذاب تر از زنان بود.
بر اساس دستاوردهای هنر باله، رقصنده و معلم ایتالیایی کارلو بلاسیس (1803-1878) یک سیستم آموزش رقص را بر اساس پنج موقعیت شروع پاها ایجاد کرد. بلازیس از "زرادخانه" حرکات وام گرفته شده توسط نسل های هنرمندان و طراحان رقص از رقص محلی و درباری استفاده کرد. هنر باستانی. این سیستم بعدها "کلاسیک" نامیده شد.
در نیمه اول قرن نوزدهم. در نهایت مکتب باله کلاسیک ایتالیایی و فرانسوی شکل گرفت.
از ویژگی های تئاتر باله ایتالیایی، تکنیک فوق العاده، پرش های پیچیده و حرکات تیز و سفت و سخت دست بود. گاهی اوقات، به خاطر درخشش و فضیلت بیرونی، اجراکنندگان معنی و رسا بودن رقص را قربانی می کردند. S. Viganò طراح رقص که با موفقیت باله های جدی و پیچیده را با موسیقی بتهوون بر اساس طرح تراژدی های شکسپیر و غیره اجرا کرد، در تئاتر La Scala در میلان تنها ماند.
برخلاف ایتالیایی، مدرسه باله فرانسوی به لطف، انعطاف پذیری، نرمی خطوط مشهور بود، اما در عین حال سردی اجرا را مشخص می کرد. اجرای باله در فرانسه در قرن هجدهم. معمولا بر اساس یک طرح باستانی یا اسطوره ای.
هنرمندان تئاتر سلطنتی حتی برای بازتولید واقعی ویژگی های تاریخی یا ملی تلاش نمی کردند، بلکه از آداب و لباس های درباری تقلید می کردند. چوپانهای یونان باستان با کفشهایی با پاشنههای قرمز، مدلشده از شیک پوشان دربار و با کلاه گیسهای پودری با فر روی صحنه ظاهر شدند. همه اینها باعث ناامیدی بسیاری از رقص نویسان و هنرمندان از کلاسیک شد و آنها را به جستجوی وسایل جدیدی سوق داد که بتواند حقیقت زندگی را به طور کامل تر منتقل کند.
در روسیه، هنر حرفه ای باله در قرن 18 ظاهر شد. اگرچه در ابتدا معلمان و کارگردانان خارجی بودند، رقصندگان روسی به طرز خلاقانه ای از آنها دریافتند که چه چیزی با الزامات مرتبط نزدیک است. رقص محلیفرهنگ رقص روسی که آن را غنی و اصیل ساخت. آنها به دنبال این بودند که عناصر وام گرفته شده را با روحیه ملی آغشته کنند.
اینگونه بود که مکتب رقص کلاسیک روسی شکل گرفت. مهمترین مرحله توسعه آن با اقامت چارلز دیدلو (1767 - 1837) طراح رقص فرانسوی در روسیه، یکی از خالقان رمانتیسم در هنر باله مرتبط است. زنده احساسات انسانی، تعالی شعری محتوا نقاشی های هنری، شیوه اجرای آزاد و جسورانه - این چیزی است که او را به ویژه در باله هایش جذب کرد و کلمه جدیدی در هنر بود. او به هنرمندان کمک کرد تا تصاویر واقعی تاریخی خلق کنند، محتوای اسطوره های قدیمی را دوباره تفسیر کرد، باله های "Acis and Galatea"، "Zephyr and Flora"، "Cupid and Psyche" را بر اساس آنها به صحنه برد.
دیدلو را وسیله معرفی کرد بیان هنری"باله پرواز"، یعنی پروازهای اجراکنندگان بر فراز صحنه، که با کمک دستگاه های مکانیکی انجام می شود.
زمانی که دیدلو هنوز در صحنه انگلیسی بود، شروع به صحنهسازی بالههای واقعگرایانه کرد. اما برجستهترین خلاقیت دیدلو، بالههای دراماتیکی بود که در روسیه روی صحنه برد. زندانی قفقازی"(به گفته A.S. پوشکین)، "کلبه مجارستانی"، "راولد کرکی". دیدلو، که معاصرانش او را «شکسپیر و بایرون صحنه باله» نامیدند، به طرز ماهرانهای بامزه و خندهدار و قسمت های دراماتیک، بیننده را وادار کرد تا با همدردی عمیق سرنوشت قهرمانان را دنبال کند. درست است ، در باله های دیدلو هنوز پانتومیم زیادی وجود داشت و رقص ماهیت کمکی داشت ، زیرا شخصیت ها عمدتاً در جشن ها و انواع جشن ها می رقصیدند.
در روسیه، دیدلو بالرین های معروفی مانند آودوتیا ایستومینا و ماریا دانیلوا را آموزش داد. پس از دیدلو، با هر نسل جدید، باله روسی بدیع تر شد.
والبرچ و گلوشکوفسکی طراحان رقص روسی را معرفی کردند موضوعات ملیبه باله
حتی یک اجرای باله را نمی توان بدون طراح رقص خلق کرد. او محتوای موسیقی نوشته شده توسط آهنگساز را در تصاویر رقص آشکار می کند، از طریق ترکیب و ترکیب رقص ها فکر می کند و همه نقش ها را توسعه می دهد. در شکل هنری تصاویر رقص، تجربیات عاطفی پیچیده و خیزش های قدرتمند روح انسان منتقل می شود. گاهی اوقات در رقص، طراح رقص موفق می شود بیان نکند افکار کمترو احساسات بیش از کلمات می تواند انجام دهد.
تخیل خلاق دیدلو باعث پدید آمدن باله ای عاشقانه شد که بیانگر تمایل به آرزوهای متعالی و شاعرانه و افسانه ها بود. خود قهرمانان باله عاشقانهانواع موجودات خارق العاده تبدیل شدند - الف ها، سیلف ها، ارواح و سایه ها. بالرین ماریا تاگلیونی و پدرش، طراح رقص فیلیپ تاگلیونی، در دهه 30 بودند. قرن نوزدهم نمونه ترین نمایندگان این باله جدید.
بهترین باله دوران رمانتیک، ژیزل، در سال 1841 در پاریس به روی صحنه رفت. این تراژدی یک دختر دهقانی پاک و معتمد را به تصویر می کشد که عمیقاً از خیانت معشوقش شوکه شده است. ژیزل از غم و اندوه می میرد و به پری ویلیزای جنگلی تبدیل می شود. این باله جاودانه جوان به زبان رقص درباره احساسات بزرگ صحبت می کند و هنوز هم در رپرتوار تئاترهای شوروی و خارجی گنجانده شده است.
باله "اسمرالدا" که توسط برجسته ها به نمایش درآمده است، آفرینش کمتر هیجان انگیز دوران رمانتیسم نیست. طراح رقص فرانسوی J. Perrault (1810-1892) بر اساس رمان "نوتردام د پاریس" اثر V. Hugo (به مقاله "ویکتور هوگو" مراجعه کنید). اینجا حتی یک موجود خارق العاده وجود نداشت. پررو به دنبال بیان مستقیم در رقص بود اقدام دراماتیک. استعداد این طراح رقص در سرزمین مادری خود به رسمیت شناخته نشد و واقعاً در انگلستان و به ویژه در روسیه شکوفا شد.
تاریخ باله روسیه ارتباط نزدیکی با پیشرفت زبان روسی دارد موسیقی کلاسیک. قبل از ظهور موسیقی باله توسط P.I. Tchaikovsky ، موسیقی فقط به عنوان همراهی برای رقص عمل می کرد: فقط یک سرعت خاص ، ریتم و یک ملودی به یاد ماندنی از آن لازم بود. موسیقی باله سمفونیک چایکوفسکی، عمیق، رنگارنگ، رسا، به بیننده کمک کرد تا تصور کند آنچه را نمی توان در رقص بیان کرد. در باله «فندق شکن»، آهنگساز در «دریاچه قو»، دنیای روشن و شادی آور رویاهای کودکان را فاش کرد. زیبایی و پاکی دنیای درونیانسان، که توسط چایکوفسکی تجلیل شد، برای همیشه به محتوای اصلی هنر باله روسیه تبدیل شد.
چایکوفسکی در حین کار بر روی زیبای خفته، بیش از یک بار به ماریوس پتیپا (1822-1910) طراح رقص فوقالعاده برای مشاوره مراجعه کرد. او با تولد فرانسوی تقریباً شصت سال را وقف باله روسی کرد. پتیپا که یک خبره عالی رقص کلاسیک بود، به ویژه در باله های "زیبای خفته"، "دون کیشوت"، "لا بایادر" موفق بود، که در آنها به نظر می رسید رقص ها با موسیقی ادغام می شوند.
یکی دیگر از کارگردانان برجسته باله های چایکوفسکی، لو ایوانف (1834-1901)، رقص های غنایی شگفت انگیز قوها را در دریاچه سوان خلق کرد (اعمال 2 و 4 باله). ایوانف به دنبال آن بود که تمام غنای محتوای موسیقی را در رقص بیان کند.
تلفیق کامل موسیقی، رقص و نقاشی در اجرای باله در آغاز قرن بیستم به دست آمد. رقص M. Fokin و A. Gorsky. آنها نه تنها توانستند زندگی را به طور صادقانه در صحنه باله بازتولید کنند، بلکه برای هر باله ایده های اصلی مطابق با محتوا را نیز پیدا کردند. وسیله بیان. همکاری با بهترین هنرمندان، گورسکی و فوکین هنر طراحی اجرا را به سطح بالایی ارتقا دادند.
در غرب در نیمه دوم قرن نوزدهم. باله رو به زوال رفت، معنای مستقل خود را از دست داد و به ضمیمه اپرا تبدیل شد، در حالی که هنر باله روسی به توسعه بهترین ویژگی های باله کلاسیک ادامه داد.
باله کلاسیک با الگوی دقیق حرکت، خلوص نجیب و معنویت اجرا متمایز می شود.
تمام ابزارهای بیان در باله کلاسیک در خدمت آشکار کردن محتوای عمیق و تجربیات پیچیده شخصیت ها هستند.
تورهای باله روسی در پاریس و لندن (در آغاز قرن بیستم) تأثیر خیره کننده ای بر مخاطبان غربی گذاشت. بالرین برجسته روسی آنا پاولوا به عنوان یکی از بزرگترین رقصندگان مدرسه کلاسیک شناخته شد. در رقص "قو در حال مرگ" (موسیقی از سنت سانز، طراحی رقص M. Fokin)، که تنها سه دقیقه طول کشید، پاولوا طیف وسیعی از تجربیات را آشکار کرد. مهارت درخشان طراحان رقص و هنرمندان روسی، هنر الهام گرفته آنا پاولوا تأثیر زیادی در احیای باله اروپایی داشت. پاولوا و پس از سایر معلمانش، مدارس رقص کلاسیک را در انگلستان افتتاح کردند. هنرمندان با استعدادی که آنها تربیت کردند گروه های حرفه ای تشکیل دادند که هنوز هم وجود دارند ("Marie Rambert Ballet"، "Royal Ballet" - سابقا "Sadler's Wells"). کارنامه آنها نه تنها شامل باله های آهنگسازان روسی، بلکه آثار شگفت انگیز چایکوفسکی است.
در دهه 30 قرن XX باله ملی در فرانسه، ایتالیا و دیگر کشورها احیا شد. او از مکتب رقص کلاسیک روسی و شوروی که در غرب بسیار محبوب است وام گرفت.
بهترین از میراث کلاسیکمدرسه روسی توسعه بیشتر خود را در باله شوروی دریافت کرد. به حق می توان آن را مرحله ای جدید و بالاتر از هنر رقص تلقی کرد. رقص کلاسیک در باله شوروی، مطابق با الزامات عصر ما، به طور مداوم در حال توسعه، بهبود و غنی سازی، جذب است. بهترین ویژگی ها هنر رقصکشور ما
در صحنه شوروی " دریاچه سوان"، "زیبای خفته"، "ژیزل" زندگی جدیدی دارند. با حفظ همه چیز ارزشمند از تولیدات گذشته، آنها با درک متفاوتی از موسیقی، ایده جدیدی از عظمت و زیبایی زندگی آغشته شده اند و با تنش دراماتیک خاصی پر شده اند. هنر باله اتحاد جماهیر شوروی در تلاش است تا بهترین ها را در یک فرد نشان دهد، تمام غنای دنیای درونی او. نه تنها چشم را خوشایند می کند، بلکه آرزوهای نجیب، احساسات و افکار بلند را در مخاطب بیدار می کند.
هنر رقص شوروی با خلق باله های واقع گرایانه بزرگ اختصاص داده شده است قهرمانان مردمیو مبارزان آزادی کشورهای مختلفو دوران ها این «خشخاش سرخ» اثر گلیره است (به مقاله «R. M. Gliere» مراجعه کنید)، که توسط V. Tikhomirov و L. Lashchilin به صحنه رفته است. "شعله های پاریس" اثر B. Asafiev، طراح رقص Vainonen; «اسپارتاک» خاچاتوریان (به مقاله «آرام خاچاتوریان» مراجعه کنید). "Laurencia" اثر A. Crane، طراح رقص V. Chabukiani; "مسیر تندر" کارا کارائوا، طراح رقص K. Sergeev. " گل سنگی» S. Prokofiev، طراح رقص یو.
صندوق طلایی باله شوروی شامل آثار شگفت انگیزی مانند "چشمه باخچیسارای" اثر ب. آسافیف و "رومئو و ژولیت" اثر اس. پروکوفیف است (به مقاله "S. S. Prokofiev" مراجعه کنید L. Lavrovsky موفق شد محتوای شاعرانه آثار بزرگ پوشکین و شکسپیر را به زبان رقص ترجمه کند.
مردم شوروی به چنین چیزی افتخار می کنند مجریان برجستهمانند اولانوا (به مقاله "G. S. Ulanova" مراجعه کنید)، M. Plisetskaya، O. Lepeshinskaya، R. Struchkova، K. Sergeev، V. Chabukiani، و بسیاری دیگر از دانش آموزان با شکوه مدرسه باله شوروی.
تحسین عمومی بینندگان خارجی با تورهای هنرمندان شوروی برانگیخته شد که همراه با کارگردانان موفق شدند باله را به "اجرای دراماتیک شدید، پر از سرزندگی، اختراعات رقص ... جلوه های صحنه و احساسات" تبدیل کنند - همانطور که او نوشت مطبوعات خارجی. اجرای باله شوروی در تعدادی از کشورهای اروپایی و آمریکا به عنوان "رویدادهایی با اهمیت تاریخی" تلقی می شد.
اگر خطایی پیدا کردید، لطفاً قسمتی از متن را برجسته کرده و کلیک کنید Ctrl+Enter.
تاریخچه باله در دوران رنسانس در ایتالیا آغاز می شود. این از نمایشهای تشریفاتی که برای اشراف توسط خادمانشان اجرا میشد، پدید آمد: نوازندگان و رقصندگان در دربار. در آن زمان، باله مانند یک جوان بی تجربه هجده ساله بود: بی دست و پا، اما با آتش در چشمانش. بسیار سریع توسعه یافت. مثل همان جوانی که ابتدا اجازه ورود به کارگاه را دادند و به شاگردی زنگ زدند.
در آن زمان، مد باله کاملاً متفاوت بود: لباس ها مطابق با زمان بود، کفش های توتوس و پوینت به سادگی وجود نداشتند و تماشاگران این فرصت را داشتند که در پایان اجرا در آن شرکت کنند.
این جالب است!در زمان تولد باله در ایتالیا، به سختی بیش از پنج طراح رقص وجود داشت. نت های تنها سه متخصص تا به امروز باقی مانده است که یکی از آنها "پدرخوانده باله" شد: دومنیکو دا پیاچنزا در یادداشت های خود رقص ها را بالو نامیده است. پس از تقویت، این کلمه به بالی و باله تبدیل شد، توسط دیگر دوستداران رقص مورد استفاده قرار گرفت و در نهایت به عنوان یک هنر به باله اختصاص یافت.
کاترین دی مدیچی به یک چهره مهم در تاریخ توسعه باله تبدیل می شود. او از ایتالیا این هنر را به فرانسه می آورد و برای مهمانان مدعو نمایشی ترتیب می دهد. برای مثال، سفیران لهستان توانستند یک اثر بزرگ به نام Le Ballet des Polonais را ببینند.
اعتقاد بر این است که واقعاً نزدیکترین چیز به باله مدرن شاهکار باله Comique de la Reine بود که تماشاگران را بیش از پنج ساعت در تعلیق نگه داشت. در سال 1581 نصب شد.
قرن هفدهم
قرن هفدهم مرحله جدیدی در توسعه باله است. جدا از یک رقص ساده، تبدیل به هنر مستقل، که لویی چهاردهم مشتاقانه از آن حمایت کرد. برای او، مازارین یک طراح رقص از ایتالیا را سفارش داد که با مشارکت شاه باله به صحنه می برد.
در سال 1661، لوئیس اولین آکادمی رقص را ایجاد کرد که هنر باله را آموزش می داد. اولین طراح رقص لویی چهاردهم، مسیو لولی، فرمان اولین مدرسه باله را به دست خود گرفت. تحت رهبری او، آکادمی رقص بهبود یافت و لحن را برای همه چیز تنظیم کرد دنیای باله. او هر کاری که ممکن بود انجام داد تا باله را از جوانی جوان و بیتجربه با آتش در چشمانش به یک مرد خوش تیپ باشکوه تبدیل کند که همه جا شناخته شده و مورد احترام است. در سال 1672 با حمایت او یک آکادمی رقص تأسیس شد که تا به امروز در سراسر جهان به عنوان باله اپرای پاریس شناخته می شود. یکی دیگر از طراحان رقص دربار لویی چهاردهم، پیر بوشامپ، روی اصطلاحات رقص کار کرد.
1681 سال مهم دیگری در تاریخ باله بود. برای اولین بار، دختران در تولید آقای لولی شرکت کردند. 4 زیبایی وارد دنیای رقص شدند و راه را برای دیگران هموار کردند. از این لحظه به یاد ماندنی، دختران شروع به درگیر شدن در باله کردند.
قرن هجدهم
در قرن هجدهم، باله همچنان قلب دوستداران رقص برازنده را در سراسر جهان به دست آورد. عدد عظیمیتولیدات، اشکال جدید بیان "من" خود روی صحنه، شهرت دیگر در محافل باریک دادگاه نیست. هنر باله به روسیه آمد. در سال 1738 مدرسه باله امپراتوری در سن پترزبورگ افتتاح شد.
هر چه به نیمه قرن نزدیک تر می شد، هنر باله درخشان تر می شد. اروپا مجذوب او بود، بیشتر افراد عالی رتبه به باله علاقه داشتند. مدارس باله در همه جا باز شد. مد باله نیز توسعه یافت. دخترها نقاب هایشان را برداشتند، مدل لباس هایشان تغییر کرد. حالا رقصندگان لباس های سبک می پوشیدند که به آنها اجازه می داد مراحلی را انجام دهند که تا آن زمان غیرممکن بود.
قرن 19
در آغاز قرن نوزدهم، نظریه باله به طور فعال در حال توسعه بود. در سال 1820، کارلو بلاسیس "رساله ابتدایی در مورد تئوری و عمل هنر رقص" را نوشت. گذار از کمیت به کیفیت آغاز می شود، توجه بیشتر و بیشتری به جزئیات می شود.
و اصلی ترین چیزی که آغاز قرن نوزدهم به باله می آورد رقصیدن روی نوک انگشتان است. این نوآوری با صدای بلند مورد استقبال قرار گرفت و توسط اکثریت طراحان رقص پذیرفته شد.
به طور کلی این صد سال به هنر باله خیلی چیزها داده است. باله به یک رقص غیرمعمول سبک و مطبوع تبدیل شده است، مانند باد تابستانی که در پرتوهای خورشید برمی خیزد. طلوع خورشید. تئوری و عمل دست در دست هم حرکت کردند: بسیاری از آثار علمی منتشر شد که هنوز هم در آموزش باله استفاده می شود.
قرن XX
قرن بیستم تحت نشانه باله روسی گذشت. در اروپا و آمریکا، در آغاز قرن، علاقه به باله در حال محو شدن بود، اما پس از ورود استادان از روسیه، عشق به هنر باله دوباره در آنجا شعله ور شد. بازیگران روسی تورهای طولانی ترتیب دادند و به همه این فرصت را دادند که از مهارت های خود لذت ببرند.
انقلاب 1917 نتوانست مانع از توسعه باله شود. ضمناً بالهای که ما به آن عادت کردهایم تقریباً در همان زمان ظاهر شد و اجراها عمیقتر شدند.
در قرن بیستم، باله یک هنر نه تنها برای اشراف و خانه های نجیب است. باله در دسترس عموم قرار می گیرد.
قرن XXI
امروزه، باله به همان شکل باقی مانده است هنر جادویی، که در آن می توانند با کمک رقص در مورد تمام احساسات انسانی صحبت کنند. به توسعه و رشد خود ادامه می دهد و همراه با جهان تغییر می کند و ارتباط خود را از دست نمی دهد.
ارسال شده توسط copypaster در چهارشنبه، 15/08/2007 - 01:11
باله یک هنر نسبتاً جوان است. قدمت آن کمی بیش از چهارصد سال است، اگرچه رقص از زمان های قدیم زندگی انسان را تزئین کرده است.
باله در دوران رنسانس در شمال ایتالیا متولد شد. شاهزادگان ایتالیایی عاشق جشن های مجلل در قصر بودند که در آن رقص جایگاه مهمی را اشغال می کرد. رقص های روستایی برای خانم ها و آقایان دربار مناسب نبود. لباس آنها، مانند سالن هایی که در آن می رقصیدند، اجازه حرکت غیر سازمان یافته را نمی داد. معلمان ویژه - استادان رقص - سعی کردند نظم را در رقص های دادگاه برقرار کنند. آنها از قبل ارقام انفرادی و حرکات رقص را با بزرگان تمرین میکردند و گروههایی از رقصندگان را رهبری میکردند. به تدریج رقص بیشتر و بیشتر جنبه نمایشی پیدا کرد.اصطلاح "باله" در پایان قرن شانزدهم ظاهر شد (از باله ایتالیایی - به رقص). اما پس از آن به معنای اجرا نبود، بلکه فقط یک قسمت رقص بود که حال و هوای خاصی را منتقل می کرد. چنین "باله ها" معمولاً از شخصیت های "خروجی" کمی به هم پیوسته تشکیل شده است - اغلب قهرمانان اسطوره های یونانی. پس از چنین "خروجی ها" رقص عمومی آغاز شد - "گراند باله".
اولین اجرای باله، باله کمدی ملکه بود که در سال 1581 توسط طراح رقص ایتالیایی Baltazarini di Belgioioso در فرانسه به صحنه رفت. در فرانسه بود که توسعه بیشتر باله اتفاق افتاد. در ابتدا اینها باله های بالماسکه بودند و سپس باله های ملودراماتیک باشکوه با توطئه های جوانمردانه و خارق العاده که در آن قسمت های رقص با آریاهای آوازی و شعرخوانی جایگزین شدند. تعجب نکنید، در آن زمان باله فقط یک اجرای رقص نبود.
در دوران سلطنت لویی چهاردهم، اجراهای باله درباری به شکوه خاصی رسید. لوئیس خود عاشق شرکت در باله بود و پس از ایفای نقش خورشید در باله شب، لقب معروف خود را "پادشاه خورشید" دریافت کرد.
او در سال 1661 آکادمی سلطنتی موسیقی و رقص را ایجاد کرد که شامل 13 استاد برجسته رقص بود. وظیفه آنها حفظ بود سنت های رقص. مدیر آکادمی، معلم رقص سلطنتی، پیر بوشان، پنج موقعیت اصلی رقص کلاسیک را شناسایی کرد.
به زودی اپرای پاریس افتتاح شد و همان Beauchamp به عنوان طراح رقص منصوب شد. یک گروه باله به رهبری او تشکیل شد. در ابتدا فقط از مردان تشکیل شده بود. زنان روی صحنه اپرای پاریستنها در سال 1681 ظاهر شد.
این تئاتر اپراها و باله های آهنگساز لولی و کمدی ها و باله های نمایشنامه نویس مولیر را روی صحنه می برد. در ابتدا درباریان در آنها شرکت می کردند و اجراها تقریباً هیچ تفاوتی با نمایش های کاخ نداشت. مینوئت های آهسته، گاووت ها و پاوان ها که قبلا ذکر شد رقصیدند. ماسک ها، لباس های سنگین و کفش های پاشنه بلند زنان را از انجام حرکات پیچیده باز می داشت. به همین دلیل است رقص مردانآنها سپس به لطف و ظرافت بیشتر متمایز شدند.
در اواسط قرن هجدهم، باله محبوبیت زیادی در اروپا به دست آورد. همه دربارهای اشرافی اروپا در پی تقلید از تجمل دربار سلطنتی فرانسه بودند. خانه های اپرا در شهرها افتتاح شد. تعداد زیادی از رقصندگان و معلمان رقص به راحتی کار پیدا کردند.
به زودی، تحت تأثیر مد، لباسهای باله زنان بسیار سبکتر و آزادتر شدند و خطوط بدن در زیر آن دیده میشد. رقصندگان کفش های پاشنه بلند را رها کردند و کفش های بدون پاشنه سبک را جایگزین آن کردند. لباس مردانه نیز کمتر حجیم شد: شلوارهای تنگ تا زانو و جورابهای ساق بلند، دیدن چهره رقصنده را ممکن میکرد.
هر نوآوری رقص را معنادارتر می کرد و تکنیک رقص- بالاتر کم کم باله از اپرا جدا شد و به هنری مستقل تبدیل شد.
گرچه مدرسه باله فرانسه به خاطر ظرافت و انعطاف خود مشهور بود، اما ویژگی آن سردی و رسمی بودن اجرا بود. از این رو طراحان رقص و هنرمندان به دنبال ابزارهای دیگر برای بیان بودند.
در اواخر هجدهمقرن ، جهت جدیدی در هنر متولد شد - رمانتیسم که تأثیر زیادی بر باله داشت. در یک باله عاشقانه، رقصنده روی کفش های پوینت ایستاده بود. ماریا تاگلیونی اولین کسی بود که این کار را انجام داد و ایده های قبلی در مورد باله را کاملاً تغییر داد. در باله La Sylphide، او به عنوان موجودی شکننده از دنیای دیگر ظاهر شد. موفقیت خیره کننده بود.
در این زمان، بسیاری از باله های شگفت انگیز ظاهر شدند، اما، متأسفانه، باله عاشقانه تبدیل شد آخرین دورهاوج هنر رقص در غرب از دومی نیمی از قرن 19قرن، باله، با از دست دادن اهمیت سابق خود، به ضمیمه ای برای اپرا تبدیل شد. تنها در دهه 30 قرن بیستم، تحت تأثیر باله روسی، احیای این هنر در اروپا آغاز شد.
در روسیه، اولین اجرای باله - "باله اورفئوس و اوریدیک" - در 8 فوریه 1673 در دربار تزار الکسی میخایلوویچ به صحنه رفت. رقص های تشریفاتی و آهسته شامل تغییر ژست ها، تعظیم و حرکت های زیبا و متناوب با آواز و سخنرانی بود. خیر نقش قابل توجهیاو نقشی در توسعه رقص صحنه ای نداشت. این فقط یکی دیگر از "تفریحات" سلطنتی بود که مردم را با غیرمعمول بودن و تازگی خود جذب می کرد.
تنها یک ربع قرن بعد، به لطف اصلاحات پیتر اول، موسیقی و رقص وارد زندگی روزمره جامعه روسیه شد. به اشراف موسسات آموزشیآموزش اجباری رقص معرفی شد. نوازندگان، هنرمندان اپرا و گروه های باله وارداتی از خارج از کشور شروع به اجرا در دادگاه کردند.
در سال 1738، اولین مدرسه باله در روسیه افتتاح شد و سه سال بعد، 12 پسر و 12 دختر از خادمان کاخ، اولین رقصندگان حرفه ای در روسیه شدند. آنها ابتدا در باله های استادان خارجی به عنوان چهره (به قول رقصندگان باله) و بعداً در نقش های اصلی اجرا می کردند. تیموفی بوبلیکوف، رقصنده فوق العاده آن زمان، نه تنها در سن پترزبورگ، بلکه در وین نیز درخشید.
در آغاز قرن نوزدهم، هنر باله روسیه به آن رسید بلوغ خلاق. رقصندگان روسی بیان و معنویت را به رقص آوردند. پوشکین با احساس بسیار دقیق، رقص معاصر خود Avdotya Istomina را "پرواز پر از روح" نامید.
باله در این زمان جایگاه ممتازی در میان انواع دیگر داشت هنرهای نمایشی. مقامات به او پول دادند توجه بزرگ، ارائه شده است یارانه های دولتی. گروه های باله مسکو و سن پترزبورگ در تئاترهای مجهز و فارغ التحصیلان اجرا کردند مدارس تئاترکارکنان رقصندگان، نوازندگان و دکوراتورها سالانه پر می شدند.
آرتور سن لئون
در تاریخ تئاتر باله ما اغلب نام استادان خارجی را می یابیم که نقش مهمی در توسعه باله روسی داشتند. اول از همه، اینها چارلز دیدلو، آرتور سن لئون و ماریوس پتیپا هستند. آنها به ایجاد مدرسه باله روسی کمک کردند. اما هنرمندان با استعداد روسی نیز این فرصت را دادند تا استعدادهای معلمان خود را آشکار کنند. این همواره بزرگترین طراحان رقص اروپا را به مسکو و سنت پترزبورگ جذب کرد. آنها در هیچ کجای جهان نتوانستند مانند روسیه با یک گروه بزرگ، با استعداد و آموزش دیده روبرو شوند.
در اواسط 19thقرن، رئالیسم به ادبیات و هنر روسیه آمد. طراحان رقص با تب و تاب، اما بی فایده، تلاش کردند تا اجراهای واقع گرایانه خلق کنند. آنها در نظر نگرفتند که باله یک هنر متعارف است و رئالیسم در باله تفاوت قابل توجهی با رئالیسم در نقاشی و ادبیات دارد. بحران هنر باله آغاز شد.
مرحله جدیدی در تاریخ باله روسیه زمانی آغاز شد که آهنگساز بزرگ روسی P. Tchaikovsky برای اولین بار موسیقی برای باله ساخت. دریاچه سوان بود. پیش از این موسیقی باله جدی گرفته نمی شد. این نوع خلاقیت موسیقایی پایین تری در نظر گرفته می شد، فقط همراهی با رقص.
به لطف چایکوفسکی، موسیقی باله در کنار موسیقی اپرا و سمفونیک به یک هنر جدی تبدیل شد. قبلاً موسیقی کاملاً به رقص وابسته بود ، اکنون رقص باید تسلیم موسیقی می شد. ابزارهای جدید بیان و رویکرد جدیدی برای خلق یک اجرا مورد نیاز بود.
توسعه بیشتر باله روسی با نام طراح رقص مسکو A. Gorsky همراه است که با کنار گذاشتن تکنیک های منسوخ پانتومیم ، از تکنیک های کارگردانی مدرن در اجرای باله استفاده کرد. او با اهمیت زیادی به طراحی زیبای اجرا، بهترین هنرمندان را به کار جذب کرد.
اما اصلاحکننده واقعی هنر باله، میخائیل فوکین است که علیه ساختار سنتی قیام کرد اجرای باله. او استدلال میکرد که موضوع نمایش، موسیقی آن، و دورهای که در آن اکشن اتفاق میافتد، نیاز به حرکات رقص متفاوت و الگوی رقص متفاوتی دارد. هنگام اجرای باله "شب های مصر"، فوکین از شعر V. Bryusov و نقاشی های مصر باستان الهام گرفت و تصاویر باله "Petrushka" از شعر A. Blok الهام گرفت. در باله Daphnis and Chloe، او رقص روی کفش های پوینت را کنار گذاشت و نقاشی های دیواری باستانی را با حرکات آزاد و انعطاف پذیر احیا کرد. شوپینیانای او فضای باله رمانتیک را زنده کرد. فوکین نوشت: "او آرزو دارد که یک درام باله را از سرگرمی باله و از رقص به زبانی قابل درک و گفتار بسازد." و او موفق شد.
آنا پاولوا
در سال 1908، اجراهای سالانه رقصندگان باله روسی در پاریس آغاز شد که توسط چهره تئاتر S. P. Diaghilev. نام رقصندگان روسیه - واسلاو نیژینسکی، تامارا کارساوینا، آدولف بولم - در سراسر جهان شناخته شد. اما اولین بار در این ردیف نام آنا پاولوا بی نظیر است.
پاولوا - غنایی، شکننده، با خطوط بدن دراز، چشمان بزرگ - حکاکی هایی را برانگیخت که بالرین های رمانتیک را به تصویر می کشد. قهرمانان او یک رویای کاملا روسی از یک زندگی هماهنگ و معنوی یا اشتیاق و اندوه در مورد چیزی تحقق نیافته را منتقل می کردند. "قو در حال مرگ" که توسط بالرین بزرگ پاولوا خلق شده است، نمادی شاعرانه از باله روسی در آغاز قرن بیستم است.
پس از آن بود که تحت تأثیر مهارت هنرمندان روسی بود که باله غربی خود را تکان داد و باد دومی پیدا کرد.
پس از انقلاب اکتبر 1917، بسیاری از چهره های تئاتر باله روسیه را ترک کردند، اما با وجود این، مدرسه باله روسی زنده ماند. رقت حرکت به سوی زندگی جدید، مضامین انقلابی و از همه مهمتر دامنه تجربیات خلاقانه الهام بخش استادان باله بود. وظیفه آنها نزدیک کردن بود هنر رقصبرای مردم، حیاتی تر و قابل دسترس تر شود.
این گونه بود که ژانر باله دراماتیک به وجود آمد. اینها اجراهایی بودند که معمولاً بر اساس توطئه های افراد مشهور بود آثار ادبی، که بر اساس قوانین اجرای نمایشی ساخته شده اند. محتوا از طریق پانتومیم و رقص فیگوراتیو ارائه شد. در اواسط قرن بیستم، باله نمایشی در بحران بود. طراحان رقص تلاش کردند تا این ژانر باله را حفظ کنند و ارزش سرگرمی اجراها را با کمک جلوه های صحنه افزایش دهند، اما، افسوس، بیهوده.
در پایان دهه 1950، نقطه عطفی بود. طراحان رقص و رقصندگان نسل جدید ژانرهای فراموش شده را احیا کرده اند - باله تک پرده، سمفونی باله، مینیاتور رقص. و از دهه 1970، گروههای مستقل باله به وجود آمدند، مستقل از تئاترهای اپرا و باله. تعداد آنها دائما در حال افزایش است و استودیوهای رایگان رقص و رقص مدرن در بین آنها ظاهر می شوند.
انتشارات در بخش تئاتر
باله های معروف روسیه. 5 برتر
باله کلاسیک یک هنر شگفت انگیز است که در ایتالیا در دوران رنسانس بالغ متولد شد، که به فرانسه نقل مکان کرد، جایی که اعتبار توسعه آن، از جمله تأسیس آکادمی رقص و تدوین بسیاری از جنبش ها، متعلق به پادشاه بود. لویی چهاردهم. فرانسه هنر رقص تئاتر را به همه صادر کرد کشورهای اروپاییاز جمله روسیه. در اواسط قرن نوزدهم، پایتخت باله اروپا دیگر پاریس نبود، که شاهکارهای رمانتیسم La Sylphide و Giselle را به جهان هدیه کرد، بلکه سنت پترزبورگ بود. در آن است پایتخت شمالیتقریباً 60 سال، ماریوس پتیپا، طراح رقص بزرگ، خالق سیستم رقص کلاسیک و نویسنده شاهکارهایی که هنوز صحنه را ترک نمی کنند، کار کرد. پس از انقلاب اکتبر، آنها می خواستند "باله را از کشتی مدرنیته بیندازند"، اما موفق شدند از آن دفاع کنند. دوران شورویبا خلق تعداد قابل توجهی از شاهکارها مشخص شد. ما پنج باله برتر روسی را به ترتیب زمانی ارائه می دهیم.
"دن کیشوت"
صحنه ای از باله دن کیشوت. یکی از اولین ساخته های ماریوس پتیپا
اولین نمایش باله توسط L.F. مینکوس "دن کیشوت" در تئاتر بولشوی. 1869 از آلبوم معمار آلبرت کاووس
صحنه هایی از باله دن کیشوت. کیتری - لیوبوف روسلالووا (مرکز). به صحنه رفته توسط A.A. گورسکی. مسکو، تئاتر بولشوی. 1900
موسیقی توسط L. Minkus، لیبرتو توسط M. Petipa. اولین تولید: مسکو، تئاتر بولشوی، 1869، رقص M. Petipa. تولیدات بعدی: سن پترزبورگ، تئاتر ماریینسکی، 1871، رقص M. Petipa; مسکو، تئاتر بولشوی، 1900، سن پترزبورگ، تئاتر ماریینسکی، 1902، مسکو، تئاتر بولشوی، 1906، همه - رقص آ.گورسکی.
باله "دن کیشوت" - پر از زندگی و شادی اجرای تئاتر، جشن ابدی رقصی که هرگز بزرگسالان را خسته نمی کند و والدین با خوشحالی فرزندان خود را به آنجا می برند. اگرچه نام قهرمان نامیده می شود رمان معروفسروانتس، اما از یکی از اپیزودهایش به نام «عروسی کویتریا و باسیلیو» شروع میکند و در مورد ماجراهای قهرمانان جوانی میگوید که با وجود مخالفت پدر سرسخت قهرمان که میخواست او را با ثروتمندان ازدواج کند، عشقشان در نهایت پیروز میشود. گاماچه.
بنابراین دن کیشوت تقریباً هیچ ربطی به آن ندارد. کل اجرا یک هنرمند قد بلند و لاغر است که توسط یک همکار کوتاه قد و شکم قابلمه ای همراهی می شود. سانچو پانزا، در اطراف صحنه قدم می زند و گاهی اوقات با تماشای آهنگ های پتیپا و گورسکی تداخل می کند رقص فوق العاده. باله، در اصل، یک کنسرت در لباس است، جشنی از رقص کلاسیک و شخصیت، که در آن همه رقصندگان هر شرکت باله شغلی دارند.
اولین تولید باله در مسکو انجام شد ، جایی که پتیپا هر از گاهی برای بالا بردن سطح گروه محلی محلی که قابل مقایسه با گروه درخشان تئاتر ماریینسکی نیست ، بازدید می کرد. اما در مسکو میتوان آزادانهتر نفس کشید، بنابراین طراح رقص، در اصل، خاطرهای از باله را به صحنه برد. سال های فوق العادهجوانی در کشوری آفتابی سپری شد.
این باله موفقیت آمیز بود و دو سال بعد پتیپا آن را به سن پترزبورگ منتقل کرد که نیاز به تغییراتی داشت. در پایتخت شمالی رقص های مشخصبسیار کمتر از کلاسیک های خالص علاقه مند بودند. پتیپا «دن کیشوت» را به پنج پرده گسترش داد، «پرده سفید» را ساخت که به اصطلاح «رویای دن کیشوت» نامیده میشود، بهشتی واقعی برای دوستداران بالرینهای توتوس و صاحبان پاهای زیبا. تعداد کوپیدها در «رویا» به پنجاه و دو رسید...
"دن کیشوت" در بازسازی توسط طراح رقص مسکو، الکساندر گورسکی، که مشتاق ایده های کنستانتین استانیسلاوسکی بود و می خواست باله قدیمی را منطقی تر و دراماتیک تر متقاعد کند، به سراغ ما آمد. گورسکی ترکیبات متقارن پتیپا را نابود کرد، توتوس را در صحنه «رویا» لغو کرد و بر استفاده از آرایش تیره برای رقصندگانی که زنان اسپانیایی را به تصویر میکشند اصرار داشت. پتیپا او را "خوک" نامید ، اما قبلاً در اولین اقتباس از گورسکی این باله 225 بار روی صحنه تئاتر بولشوی اجرا شد.
"دریاچه قو"
منظره برای اجرای اول. تئاتر بولشوی مسکو. 1877
صحنه ای از باله "دریاچه قو" اثر P.I. چایکوفسکی (کرئوگرافان ماریوس پتیپا و لو ایوانف). 1895
موسیقی توسط P. Tchaikovsky، لیبرتو توسط V. Begichev و V. Geltser. تولید اول: مسکو، تئاتر بولشوی، 1877، طراحی رقص وی. ریزینگر. تولید بعدی: سن پترزبورگ، تئاتر ماریینسکی، 1895، رقص M. Petipa، L. Ivanov.
باله محبوب، که نسخه کلاسیک آن در سال 1895 روی صحنه رفت، در واقع هجده سال قبل در تئاتر بولشوی مسکو متولد شد. موسیقی موسیقی چایکوفسکی، که شهرت جهانی اش هنوز فرا نرسیده بود، نوعی مجموعه "آهنگ های بی کلام" بود و برای آن زمان بیش از حد پیچیده به نظر می رسید. این باله حدود 40 بار اجرا شد و در فراموشی فرو رفت.
پس از مرگ چایکوفسکی، دریاچه قو در تئاتر ماریینسکی روی صحنه رفت و تمام تولیدات بعدی باله بر اساس این نسخه بود که به یک نسخه کلاسیک تبدیل شد. به این عمل وضوح و منطق بیشتری داده شد: باله در مورد سرنوشت شاهزاده خانم زیبای اودت که با اراده نابغه شیطانی روتبارت به قو تبدیل شد، در مورد اینکه چگونه روتبارت شاهزاده زیگفرید را که عاشق او شده بود فریب داد. با توسل به جذابیت های دخترش اودیل و در مورد مرگ قهرمانان. موسیقی چایکوفسکی توسط رهبر ارکستر ریکاردو دریگو تقریباً یک سوم کاهش یافت و مجدداً تنظیم شد. پتیپا رقص اولین و سومین را خلق کرد، لو ایوانف - برای قسمت دوم و چهارم. این بخش به طور ایده آل به دعوت هر دو طراح رقص درخشان پاسخ داد، که دومی باید در سایه اولی زندگی می کرد و می مرد. پتیپا پدر باله کلاسیک، خالق آهنگ های بی عیب و نقص هماهنگ و خواننده زن پری، زن اسباب بازی است. ایوانف یک طراح رقص مبتکر است که حسی غیرمعمول نسبت به موسیقی دارد. نقش اودت-اودیل را پیرینا لگنانی، "ملکه بالرین های میلانی" ایفا کرد، او همچنین اولین ریموندا و مخترع 32 فوئته، سخت ترین نوع چرخش روی کفش های پوینت است.
شاید شما چیزی در مورد باله ندانید، اما دریاچه سوان را همه می شناسند. در سالهای آخر وجود اتحاد جماهیر شوروی، زمانی که رهبران مسن اغلب جایگزین یکدیگر میشدند، ملودی روحانگیز دونفری «سفید» شخصیتهای اصلی باله و پاشیدن دستهای بالدار از صفحه تلویزیون خبر غم انگیزی میداد. رویداد ژاپنی ها آنقدر «دریاچه قو» را دوست دارند که آماده تماشای آن صبح و عصر هستند که توسط هر گروهی اجرا می شود. هیچ یک از گروه های تور، که تعداد زیادی از آنها در روسیه و به ویژه در مسکو وجود دارد، نمی تواند بدون "سوان" انجام دهد.
"فندق شکن"
صحنه ای از باله "فندق شکن". تولید اول. ماریانا - لیدیا روبتسوا، کلارا - استانیسلاوا بلینسکایا، فریتز - واسیلی استوکولکین. تئاتر مارینسکی 1892
صحنه ای از باله "فندق شکن". تولید اول. تئاتر مارینسکی 1892
موسیقی P. Tchaikovsky، لیبرتو M. Petipa. اولین تولید: سن پترزبورگ، تئاتر مارینسکی، 1892، رقص ال. ایوانف.
هنوز اطلاعات اشتباهی در کتابها و وبسایتها وجود دارد مبنی بر اینکه «فندق شکن» توسط پدر باله کلاسیک، ماریوس پتیپا به صحنه رفته است. در واقع، پتیپا فقط فیلمنامه را نوشت و اولین تولید باله توسط زیردست او، لو ایوانوف انجام شد. ایوانف با کار غیرممکنی روبرو شد: فیلمنامه ای که به سبک باله ای شیک در آن زمان با مشارکت ضروری یک مجری مهمان ایتالیایی خلق شده بود، در تضاد آشکار با موسیقی چایکوفسکی بود که اگرچه کاملاً مطابق با آهنگ پتیپا نوشته شده بود. دستورالعمل ها، با احساس عالی و غنای دراماتیک و توسعه پیچیده سمفونیک متمایز شد. علاوه بر این، قهرمان باله یک دختر نوجوان بود و بالرین ستاره فقط برای آخرین پاس دو (یک دوئت با یک شریک، متشکل از یک آداجیو - یک قسمت آهسته، تغییرات - رقص های انفرادی و یک کودا ( فینال جذاب)). اولین تولید فندق شکن، که در آن قسمت اول عمدتاً یک نمایش پانتومیم بود، به شدت با پرده دوم، یک نمایش متفاوت، تفاوت زیادی داشت، منتقدان فقط به والس دانه های برف اشاره کردند (64 رقصنده در آن شرکت کردند). و Pas de deux of Sugar Plum Fairy و Prince of Hooping Cough که منبع الهام آن آداجیو با گل رز ایوانف از زیبای خفته بود، جایی که شفق قطبی با چهار آقا می رقصد.
اما در قرن بیستم، که توانست به اعماق موسیقی چایکوفسکی نفوذ کند، سرنوشت "فندق شکن" برای آینده ای واقعاً خارق العاده بود. تولیدات باله بی شماری در اتحاد جماهیر شوروی، کشورهای اروپایی و ایالات متحده آمریکا وجود دارد. در روسیه، تولیدات واسیلی واینونن در تئاتر آکادمیک دولتی اپرا و باله لنینگراد (در حال حاضر تئاتر ماریینسکی در سن پترزبورگ) و یوری گریگوروویچ در تئاتر بولشوی مسکو از محبوبیت خاصی برخوردار است.
"رومئو و ژولیت"
باله "رومئو و ژولیت". ژولیت - گالینا اولانوا، رومئو - کنستانتین سرگئیف. 1939
خانم پاتریک کمپبل در نقش ژولیت در رمان رومئو و ژولیت شکسپیر. 1895
فینال باله "رومئو و ژولیت". 1940
موسیقی توسط S. Prokofiev، لیبرتو S. Radlov، A. Piotrovsky، L. Lavrovsky. اولین تولید: برنو، تئاتر اپرا و باله، 1938، رقص وی. تولید بعدی: لنینگراد، تئاتر آکادمیک دولتی اپرا و باله به نام. اس. کیروف، 1940، رقص ال. لاوروفسکی.
اگر یک عبارت شکسپیر در ترجمه معروف روسی خوانده شود هیچ داستانی غم انگیزتر از داستان رومئو و ژولیت در دنیا وجود ندارد.، سپس در مورد باله ای که سرگئی پروکوفیف بزرگ در این طرح نوشته است گفتند: "هیچ داستان غم انگیزتر از موسیقی پروکوفیف در باله در جهان وجود ندارد". موسیقی رومئو و ژولیت از نظر زیبایی، غنای رنگ و رسا واقعاً شگفتانگیز بود، موسیقی رومئو و ژولیت در زمان ظهور بسیار پیچیده و برای باله نامناسب به نظر میرسید. رقصندگان باله به سادگی از رقصیدن با آن خودداری کردند.
پروکوفیف این موسیقی را در سال 1934 نوشت و در ابتدا نه برای تئاتر، بلکه برای مدرسه معروف رقص آکادمیک لنینگراد در نظر گرفته شده بود تا 200 سالگی خود را جشن بگیرد. این پروژه به دلیل قتل سرگئی کیروف در لنینگراد در سال 1934 اجرا نشد ، تغییراتی در تئاتر موسیقی پیشرو پایتخت دوم رخ داد. طرح روی صحنه بردن "رومئو و ژولیت" در بولشوی مسکو نیز محقق نشد. در سال 1938 ، اولین نمایش توسط تئاتر در برنو به نمایش درآمد و تنها دو سال بعد باله پروکوفیف سرانجام در سرزمین مادری نویسنده ، در تئاتر کیروف آن زمان به صحنه رفت.
لئونید لاوروفسکی، طراح رقص، در چارچوب ژانر "باله درام" (شکلی از درام رقص مشخصه باله دهه 1930-1950) که با استقبال شدید مقامات اتحاد جماهیر شوروی مواجه شد، منظره ای چشمگیر و هیجان انگیز را با جمعیتی که به دقت مجسمه سازی شده بود خلق کرد. صحنه ها و طرح ریزی دقیق ویژگی های روانیشخصیت ها در اختیار او گالینا اولانوا، پیچیده ترین بازیگر بالرین بود که در نقش ژولیت بی نظیر باقی ماند.
امتیاز پروکوفیف به سرعت توسط طراحان رقص غربی مورد قدردانی قرار گرفت. اولین نسخه های باله قبلاً در دهه 40 قرن بیستم ظاهر شد. خالقان آنها بیرگیت کولبرگ (استکهلم، 1944) و مارگاریتا فرومان (زاگرب، 1949) بودند. تولیدات قابل توجه«رومئو و ژولیت» متعلق به فردریک اشتون (کپنهاگ، 1955)، جان کرانکو (میلان، 1958)، کنت مک میلان (لندن، 1965)، جان نویمایر (فرانکفورت، 1971، هامبورگ، 1973) است. Moiseeva، 1958، رقص توسط یو گریگورویچ، 1968
بدون اسپارتاک، مفهوم "باله شوروی" غیرقابل تصور است. این یک ضربه واقعی، نمادی از دوران است. دوره شوروی مضامین و تصاویر متفاوتی ایجاد کرد که عمیقاً با باله کلاسیک سنتی که از ماریوس پتیپا و تئاترهای امپراتوری مسکو و سنت پترزبورگ به ارث رسیده بود متفاوت بود. افسانه های پریانبا پایانی خوش بایگانی شدند و جای خود را به داستان های قهرمانانه دادند.
در حال حاضر در سال 1941 یکی از پیشرو آهنگسازان شورویآرام خاچاتوریان از قصد خود برای نوشتن موسیقی برای یک نمایش قهرمانانه و یادبود گفت که باید روی صحنه تئاتر بولشوی روی صحنه برود. موضوع آن قسمتی از تاریخ روم باستان، قیام بردگان به رهبری اسپارتاکوس بود. خاچاتوریان با استفاده از نقوش ارمنی، گرجی، روسی و مملو از ملودی های زیبا و ریتم های آتشین، موسیقی رنگارنگی خلق کرد. این تولید قرار بود توسط ایگور مویسف انجام شود.
سالها طول کشید تا آثار او به دست مخاطبان برسد و نه در تئاتر بولشوی، بلکه در تئاتر ظاهر شد. کیروف لئونید یاکوبسون، طراح رقص، اجرای نوآورانه خیرهکنندهای خلق کرد و ویژگیهای سنتی باله کلاسیک، از جمله رقصیدن روی کفشهای پوینت، استفاده از پلاستیک آزاد و بالرینهایی که صندل پوشیده بودند را کنار گذاشت.
اما باله "اسپارتاکوس" در سال 1968 در دستان طراح رقص یوری گریگوروویچ به یک موفقیت و نماد دوران تبدیل شد. گریگوروویچ بیننده را با دراماتورژی بی نقص خود، نمایش ظریف شخصیت های شخصیت های اصلی، صحنه سازی ماهرانه صحنه های جمعیت و خلوص و زیبایی آداگیوهای غنایی، شگفت زده کرد. او کار خود را "اجرای چهار سولیست با یک گروه باله" نامید (هنگ باله هنرمندانی هستند که در قسمت های رقص دسته جمعی شرکت دارند). نقش اسپارتاکوس را ولادیمیر واسیلیف، کراسوس - ماریس لیپا، فریگیا - اکاترینا ماکسیموا و آگینا - نینا تیموفیوا بازی کردند. این باله عمدتاً مردانه بود، که باعث می شود باله "اسپارتاکوس" در نوع خود بی نظیر باشد.
علاوه بر خوانش های معروف اسپارتاکوس توسط یاکوبسون و گریگوروویچ، حدود 20 اثر دیگر از این باله وجود دارد. از جمله می توان به نسخه ای از Jiří Blazek برای باله پراگ، László Szeregi برای باله بوداپست (1968)، Jüri Vamos برای Arena di Verona (1999)، رناتو زانلا برای باله اپرای دولتی وین (2002)، ناتالیا کاساتکینا و ولادیمیر اشاره کرد. واسیلیف برای تئاتر آکادمیک دولتی به کارگردانی آنها باله کلاسیک در مسکو (2002).